GonzaloYagami

La proxima vez para celebrar el Jump Super Anime Tour el capitulo sera de 21 paginas Bueno como la informacion es me medio corta aca les dejo imagenes del manga pero a color Espero que les alla hecho de utilidad

Chipa La chipa o el chipá (la palabra no tiene género por ser un término en lengua guaraní) es un pan pequeño hecho con almidón de mandioca, queso duro, leche, huevos, manteca y sal; también se le puede añadir un poco de levadura en polvo y/o un chorrito de jugo de naranja y/o un poco de aceite de girasol. Este plato, bajo estas denominaciones y casi con los mismos ingredientes y proporciones de estos, es propio de Paraguay, del Nordeste argentino,3 4 y de parte del Suroeste brasileño. En Paraguay, y las provincias argentinas de Formosa y Misiones,se le dice "chipa" (en femenino y sin acento) o chipita. En parte de la Corrientes, Entre Ríos y Chaco, y demás lugares de Argentina donde se consume, se le dice "chipá" (en masculino y con acento en la A) o chipacito. Por ser los Guaraníes los creadores de esta comida, quieren que se pronuncie "chipa" y no "chipá", ya que en territorio argentino fue donde se cambió dicha pronunciación. Ingredientes La variante de chipá o chipa más frecuente se elabora con almidón de mandioca, leche, queso, huevos, un poquito de sal y manteca o aceite, con los que se preparan pequeños bollitos de 4 cm de diámetro, aproximadamente. La ligereza de la fécula de mandioca, molida muy finamente, le da una consistencia especial y permite que sea el queso fundido el que domine el sabor. En ocasiones se le aliña con semillas de anís, y en otras se le añade un poco de jugo de naranja (uno de los cultivos más importante en Corrientes). Algunas veces, a todo esto se le añade un poco de harina de maíz, o en su defecto de trigo, para darle algo más de consistencia al chipá o chipa. Chipa guazu Chipa Guazú es una torta de maíz o pastel de choclo cocida al horno o tatacua, y constituye una de las 70 variedades identificadas de chipa, comida originaria de los guaraníes, y por lo tanto, típica del Paraguay y de Argentina Es guarnición obligada en los “asados” (encuentros de carácter social y/o familiar que se realizan en torno a la mesa en la que se sirven distintos cortes de carne vacuna o cerdo, chorizos y morcillas). Como todo plato de la gastronomía paraguaya posee, por razones de orden histórico debidamente comprobadas, un alto valor proteico. La “chipa guazú” debe su nombre a la conjunción de dos vocablos. El primero, “chipa”, que genéricamente designa a un conjunto de tortas de diverso tipo que tienen al maíz o al almidón de mandioca como base de preparación y que hacen parte del denominado “Tyra”, término guaraní que sirve para designar todo alimento que se consume para acompañar el “mate cocido”, la leche o el café, o que simplemente se prepara para fungir de complemento de otros platos. El segundo de los vocablos que intervienen en la formación del nombre, “guazú”, significa en Guaraní “grande”, de lo cual se infiere que la “chipa guazú” es, en alguna medida, la más grande de las chipas. Ingredientes y preparacion Se utilizan en la preparación de la “chipa guazu”, agua, sal fina, grasa de cerdo o manteca vegetal, huevos, queso fresco o del tipo cuartirolo, leche y choclo (mazorca tierna de maíz); en algunas recetas también se utiliza cebolla. Se blanquean las cebollas en una sartén con un chorrito de aceite y la sal, y se deja enfriar. Se bate la grasa (o manteca vegetal, o bien, también puede utilizarse aceite) hasta que quede blanca y espumosa y se agregan de a uno los huevos y el queso desmenuzado, sin dejar de batir la mezcla. Se añade la cebolla, el agua de esta y los choclos rallados o pasados por máquina de moler (también se pueden licuar o procesar), y la leche. Se mezcla luego todo convenientemente y se vierte la pasta obtenida en un recipiente para horno. Se cocina a horno ligeramente caliente (a 200 °C) por espacio de una hora y media, o hasta que, al pincharlo con un palito de madera, éste salga seco. Otra variable de “chipa guazú” puede prepararse sin huevos, en cuyo caso se agregará más leche. Sopa Paraguaya La sopa paraguaya es un plato típico de la gastronomía de Paraguay y de la gastronomía del Nordeste argentino, producto del sincretismo guaraní y español. Los guaraníes acostumbraban a consumir comidas pastosas elaboradas con harina de maíz o de mandioca envueltas en hojas de güembé o banana y cocinadas entre ceniza caliente. Los jesuitas (en su mayoría españoles), introdujeron el uso de: queso, huevos y leche (aditivos que fueron agregados a las comidas preparadas por los guaraníes). Por esto, la sopa paraguaya se trata de un bizcocho esponjoso salado, de muy rico contenido calórico y proteico. Ingredientes Para la tradicional “sopa paraguaya” se utilizan: cebolla, agua, sal gruesa, grasa de cerdo, huevos, queso fresco, harina de maíz (no polenta), leche cuajada o natural, nata de leche.(receta tradicional). Hay quienes reemplazan la harina de maíz por choclo fresco: - 3/4 choclo fresco - 2 cebollas - 1/2 taza de aceite - 1 cucharada de sal gruesa - 1/2 Kl. queso - 3/4 litro de leche - 4 huevos Otras variedades, como la denominada “sopa paraguaya de estancia” o “sopa paraguaya Don Carlos” (en recuerdo de quien bautizó este plato) utilizan prácticamente los mismos ingredientes, variando fundamentalmente las cantidades para dar a la pasta mayor o menor consistencia y hacerla más o menos grasienta, conforme al gusto de los comensales. Preparacion La “sopa tradicional” sigue los pasos siguientes en su preparación: se corta finamente la cebolla y se la hierve con agua y sal. Luego se bate la grasa de vaca y se agregan los huevos, continuándo el batido. Se añade el queso. A esa pasta se le incorpora la cebolla la cual hirvió 15 minutos, la harina de maíz, con la leche y la nata. Se mezcla todo con suavidad y se coloca la pasta obtenida en una asadera engrasada para luego cocinar a horno caliente (a 200°C) durante una hora aproximadamente. Fuente: 1)http://es.wikipedia.org/wiki/Chip%C3%A1 2)http://es.wikipedia.org/wiki/Chipa_Guas%C3%BA 3)http://es.wikipedia.org/wiki/Sopa_paraguaya

La historia del anime: La historia del anime, el género de animación de origen japonés, comienza en la segunda dKitayama en 1917. En 1906 aparece la primera película de animación, Humorous Phases of funny face, del productor americano James Stuart Blackton. En 1907 se hizo la primera producción de animación japonesa, en donde sale un niño marinero.1 En 1908 aparece en Francia Fantasmagorie, del dibujante Emile Cohl y producida por Gaumont. Este tipo de películas de animación llegan a los cines japoneses hacia 1910. Entre 1914 y 1917 se exhibieron unas 93 películas de animación extranjeras, siendo las americanas las de mayor popularidad. Ante tal fenómeno, los productores japoneses comenzaron a plantearse la realización de cine de animación nacional. La compañía Tennenshoku Katsudo Shashin (Tenkatsu) es quien reacciona primero, encargando en 1916 al dibujante de manga Oten Shimokawa una película del género. En aquella época no existía documentación en Japón sobre las técnicas de animación, por lo que la tarea de Shimokawa no fue fácil. No obstante, consiguió realizar el primer filme de animación japonesa, Imokawa Mukuzo, Genkanban no maki (Mukuzo Imokawa y el guardián de la entrada) estrenada en enero de 1917. Por su parte, el pintor de estilo occidental Seitaro Kitayama, interesado por las películas extranjeras de animación que veía, presenta un proyecto de realización propia a la compañía Nippon Katsudo Shashin (Nikkatsu), que ésta acepta encargarle. Kitayama tampoco era un experto en la animación, pero a base de pruebas y errores, consiguió terminar Saru Kani gassen (La batalla del mono y el cangrejo), basada en un cuento popular japonés, que fue estrenada en mayo de 1917. Shimokawa y Kitayama comenzaron la realización de sus películas en 1916, coincidiendo con la puesta en marcha del dibujante de manga de corte político Sumikazu Kouchi, que por encargo ahora de la compañía Kobayashi Shokai, estrenaría en junio de 1917 Hanawa Hekonai, Shinto no maki (Hekonai Hanawa y su nueva espada), con un samurái como protagonista. La historia del cine de animación japonés comienza efectivamente en 1917 gracias a los trabajos de estos tres pioneros, pero no se conserva copia de ninguna de estas películas por lo que se desconocen otros datos. La de Kouchi fue la más elogiada de ellas por las críticas de la época, siendo además la primera en rodarse, aunque se estrenara después de las otras dos. Shimokawa llegó a realizar cinco películas de animación, pero debido a la sobreexposición al reflejo luminoso que conllevaba el proceso, sus ojos experimentaban gran cansancio, por lo que decidió abandonar este trabajo y volver a dibujar manga. Kouchi también se apartó del cine de animación tras realizar cuatro películas, pero luego volvería temporalmente a este campo debido a que personalidades de la esfera política le encargaron cortos de propaganda. Por el contrario, Kitayama, se dedicó plenamente a la realización de películas de animación. Comenzó empleando como ayudantes a jóvenes aspirantes a pintores, a los que enseñaba las técnicas del dibujo animado. Kitayama, que en 1917 llegó a realizar hasta diez películas, presenta ese mismo año una película basada en el personaje infantil Momotarō, que consigue exportar a Francia, convirtiéndose en el primer producto de animación japonesa que llega a occidente. Kitayama crea sus propios estudios de cine en 1921 pero el Gran terremoto de Kantō de 1923 destruirá sus instalaciones de Tokio, por lo que decide mudarse a Osaka. Allí se aparta de los dibujos animados para dedicarse a rodar documentales informativos para una empresa de noticias local. No obstante, la gran importancia de la labor de Kitayama residirá en haber enseñado las técnicas de la animación a una serie de jóvenes que proseguirán el trabajo que él empezó. Uno de estos fue Sanae Yamamoto, (cuyo nombre original era Zenjiro Yamamoto). Era un aspirante a pintor que acudió a trabajar a los estudios de Kitayama, donde quedó fascinado por el mundo del dibujo animado. Al marcharse su maestro de Tokio, Yamamoto decide independizarse y formar sus propios estudios de animación. En 1925 realiza Ubasute yama (La montaña donde se abandona a los viejos), que tiene como tema el respeto y cuidado de los ancianos. Consigue el patrocinio de la Secretaría de Educación para una serie de películas de animación de corte educativo, y entre sus obras más representativas se encuentran Usagi to Kame (El conejo y la tortuga, 1924) y Nippon ichi no Momotaro (Taro Melocotón, el número 1 de Japón, 1928). También de esta época es Shiobara Tasuke, dirigida por Hakuzan Kimura. Éste trabajaba pintando murales de anuncio para las salas cinematográficas, pero cambia su profesión para dedicarse a los dibujos animados, destacando pronto por sus historias de samuráis. En 1932 rueda la primera película erótica de la animación japonesa, Suzumi-Bune (El paseo nocturno en barco), que le cuesta ser detenido por la policía, que además confisca la película. Kimura, individuo del que se desconocen muchas cosas, entre ellas las fechas de nacimiento y muerte, se retirará tras este incidente. Existen rumores de que una copia fue vendida ilegalmente al extranjero, pero en cualquier caso Suzumi-Bune se convirtió en una película fantasma, imposible de ver. Al parecer se trataba de un traslado a la pantalla del mundo erótico creado por los artistas del Ukiyo-e del período Edo. Otro discípulo de los pioneros (en este caso de Sumikazu Kouchi) fue Noburo Ofuji, que empezó la producción de dibujos animados gracias a la ayuda económica de su hermana mayor, Yae, siendo su primera película Baguda-jo no tozoku (El ladrón del castillo de Baguda, 1926). Como material de trabajo utilizaba el tradicional papel Chiyo, popular desde el período Edo, pero sus colores no pudieron ser recogidos por la fotografía en blanco y negro de la época. Ofuchi también realizó varias películas de animación con siluetas, como fue el caso de Kujira (La ballena, 1927), cuyas imágenes hizo acompañar con la música de la ópera Guillermo Tell de Rossini. Ofuchi dedicó mucho tiempo a estudiar la posibilidad del cine sonoro y en color, y gracias a la ayuda de su hermana, consiguió realizar casi todas sus películas prácticamente solo. En 1923, año del Gran terremoto de Kantō, Yasuji Murata ingresa en la recién formada Yokohama Cinema Shokai, en principio dedicada a la importación de películas extranjeras. Murata comienza a trabajar allí pintando esporádicamente murales de películas para los cines, pero el presidente de la compañía le contrata como empleado fijo al ver su talento para el dibujo. Murata también escribía los rótulos para las películas extranjeras de la compañía, pero, impresionado por las películas de animación de John Randolph Bray que aquella importaba, propone a su presidente la producción propia de cintas similares. Autodidacta de la materia, Murata escoge una popular historia infantil para su primera realización, Saru Kani gassen (La batalla del mono y el cangrejo, 1927). Desde entonces hasta que deja la compañía en 1937, Murata rueda cerca de 30 películas de dibujos animados, la mayoría de corte educativo. Primeros adelantos técnicos Normalmente el trabajo de animación era muy laborioso. La empresa Yokohama Cinema Shokai se adelantó a sus competidores al comprar una nueva cámara de motor automático que no requería mover una manivela, lo cual permitía acelerar el trabajo. La primera película rodada con esta cámara será Kaeru wa kaeru (Una rana es una rana, 1929), encargada nuevamente a Yasuji Murata. Para el cine de animación, el celuloide es un material indispensable, pero en Japón no se fabricaba. El celuloide comenzó a distribuirse con profusión en Estados Unidos a finales de 1914 con los trabajos de Earl Hurd, quien además lo patentó. Como producto de importación, el celuloide era muy caro en Japón, por lo que en su lugar se empleaba una especie de cartulina sobre la que se dibujaban los personajes, que luego se recortaban y fotografiaban (sistema llamado cut out). Murata era un maestro de esta técnica y no tenía nada que envidiar a sus competidores que usaban celuloide. Como título más representativo de animación por cut out destaca su Tsuki no miya no Ojo sama (La reina del Castillo de la Luna, 1934). El primero en utilizar en Japón el tan preciado celuloide para el cine de animación fue Kenzo Masaoka, nacido en una familia adinerada de Osaka. Tras estudiar dibujo en una Escuela de Artes, inicialmente entra en el mundo del cine como actor, abandonando poco después en favor de la realización de dibujos animados. Su primera película fue Nansensu monogatari Sarugashima (La absurda historia de la isla de los monos, 1930), acerca de un muchacho criado por un mono. Masaoka realizó también la primera película de animación sonora, Chikara to onna no yo no naka (Las mujeres y la fuerza mueven el mundo, 1932), donde utiliza parcialmente el todavía caro celuloide. Masaoka no escatimó gastos para aumentar la calidad de sus películas, y así a partir de Chagama ondo (El ritmo de la tetera, 1934) empleará el celuloide para el total de sus obras. Otro de sus títulos, Mori no yosei (El hada del bosque, 1935), recibió elogios de sus colegas en el mundo de la animación y fue comparado a los cortos Silly Symphonies de Walt Disney. Mientras que la mayoría de los cineastas contemporáneos se dedicaban a hacer películas de propaganda bélica para el ejército nacional, Masaoka realizará durante la guerra una obra de gran poesía que hará olvidar las penurias de la época y que quedará para la posteridad del género, Kumo to churippu (El tulipán y la araña, 1944). De sus cintas de posguerra, la más representativa será Sute neko Tora-chan (Tora, el gato abandonado, 1947), sobre una gata que decide criar a un gatito que ha sido abandonado. Masaoka, por haber sido el primero en introducir el celuloide en los dibujos animados y el primero también en realizar una película sonora de esta modalidad, ha sido llamado el padre de la animación japonesa y es respetado como tal el anime es conosido. II Guerra Mundial En 1933, Mitsuyo Seo es contratado por los estudios de Kenzo Masaoka. Seo era un dibujante que destacó pronto por la gran rapidez con que realizaba su trabajo, que fue decisiva en la anteriormente citada Chikara to onna no yo no naka. Seo, que aprendió la técnica de sonorización de Masaoka, pronto se independizó. Su primera película fue Osaru Sankichi. Bokusen (Sankichi el mono. Defensa antiaérea, 1933), que recibió muy buenasríticas. El 7 de diciembre de 1941 Japón ataca la base norteamericana de Pearl Harbour, comenzandpeneo su participación en la II Guerra Mundial. Entonces, la Armada Imperial encarga a Seo una película de propaganda que realce los éxitos militares del Japón de cara a los más jóvenes. Así, con un equipo de cinco personas, Seo realiza la película de dibujos animados Momotaro no umiwashi (Las águilas marínas de Taro melocotón, 1942), de 37 minutos de duración, que a pesar de su descarado carácter propagandístico, tuvo gran éxito entre el público infantil. Fue protagonizada por el personaje de los cuentos infantiles Momotarō, que aquí es el capitán de un portaaviones, mientras que perros, monos y perdices serán los pilotos de aviación. La flota enemiga viene dirigida por un personaje de gran parecido con Brutus, antagonista de Popeye, que aquí corre de un lado para otro huyendo de los ataques japoneses. Seo entra a formar parte de la Shochiku Doga Kenkyusho, donde también se encontraba Kenzo Masaoka, y allí vuelve a recibir un encargo de la Armada. En enero de 1942, el Cuerpo de Paracaidistas de la Armada había descendido sobre la isla de Sulawesi (Indonesia), conquistando la base americana, así que se decidió airear también este primer éxito del cuerpo ante los niños japoneses con otra película de dibujos. De esta manera se gesta la realización de Momotaro, umi no shimpei (Taro Melocotón, el guerrero divino de los mares, 1943), con un equipo de 70 personas (el mayor hasta entonces en la historia de la animación) y un tiempo total de elaboración de 14 meses. Finalmente se consiguió toda una superproducción de 74 minutos de duración, aunque el equipo se había reducido a 25 personas por haber sido llamado a filas parte del personal masculino y a las fábricas de armamento el femenino. Terminada la guerra, Seo realizó en 1947 Ōsama no shippo (La cola del rey), vagamente inspirada en el famoso cuento de Hans Christian Andersen El traje nuevo del emperador, pero la película no se llegó a estrenar. Después de esto, Seo deja el cine y se dedica a dibujar para las revistas de niños, o a diseñar personajes para adornar la ropa infantil. En 1933 se estrena Ugoku-e Kori no tatehiki (El duelo del zorro y el tejón en dibujos animados), que contaba una historia protagonizada por unos tejones que viven en un templo budista. Un zorro que ha adoptado la forma de samurái llega al templo, sucediéndose un duelo de transformaciones entre los tejones y el zorro que termina con la derrota de este último. Entre los gags que aparecen en la película, está el del zorro-samurái disparando una ametralladora. El director fue Ikuo Oishi, quien tras filmar un anuncio en dibujos animados para una fábrica de chocolate, decidió dedicarse a la realización de cine de animación. Su obra más representativa fue Futatsu no Taiyo (Los dos soles, 1929), pero con el estallido de la guerra se dedicó a realizar películas de instrucción para la Armada. Durante uno de estos trabajos, el barco en el que volvía de rodar unas tomas en el extranjero es hundido por un submarino norteamericano, falleciendo. En 1940 se estrena una adaptación en dibujos animados de la famosa ópera de Puccini Madame Butterfly, O-Cho fujin no genso (Fantasía sobre la Dama Mariposa), realizada por el sistema de animación con siluetas y firmada por Kazugoro Arai y su amigo Tobiishi Nakaya. Arai, que al igual que Tobiishi en realidad ejercía como dentista, decidió dedicarse a la animación por sombras tras quedar fuertemente impresionado por la visión de la alemana Prinzen Achmed(1926) de Lotte Reiniger. En los ratos libres que les dejaba su profesión, ambos se dedicaron a estudiar el mundo de la animación, llegando a convertirse en profesionales. En 1942 Tobiishi murió como consecuencia de la guerra, pero Arai continuó su trabajo en solitario. De sus obras más representativas destacan Ogon no tsuribari (El anzuelo de oro, 1939), Jack to mame no ki (Jack y la mata de habichuelas, 1941) y Kaguya hime (La princesa resplandeciente, 1942). Posguerra Con la derrota de Japón en agosto de 1945 termina la II Guerra Mundial, constituyéndose en octubre del mismo año la Shin Nihon Dogasha, dedicada a la producción de películas de dibujos animados, con Sanae Yamamoto y Kenzo Masaoka como figuras principales. Centrada en Tokio, llegó a reunir hasta 100 personas para dedicarse al mundo de la animación, pero la falta de trabajo obligó a disolver la recién nacida compañía. En 1947, contando entonces con la colaboración de Yasuji Murata, se forma en su lugar la Nihon Manga Eigasha, donde Masaoka concluye Sakura (El cerezo), obra que describe las bellezas de Kioto a lo largo de las cuatro estaciones pero que, sin embargo, no llega a estrenarse. Tras ello, en 1948 Yamamoto y Masaoka deciden independizarse de Nihon Manga Eigasha para formar la Nihon Doga Company. En septiembre de 1950, con gran retraso, se estrena en Japón la película de Disney Blancanieves y los siete enanitos (1937), que según se dice, el director de animación Osamu Tezuka vio unas 50 veces. En 1952 Noburo Ofuji rueda un remake de su película de 1927 Kujira (La ballena). A la idea primitiva de animación por sombras, Ofuji añade la inspiración de las vidrieras occidentales para utilizar celofán coloreado. En el Festival de Cannes de 1953 compitió en la sección de cortos, pero finalmente el premio se lo llevó Crin Blanc (Albert Lamourisse, 1953), quedando su obra en segundo puesto. Se dice que Pablo Picasso vio entonces este trabajo de Ofuji, por el que quedó fuertemente impresionado. Poco después, la película de animación por siluetas Yurei-sen (El barco fantasma, 1956) consigue un premio especial en Venecia, con lo que el nombre de Ofuchi pasa a ser reconocido en el extranjero. En enero de 1950, el dibujante Ryuichi Yokoyama, conocido por el manga Fuku-chan, decide dedicarse al mundo de la animación tras haber visto el corto de Disney The Skeleton Dance (1929), que se había estrenado en Japón en 1930. Para ello, compra una cámara de 16 mm y convierte su casa en estudio de cine, que llamará Otogi Productions, comenzando el trabajo en marzo del mismo año con un equipo de seis personas. Su primera película será el mediometraje Onbu o-bake (El duende a hombros), de la que hará una proyección en sala privada en diciembre de 1955, con asistencia de varias personalidades de la esfera cultural, entre ellas Yukio Mishima. Su segunda película será Fukusuke, estrenada en salas comerciales en octubre de 1957. Al año siguiente utilizará el amplio terreno del jardín de su casa para construir unos estudios mayores, aumentando su equipo a 23 personas. Tras ello realiza su tercera película, Hyotan Suzume (1959), que cuenta la lucha contra unas ranas malvadas que han roto la paz de una aldea de pacíficas congéneres. A continuación estrena Otogi no sekai ryoko (Viaje alrededor del mundo, 1962), compuesta por cinco partes, la tercera de los cuales, Tatsumaki ni sukareta akai shatsu (La camisa roja que se llevó el ciclón), tiene el interés adicional de remitirse al estilo del ukiyo-e. Otogi Productions necesitó considerables préstamos de dinero para poder realizar largometrajes, pero no consiguió recuperar la inversión realizada, por lo que terminó en bancarrota en 1972. Yokoyama termina así su labor pero contribuyó a la formación de nuevos técnicos del género. Uno de ellos, Shinichi Suzuki, llegó a realizar por su cuenta un cortometraje de ciencia-ficción titulado Purasu 50.000 nen (50.000 años después, 1961), que recibió buenas críticas en Francia con motivo de su proyección en el Festival Internacional de Cortometrajes. Bunraku En Japón existe un teatro tradicional de muñecos llamado Bunraku, que todavía se representa de vez en cuando. En el cine de animación existe también la variante de películas de marionetas, cuyo más conocido exponente está en la cinematografía checa. Tadahito Mochinaga (1919-1999) fue el primero en producir animación basada en el bunraku, y enseñó esta técnica para el cine de animación a los realizadores chinos. Mochinaga, discípulo de Mitsuyo Seo, había sido encargado de realizar películas en China durante la guerra, permaneciendo allí hasta 1955. Al regresar a Japón forma la Ningyo Eiga Seisakusha, dedicada al cine de marionetas y que ofrece nueve títulos, de los cuales destacan Uriko Hime to amanojaku (La princesa Uriko y el diablo rabioso, 1956) y Chibikuro Sambo no tora taiji (El negrito Sambo vence al tigre, 1956). Este último consiguió el premio a la mejor película infantil en el Festival de Cine de Vancouver. Como discípulos más aventajados de Tadahito Mochinaga en el cine de marionetas destacan Kihachiro Kawamoto (1924) y Tadanari Okamoto (1932-1990). Kawamoto, tras una etapa trabajando con Mochinaga, viaja a Checoslovaquia en 1963 para conocer a su admirado Jirí Trnka (1912-1969), gracias al cual perfecciona la técnica de animación de marionetas. De vuelta a Japón realizará con producción propia títulos de esta modalidad como Hanaori (La flor arrancada, 1968), Oni (El demonio, 1972), Dojoji (El templo de Dojo, 1976) y Kataku (1979), en su mayor parte basados en piezas tradicionales del teatro Nō o el Kyōgen. Kawamoto consiguió varios premios en festivales internacionales, dando así su nombre a conocer en el extranjero. Tadanari Okamoto, que aprendió también la técnica de Mochinaga, se independizará para formar la Eko sha, dedicada al público infantil. Sus trabajos más representativos fueron Fushigi na kusuri (Un medicamento extraño, 1965), Home my home (1970), Chiko tan (1971) y Okon joruri (1982). La industria de la animación Toei Doga En agosto de 1958 nacerá la mayor productora de cine de animación de Japón, Toei. Hiroshi Okawa, presidente de la productora, se fija en sus viajes al extranjero en el cine de dibujos animados norteamericano, y decide poner los medios necesarios para el crecimiento en calidad del género en Japón hasta hacerlo exportable y competitivo. Hasta entonces, los productores de japoneses de cine de animación contaban con instalaciones muy pobres y equipos reducidos, por lo que no era posible realizar largometrajes tan notables como los occidentales, ni alcanzarles tampoco en longitud o volumen. Okawa, tras estudiar la situación del género en Japón, decide comprar la compañía Nichido Eiga de Sanae Yamamoto, pasando éste y sus 23 empleados a formar parte de Toei, que crea la subdivisión Toei Doga. Okawa, al son de su lema favorito, tenemos que convertirnos en la Disney de Oriente, construyó unos estudios de tres plantas con todas las facilidades modernas, y puso al frente de estos a Yamamoto como máximo responsable. Su primer y espectacular trabajo será Hakujaden (La leyenda de la serpiente blanca, 1958), superproducción de 78 minutos en la que trabajaron 109 personas y que se convierte en el primer largometraje en color del cine de animación japonés. Gracias al éxito de esta primera producción, Okawa se marcó el objetivo de estrenar un largometraje de animación por año. Uno de los que recibió mayor aceptación de crítica y público fue Oji no orochi taiji (El valeroso príncipe derrota a la serpiente gigante, 1963), dirigida por Yugo Serikawa (1931-2000), que procedía del cine de imagen real (era ayudante de dirección de Nobuo Nakagawa y Kyotaro Namiki en Shintoho). Entre los ayudantes de Serikawa en esta película estaba el aún desconocido Isao Takahata, así como Yasuo Otsuka (1931), que era un funcionario dedicado a la lucha anti-drogas que dejó su trabajo para dedicarse a la animación. Takahata realizaría otra de las obras maestras del cine de animación de Toei Doga, Taiyo no Oji. Horusu no daiboken (Las aventuras de Horus, Príncipe del Sol, estrenada en España como La princesa encantada, 1968), basada en una mezcla de la saga Yukara con leyendas escandinavas y que contaba la lucha del valeroso príncipe Horus contra el país de los hielos y la nieve, dominado por un ser malvado y su hermana menor Hilda, obligada a su pesar a obedecerle. Hilda, que posee una hermosa voz, es incapaz de resistirse a las órdenes de su hermano e intentará destruir la aldea donde vive Horus. Este tipo de tormento psicológico por la lucha entre el bien y el mal de un personaje, además femenino, no se había visto nunca en el cine de animación, por lo que fue muy comentado. El responsable principal de este retrato psicológico fue Yasuji Mori (1925-1992), mientras que el joven desconocido que se encargó del diseño de los paisajes de la aldea fue Hayao Miyazaki (1941), que ganó prestigio entre la profesión gracias a ello. El tema de La princesa encantada era el de unirse para hacer frente a las dificultades, pero esto fue también la historia que rodeó a su filmación: un equipo con ganas de trabajar frente a una productora que no paraba de poner pegas ante la continua escalada del presupuesto y la prolongación del trabajo. De hecho, estuvo a punto de paralizarse la producción de la película, pero gracias a la insistencia con que Takahata y su equipo defendieron su causa ante sus jefes, pudo terminarse. A pesar de las buenas críticas que cosechó, la película, que había costado una fortuna, sufrió un duro fracaso comercial, del que Takahata fue obligado a hacerse responsable con una bajada de categoría y sueldo más que notable. Ante ello, Takahata y Miyazaki deciden abandonar Toei poco después y buscar la forma de continuar realizando libremente películas de dibujos animados. Otros títulos representativos de Toei Doga fueron Wan Wan Chushingura (Rock el valiente, 1963, Daisaku Shirakawa), Nagagutsu wo haita neko (El gato con botas, 1969, Kimio Yabuki), Dobutsu Takarajima (La isla del tesoro, 1971, Hiroshi Ikeda y Yasuji Mori) y Tatsu no ko, Taro (Taro, el hijo del dragón, 1979, Kirio Urayama). Toei Doga (que en 1998 cambiará su nombre por el de Toei Animation), se adelantó a sus competidores al empezar en 1993 la digitalización del proceso de animación, que sustituyó a los largos procesos tradicionales y que hoy día es empleada en la casi totalidad del género producido en Japón. Por ello, a Okawa le corresponde no sólo el mérito de haber apostado por la animación japonesa consiguiendo llevarla hasta un nivel que permitiese su exportación a todo el mundo, sino también el de haber producido su digitalización, creando con ambas decisiones las bases para su crecimiento y difusión. Osamu Tezuka Osamu Tezuka (1928-1989) fue también una figura clave. Era un estudiante de medicina que se vio obligado a trabajar en las fábricas durante la guerra. En abril de 1945, un día que descansaba de la fábrica, ve la película de Mitsuyo Seo Momotaro, umi no shimpei (Taro Melocotón, el guerrero divino de los mares, 1943) que, según lo que anotó en su diario, le dejó impresionado hasta el punto de prometerse realizar algún día su propia película de dibujos. Con objeto de concretar este sueño, en 1961 formaría su propia compañía, Mushi Production. Su primera obra, de carácter experimental, es Aru machikado no monogatari (Historia de un rincón de la calle, 1962). Con un trasfondo antimilitarista, los protagonistas son las paredes de una ciudad, testigos de una apasionada historia de amor entre el póster de un violinista y el póster de una pianista, romance que será interrumpido continuamente por los posters de un dictador. Con una duración de 39 minutos y un tono poético, Tezuka coordina el montaje y la dirección, contando en este último apartado con la ayuda de Eiichi Yamamoto (1936), procedente de Otogi Productions, y Yusaku Sakamoto, que venía de Toei Doga. Series para televisión La siguiente realización de Mushi Production fue una serie para la pequeña pantalla. La televisión comenzó sus emisiones en Japón en 1953, y las primeras muestras de animación que se televisaron procedían de Estados Unidos, con gran popularidad entre el público infantil. Toei Doga también se planteó la posibilidad de crear series de dibujos para la televisión, pero una entrega por semana suponía un trabajo demasiado pesado para ser rentable, por lo que abandonó la idea. En cambio, Tezuka, al frente de Mushi Production, decidió afrontar el reto que ello suponía, naciendo así la primera serie de la animación japonesa, con entregas semanales de 30 minutos. El tema elegido fue el personaje de manga que el propio Tezuka había creado para aparecer periódicamente en una revista shōnen, el robot Tetsuwan Atomu. El laborioso trabajo que suponía hacer cuatro entregas mensuales se llevó a cabo por el sistema de animación limitada, que empleaba la menor cantidad posible de celuloide. En enero de 1963 se empieza a emitir la serie, que se ganó enseguida la aceptación infantil, llegando hasta un tercio de la audiencia. Tras ello, Toei Doga decide aprovechar el fenómeno y en noviembre del mismo año emite su Okami shonen Ken (Ken, el niño lobo, Sadao Tsukioka), según una historia original que en cierto modo se acercaba a la de El libro de la selva de Rudyard Kipling. Janguru Taitei (El imperio de la jungla, 1966) es otra de las obras más conocidas de Tezuka, y la primera del medio que utiliza el color. Sin embargo, en aquella época la televisión en color era un lujo que pocos podían permitirse, por lo que la mayor parte de los niños tuvo que verla en blanco y negro. Estas obras de Mushi Production para televisión consiguieron venderse a Estados Unidos, donde Tetsuwan Atomu fue rebautizada como Astroboy y Janguru Taitei como Kimba, El León Blanco, nombres con que más tarde saltarían a Europa. Los robots gigantes Gracias al éxito de las series de televisión de Mushi Production y Toei Doga, pronto surgió la competencia por parte de otras productoras. Cualquier género era susceptible de ser usado: deportes, fantasía, aventuras, series para chicos y para chicas,... Al igual que Astroboy, muchas de estas series se emitieron en el extranjero. Ya en la década de los 60 con el anime en blanco y negro de Tetsujin 28-gō, de la productora TCJ y basada en el manga homónimo de Mitsuteru Yokoyama (considerado el creador del género) comenzó el tema de los robots gigantes, serie que también se vendió a los Estados Unidos donde la titularon Gigantor, aunque no fue hasta principios de los años 70 cuando comenzó el auge de las series de robots gigantes con a Mazinger Z, basada en los personajes creados por Gō Nagai, a la que seguirían varias imitaciones. Parte de estas series se exportaron, pero algunas de ellas resultaron problemáticas en países como Francia o Filipinas. También hubo series de carácter educativo basadas en la literatura occidental, algunas tan mundialmente famosas como Heidi, (1974), El perro de Flandes, (1975) o Marco, de los Apeninos a los Andes, (1976). De éstas, Heidi fue dirigida principalmente por Isao Takahata, mientras que el diseño y paisajes de las escenas corrió a cargo de Hayao Miyazaki. Incluso viajaron a Suiza para buscar paisajes reales que luego pudieran utilizar. La serie se emitió en Italia en 1976, pero muchos pensaron que se trataba de una serie italiana y no japonesa. Gracias a la serie Uchu Senkan Yamato (Space Battleship Yamato, también traducida como Star Blazers, 1974), la animación japonesa llegó a ser reconocida. En su primera retransmisión no consiguió una repercusión destacada, pero sí en su segundo pase, y a partir de que se efectuase un remontaje para su exhibición en salas cinematográficas, que provocó que los jóvenes hicieran cola ante los cines desde la noche anterior al estreno, hecho que fue recogido por todos los periódicos del momento como fenómeno sociológico. El creador de los personajes de esta serie fue Reiji Matsumoto, y gracias al éxito de Yamato, otras de sus obras fueron adaptadas a la pantalla. De éstas, la más popular fue Galaxy Express 999, cuyas adaptaciones para el cine, realizadas por Rintaro comenzaron a estrenarse en 1979. El motor de las historias arrancaba de una máquina de tren a vapor que, en el futuro, emprendía un viaje a través de diversos planetas, siguiendo la idea del poeta y autor de cuentos infantiles japonés Kenji Miyazawa (1896-1933) en su Ginga Tetsudo no yoru (Tren nocturno de la vía láctea). La imagen de la locomotora surcando el espacio era el lazo de unión entre las historias. En 1979 se emitió la serie de robots gigantes Mobile Suit Gundam de Yoshiyuki Tomino (1941), pero no consiguió gran audiencia. No obstante, la alcanzó en su segunda emisión, llegando también a montarse ediciones especiales para su estreno en salas de cines (7 películas entre el año 1981 y el 2002). De la saga Gundam se emitieron hasta seis series distintas. Se vendieron perfectamente todo tipo de juguetes y reproducciones de robots inspirados en Gundam. El formato OVA El formato OVA (Original Video Animation) tuvo su punto álgido a comienzos de la década de los 80. Se trataba de producciones lanzadas directamente al ámbito doméstico, sin haber sido emitida previamente por televisión o estrenada en cines. La mayor calidad juntamente con la situación económica de Japón hizo que este formato compitiera con las series televisivas que los fans se daban el lujo de comprar. El primer ova fue el de Dallos realizado en diciembre de 1983. Era un anime de ciencia ficción que fue fruto del pionero esfuerzo del estudio Pierrot, que se aventuró en este nuevo y desconocido mercado. Finales del siglo XX Las décadas de los 80 y 90 trajeron coincidencias con la irrupción a gran escala del anime en occidente, entre cuyos principales exponentes estarían series como Dragon Ball (basada en el manga homónimo de Akira Toriyama), Saint Seiya (Los Caballeros del Zodiaco), Capitán Tsubasa (Oliver y Benji o Supercampeones), Rurouni Kenshin (El guerrero samurái o Samurái X), Slayers (Rina y Gaudi o Justicieros), Neon Genesis Evangelion (del director Hideaki Anno), Marmalade Boy o Kimagure Orange Road, Ranma 1/2 de Rumiko, que permitieron el redescubrimiento del tema en occidente y que en muchos países abrieron el camino a la creación de culturas otakus propias. Así como también la masificación de las chicas mágicas como Sailor Moon y Magic Knight Rayearth. Inicios del siglo XXI Una parte considerable de los mangas de éxito en Japón acaban en la actualidad con su versión en anime, ejemplos claros de los cuales son series como Rozen Maiden, One Piece, Naruto,Bleach, Inuyasha, y Fullmetal Alchemist, entre muchas otras. Empiezan a ser menos frecuentes las series de anime originales (en el sentido de no estar basadas en manga) además de darse mucho menos el caso de manga creado a partir de un anime. Además, el terreno preparado en occidente por las series de las décadas anteriores ha permitido que gran parte del anime creado sea traducido y distribuido en los mercados de todo el mundo. En los últimos años surge además en occidente, de la mano de las culturas otaku de la década de los noventa, gran cantidad de grupos y fansub que se encargan de distribuir por internet muchas series de anime (y mediante escaneos también los mangas más conocidos) Esto es a la vez causa y consecuencia de la creciente distribución del anime fuera de Japón, puesto que muchas series ya cuentan con renombre antes de ser licenciadas y traducidas, lo cual permite su más fácil exportación.[cita requerida] Incluso la otrora todopoderosa Disney ha apreciado las producciones japonesas como producto comercial de calidad. Su distribuidora Buenavista obtuvo los derechos de distribución en cine de las películas del estudio Ghibli, del cual han salido muchas de las mejores obras que Japón ha dado al mundo de la mano de Hayao Miyazaki. Su éxito ha sido muy grande, tanto que la película de animación El viaje de Chihiro recibió en el 2002 el Óscar de la Academia a la mejor película de animación, premio que jamás una película japonesa de animación pudo ganar. Fuente: 1) http://es.wikipedia.org/wiki/Historia_del_anime 2) http://www.google.com.ar/#q=imagenes+de+animes+viejos

El hentai: El hentai (変態?) en japonés, la palabra hentai quiere decir 'pervertido/perversión' o 'transformación'. Además, hentai es género del manga y el anime de contenido pornográfico. La cantidad de dibujos ilustrando actividad sexual en el manga o el anime hentai puede variar enormemente. También varía el tipo de actividad sexual y los personajes implicados, que se someten a muy pocas restricciones al tratarse de personajes de ficción. El significado común que tiene en Occidente proviene del uso japonés de エッチ (etchi, escrito frecuentemente ecchi, aproximación japonesa de la pronunciación inglesa de la letra H ), que se cree que es una forma abreviada de hentai que se utilizaba como eufemismo en los años 60, aunque sus orígenes no están del todo claros, ni siquiera en Japón. La "H" en Japón se utiliza para referirse a cualquier contenido o actividad sexual (equivalente a la 'X' en Occidente), así que "H manga" es manga con contenido sexual. Sin embargo "H" y "hentai" no son sinónimos, y no se puede cambiar uno por otro. Legislacion japonesa: El artículo 175 del código penal japonés prohíbe la publicación de material "moralmente perjudicial", que tal como se interpreta actualmente incluye la exposición de genitales, así que es frecuente ver una barra cubriendo los genitales, o bien los genitales borrosos. Antes de 1994, la interpretación de esta ley incluía la prohibición de exponer vello púbico, una norma que se eludía dibujando personajes sin vello púbico. Sin embargo, esto ha causado otro problema cuando los vídeos hentai se distribuían a lugares como Europa y Estados Unidos. Como los personajes del anime parecen más jóvenes que los personajes de la misma edad de los dibujos animados occidentales, eso dio a algunos la impresión de que los vídeos contenían pornografía infantil. Un dato menos conocido es que la censura japonesa es muy estricta en cuanto a los dibujos sobre actividad sexual entre humanos y animales. Aunque se permite que circulen con relativa libertad actos con monstruos imaginarios (que suelen tener los conocidos tentáculos fálicos con el fin de evitar la ley relativa a los genitales de verdad), se ha considerado el sexo zoofílico con animales existentes como algo que debe ser perseguido. Categorias: Hay dos géneros principales. El primero donde hay interacciones heterosexuales, y el otro que contiene relaciones homosexuales clasificadas generalmente como yaoi (relaciones homosexuales masculinas) y yuri (relaciones sexuales lésbicas). Yaoi: El yaoi se clasifica según las características: Bishōnen (literalmente 'hermoso joven'): es la categoría genérica que se dispone a definir aquellos personajes que poseen una apariencia más afeminada, valorados como andróginos, ya que se acerca más a lo que implican la palabra y la definición. Suelen tener no sólo una apariencia afeminada, ya que su comportamiento respecto a estas sagas puede variar entre distintos cánones de personalidad. Habitualmente son más pasivos. Biseinen ('hombre bello'): esta categoría representa una personalidad más activa que los Bishōnen, y tienen en su físico una representación de ese mismo tipo de actividad. Bara-Larguer: Son menos comunes; los hombres son a menudo muy musculosos y a veces muy velludos. Oyaji (que significa 'padre' o 'tío'): relaciones sexuales incestuosas donde el padre o el tío son de mediana edad o son ancianos. Hay que resaltar que el Yaoi también se extiende más allá del género hentai, ya que este término se aplica a cualquier anime/manga que incluya material homosexual masculino. Las mujeres interesadas en Yaoi suelen llamarse Fujoshi (腐女子). El calco español de este término es 'chica podrida', por el supuesto ideal de que no eran mujeres puras ante sus deseos pecaminosos. Yuri: La atención se centra relaciones homosexuales femeninas. Los personajes del Yuri que se conocen como "bishōjo", que significa 'chica bella'. Shojo-ai ('amor de/entre niñas') es un término occidental para el equivalente femenino de Shōnen-ai; en Japón estas obras también se llaman yuri. Subcategorias: El ámbito de aplicación de hentai abarca toda la gama de fetiches sexuales, incluyendo: Bakunyū: Es la representación de las mujeres con senos grandes. Literalmente traducido como 'los senos de ruptura'. Futanari: representaciones de hermafroditas o transexuales que han fálico genital (pene con escroto, pene, sólo un árbol o la ampliación de clítoris) y vaginal, los genitales femeninos o una forma de reloj de arena incluyendo pechos y un pene y escroto. BDSM: es un tema de relaciones sexuales consentidas entre actividades que se consideran 'pervertidas', incluyendo temas tales como el intercambio de poder (dominación y sumisión), la servidumbre, el sadomasoquismo, spanking, bondage, etc. Bestialidad; también conocido como zoofilia, aunque algunas veces se puede presentar el caso de un hombre bestia o animales humanizados.Tortura de pechos o esclavitud de pecho, enfocada a prácticas de tortura o prácticas BDSM específicamente a esa zona. Lolicon: en la cual se presentan relaciones con preadolescentes o niñas prepúberes con varones que doblan o triplican, en algunos casos, su edad. Toddlercon: Semejante al Lolicon, solo que los niños suelen ser menores de 6 años. Embarazadas: el objeto de deseo o satisfacción sexual son personajes femeninos embarazados. Shotacon: la representación de los jóvenes que tengan relaciones sexuales con otros muchachos o los hombres mayores, en lo que respecta a los jóvenes con las mujeres de edad, se conoce como "Straight Shota" (Shota hetero) en la jerga de la zona occidental. Tentacle rape: Violación con tentáculos; es una de las más famosas o comunes, con la representación de los tentáculos y, a veces, criaturas monstruosas que participan en la violación de mujeres; es menos frecuente con los hombres. Incesto; actividad sexual con miembros de la familia jurídica. Ej: hermanos, padres, primos, etc. Fuente: 1) http://es.wikipedia.org/wiki/Hentai

Andaba Boludeando por youtube y encontre esto, realmente es un asco, no sabia que los chizitos estaban hechos de eso. Es lo que nosotro ingerimos al comer chizitos. Aca les dejo los videos que encontre: link: http://www.youtube.com/watch?v=VzJ4iIqKfl0 link: http://www.youtube.com/watch?v=XF1lQPjHNVU Fuentes: 1) http://www.youtube.com/watch?v=VzJ4iIqKfl0 2) http://www.youtube.com/watch?v=XF1lQPjHNVU

Tortilla asada a la parrilla Una de las costumbres argentinas es compartir un buen mate con amigos, y aunque en las ciudades mas bien importantes se suele ir a una panadería y vaciar todos los estantes, en el interior del país, en los pueblos y zonas rurales, la costumbre es otra. En estos últimos se suelen comer más comidas caseras, sin productos raros, sin conservantes, sin colorantes, con los mismísimos productos que da la tierra, ni más ni menos. Yo nací y viví mi niñez en un pequeño pueblo del norte de la Provincia de Santa Fe, hacia el norte de la Argentina. Allí aprendí muchas de las recetas que comparto con ustedes. Por esas épocas comer pan casero o torta asada estaban a la orden del día, muchas veces los cocinábamos en el horno de barro con mis hermanos, ya que todos teníamos nuestras tareas cotidianas. Más adelante les contaré más sobre este tipo de horno que es muy típico por estos rumbos y muy pocos conocen. Hoy en día no cuento con un horno de barro pero solemos cocinar las tortas asadas en la parrilla luego de los asados. En ocasiones sucede que al hacer el asado sobran brasas, y es un desperdicio ya que se consumen mientras degustamos el asado. En estos casos mi hijo, que es quien se encarga de hacer los asados en casa, me avisa y me dice: _ Ma’, sobraron brazas, no te haces un par de tortitas asadas?. Muchas veces creo que pone brasas de más a propósito, pero bueno, no lo culpo, son tan ricas… Entonces las preparo enseguida y se cocinan mientras comemos, que es una de las mejores virtudes de esta preparación, no necesita mucha atención. Se pone al calor de las brasas al sentarse a comer y se dan vuelta recién a los 20 minutos, que se agrega un poco mas de brasas y ya se dejan hasta que alcancen el punto de cocción que más les guste. A mayor tiempo mas sequita y crocante sale la masa, por lo general en 15 a 20 minutos más ya están listas. Ingredientes 1) 500 g de harina 2) 100 g de grasa derretida 3) 200 cc de agua fria 4) sal a gusto Preparacion 1) Poner el agua en un recipiente e ir agregando sal hasta que el agua nos parezca un poquito salada. 2) Aparte en un bol colocar el harina, echamos en el centro la grasa y de a poco el agua con sal que preparamos. 3) Mezclar todo y formar una masa suave que no se pegue en las manos. 4) Dividir en dos bollos y estirarlos de 1 o 2 cm. de espesor. 5) Poner sobre la parrilla con brasas debajo (no muchas) y dejarla hasta que esté dorada, unos 20 minutos, dar vuelta y dorar del otro lado, otros 20 minutos aproximadamente. 6) Retirar, dejar enfriar y saborear, preferiblemente con un buen mate. Secretitos: 1) La grasa puede ser de vaca o de cerdo o la que consigan, cambia el sabor de una a otra pero igual salen riquísimas. 2) Si ven que la masa está un poco dura se le puede agregar más agua…sin miedo. 3) Si desean una torta más gruesa y no tan crocante pueden hacerlas más gruesas, eso es a gusto de cada uno. Fuente: 1) http://www.recetassimples.com/torta-asada-a-la-parrilla/ 2) https://www.google.com.ar/search?hl=es-419&site=imghp&tbm=isch&source=hp&biw=1024&bih=627&q=toritilla+parrillera&oq=toritilla+parrillera&gs_l=img.3...1581.10669.0.10907.28.16.3.9.0.3.400.2671.5j4j6j0j1.16.0....0...1ac.1.26.img..17.11.1075.ElQ4Nm6Ulfo#hl=es-419&q=tortilla+parrillera&spell=1&tbm=isch

Manga Para otros usos de este término, véase Manga (desambiguación). Tagosaku to Mokube no Tokyo Kenbutsu (1902), considerado el primer manga, de Kitazawa. Manga (漫画?) es la palabra japonesa para designar a las historietas en general. Fuera de Japón se utiliza tanto para referirse a las historietas de origen japonés como al estilo de dibujo utilizado en el Manga. El manga abarca una amplia variedad de géneros, y llega a públicos diversos. Constituye una parte muy importante del mercado editorial de Japón y motiva múltiples adaptaciones a distintos formatos: series de animación, conocidas como Anime, o de imagen real, películas, videojuegos y novelas. Cada semana o mes se editan nuevas revistas con entregas de cada serie, al más puro estilo del folletín, protagonizadas por héroes cuyas aventuras en algunos casos seducen a los lectores durante años. Desde los años ochenta, ha ido conquistando también los mercados occidentales. Terminología Hokusai Katsushika, un representante del ukiyo-e, acuñó el término manga combinando los kanji correspondientes a informal (漫 man) y dibujo (画 ga). Se traduce, literalmente, como «dibujos caprichosos» o «garabatos». Los japoneses llaman también al manga «imágenes insignificantes», pues compran al año más de mil millones de volúmenes en blanco y negro, impresos en papel barato. Al profesional que escribe o dibuja mangas se le conoce como mangaka. También algunos autores producen sus mangas en vídeo. Características distintivas Diagrama de lectura de un manga. A diferencia de las otras dos grandes escuelas de historieta (la franco-belga y la estadounidense), en el manga las viñetas y páginas se leen de derecha a izquierda, al igual que en la escritura tradicional japonesa. El más popular y reconocido estilo de manga tiene también otras características distintivas, muchas de ellas por influencia de Osamu Tezuka, considerado el padre del manga moderno. Scott McCloud señala, por ejemplo, la tradicional preeminencia de lo que denomina efecto máscara, es decir la combinación gráfica de unos personajes caricaturescos con un entorno realista, como también sucede en la línea clara. En el manga es frecuente, sin embargo, que se dibujen de forma más realista alguno de los personajes u objetos (éstos últimos para indicar cuando sean necesario sus detalles). Mc. Cloud detecta también una mayor variedad de las transiciones entre viñetas que en los comics occidentales, con una presencia más sustancial del tipo que denomina «aspecto a aspecto», en la que el tiempo no parece avanzar. También hay que destacar el gran tamaño de los ojos de muchos de los personajes, más propio de individuos occidentales que japoneses, y que tiene su origen en la influencia que sobre Osamu Tezuka ejerció el estilo de la franquicia Disney. En el manga, es común el uso de abundantes líneas paralelas para representar movimiento o sorpresa. A pesar de ello, el manga es muy variado y no todas las historietas son asimilables a las más popularizadas en Occidente, abordando de hecho todo tipo de estilos y temáticas, y comprendiendo autores de dibujo realista como Ryōichi Ikegami, Katsuhiro Otomo o Takeshi Obata. Dos páginas del manga de Hokusai con una representación de los baños termales. El manga nace de la combinación de dos tradiciones: La del arte gráfico japonés, producto de una larga evolución a partir del siglo XI, y la de la historieta occidental, afianzada en el siglo XIX. Sólo cristalizaría con los rasgos que hoy conocemos tras la Segunda Guerra Mundial y la labor pionera de Osamu Tezuka. La tradición gráfica japonesa Las primeras características del manga pueden encontrarse en el Chōjugiga (dibujos satíricos de animales), atribuidos a Toba no Sōjō (siglos XI-XII), del que apenas se conservan actualmente unos escasos ejemplares en blanco y negro. Durante el período Edo, el ukiyo-e se desarrolló con vigor, y produjo las primeras narraciones remotamente comparables a los géneros actuales del manga, que van de la historia y el erotismo a la comedia y la crítica. Hokusai, una de sus figuras, implantaría el uso del vocablo manga en uno de sus libros, Hokusai Manga, recopilado a lo largo del siglo XIX. Otros dibujantes, como Gyonai Kawanabe, se destacaron también en este período artístico. La prensa satírica de origen occidental (1862) Comparación de Charles Wirgman (arriba) y Kōtarō Nagahara (abajo) en 1897. Durante el siglo XIX, en plena transición de la era feudal a la industrializada, los artistas occidentales se maravillaban del ukiyo-e, gracias a la exótica belleza que transmitía. Con todo, los verdaderos inicios del manga moderno no se debieron al esteticismo del arte del período Edo, sino a la expansión de la influencia cultural europea en Japón. Fueron Charles Wirgman y George Bigot (ambos, críticos de la sociedad japonesa de su tiempo), quienes sentaron las bases para el desarrollo ulterior del manga. La revista británica Punch (1841) fue el modelo para la revista The Japan Punch (1862-87) de Wirgman, como lo había sido antes para otras revistas similares en otros países. También en 1877 se publicó el primer libro infantil extranjero: Max y Moritz del alemán Wilhelm Busch. La expansión de las técnicas historietísticas europeas se tradujo en una producción lenta pero segura por parte de artistas autóctonos japoneses como Kiyochika Kayashi, Takeo Nagamatsu, Ippei Okomoto, Ichiro Suzuki y sobre todo Rakuten Kitazawa, cuya historieta Tagosaku to Mokube no Tokyo Kenbutsu 『田吾作と杢兵衛の東京見物』 se considera el primer manga en su sentido moderno. Todos ellos oficiaron de pioneros, difundiendo su obra a través de publicaciones como Tokyo Puck (1905), aunque, igual que en Europa, el uso de globos de diálogo que ya era habitual en la prensa estadounidense desde The Yellow Kid (1894) todavía no se había generalizado. Simultáneamente, desde 1915 se empezó a ensayar la adaptación del manga a la animación, lo que más tarde devendría en el surgimiento anime. Los primeros mangas infantiles (1923) Manga anónimo (1912-1926). Los años 1920 y 1930 fueron muy halagüeños, con la aparición y triunfo del kodomo manga (historietas infantiles), como Las aventuras de Shochan (1923) de Shousei Oda/Tofujin y Los Tres Mosqueteros con botas en la cabeza (1930) de Taisei Makino/Suimei Imoto. El cómic estadounidense -en especial Bringing up father (1913) de George McManus - se imita mucho en los años 20,6 lo que ayuda a implantar el globo de diálogo en series como Speed Taro (1930-33) de Sako Shishido, Ogon Bat (1930, un primer superhéroe) de Ichiro Suzaki/Takeo Nagamatsu y Las aventuras de Dankichi (1934), de Keizo Shimada, así como la tira cómica Fuku-Chan (1936), de Ryuichi Yokohama.8 Para entonces, habían surgido historietas bélicas como Norakuro (1931-41) de Suihou Tagawa, ya que el manga sufría la influencia de las políticas militaristas que preludiaban la Segunda Guerra Mundial, durante la cual fue usado con fines propagandísticos. En 1945, las autoridades de ocupación estadounidenses prohibieron de manera generalizada este género. Nacimiento del manga moderno (1945) Tras su rendición incondicional, Japón entraría en una nueva era. El entretenimiento emergió como industria respondiendo a la necesidad psicológica de evasión ante una cruda posguerra. La falta de recursos de la población en general requería de medios baratos de entretenimiento, y la industria tokiota de mangas basados en revistas vio surgir competidores. Apareció así el Kamishibai, una especie de leyendas de ciego, que recorría los pueblos ofreciendo su espectáculo a cambio de la compra de caramelos. El Kamishibai no competía con las revistas, pero sí otros dos nuevos sistemas de distribución centrados en Osaka: Las bibliotecas de pago, que llegaron a constituir una red de 30.000 centros de préstamo que producía sus propios mangas en forma de revistas o tomos de 150 páginas. Los libros rojos, tomos de unas doscientas páginas de papel de baja calidad en blanco y negro, cuyo rasgo característico eran sus portadas en color rojo y su bajo precio. Esta industria pagaba a sus artistas sueldos próximos a la miseria, pero a cambio les otorgaba una amplia libertad creativa. Osamu Tezuka, un estudiante de medicina veinteañero apasionado de los dibujos animados de Fleischer y Disney, cambiaría la faz de la historieta nipona con su primer libro rojo: La nueva isla del tesoro, que vendió de súbito entre 400.000 y 800.000 ejemplares, gracias a la aplicación a la historia de un estilo cinematográfico que descomponía los movimientos en varias viñetas y combinaba este dinamismo con abundantes efectos sonoros. El éxito de Tezuka lo llevó a las revistas de Tokio, particularmente a la nueva Manga Shōnen (1947) que fue la primera revista infantil dedicada en exclusiva al manga, y en la que Tezuka publicó Astroboy. En estas revistas impuso su esquema de epopeya en forma de serie de relatos y diversificó su producción en múltiples géneros, de los que destacan sus adaptaciones literarias y el manga para chicas o shōjo manga. A mediados de la década de 1950 Tezuka se trasladó a un edificio de la capital llamado Tokiwasi, al que peregrinarían los nuevos autores. Hay espacio, sin embargo, para autores como Machiko Hasegawa, creadora de la tira cómica Sazae-san (1946-74), Kon Shimizu o Shigeru Sugiura con un grafismo muy diferente, nada disneyano. Un año después, Shōnen desapareció y los libros rojos agonizaron. Entre ambos, y por obra de Osamu Tezuka, habían puesto los pilares de la industria del manga y anime contemporáneos. El lenguaje del manga (1959) Leiji Matsumoto en 2008. El triunfo de las revistas de manga acabó con el Kamishibai, y muchos de sus autores se refugiaron en el sistema de bibliotecas. Las revistas de manga eran todas infantiles, y las bibliotecas encontraron su nicho creando un manga orientado hacia un público más adulto: el gekiga. Abandonaron el estilo de Disney por otro más realista y fotográfico y se abrieron a nuevos géneros más violentos, escatológicos o sensuales como el horror, las historias de samuráis, los mangas sobre yakuzas, el erotismo, etc. Entre ellos cabe destacar a Sanpei Shirato que en 1964 patrocinaría la única revista underground de la historia del manga, Garo. La competencia en el terreno gráfico del gekiga obligó a las revistas a reducir la presencia del texto, aumentando el número de páginas y el tamaño para mejorar su visión. Con el comienzo del auge económico, el pueblo nipón exigía más manga. En respuesta, una de las principales editoras de libros, Kōdansha, se introdujo en 1959 en el mercado de revistas. Su título Shōnen Magazine cambió la pauta de periodicidad mensual a semanal, multiplicando la producción e imponiendo a los autores el estajanovismo, aunque esta vez con sueldos millonarios. Pronto, otros grupos editores como Shueisha, Shōgakukan o Futabasha se le unirían. Este sistema de producción sacrificaba el color, la calidad del papel y la sofisticación temática, llevándose también de paso la crítica política, pero aumentaría vertiginosamente las ventas hasta cifras astronómicas y con ellas los beneficios empresariales, convirtiendo al manga en el medio de comunicación más importante del país. Otros importantes autores de estos años son Fujio Akatsuka, Tetsuya Chiba, Fujiko F. Fujio, Riyoko Ikeda, Kazuo Koike, Leiji Matsumoto, Shigeru Mizuki, Gō Nagai, Keiji Nakazawa, Monkey Punch y Takao Saito. La expansión internacional (década de 1990) Fanservice y los temas sexuales comenzaron a dominar manga durante los años 80. En 1988, gracias al éxito de la versión cinematográfica de Akira, basada en el manga homónimo del dibujante Katsuhiro Otomo, publicado en 1982 en la revista Young Magazine de la editorial Kōdansha, la difusión internacional del manga comenzó a aumentar de forma explosiva. El gran éxito de esta película en Occidente venía precedido de una tradición en aumento de emitir anime japonés en las cadenas de televisión europeas y estadounidenses. Ya en los años 60, Osamu Tezuka había vendido los derechos de emisión de su primer Astro Boy a la cadena estadounidense NBC consiguiendo un éxito notable entre la audiencia infantil. Posteriormente, se sucedieron las series de animación Mazinger Z, Great Mazinger o Grendizer, siendo esta última un estallido mediático en Francia, donde se la conocería como Goldorak. Todas ellas se basaban en las historietas del mangaka Gō Nagai, actual magnate de un imperio de distribución editorial. En la década de 1980, empezaron a destacarse series de otra índole, como The Super Dimension Fortress Macross, parte del compendio de series conocido en Occidente por Robotech, obra de Carl Macek, o la revisión de Osamu Tezuka de Astroboy pero en esta ocasión vuelta a filmar en color y con aires más modernos. A ésta se sumó la saga épica Gundam. Otro de los autores más relevantes en este apogeo mediático de finales de los ochenta y principios de los noventa, fue el mangaka Akira Toriyama, creador de las famosas series Dragon Ball y Dr. Slump, ambas caracterizadas por un humor picante, irreverente y absurdo (aunque la primera de ellas se caracterizó más por un contenido de acción que de humor). Tal fue el éxito de estas dos obras que en algunos países europeos llegaron a desbancar de las listas de ventas al cómic estadounidense y nacional durante bastantes años. Este fenómeno fue más marcado en España, donde Dragon Ball vendió tantos ejemplares que se la considera la historieta de origen extranjero más vendida de la historia. En el propio Japón, la revista Shōnen Jump —en momentos puntuales, especialmente durante algunas semanas que coincidía con episodios decisivos de la serie Dragon Ball— llegó a aumentar su tirada semanal en 6 millones de ejemplares. Otros importantes autores de estos años son Tsukasa Hōjō, Ryōichi Ikegami, Masakazu Katsura, Masamune Shirow, Mitsuru Adachi, Yuzo Takada, Rumiko Takahashi, CLAMP, Jirō Taniguchi, Takehiko Inoue, Nobuhiro Watsuki, Tite Kubo, Eiichirō Oda, Masashi Kishimoto, Masami Kurumada, este mangaka se coronó con su grandiosa obra Saint Seiya (Los caballeros del Zodiaco) el cual tiene muchos seguidores hasta el día de hoy, Kurumada es uno de los mangakas más reconocidos por sus grandiosas obras inspiradas en la mitología de distintas culturas, Naoko Takeuchi, Wataru Yoshizumi y Chiho Saito. Exportaciones Cuando se comenzaron a traducir algunos títulos de manga, se les añadía color y se invertía el formato en un proceso conocido como «flopping» para que pudieran ser leídos a la manera occidental, es decir de izquierda a derecha, también conocido como «espejado». Sin embargo, varios creadores (como Akira Toriyama), no aprobaron que sus trabajos fueran modificados de esa forma, ya que se perdía la esencia de la imagen y el encuadre original, y exigieron que mantuvieran el formato original. Pronto, como consecuencia de la demanda de los fanáticos y la exigencia de los creadores, la mayoría de las editoriales comenzó a ofrecer el formato original de derecha a izquierda, que ha llegado a convertirse en un estándar para los lectores de manga fuera de Japón. También es frecuente que las traducciones incluyan notas de detalles acerca de la cultura del Japón que no resultan familiares a las audiencias extranjeras y que facilitan el entendimiento de las publicaciones. La cantidad de mangas que han sido traducidos a un múltiples idiomas y vendidos en diferentes países sigue en aumento. Han surgido grandes casas editoriales fuera de Japón como la estadounidense VIZ Media centradas únicamente en la comercialización de manga. La francesa Glénat vive una segunda juventud gracias a publicación de cómic japonés. Los mercados que importan más manga son Francia (siendo este país el segundo del mundo en edición de cómics de origen japonés por detrás solamente del mismo Japón), los Estados Unidos, España y el Reino Unido. Francia sobresale por poseer un mercado sumamente variado a lo que manga se refiere. Muchos trabajos publicados en Francia caen en géneros que usualmente no tienen mucho mercado en otros países fuera de Japón, como el drama orientado a adultos o los trabajos experimentales y alternativos. Artistas como Jirō Taniguchi que resultaban desconocido para la mayor parte de los países occidentales ha recibido mucho predicamento en Francia. La diversidad de manga en Francia se debe en gran parte a que este país tiene un mercado de historietas conocido como franco-belga muy bien establecido. En el sentido contrario, autores franceses, como Jean Giraud se han quejado de «el manga llega a Europa, pero el cómic europeo no va a Japón». La compañía TOKYOPOP, se ha dado a conocer en los Estados Unidos acreditándose el auge en ventas de manga, particularmente para un público de chicas adolescentes. Muchos críticos coinciden en que sus publicaciones agresivas hacen énfasis en la cantidad sobre la calidad siendo responsables de algunas traducciones de dudosa calidad. Aunque el mercado de historietas en Alemania resulta pequeño en comparación con otros países de Europa, el manga ha favorecido cierto auge de las mismas. Luego de un imprevisto comienzo temprano en los años 1990, el movimiento manga tomo velocidad con la publicación de Dragon Ball en 1997. Hoy, el manga mantiene un 75 a 80% de las ventas de historietas publicadas en Alemania, con las mujeres sobrepasando como lectoras a los varones. La compañía Chuang Yi publica manga en inglés y chino en Singapur; algunos de los títulos de Chuang Yi son importados a Australia y Nueva Zelanda. En Corea, se puede encontrar manga en la mayoría de las librerías. Sin embargo, es común la práctica de leer manga «en línea» ya que resulta más económico que una versión impresa. Casas editoriales como Daiwon y Seoul Munhwasa publican la mayor parte del manga en Corea. En Tailandia antes de 1992-1995 la mayoría del manga disponible salía de forma rápida, sin licencia, de baja calidad. Recientemente, las traducciones licenciadas han comenzado a aparecer, pero continúan siendo baratas comparadas con otros países. Entre las editoriales de manga en Tailandia se encuentran Vibunkij, Siam Inter Comics, Nation Edutainment y Bongkouh. En Indonesia, se ha producido un crecimiento rápido en las industrias de este tipo, hasta convertirse en uno de los mercados más grandes de manga fuera de Japón. El manga en Indonesia es publicado por Elex Media Komputindo, Acolyte, Gramedia. Influencia fuera de Japón La influencia del manga es muy destacable en la industria de historietas original de casi todos los países del Extremo Oriente e Indonesia. Al día de hoy el manga también se ha consolidado en la sociedad occidental debido al éxito cosechado durante las décadas pasadas, dejando de ser algo exclusivo de un país para constituirse en un fenómeno comercial y cultural global, en competencia directa con la hegemonía narrativa estadounidense y europea. El ejemplo más claro de la influencia internaciónal del manga se encuentra en el denominado amerimanga, es decir, el conjunto de artistas fuera del Japón que han creado historietas bajo la influencia del manga y el anime japonés pero para un público estadounidense. Y es que el manga se ha vuelto tan popular que muchas compañías fuera del Japón han lanzado sus propios títulos basados en el manga como Antarctic Press, Oni Press, Seven Seas Entertainment, TOKYOPOP e incluso Archie Comics que mantienen el mismo tipo de historia y estilo que los mangas originales. El primero de estos títulos salió al mercado en 1985 cuando Benn Dunn, fundador de Antartic Press, lanzó Magazine (cómic) y Ninja High School. Artistas como los estadounidenses Brian Wood (Demo) y Becky Cloonan así como el canadiense Bryan Lee O'Malley (Lost At Sea) están en gran parte influenciados por el estilo de manga comercial y han sido alabados por sus trabajos fuera del círculo de fanáticos de manga y anime. Mientras que Antarctic Press se refería a sus trabajos como «amerimanga», no todos estos trabajos inspirados en el manga son creados por estadounidenses. Muchos de estos artistas que trabajan en Seven Seas Entertainment en series como Last Hope o Amazing Agent Luna son de origen filipino y TOKYOPOP tiene una gran variedad de artistas coreanos y japoneses en algunos de sus títulos como Warcraft y Princesa Ai. Otros artistas estadounidenses con influencia del manga en algunas de sus obras son Frank Miller, Scott McCloud y sobre todo Paul Pop. Este último trabajó en Japón para Kōdansha en la antología de manga Afternoon y luego de ser despedido (debido a un cambio editorial en Kodansha) continuó con las ideas que había desarrollado para la antología, publicando en los Estados Unidos bajo el nombre de Heavy Liquid. Su trabajo contiene, por tanto, una gran influencia del manga sin las influencias internacionales de la cultura otaku. En el otro sentido, la editorial estadounidense Marvel Comics llegó a contratar al mangaka japonés Kia Asamiya para una de sus series bandera, Uncanny X-Men. En Francia existe el movimiento llamado «La nouvelle manga» iniciado por Frédéric Boilet, que trata de combinar la sofisticación madura del manga con el estilo artístico de las historietas franco-belgas. Mientras que el movimiento envuelve a artistas japoneses, un puñado de artistas franceses han adoptado la idea de Boilet. En Europa, de hecho, se está desarrollando actualmente a marchas forzadas los «mangakas» españoles. Tanto es así, que las editoriales extranjeras están buscando a mangakas españoles para la publicación de mangas en sus respectivos países. Ejemplos como Sebastián Riera, Desireé Martínez, Studio Kôsen, y muchos otros están consiguiendo poco a poco posicionar este nuevo manga, llamado Iberomanga, o Euromanga, cuando engloba a los autores que se están dando a conocer en Europa. Además, existen muchos artistas aficionados que son influidos exclusivamente por el estilo del manga. Muchos de estos artistas se han vuelto muy populares haciendo pequeñas publicaciones de historietas y mangas utilizando mayormente Internet para dar a conocer sus trabajos. Sin embargo, lo más importante de todo es que gracias a la irrupción del manga en Occidente, la población juvenil de estas regiones ha vuelto a interesarse masivamente por la Historieta como medio, algo que no sucedía desde la implantación de otras formas de ocio como la TV. La industria del manga Tienda manga en Japón. El manga en Japón es un auténtico fenómeno de masas. Un único dato sirve para ilustrar la magnitud de este fenómeno: En 1989, el 38% de todos los libros y revistas publicados en Japón eran de manga. Como se puede suponer por esta cifra, el manga no es sólo cosa de jóvenes. En Japón hay manga para todas las edades, profesiones y estratos sociales, incluyendo amo/as de casa, oficinistas, adolescentes, obreros, etc. El manga erótico y pornográfico (hentai) supone una cuarta parte de las ventas totales. Desde 2006 existe en la ciudad de Kyoto el Museo Internacional del Manga de Kioto, que constituye una novedad al ser el primero de su género.10 En la actualidad cuenta con 300.000 artículos y objetos relacionados con la materia, de los que se distinguen especialmente los 50.000 volúmenes con los que cuenta la colección del museo. Publicaciones Y en cuanto a las revistas de manga, conocidas también como «revistas manga» o «revistas antológicas», hay que decir que sus tiradas son espectaculares: Al menos diez de ellas pasan del millón de ejemplares semanales. Shōnen Jump es la revista más vendida, con 6 millones de ejemplares cada semana. Shōnen Magazine le sigue con 4 millones. Otras conocidas revistas de manga son Shōnen Sunday, Big Comic Original, Shonen Gangan, Ribon, Nakayoshi, Margaret, Young Animal, Shojo Beat y Lala. Las revistas de manga son publicaciones semanales o mensuales de entre 200 y 900 páginas en las que concurren muchas series distintas que constan a su vez de entre veinte y cuarenta páginas por número. Estas revistas suelen estar impresas en papel de baja calidad en blanco y negro con excepción de la portada y usualmente algunas páginas del comienzo. También contienen varias historietas de cuatro viñetas. Si las series mangas resultan ser exitosas se publican durante varios años. Sus capítulos pueden ser recogidos en tomos de unas 200 páginas conocidos como tankōbon, que recopilan 10 u 11 capítulos que aparecieron antes en revista. El papel y las tintas son de mejor calidad, y quien haya sido atraído por una historia concreta de la revista la comprará cuando salga a la venta en forma de tankōbon. Recientemente han sido impresas versiones «de lujo» para aquellos lectores que buscan un impreso de mayor calidad y que buscan algo especial. De forma orientativa, las revistas cuestan en torno a 200 o 300 yenes (algo menos de 2 o 3 euros) y los tankōbon cuestan unos 400 yenes (3,50 euros). Otra variante que ha surgido por la proliferación del intercambio de archivos a través del Internet es el formato digital que permite la lectura en un computador o similar; denominándose e-comic. Los formatos más comúnmente usados para ello son el .cbr y .cbz, que realmente son archivos comprimidos (en rar y en zip, respectivamente) con imágenes en formatos comunes (jpeg y gif sobre todo) en su interior. También se suelen distribuir como imágenes sueltas o también en formato pdf o lit. Tipología Géneros demográficos y segmentos de población Es habitual que los aficionados al manga, en lugar de usar clasificaciones por género, clasifiquen las historietas en función del segmento de población al que se dirigen. Para ello usan términos nipones como los siguientes: Kodomo manga, dirigido a niños pequeños. Shōnen manga, dirigido a chicos adolescentes. Shōjo manga, dirigido a chicas adolescentes. Seinen manga, dirigido a hombres jóvenes y adultos. Josei manga, dirigido a mujeres jóvenes y adultas. Géneros Artículo principal: Géneros de historieta. La clasificación de los mangas por género se vuelve extremadamente ardua, dada la riqueza de la producción nipona, en la que una misma serie puede abarcar varios géneros y mutar además a lo largo del tiempo. De ahí que la clasificación por segmento de población sea mucho más frecuente. El aficionado occidental al manga usa, sin embargo, algunos términos nipones que permiten designar a algunos de los subgéneros -que no géneros- más específicos, y que no tienen un equivalente preciso en castellano. Son los siguientes: Nekketsu: tipo de manga en el que abundan las escenas de acción protagonizadas por un personaje exaltado que defiende valores como la amistad y la superación personal. Ejemplo: Dragon Ball, One Piece, Bleach, Naruto, Saint Seiya, Katekyo Hitman Reborn, Fairy Tail. Spokon: manga de temática deportiva. El término proviene de contraer la palabra inglesa "sports" y la japonesa "konjo", que significa "arrestos". ejemplos: Inazuma Eleven, eyeshield 21, Slam Dunk, Prince of Tennis, Supercampeones, Captain Tsubasa (Super Campeones/Oliver y Benji) Gekiga: manga de temática adulta y dramática. Mahō Shōjo: niñas/os o chicos que tienen algún objeto mágico o poder especial. Ejemplo: Magical Doremi, Sailor Moon, Sakura Card Captor o Black Rock Shooter. Yuri: historia de amor entre chicas. Ejemplo: Kannazuki no miko, Strawberry Panic!. Yaoi: historia de amor entre chicos. Ejemplo: Junjo Romantica, Sekaiichi Hatsukoi. Harem: grupo femenino, pero con algún chico como co-protagonista. Ejemplo: Love hina, Negima!. Mecha: tienen presencia importante de robots, en muchas ocasiones gigantes y tripulados por humanos. Ejemplo: Tengen toppa guren lagann, Gundam, Mazinger Z, Neogenesis Evangelion Zoids y Escaflowne. Ecchi: de corte humorístico con contenido erótico. Ejemplo: Sora no Otoshimono , To Love-Ru, B Gata H Kei, Kissxsis. Jidaimono: ambientado en el Japón feudal. Ejemplo: Rurouni Kenshin, Sengoku Basara. Gore: género de anime asignado a aquellas series que poseen alta violencia gráfica, comúnmente estos son de terror. Literalmente, sangre derramada. Son las series de horror sanguinolento, con abundancia de sangre que más que pretender espantar tratan de repugnar al espectador. Contiene violencia extrema (descuartizaciones), no es un género muy empleado en el fan fic pero si que se encuentra ocasionalmente. Ejemplos: Elfen Lied, Higurashi no Naku Koro ni, Hellsing, Mirai Nikki y Wolf Guy. Los aficionados se visten de Cosplay, estas ferias únicamente eran típicas de Japón, pero se fueron extendiendo hasta alcanzar todos los continentes. Géneros temáticos Otra forma de clasificar al manga es mediante la temática, estilo o gag que se utiliza como centro de la historia. Así, tenemos: Progresivo: animación hecha con propósito de emular la originalidad japonesa. Ejemplos: Serial Experiments Lain, Neon Genesis Evangelion, Paranoia Agent. Cyberpunk: la historia sucede en un mundo donde los avances tecnológicos toman parte crucial en la historia, junto con algún grado de desintegración o cambio radical en el orden social. Ejemplos: Ghost in the Shell, GUNNM, Full Metal Alchemist, Akira. Ecchi: es la pronunciación de la letra H en japonés, presentando situaciones eróticas o subidas de tono llevadas a la comedia. Ejemplos: Golden Boy, Vandread, Kiss×sis, To Love-Ru. Furry: significa peludo, conformado de Animales antropomórficos, que es la combinación de rasgos humanos y animales. Gekiga: término usado para los anime dirigidos a un público adulto, aunque no tiene nada que ver con el hentai. El término. literalmente. significa "imágenes dramáticas". Ejemplo: Omohide Poro Poro, Hotaru no Haka. Gore: anime literalmente sangriento. Ejemplos: Elfen Lied, Higurashi no Naku Koro ni, Gantz, Deadman Wonderland, Umineko no Naku Koro ni. Harem: muchas mujeres son atraídas por un mismo hombre. Ejemplos: Rosario + Vampire, To Love-Ru, Love Hina, Onegai☆Twins. Harem Reverso: muchos hombres son atraídos por una misma mujer. Ejemplo: Fruits Basket, Starry Sky. Hentai: significa literalmente "pervertido", y es el anime pornográfico. Ejemplos: Stringendo, Bible Black, La Blue Girl y Hatsu Inu. Kemeno: humanos con rasgos de animales o viceversa. Ejemplo: Tokyo Mew Mew, Black Cat, Inuyasha. Mahō shōjo: magical girl, chica-bruja o con poderes mágicos. Ejemplos: Corrector Yui, Sailor Moon, Card Captor Sakura, Mahō Shōjo Lyrical Nanoha, Mahō shōjo. Mecha: robots gigantes. Ejemplos: Gundam, Mazinger Z, Neon Genesis Evangelion, Code Geass. Meitantei: es una historia policíaca. Ejemplos: Detective Conan, Death Note. Victoriana Fantástica: la historia sigue a un chico/chica del Siglo XIX que normalmente tiene alguna relación con alguna organización religiosa o gubernamental y que se enfrenta a energías sobrenaturales. Ejemplos: D.Gray-man, Pandora Hearts, Kuroshitsuji. Victoriana Histórica: a diferencia de la fantástica, la histórica nos muestra sucesos que ocurrieron en el Siglo XIX, con un toque de romance o comedia. Ejemplos: Emma, Hetalia: Axis Powers. Realidad virtual: en este caso los protagonistas estan dentro de un videojuego online y siguen una historia que puede ir variando mucho. Ejemplos: .hack, Accel World, Sword Art Online. Juego de Supervivencia: este genero es bastante conocido y siempre tiene bastante gore. Las historias de este tipo tratan de varios personajes que por diversos motivos se ven obligados a participar en un juego de supervivencia ya sea matándose unos a otros o haciendo equipo con otros personajes. Ejemplos: Gantz, Mirai Nikki, Btooom!, Deadman Wonderland, Battle Royale. Romakome: es una comedia romántica. Ejemplos: Lovely Complex, School Rumble, Love Hina, Mayoi Neko Overrun!. Sentai: en anime, se refiere a un grupo de superheróes. Ejemplo: Cyborg 009. Shōjo-ai o Yuri: romance homosexual entre chicas. Se diferencian el primero del segundo en el contenido, ya sea explícito o no. Ejemplos: Shoujo Kakumei Utena, Strawberry Panic, Kannazuki no Miko, Yami to Bōshi to Hon no Tabibito. Shōnen-ai y Yaoi: romance homosexual entre chicos u hombres. Se diferencian el primero del segundo en el contenido, ya sea explícito o no. Ejemplos: Gakuen Heaven, Junjō Romantica, Gravitation. Spokon: historias deportivas. Ejemplos: Inazuma Eleven, The Prince of Tennis, Eyeshield 21, Slam Dunk, Supercampeones , Free! y Kurogane. Shota: romance homosexual u heterosexual entre niños menores, este también se puede dar entre un niño menor y un adulto. Ejemplos: Boku no Pico y Papa to Kiss in the Dark. Lolicon: romance homosexual o heterosexual entre niñas menores, este también se puede dar entre una niña menor y un adulto. Ejemplo: Kodomo no Jikan. Kinshinsōkan: Relaciones románticas/eróticas entre miembros de la misma familia. Ejemplos: Aki Sora, Papa to Kiss in the Dark, Yosuga no Sora, Oreimo. Fuente: 1) http://es.wikipedia.org/wiki/Manga

Akira Toriyama Akira Toriyama (鳥山 明 Toriyama Akira) (Nagoya, Japón, 5 de abril de 1955) es un dibujante de manga. Se conoce principalmente por sus obras Dr. Slump, Dragon Ball, Blue Dragon y por el diseño de personajes de las franquicias Dragon Quest y Chrono Trigger. Nacimiento: 5 de abril de 1955 (58 años) Residencia: Kiyosu, Aichi, Japón Nacionalidad: Japonés Ocupación: Dibujante de manga, diseñador de personajes, artista, escritor, director de arte Años activo: 1978-presente Empleador: Shūeisha Cónyuge: Yoshimi (Nachi Mikami) Hijos: 2 Premios: Shogakukan Manga Award (1981) Biografía Entró en 1974 en la Escuela Superior Industrial, inmediatamente después fue contratado por una empresa de publicidad en Nagoya, trabajó allí durante tres años, pero la falta de interés y la mala relación con sus jefes le condujo a la decisión de retirarse y a dedicarse al manga. Su vida de mangaka empezó con una publicación en Shonen Jump de Shūeisha. Más tarde crearía muchas otras historias para esa revista y, posteriormente, recogidas en tomos. Gracias a sus populares personajes, Toriyama se hizo inmensamente popular en Japón y en el extranjero gracias a su obra Dragon ball durante la década de 1990, en la primera década del siglo XXI su fama ha decaído debido al menor éxito de sus producciones más recientes. En Japón, sin embargo, continúa siendo una figura pública y aún vive en Aichi con su esposa e hijos, donde su fama le ha causado algunos problemas, por ejemplo, cada vez que hay rumores de que hará alguna aparición en Tokio, la oficina de gobernación se preocupa porque, en ocasiones, multitudes de fans se aglomeran cerca de su casa para observarlo salir e incluso lo acompañan en caravana hasta el aeropuerto; este fenómeno dice mucho sobre la popularidad de Toriyama. A pesar de su fama, en general, a Toriyama no le gusta exponerse en los medios de comunicación colectivos y son muy raras las ocasiones en las que algún periodista ha logrado entrevistarle o tomarle una fotografía para un diario extranjero. Obra Debutó como dibujante en 1978 con la historia Wonder Island, que fue publicada en la revista semanal Shonen Jump. A partir de ese momento creó una serie de historias cortas, Tomato y Today's Highlight Island, todas tuvieron una moderada aceptación entre los fans y gracias a ello el autor tuvo la posibilidad de realizar su primera serie. Mangas y animes Dr. Slump, su primer éxito El salto a la fama llegó con Dr. Slump, que se publicó en la citada revista entre 1980 y 1984. Gracias a ella recibió en 1981 el Premio de Manga otorgado por la editorial Shōgakukan. La aceptación del manga fue masiva y, menos de un año después de su aparición, el 8 de abril de 1981, se estrenó el primer episodio de la serie de animación. En total, se recopilaron 18 volúmenes de manga (40 en España, publicados por Planeta de Agostini) y la serie de televisión sobrepasó los 240 episodios, llegando a su final el 19 de febrero de 1986. Dr. Slump narra las aventuras absurdas del profesor Senbee Norimaki y de su creación, un robot con forma de niña de 10 años llamada Arale, y demás habitantes de un extraño lugar llamado Villa Pingüino. Tori-bot es un personaje basado en Akira Toriyama, usado para representarse a sí mismo en apariciones cómicas la mayoría de las veces, tanto en Dr. Slump como en menor grado en Dragon Ball. Reconocimiento mundial con Dragon Ball La serie que haría pasar a la historia a Akira Toriyama dentro y fuera de Japón, al punto de haber llegado a ser el manga más conocido del mundo, fue Dragon Ball. Toriyama había escrito una historia corta llamada Dragon Boy, antes de escribir Dr. Slump, Dragon Ball es la reelaboración de Dragon Boy y su argumento consiste en las aventuras de Son Gokū y sus amigos, en medio de la búsqueda monumental de las siete esferas mágicas cuya unión puede invocar la presencia del dios dragón Shenlong, que puede conceder un deseo a su invocador. La fórmula de buscar esferas, enfrentar peligros y, finalmente, pedir el deseo se repite incansablemente a lo largo de los 42 libros de Dragon Ball que se llegaron a publicar. Más allá de la aceptación alcanzada con la publicación del manga, el verdadero éxito vino cuando las historias de Dr. Slump, y Dragon Ball se convirtieron en animes. Estas alcanzaron un enorme nivel de audiencia. Particularmente Dragon Ball, que generó una cantidad masiva de mercancía temática (ropa, videojuegos y todo tipo de juguetes alusivos a los personajes, tanto héroes como villanos). Su gran popularidad alcanzó prácticamente a todos los países en donde se transmitió y obtuvo los mayores niveles de audiencia. Dragon Ball terminó convirtiéndose en un fenómeno cultural, por ejemplo, frases como Tengo que aumentar mi ki o ¡Kame Hame Ha! se volvieron populares durante los años 1990, haciendo alusión a diálogos o situaciones comunes en la serie. La serie animada de Dragon Ball Z (el nombre que recibió la versión televisada una vez que Son Goku se hizo adulto) ha sido traducida al español (Hispanoamérica y España), catalán, valenciano, euskera, gallego, inglés, francés, italiano, alemán, portugués, árabe y a otros idiomas. La serie elaborada por la compañía Shueisha concluyó en 1996 y hasta ese año fue transmitida de 7.00 p. m. a 7.30 p. m. por la cadena Fuji Telecasting, de Japón. Después de Dragon Ball En ese mismo año de 1996, la compañía que realizaba el anime, Toei Animation, intentó continuar con la historia, pero Toriyama se negó a producir más manga de Dragon Ball, así que se limitó a darle permiso a la compañía para hacer una serie como continuación de Dragon Ball Z, en la que él se limitaría a ser el asesor y a diseñar de manera básica a los personajes. Así empezó Dragon Ball GT, que no tuvo el mismo impacto de las versiones anteriores (Dragon Ball y Dragon Ball Z), pero que cosechó un gran éxito. Los trabajos que ha realizado Toriyama después de Dragon Ball han sido historias cortas (de entre 100 y 200 páginas), entre las que se encuentran Cowa!, Kajika, Sand Land, Neko Majin y algunas otras. Sus últimos trabajos han sido la supervisión de dos nuevas adaptaciones de Dragon Ball, la nueva OVA de Dragon Ball Z (Ossu! Kaette kita Son Gokū to nakamatachi!!), con motivo del 40 aniversario de la revista Weekly Shounen Jump, de Editorial Sueisha. Recientemente supervisó Dragon Ball Kai, la remasterización de Dragon Ball Z. Y finalmente realizó la película más reciente de la saga de Dragon Ball,Dragon ball Z: La batalla de los Dioses, que se estrenó en cines en marzo de 2013. Videojuegos El éxito de Toriyama también lo ha llevado a trabajar en el diseño de personajes de varios videojuegos. De manera, particular, en la popular serie de videojuegos de rol Dragon Quest (conocida principalmente en Estados Unidos como Dragon Warrior). También diseñó los personajes del videojuego de rol Chrono Trigger para Super Nintendo y Super Famicom y del popular juego de peleas Tobal No. 1 para PlayStation y también de su secuela Tobal No. 2, que sólo fue publicada en Japón, al día de hoy trabaja diseñando los personajes para el Dragon Ball Online. Su última incursión fue para la consola Xbox 360 donde aporta con su arte para el juego de rol Blue Dragon. Además del videojuego, también se implicó en la serie del mismo nombre. Blue Dragon es el último anime con diseños de Akira Toriyama. Se basa en el videojuego del mismo nombre, y se centra en un mundo donde las sombras cobran vida propia. El protagonista de esta historia es un joven llamado Shu, quien tiene por sombra a Blue Dragon, el cual repite los movimientos que el chico realiza. Shu, un tanto presionado por Nené y por su afán en destruir cuantas cosas se opongan a él, decide comenzar un viaje en el que convivirá con otros jóvenes poseedores también de sombras como él, el cual se hará fuerte y comprenderá muchas cosas sobre el mundo en el que se encontraba. Cross Epoch: Dragon Ball Z, One Piece Uno de los últimos trabajos de Toriyama fue junto con Eiichirō Oda (creador de One Piece), juntos crearon una historieta de un sólo tomo, en la cual se encontraban personajes de ambas series. La historia es totalmente inventada y no tiene un mundo en singular (es una mezcla de ambos), en otras palabras, una historia fuera de la continuidad temporal de ambas series; los personajes siempre están ubicados entre dos (uno de cada programa) y cada par en un trabajo diferente. Actualmente este material no se encuentra publicado en España por ninguna editorial. Goku y Luffy: héroes (los más fuertes de cada programa). Piccolo y Zoro: comandantes de un barco (en el cual se pierden). Mutenroshi y Sanji: un par de alguaciles del desierto (los dos personajes más mujeriegos de ambos animes). Vegeta, Trunks, Robin y Ussop: forman parte de los piratas de Vegeta (único grupo que parece ser totalmente malo). Bulma y Nami: ladronas espaciales. Krilin y Chopper: conductores de un tren marino (el cual Piccolo y Zoro pensaban secuestrar). Shenlong: dragón que cumple deseos y amigo de todos los personajes. Aparece cada año y es convocado por las esferas del dragón. Lista de trabajos Series manga Awawa World, 1977. Mysterious Rain Jack, 1977. Dr. Slump, 1980-1985. Dragon Boy, 1983. Tongpoo, 1983. Taller de teatro manga de Akira Toriyama volumen 1, 1983. Dragon Ball, 1984-1995. Taller de teatro manga de Akira Toriyama volumen 2, 1988. Taller de teatro manga de Akira Toriyama volumen 3, 1997. Cowa!, 1997-1998. Tahi Mahi, 1998. Kajika, 1998. Sand Land, 2000. Jiya, 2009, junto a Masakazu Katsura. Diseño de personajes de juegos Dragon Quest Tobal Chrono Trigger Dragon Ball Blue Dragon Programas de televisión Apple pop, la secuencia de inicio (el opening) del programa infantil Pon Kick (ポンキッキ?), se hizo en el 1999. Otros QVolt, un automóvil eléctrico de Q motors. Janta, un personaje original de Jump Shop. Tocchio, the Angel, un libro para niños. Fuente: 1) http://es.wikipedia.org/wiki/Akira_Toriyama

Chipa La chipa o el chipá (la palabra no tiene género por ser un término en lengua guaraní) es un pan pequeño hecho con almidón de mandioca, queso duro, leche, huevos, manteca y sal; también se le puede añadir un poco de levadura en polvo y/o un chorrito de jugo de naranja y/o un poco de aceite de girasol. Este plato, bajo estas denominaciones y casi con los mismos ingredientes y proporciones de estos, es propio de Paraguay, del Nordeste argentino, y de parte del Suroeste brasileño. Sopa paraguaya La sopa paraguaya es un plato típico de la gastronomía de Paraguay y de la gastronomía del Nordeste argentino, producto del sincretismo guaraní y español. Los guaraníes acostumbraban a consumir comidas pastosas elaboradas con harina de maíz o de mandioca envueltas en hojas de güembé o banana y cocinadas entre ceniza caliente. Los jesuitas (en su mayoría españoles), introdujeron el uso de: queso, huevos y leche (aditivos que fueron agregados a las comidas preparadas por los guaraníes). Por esto, la sopa paraguaya se trata de un bizcocho esponjoso salado, de muy rico contenido calórico y proteico. Chipa guazu Chipa Guazú es una torta de maíz o pastel de choclo cocida al horno o tatacua, y constituye una de las 70 variedades identificadas de chipa, comida originaria de los guaraníes, y por lo tanto, típica del Paraguay y de Argentina Es guarnición obligada en los “asados” (encuentros de carácter social y/o familiar que se realizan en torno a la mesa en la que se sirven distintos cortes de carne vacuna o cerdo, chorizos y morcillas). Como todo plato de la gastronomía paraguaya posee, por razones de orden histórico debidamente comprobadas, un alto valor proteico. Que te parecen ya las probaste?

The Last: Naruto the Movie The Last: Naruto the Movie (ザ・ラスト‐ナルト・ザ・ムービー Za Rasuto: Naruto za Mūbī). Es la décima película de la serie Naruto y la séptima película de Naruto Shippuden, hecha para conmemorar el 15 aniversario de la franquicia. Esta es también la primera entrada del proyecto El Inicio de una Nueva Era, y la primera película en ser parte oficial de la historia del canon Naruto y está situada entre los dos últimos capítulos de la serie manga original. La nueva película también está presentando la próxima generación de personajes, que todavía tienen que ser entrenados. Datos País: Japón Año: 2014 Guion: Kyōzuka Maruo Basada: En Naruto por Masashi Kishimoto Estreno: 6 de diciembre (Japón) Género: Aventura, Acción, Romance Duración: 112 minutos Idioma: Japonés Se estrenó en los cines el 06 de diciembre de 2014. The Last se convirtió en la película más taquillera de la franquicia, ganando ¥1.94 billones (US$16.5 millones) Sinopsis Dos años después de los acontecimientos de la Cuarta Guerra Mundial Shinobi, la luna, que Hagoromo Ōtsutsuki creó para sellar el cuerpo de Kaguya Ōtsutsuki comienza a descender hacia la Tierra, como un meteoro que destruiría todo en el impacto. La crisis es causada por Toneri Ōtsutsuki, descendiente de Hamura Ōtsutsuki a través de la rama secundaria del clan, determinado a cumplir con el legado de su antecesor, que la humanidad debe ser exterminada por usar chakra como arma por más de un milenio. Durante el Festival de Rinne en Konoha, Hinata Hyuga espera darle a Naruto un regalo personal de amor - una bufanda roja - tejida por ella misma en memoria de una que Naruto solía llevar en la Academia, y Sakura se ofrece a ayudarle. Sin embargo, ella no puede porque Naruto está recibiendo varios regalos, incluyendo otra bufanda, por su reputación de héroe. Mientras tanto, Toneri se infiltra en Konoha para secuestrar a Hanabi Hyuga, después de no poder capturar a Hinata, y la bufanda queda desgarrada. Preparados para la misión, Naruto, Hinata, Sakura, Sai, y Shikamaru van a rescatar a Hanabi. El Sexto Hokage, Kakashi, le da un reloj especial a Shikamaru, el cual solamente lo tienen los Cinco Kages, que al parecer está contando hasta el día del juicio final. En el viaje, el grupo investiga a través de la aldea abandonada del clan Ōtsutsuki, y Naruto comienza poco a poco a darse cuenta del amor a Hinata, al haber experimentado recuerdos de su infancia. En algún momento, Toneri roba el Byakugan de Hanabi y lo implanta en sus propias cuencas de ojos vacías, despertando el Tenseigan sellado por los descendientes de Hamura durante el último milenio. Cuando finalmente Naruto decide confesar su amor a Hinata, Toneri llega y le propone a Hinata casarse con él; ella "acepta" su oferta, lo que hace que Naruto caiga en una profunda depresión, ademas de que la mitad de su chakra había sido absorbido por Toneri. Al mismo tiempo, las aldeas se defienden contra los meteoritos, y evacuan a los civiles. En ausencia de Naruto, Sasuke vuelve a proteger a Konoha. Después de tres días, Naruto se despierta y ve a Sakura severamente debilitada debido a que lo ayudó en su recuperación, y se da cuenta de que Hinata realmente lo ama. Después, Naruto y los demás se dirigen a la base de la luna de Toneri. Mientras tanto, en el palacio de Toneri, Toneri le pide a Hinata que le teja una bufanda roja y se case con él. Pero en realidad, Hinata sólo acepta la propuesta de Toneri para destruir el altar Tenseigan, ya que Toneri ha malinterpretado el Decreto Celestial. Desafortunadamente, antes de que Hinata pueda hacerlo, Toneri se da cuenta del engaño, le lava el cerebro, y destruye la bufanda que en realidad había hecho para Naruto. El equipo de Naruto finalmente llega y comienza un ataque masivo contra el palacio de Toneri. El equipo se divide, Naruto va a rescatar a Hinata en la ceremonia, mientras que los otros van por Hanabi. Hinata, con la ayuda de Naruto logra destruir el altar. Sin embargo, el Tenseigan de Toneri ya preparado le otorga el poder de cortar la luna en medio, y coloca a Hinata en una jaula de pájaro gigante. Naruto entra en modo de nueve colas, y comienza el gran combate. Cerca del final, Naruto agarra el último jirón restante de la bufanda y junta su chakra en su brazo derecho dándole un fuerte golpe a Toneri, lo suficiente para inmovilizarlo contra una pared, revirtiendo su Tenseigan de nuevo al Byakugan de Hanabi. Hinata aprovecha la oportunidad para recuperar los ojos de su hermana. Toneri no se da por vencido e intenta absorber los Byakugan de su santuario, pero la exposición a luz del sol está a punto de destruirlo, afortunadamente, Naruto lo salva y en el proceso logran detener la luna. Naruto y Hinata llevan a Toneri al cementerio donde están enterrados los otros miembros de su clan, y le hacen darse cuenta que lo que está haciendo no es lo que su ancestro deseaba. Toneri se da cuenta de su error, y permanece aislado en la luna, ya que vuelve a la órbita. Naruto le comenta a Hinata que la bufanda que ya tenía antes era de su difunta madre, entonces él confiesa su amor por Hinata y los dos se besan. Durante los créditos finales, escenas muestran la boda de Naruto y Hinata, a la que asistieron sus amigos y familiares. En una escena post-créditos, ambientada en la época del epílogo de la serie, la pareja juega con sus hijos, Boruto y Himawari. Reparto Producción La película está dirigida por Tsuneo Kobayashi, mientras que el autor del manga Masashi Kishimoto está proporcionando el concepto de la historia, diseño de personajes, y la supervisión editorial completa. La película fue anunciada por primera vez en la Jump Festa de 2012. Se estrenó el 6 de diciembre de 2014, lo que la convirtió en la primer película de la franquicia en ser lanzada dos años después de la película anterior. Su primer teaser fue revelado el 31 de julio 2014. La película fue fuertemente promocionada en el período previo al final del manga de Naruto. En la revista Weekly Shonen Jump, se mostraron los nuevos diseños de personajes, ademas de la información de los mismos. Se anunció que un nuevo personaje con la voz de Jun Fukuyama hizo una aparición en el película. Fukuyama también pidió a los aficionados a disfrutar de la película una vez que se publique. Una edición limitada del libro de datos oficial de la película se distribuyó con la película. Una novela que basada en la película de edición limitada, saldrá dos días después del estreno de la misma y además tendrá un one-shot hecho por Kishimoto. El dúo masculino Sukima está llevando a cabo el tema de la película, "Hoshi no Utsuwa" (Star barco); el productor Takuyuki Hirobe había pedido el dúo hacer una canción que invoca una actitud suave pero potente del mundo en la realización de la película. El single está programado para ser lanzado el 3 de diciembre de 2014. Una canción CD caracteres para Hinata Hyuga también se ha anunciado como "Fuyu no Owari ni" (En el fin del invierno) por Nana Mizuki. Secuela Después de la escena post-créditos de The Last, se ha mostrado un teaser trailer de una película basada en el hijo de Naruto y Hinata, Boruto, para un lanzamiento el agosto 2015. Masashi Kishimoto confirma estar involucrado como productor supervisor ejecutivo, escritor y diseñador de personajes, generando la historia a la próxima generación. La secuela se ata en el Proyecto de la Nueva Era. Trailer: link: https://www.youtube.com/watch?v=NXE-gQEslq8 Fuentes: https://www.youtube.com/watch?v=kOviYJBNaZc http://es.wikipedia.org/wiki/The_Last:_Naruto_the_Movie