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Autorretratos: 7 Consejos Clave para Mejorarlos El autorretrato es todo un arte, y no es nada fácil. Si lo has intentado alguna vez, te habrás dado cuenta de lo que digo, y no, un autorretrato no es necesariamente uno de los famosos "selfie" a los que nos hemos acostumbrado a hacer con nuestro móvil. El encuadre y, sobre todo, el enfoque, se convertirán en dos de los parámetros clave para conseguir uno bueno. En las siguientes líneas te voy a dar una serie de consejos para que la próxima vez que lo intentes logres un autorretrato espectacular. ¿Te quedas a descubrirlo? Estás avanzando con el uso de tu cámara. Has empezado a jugar con los controles manuales, tienes ya alguna noción de iluminación, y te empiezas a interesar por algunas temáticas. El retrato sin duda va a ser una de ellas. Y ¿a quién vas a encontrar más dispuesto que tú para practicar con esos retratos? No hace falta responder ¿no? No hay mejor modelo que uno mismo. Eres guapo, eres simpático, algo gracioso, y no tienes ningún pudor en posar para la cámara. Bueno, posiblemente no cumplas ninguna de estas premisas y lo sabes, pero lo cierto es que si estás empezando, seguramente aún te dé corte llamar a alguien para que haga de modelo para ti. Y es que estás haciendo tus primeros pinitos en el mundo de la fotografía, y aguantar una sesión fotográfica contigo puede resultar un poco duro... Pero no te preocupes, porque a todos nos ha pasado, así que no te desanimes. Piénsalo de este modo ¿Qué mejor modelo que tú? Vamos a olvidarnos de la belleza y la expresividad delante de la cámara. Lo que seguro que tienes es paciencia. Con paciencia y algo de tiempo libre te puedes montar tu propio estudio fotográfico en casa y depurar la técnica todo lo que sea necesario. Así que, vamos a empezar. ¿Qué Equipo Necesito para Hacer un Autorretrato? Para hacer un autorretrato, además de ti y de tu cámara, vas a necesitar el siguiente equipo: El trípode. Grande o pequeño, si quieres lograr un buen autorretrato vas a necesitar sin duda un trípode. ¿Puedes dejar apoyada tu cámara sobre una mesa o una silla? Claro, pero seguro que esa silla no te ofrece la seguridad ni la estabilidad que te va a ofrecer un trípode, y cualquier pequeño movimiento puede hacer que tu cámara vaya al suelo. El trípode además de darnos esa seguridad, también nos ayudará a que la cámara se mantenga inmóvil en la posición que queramos, nos permitirá un mayor manejo y más preciso, y nos ayudará a conseguir algunos de los tipos de enfoque que a continuación te voy a explicar. Autodisparador de la cámara o disparador remoto. Tienes la cámara montada en el trípode y vas a situarte de pie o sentado frente a la cámara. ¿Y cómo disparamos la fotografía? Pues o bien la disparamos con el autodispardor/temporizador de nuestra cámara (sí, ese símbolo que parece una especie de reloj y con el que podemos decirle a la cámara que dispare tras 2, 10 o más segundos para que nos dé tiempo a prepararnos y colocarnos) o podemos usar un disparador remoto, lo que resulta treméndamente cómodo para este propósito, ya que dispararemos cuando queramos pulsando un simple botón desde la posición que queramos. Tanto en un caso como en otro puedes disparar en modo ráfaga para pillar el gesto exacto que quieres. Aquí te dejo algunas opciones para que les eches un ojo: Disparador remoto para Nikon. Podes encontrar disparadores para algunos modelos de cámara Nikon como este desde 3 $ aproximadamente, a este por uno 10 $. Disparador remoto para Canon. Encontraras para algunos modelos de cámaras Canon este por unos 5 $, y este otro sobre los 10 $. Como material extra, te pueden ayudar a la hora de hacer autorretratos un espejo, un monitor o televisión, la pantalla de un ordenador, cuerda o cinta adhesiva. A continuación te explicaré para qué nos servirán estas cosas. Y por supuesto, si vas a necesitar algo más que nada, y que no es material, es paciencia. Paciencia para planificar bien la sesión y poder llevarla a cabo, porque no será una tarea rápida, aunque te aseguro que merecerá la pena. Cuida el Encuadre El encuadre es la parte más amable de controlar cuando nos hacemos un autorretrato, así que la abordaré primero. A la hora de realizar el encuadre no tendrás demasiados problemas siempre y cuando se trate de un retrato en plano entero o plano medio corto (si quieres conocer los distintos tipos de plano que hay para el retrato fotográfico en éste artículo te lo contamos). Es probable que te toque reencuadrar posteriormente con una herramienta de edición fotográfica como Photoshop o Lightroom para poder encuadrar correctamente la foto, pero será un ajuste mínimo. Lo que más debe preocuparte en este caso, es que deberás estar atento a las cosas que salen en el fondo de la imagen, ya que al tratarse de planos más abiertos puede que se te cuele ese cable tan feo, o una chaqueta medio doblada que estaba sobre la silla. Si tus retratos son más cerrados y estás utilizando primeros planos o planos detalles, es decir, si lo que vas a sacar es solo tu cara o una parte de ella, te será más difícil encuadrar puesto que estar delante y detrás de la cámara simultáneamente es algo que todavía no podemos hacer, y cualquier mínimo movimiento te sacará de la foto. Por eso, independientemente del tipo de plano que utilices, recuerda los siguientes consejos: Utiliza (si dispones de ella) la pantalla abatible de tu cámara. Si tu cámara dispone de conexión wifi, podrás controlarla con aplicaciones externas para el móvil y por lo tanto verte en la pantalla para buscar el mejor encuadre. Puedes conectar tu cámara a un monitor, televisión o portátil para poder verte. La más sencilla, pon un espejo detrás de la cámara, de modo que puedas ver reflejado el resultado de la foto que aparece en el LCD durante el disparo o después de disparar, según el tipo de cámara que tengas. En Busca del Enfoque Adecuado Si el encuadre te ha dado algún quebradero de cabeza, el enfoque te va a sacar de quicio completamente. Pero recuerda ¡no debes desanimarte! ¡Un autorretrato espectacular está por llegar! Es relativamente normal que la cámara presente ciertos problemas a la hora de enfocar, con el consiguiente resultado de que no salga enfocado lo que tu quieras, o simplemente todo aparezca desenfocado en la foto. Mucha gente dispara en ráfaga, y hace fotos y fotos con la esperanza de que alguna sea salvable. Pero hay una serie de medidas que puedes aplicar para ahorrarte este método tan tedioso de prueba y error, y asegurarte de que tu autorretrato estará correctamente enfocado. Veamos cuáles son algunas de las opciones que podemos utilizar: 1. Cierra el Diafragma Esta opción es la más sencilla, pero posiblemente la peor. La clave de un buen retrato es centrar la atención en el punto de mayor interés (que normalmente son los ojos). Esto se consigue con diafragmas abiertos, o lo que es lo mismo, profundidades de campo pequeñas. Cerrando el diafragma asegurarás que la parte enfocada en la fotografía sea mayor, con lo que aumentas la probabilidad de salir enfocado todo tú, pero perderás el poder compositivo que te otorga la poca profundidad de campo. Eso sí, si te atreves y quieres arriesgarte (te prometo que no te arrepentirás), el resto de opciones que a continuación te presento te serán muy útiles. 2. Enfoca Sobre un Objeto Este método consiste en situar en la posición donde vayas a estar tú después, un objeto que te permita enfocar la cámara para bloquear a continuación el enfoque pasándolo a enfoque manual. Te servirá cualquier cosa como un muñeco de peluche o una almohada. 3. Enfoca al Revés Lo que marca el enfoque es la distancia, así que puedes recoger la cámara desde el punto donde te vayas a poner tú y enfocar en la dirección donde vaya a estar situado el trípode. La distancia entre el trípode y la posición donde vayas a estar es la misma que desde donde estés y el trípode. Fija el enfoque de ese modo pasándolo a manual una vez hecho, y sitúa finalmente la cámara en el trípode. 4. El Método de la Cuerda Este mecanismo te permitirá trabajar con aperturas de diafragma grandes y poca profundidad de campo. Si quieres ajustar mucho el enfoque y que este sea preciso, es el método que buscas. Para llevarlo a cabo, hazte con una cuerda y átala a la base del trípode. Recoge tu cámara y sácala del trípode como hemos hecho antes. A continuación haz una marca en el punto de la cuerda que coincida con la zona trasera de tu cámara, que es donde se sitúa aproximadamente el sensor y plano de foco. Enfoca en automático al punto en el que está el trípode, y pasa el enfoque a manual. Lo de hacerte la marca en la cuerda es para saber exactamente a la distancia a la que has enfocado. Ahora se trata de que coloques la cámara sobre el trípode, y te sitúes ante la cámara. Deberás hacer coincidir la marca que has hecho en el punto que quieras que salga a foco, que normalmente serán los ojos. 5. Ayúdate de Cinta Adhesiva Si estás posando de pie, puedes hacer una marca en el suelo con cinta adhesiva. De este modo sabrás donde te tienes que colocar siempre, a la hora de jugar con el enfoque manual de tu cámara. 6. Ayúdate de una Luz Este es el método que me ha resultado más efectivo sin duda. Para ello necesitarás el disparador remoto. Con la habitación a oscuras, ayúdate de una pequeña linterna para enfocar la parte del cuerpo que deseas enfocar, como por ejemplo un ojo. El punto de luz ayudará a la cámara a enfocar, y el enfoque se realizará sobre el punto iluminado. Es un método que suele resultar bastante fiable y te permitirá hacer primeros planos o detalles con una precisión inimaginable. Y A Ti, ¿Se Te Ocurre Algún Método Más? comentalos debajo del post Si has intentado trabajar alguna vez el autorretrato, seguro que te ha surgido algún que otro problema. Cuéntanos cómo lo resolviste ayudándonos a completar este post. Y recuerda, además de todos estos consejos también es recomendable que cuides la composición y la iluminación de tus retratos. ¡A practicar!

10 Normas y Consejos Fundamentales en el Trato con los Modelos Son el otro 50% del equipo, pero no siempre le dedicamos la atención que merecen. Las personas que están delante del objetivo también tienen un papel muy importante en la foto, y nuestra relación con ellos pueden determinar en gran medida el resultado. Por eso, hoy quiero daros unos cuantos consejos sobre cómo mejorar esta relación durante una sesión fotográfica. Lejos de querer entrar en un debate sobre sexismo, voy a citar el caso estadísticamente más común de un fotógrafo masculino y una modelo femenina que, además, suele tener más restricciones en el trato, pero por supuesto todos estos consejos son extrapolables a cualquier relación entre fotógrafos y modelos de cualquier sexo. ¡Allá vamos! 1. Proponle que venga con un amigo, novio o familiar Con ello conseguirás darle un punto de apoyo y confianza desde el primer momento, pues le dará conversación para relajarse, la elogiará y la podrá ayudar a colocarse el pelo o la ropa si no cuentas con estilista en la sesión. Además, tendrás a otra persona más a la que podrás impresionar para que después comenten lo buen fotógrafo que eres delante de otros amigos. 2. No deberías tocar a la modelo Puede que ya tengas una buena relación con la modelo o que ésta sea tan cercana que no le importe un poco de contacto físico, pero por norma general un fotógrafo no debería tocar nunca a una modelo. Tanto si son amateurs como si son profesionales pueden considerar que te estás propasando y rompiendo la distancia debida en un trabajo profesional. Apartar un mechón de pelo que te molesta o quitarle alguna arruga de la ropa debería ser trabajo del estilista, aunque también puedes pedírselo al amigo o familiar antes mencionado si no cuentas con estilista. 3. Pide permiso siempre Si no es el caso de que contemos con alguien para que nos ayude con el contacto físico, siempre pídele educadamente permiso para tocarle el pelo o la ropa. Igualmente, cuando quieras algo que pueda ser tomado a mal, pídelo con asertividad, nunca de manera imperativa. Por ejemplo: “quítate la chaqueta” puede ser muy violento. En vez de eso, prueba “¿te parece bien si intentamos ahora una sin la chaqueta?” 4. Palabras PROHIBIDAS: No me gusta, está mal, así no… Evítalas siempre, en serio, son una bomba para la autoestima de la modelo. Nuestro trabajo debería ir siempre orientado a hacerla sentir segura de sí misma, así que las palabras negativas están prohibidas durante nuestra sesión de fotos. Por ello, si una foto o postura no nos gusta, deberíamos tener tacto para cambiarlo con palabras como “está muy bien, pero vamos a hacer otra para tener de dónde elegir” o “casi lo tenemos, vamos a probar ahora con esto para que sea perfecto” y cambiar así lo que no nos gusta. 5. Felicita las mejores fotos. Enséñale aquéllas en las que consigue lo que quieres Dirige su actitud con elogios a lo que hace bien y ella misma tenderá a repetir aquellas posturas y actitud que más nos gustan. Una buena idea sería utilizar cumplidos neutros que alaben su trabajo, no su belleza. Adjetivos como “genial”, “fantástico” o “espectacular” serían más seguros que “guapísima” o “sexy”. Igualmente, enseñándole las fotos en las que salga mejor y haga aquello que queremos repetir conseguimos tanto reforzar su autoestima como sugestionarla a que haga más los gestos que nos gustan. 6. Ponte a su lado haciendo la postura que quieres que copie A menudo, describir una postura concreta con palabras es muy largo y complicado, que puede acabar haciendo que repitamos las palabras prohibidas (“mal”,“así no”) por lo que es más eficaz ponernos a su lado y poner exactamente la postura que queremos para que ella la copie fácilmente. Además, puede ser un buen momento para hacer algo gracioso que la haga reír. consejos-trato-modelos-5 7. Conversa, bromea, no la dejes pensar en la cámara Decía el maestro Steve McCurry que si sabes esperar, la gente se olvidará de tu cámara y entonces su alma saldrá a la luz. Pero como nosotros no tenemos mucho tiempo para esperar, debemos hacer que se olvide de que está delante de una cámara con otras distracciones. Conversa sobre banalidades, cuéntale anécdotas de otras sesiones de fotos, chistes, haz un descanso en el que tomar un refresco y hazle ver que aparte de fotógrafo eres una persona con una vida común detrás. 8. Una botella de agua y algo para picar Un recurso muy sencillo y barato que seguro que tus modelos agradecerán en algún momento porque posar cansa más de lo que parece detrás de la cámara, y si hay focos que desprendan calor es probable que también suden un poco. Tener agua fría y un pequeño aperitivo que ofrecerles te definirá como una persona atenta y profesional. 9. Acuerda un periodo suficiente para la entrega de fotos Una vez acabada la sesión de fotos, lo más común es que tu modelo te pregunte algo como “¿cuándo tendrás listas las fotos?”. Hay que ser conscientes de que las personas ajenas a la edición fotográfica no conocen todo el trabajo que hay detrás del revelado RAW y edición en Photoshop, así que sería recomendable explicar que esto lleva muchísimas horas y, de dar una fecha límite, cuidar que la fijas con un buen margen que te asegure que las tendrás listas. Da muy mala impresión retrasarte en la entrega y puede arruinar la opinión que tienen sobre ti. 10. Explica bien los derechos acordados sobre las fotos Y para terminar y asegurarte de que no tendrás ningún problema futuro, lo mejor es dejar claros los derechos que ambos tenéis sobre las fotos, dónde pueden ser publicadas, bajo qué condiciones... Aquí dependerá mucho de si ha sido una sesión con remuneración o TFCD, del tipo de cliente y de la naturaleza de las fotos. Tú, como fotógrafo, siempre tienes derecho a ser reconocido como el autor de la fotografía, pero lo mejor para ambos es acordar hacer promoción mutua de buen grado. Que al compartir ella las fotos te mencione como fotógrafo y viceversa. El boca a boca es la mejor forma de publicidad. Espero que les haya gustado, dejen sus comentarios, y si pueden aportar algo mas, seria de mucha ayuda, hasta la próxima Gust.·. Algunas fotos bien Realizadas...

10 Normas y Consejos Fundamentales en el Trato con los Modelos Son el otro 50% del equipo, pero no siempre le dedicamos la atención que merecen. Las personas que están delante del objetivo también tienen un papel muy importante en la foto, y nuestra relación con ellos pueden determinar en gran medida el resultado. Por eso, hoy quiero daros unos cuantos consejos sobre cómo mejorar esta relación durante una sesión fotográfica. Lejos de querer entrar en un debate sobre sexismo, voy a citar el caso estadísticamente más común de un fotógrafo masculino y una modelo femenina que, además, suele tener más restricciones en el trato, pero por supuesto todos estos consejos son extrapolables a cualquier relación entre fotógrafos y modelos de cualquier sexo. ¡Allá vamos! 1. Proponle que venga con un amigo, novio o familiar Con ello conseguirás darle un punto de apoyo y confianza desde el primer momento, pues le dará conversación para relajarse, la elogiará y la podrá ayudar a colocarse el pelo o la ropa si no cuentas con estilista en la sesión. Además, tendrás a otra persona más a la que podrás impresionar para que después comenten lo buen fotógrafo que eres delante de otros amigos. 2. No deberías tocar a la modelo Puede que ya tengas una buena relación con la modelo o que ésta sea tan cercana que no le importe un poco de contacto físico, pero por norma general un fotógrafo no debería tocar nunca a una modelo. Tanto si son amateurs como si son profesionales pueden considerar que te estás propasando y rompiendo la distancia debida en un trabajo profesional. Apartar un mechón de pelo que te molesta o quitarle alguna arruga de la ropa debería ser trabajo del estilista, aunque también puedes pedírselo al amigo o familiar antes mencionado si no cuentas con estilista. 3. Pide permiso siempre Si no es el caso de que contemos con alguien para que nos ayude con el contacto físico, siempre pídele educadamente permiso para tocarle el pelo o la ropa. Igualmente, cuando quieras algo que pueda ser tomado a mal, pídelo con asertividad, nunca de manera imperativa. Por ejemplo: “quítate la chaqueta” puede ser muy violento. En vez de eso, prueba “¿te parece bien si intentamos ahora una sin la chaqueta?” 4. Palabras PROHIBIDAS: No me gusta, está mal, así no… Evítalas siempre, en serio, son una bomba para la autoestima de la modelo. Nuestro trabajo debería ir siempre orientado a hacerla sentir segura de sí misma, así que las palabras negativas están prohibidas durante nuestra sesión de fotos. Por ello, si una foto o postura no nos gusta, deberíamos tener tacto para cambiarlo con palabras como “está muy bien, pero vamos a hacer otra para tener de dónde elegir” o “casi lo tenemos, vamos a probar ahora con esto para que sea perfecto” y cambiar así lo que no nos gusta. 5. Felicita las mejores fotos. Enséñale aquéllas en las que consigue lo que quieres Dirige su actitud con elogios a lo que hace bien y ella misma tenderá a repetir aquellas posturas y actitud que más nos gustan. Una buena idea sería utilizar cumplidos neutros que alaben su trabajo, no su belleza. Adjetivos como “genial”, “fantástico” o “espectacular” serían más seguros que “guapísima” o “sexy”. Igualmente, enseñándole las fotos en las que salga mejor y haga aquello que queremos repetir conseguimos tanto reforzar su autoestima como sugestionarla a que haga más los gestos que nos gustan. 6. Ponte a su lado haciendo la postura que quieres que copie A menudo, describir una postura concreta con palabras es muy largo y complicado, que puede acabar haciendo que repitamos las palabras prohibidas (“mal”,“así no”) por lo que es más eficaz ponernos a su lado y poner exactamente la postura que queremos para que ella la copie fácilmente. Además, puede ser un buen momento para hacer algo gracioso que la haga reír. consejos-trato-modelos-5 7. Conversa, bromea, no la dejes pensar en la cámara Decía el maestro Steve McCurry que si sabes esperar, la gente se olvidará de tu cámara y entonces su alma saldrá a la luz. Pero como nosotros no tenemos mucho tiempo para esperar, debemos hacer que se olvide de que está delante de una cámara con otras distracciones. Conversa sobre banalidades, cuéntale anécdotas de otras sesiones de fotos, chistes, haz un descanso en el que tomar un refresco y hazle ver que aparte de fotógrafo eres una persona con una vida común detrás. 8. Una botella de agua y algo para picar Un recurso muy sencillo y barato que seguro que tus modelos agradecerán en algún momento porque posar cansa más de lo que parece detrás de la cámara, y si hay focos que desprendan calor es probable que también suden un poco. Tener agua fría y un pequeño aperitivo que ofrecerles te definirá como una persona atenta y profesional. 9. Acuerda un periodo suficiente para la entrega de fotos Una vez acabada la sesión de fotos, lo más común es que tu modelo te pregunte algo como “¿cuándo tendrás listas las fotos?”. Hay que ser conscientes de que las personas ajenas a la edición fotográfica no conocen todo el trabajo que hay detrás del revelado RAW y edición en Photoshop, así que sería recomendable explicar que esto lleva muchísimas horas y, de dar una fecha límite, cuidar que la fijas con un buen margen que te asegure que las tendrás listas. Da muy mala impresión retrasarte en la entrega y puede arruinar la opinión que tienen sobre ti. 10. Explica bien los derechos acordados sobre las fotos Y para terminar y asegurarte de que no tendrás ningún problema futuro, lo mejor es dejar claros los derechos que ambos tenéis sobre las fotos, dónde pueden ser publicadas, bajo qué condiciones... Aquí dependerá mucho de si ha sido una sesión con remuneración o TFCD, del tipo de cliente y de la naturaleza de las fotos. Tú, como fotógrafo, siempre tienes derecho a ser reconocido como el autor de la fotografía, pero lo mejor para ambos es acordar hacer promoción mutua de buen grado. Que al compartir ella las fotos te mencione como fotógrafo y viceversa. El boca a boca es la mejor forma de publicidad. Espero que les haya gustado, dejen sus comentarios, y si pueden aportar algo mas, seria de mucha ayuda, hasta la próxima Gust.·. Algunas fotos bien Realizadas...

7 Sencillos Consejos De Composición Para Mejorar Tus Retratos El éxito de un buen retrato no se encuentra en contar con un buen modelo, o que se realice en un entorno envidiable, o que haya sido realizado en las mejores condiciones de luz posibles, o que se haya tomado con un objetivo retratero, o que... Todos estos puntos pueden ayudar, pero en muchas ocasiones la diferencia la marca el factor compositivo. Como es posible que cuando abordes un retrato tiendas a centrarte en los aspectos mencionados y no des a la composición de tu retrato la importancia que tiene, hoy te voy a contar unas pautas tremendamente sencillas para conseguir que tus fotos de retrato destaquen a nivel compositivo. Verás como cuidando este aspecto de tus retratos, lograrás potenciar aún más el resto de componentes y tus fotos destacarán. #1. Rellena El Encuadre Lo sé, no es una regla compositiva exclusiva del retrato. En realidad, se trata de una de las reglas básicas de cualquier fotografía. El archiconocido "fill the frame" es una de las piedras filosofales de la composición fotográfica. Y, por supuesto, tampoco podía ser de otro modo en fotografía de retrato. ¿Por qué también en retrato es una regla muy importante? Pues porque evitarás distracciones y conseguirás que el protagonista de tu imagen, tu modelo, destaque y no vea reducida su importancia en la fotografía por ningún otro elemento que pueda aparecer en ella. #2. Enmarca Tu Retrato A veces puede interesarnos, en lugar de rellenar el encuadre sólo con el sujeto retratado, que la escena nos proporcione un "marco" que también ayude a centrar la atención en el sujeto. Es posible que haya una puerta, unas ramas, una ventana, o cualquier otro elemento que actúen como marco para nuestro sujeto. Con estos elementos presentes en la escena, si abrimos un poco más el encuadre, estaremos incluyendo una mayor cantidad de información del enclave en que se realiza la fotografía, pero sin restar importancia al verdadero protagonista de la imagen. #3. Sitúa Los Ojos En El Tercio Superior Los ojos son esenciales en los retratos y por eso es importante darles una consideración especial. De ahí que, además de tender siempre a situar en ellos el plano de enfoque, es esencial darles una relevancia mayor que a cualquier otra parte del cuerpo a nivel compositivo. Para ello, suele funcionar muy bien el que aparezcan siempre dentro del tercio superior de nuestras fotografías. Si podemos situarlos además en uno de los puntos fuertes de este tercio superior, aún será mayor la importancia que les confiramos. En la imagen de arriba se encuentran en el tercio superior, aunque, lamentablemente, no en uno de los puntos fuertes de este tercio #4. Separa A Tu Sujeto Del Fondo Es muy importante que tu sujeto destaque de forma clara del resto de la fotografía (fondo). Para ello, existen muchas técnicas, pero quizás las más conocidas pasan por reducir la profundidad de campo (incrementando la apertura), incrementar la separación entre sujeto y fondo (para llevarnos el fondo fuera de la zona nítida), o incrementar la diferencia de iluminación entre primer plano y fondo. A través de todas estas opciones, lo que se pretende es hacer que resalte nuestro sujeto y conseguir que los ojos de quien observa la imagen, que prefieren lo nítido y bien iluminado, se centren en el sujeto y prescindan del contenido del resto de la fotografía. #5. Guía La Atención: Las Líneas Para que el sujeto sea el verdadero protagonista de la imagen puede venir bien que nuestro fondo nos ayude a remarcar este protagonismo y dirija la atención hacia nuestro modelo. Una forma de lograr esto último es a través de la presencia de líneas en nuestro fondo. ¿Has visto esas imágenes con fondos de ladrillos cuyas líneas, aunque desenfocadas, guían tu mirada hacia el sujeto? Pues a esto me refiero cuando hablo de dirigir la atención. #6. Cambia el Ángulo y La Posición Cámara-Sujeto Hay ocasiones en que el fondo que hay tras tu sujeto no resulta tan atractivo, o no complementa de forma adecuada a tu sujeto. Hay un truco muy sencillo para cambiarlo: desplazarte alrededor del sujeto, o variar el ángulo hacia arriba, o hacia abajo. Si haces esto, tendrás 360º de fondo sobre el que poder elegir. Así no podrás quejarte de que no logras el fondo adecuado. #7. Observa Retratos De Otros Fotógrafos Para Buscar Ideas El último consejo que te traigo también es un clásico: invierte tiempo viendo retratos de otros fotógrafos, profesionales o aficionados, no importa. De lo que se trata es de coger ideas que luego poder aplicar a tus retratos. Ver las creaciones de otros siempre ayuda para imitar o evolucionar algunas de las propuestas que hayas visto que a otros les funcionan. El Retrato Es Mucho Más Que Composición El mundo del retrato es muy amplio. Lo que te he contado aquí son sólo unas pinceladas a nivel compositivo, pero existen muchos más conceptos que debes tener en cuenta: tipos de plano, técnicas, retoques, etc.

HOY VEREMOS... Cómo Fotografiar Startrails Fotografiar la naturaleza y los paisajes que encontramos en ella es algo que a la mayoría de la gente le gusta. Poder captar esos paisajes tan bonitos, cuando el cielo tiene esos tonos naranjas y amarillos durante la puesta de Sol. Son paisajes que muestran la belleza de nuestro planeta. La fotografía nocturna también es capaz de mostrar la belleza de nuestro planeta y de lo que hay más allá. Mucha gente sigue pensando que por la noche no se puede hacer fotos porque no hay luz, pero para eso están los trípodes. Hay más luz en el ambiente de la que uno puede pensar, y si aumentamos la exposición lo suficiente, la cámara será capaz de crear una fotografía. De esta manera, fotografiar las estrellas es posible y más fácil de lo que uno pueda pensar, simplemente tenemos que tener en cuenta algunos aspectos. Las estrellas las podemos fotografiar de dos maneras, como puntos, tal cual las vemos nosotros, o como trazas. En este artículo voy a explicar todo lo necesario para conseguir fotografías de trazas de estrellas, qué aplicaciones nos pueden ayudar a conseguirlo y cómo procesarlas después. Hay que evitar la contaminación lumínica Fotografiar la naturaleza y los paisajes que encontramos en ella es algo que a la mayoría de la gente le gusta. Poder captar esos paisajes tan bonitos, cuando el cielo tiene esos tonos naranjas y amarillos durante la puesta de Sol. Son paisajes que muestran la belleza de nuestro planeta. La fotografía nocturna también es capaz de mostrar la belleza de nuestro planeta y de lo que hay más allá. Mucha gente sigue pensando que por la noche no se puede hacer fotos porque no hay luz, pero para eso están los trípodes. Hay más luz en el ambiente de la que uno puede pensar, y si aumentamos la exposición lo suficiente, la cámara será capaz de crear una fotografía. De esta manera, fotografiar las estrellas es posible y más fácil de lo que uno pueda pensar, simplemente tenemos que tener en cuenta algunos aspectos. Las estrellas las podemos fotografiar de dos maneras, como puntos, tal cual las vemos nosotros, o como trazas. En este artículo voy a explicar todo lo necesario para conseguir fotografías de trazas de estrellas, qué aplicaciones nos pueden ayudar a conseguirlo. Hay que evitar la contaminación lumínica Cuando orientamos la cámara hacia el Ecuador obtenemos líneas diagonales. En este caso se utilizó un teleobjetivo para cerrar el encuadre. Lo primero que necesitamos es un sitio donde no haya mucha contaminación lumínica. Para poder ver las estrellas necesitamos oscuridad. La luz de las ciudades y pueblos iluminan el cielo y se comen las estrellas. Por lo tanto, ya podéis olvidaros de hacer fotos de estrellas en núcleos urbanos. Hay que tomar el coche y desplazarse hacia lugares oscuros, ya sean montañas, praderas, desiertos, playas, etc... Hay varias formas de buscar lugares donde la contaminación lumínica es menor, como por ejemplo, la web Light Pollution Map o NASA's Blue Marble. Se puede observar cómo los núcleos urbanos tienen más contaminación, pero en el fondo es muy complicado encontrar una zona libre de luz. Cuando más alejado y más alto mejor. También está disponible la App, Ligth Pollution Map - Dark Sky Finder Astronomy. Aunque resulte obvio, otro factor importante es la climatología, es decir, es necesario que esté despejado. Además, el invierno es una mejor época para realizar fotografía nocturna debido al frío. El calor es un enemigo para el sensor de nuestra cámara. Cuanto más se calienta el sensor, más ruido aparece después. Si hacemos largas exposiciones se calentará más. Equipo necesario Llevar un frontal es imprescindible para hacer fotografía nocturna. La luz roja viene muy bien para poder ver en la oscuridad y no cegarte, con lo que las pupilas se acostumbrarán a la oscuridad. Para realizar fotografía nocturna necesitamos una cámara que soporte bien el ISO alto y un objetivo luminoso, como mínimo f/2.8. Además, es imprescindible un trípode y un mando disparador o intervalómetro. Ten en cuenta que, por lo menos vas a necesitar subir el ISO hasta 1600, siendo habitual 3200 o incluso 6400. Si tu cámara genera mucho ruido, entonces igual necesitas activar la opción de reducción de ruido en cámara, que tarda el mismo tiempo en eliminar el ruido que lo que estuvo exponiendo. Aquí te pongo algunos modelos de cámaras con las que puedes conseguir este tipo de fotos sin ningún problema, pero hay muchas más: Nikon: D7100 en adelante. D800 y gamas superiores. Canon: 750D en adelante, 7D, 5D Mark II en adelante, 1DX y superiores. Fujifilm: X-T1, X-T2, X-E2. Olympus: OMD E-M1 en adelante, OMD EM-5 Mark II. Pentax: K1, K5. Sony: a7R en adelante. Para hacer los cálculos de la exposición te puede venir bien la App Calculadora de exposiciones, la cual te permite aplicar la ley de la reciprocidad y darte el tiempo de exposición que necesitas. Photopills también tiene una calculadora para hacer estos cálculos. Los tiempos de exposición que utilizamos para fotografiar trazas de estrellas superan los 30 segundos, que es el tiempo máximo que podemos configurar en la mayoría de cámaras. Por ello, tenemos que poner el modo B o BULB. Este modo nos permite exponer el tiempo que nosotros queramos con la ayuda de los disparadores. Tan sólo tienes que controlar el tiempo y parar la exposición cuando llegue la hora. Si no quieres estar pendiente, entonces tienes que comprar un intervalómetro, el cual puedes programar. Diferencias entre fotografiar estrellas como puntos y trazas de estrellas Aquí vemos una circumpolar hecha en los Pirineos, en Huesca. El tiempo de exposición fue de 34 minutos a ISO 100 con un diafragma de f/2.8. Como bien sabemos, la Tierra está en continuo movimiento, al igual que el resto de planetas, estrellas y galaxias. Por lo tanto, para poder fotografiar las estrellas como puntos, estamos limitados por el tiempo. Si excedemos dicho tiempo las estrellas empezarán a crear líneas o trazas. No voy a profundizar en cómo sacar estrellas como puntos, ya que está explicado en este artículo. Pero básicamente, el tiempo de exposición varía entre 20 y 30 segundos como máximo, dependiendo del sensor y de la distancia focal utilizada. Por lo tanto, para conseguir trazas de estrellas, el tiempo de exposición tiene que ser superior a 30 segundos. Cuanto mayor sea el tiempo que estamos exponiendo, mayor será la traza generada, lógico, ¿verdad? Al fin y al cabo, lo que estamos haciendo es captar el movimiento de cada estrella. Como las estrellas son puntos de luz, dicha luz se registra en el sensor. Para hacer la foto de portada primero tuve que hacer una exposición más corta, ideal para obtener las estrellas como puntos. Lo habitual es tener las dos versiones. La primera para calcular la exposición y la segunda una vez aplicamos la ley de la reciprocidad. La experiencia te dirá cómo de largas son las trazas en función del tiempo que expongamos, la dirección en la que encuadremos y la longitud focal. Con Photopills puedes calcular el ángulo que recorren las estrellas, en función de la orientación elegida y del tiempo de exposición. Una vez abrimos la aplicación, tenemos una opción llamada Rastros de estrellas. Dentro, simplemente tenemos que seleccionar el tiempo de exposición elegido, el ángulo de las estrellas con respecto a la estrella Polar y la orientación. ¿Cómo elegir la orientación correcta? Al disparar hacia el Este o el Oeste obtenemos líneas diagonales que corresponden con el Ecuador y a la vez líneas curvas en sentidos opuestos. Bien, ya sabemos que si exponemos durante un tiempo largo, las estrellas empezarán a crear trazas, pero la forma que tendrán las trazas variará en función de varios aspectos. Lo primero es que tu posición en la Tierra es determinante. No es lo mismo estar en el Hemisferio Norte, que en el Hemisferio Sur que cerca del Ecuador. Una vez sabemos esto, tampoco es lo mismo encuadrar hacia el Norte, que al Sur. De hecho, la forma de las trazas varía conforme variamos el punto cardinal. Vamos a empezar por algo sencillo y que genera fotografías muy espectaculares, las Circumpolares. Una Circumpolar es aquella foto en la que nuestra cámara está orientada hacia el Norte, si estamos en el Hemisferio Norte, o hacia el Sur, si estamos en el Hemisferio Sur. Como sabrás, tanto el Polo Norte Celeste como el Polo Sur Celeste están identificados por dos puntos que delimitan el eje de rotación de la Tierra, por lo tanto, siempre están en el mismo sitio, permaneces estáticas. Si incluimos la Estrella Polar (Osa mayor) en nuestra fotografía veremos que hay un punto fijo, y una serie de estrellas que giran alrededor. Es la mejor muestra que tenemos de que la Tierra gira sobre dicho eje imaginario. Lo mismo sucede con el Polo Sur. Hemisferio norte En función de la orientación obtenemos las siguientes trazas: Norte: como hemos dicho, tendremos un punto fijo y el resto formando círculos. Cuanto más tiempo expongamos, mayor será la sensación de que tenemos círculos concéntricos. Sur: Las estrellas crean arcos sobre el horizonte. Este: En estos casos obtenemos estrellas que van en tres direcciones diferentes. Las más próximas al Ecuador van en línea recta. Las que encontramos a la izquierda crean una curva que se hace cada vez más vertical, y las que hay a la derecha se van curvando cada vez más. Oeste: Sucede lo contrario que hacia el Este. Los puntos cardinales Noreste, Sureste, Suroeste y Noroeste permiten obtener líneas curvas en una sola dirección. Hemisferio sur Sucede lo contrario que en el Hemisferio Norte. Norte: Tenemos líneas curvas sobre el horizonte. Sur: Obtenemos la Circumpolar. Este y Oeste: lo mismo que sucede en el Hemisferio Norte pero al revés. Por lo tanto, habrás visto cómo elegir la orientación adecuada generará trazas distintas. Cuando vayas a planificar tu fotografía, debes encontrar un buen elemento o sujeto y tener en cuenta la orientación para ver si los rastros de estrellas encajan en tu composición. Elige un buen sujeto Si empezamos a fotografiar al poco tiempo de la puesta de Sol captaremos luz en el cielo, pero también tendremos el resto de elementos iluminados. Aquí usé un tiempo de exposición de 10 minutos con un teleobjetivo a 147mm. No basta con alargar la exposición y conseguir trazas muy largas. Las estrellas son un elemento muy interesante que ayuda a tu composición, pero normalmente no es el sujeto de tu foto, sino un elemento más. Por ello, debemos buscar un sujeto interesante que encaje con las trazas de las estrellas. Los sujetos estarán en el primer plano, normalmente. Cuanto más cerca estén, más necesario es utilizar la hiperfocal para que esté todo enfocado, sujeto y estrellas. Lo normal es que nuestro sujeto quede oscuro, puesto que no hay luz en el ambiente suficiente como para iluminarlo. Tenemos varias opciones para solucionarlo. Por ejemplo, podemos iluminarlo nosotros mismos con linternas o flashes. En estos casos debemos hacer varias pruebas y repetir cada paso hasta que consigamos la luz necesaria. En estos casos donde aportamos luz, es importante seleccionar bien el balance de blancos de la cámara. Esto es porque la luz que utilicemos tendrá una determinada temperatura de color. Si configuramos un balance frío para conseguir un cielo azul, y una linterna de luz blanca para iluminar, dicha luz la veremos azul en la foto. Por ello, deberíamos ponerle un gel naranja a la linterna para compensar y que el sujeto lo veamos con una luz neutra. Otra opción es aprovechar la luz de la Luna, pero hemos dicho que es mejor evitarla cuando fotografiamos estrellas. Si no es posible, entonces tendremos un aliado para conseguir una foto iluminada de una manera más compensada. La luz de la Luna ilumina las paredes del valle de Ordesa junto a la Circumpolar. También es posible aprovechar la luz que queda en el horizonte después del ocaso para que ilumine nuestro sujeto, por ejemplo, las montañas que se ven en la fotografía que hay más arriba. Por último, el tipo de fotografías que me suelen gustar a mí es aquellas en las que el sujeto destaca por su silueta. No me gusta utilizar luz artificial, por lo que el sujeto queda a oscuras. Al igual que en un contraluz, la silueta de los elementos es la manera de mostrar el sujeto. ¿Es mejor realizar una larga exposición o varias fotos y juntarlas después? Vemos cómo el balance de blancos afecta mucho en el resultado de la foto. Cuando hice esta foto el WB estaba demasiado cálido. Lo corregí después en Lightroom. Hay dos maneras de realizar las trazas de estrellas: Hacer una única fotografía o varias fotografías y juntarlas después. Si hacemos una sola fotografía la cámara estará exponiendo durante todo el tiempo de exposición. Cuando vuelvo a casa tengo pocas fotos, debido al largo tiempo que lleva hacer cada una de ellas (por eso me gusta tanto la fotografía nocturna). La otra manera es la de disparar muchas fotos con el fin de ir captando el movimiento de las estrellas. Esto supone que al volver a casa tenemos muchísimas más fotos, las cuales juntaremos después con un software para obtener el archivo final. Cada método tiene sus ventajas y desventajas. Si hacemos una larga exposición. Disparar una sola toma ahorra espacio en el disco duro. Una sola fotografía durante mucho tiempo genera un sobrecalientamiento en el sensor, con lo que el ruido aumenta. Si algo falla perdemos la foto, como por ejemplo, que se acabe la batería, encendamos una luz que entre en nuestro encuadre, un tropiezo, etc... En el caso de disparar varias fotos. Podemos elegir cómo de larga será la traza de la foto final, es decir, si he estado haciendo fotos durante 2 horas, al juntarlas después, puedo seleccionar solamente 1h. Si algo falla, lo más probable es que no pase nada porque tengo muchas fotos. Podemos eliminar aquellas que no nos gusten. Lo malo es que vamos a llenar el disco duro si hacemos muchas fotos de esta manera, sobre todo, teniendo en cuenta que disparamos en RAW. La contaminación lumínica no afecta tanto al disparar varias fotos. El sensor se calienta menos. Para juntar las fotos podemos utilizar un programa llamado startrails. El programa las apila y genera un único archivo final. Los preparativos El modo Bulb es imprescindible, así como aumentar el ISO y abrir el diafragma lo que pueda. Ya hemos dado varias pistas a lo largo del artículo, pero ahora voy a explicar cuál es el proceso desde cero para configurar la cámara y obtener las trazas de estrellas. Imaginamos que ya tenemos la localización y el encuadre, sólo hay que llegar si situar el trípode en su sitio. Encuadramos con ayuda de una linterna, enfocamos directamente al sujeto o utilizamos la hiperfocal (yo recomiendo esta opción) y por lo tanto ya podemos poner el enfoque del objetivo en manual. Esto último yo no lo hago nunca por una sencilla razón, y es que mi cámara tiene disociados el enfoque y el disparo en dos botones independientes. Esto me permite disparar sin preocuparme de que el foco se pierda. No todas las cámaras permiten esta función, pero te recomiendo que te leas el manual y lo averigües, ya que una vez lo pruebas no lo cambiarás. Como vamos a hacer largas exposiciones necesitaremos el cable disparador o intervalómetro. Otro parámetro que se suele cambiar es el balance de blancos. Para conseguir que el cielo tenga ese tono azulado puedes poner una temperatura entre 3000k y 3500k aproximadamente, según gustos. No te preocupes porque estás disparando en RAW y lo puedes modificar después. Asegúrate de que has desconectado el estabilizador de imagen. Sobre un trípode no tiene sentido y el efecto puede ser el contrario. Si usas el filtro UV ya lo puedes ir quitando, ya que lo único que va a hacer es reducir la calidad de la imagen. Ya he hablado antes de la reducción de ruido en cámara. Es una opción que la mayoría de cámaras tienen pero el uso es algo personal. Yo no lo uso nunca, sin embargo, si usas un ISO muy alto igual necesitas activar la reducción de ruido. Eso sí, recuerda que si expones durante 1 hora, la cámara tardará 1 hora más en reducir el ruido. Asegúrate de que la batería está cargada a tope. Cuando haces largas exposiciones, la batería se gasta con rapidez. A veces, cuando sé que voy a hacer exposiciones de más de una hora lo que hago es poner el grip, el cual me permite poner dos baterías. El proceso para tomar una sola foto Las estrellas crean arcos sobre el Arrecife de las Sirenas. En esta ocasión, la forma de las estrellas ayudan a enmarcar mi sujeto, favoreciendo la composición y el mensaje. Vale, ya está todo listo, pero ahora nos falta lo más importante y es configurar los parámetros de la exposición. Como siempre que vamos a hacer una fotografía es necesario medir la luz, en este caso es complicado porque apenas hay luz, así que lo que haremos serán varias pruebas. La idea es hacer una foto rápida, subiendo mucho el ISO para obtener una exposición correcta, que nos guste. Vamos probando con diferentes tiempos de exposición, por ejemplo, 5 segundos, 10 segundos hasta tener la exposición correcta. Además, con esta foto conseguimos ver si nuestro encuadre es correcto y si tenemos enfocado nuestro sujeto. A partir de ahí aplicaremos la ley de la reciprocidad para ir bajando el ISO y por lo tanto, aumentando el tiempo de exposición. El diafragma lo dejamos fijo por ahora. Cuando vamos a hacer una larga exposición tenemos que saber cuánto tiempo queremos exponer, ¿10 minutos? ¿30 minutos? ¿1 hora? . Al aplicar la reciprocidad iremos bajando el ISO y por lo tanto el tiempo irá aumentando. Es más fácil verlo con un ejemplo. Como decía, llego, planto el trípode y no veo nada porque está oscuro, así que subo el ISO a 6400 o incluso más. Abro el diafragma al máximo, por ejemplo, f/2.8, y pongo 30 segundos de exposición. Si estamos en un lugar sin contaminación lumínica lo más seguro es que con estos parámetros ya tengamos una exposición más que correcta. Bien, comprobamos que la foto nos gusta, que está todo enfocado y lo más importante, que la exposición es correcta. Lo comprobamos mirando el histograma. En fotografía nocturna no se derechea, es decir, no tenemos que dejar el histograma tocando el extremo derecho porque apenas hay luz, y la poca luz que hay es la de las estrellas. Ahora cogemos la calculadora de Photopills y le decimos que queremos calcular la velocidad de obturación equivalente. Introducimos los parámetros que tenemos en la cámara donde pone Ajustes de prueba, con la cual hemos hecho la foto. Según el ejemplo, pondríamos f/2.8, 30s e ISO 6400. Debajo vemos que nos aparecen unos Ajustes equivalentes. Ahí es donde pondremos los parámetros que queremos usar para hacer nuestra foto de trazas de estrellas. Lo normal es poner el mismo diafragma, por lo tanto ponemos f/2.8. El otro parámetro que nos deja configurar es el ISO, el cual iremos bajando. Si ponemos ISO 3200 veremos que en naranja nos pone que la velocidad de obturación es de 1 minuto. Normal, puesto que si reducimos un paso el ISO, la velocidad tiene que aumentar un paso también, de ahí que pasemos de 30 segundos a 1 minuto, el doble de luz. Seguimos bajando hasta llegar a ISO 100. Esto nos da un tiempo de exposición de 32 minutos. Si queríamos hacer una exposición de 15 minutos, debemos subir el ISO a 200 para que el tiempo de exposición que nos dé sea de 16 minutos. Ahora imaginar que queréis exponer 1 hora. Pues es tan fácil como restar luz al sensor bajando el ISO. Pero lo mínimo que podemos bajar es a ISO 100 y el tiempo llegaba solamente a 32 minutos. La solución está en cerrar el diafragma. Si cerramos un paso y ponemos f/4, el tiempo de exposición será de 64 minutos, es decir, 1 hora y 4 minutos, lo que buscábamos. Si queremos exponer 2 horas cerraremos a f/5.6. ¿Quién te iba a decir que en fotografía nocturna ibas a hacer una foto con f/5.6? Al aplicar la ley de la reciprocidad con una calculadora te aseguras de que la exposición de tu foto será la misma que la foto de prueba, siempre que la luz no cambie, y por la noche la luz no cambia. El proceso para hacer una larga exposición con muchas fotos Bien, si no disponemos de una cámara que soporte bien los ISO altos o simplemente preferimos hacer muchas fotos en vez de sólo una, estos son los pasos a seguir. Al igual que antes, podemos hacer una foto rápida, subiendo el ISO, abriendo el diafragma y poniendo un tiempo de exposición al azar, por ejemplo 5 segundos. Aunque la foto tenga mucho ruido, podemos ver si el encuadre está bien, si tenemos todo enfocado y si debemos corregir la exposición. Si se nos ha quedado oscura aumentamos el tiempo de exposición. Normalmente el tiempo de exposición no suele superar los 20 o 30 segundos, siempre que utilicemos un diafragma f/2.8 y un ISO de entre 1600 y 6400. Una vez tenemos la foto lo único que tenemos que hacer es configurar el intervalómetro. Aquí no sirve un cable disparador. Tenemos que configurar en el intervalómetro el tiempo de exposición de cada foto, el intervalo entre una foto y otra y el número de fotos que vamos a hacer. La aplicación de Photopills nos puede servir para hacer todos estos cálculos, sobre todo el de cuántas fotos necesitamos. Además, es muy práctico para saber si tenemos suficiente espacio en la tarjeta de memoria. Yo recomiendo vaciarla antes de salir. Veámoslo con un ejemplo. Imaginar que los parámetros correctos son f/2.8, 25s ISO 3200. Para saber cuántas fotos haremos tenemos que saber el tiempo que queremos estar haciendo fotos. Pongamos que son 2 horas. En el intervalómetro tendríamos que poner que las fotos durarán 25 segundos y que entre foto y foto vamos a dejar 2 segundos. Este tiempo permite almacenar correctamente la foto en la tarjeta (por si acaso la tarjeta es lenta) y de paso el sensor se enfría un poco Falta saber el número de fotos y para ello entramos en la opción Time lapse de Photopills. Allí ponemos que la duración de la foto total será de 27 segundos (25 de exposición más 2 entre foto y foto). El tiempo total será de 2 horas. Por último, hacemos una foto y vemos cuánto espacio ocupa en Megabytes, el cual introduciremos en la aplicación. Imaginemos que son 20MB. Si introducimos todos los datos veremos que el número total de fotos será de 267, con lo que ocuparemos 5,21GB. Ahora sólo es cuestión de esperar, así que te recomiendo no ir sólo para no aburrirte. La otra opción es llevarte una silla y algo para entretenerte, como un libro o la tablet para ver pelis, ;-) Espero les haya gustado es POST a los amantes de la fotografia..., deja puntos si es asi, exitosa jornada a todos...!!!!

HOY - Los 10 Errores Más Habituales al Empezar a Usar el Modo Manual ¡Qué equivocados están los que piensan que comprar una buena cámara es suficiente para hacer buenas fotos usando el modo automático! Seguro que, si pensabas así antes de comprar tu cámara, te has dado cuenta de que en fotografía no todo consiste en apuntar y disparar ¿verdad? El modo manual es la clave para aprender fotografía y poder conseguir esas fotografías espectaculares que andas buscando. Como aqui queremos que avances lo más rápido posible, vamos a darte un listado de los errores más habituales que se suelen cometer a la hora de empezar a usar el modo manual de la cámara. Ya sabes lo que dicen: 'de los errores se aprende' y es una frase popular muy cierta. No hay mejor forma de aprender que equivocándose. ¿No es más fácil evitar un error si te dicen cuál es desde el principio? Pues vamos a ello, ¡toma nota! #1. Tener Miedo a Subir Demasiado la Sensibilidad ISO Todos los fotógrafos somos muy pesados con el tema de que uses una sensibilidad ISO lo más baja posible cuando hagas fotos. Pero no tienes que tomarte esto al pie de la letra, 'lo más bajo posible' no significa que siempre uses una sensibilidad ISO de 100 o 200. Una apertura demasiado alta o una velocidad muy lenta pueden afectar a la nitidez, por lo que vale la pena arriesgar con la ISO. Es cierto que las primeras cámaras digitales pecaban de generar un terrible ruido en nuestras fotografías cuando usábamos ISOs alto. Sin embargo, hoy en día esto ha cambiado mucho y las cámaras son capaces de proporcionar una gran calidad con una ISO 800, 1600, 3200 e incluso hasta 6400 en las cámaras de gama más alta. El ruido es mucho menos perceptible de lo que solía ser, se puede corregir más fácilmente en edición e incluso puede proporcionar un toque agradable a algunas capturas. La clave está en hacer pruebas con tu cámara cuando dispongas de poca luz y ver hasta dónde es capaz de llegar su ISO sin mostrar demasiado ruido, así ya sabrás dónde está su límite. #2. Usar una Velocidad de Obturación Demasiado Lenta Para poder compensar la pequeña vibración que se produce cuando fotografiamos cámara en mano, la velocidad de obturación que elijas es aconsejable que sea igual o superior a la distancia focal de la lente que estés usando. Por ejemplo, si estás fotografiando con un objetivo 50 mm montado, debes utilizar una velocidad de 1/50 s o superior para asegurarte de que la imagen sea nítida. Por eso, si utilizas un objetivo zoom 300 mm necesitarás una velocidad mínima de 1/300 s para que la imagen no salga borrosa. Esto se debe a que esas pequeñas vibraciones cámara en mano aquí serán mucho más acusadas al hacer zoom a grandes distancias. Si hay poca luz, recuerda que siempre será mejor subir la ISO que obtener una imagen borrosa o trepidada. Para sujetos en movimiento necesitarás usar velocidades de obturación más altas. Solo así conseguirás congelar el movimiento y no obtener imágenes movidas. Para personas que caminan, hazte a la idea de que no podrás utilizar velocidades menores a 1/250 s. Si el sujeto está corriendo o pretendes fotografiar un ciclista o un motorista, tendrás que subir la velocidad mucho más. #3. Optar Siempre por Aperturas de Diafragma Muy Altas Si tienes el objetivo del kit no suele ser lo más habitual, pero si te acabas de comprar tu primera focal fija con una apertura máxima de f/1.8 o f/1.4, probablemente caerás. Ese desenfoque del fondo y ese bokeh tan bonito que conseguimos usando aperturas altas nos encandila (puede que demasiado). Sin embargo, empeñarnos en usar siempre aperturas demasiado altas puede pasarnos factura. Optando por números f bajos obtenemos una profundidad de campo muy baja y debemos tener en cuenta que el área nítida de la que dispondremos también será muy limitada. Además habrá ocasiones, como en la fotografía de paisaje o de retratos en grupo donde vas a necesitar aperturas más cerradas para conseguir que todo lo que interesa salga enfocado. Para retratos, por ejemplo, tendrás que enfocar correctamente los ojos de la persona y si está ladeada es posible que solo consigas enfocar un solo ojo y el otro aparezca menos nítido. Por eso es mejor no arriesgar y usar aperturas f/4 o f/5.6, que para estos objetivos suele ser su punto dulce. Conseguirás un rostro completamente enfocado sin perder ese bokeh que tanto te gusta. #4. Elegir un Punto de Enfoque Incorrecto Aunque uses el modo manual, puedes seguir utilizando el modo de enfoque automático de la cámara. Antes de nada, revisa los tipos de enfoque automático que tiene tu cámara, así como los puntos de enfoque, para saber qué modo de enfoque utilizar en cada situación. En ocasiones donde el tiempo apremie o no domines la situación, lo más aconsejable es que uses el enfoque automático y una apertura que no sea demasiado alta. Así te asegurarás de sacar imágenes nítidas. Sin embargo, si haces una sesión de fotos y pretendes jugar con el enfoque, te resultará útil usar el enfoque manual. Al principio te costará pillarle el tranquillo a usar el anillo de enfoque, puedes empezar utilizando trípode y el haciendo zoom con el live view de tu pantalla activado. Así podrás ver desde cerca y en tiempo real si estás enfocando correctamente y comprobar que la zona que te interesa sale nítida. #5. No Usar la Compensación de la Exposición El botón de compensación de la exposición es un gran desconocido, incluso para fotógrafos más avanzados. Si utilizas los modos semiautomáticos de prioridad a la apertura o a la velocidad, esta funcionalidad puede convertirse en tu mejor aliado (sobre todo en escenas donde predomina el contraste de luz) Debes tener en cuenta que el fotómetro que incorpora la cámara no es infalible y que suele considerar por defecto que todas las escenas tienen un valor de medición de gris medio. Esto puede resultar un incordio en escenas donde haya contrastes muy marcados de iluminación o donde la superficie fotografiada refleje la luz del sol. Por ejemplo, si fotografías la nieve brillante, tu cámara medirá la luz e interpretará que necesitas oscurecer mucho la imagen obteniendo una nieve gris en tus fotos. De igual modo, si pretendes hacer un retrato de una persona que está en sombra con un fondo iluminado, obtendrás fondos muy quemados o rostros muy oscuros. En estos casos deberás compensar la exposición según necesites más luz o menos, en este artículo te explicamos cómo hacerlo. #6. No Cambiar el Modo de Medición de la Luz Otro aspecto importante ligado al anterior es el modo de medición de la luz que uses para cada situación. Normalmente, el error es desconocer que puede cambiarse y utilizar siempre el Modo Matricial o Evaluativo, que suele ser el que viene por defecto con la cámara. Este modo mide la luz de toda la escena y calcula una media con la que define la exposición más adecuada. Aunque sí que es verdad que suele ser el modo más utilizado, el modo Matricial o Evaluativo (el cual mide la luz en el 100% de la imagen) no siempre será el más apropiado. Los modos de medición Ponderada el Centro, Puntual o Parcial (de Canon) miden la luz priorizando ciertas zonas concretas de la escena. La Ponderada al Centro prioriza la parte central de la escena (un 75% de la imagen), la Puntual se centra en un punto concreto de la escena (5% de la imagen) y la Parcial abarca un poco más que la puntual (6-9% de la imagen). Si los pruebas te darás cuenta de que para retratos, conciertos o fotografías a contraluz, respectivamente, pueden ser muy útiles y efectivos. #7. Activar el Estabilizador de Imagen cuando Usas Trípode La opción de activar el estabilizador de imagen en un objetivo o en la propia cámara te proporcionará imágenes más nítidas cuando estés fotografiando cámara en mano. Sin embargo, cuando colocas la cámara en el trípode debes acordarte de desactivar esta función. Si dejamos activada esta función cuando tenemos la cámara en el trípode, probablemente obtendremos imágenes trepidadas. Esto ocurre porque el estabilizador tratará de detectar vibraciones y compensarlas, pero al no encontrarlas se producirá una especie de efecto espectral en la imagen. Cuando hagas fotografías con trípode coge la costumbre también de hacer zoom sobre la imagen y asegurarte de que no aparece ese efecto borroso, así si te dejaste activada la función sin querer podrás repetir la captura con el estabilizador apagado. #8. Usar el Balance de Blancos Automático Aunque uses el modo manual, el balance de blancos normalmente vendrá también por defecto en modo automático. Es cierto que hoy en día puedes hacer una sesión disparando en RAW y en edición cambiar el balance. De hecho, con Lightroom puedes ajustar una imagen y aplicar los mismos ajustes al resto de imágenes de una misma sesión en pocos segundos. Sin embargo, si realizas ya tus capturas con un balance de blancos adecuado te ahorrarás un paso innecesario. Nuestros ojos tienen la capacidad de compensar la diferencia de colores en la luz, pero a nuestra cámara deberemos ayudarla para que ajuste la temperatura de color correcta según cada situación. Cada cámara te ofrecerá diferentes tipos de balances, además del automático existen algunos presets con ajustes predeterminados como sol, sombra, nublado, tungsteno o fluorescente. También existe la opción manual para crear un balance de blancos personalizado. Ve probando las distintas opciones y elige la que más se adapte a lo que tú necesitas. #9. Disparar solo en JPEG y Olvidar el Formato RAW Así es, hay vida más allá del JPEG, y mucha. Si tu cámara te permite realizar tus capturas en formato JPEG+RAW, no dudes en seleccionar esta opción. El formato RAW es un auténtico salvavidas que te permitirá rescatar una captura cuando quizá pensabas que estaba perdida. Si editas un archivo RAW en Photoshop o Lightroom (o en tu programa de edición habitual) tendrás acceso a infinidad de información de luz y color que te permitirá procesar tu imagen con mucha versatilidad. Podrás corregir fácilmente y de forma efectiva errores en la exposición, el ruido, el enfoque o el balance de blancos. Recuerda que además de aprender a utilizar tu cámara, también es importante dedicar una parte de tu aprendizaje al procesado y revelado de las fotografías en programas de edición. Cuando empieces a indagar te darás cuenta de que el formato RAW es una opción excelente para convertir una buena captura en una fotografía espectacular. #10. No Restablecer los Ajustes al Final de Cada Sesión Más que un error como tal es un hábito que seguramente no tienes y que poco a poco debes incluir en tu rutina fotográfica. En la mayoría de las cámaras, si cambias ajustes como la compensación de la exposición, el modo de enfoque, el balance de blancos, el modo de medición, etc. seguramente se queden puestos cuando apagues la cámara. Esto significa que, si utilizas la cámara una semana después, esas configuraciones de la sesión anterior seguirán seleccionadas y si no te acuerdas de que las pusiste... En fin, te puedes volver loco/a viendo que obtienes capturas extrañas sin saber a qué puede deberse. Puedes tardar horas o incluso arruinar completamente una sesión de fotos hasta descubrir qué ocurre. Por eso, lo más recomendable es que al acabar una sesión restablezcas los ajustes que hayas cambiado y los coloques con una configuración normal. De este modo, cuando vuelvas a coger la cámara estará preparada para disparar y no perderás el tiempo. ¡La Cámara no Hace al Fotógrafo, pero el Modo Manual Sí! Al principio te costará mucho acostumbrarte a usar el modo manual. Pero una vez tengas claro que lo principal es aprender a dominar la exposición y empieces a hacer fotos, verás que todo será cuestión de práctica. Notarás que vas lento, pero es normal al principio. Un último consejo muy importante es que no te fíes 100% de la pantalla LCD de tu cámara. Suele pecar de ser muy brillante y de no mostrar los defectos de tu captura en el momento, por lo que podrás llevarte más de una decepción al pasarlas al ordenador. Nuestro consejo es que confíes más en el Histograma, él te dirá todo lo que necesitas saber de tu captura. No te rindas, solo practicando, equivocándote y cometiendo todos los errores que te hemos dicho (y más), serás capaz de evitarlos en un futuro. Aprender es caer y levantarse, así que sigue practicando y, sobre todo, mejorando. ¿Hay algún error habitual que nos hayamos dejado y que a ti te haya pasado más de una vez? ¡Cuéntanoslo en los comentarios!