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El portal británico NME realizó un listado con los 10 últimos íconos de la música, en el cual resultó como ganador el líder de The Beatles, dejando atrás a gigantes de la música como David Bowie, Alex Turner y Liam Gallagher. El ex Beatle, John Lennon resultó ser el “mayor ícono musical de los últimos 60 años”, según lo señala la revista británica NME, al realizar una encuesta donde los lectores también participaron. El listado inicialmente incluía a 60 grandes nombres de músicos internacionales, pero tras ir realizando la votación, Lennon se galardonó con el primer lugar, dejando atrás a grandes artistas como David Bowie, Amy Winehouse, Alex Turner, Morrissey, Liam Gallagher y Damon Albarn, entre otros. Más de 160 mil votos fueron los que se recibieron durante 6 meses, con la finalidad de elegir al ícono musical que ocuparía la portada del aniversario número 60 de la revista británica, que salió a la venta a fines de septiembre. A continuación te dejamos el listado completo con los otros 9 artistas que le siguen a John Lennon. 1. John Lennon 2 Liam Gallagher David Bowie 4 Alex Turner (Arctic Monkeys) 5 Kurt Cobain 6 Amy WineHouse 7 Jimi Hendrix 8 Morrissey 9. Noel Gallagher 10. Ian Curtis

Del pop al rock, del folk a la psicodelia, la banda fue capaz de innovar en todos los estilos. Cuando The Beatles bordaban un estilo, se pasaban a otro. Hay unos Beatles pop, hay unos Beatles rock, hay unos Beatles folk, hay unos Beatles sinfónicos, hay unos Beatles psicodélicos, hay unos Beatles barrocos, hay unos Beatles sencillos, hay unos Beatles románticos, hay unos Beatles contestatarios. Sobre todo hay unos Beatles innovadores, revolucionarios, ávidos de explorar los límites, de traspasar fronteras sonoras y mentales. Durante solo una década, la de los 60, los cuatro de Liverpool sacaron todo el partido a una creatividad desbordante. Hoy son clásicos. En cierto modo cambiaron el mundo. Cuanto menos marcaron tanto a una generación que esta se ha ocupado de transmitir su legado a las siguientes. Repasamos su trayectoria paso a paso, eligiendo en cada entrega cinco vídeos, no de las canciones más famosas, sino las que mejor explican su evolución. Cuando los Beatles no eran estrellas: Fue John el que fichó a Paul para su banda cuando eran adolescentes. Hubo otros beatles además de George y antes que Ringo. Hamburgo y The Cavern les curtieron link: http://www.youtube.com/watch?v=90Li7n56uU8 Cómo se desató la Beatlemanía: No fue tan repentino el éxito como se cree, pero después de su primer álbum y de salir en televisión las fans chillaban en todas partes. Brian Epstein y George Martin ayudaron a construir el mito link: http://www.youtube.com/watch?v=sybI6FiuKjk En América, la huella de Dylan, el chasco con Elvis: En sus cuatro giras por Estados Unidos, los Beatles recibieron influencias que les hicieron crecer y elevaron su ambición. Al regreso les salió un álbum redondo con aires folk: 'Rubber soul' link: http://www.youtube.com/watch?v=KkcRZSdc8us Los Beatles psicodélicos: disfraces, sitar y LSD En California, los Beatles contactaron con la cultura hippy, con la música india y con el ácido. Así gestaron dos obras maestras: 'Revolver' y 'Sgt. Pepper's'. Un viaje espiritual a India resultó un fiasco link: http://www.youtube.com/watch?v=nehRB1FTeTo Al final, solo una banda de rock & roll: Ahora The Beatles buscan un sonido básico y planean una gira que se quedó en el concierto de la azotea. Paul manda, John está ausente y George brilla como autor. Un final a tiempo cierra un legado glorioso link: http://www.youtube.com/watch?v=WKvTX_JGBWs Los Beatles después de los Beatles: Cuando se rompió la banda, sus cuatro miembros tenían discos listos. Sus carreras en solitario tienen episodios brillantes, aunque sin esa regularidad en la excelencia que logró la banda link: http://www.youtube.com/watch?v=0kNGnIKUdMI link: http://www.youtube.com/watch?v=YzmRcqYZLx8 Los Beatles, en diez versiones memorables: Bandas y solistas de todos los estilos han renovado las canciones de los cuatro de Liverpool con interpretaciones muy personales. Elvis, Sinatra, Bowie, Hendrix, Oasis... El fenómeno sigue vivo link: http://www.youtube.com/watch?v=68FArOHzJw0 link: http://www.youtube.com/watch?v=HLEboBA-Xzk link: http://www.youtube.com/watch?v=xJqBneIwtl0 link: http://www.youtube.com/watch?v=a-5tTz8flYI

El Álbum Blanco de los Beatles cumple 45: 10 cosas que quizás no sabías 1. Se lanzó el 22 de noviembre de 1968 en Gran Bretaña (tres días más tarde en Estados Unidos), fue el primer trabajo que The Bealtes editó bajo su propio sello, Apple Records, y su primer álbum en ver la luz en Inglaterra tras la muerte del manager Brian Epstein. Sí, lo sabemos, fanáticos: Magical Mystery Tour, de 1967, sería el que cumple con esta última condición, pero recordemos que, técnicamente, en las islas salió como un doble EP, sólo en Estados Unidos como LP. 2. También fue el primer LP doble de la banda, una decisión con la que no todos estaban de acuerdo, en especial su productor, George Martin. Ringo Starr dijo en The Beatles Anthology que los discos se deberían haber editado por separado. Por su parte, para George Harrison "había muchos egos en la banda y algunas canciones deberían haber sido lados B". 3. El álbum casi fue bautizado A Doll's House, título de la obra de Henrik Ibsen. Incluso el artista John Byrne (alias "Patrick", había preparado una portada. Pero la banda decidió descartar el nombre cuando Family, un grupo de rock progresivo inglés, lanzó Music in a Doll's House apenas unos meses antes. Aquel arte ideado vio la luz recién en octubre de 1980, como tapa del compilado The Beatle's Ballads. 4. La portada blanca no fue, como muchos creen, idea de John Lennon y Yoko Ono. En realidad, fue una propuesta del artista Richard Hamilton, con la intención de hacer algo que contrastara por completo con la recargada y colorida tapa de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Según The White Album Project (verdadera biblia sobre el disco), poner en relieve el título The Beatles y numerar cada copia también se le ocurrió a Hamilton. Además, propuso que la cubierta tuviera marcas de café y hasta manchas de pulpa de manzana (en honor a Apple Records), lo cual fue descartado. Así de simple como parece, fabricar el arte original fue un verdadero despelote. En Estados Unidos, el proceso de manufactura llegó a involucrar hasta cuatro plantas, en locaciones diferentes, entre inserts, vinilos, grabados, impresión serial y armado. 5. Las sesiones del disco inauguraron la experiencia de la banda con una consola de ocho pistas, cuando grabaron "Hey Jude" el 31 de julio de 1968 en los estudios Trident. Hasta entonces, usaban cuatro pistas y, cuando los arreglos musicales requerían más, copiaban los primeros tracks a una cinta virgen y, simultáneamente, mezclaban algunos a fin de liberar la cantidad que necesitaran para los overdubs adicionales. El grupo se enteró, más tarde, que Abbey Road tenía una 8 track nueva en su depósito y la hizo instalar, aun sin la debida autorización. Allí regrabaron "While My Guitar Gently Weeps", en septiembre. En el estudio, los Beatles ya habían colaborado con otros músicos, pero siempre provenientes del jazz, la música clásica o india. Para "While My Guitar Gently Weeps" fue la primera vez que tuvieron a una estrella reconocida que tocaba un instrumento ya presente en la banda: Eric Clapton. Por otra parte, George Martin se tomó una semana de vacaciones, tiempo en el que las sesiones del White Album quedaron bajo la supervisión de su asistente, Chris Thomas, de apenas 21 años. 6. Hay varias diferencias en las canciones entre la edición estéreo y mono del álbum. Por ejemplo, en la versión a dos parlantes, "Ob-La-Di Ob-La-Da" y "Why Don't We Do It In The Road" tienen intros con palmas y "Helter Skelter" tiene casi un minuto más, con el grito de Ringo al final "I´ve got blisters on my fingers!", harto después de grabar ¡18 tomas! de la canción. Sin embargo, el solo de guitarra de "Honey Pie" es más corto que en la edición mono. También hay pequeñas distinciones en "Back in the U.S.S.R.", "Blackbird", "While My Guitar Gently Weeps" y otras. 7. ¿Cómo detectar primeras ediciones originales? Las primeras copias del disco tienen un formato gatefold con apertura en la parte superior, no en los costados. El nombre The Beatles está en relieve (en las versiones posteriores está impreso en negro o gris) y cada copia lleva un número de serie. Además, incluye un póster con un collage de un lado y las letras del otro, más los cuatro icónicos retratos fotográficos de John, Paul, George y Ringo que tomó John Kelly. Las etiquetas de los vinilos tienen el tradicional logo del sello Apple, con la manzana verde entera en el primer disco y cortada al medio en el segundo. El número de catálogo de la primera edición inglesa es PMC o PCS 7067/8 (siglas que varían según se trate de la versión mono o estéreo). Para Estados Unidos, es SWBO 101. Más info, acá. 8. ¿Tenés un first release del LP en tu poder? WhiteAlbumRegistry.com se propuso registrar la mayor cantidad de primeras ediciones en el mundo. Solo hay que suscribirse al sitio y anotar tu copia con el número de serie único que tenga en la portada. 9. Del 22 de noviembre al 1 de diciembre se subastará en Gran Bretaña cien lotes de memorabilia de los Beatles. El ítem más preciado es una primera edición del White Album autografiada por John, Paul, George y Ringo. Ya hubo remates de primeras impresiones (uno de los poquísimos promos con el número A0000001 llegó a los 35.000 dólares), pero esta es la primera vez que está disponible al público un ejemplar rubricado por los fab four. Se espera que supere los 150.000 dólares. ¿Te sobran unos mangos y querés probar suerte? Podés hacer tu oferta acá. 10. El Álbum Blanco es motivo de fanatismos varios, pero uno de los más curiosos es el del artista Rutherford Chang, que solo colecciona primeras ediciones del disco (sin importar su condición) y ya posee 893 copias. Incluso tiene una versión argentina, Nro. 025640, con el labrado "Los Beatles" y el listado de temas en español. A principios de este año, montó una exhibición titulada "We Buy White Albums", una suerte de disquería ficticia que solo tenía en sus bateas ejemplares del LP y que, en lugar de venderlos, compraba nuevos. Como detalle aún más loco, la muestra estaba musicalizada con el montaje del audio de cien de estos vinilos

Cómo dejar de ser un hombre feo en cinco pasos Este manual lo desarrollé yo. Aquí van cinco reglas de oro, comprobadas, para seducir a la vida, siendo un hombre feo. El objetivo es que te muestres como un candidato para la vida, si quieres verlo así, para conquistar a una señorita. A memoria del que alguna vez me preguntó: ¿Cómo ligo siendo feo? (dicho por que yo tenía una novia guaperríma, en mi época de ... ¡cómo carajos le haces!) 1. No eres galán, nunca vas a serlo. Enserio, olvídate de los milagros. Mira que yo llevo esperando bigote hace cinco años, y los ingratos ni se asoman. Uno, fuera complejo, no eres él ni vas a ser el carita. Es ridículo pretender pasar por alguien que tiene un aspecto de esos monigotes que aparecen en la televisión. Ellos son ellos, y tú eres tú. Y no por eso vas a ser menos. Lo primero es la mentalidad. Un triunfador, eso es lo que eres, un personaje único y no una medida de otros. ¿Además que es un galán?, yo sé, un hombre que se muestra así, como un hombre. Aquí va casi el 80% de tu éxito. 2. Visto lo anterior, Dios no pudo ser tan cruel contigo, tienes potencialidades que otros no, ¡ahí está el arroz!, si no las aprovechas te vas a quedar atrás, éste mundo es de quienes se arrojan, se envalentonan. ¿En qué tienes destreza?, seguro que en lo más recóndito de ti tienes habilidades, pues esas son las armas con las que te vas a lanzar con la red por la vida.Ejemplifico, en mi caso, no tengo habilidades musicales, ni vocales. Pero me favorece el colegio. Entonces me agarré de ahí. Alguna vez mi novia me dijo que le atraían los hombres inteligentes. Tampoco se trata de dar un seminario en cada plática, pero si de usar con sutileza tus poderes, siempre se da la ocasión y tu tienes que lucir. Seduce con tu carisma, esa es una habilidad que todos podemos desarrollar. Una sonrisa bien puesta y un estado de ánimo que parezca que llevas diez toros rojos, con actitud y energía. Siempre estás atento, dispuesto y con las ganas de ir a comerte el mundo. 3. Seguridad. Puedo casi jurar que a todas las mujeres les atrae un varón seguro, con firmeza. Alguien que pasa pidiendo permiso a cada musculo para levantar el dedo meñique tiene ADN de perdedor. No!, tu tienes que reflejar eso, ¿cómo?, en todo momento, al caminar, al hacer una pregunta, al contestar. Ojo no tienes que ser un sabelotodo o un pedante, no. Incluso para decir "no sé" hace falta estar seguro de ello. La seguridad te hace ver alguien confiable, esa es la palabra, inspira confianza. 4. Cortés. Imagínate, aparte de feo, grosero. Lo que distingue a un caballero es que sabe que asume la situación con honor, (aquí se explica la palabra). Así no tienes que usar mentiras, ni groserías tampoco tienes que andar de hocicón. usas la fuerza, sólo cuando tu honor o el de los tuyos se vea insultado por otro Con el saludo inicia la cortesía, cuando agradeces, y ni qué decir de los detalles que tengas con una chica, ayudarle a sentarse, cubrirla en la lluvia, ceder el paso, darle siempre a elegir en la situación. Esto sí no falla. Yo sí creo que la educación antigua no pasa de moda. Al menos para nosotros los feos no. 5. Discreción. Esa es la reza del pastel. Un hablador pierde el encanto en tanto que ha dicho su vida entera. Un persona que dice lo necesario de sí, es más interesante. Sé mesurado, un hombre que no se sobre exalta da la impresión de que tiene todo bajo control, y con él una chica puede sentirse tranquila. No confundas la indiferencia, hay situaciones que directa o indirectamente tienen que ocuparnos. Nada más completo (me han dicho amigas) que un hombre que también tiene sentimientos, claro, sentimientos que se manifiestan de una forma varonil, dicen que (en miras a una relación) les dan confianza en qué las sabrán valorar. En este punto, también tengo que mencionar acerca de la discreción con las mujeres, sé que es cruel ir acompañado y de pronto ver desfilar a un montó de maniquíes, pero vale la pena hacer sentir a tu pareja que sólo ella está presente, y las demás valen pasta. Aún en una relación de amistad, este tip es totalmente funcional. Aquí dejo este breve manual, que son directrices para que te desenvuelvas. Si le das todo el foco de la atención a tu cara o a tu cuerpo, las llevas de perder, haz notar tus habilidades, eso que te hace diferente a un modelo inútil de televisión. Suerte y ahí comentas como te fue.

The Beatles y su lugar entre las 5 bandas más importantes de la British Invasion Previo al siglo XX, las invasiones británicas nunca habían sido bien recibidas en Norteamérica. Ya sabes, guerras, muertos y cosas por el estilo. Pero el término “invasión británica” empezó a tomar un nuevo significado a partir de la década de los 60 gracias al revisionismo de la cultura pop. Esta vez no eran las Casacas Rojas los que cruzaban el océano Atlántico sino los Beatles y detrás de ellos había todo un batallón de músicos cuya única misión consistía en conquistar las tablas de popularidad del mercado americano. ¿Pero cómo lo lograron? Todavía hasta la fecha los gustos musicales entre Estados Unidos y el Reino Unido no suelen coincidir. Lo que bien puede ser un mega-éxito en el gabacho, del otro lado del charco puede tener una modesta aceptación, si es que le va bien. Sin embargo, en la cuna del pop moderno, ocurrieron una serie de factores que favorecieron a los británicos y estos supieron como encajar las piezas antes que los gringos… pero fue una carrera que ganaron por una nariz. Lo irónico del caso es que casi todos los ingredientes se cosecharon en territorio estadounidense. Por ejemplo, el blues. Guitarristas como Keith Richards y Eric Clapton o cantantes como Eric Burdon eran fanáticos a morir de aquellos que vendieron sus almas al Diablo para tocar la música del Mississippi Delta como Robert Johnson, B.B. King y Howlin Wolf. El jazz y todas sus vertientes también jugaban un papel importante como influencia en el estilo de los británicos, pero el blues era la verdadera raíz del sonido que predominó en la década de la guerra fría, la carrera espacial, los movimientos civiles y el flower power. Otra fuente de influencia era el rock ‘n’ roll, un género que ya a finales de los 50 estaba dando sus últimos coletazos. Sin embargo, Paul McCartney, Pete Townshend y Gerry Marsden crecieron escuchando a Carl Perkins, a Bo Diddley y a Jerry Lee Lewis en la radio y en acetatos algo difíciles de conseguir. La energía del rock no podía estar ausente para un público que siempre exige música para bailar. Por último, las armonías R&B de los grupos femeninos y los arreglos de Phil Spector que estaban empezando a pegar a inicios de los 60 terminaron por agregar ese toque que le faltaba al cocktail. Otros géneros americanos como el country, el surf, el soul y el folk de igual manera eran escuchados con devoción en las islas británicas, y de hecho, muchas bandas que ahora aclamamos como legendarias iniciaron sus trayectorias grabando e interpretando covers de sus artistas americanos favoritos. A diferencia del presente, hace 50 años los oídos británicos estaban muy atentos de las ondas de sonido que llegaban de los Estados Unidos y a partir de 1963 llegaría su turno para cumplir con su parte en el intercambio musical. En la década de los 50, los ingleses ya habían combinado algunos de estos ingrediente para crear su propia versión del skiffle, pero con los Beatles surgió una nuevo sonido que luego fue bautizado como Merseybeat, en honor al río Mersey que cruza por la ciudad de Liverpool. Este nuevo sonido pop/rock carecía de la energía primitiva del rock ‘n’ roll pero le ponía más atención a los detalles de la estructura, los cuales podían ser pulidos en el estudio de grabación. El producto final era el resultado que salía al sumar el talento del músico mas la visión del productor y el oficio de un ingeniero de audio… y claro, el genio de un buen manager con suficientes conocimientos de mercadotecnia para saber como posicionar a sus clientes en las estaciones de radio y en los programas televisivos de variedad. THE BEATLES link: http://www.youtube.com/watch?v=OMNPPwq8I2Y Gracias al tremendo e inesperado éxito de los Beatles en las tablas de popularidad de Estados Unidos, en febrero de 1964, George, Paul, John y Ringo hicieron su debut en la televisión americana con tres presentaciones en el programa de Ed Sullivan. El manager Brian Epstein diseñó toda una estrategia para explotar el potencial de su banda en su primera visita al nuevo continente, pero es probable que el resultado haya superado sus propias expectativas. Simplemente no había precedentes. La reacción del auditorio en el ahora histórico programa de Sullivan capturaba la euforia de una sociedad que se había enamorado de todo el paquete: los cortes de cabello, los trajes bien ajustados, el carisma de sus integrantes y la presentación de una banda que carecía de un líder formal o un frontman. La imagen tenía un rol de vital importancia especialmente en esa década donde cada hogar en el primer mundo ya contaba con una televisión. Aunque hoy nos parezca un anacronismo, era muy común que la familia de clase media se reuniera en la sala después de la cena para ver su programación rutinaria. Cuando los Beatles tocaron en el programa de Ed Sullivan y los televidentes vieron con sus propios ojos la reacción del público, esa locura que tomaría el nombre de Beatlemania se esparció como un virus por todos los suburbios. La invasión británica del siglo XX había terminado por dejar un mayor impacto sobre la ideología americana que la tan temida amenaza comunista. Sólo bastaron cuatro músicos y algunas canciones de dos minutos y medio para reiniciar otro cambio cultural. Por supuesto no podemos dejar fuera la música. A través del Merseybeat, Los Beatles popularizaron la clásica estructura pop de verso-coro-verso-coro-puente-coro. Las letras simplonas y románticas que escribieron Lennon y McCartney para sus primeros discos se acoplaban perfectamente al molde que sólo requería de unos versos que rimaran y algunos estribillos. La repetición de las líneas martillaba las letras en el cerebro para que así pudiera la gente cantar con ellos sin mucho esfuerzo de memoria. La magia de los Beatles que trascendía la barrera del idioma era su talento para encontrar una melodía pegajosa, y en sus primeros años ellos tenían suficientes naranjas para exprimir. Las canciones de amor de los Beatles no eran ni tan agresivas ni tan seductivas, sino más bien juguetonas. La banda coqueteaba con un público adolescente al obsequiarle sólo una pizca (“I Want to Hold Your Hand”) pero nada más hasta ahí. Era un amor inocente que dejaba la puerta abierta a un centenar de posibilidades y eso era lo que prendía el motor de la euforia. Los Beatles estuvieron en la vanguardia de la primera ola de artistas británicos que cruzaron el Atlántico como Gerry & The Peacemakers, Dusty Springfield, Donovan, The Animals, The Troggs y muchos otros. Este primer avance tendría su máximo apogeo en 1964 cuando en algún punto u otro, los ingleses lograron colocarse en los primeros lugares de las tablas en ambos continentes (¡Hey! México tampoco se salvó de “la biclemanía”) pero después de cinco discos y un par de películas, los Beatles estaban hartos del mismo beat y ansiosos por experimentar fuera de la casilla que ellos mismos habían perfeccionado. Aunque muchas de estas banditas terminaron por ser un pie de página en la historia del pop, por lo menos los Beatles invadieron para quedarse, y ahora celebramos el 50 aniversario de su primer lanzamiento, Please Please Me. Antes de que se nos olvide, de una vez dejamos claro que ésta es la doceava entrega en la serie de artículos Beat-50. link: http://www.youtube.com/watch?v=8cRiNvnxOeg THE KINKS link: http://www.youtube.com/watch?v=F4DV-5d6a5g Si piensas que el pop británico nunca había tenido un par de hermanos tan talentosos pero conflictivos como los Gallagher, entonces nunca has escuchado de Ray y Dave Davies, la fuerza creativa detrás de los Kinks. Entre las cinco bandas que conforman esta lista, podemos argumentar que los Kinks son los más “ingleses” gracias a ese acento coloquial con la que infectaban sus canciones. Por supuesto, eso no quiere decir que los Kinks nunca se unieron al resto de sus pares en la invasión británica. Los hermanos Davies también lograron meter algunos sencillos en el Hot 100 como “You Really Got Me”, una canción de 1964 que con sus acordes sembraron las primeras semillas de lo que mucho tiempo después daría luz al hard rock. Los Kinks repitieron la fórmula con su siguiente sencillo “All Day and All of the Night”, en la cual Dave Davies podía presumir mejor sus habilidades en la guitarra. Parecía que los Kinks le mordían los talones a los Beatles en cuanto a popularidad hasta que al concluir su gira de 1965, la banda de Londres fue vetada de regresar a los Estados Unidos por motivos que nunca fueron aclarados públicamente. Al no tener acceso al codiciado mercado americano, Ray Davies se dedicó a escribir canciones más nostálgicas y apelativas al gusto de los de casa. Canciones como “Sunny Afternoon” y “Waterloo Sunset” eran canciones que encajaban brillantemente con el panorama de Londres, al igual que sus discos de larga duración como Face to Face y The Village Green Preservation Society. Sus composiciones eran el soundtrack perfecto mientras se disfrutaba de una taza de te. En 1969, los gringos permitieron a la banda de los Davies regresar a su país y así volvieron a tocar ese rock un tanto más pesado que se podía escuchar en canciones como “Lola.” En las décadas posteriores a la invasión británica, Los Kinks tuvieron una larga trayectoria llena de picos y caídas hasta que las diferencias creativas y personales entre los hermanos llegaron a su punto de quiebre y le dieron un punto final a esta legendaria banda en 1996. Por supuesto, una reunión nunca ha sido descartada por la castrosa prensa británica que ha molestado a los Davies constantemente con la misma pregunta en entrevistas, por lo menos hasta que su atención fue desviada por otros hermanos algo más jóvenes que desintegraron su propia banda. THE YARDBIRDS link: http://www.youtube.com/watch?v=pn6cxaKRwtk De las cinco bandas en esta lista es probable que los Yardbirds sean los menos conocidos por las masas. Sin embargo, esta banda formada en Londres en 1963 es más famosa por los guitarristas que en algún punto u otro de su trayectoria integraron su alineación… que por sus discos. Eric Clapton se unió al grupo al inicio de su aclamada carrera y de inmediato se distinguió por un estilo de blues americano que terminó por darle el sobrenombre de “Slowhand”. En 1965, Clapton dejaría a los Yardbirds para luego integrarse a muchos otros proyectos donde sólo estaría por unos meses o pocos años: John Mayall & The Bluesbreakers, Cream, Derek and the Dominos y tantos otros, pero eso sí, siempre dejando su marca a donde quiera que fuera. Después de Clapton, los Yardbirds reclutaron a otro talentoso guitarrista que gozó de una exitosa trayectoria más tarde: Jeff Beck. Desafortunadamente, la estancia de Beck en los Yardbirds no duró más de un año a causa de su perfeccionismo y corto temperamento. Su tendencia a ausentarse de las presentaciones en vivo lo llevó a ser despedido y reemplazado por el bajista, Jimmy Page. Jeff Beck luego formaría su propia banda con Rod Stewart en vocales y Ronnie Wood en la segunda guitarra y también estaría involucrado en decenas de otros proyectos. Pero regresemos a los Yardbirds que ya en sus últimos años se había convertido en un vehículo para que Jimmy Page hiciera sus experimentos. Tras la salida de sus últimos integrantes originales en 1968, Page reclutó a otros tres músicos relativamente desconocidos (ahora muy famosos) para formar una nueva alineación de los Yardbirds, aunque finalmente se quedó con el nombre que en broma le había dicho Keith Moon: Led Zeppelin. b]THE WHO link: http://www.youtube.com/watch?v=KmQKMHIx9fU The Who formó parte de la segunda ola de bandas británicas que invadieron los medios americanos junto con los Zombies, los Hollies y otros grupos que llegaron un poco tarde a la fiesta. Sin embargo, ya en 1966, con el movimiento hippie en sus primeros pasos, los gringos podían presumir de una amplia variedad de artistas que contrarrestaban el impacto popular de las bandas de fuera. Para sobresalir del resto de las opciones disponibles, The Who resaltó por sonar más fuerte y ser más caóticos sobre el escenario, hasta llegar al punto donde destruían sus propios instrumentos, una acción que una banda nueva y sin tantos recursos económicos no podía darse el lujo de cometer con tanta gracia. Su principal autor, Pete Townshend, escribía bajo la influencia de la música en la era post-Sgt. Pepper. La psicodelia, el blues y el musical fueron sus armas para crear algo que sería conocido como la primera rock opera. Otras bandas ya habían experimentado con la idea de un álbum conceptual donde existe un hilo temático que une dos o más canciones en un disco, pero Townshend llevó esa idea al otro extremo al mezclar la música rock con el musical de Broadway, creando así la grandiosa rock opera: Tommy. The Who levantó el velo sobre lo que una banda ambiciosa podía hacer con las herramientas del pop. Las canciones de dos minutos y medio ya eran cosa del pasado. THE ROLLING STONES link: http://www.youtube.com/watch?v=UzNxYjf_4p4 Y por supuesto teníamos que llegar a los Rolling Stones, eternos rivales de los Beatles en la divertida era de la invasión británica. Formada por Brian Jones en 1962, la banda de Londres se distinguió de sus pares por su afición, no sólo al blues, sino también a la esencia de este estilo particular de música. Los Rolling Stones eran la otra cara siniestra de la moneda. Mientras Paul McCartney era el chico lindo al que llevabas a conocer a tus padres, Mick Jagger era el tipo rudo y malo que mantenías escondido en el armario, un tipo que nunca podría quedar satisfecho. O por lo menos, así era como se lo vendían al público en las revistas de aquella época. Los Rolling Stones van a emprender una gira mundial el próximo año con motivo del 50 aniversario de su primer lanzamiento, así que no tiene caso escribir más sobre ellos en este momento. En el 2014 ten por seguro que vas a leer mucho más sobre Keith, Mick, Brian, Ronnie, Bill y Charlie en Sopitas.com así como le dedicamos esta cobertura especial a los Beatles en las últimas semanas.

Abbey Road es el duodécimo álbum de estudio publicado por la banda británica de rock The Beatles, considerada por muchos su obra cumbre, pues fue el último disco de estudio de la banda, editado en el año 1969. Las grabaciones de Abbey Road comenzaron en abril de 1969, haciendo de este el último álbum grabado por la banda, ya que Let It Be, lanzado en 1970, había sido grabado con anterioridad. Fue lanzado el 26 de septiembre de 1969 en el Reino Unido, y el 1 de octubre del mismo año en los Estados Unidos. El álbum fue producido y orquestado por George Martin, con Geoff Emerick como ingeniero de grabación y Tony Banks como operador de cinta. Participó también, como asistente de grabación, Alan Parsons. El álbum se caracterizó por la presencia de un medley en el lado B, una larga pieza de 16 minutos, que constaba de ocho canciones enlazadas una tras otra sucesivamente. El álbum destacó también por contener dos de las canciones más conocidas del guitarrista George Harrison, "Something" y "Here Comes the Sun", popularizando ésta última el uso del sintetizador (Moog) en el rock. La portada del álbum se convirtió en una de las más famosas de la historia de la música, en la cual se representaba a The Beatles cruzando un paso peatonal en el cruce de Grove End Road con la calle Abbey Road, frente a los estudios donde se grabaron casi todas sus canciones desde 1962. Está considerado uno de los álbumes mejor elaborados por The Beatles, aunque la banda apenas funcionaba ya como un grupo unido en esa época. En 2003, ocupó el puesto n.° 14 en la lista realizada por la revista Rolling Stone de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Es uno de los seis álbumes certificados con disco de diamante de The Beatles, lo que los convierte en los máximos ganadores de este reconocimiento en la historia de la música. link: http://www.youtube.com/watch?v=VpV53LqcuhU Lista de canciones Cara 1 1. «Come Together» 2. «Something» 3. «Maxwell's Silver Hammer» 4. «Oh! Darling» 5. «Octopus's Garden» 6. «I Want You (She's So Heavy)» Cara 2 1. «Here Comes the Sun» 2. «Because» 3. «You Never Give Me Your Money» 4. «Sun King» 5. «Mean Mr. Mustard» 6. «Polythene Pam» 7. «She Came In Through the Bathroom Window» 8. «Golden Slumbers» 9. «Carry That Weight» 10. «The End» 11. «Her Majesty» link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=EWwrhUX3iTM

Los 10 covers más peculiares de los Beatles En el transcurso de los últimos 50 años, los temas originales de los Beatles han sido interpretados por cientos de artistas en una amplia variedad de géneros para ser una de las bandas más covereadas en la historia del pop. Desde el jam de Grateful Dead hasta el punk de Dead Kennedys, pasando por el raggae de Easy Star All-Stars y el britpop de Oasis, las canciones de Lennon/McCartney y de Harrison han pasado por cuerdas, metales y percusiones ya sea para bien o para mal. En la mayoría de los covers, tanto sus más populares como los más oscuros, las interpretaciones suelen mostrar su fidelidad a las composiciones originales. Pero en la novena entrega de la serie Beat50, nos desviamos de la premisa original (una vez más) para hacer una lista jerárquica de los covers más extraños de los Beatles que pudimos encontrar en El YouTube. 10. FRANK ZAPPA – “I AM THE WALRUS” link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=pZDR1ALvkVQ Mucha gente suele olvidarse del hecho de que los Beatles no escribían exclusivamente bonitas canciones con temas románticos. A partir de Rubber Soul, John Lennon estaba en la vanguardia de músicos que buscaban experimentar con la fórmula pop y quizás no había un artista más experimental en aquellas épocas que su camarada, Frank Zappa. Sin embargo, Zappa no tuvo que hacerle muchas modificaciones a los arreglos de una de las canciones más extrañas en el repertorio de los Beatles, “I Am the Walrus”. Muchas bandas intentaron sacar su versión de este tema que se escuchó en la película Magical Mystery Tour, pero nadie se ve más en su ambiente que el líder de los Mothers of Invention (¿no les parece adorable la morsa de peluche?) 9. THE FEELIES – “EVERYBODY’S GOT SOMETHING TO HIDE EXCEPT ME AND MY MONKEY” link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=k5o1-HxaRFM El indie rock tiene muchas deudas con los Beatles y eso fue evidente desde los inicios underground del género. En 1980, The Feelies lanzaron su debut, Crazy Rhythms, álbum que aplanó el camino para bandas como R.E.M., They Might Be Giants y The B-52′s por mencionar sólo un puñado. Entre los temas que marcaron historia, había un cover de los Beatles de “Everybody’s Got Something to Hide Except Me and My Monkey”, una canción que nunca resaltó en el disco blanco pero que brinca de alegría entre las guitarras jangly de la banda más ñoña hasta que el indie se arraigó en la industria. 8. THE FLAMING LIPS – “I WANT YOU (SHE’S SO HEAVY)” link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=B2QpIgWPMmE Al parecer no hay nada fuera de lo convencional con este clásico tema de Abbey Road hasta que uno se de cuenta de que la rola sigue… y sigue… y sigue… y no se acaba. En la versión original “I Want You (She’s So Heavy)”, la canción llega a un repentino final para ceder el paso a las primeras notas de “Here Comes the Sun”, pero en la versión de los Flaming Lips, parece que Wayne Coyne y compañía deciden llevar la rola hasta sus últimas consecuencias. 7. OZZY OSBOURNE – “IN MY LIFE” link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=jwQnbhE22_s En el año 2005, Ozzy Osbourne lanzó un álbum de covers entre las que destacaban canciones de los Rolling Stones, Cream, los Animals, King Crimson y ¿por qué no? Joe Walsh. También hay una canción de los Beatles, “In My Life”, cuyo video retrata la trayectoria del “principe de las tinieblas” que por esos tiempos gozaba de la popularidad de su reality show en MTV. 6. ESA PELÍCULA DE LOS BEE GEES DE SGT. PEPPER’S LONELY HEARTS CLUB BAND link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=ewYSSOzZ8NM Si pensabas que aquel musical de hace unos pocos años donde sale Salma Hayek como una enfermera es la peor película que pudo haber salido relacionada a los Beatles, entonces es probable de que todavía no hayas visto la blasfemia de arriba. A finales de los 70, cuando los Bee Gees eran una fuerza imparable gracias al éxito de Saturday Night Fever, los productores de la película de Sgt Pepper pensaron que tenían en sus manos el próximo gran clásico. Con estrellas como Peter Frampton, Aerosmith, Earth, Wind & Fire y Alice Cooper (entre un pelotón más de artistas) parecía que la gloria era segura… pero a final de cuentas, terminó siendo uno de los peores musicales de todos los tiempos. 5. LOS FABULOSOS CADILLACS – “STRAWBERRY FIELDS FOREVER” (CON DEBBIE HARRY) link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=smFCkjGySoU Después de la última entrada, cabe aclarar que esta lista NO es sobre “los peores covers” de los Beatles sino sus más extraños. Esto no significa que sean malos necesariamente. Tal es el caso de este tema. Mientras que no es nada del otro mundo que un artista latinoamericano haga su versión de “Strawberry Fields Forever”, aquí tenemos una versión ska por la banda argentina Los Fabulosos Cadillacs. Pero aquí lo que parece fuera de lo ordinario no es ese detalle sino la invitada especial, Debbie Harry de Blondie, que incluso nos canta en español en las primeras estrofas para luego cambiar a ingles en los coros. 4. KEITH MOON – “WHEN I’M 64″ link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=HC7cW5DqAg0 Oh, la ironía. Mientras que uno de los temas emblemáticos de The Who tiene un verso donde Roger Daltrey dice “hope I die before I get old”, el baterista de esa banda, el lunático Keith Moon, aspira a cumplir 64 años en este cover y espera que todavía sea querido y amado para ese entonces. La historia nos recuerda que Keith apenas llegó a cumplir la mitad de esa edad cuando murió en 1978, pero por lo menos todavía sigue siendo querido, amado y extrañado. 3. PIXIES – “WILD HONEY PIE” link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=LyVsg4nwJn0 HONEYPIEEEEEEEEEE!!!!!!!!! HONEYPIEEEEEEEEEE!!!!!!!!!HONEYPIEEEEEEEEEE!!!!!!!!! HONEYPIEEEEEEEEEE!!!!!!!!! 2. PETER SELLERS – “A HARD DAY’S NIGHT” link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=zLEMncv140s Cuenta la leyenda que los Beatles eran grandes fanáticos de Peter Sellers, el mismo actor que apareció en películas como The Pink Panther y Dr. Strangelove. En la década de los 50, George Martin era el productor de los discos cómicos de Sellers, así como fue productor de los Beatles más adelante. Por lo tanto, era natural que Sir George terminara trabajando con Sellers cuando éste decidió hacer su versión de algunos temas populares de sus cuatro fans, claro, a su manera particular. Quizás su mejor interpretación sea la de “A Hard Day’s Night”. William Shatner es sólo un imitador. 1. THE RESIDENTS – “FLYING” link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=C1nDMks18rs Así como Superman tiene a su versión Bizarro, los Beatles tenían a los Residents. La versión de “Flying” de arriba es el lado-B del sencillo “The Beatles Play the Residents and the Residents Play the Beatles” y su lado A es un collage de varias canciones de los honorados. Larga vida a YouTube por permitirnos encontrar legendarias rarezas como ésta sin mucho esfuerzo.

Los traumas post-Beatles de Sir Paul McCartney La historia de los Beatles parece ser infinita. Ahora, Sir Paul McCartney reveló cómo el quiebre de Los Beatles estuvo a punto de causarle una grave crisis nerviosa. El famoso músico contó en un documental de televisión que cuando el grupo se separó estuvo días sin salir de la cama y creyó que su carrera musical había terminado. Además de las declaraciones sobre la fragilidad que le produjo la separación de la mítica banda, incluye imágenes nunca vistas del hogar del ex Beatle y su esposa Linda, fallecida en 1998. Como un vampiro "Cuando los Beatles terminaron a fines de los 60, fue como un shock para mi sistema. Aparte de quedar cesante, yo pensaba que estaba perdiendo uno de los mejores trabajos del mundo y de repente me sentía totalmente inútil", confesó McCartney. "Pasaba las noches despierto y después me quedaba en cama todo el día, pues no veía que hubiera una razón para levantarme", dijo. Dejé de afeitarme, comencé a tomar mucho whisky y podría decirse que me volví un poco loco por unas semanas. Mirando hacia atrás, creo que estuve muy cerca de un colapso McCartney también reconoce que "en un momento, tuve que tomar la decisión de seguir en la música o rendirme y dedicarme a otra cosa". Gracias a Escocia Según cuenta en el documental, él y su familia buscaron refugio en la granja que tienen cerca de Campbeltown, en Kintyre, Escocia. Los Beatles. Los cuatro de la gloria. "Necesitaba salir de Londres y acercarme a la niebla y las montañas, sólo para caminar, tomar un poco de aire y alejarme de este trauma", admitió. Fue allí donde decidió crear Wings, el grupo con que volvió al mundo del espectáculo después de Los Beatles. McCartney indica que escribió el single Mull of Kintyre, como un vals escocés para agradecerle a ese país los buenos tiempos que pasó en él.

Franz Ferdinand: Right thoughts, right words, right action Tanto el mundo como Franz Ferdinand deben (o debieron, desde hace mucho) asumir que es prácticamente imposible que la banda supere o iguale el éxito de su álbum debut. De hecho, ese primer disco se ha convertido en una especie de maldición para Alex Kapranos y compañía. A lo largo de los casi diez años que cumple Franz Ferdinand (el disco), la banda ha sacado tres producciones más y ha estado al borde de la separación. Right Thoughts, Right Words Right Action es el cuarto álbum en esta línea y, al igual que sus predecesores, no ha sido bien recibido por la crítica por un argumento que, de tan simple, da algo de pena: no le llega a su primer disco. El anterior, ha sido el comentario al que los subsecuentes discos de Franz Ferdinand se han enfrentado en muchos sitios y revistas especializadas en música, dejando muchas veces de lado el trabajo que Kapranos, Nick McCarthy, Robert Hardy y Paul Thompson hacen. Ninguna de las producciones ha tenido la ironía, el ingenio, la frescura y la potencia de ese primer disco ¿O sí? link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=RqTsUtQLRFk En efecto, el álbum debut del cuarteto Glasgow es una pieza fundamental para comprender la música contemporánea: cargado de nuevos clásicos, el disco resumía muy bien el espíritu de una época al mismo tiempo que perfeccionaba un sonido con el que pocos grupos habían atinado: el dance rock. En pocas palabras, era un álbum zeitgeist. Por lo mismo, es imposible superar o igualar ese disco: no era sólo el disco, fueron también el momento y las circunstancias. Como cualquier otro proyecto musical, Franz Ferdinand tuvo que avanzar y seguir los pasos que, pareciera, se deben de seguir o que al menos es costumbre: con su segundo disco, You Could Have It So Much Better (2005) intentaron repetir la fórmula que les dio tanto éxito en el primero; con el tercero, Tonight (2009) la banda se entregó de lleno a la experimentación en el que es, posiblemente, uno de los discos más menospreciados de la década pasada. Ahora, tras varios anuncios de una posible separación, la banda intenta juntar todo lo anterior en un mismo disco. link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=Ooq23i-QGBM Right Thoughts, Right Words Right Action no descubre nada nuevo en la banda: ahí están su ironía característica (presente desde el título hasta la última canción), el dance en el rock y viceversa, sus siempre potentes guitarras y el característico sentido del humor. Está también el estándar de calidad que jamás han bajado. El disco abre con “Right Action”, la canción de la que sale el título y un tema muy Franz Ferdinand, en el que la banda habla del “optimismo visto desde la perspectiva de un cínico”, en palabras del propio Kapranos. A partir de ahí, el grupo irá jugando con sonidos que se agradecen y que, sin duda, darán un toque distintivo a sus anteriores producciones: sintetizadores ácidos en “Evil Eye”; una especie de tributo al art rock de Roxy Music en el segundo sencillo “Love Illumination” (con un sintetizador que inevitablemente recordará a “Virginia Plain” o “Ladytron”); un guiño a los Beatles en “Fresh Strawberries”; y sobre todo, una agradable rendición a la psicodelia en “Treason! Animals” y la gran “The Universe Expanded”, una balada cósmica que no tiene pierde. link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=Y10I-fHwBWE Así pues, los Franz Ferdinand suenan como cuatro músicos que saben que hicieron uno de los mejores discos de la historia y que ahora se dedican a jugar con eso que tanto les gusta y que, al final, a nosotros debería gustarnos también: la música. El disco cierra con una despedida que está por verse si alude sólo al álbum o si se trata, realmente, del final de la banda: “Goodbye Lovers & Friends”, canción con la que Franz Ferdinand camina, ingeniosamente, entre la ironía y el ultimátum. Right Thoughts, Roght Words Right Action no es ni será un Franz Ferdinand; pero tampoco tiene la intención de serlo. En realidad, se trata de un disco en el que cuatro músicos han decidido reunirse, hacer música y ver si les funciona para otro álbum; si sí, muy bien; si no, también. · Tracks destacados: Right Action, Love Illumination, The Universe Expanded, Goodbye Lovers & Friends. · Escúchalos si te gustan: The Beatles, Roxy Music, Talking Heads, Arctic Monkeys, Kasabian.

La increíble evolución de estilo de Alex Turner, líder de Arctic Monkeys ¿Mod, grunge, rockabilly? La banda británica llega a España y analizamos la capacidad camaleónica de su líder para cambiar de look. A lo largo de sus ocho años de carrera el estilo de Alex Turner ha ido evolucionando casi al mismo ritmo que su música. En la maleta que le acompaña en la gira de presentación de su último disco, AM, solo tienen cabida los trajes y las camisas de aire rockabilly. Si a aquellos adolescentes que abarrotaban en 2006 los conciertos de Arctic Monkeys les hubieran asegurado que el líder de la banda aparecería en un escenario retocándose constantemente su engominado tupé, seguramente no hubieran dado crédito. Cinco discos de estudio después, giras multitudinarias, residencia fijada en Los Ángeles... poco queda de aquel joven aniñado que desgranaba ante el micrófono las letras de sus canciones a un ritmo trepidante. Cuando los Arctic Monkeys se dieron a conocer, el atuendo de Alex no difería del de cualquier chaval inglés: pantalones pitillo, polos ( a ser posible de Fred Perry y con los cuellos levantados) sudaderas y corte de pelo mod. A medida que su fama se afianzaba, el armario de Turner se iba refinando pero siempre bajo ese influjo british que consigue construir looks a medio camino entre lo elegante y lo desastrado. Trajes entallados con botines o abrigos marineros y chaquetas tweed con vaqueros. Para la grabación de su tercer disco, Humbug, los Arctic se trasladaron al mítico parque de Joshua Tree, en California. Una experiencia que, dicen, los marcó. Fue sin duda, su época más grunge y en la que el pelo largo, los colores oscuros, las cazadoras vaqueras y de cuero se convirtieron en su máxima. Y luego llegó la ruptura con su novia Alexa (de apellido Chung y por todos conocida) que coincide en el tiempo con su cambio de look más radical. Según el propio Turner ha contado, un buen día se adentró en un peluquería de Texas, pidió que le hicieran un tupé y supo que muchas cosas iban a cambiar. Desde entonces, lo luce engominado (al estilo de su admirado Richard Hawley) y lo acompaña de tuxedos, mocasines bicolor y polos de punto años 50. Turner se atreve incluso con los trajes de seda y con una actitud más chulesca sobre el escenario. Ver para creer dirán algunos, cuestión de personalidad pensarán otros. Entre estos dos looks tan diferentes solo han pasado un par de años. Alex & Alexa, la pareja más estiloso del indie rock. ¿Le influirá en su estilo su nueva novia Arielle Vandenberg?