Mariee22

Para ambientar el post: link: https://www.youtube.com/watch?v=qL0Z3Ly0CEw "Si comparo lo que vivía en un comienzo, cuando no tenía idea del viaje que iba a emprender, es algo muy difícil de responder. Estoy muy atado al hoy y me concentro en lo que está pasando. Si me preguntas cuál es mi siguiente paso creativo, supongo que será aquel que me mantenga queriendo hacer algo, seguir con Arctic Monkeys, la banda de amigos que son mis hermanos. Siempre intentando conseguir algo nuevo, sentirte cerca y con cada disco buscarlo. Es muy difícil de conseguirlo, pero ese sentimiento es el que te mantiene cuando intentas concretar una canción. Y ese algo es lo que hace que la gente se emocione por nuestra musica". Alex Turner. "Siempre supimos que con Humbug estaríamos dando un paso, pero más que adelante, a otro lado... nosotros queríamos hacer eso". Jamie Cook. "Sé que mis letras podrían ser extrañas para algunos, pero no lo son para mí, porque yo sé de dónde vienen, sé el secreto". Alex Turner. Ustedes pagaron por homenajear a Lou Reed con "Walk On The Wild Side" en vivo, él ya muerto. ¿De sus canciones, cuál quisieran que fuera homenajeada? AT: Wow. No sé, lo estoy tomando muy en serio. Cada vez que alguien me pregunta sobre un artista o algo así, en cierto modo me olvido de lo que es la música. Los colores se me desdibujan. NO: Me gustaría Guns N 'Roses con "¿Why’d You Only Call Me When You’re High?" o Bryan Adams con "Mardy Bum". MH: Probablemente pondría a Bon Jovi o simplemente a R Kelly ... para cantar cualquier cosa. AT: Lady Gaga. JC: ¿Qué canción? AT: mmm, no lo se... ¡La puta "Bigger Boys And Stolen Sweethearts"! Fui al Festival Leeds dos veces cuando tenía 16 y 17 años. ¡Al año siguiente ya estábamos tocando en una carpa del mismo festival! ¡Y eso fue mucho mejor! Nosotros nunca consideramos ir a algún festival en el sur. Simplemente parecía demasiado lejos". Alex Turner Reading Festival 2006: En un rincón estaban Muse, 'El gigante del festival', bien engrasados con sus jets privados, pirotecnia y solos espaciales interplanetarios, sin un lleno total. En el otro lado, estaban ´Los Monos' que llenaron un escenario gigantesco con solo una batería y tres guitarras. Jamie Cook: "¡Eso fue muy bueno!" sonríe Cookie. "Un montón de gente nos dijo que Muse nos soplaría fuera del escenario, pero... bueno, no pudieron con nosotros, ¿Cierto?". Corría el 2007, visitan Argentina en el tour de Favourite Worst Nightmare y un reportero les hace la pregunta que muchos quisieron hacerles. ¿Cual es su peor pesadilla favorita? Alex Turner: Vemos mucho cine y de ahí salen nuestras pesadillas. Siempre sueño con una persecución por nueva York a... ¡Whoopi Goldberg! Es aterradora, aunque a veces también sueño con Jessica alba... Matt Helders: Está inspirada por la película Perdidos en Tokio: me tiro por la ventana de un edificio alto. Lo peor es que, cuando vamos a Tokio, paramos en el Hyatt donde se filmó esa película. Jamie Cook: La verdad, más que una pesadilla es un hermoso sueño: verme a mí mismo convertido en una estrella del porno. Nick O'Malley: Es una que se repite y en la que soy hijo de Bruce Willis: todos quieren matarlo y yo debo protegerlo. Es muy divertida porque, bueno, imagínate que tu viejo sea Bruce Willis... ¡sería fantástico! "Me gustaría dedicar la siguiente canción a la pareja que está teniendo sexo con la ropa puesta allá atrás... Ojalá nunca hubiera dicho nada". Alex Turner durante un concierto. Josh Homme aceptó producir 'Humbug' después de escuchar la canción a través de una llamada telefónica mientras Arctic Monkeys la estaban tocando. La letra simple y efectiva de su primer hit, "I Bet You Look Good on the Dancefloor", resultaba un buen complemento para una canción garagera y urgente, levemente emparentada con el punk-rock californiano. "No podíamos creer lo que estaba pasando con ese tema -recuerda Turner-. Subía en los charts y nosotros nos reuníamos todos los días en el pub de nuestro pueblo (High Green, Sheffield) para ver si sonaba la canción. Solían poner la radio y nos callábamos cada vez que el locutor anunciaba un tema del ranking. El día que reveló que nuestra canción había llegado al primer lugar estallamos y nos quedamos bebiendo y festejando hasta que cerró el pub." -Sé que no solo hablo por mí mismo, pero algunos de sus mejores trabajos son los B-sides. Nick: Si, no queremos ser como una de esas bandas que solo tratan a un lado B como si importara una mierda. Ya sabes, como una versión acústica de una de las pistas del álbum o conseguir a alguien para remezclar tus canciónes. Parece como si fuera una ley entre nosotros. Humbug: Matt Helders, explicó en una entrevista que compró una cámara fotográfica a 1 dolar de unos estudiantes de arte que estaban en Joshua Tree vendiendo su material a muy bajo precio. "La portada es una foto que tomé con una cámara que compré por un dólar mientras estábamos grabando en Joshua Tree, en el desierto californiano. Había estudiantes de cine que vendian sus cosas a precios muy ridículos". Hay que remarcar que por primera vez, muestra a todos los miembros de la banda en la portada. Alex Turner, comentó que decidieron mostrarse en la tapa porque el nuevo disco lo sentían mucho más suyo que los anteriores. -Parece que tienen bastante respeto por sus antiguas canciones. ¿Cómo se sienten hoy en día tocando Teddy Picker o Dancing Shoes? Turner: Algunas se disfrutan más que otras. Y a veces es más difícil meterse dentro de algunas antiguas. Ya sabes, ya no te sientes como al principio. Cuando cuentas el mismo chiste 600 veces, no le encuentras la gracia, pero de repente, en la vez número 601 te das cuenta de algo que aún no habías notado. Varios temas han cambiado. De Mardy Bum, por ejemplo, hacemos una especie de nueva versión. Me gusta la canción, pero la manera en la que la tocábamos al principio tenía un estilo naíf, que quizá era lo que enganchaba en el disco, pero ya no podemos falsear eso. No podemos tocarla de esa manera, pero sí podemos trabajar sobre lo compuesto. Cuando cumplió 10 Años el álbum debut de The strokes "IS THIS IT", Al comento esto: "Recuerdo que hicimos varios covers de esa banda cuando comenzamos a tocar. Montones de personas los escuchaban, por lo cuál, muchas bandas sonaban como ellos . Y recuerdo conscientemente tratando de no sonar como The Strokes, aunque aveces teníamos ciertos ecos. Aún asi me encantó ese álbum". "Por mucho que probablemente odien escuchar esto, fueron la banda que me animó a rasgar las rodillas de mis vaqueros y a escribir sobre ellos. Alguna vez me escribí en tinta roja: 'I've got soul and I'm super bad'. -Abandonaron un performance en el "Saturday Night Live"... ¿Por que no les gusta tocar en la televisión? ALEX: Porque no es cómodo. No me banco que me digan que cara tengo que poner o que es lo que tengo que hacer. Por eso, a diferencia de otras bandas, nos gusta salir tocando en vivo. Odio el playback.

El grupo británico cerró una nueva edición del Personal Fest dejando las buenas sensaciones que transmitiera en anteriores presentaciones en Argentina. Un rato antes pasó por GEBA Jane’s Addiction. La idea que movilizó The 2nd Law, el último álbum de Muse es una ley física, la de la termodinámica que habla de cómo gradualmente la energía va perdiéndose. El grupo británico vaya si la derrocha arriba del escenario; cerraron la segunda jornada del Personal Fest en GEBA y en su tercera visita al país ratificaron su condición de grupo que goza y hace gozar arriba del escenario. El show –como prácticamente todos los que se dan en este tipo de festivales- no fue particularmente largo (poco más de 90 minutos de duración), pero sí fue muy intenso. Por supuesto, Matt Bellamy fue el eje del espectáculo. Es bueno y sabe que lo es, por eso no tiene empacho alguno en darse diferentes momentos dentro del mismo show para que admiremos sus diferentes facetas musicales. Si alguno se quiso quedar con sus cualidades vocales, el de Devon, Inglaterra, demostró que tiene una voz prodigiosa que le permite llegar a notas muy pero muy difíciles. Luego sus aptitudes como guitarrista son la sustancia de Muse y la que en más de una ocasión le hacen pensar a quien presencia el show que hay más de una persona con el instrumento. Incluso también deja traslucir su formación en música clásica y en más de una ocasión se sienta en el piano y el aire de una de las claras influencias del grupo (Queen) sobrevuela algún lugar del escenario. Pero más allá del talento, lo que se nota a las claras es el disfrute que tienen al subir al escenario. Ese es su hábitat, mucho más que los estudios. Lo demuestra el baterista Dominic Howard cuando dice algunas palabras antes de emprender la retirada, lo exhibe el rostro del bajista Chris Wolstenholme y es ratificado por el propio Bellamy cuando se presta a unas fotos (tomadas por los hombres de seguridad) con algunas de las personas que estuvieron todo el día en la primera fila, junto al vallado. Luego de “Unsustainable”, una suerte de introducción en la temática del álbum, Muse apostó por “Supremacy” como para levantar a la gente de arranque. Irían pasando otros temas como “Panic Station” (son caricaturas de diferentes líderes del mundo, como para no olvidar las posturas sociales de Bellamy y compañía), “Plug in Baby”, “Knights of Cydonia”, “Follow Me”, “Madness” o “Time is Running Out”. Para el cierre, la banda se dejó “Uprising”, “Starlight” y cuando el público pedía “Hysteria”, concluyeron con el tema que los puso en los oidos de todo el mundo: “Survival”. Sí, la canción oficial de los Juegos Olímpicos de Londres en el 2012 y que instantáneamente lleva al espectador a los recuerdos de aquellos días de julio del año pasado. Pero el otro gran show de la noche del domingo del Personal Fest (más temprano habían tocado Kashmir, Miranda!, Albert Hammond Jr, Airbag, entre otras) fue el que dio Jane’s Addiction. Si el virtuosismo y la prolijidad, dando lugar a un show híper compacto y contundente, fueron las características de Muse, los norteamericanos impactaron por su ya conocida potencia. Es el sello de Farrell y compañía, y también pueden demostrarlo afuera del escenario (ver nota relacionada). En algo más de una hora de espectáculo saciaron a su gente con una lista de temas que incluyó “Just Because”, “Ted”, “Stealing” o “Jane Says”. Todo esto de la mano del sexo que destilaban las bailarinas que suelen acompañar las presentaciones del grupo. Por si no hubiera sido suficiente con las dos esculturales morochas que estuvieron durante buena parte del espectáculo, en el final aparecieron otras dos chicas que fueron colgadas de arneses que estaban sujetados a su piel. Impresionante. Así como Navarro estaba concentrado con su guitarra, Farrell tuvo tiempo de interactuar y contar como en el 2001 le recomendaban no salir por Buenos Aires por la situación que atravesaba el país y dejó perlitas como cuando preguntó si la gente aún iba a bailar a Pachá. También dejó el compromiso de venir el año que viene con el Lollapalooza, festival que ya fue confirmado para el 2014 en Buenos Aires. La otra faceta del frontman de la voz rugosa también marcó presencia en el Personal Fest. Con dos caras bien disímiles, pero aunadas en los buenos shows brindados, se cerró la edición del 2013 del Personal Fest.

El ranking, elaborado por Rolling Stone, es encabezado por Kid A de Radiohead y Origin of symmetry de Muse. La revista Rolling Stone realizó un conteo con los mejores discos británicos de la primera década del siglo XXI. Muse, Coldplay, Paul Weller, Damon Albarn, destacan en el listado que es encabezado por Radiohead con su disco Kid A (2000). Según la publicación, el éxito arrollador de Ok computer, en 1997, fue una bomba explosiva para la carrera de Radiohead, tanto así que los integrantes de la banda, en especial Thom Yorke, sintieron de cerca el pánico de la fortuna. Desde ese momento los oriundos de Oxford decidieron dar el siguiente paso y tomando el sentimiento transmitido en su disco de 1997, quitaron las melodías, las guitarras y el amor para que la incomprensión y soledad propia de la banda hablara por sí sola. Muse: Origin of symmetry (2001) fue el primer gran golpe de una de las bandas más ambiciosas de la escena musical británica. Su segundo álbum dejó en manifiesto que el trío de Devon estaba convencido de arrasar con todo. Así, se pudo transmitir la angustia existencial presente en la voz de Thom Yorke, el estilo evocado desde Rage Against the Machine, e incluso una versión de Feeling good, popularizada por Nina Simone. Todos esos conceptos convergieron para dar vida al álbum Origin of symmetry, una declaración pública para conquistar el mundo. Coldplay: A rush of blood to the head (2002) Cuando la banda aceptó la difícil tarea de convertirse en los nuevos U2, pocos pensaban en el sobresaliente resultado que les esperaría. Luego de su criticado primer álbum, la presentación de Coldplay en Glastonbury 2002 en conjunto con Politik marcó un nuevo escenario para la banda. Un estilo musical con sonido más duro en un álbum que si bien seguía marcado por el piano, era más firme y seguro. The Libertines: Up the bracket (2002) La banda de Pete Doherty y Carl Bar"t restauró el sonido de los primeros Clash o The Jam. Con su música inyectaron fe, energía y orgullo como respuesta patria al sonido que llegaba desde EEUU. Sus llamados "conciertos guerrilla" que sucedían en bares o apartamentos– su obsesión por idealizar a Inglaterra, y sus contants guiños a personajes como Ray Davies como a Morrissey o a William Blake, serían recordados siempre pese a su breve trayectoria musical. The Streets: A grand don’t come for free (2004) Mike Skinner retrató en su segundo disco a la juventud británica de una manera sorprendente, creando escuelas más allá del género que representaba. El éxito lo logró simplemente gracias a sus producciones sensillas y de armonías directas. Amy Winehouse: Back to black (2006) El disco la catapultaría en la cúspide de la música a nivel mundial, vendiendo un millón de copias en un verano. Su lujosa producción, el disco devolvió a la década la vida el sonido negroide y pop de las bandas de chicas de la Motown. Sus melodías inescrupulosas y de mucho sentimiento confirmaban la personalidad de esta artista que fue única en su estilo. The Good, The Bad & The Queen: The good, the bad & the queen (2007) Su disco debut mostró un concepto sobre la decadencia social, política y moral del Londres del siglo XXI. Producido por Danger Mouse, su primer álbum homónimo se las ingenió para sonar moderno y a la vez retro. Una obra maestra que además conjugó lo político e intimista. Paul Weller: Wake up the nation (2010) El artista con los años ha demostrado tener la capacidad de resucitar sorpresivamente y eso fue lo que logró con su disco lanzado hace dos años atrás. En él, dio en el blanco al lograr transmitir nervio, agitación, inconformismo y vanguardia en melodías grandiosas. Fue su mejor disco en solitario, gracias a la libertad otorgada por Simon Dine, su productor. PJ Harvey: Let england shake (2011) La letra en las canciones de su disco más exitoso, que se remontaron a lejanas batallas y territorios míticos de la historia –sobre todo bélica– fue la mezcla perfecta de metáforas atemporales sobre el estado de la nación y los sentimientos hacia ella. Arctic Monkeys: Suck it and see (2011) Cada nuevo trabajo de la banda ha dado más motivos a sus seguidores y a entendidos de la música para desmentir la tradicional frase “el bueno era el primero”. En cada nuevo disco intentan llegar más allá, guiados de cerca por el superdotado Alex Turner. Suck it and see ha sido el álbum más maduro de la banda, así como también en mejor escrito y tocado en vivo.

Llegado el mes de junio pocas son las bandas que no han aprovechado ya la primavera para lanzar sus nuevos trabajos discográficos. Con el claro fin de tener material nuevo que presentar a los fans, y tratando, por tanto, de colarse entre todos los festivales musicales que arrancan y configuran sus programaciones durante esos meses, los grupos no suelen esperar a que el verano asome su rostro para poner a la venta sus última novedades. Con todo y eso no hay mes del año sin música que lo engalane, y lo cierto es que este junio contra todo pronóstico viene bien cargado con algunos de los discos más esperados del año. Trabajos oscuros la mayoría, muy acordes con los tiempos sociales, económicos, e incluso si me apuran, meteorológicos que estamos viviendo. QUEENS OF THE STONE AGE Tras muchos años formando parte Interscope Records, subsidiaria de la multinacional Universal, la banda liderada por Josh Homme ha dado un paso al frente en busca de nuevos retos y arrancan con este sexto disco su andadura en la mítica discográfica independiente Matador. En un trabajo que se ha hecho esperar (seis años han transcurrido desde su último disco Era Vulgaris), la cosa, sin embargo, parece que merecerá la pena. Rodeado de un halo de expectación que fue trayendo consigo que todo el mundo hablase del disco, en …Like Clockwork hay extravagantes colaboraciones como las de Elton John o Jake Shears (Scissor Sisters); viejos amigos unidos a la causa como Dave Grohl (Nirvana, Foo Fighters…), Nick Oliveri (Kyuss), Mark Lanegan, Trent Reznor (NIN), o Alex Turner (Arctic Monkeys); y una excelente campaña de marketing apoyada en cuidados videoclips de animación. Todo esto ha sido el caldo de cultivo en el que ha ido creciendo una obra en donde las Reinas de la Edad de Piedra, capitaneadas por su inapelable líder, han regresado con más fuerza que nunca. Grabado por el propio Josh Homme, el amo y señor del rock desértico, parece haber encontrado el filón para este nuevo álbum en los sonidos turbios, pesados y lúgubres que nos hacen volar hasta los bajos fondos cuando la noche cae. Así se plasma en el cortometraje realizado con fragmentos de sus vídeos de adelanto, y así parece descubrirse de las primeras escuchas que el streaming ha permitido realizar del Lp. Sin duda un nuevo trabajo colosal de la banda de rock con mayúsculas del siglo XXI, que se podrá encontrar en las tiendas a partir del próximo lunes 3 de junio, y que en España podrán disfrutar en directo quienes asistan al Festival Internacional de Benicasim. BEADY EYE Justo una semana después podremos empezar a juzgar el proyecto de los ex Oasis, Liam Gallagher, Gem Archer y Andy Bell. Tras un debut en 2011 salpicado de malas críticas en las que salían claramente derrotados en su particular liga contra Noel Gallagher, los de Manchester tienen en este Be la oportunidad de resarcirse y de demostrar que hay vida para ellos después de su banda madre. Y no parece haber empezado bien la cosa en los meses previos. El primer single, Flick on the Finger, pese a mostrar la mano del productor Dave Sitek (Tv On the Radio), no dejaba de ser una correcta canción más de pop-rock que auguraba un complicado camino hasta la fecha de lanzamiento del Lp. Más tarde llegó Second Bite of the Apple, confirmando el sonido orquestal tomado por la banda, y dejando claro que el éxito del disco desde luego no iba a depender de unos singles de adelanto que se antojaban poco notables. Pero sin duda lo peor estaba por venir. Viéndole las orejas al lobo, el polémico Liam se aventuraba a anunciar hace unas semanas a la revista británica Q la posibilidad de su retirada definitiva de la música si Beady Eye no terminaba de explotar con este segundo trabajo. Sin morderse la lengua el cantante hablaba de que llegado el caso se dedicaría a "llevar una vida tranquila sin preocuparse de lo que cuatro idiotas opinasen sobre su música". Si a esto unimos la polémica surgida a raíz de las acusaciones de plagio que han brotado en todas las redes debido al parecido de anterior, The Roller, con el Instant Karma de John Lennon, el escándalo vuelve a estar servido. Y es que amos y señores de generar expectativas a partir de elementos extra musicales, los Gallagher saben de sobra cómo hacer para estar permanentemente en el candelero. Veremos si en esta ocasión le sale bien la jugada al pequeño de los hermanos. BLACK SABBATH También ese mismo día tendremos el regreso de una de las bandas más míticas de las historia del rock, y con nada más y nada menos que su vocalista original, Ozzy Osbourne, de regreso tras 35 años fuera de Black Sabbath. Con la muerte en 2010 de su principal sustituto, Ronnie James Dio, aún en el horizonte, y con el cáncer de su guitarrista, Tommy Iommi, recientemente superado, la banda más grande de la historia del heavy metal regresan con su decimonoveno disco, al que han titulado 13. Junto a Iommi y Ozzy, está el también miembro fundador Geezer Butler al bajo, siendo el batería de Rage Against The Machine, Brad Wilk, el hombre que se encargará de marcar el tempo tras no llegar a un acuerdo con el batería original Bill Ward. En definitiva, un plantel lo más colosal posible para ver si poniéndose en las manos del mago en la producción, Rick Rubin, Black Sabbath consigue hacer honor al mito. Las dudas por parte de sus millares de fans son obvias, y es que tras tantos años pocos esperan que el disco esté a la altura de los ocho trabajos que grabó en su día Ozzy como vocalista, y sobre todo a la de aquellos sagrados cuatro primeros Lp, emblema hoy de lo que fue el sonido surgido en los 70. La mala salud de Iommi, alma mater durante todos estos años, y los sobradamente conocidos problemas de todo tipo que trae consigo Ozzy, agrandan aún más las dificultades para que el legado no sea pisoteado con este 13. Osbourne es desde hace mucho una caricatura de sí mismo, y solo el que quizás sea la última oportunidad para limpiar su imagen, aparece como esperanza para un buen resultado final. Esto, unido a que Rick Rubin ya ha salvado a más de uno y de dos artistas al borde del abismo del olvido, son los clavos ardiendo a los que se agarran los más fieles que aún creen el milagro de la resurrección de Black Sabbath. Tras algunas fechas por Australia y Japón durante la primavera, la gira que les llevará por todo el mundo se reanuda en julio y concluye en diciembre en su ciudad natal, Birmingham. Se antoja imprescindible esperar al resultado de lo que alberga 13 en su interior para poder discernir el tamaño y la calidad de este regreso; y en opinión de un servidor solo si lo grabado en el estudio está al nivel esperado, tendrá sentido tal despliegue mundial. Ver arrastrarse a los que fueron mitos tampoco tendría mucho sentido, por lo que esperaremos para tirarnos de los pelos ante el hecho de que de momento no pasen por España en su gira internacional. Aunque de momento Ozzy, en declaraciones al portal Yahoo, ya se ha encargado de catalogar el disco como "una obra maestra", no hay que descartar que nuestros promotores nacionales nos estén haciendo un favor. SIGUR RÓS El grupo islandés más representativo del momento (me atrevería a decir que incluso a Bjork han superado en los últimos años) regresa solo un año después de la publicación del disperso Valtari. Si con aquel sexto trabajo dieron síntoma de agotamiento, y no pareció sentarles muy bien el giro dado respecto al mucho más animado y vital Með suð…, ahora vuelven con su trabajo más potente, guitarrero, y rompedor desde hacía muchos años. Para una banda experimental como esta, que siempre ha buscado no estancarse en la siempre exigua etiqueta del post-rock, sin duda se antojaba definitivo dar un paso al frente tras un disco tan irregular como Valtari. Y lo cierto es que viendo los adelantos de lo que será su séptimo álbum, Kveikur, los fans pueden estar tranquilos pues parece que Sigur lo han vuelto a lograr. Un cambio de sonido evidente que se torna oscuro y agresivo por momentos es lo que pudimos observar en esa primera toma de contacto que fue Brenninsteinn, y pese a que Ísjaki bajaba el tono, sin duda les emparenta más con los Sigur Rós que se alejan de la somnolencia. Sin dejar de lado esa melancolía intrínseca a su sonido, es la energía la cualidad principal de estos primeros temas, y salvo que mucho se tuerza el asunto, las nueve canciones que los islandeses nos ofrecerán a mediados de junio volverán a estar entre lo mejor del 2013.

Muse promete "extraterrestres, pirámides y kung fu" en su nueva gira. El grupo británico Muse contará en la gira de su último disco, "The 2nd Law" con un escenario en el que, alrededor de una pirámide, bailarán "extraterrestres" y se hará "kung fu", según anunció en la BBC el batería de la banda, Dominic Howard. En declaraciones al programa "Newsbeat", de la radio pública británica, Howard desveló algunos de los detalles del espectáculo que el trío de Devon presentará por Europa y Japón durante algo más de dos meses. Howard, que calificó el montaje del concierto como una "locura", explicó que trabajan en una "pirámide invertida" recubierta de pantallas en las que podrán verse vídeos durante la actuación y que se moverán y cambiarán de forma al ritmo de sus golpes de batería. Preguntado sobre algún incentivo de cara a esta gira, el batería reconoció que "tocar en el estadio de Wembley nunca aburre". Muse comienza el tour de su sexto álbum de estudio, "The 2nd Law", el próximo 16 de octubre en Montepellier (Francia), y ofrecerán un sólo concierto en España, en el Palacio de los Deportes de Madrid, el 20 de octubre, uno de los pocos recintos que aún no han agotado localidades. Treinta conciertos más tarde, en el Saitama Super Arena de Japón, Bellamy sus miembros echarán el cierre a esta primera gira de su último trabajo, que llega después de tres años de silencio tras "Resistance", en 2009. "The 2nd Law", toda una vuelta a los orígenes de Muse, trae nuevas canciones que recuerdan al rock más suave de la banda y entre las que destacan "Madness" o "Survival", tema que fue elegido como canción oficial de los Juegos Olímpicos de Londres.

Niegan que se vayan a retirar a de los escenarios por varios años. El vocalista de la banda Coldplay, Chris Martin, negó que el grupo se vaya a alejar de los escenarios por varios años, como la prensa deslizó en los últimos días. "Esta idea sobre el parón de tres años se produjo porque dije en Australia que no podríamos volver allí al menos hasta dentro de tres años. Así es como funciona una gira mundial, pero no quiere decir que nos vayamos a tomar un descanso de tres años", señaló. Martin comentó que la banda se encuentra escribiendo canciones para un nuevo álbum del cual aún no dirán ni el nombre. EN EL CINE Coldplay se encuentra promocionando en cines su gira Mylo Xyloto, en la que reúne escenas de las actuaciones de la banda en París, Montreal y el Festival de Glastonbury.

EE.UU. alerta a su población ante la llegada de "la tormenta solar del siglo". La NASA avisó que, en 2013, el Sol llegará a una etapa de su ciclo natural y habría llamaradas y tormentas solares. El Congreso de Estados Unidos pidió a sus compatriotas que se preparen ante la llegada de lo que se bautizó como "la tormenta solar del siglo". La NASA alertó que, en 2013, el Sol llegará a una etapa de su ciclo natural durante la cual los grandes eventos, como llamaradas y tormentas solares son más probables. Por este motivo, se solicitó que se desarrollen planes de emergencias de cara a estar preparados. Según detalla el diario español ABC , en una resolución parlamentaria, actualmente en trámite, EE.UU. solicitó a las comunidades locales que se doten de los recursos necesarios para abastecer a la población de un mínimo de energía, alimento y agua. ESPAÑA, también se prepara Desde Madrid, el Observatorio del Clima Espacial recordó que se busca potenciar unas buenas prácticas preventivas entre el público, así como definir la amenaza. De este modo, los ciudadanos "pueden estar preparados", afirmaron. Se solicitó a las comunidades locales que se doten de los recursos necesarios para abastecer a la población de un mínimo de energía, alimento y agua En este sentido, el Parlamento español tramita hace meses una resolución también para prevenir las consecuencias de una tormenta solar extrema. Además, en Alemania, Francia, Reino Unido y otros países europeos se están tomando "importantes medidas en la misma línea preventiva", aseguran desde el Observatorio del Clima Espacial español. Durante el pasado mes de marzo, el Sol lanzó 13 llamaradas que afectaron transmisiones radiales en Australia, China e India. link: http://www.youtube.com/watch?v=l2RMnmjQynM&feature=player_embedded

El grupo de Glasgow ofreció su último concierto en el estadio de La Romareda Hace 20 años, en una noche lluviosa, se despedía de los escenarios una mítica banda de rock and roll. Dire Straits decía adiós en el estadio de La Romareda, en un concierto con motivo de las Fiestas del Pilar. Fue un emotivo 9 de octubre de 1992. El grupo, capitaneado por Mark Knopfler, hizo las delicias de 40.000 gargantas que vibraron con una emotiva actuación. La visita estuvo envuelta en magia desde el primer momento que los Dire Straits pisaron suelo maño. Lejos de hacerlo con tiempo, aterrizaron en el aeropuerto de Zaragoza a las 21.00 horas, siendo que su concierto comenzaba a las 22.00 horas. Con el tiempo justo, el secretismo en el aeropuerto fue hermético ya que no se permitió a ningún periodista acercarse hasta el avión del grupo de Glasgow. Sin tiempo que perder fueron escoltados hasta el estadio de La Romareda. El objetivo era llegar al escenario situado en Gol Sur. Más de dos horas El éxtasis llegó con la primera canción de la noche. En el mismo momento en que empezó a sonar Calling Elvis, las 40.000 gargantas que no se quisieron perder esta última actuación alentaron a los Dire Straits con el corazón. Más de dos horas de concierto que se repartieron en 16 canciones. En cada una de ellas, el grupo de Glasgow lo dejó todo sobre el gran escenario en el que actuaron. Un escenario enorme pero sobrio. Los protagonistas aquella noche eran los músicos. El concierto desgranó las canciones de su disco On every street, aunque tamnbién tuvo tiempo para deleitar al personal con clásicos como Walk of live, Heavy fuel o la archiconocida Sultan of swing. Un broche final a su carrera que dejó recuerdos inolvidables a los asistentes que abarrotaron tanto las gradas como el césped, cubierto con una lona. Nadie se quiso perder la actuación. Tampoco los personajes públicos del momento en aquel octubre de 1992. Por ello, no faltaron al concierto la concejal de Cultura del momento, Carmen Solano, el edil de urbanismo, García Nieto, o el delegado de Gobierno en Aragón, Carlos Pérez Anadón. A esas 40.000 almas lo que más les llamó la atención fue Mark Knopfler. Con su inconfundible cinta en el pelo cautivó a todos sus seguidores en aquella desapacible noche. Testigos de una despedida Aquella gira de Dire Straits había comenzado el 23 de agosto de 1991 en Dublín (Alemania). Recorrió multitud de lugares y rincones. El destino quiso que Zaragoza fuera el último de ellos. Después de 15 años, 208 conciertos y de haber recorrido 30 países, Dire Straits decidió poner punto y final a sus actuaciones en directo en la capital del Ebro. Zaragoza vio como Mark Knopfler y los suyos se despedían del mundo musical desde sus dominios. Sus seguidores, desde los que vestían cazadora de cuero hasta los yuppies de americana y corbata, entonaron un triste adiós en este final.

link: http://www.youtube.com/watch?v=VXPoJAyeF8k

Hay muy pocos liristas que tienen la capacidad de aludir a situaciones cotidianas mediante frases originales, como buscando que esas situaciones renazcan con otra mirada. Alex Turner es uno de ellos. El frontman de Arctic Monkeys de algún modo hereda esa sabiduría de Cocker pero, con menos alusiones a Sheffield, menos ironía, e igual cantidad de analogías por minuto, pone en papel toda esa ebullición que parece intraducible. Acá, un Top Five de canciones de amor que dan cuenta de ese talento: Arctic Monkeys – Cornerstone Del disco Humbug (2009) El sentimiento es conocido: la búsqueda de una persona perdida en personas nuevas, la imperante necesidad de un reemplazo. Sin embargo, lo que hace Turner es restringir esa búsqueda a una serie de bares (The Parrot’s Peak, The Rusty Hook, The Cornerstone). Así es como esta gran canción de Humbug se convierte en la odisea nocturna de un hombre que tiene miedo de olvidar el rostro de esa mujer (“Tell me where’s hiding face, I’m worried I’ll get forget yoour face”), pero que sin embargo la quiere seguir amando de otras formas, con otros besos y rogándole a las demás que dejen llamarse por el nombre de esa chica a la que no encuentra en ninguno de esos lugares. ¿El remate? El muchacho errante se topa en The Cornerstone con la hermana de su ex, la única que le dice las palabras mágicas: “Yes, you can call me anything you want”. link: https://www.youtube.com/watch?v=LIQz6zZi7R0 Arctic Monkeys - Despair in the Departure Lounge Del EP Who the Fuck Are Arctic Monkeys? (2006) Solo tres palabras para resumir esta canción: “Architecture Won’t Do”. Turner, en un hermoso gesto de autorreferencialiadad y, por qué no, de autoindulgencia, se dirige en tercera persona a una de sus novias para hacerle saber que las giras, los viajes, la agitada vida de un músico en ascenso importa poco y nada cuando ella no está ahí, esperándolo en uno de los tantos aeropuertos. Las “cosas lindas” que uno puede ver, los edificios, por más interesantes o abrumadores que resulten a la vista, para él no son disfrutables porque “nunca van a decir las cosas graciosas que ella dice”. En definitiva, todo resulta irrelevante cuando “no hay señal ni batería” en el celular para apaciguar el dolor de la distancia. Y que nadie venga a intentar levantarnos el ánimo porque Turner responde “Don’t say ‘Oh’, because you’ve got no idea”. A fin de cuentas, extrañar a alguien, donde sea que uno esté, es una sensación que no puede compartirse pero que, en palabras del músico, sí puede ser descrita. link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=ZLS8ffCYN80 Alex Turner - Piledriver Waltz Del EP Submarine (2011) Los sentimientos universales pueden ser traducidos en lenguajes personales. Como ejemplo de esto, nos encontramos con esta canción – de la cual hay dos versiones, una para Suck it and See y otra para el soundtrack de Submarine-, con un vals sobre el desamor que encierra algunas de las mejores analogías jamás escritas por Turner. Una relación se termina, ambos quedan mal, pero es él quien reconoce la situación (“You look like you’ve been for breakfast at the heartbreak hotel” /“Your waitress was miserable and so was you food”) y es él quien no tiene miedo de pensarse en desventaja (“I heard the news that you’re trying to shoot me out of a cannon”). Sin embargo, lo mejor de este valcesito para los corazones rotos es el paralelismo entre la indiferencia de la chica con las correcciones de los maestros en la escuela (“Green when you answer, but the red on the rest of the questionnaire never changes”). Brillante link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=W-Bysb3ceR0 Arctic Monkeys - Love is a Laserquest Del disco Suck it and see (2011) Para Turner, muchas situaciones son esencialmente lúdicas. Así como el camino a la fama de un cuarteto de jóvenes se asemejaba a la modalidad de un “Teddy Picker”, en este caso habla de una mujer para quien el amor no es más que es eso: un juego. Quizás sea una de las canciones más directas, sin eufemismos de Turner, pero en ella se vuelve a poner en evidencia su capacidad para sintetizar en pocas palabras (esas que pintan imágenes, como el de un hombre “con pipa, en pantuflas, y en una mecedora”), el amor no correspondido. Si queremos saber cómo se siente estar en el lugar del que adolece (mientras el otro olvida rápido) solo tenemos que escuchar dos frases (“Do you still think love is a laserquest or do you take it more seriously?” / “Do you like into the mirror to remind yourself you’re there or somebody’s goodnight kisses got that covered?”). ¿Lo mejor? Ese regreso a la esencia de “Cornerstone”, a la inevitable configuración de una fantasía: “You’re always busy being make-believe”. link: http://www.youtube.com/watch?v=O7LtqEEQv34 Arctic Monkeys – 505 Del disco Favourite Worst Nightmare (2007) …y hablando de fantasías… ¿la canción más erótica de Arctic Monkeys? Probablemente. La voz de Turner comienza con una declaración (“I’m going back to 505”, se retoma lo de la vida en los hoteles de “Despair in the Departure Lounge”), nuevamente con la noche de su lado, y nuevamente con una fantasía omnipresente (“In my imagination you’re waiting lying on your side”). Pero toda la canción funciona a modo de orgasmo, con un inicio lento que va construyendo el clímax y con un final donde ese grito (“I crumble completely when you cry!”) es menos romántico y más desgarrado, más erótico, más de un masoquista que sigue adorando a esa mujer, aunque las manos de ella todavía puedan tomarlo del cuello. “505” es, más que una canción, una aventura que dice “acá estoy a tus pies, esperando a que me tomes”. Es, ni más ni menos, que sexo puro. link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=Bew-URJRikc