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Los 10 mejores juegos de "The legend of Zelda " Escrito por: Victor Gueller Dentro de las vastísimas franquicias de Nintendo , la historia interminable de la princesa Zelda y el guerrero Link es indudablemente la más atractiva. La gran mayoría de los exponentes de la serie son considerados obras maestras en su género, logrando que la expectativa ante cada nuevo lanzamiento sea aún mayor. La inminente llegada de la remake tridimensional de Majora’s Mask es la excusa perfecta para recordar diez de los títulos más destacados de la saga. 10. Oracle of Seasons / Oracle of Ages Estas dos aventuras –desarrolladas por el estudio Flagship, fundado por Capcom, Nintendo y Sega- fueron lanzadas simultáneamente en el 2001 para la inoxidable Game Boy Color. Los títulos podían interactuar entre sí, necesitando completar ambos para poder conocer la historia en su totalidad. El argumento de Seasons nos transporta a la tierra de Holodrum, donde tendremos que rescatar al Oráculo de las Estaciones; Ages, por su parte, nos propone conocer Labrynna, y buscar al Oráculo de las Edades. Al terminar uno de los juegos, accedíamos a un código que nos permitía contar con ítems adicionales en el otro, así como también con un contenedor extra de energía. Una mecánica interesante que fue muy bien recibida tanto por la crítica como por los jugadores. 9. A Link between Worlds Más de 20 años transcurrieron desde el lejano momento en que me perdí para siempre en A Link to the Past. 20 años en los que disfruté cientos de juegos que me abrieron las puertas a nuevos géneros y nuevas aventuras. Pero el primer amor nunca se olvida, y esta secuela de aquella historia sólo sirvió para magnificar aún más el cariño con el que recuerdo al título que -en lo que a mí respecta- selló para siempre mi comunión con esta saga. A Link between Worlds, sin alcanzar la épica de su antecesor, mantiene intacto su encanto y su carisma. Es cierto que este título resulta considerablemente menos desafiante, pero eso no implica de ningún modo que cada hora que pasemos junto a él deje de ser inolvidable. 8. The Legend of Zelda Corría el año 1986 cuando los diseñadores Shigeru Miyamoto y Takashi Tekuza lanzaron al mercado la mítica primera entrega de The Legend of Zelda para la consola de 8 bits de Nintendo . Allí pudimos conocer no sólo al joven Link y a la Princesa Zelda sino que también se nos presentó por primera vez la tierra de Hyrule, el poder de la Trifuerza y el malvado Ganon. Miyamoto afirmó haberse inspirado en sus aventuras infantiles para la creación de este Universo, recordando sus juegos en el campo y el modo en que solía perderse en bosques y cuevas. El nombre Zelda proviene de la esposa del escritor F. Scott Fitzgerald, el cual le resultó fonéticamente agradable a quien años más tarde sería reconocido como el desarrollador más importante en la historia de los videojuegos. El mismo Miyamoto desconfiaba del éxito que podría alcanzar este título, descreyendo de la popularidad de los mundos de fantasía. El tiempo, afortunadamente, le demostró su error. 7. Skyward Sword Durante el ocaso de la exitosa y polémica Wii, Nintendo lanzó al mercado la única aventura de Zelda exclusiva para esta consola (recordemos que Twilight Princess era originariamente un título de GameCube). La historia nos situaba antes de lo sucedido en Ocarina of Time y presentó muchos de los entornos más hermosos jamás vistos en la serie. El Wii Motion Plus posibilitó que empuñemos la espada de manera verdaderamente intuitiva, siendo uno de los pocos casos en los que el control por movimientos fue más que una simple excusa. Junto con Mario Galaxy y su secuela, Skyward Sword es uno de los títulos indispensables de la pequeña consola blanca de Nintendo . 6. The Wind Waker Tristemente, GameCube jamás llegó a consolidarse con fuerza en el mercado, debido fundamentalmente a la arrolladora presencia de PlayStation 2. Sin embargo, el cubo de Nintendo supo ofrecernos un puñado de títulos memorables, entre los que sin ninguna duda se destaca el presente Wind Waker. Manteniendo varias de las innovaciones de los juegos de Nintendo 64, esta aventura presentó una estética absolutamente novedosa y nuevas posibilidades que nos permitían navegar por aire y por mar. Hace un tiempo fue lanzada una remake en Alta Definición para la alicaída Wii U, la cual expande aún más toda la belleza de este título. 5. Link´s Awakening Este juego, lanzado en el año 1993 para Game Boy, supuso el debut de la franquicia en una consola portátil y, contrariamente a lo que podría creerse, todo el esplendor de la serie logró adaptarse de manera soberbia a las capacidades del sistema. En este título, la acción no toma lugar en Hyrule, y ni la Princesa Zelda ni la Trifuerza tienen participación alguna. La trama de esta aventura nos muestra a Link despertando en una isla luego de un naufragio, siendo su deber recolectar los ocho instrumentos musicales que le permitirán invocar a la única criatura capaz de regresarlo a su tierra. Cinco años más tarde del lanzamiento original, Nintendo presentó una nueva versión del juego llamada Link´s Awakening DX, la cual era compatible con Game Boy Color y presentaba una nueva mazmorra que explotaba las características de la renovada portátil. 4. Twilight Princess Twilight Princess cumplió con el doble objetivo de comenzar a despedir la era de GameCube y darle la bienvenida a la revolucionaria Nintendo Wii. Como es costumbre en la serie, el título fue recibido cálidamente, llegando incluso a ser considerado por muchos como el mejor Zelda de todos los tiempos. Cronológicamente, la aventura toma lugar varios siglos después de lo acontecido en Ocarina of Time y Majora´s Mask, siendo esta vez la misión de Link evitar que la dimensión conocida como Reino Crepuscular acabe con el apacible Hyrule; para conseguirlo, el protagonista contaba con la novedosa habilidad de transformarse en lobo. Twilight Princess ayudó a cimentar el éxito de Wii, aunque poco tiempo más tarde se vio rodeado casi exclusivamente por repetitivos títulos de minijuegos con absurdas implementaciones del control por movimientos. 3. Majora´s Mask Después de la revolución que supuso Ocarina of Time, Nintendo fue un paso más allá con Majora´s Mask, indudablemente el título más oscuro de la serie. Dueño de una atmósfera realmente opresiva y una trama un tanto singular, Link debía salvar al mundo en sólo tres días, intentando evitar que la Luna caiga intempestivamente sobre la tierra de Termina. Para lograrlo, nuestro héroe podía viajar en el tiempo y contaba con la ayuda de diversas máscaras que lo dotaban de diferentes habilidades. Majora´s Mask es una aventura verdaderamente inolvidable, cuyo inminente regreso permitirá que una nueva generación de jugadores la descubra por primera vez. 2. Ocarina of Time Muchos consideran a esta aventura de Nintendo 64 el mejor juego de Zelda jamás lanzado y uno de los mejores en toda la historia de los videojuegos. Argumentos no les faltan, pues este título redefinió los límites de su género, tal como Mario lo había hecho poco tiempo atrás con las plataformas. Ocarina of Time supuso la llegada de las tres dimensiones al reino de Hyrule, y el resultado no podría haber sido mejor. Vimos confluir armoniosamente entornos bellísimos, una historia cautivante, un sistema de combate maravilloso y la constante música de la Ocarina, que nos transporta dentro de un mundo que ha marcado a fuego a una generación de jugadores. Las palabras sobran cuando se está frente a una verdadera obra maestra, por lo que la única recomendación posible para quienes nunca se hayan acercado a este juego es que lo hagan. No volverán a ser los mismos. 1. A Link to the Past Anticipándome a los reproches que seguramente recibiré por este primer lugar, me veo en la obligación de hacer una aclaración necesaria. Objetivamente, no creo que A Link to the Past sea un mejor juego que Ocarina of Time. Sin embargo, esta tercera aventura de Link cambió para siempre mi concepción acerca de los videojuegos, cuando un joven Dylan recorría el mundo de Hyrule con una expresión de fascinación constante en su rostro. A Link to the Past resume a la perfección todos los elementos que son necesarios para narrar una historia, al tiempo que nos presenta una jugabilidad perfecta y un desafío épico. Al día de hoy, la inmortal música del juego me acompaña en mis caminatas matutinas, retrotrayéndome a una época que tal vez no haya sido mejor, pero sí fue hermosa, y muchísimo más sencilla. Como dije al comienzo, no se si A Link to the Past sea el mejor juego de Zelda ; pero sí se que es el Fichín de mi Vida. Y por eso este primer puesto. Aclaración: En este post, todos pueden comentar, sin embargo, aquellos comentarios agresivos, desvirtuantes o creados con el simple objetivo de molestar, serán eliminados. Ninguno de ustedes tiene obligación de gustarles el contenido del mismo y, de ser así, son libres de seguir navegando por otros posts sin dejar rastros. Tengo en claro que el post es un copy&paste y, por tal motivo, incluyo la fuente, la cual, les recomiendo visitar para brindar apoyo al autor. No es necesario que me lo recuerden y no tengo intención de robarme el crédito de nadie sobre dicho artículo, pero darle un formato de lectura agradable para publicar en Taringa, también representa un trabajo, el cual, estaría bueno que sepan considerar. Saludos y espero que disfruten el post.

7 videojuegos exclusivos para Japón que deseamos jugar Hay muchos videojuegos buenos que las compañías no deciden traducir o producir para el resto del mundo, quedándose como exclusivos para Japón, y aunque muchos de ellos los jugaríamos incluso en japonés sin entender lo que sucede, hay otros que tienen rumores de que serán traídos al Oeste en algún momento... incuso en HD. Estos son 7 videojuegos exclusivos de Japón que nos gustaría ver en occidente. 7. Osu! Tatakae! Ouendan (Nintendo DS) Este peculiar juego de ritmo trata de porristas masculinos que ayudan a personas por medio de su baile y música japonesa. Sí, es un juego algo extraño para el oeste del mundo, siendo tal vez esa la razón de su lanzamiento exclusivo en Japón. 6. Railfan (PlayStation 3) Más que un juego es un simulador de tren de Japón. No hay mucho qué hacer más que subirse al tren y conducirlo, lo cual puede resultar relajante para algunas personas, pero estoy seguro que la mayoría lo encontrará bastante aburrido. Aún así sería algo bueno para jugar, simplemente para conocer los trenes y metros de Japón... de algo me servirá algún día. 5. Wangan Midnight (PlayStation 3) Basado en el manga japonés del mismo nombre, el juego es un clásico juego de carreras con un cierto toque de RPG de cartas, al personalizar tu auto con estas cartas que consigues a lo largo del juego. Juegos de carreras hay muchos, pero sería una buena idea que trajeran esta serie a América y Europa y poder jugarlo sin voces japonesas gritando mientras manejas. 4. Mother y Mother 3 (Nintendo Famicom y Gameboy Advance) Los ahora populares personajes Ness y Lucas tienen sus juegos exclusivamente para Japón. Y aunque gracias a los emuladores los juegos ya han sido vistos en todo el mundo, estos juegos sólo salieron oficialmente en Japón, haciendo que muchos nos preguntáramos "¿quién es ese?" al ver a Ness por primera vez en Super Smash Bros. de Nintendo 64. 3. Jump Ultimate Stars (Nintendo DS) Este juego junta muchos personajes de mangas famosos, algo así como al estilo de Super Smash Bros. en 2D. Mangas como Bleach, Naruto, One Piece, Rurouni Kenshin, Death Note y muchos más juntan hasta 300 personajes dentro del juego, de los cuales se pueden usar 56. 2. Metal Wolf Chaos (Xbox) Este juego trata del presidente ficticio de los Estados Unidos usando un traje robótico llamado Metal Wolf que usa para defender a su país. Y aunque las voces del juego están en inglés, nunca fue lanzado más que en Japón, tal vez porque a los estadounidenses no les agrada que su propio presidente sea rudo. 1. Puyo Puyo Sun 64 (Nintendo 64) Puyo Puyo es un juego clásico de puzzle en el que se acomodan lo que parecen bolitas de gelatina del mismo color, apareciendo personajes del juego Madou Monogatari, una serie de RPGs también exclusivos de Japón. A pesar de que algunos de estos juegos resultan poco llamativos, es algo que sería bueno jugar para ver qué clase de videojuegos se quedan en Japón y nunca ve el resto del mundo, tal vez así comprendamos por qué no salieron de ahí. Aclaración: En este post, todos pueden comentar, sin embargo, aquellos comentarios agresivos, desvirtuantes o creados con el simple objetivo de molestar, serán eliminados. Ninguno de ustedes tiene obligación de gustarles el contenido del mismo y, de ser así, son libres de seguir navegando por otros posts sin dejar rastros. Tengo en claro que el post es un copy&paste y, por tal motivo, incluyo la fuente, la cual, les recomiendo visitar para brindar apoyo al autor. No es necesario que me lo recuerden y no tengo intención de robarme el crédito de nadie sobre dicho artículo, pero darle un formato de lectura agradable para publicar en Taringa, también representa un trabajo, el cual, estaría bueno que sepan considerar. Saludos y espero que disfruten el post.

Cinco razones por las que cambiar al revolucionario Firefox Quantum de Mozilla El 9 de noviembre de 2004 aparecía en escena Firefox 1.0, un navegador web que planteaba por fin la esperada alternativa al entonces omnipresente Internet Explorer. Trece años después tenemos con nosotros Firefox Quantum (Firefox 57), un desarrollo que ahora se enfrenta a un enemigo igualmente poderoso llamado Google Chrome. ¿Cómo quiere ganar Firefox Quantum la batalla de los navegadores? Pues con un nuevo diseño y una nueva arquitectura interna que lo hace más rápido y más ligero en recursos que nunca. Llevamos dos meses trabajando con Firefox 57, y las conclusiones coinciden con nuestras primeras impresiones: deberíais probarlo, porque este Firefox va a dar mucha guerra. Mucha historia detrás Cuando Mozilla lanzó la primera versión de Firefox lo hizo sabiendo que aquello tenía futuro. Llevaban cerca de dos años trabajando en Phoenix, cuya versión 0.1, aún disponible para descarga, sigue funcionando (con limitaciones, como el soporte de tráfico HTTPS) en Windows y Linux. Cuando los responsables de Mozilla eligieron aquel nombre lo hicieron con mucha intención: quisieron dejar claro que este desarrollo era como el ave fénix que resurgía de las cenizas del legendario Netscape. Eso sí, tuvieron que cambiar la denominación ante los posibles litigios con el fabricante de BIOS del mismo nombre. Netscape no pudo ganarle la batalla a Internet Explorer, pero Phoenix y sobre todo Firefox llegaron en el momento justo. Internet Explorer comenzaba a mostrar signos peligrosos: apenas evolucionaba en la adopción de nuevos estándares web, se estaba volviendo pesado y anticuado, y sus agujeros de seguridad iban apareciendo con cada vez mayor frecuencia (e importancia). Aquel lanzamiento inicial en noviembre de 2004 fue todo un acontecimiento que incluso tuvo protagonismo en The New York Times, donde Mozilla contrató una campaña con un anuncio a doble página que fue algo inaudito para la época. El proyecto Open Source mostraba sus cartas y dejaba claro que ofrecía una alternativa muy interesante a Internet Explorer. Siguiendo a Chrome a distancia A partir de ese momento el avance fue imparable. Las versiones se iban sucediendo pero de forma mucho más pausada que en los últimos tiempos: Firefox 1.5, Firefox 2 y Firefox 3 aparecieron en noviembre de 2005, octubre de 2006 y nada menos que junio de 2008. Los cambios se fueron sucediendo y los motores de renderizado (Gecko) y JavaScript (SpiderMoney, TraceMonkey), y en marzo de 2011 veíamos la última versión de Firefox 4, una que ya convivía con el cada vez más popular Google Chrome que había aparecido en 2008. Ahí empezaron a cambiar las cosas. De hecho Google había logrado ganar a Mozilla con su propia estrategia: un navegador que nacía con la velocidad y la ligereza como principales argumentos, y que además conquistaba a los usuarios por su interfaz, simple y efectiva. La concepción de su arquitectura, con el paralelismo y el aislamiento e independencia de cada pestaña (que era considerada como un proceso separado), le dio a Google una ventaja competitiva con la que Firefox tardó en poder competir. Eso hizo que en Mozilla decidieran asumir ese ritmo frenético de actualizaciones que Google había puesto de moda. De una gran versión al año (al menos, en lo que se refiere a la numeración) pasamos a tener muchas más gracias al ciclo "Rapid Release" que adoptó Mozilla, que quería demostrar que no estaba cruzándose de brazos. Las versiones se sucedía, pero en Firefox no lograban detener el goteo de usuarios que se pasaban a Chrome, que iba aumentando su ventaja sin parar. Esa ventaja es precisamente la que en Mozilla buscan reducir con Firefox Quantum, el nombre en clave de Firefox 57. Este navegador llega con una concepción renovada tanto en su interior como en su exterior, y la idea es clara: darle la vuelta a la tortilla y volver a crecer en cuota de mercado. ¿Por qué deberías probar Firefox Quantum? En nuestras primeras impresiones de Firefox 57 (Firefox Quantum) ya hablamos en profundidad de los cambios que nos encontraríamos con la versión final de este desarrollo, que es nuevo tanto por fuera como por dentro. Es precisamente en este periodo de dos meses desde aquellas pruebas iniciales cuando hemos podido comprobar que efectivamente Firefox Quantum está preparado para plantarle cara a Google Chrome. Deberías probarlo, y estas son las razones: 1. Trabaja en paralelo: el nuevo motor de renderizado, llamado Servo, aprovecha todos los núcleos de proceso de tu CPU, así que trabaja en paralelo y hace que sobre todo si trabajas con varias pestañas esa nueva filosofía permita que todo vaya más rápido y más suave. 2. Cada pestaña, un proceso (más o menos): el proyecto Electrolysis es otro de los componentes clave del nuevo Firefox Quantum, que adopta un modelo similar (pero no idéntico) al de Chrome y considera cada pestaña como un proceso separado, pero dividiendo toda la gestión en cuatro grandes procesos que como indican los responsables de Mozilla permite gestionar multitud de pestañas de forma óptima, algo que, atención, es incluso más importante en dispositivos móviles, donde Firefox Quantum también está disponible, por supuesto. Como explica Lin Clark, una de las desarrolladoras de esta nueva versión, hay aún más elementos implicados en esa nueva gestión de los procesos. 3. Nuevo look: también hay cambios en el aspecto visual del navegador, que tiene menús más simples y mejor organizados y que además permite optar por usar la barra de direcciones como barra de búsqueda si así lo deseamos. La personalización, eso sí, por bandera, porque en Firefox el menú "Personalizar" nos permite cambiar todo tipo de parámetros visuales y reorganizar elementos y botones de esas barras y menús de la interfaz del navegador. 4. Extensiones: otro de los cambios cruciales en la nueva versión es hacia las llamadas WebExtensions, un nuevo tipo de extensiones o complementos que hacen que Firefox pueda gestionarlas aprovechando esa nueva arquitectura. Aquí, eso sí, debemos ser pacientes, porque puede que algunas de las extensiones que utilizábamos en versiones antiguas de Firefox aún no estén preparadas para hacerlo en Firefox Quantum. 5. Privacidad, velocidad y consumo de datos: como explican los repsonsables de Mozilla, la tecnología Tracking Protection de Firefox bloquea las peticiones de los dominios que monitorizan nuestra actividad en la web, y según sus estudios el navegador reduce en un 67,5% las cookies HTTP durante las visitas a los sitios web. Eso tiene otro beneficio asociado: todo va más rápido (un 44% más) porque se cargan menos cosas, y además consumimos menos datos (un 39% menos) gracias a ese bloqueo de scripts y cookies. Firefox Quantum ya está disponible en el sitio web oficial de Firefox. Aclaración: En este post, todos pueden comentar, sin embargo, aquellos comentarios agresivos, desvirtuantes o creados con el simple objetivo de molestar, serán eliminados. Ninguno de ustedes tiene obligación de gustarles el contenido del mismo y, de ser así, son libres de seguir navegando por otros posts sin dejar rastros. 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5 animes polémicos que fueron censurados o prohibidos Anime y controversia van de la mano como uña y carne. Ya sea por exceso en violencia, por secuencias en particular o por la misma naturaleza de la temática, muchos animes y mangas han sufrido de la censura y hasta la prohibición. Y esto ha sucedido tanto fuera como dentro del mismo Japón. Sigue leyendo para conocer 5 animes que generaron controversia y requirieron de cierta censura, o directamente fueron prohibidos. 5. Elfen Lied Incesto, sangre, abuso infantil, más sangre, un cachorro despedazad y más sangre. Todo esto combinado en una excelente historia deriva en uno de los mejores animes de todos los tiempos, y también en uno de los más controvertidos. De hecho, el show aún no ha podido salir al aire en muchos países debido a que el proceso de censura haría al show ininteligible. De todas formas la serie puede adquirirse por eBay en formato dvd o en cualquier página de streaming pago. Claro, censurado bajo la categoría de no apto para menores de 18 años. 4. Pokemon De todos los episodios censurados en la historia de la televisión norteamericana, seguramente Dennō Senshi Porygon es el más conocido de todos. En este capítulo se muestra una secuencia donde Pikachu intercepta unos cohetes con su impactrueno, resultando en una saturación de rojo y azul. Estos breves segundos fueron suficientes para que 635 niños en Japón ingresaran al hospital por leves casos de epilepsia fotosensitiva. El episodio fue prohibido en los Estados Unidos. Si quieren ver como fue la polémica secuencia, se las dejo aquí 3. Barefoot Gen (Hadashi no Gen) No fue el popular anime sobre la bomba atómica el que generó controversia sino su versión original en manga. En el año 2013 las autoridades académicas de Japón ordenaron retirar la obra de las bibliotecas escolares por difundir atrocidades no cometidas por las tropas japonesas durante la Segunda Guerra Mundial. Según ellos, claro. 2. School Days Esta adaptación de la novela visual escrita por 0verflow recibió duras críticas fuera de la isla por su alto contenido sexual y violento. Inclusive en Japón el final de la serie tuvo que retrasarse y re editarse debido al asesinato por parte de una niña a su propio padre. La infortunada similitud entre este triste acontecimiento y el final en cuestión obligaron a las cadenas televisivas a tomar esta decisión. 1. Death Note El concepto de pena de muerte no es lo más controversial que toca este anime. El furor entre los niños por el cuaderno de la muerte obligó a las autoridades escolares a vigilar de cerca a sus estudiantes. En más de un centro educativo se encontraron alumnos con réplicas del Death Note que habían sido llenadas con el nombre de sus compañeros. ¿Qué es el Death Note (Cuaderno de la Muerte)?, para resumir diremos que se trata del objeto mágico central de la trama en el anime. Los personajes escriben un nombre en el Death Note y esa persona muere a los 40 segundos. En algunos países, como la República de China, este anime fue directamente prohibido. Bouns: Tokyo Ghoul Probablemente el anime más popular del momento y uno de los mangas más vendidos en Japón durante el 2013. Tokyo Ghoul es una serie de fantasía oscura con visos de The Walking Dead y Elfen Lied, especialmente recomendada para aquellas personas de estómago fuerte. El contenido es tan fuerte que es un anime censurado hasta en internet. Encontrar una versión sin frames blancos agregados es realmente algo digno de elogios, y merecedor de publicarlo en la sección de comentarios . Aclaración: En este post, todos pueden comentar, sin embargo, aquellos comentarios agresivos, desvirtuantes o creados con el simple objetivo de molestar, serán eliminados. Ninguno de ustedes tiene obligación de gustarles el contenido del mismo y, de ser así, son libres de seguir navegando por otros posts sin dejar rastros. Tengo en claro que el post es un copy&paste y, por tal motivo, incluyo la fuente, la cual, les recomiendo visitar para brindar apoyo al autor. No es necesario que me lo recuerden y no tengo intención de robarme el crédito de nadie sobre dicho artículo, pero darle un formato de lectura agradable para publicar en Taringa, también representa un trabajo, el cual, estaría bueno que sepan considerar. Saludos y espero que disfruten el post.

Predator: ¡Más allá del cine! Vayan calentando suscañones de plasma, revisen el camuflaje termo-óptico y afilen bien las cuchillas de sus brazaletes. Los depredadores vuelven al cine con una nueva película. Predator supone el regreso en solitario a la Gran Pantalla de la serie de los cazadores cósmicos más famosos y letales de Hollywood. link: https://www.youtube.com/watch?v=Z6eLt4GMIS8 El 14 de septiembre Fox estrena Predator, que supone un nuevo capítulo en las cacerías de esta especie alienígena dedicada a la caza de los seres más peligrosos y desafiantes de toda la galaxia. Entre ellos, al parecer, los seres humanos. Pero no adelantemos acontecimientos, ya que la película nos contará más acerca del giro de tuerca que los guionistas han propuesto. Por nuestra parte, para ir preparando el estreno y el aterrizaje del Depredador en nuestro planeta, hemos decidido echar la vista atrás. Para ello, hemos decidido repasar la trayectoria de la franquicia Predator en películas, videojuegos y cómic, el nicho que sirvió de plataforma para supervivencia durante los años 90. En el siguiente reportaje hablaremos de las películas que se han hecho de Predator, pero también de algún corto realizado por fans, que merece la pena mencionarse. Seguidamente, hablaremos de los cómics de Predator, la mayor parte de ellos (si no todos) publicados por la editorial Dark Horse en EEUU. Por último, pero no menos importante, hablaremos de cómo Predator ha aparecido en videojuegos: el side scrolling original, los arcades, los FPS... Incluso es posible que mencionemos alguna rareza de la franquicia. De Van Damme a monstruo icónico: Predator el cine La primera película de la serie Predator, titulada Depredador en España y Latinoamérica, vio la luz allá por 1987. La trama se ambientaba en plena crisis de la guerra sucia de EE.UU. en Centroamérica, mostrando cómo un grupo de soldados de operaciones especiales se convertían en víctimas de un monstruo invisible, que acechaba en la jungla. Esta criatura estaba llamada a ser una de las grandes del cine de terror y ciencia-ficción. Y su película, una de las mejores cintas de alienígenas de los años 80. link: https://www.youtube.com/watch?v=A1H1x9g-21k Aunque, como muchos saben, el "monstruo" de esta película que se planteó en un principio poco o nada tenía que ver con el que conocemos. Originalmente, Jean-Claude Van Damme encarnaba a la criatura, que pretendía ser una especie de lagarto ninja del espacio exterior. Sin embargo, el director de la cinta, John Mctiernan pronto hubo de cambiar el planteamiento. Para empezar, el físico de Van Damme era bastante menos impresionante que los de Arnold Schwarzenegger y Carl Weathers, que eran culturistas. Por ello, su predator quedaba artificioso y, en comparación, mucho menos amenazante. Que a esto se sumara que Van Damme quedara KO varias ocasiones por el calor que hacía dentro del traje hizo que el cineasta tomara otra aproximación. Para ello, se cambió el diseño del traje del monstruo y se contrató al enorme Kevin Peter Hall para que hiciera las veces del nuevo y definitivo monstruo. Predator fue un éxito, a pesar de competir en taquilla con Superpolicía en Hollywood II. No obstante, debido a los problemas del rodaje (se realizó en México y hubo algún problema de salud en el equipo), la secuela se rodaría en un entorno más controlado. En 1990 llegaría la segunda entrega, dirigida por Stephen Hopkins y protagonizada por Danny Glover, cuya participación en Arma Letal le había convertido en una figura del cine de acción. Depredador 2 se ambientaría 1997, en Los Ángeles, durante un verano horrendo. En plena guerra de bandas, un jefe de policía tendría que lidiar con un nuevo predator, que convertía a los criminales y a la policía en sus objetivos. La película en cuestión no tuvo la misma acogida que su antecesora. Para empezar, la ausencia de Schwarzenegger, con quien no se llegó a acordar un contrato acorde con su exigencias, lastró desde el principio la producción. El rediseño del nuevo Predator, de aspecto más urbano, también fue criticado, dividiendo a los seguidores de la franquicia. Eso, y que se estrenó junto a Bailando con Lobos y Solo en casa, no ayudaron a que hiciera buenos números en taquilla. Sin embargo, a día de hoy, esta secuela es un clásico de culto. link: https://www.youtube.com/watch?v=6yPdBVUP5Zw Harían falta 14 años para que los Predators regresaran al cine, pero esta vez en forma de crossover cinematográfico. Con Alien vs. Predator (2004) se retomó un proyecto que desde hacía tiempo se había puesto en práctica en juegos y tebeos. Y es que esta película se basó sobre todo en el trabajo de los cómics de Dark Horse publicados entre los años 90. Fue un autentico éxito de taquilla, a pesar de no convencer a los críticos, y eso pareció animar a los estudios a intentarlo una segunda vez. Aliens vs. Predator: Requiem (2007) fue un proyecto encargado a los hermanos Strause y trató de subir las apuestas, con una calificación para mayores de 18. La jugada no salió como se esperaba. A día de hoy es la película de Aliens y también de Predator que menos ha recaudado. Su violencia gratuita, su edición caótica y un guión delirante hicieron que la idea de volver a juntar ambas franquicias se descartara. Sin embargo, no pasaría mucho tiempo antes de que volviéramos a saber de los depredadores. La especie regresó en 2010, esta vez de manos de Robert Rodríguez, en calidad de productor. Bajo la dirección de Nimród Antal, se reunió un reparto encabezado por Adrien Brody, Topher Grace y Alice Braga. Predators cambiaba el escenario y volvía a una premisa similar a la primera película. En esta ocasión, la presa era un grupo de mercenarios, que era transportado contra su voluntad a un planeta que servía de coto de caza a una etnia aparte de predators. Estos no solo cazaban humanos, sino también a los de su propia especie. Esta última entrega no fue el éxito de la primera parte, pero tuvo mucha mejor acogida que los dos crossovers anteriores. Las críticas enfrentadas entre sus detractores y defensores pusieron la serie en suspenso hasta hoy. Shane Black es el último director en atreverse a relanzar esta serie de culto. No queremos aventurar nada, ni tampoco destriparos la sorpresa, pero, por lo que sabemos, esta Predator promete ser el relanzamiento por todo lo alto de la franquicia. Por cierto no queremos despedir esta epígrafe sin mencionar que Predator también ha protagonizado más de un corto realizado por fans. Sin ir más lejos, existe este interesante Batman contra Depredador, que se encuentra entre los mejores fanfilms que se hicieron hace ya bastante tiempo y con un presupuesto relativamente bajo. link: https://www.youtube.com/watch?v=F82RTtQald0 Se expande el trasfondo: Predator en los cómics La editorial Dark Horse es la responsable de la supervivencia de numerosas franquicias cinematográficas a lo largo de los años. A ella le debemos buena parte del Universo Expandido de Star Wars, pero también de otras tantas como... Terminator, Robocop, Aliens y, por supuesto, Predator. En 1989, la editorial Dark Horse, que había nacido no hacía mucho, publicó la primera mini-serie, que servía de spin-off o secuela oficiosa a la primera película de Depredador. Este cómic, titulado Predator: Concrete Jungle, seguía los pasos del agente Schaefer de la policía de Nueva York. Este poli, por cierto, era el hermano del personaje de Schwarzenegger, que se las tenía que ver ahora con un nuevo predator. Poco después llegarían nuevos cómics, entre los que se contaría la adaptación de Predator 2. Mark Verheiden y varios equipos creativos comenzarían a expandir el universo de Predator durante los siguientes años a lo largo de distintas mini-series: Predator: Big Game, Predator: Cold War, etc... En ellas se exploraría mucho más de la naturaleza de esta especie, que sería bautizada como Yautja. Los yautjas eran descritos como una compleja cultura intergaláctica, con ritos complejos y una estratificación social muy avanzada, para la que la caza no era solo un deporte, sino un modo de vida y también una de las piedras angulares de su identidad como especie. También se añadirían estructuras políticas, religión, hábitos de apareamiento y toda una miríada de detalles que no conocíamos en las películas. Su éxito permitiría que cada cierto tiempo fueran apareciendo nuevas historias. La última, en 2010, fue una historia precuela de Predators. Paralelamente, este auge permitió que los Predators dieran paso a enfrentamientos con otros personajes de cómics, incluso de otras editoriales: El Juez Dredd, la Liga de la Justicia, Superman, Tarzan... ¡Archie! Sin embargo, de todos estos personajes de cómic con los que el Predator se midió, el mejor valorado sea Batman. Su trilogía de Batman vs. Predador fue uno de los mejores duelos de cómic y fue todo un placer reseñarlo en esta web. Tampoco hemos de olvidar que gracias a las publicaciones de Dark Horse tuvimos acceso a uno de los grandes crossovers de franquicias, que luego inspiraría videojuegos y películas. Nos referimos a Aliens vs. Predator. La primera historia que enfrentó a ambas criaturas data de 1989 y fue un relato corto, pero la fórmula demostró tener un enorme tirón. A lo largo de los años, estos duelos serían los más prolíficos de Dark Horse y darían lugar a numerosos encontronazos. Algunos, incluso serían a tres o cuatro bandas con otros personajes. El último que nos consta que se publicó fue Predator vs. Juez Dredd vs. Aliens, editado entre 2016 y 2017. Pero hay muchos, muchos más. Cazar es divertido. Ser la presa, también: Predator en videojuegos El tercer eje de la expansión y vigencia de la saga Predator fue los videojuegos, un campo muy fértil. La primera iteración del personaje en el mundo de los videojuegos vino de la mano de la adaptación de la película. Predator (1987) era un side scrolling de acción que se publicó para NES, Amiga, Amstrad CPC, Atari, MSX y otras plataformas del momento. En 1990, se lanzaría una primera versión de Predator 2, con una perspectiva desde arriba, que primero se publicaría para PC. Posteriormente, se realizarían versiones para otros ordenadores y Master System, y ya en 1992, una última versión mejorada para Mega Drive. Este título sería un shooter en 2D, que daría pie a una segunda versión de Predator 2, destinada a consolas SEGA, cuyo género sería diferente, apostando por la acción y aventura. link: https://www.youtube.com/watch?v=mBpKmN58aTk Con el éxito de los cómics, en 1993 la Super Nintendo recibiría el primer Alien vs Predator, un juego de Beat em up que no sería lo que se dice revolucionario y que inspiraría una conversión pobre en Game Boy. No así, debemos hablar en mejores términos del clásico arcade Alien vs. Predator (1994) de Capcom. Este último nos permitía jugar como dos tipos distintos de predators y 2 humanos en un planeta plagado de aliens. Este título sería una joyita en la que los jugones de la época echarían muchas monedas de cinco duras. 1994 también fue un buen año para los aliens y para los predator. La consola Atari Jaguar recibió un título exclusivo, que ya apuntaba maneras acerca de lo que iba a venir. Se trató de su Alien vs. Predator, que era un FPS de survival horror, que resulta una joyita de esta consola. El juego de Rebellion Developments nos permitía jugar tanto con el alien, como con el yautja o un marine espacial. Esta mecánica sería la base para posteriores juegos. De hecho, en 1999, Rebellion desarrollaría otro Aliens versus Predator para PC y MAC. Este retomaría los postulados del juego original, con tres campañas distintas y aprovecharía las posibilidades del ordenador para sofisticar mecánicas de juego, ambientación y escenario. A este le seguiría una secuela y una expansión y varios juegos de móviles, dedicados a la película de 2004. Playstation 2 y Xbox tendrían también un juego dedicado a los yautjas. Predator: Concrete Jungle (que nada tendría que ver con el cómic anteriormente citado) trataba de ser un tíe-in con películas y cómic, dando cohesión a un universo común. Desgraciadamente, su baja calidad y jugabilidad regulera dieron lugar a críticas muy desfavorables, que hundió el planteamiento. link: https://www.youtube.com/watch?v=JGWAaZXqY5E Después de aquello, tuvimos varias ediciones más de la serie AvP y diversas versiones para smartphones. Sin embargo, en los últimos 10 años hemos de admitir que Predator no ha gozado de la mejor de las saludes en el terreno jugón. Aunque, también conviene mencionar sus cameos en distintos títulos. Citamos los más conocidos: Call of Duty: Ghosts, Mortal Kombat X y Tom Clancy's Ghost Recon Wildlands. Más allá de los videojuegos, Predator también se ha dejado ver en otros formatos como juego de mesa. El Depredador fue una de las franquicias de Horroclix, una línea del popular juego de batallitas con figuras de Heroclix, que estaba dedicada a personajes de terror y del cine de sci-fi. Además, Prodos Games publicó en 2015 el juego de mesa de Alien vs Predator: The Hunt Begins. Y, desde 2009, se puede encontrar un manual de juego de rol de Aliens Versus Predator a través de Internet. Hablando de lo cual, recordamos que desde hace un tiempo también ha habido juegos de rol en vivo masivos dedicados a Predator. Y con esto damos por concluido nuestro repaso a Predator en películas, cómics y videojuegos. Por supuesto, nos hemos dejado algún título en el tintero y, posiblemente, hayamos obviado uno de los muchos juegos de móviles que han protagonizado. Aclaración: En este post, todos pueden comentar, sin embargo, aquellos comentarios agresivos, desvirtuantes o creados con el simple objetivo de molestar, serán eliminados. Ninguno de ustedes tiene obligación de gustarles el contenido del mismo y, de ser así, son libres de seguir navegando por otros posts sin dejar rastros. Tengo en claro que el post es un copy&paste y, por tal motivo, incluyo la fuente, la cual, les recomiendo visitar para brindar apoyo al autor. No es necesario que me lo recuerden y no tengo intención de robarme el crédito de nadie sobre dicho artículo, pero darle un formato de lectura agradable para publicar en Taringa, también representa un trabajo, el cual, estaría bueno que sepan considerar. Saludos y espero que disfruten el post.

10 animes de terror que te dejarán temblando El terror japonés nos ha dejado joyas que han marcado un antes y un después en el género. Ring, La maldición o Dark Water han definido una forma de provocar pavor que pocos habían conseguido anteriormente. Pero ¿qué ocurre cuando aplicamos el terror japonés al anime? En esta ocasión nos embarcamos en una ruta por el terror más puro para traerles joyas de la animación japonesa que los dejarán temblando de miedo. Yamishibai: Japanese Ghost Stories Tan solo tres minutos necesita 'Yamishibai: Japanese Ghost Stories' para dejar temblando al espectador. Como un homenaje al Kamishibai, una forma que utilizaban los budistas clásicos para contar historias, esta serie de cortometrajes lleva cinco temporadas impactando con sus historias de terror psicológico. Kakurenbo: Hide and Seek Kakurenbo es un OVA de 24 minutos que traslada el juego del escondite a su versión más terrorífica. Los protagonistas son unos niños ataviados como kitsunes (zorros japoneses) que visitan las antiguas ruinas de Kowloon en un macabro juego en el que nada es lo que parece. Another Este exitoso anime traslada a una escuela secundaria un thriller psicológico lleno de asesinatos, sobresaltos y sorpresas muy terroríficas. Basado en una novela ligera que se convirtió en un best seller en el país, Another es una de las series más espeluznantes de los últimos años. Ayakashi: Japanese Classic Horror El Japón feudal trajo consigo cientos de historias sobre espíritus, yokais y seres de otras dimensiones que encajan a la perfección con el espíritu oscuro de la época. Ayakashi traslada algunas de ellas con su particular estilo de animación. Su spin-off, Mononoke, es si cabe todavía más terrorífica que la serie original. Le Portrait de Petit Cossette Entre el romanticismo y el terror más clásico se sitúa Le Portrait de Petit Cossette, una serie de tres capítulos protagonizada por el espíritu de una niña que oculta tras su ternura una trágica y terrorífica historia. Perfect Blue La película que inspiró a Cisne Negro no es tanto una historia de terror como un thriller psicológico malrollero y desalentador. A pesar de ello, el buen hacer de Satoshi Kon la convirtió en una de las películas más terroríficas de la historia de Japón. Shiki Zombies al estilo del terror clásico japonés, un pueblo cuya esencia emana a Twin Peaks y un tono más adolescente del que nos gustaría admitir componen los ingredientes de uno de los animes más laureados de los últimos años. Shiki solo necesita 22 capítulos (y 2 OVAs) para convertirse en un mito del anime de terror, y razones no le faltan para serlo. Kagewani Kagewani es una antología de 13 cortometrajes basados en unos misteriosos monstruos dispuestos a atacar a todo humano que se les ponga por delante. Con un estilo de animación que ya te prepara el terror, esta serie es una de las que mejor han sabido aprovechar los recursos del género. Tenshi no Tamago No puede decirse que esta película sea de terror, pero su estética surrealista y su ambientación de ciencia ficción proponen una historia pesimista y espeluznante. Después de más de tres décadas, este clásico de animación sigue proponiendo preguntas sin contestar y dejando al espectador en un estado malrollero muy definido. Junji Ito Collection El titán del manga de terror tiene nombre y apellido: Junji Ito. Con historias como Uzumaki o Gyo, el autor se ha trazado un nombre único en la industria. Desde este año, además, podemos disfrutar de sus historias carnales y psicológicas a través de una serie que adapta sus mejores clásicos. Aclaración: En este post, todos pueden comentar, sin embargo, aquellos comentarios agresivos, desvirtuantes o creados con el simple objetivo de molestar, serán eliminados. Ninguno de ustedes tiene obligación de gustarles el contenido del mismo y, de ser así, son libres de seguir navegando por otros posts sin dejar rastros. Tengo en claro que el post es un copy&paste y, por tal motivo, incluyo la fuente, la cual, les recomiendo visitar para brindar apoyo al autor. No es necesario que me lo recuerden y no tengo intención de robarme el crédito de nadie sobre dicho artículo, pero darle un formato de lectura agradable para publicar en Taringa, también representa un trabajo, el cual, estaría bueno que sepan considerar. Saludos y espero que disfruten el post.

11 datos fascinantes sobre el famoso Barón Rojo El 21 de abril de 1918 murió el Barón Rojo, conocido y destacado aviador de la Primera Guerra Mundial. Manfred von Richthofen se hizo famoso por sus victorias en el triplano Fokker y también en modelos Albatros. Las historias sobre este piloto alemán recorrieron el mundo, y se dice que tuvo 80 victorias en total. Por ser un personaje tan reconocido, siempre será interesante conocer algunas curiosidades del Barón Rojo, sigue leyendo. 11. Orígenes Nació en 1892 en un pueblo llamado Kleinburg, el cual hoy en día no está en Alemania, sino en Polonia. Por haber nacido en una familia aristocrática obtuvo el título Freiherr, es decir, Señor Libre, equivalente a barón en el inglés. Es una de las capas inferiores de la nobleza. 10. Guerra En 1914 decidió unirse a los suyos en la guerra, peleando primero con caballos y luego en las trincheras. Decidió entonces pedir traslado a la parte de logística, pero cambió de opinión y se unió en cambio al cuerpo aéreo de Alemania. 9. Primera victoria Aunque se le atribuyen 80 victorias, la primera nunca fue contada en esa lista. Mientras estaba en un avión de reconocimiento disparó a un avión francés. Sin embargo, cayó en territorio enemigo así que no se pudo confirmar la muerte. 8. Primer reconocimiento Su primera victoria oficial fue en setiembre de 1916 y para celebrarlo mandó a hacer una copa de plata con la fecha grabada. Hizo esto con las victorias siguientes, pero tuvo que terminar con el ritual en su triunfo 60 debido a que la plata era escasa en épocas de guerra. 7. Fama en ascenso En octubre de 1916 ganó la Pour le Mérite (Max Azul), uno de los máximos reconocimientos alemanes. En abril de 1917 derribó a 22 aviones el solo, 4 de ellos en un mismo día. Sin embargo, muchos dicen que sus victorias eran esfuerzos de equipo, donde von Richthofen veía la oportunidad y la usaba. Su fama era usada para infundir miedo en los enemigos. 6. Barón Rojo En 1917, consciente de su fama, pintó primero las alas de su nave de color rojo, y luego lo pintó de rojo totalmente. Fue conocido al principio como el Caballero Rojo, el Diablo Rojo, Pequeño Rojo hasta llegar a su nombre más conocido: Barón Rojo. 5. Triplano Fokker Al día de hoy el triplano Fokker del Barón Rojo es famoso, pero en realidad solo comenzó a usarlo en las últimas semanas antes de su muerte. 4. Autobiografía Luego de ser hospitalizado en 1917 debido a un choque, escribió en el hospital una autobiografía llamada El avión rojo de combate. Fue una forma de engrandecerse a sí mismo y a sus batallas. El libro fue exitoso en Alemania e incluso se tradujo al inglés con algunas censuras. Tiempo después quiso corregir algunas cosas y quitar los pasajes donde alardea sobre sí mismo, pero no tuvo la oportunidad. 3. Muerte El Barón Rojo fue herido de muerte el 21 de abril de 1918 mientras perseguía a un piloto llamado Wilfred «Wop» May. La forma de las heridas sugiere que el fuego provino de las trincheras y no del aire. Aunque logró aterrizar, murió apenas los aliados llegaron al sitio. 2. Entierro Fue enterrado con todos los honores militares por un escuadrón australiano que estaba cerca. En 1925 fue desenterrado y llevado a Alemania donde tuvo un segundo funeral. 1. Familiares cercanos Un dato curioso es que la bisnieta de su hermano Lothar (también militar, pero fallecido en un avión comercial) fue condenada a 40 años de prisión en 2006. Suzanne von Richthofen golpeó a sus padres hasta la muerte en Brasil. Aclaración: En este post, todos pueden comentar, sin embargo, aquellos comentarios agresivos, desvirtuantes o creados con el simple objetivo de molestar, serán eliminados. Ninguno de ustedes tiene obligación de gustarles el contenido del mismo y, de ser así, son libres de seguir navegando por otros posts sin dejar rastros. Tengo en claro que el post es un copy&paste y, por tal motivo, incluyo la fuente, la cual, les recomiendo visitar para brindar apoyo al autor. No es necesario que me lo recuerden y no tengo intención de robarme el crédito de nadie sobre dicho artículo, pero darle un formato de lectura agradable para publicar en Taringa, también representa un trabajo, el cual, estaría bueno que sepan considerar. Saludos y espero que disfruten el post.

Las 15 armas de fuego más notables de los cómics y mangas En el mundo de los cómics y los mangas existen las "armas notables", llamadas así por sus diseños o sus capacidades poco comunes (en ocasiones únicas en su tipo). Anteriormente ya se había presentado un artículo que hablaba sobre las mejores armas de los superhéroes (el cual puedes leer en el link precedente), siguiendo con esa corriente nos gustaría presentarte un listado únicamente con un tipo específico de arma que, para fines prácticos se les llamara armas de fuego ya que emplean una carcasa o cuerpo que contiene un mecanismo interno que se activa (generalmente) mediante un gatillo y libera algún tipo de proyectil o descarga de alguna clase de energía. Por lo tanto, en este listado no se incluirán ningún tipo de arma blanca (cuchillos, espadas, etc.), arma arrojadiza (shurikens, venablos, etc.), arma contundente (garrotes, martillos, etc.), arma flexible (cadenas, látigos, etc.), arma impulsora (arcos, ballestas, etc.) o los tipos de armas que se filtran entre estas categorías (punzocortantes o corto contundentes). El presente listado estará organizado de manera aleatoria, sin seguir ningún tipo de orden particular de preferencia o criterio respecto a las capacidades de las armas. The Good Samaritan ● Portador: Hellboy El “Buen Samaritano” (nombre dado en la versión fílmica) era el revolver personal de Torch of Liberty, un vigilante enmascarado que trabajó con los aliados durante la Segunda Guerra Mundial y se la heredó a Hellboy tras su retiro. Es un revolver construido con metales bendecidos, con un barril para 4 proyectiles de munición modificada sumamente grande, el propio Hellboy diseña algunas de sus balas, que pueden estar talladas en madera de caoba o plata bendecida (para matar vampiros), o ser capsulas de agua bendita con virutas de la cruz donde Cristo fue crucificado. Psychogun ● Portador: Cobra La “Psico-arma” es un aparato ofensivo tecno-orgánico experimental, difícil de usar y potencialmente peligroso para su usuario. Injertada en un brazo, concentra la energía psíquica del portador y la aumenta como una lente a la luz del sol, redirigiendo la energía en un disparo de gran potencia destructiva. Al usar energía psíquica, la función depende enteramente de la concentración del usuario, que necesita poseer una gran resistencia física y mental; es por eso que los disparos pueden alterar su recorrido y dirección según la concentración del propio usuario. Bowel disruptor ● Portador: Spider Jerusalem El “Perturbador Intestinal” es un aparato empleado primeramente como medida médica para aliviar el estreñimiento, fue retirado del mercado y considerado ilegal por el grado de daño orgánico que puede producir. Spider utiliza un Perturbador a modo de defensa que le permite disparar una descarga graduable que provoca la pérdida inmediata del control de esfínteres (en muchos casos de manera tan dolorosa que causa desmayo), su venta puede ser ilegal, pero al no ser considerada un arma letal ni dejar residuo o muestras de su uso, no se puede acusar ni procesar a aquel que la use. Casull & The Jackal ● Portador: Alucard Son las pistolas creadas para Alucard, sus nombres técnicos son ARMS.454 Casull automática (Casull) y ARMS 13mm automática Anti-Freak (The Jackal). Casull mide 25 cm, pesa 6 kilos, tiene capacidad de 6 balas por cargador de 13 mm de plata santificada y alta penetración, efectiva contra vampiros y ghouls. Jackal mide 39 cm, pesa 16 kilos y es de color negro, tiene capacidad para 6 balas de 13 mm explosivas, recubiertas de plata y llenas de mercurio bendecido (balas creadas expresamente para enfrentar a Anderson el agente de Iscariote). Lawgiver Mark II ● Portador: Judge Dredd La “Legisladora” es el arma oficial del escuadrón de Jueces de Mega City. Es un arma táctica de pacificación que solo puede activarse en manos de un Juez reglamentado, si alguien trata de disparar con ella, la Legisladora explota; es una pistola que se adapta a seis tipos de munición letal interna con diferentes efectos: Balas normales, balas explosivas, balas anti-blindaje, balas revestidas en caucho para generar rebote, balas incendiarias y balas rastreadoras de calor; además de balas aturdidoras y cartuchos de gas lacrimógeno (estas dos últimas no letales). Hellfire Shotgun ● Portador: Johnny Blaze La “Escopeta de Fuego Infernal” era una escopeta corta normal que Johnny Blaze usaba cuando se transformaba en Ghost Rider y canalizaba su energía demoníaca. Cuando el espíritu de Zarathos abandona a Blaze, éste descubre que su escopeta conserva la capacidad de disparar fuego infernal; una llama sobrenatural que quema las almas de los culpables. La escopeta puede disparar indefinidamente y nunca agota su poder; si es usado para el servicio de los inocentes, el fuego infernal puede darle poderes demoníacos a cualquier vehículo (similar a la moto de Ghost Rider). BANG! Gun ● Portador: The Joker Es un revolver manipulado por el Joker para que tenga dos funciones: La primera, como un arma de broma, proyectando un cilindro metálico por el cañón por donde se despliega un cartel donde se lee la onomatopeya BANG! causando que la víctima se asuste; la segunda función se activa tras martillar y jalar del gatillo por segunda vez, lo que causa la explosión de un propelente que empuja fuertemente al cilindro metálico (cuya punta esta afilada) que sale disparado con todo y cartel como una flecha clavándose en la victima (a veces la punta puede estar envenenada). Gas-Gun ● Portador: The Green Hornet La “Pistola de Gas” es (en su versión clásica) un arma diseñada a partir de una vieja pistola Mauser C96. El mecanismo interno utiliza en vez de balas, ampolletas de diferentes tipos de gas cuyo grado de toxicidad causan desde mareos, náuseas, desmayos o incluso envenenamiento. Cuando se dispara se puede graduar el diámetro del interior del cañón lo que permite que la ampolleta interna estalle internamente (lo que produce que del arma salga una cortina de gas), o bien que la ampolleta salga proyectada contra el objetivo (provocando que éste reciba todo el efecto del gas). Punisher ● Portador: Nicholas D. Wolfwood La “Castigadora” es un arma múltiple con forma de enorme cruz latina construida con un metal resistente a los impactos, lo que la hace sumamente pesada; solo existen 10 en todo el mundo y les son entregadas a los miembros más destacados de Los Ojos de Miguel, un culto de asesinos. En el segmento más largo hay una ametralladora MG oculta; en el segmento corto superior hay un arma lanza misiles; en uno de los brazos transversales hay ocultos ocho pistolas; y en el otro es donde se guarda las cintas con cartuchos para la ametralladora. Cold-Gun ● Portador: Captain Cold El “Arma de Frío” fue diseñada por el criminal Leonard Snart a partir de un acelerador de partículas en miniatura, la verdadera función de esta arma NO es crear hielo, sino proyectar una descarga que elimina TODO movimiento de lo que sea que alcance, incluyendo las partículas subatómicas, originando un efecto llamado Cero Absoluto. Cuando las moléculas se detienen provocan que el calor desaparezca causando una congelación instantánea a nivel molecular. Es un arma energética, no un arma química como la de Mr. Freeze que se basa en criogenia y utiliza nitrógeno líquido. Dominator ● Portadores: Inspectores del Departamento de Investigación Criminal El “Dominador” es un sistema portátil de diagnóstico psicológico y supresión; un arma inteligente que mide el Psycho-Pass (índice de criminalidad) tanto del usuario como del blanco apuntado y solo se activa cuando el blanco supera la cifra permitida y el usuario es validado. Cada Dominator está conectado al sistema Sibyl de la ciudad, que determina si el objetivo debe ser aturdido para empezar tratamiento y posible reinserción en la sociedad, o bien ser ejecutado; para ello dispara una descarga de energía que descompone la materia orgánica provocando que estalle. Destroyer Armor Prototype Gun ● Portador: Agente Phil Coulson Apareció por primera vez en The Avengers (2012), el “Arma prototipo Destructor”, es un rifle de energía que S.H.I.E.L.D. desarrolló usando los restos del autómata Destroyer que quedaron en Nuevo México tras la pelea con Thor (película Thor, 2011); se estima que el material con el que está construido sea un duplicado molecular estandarizado del acero del Destroyer, vibranium o adamantium (nunca se explica con certeza); su poder de tiro es bastante inferior al poder del Destroyer pero uno de sus disparos alcanza para desintegrar a una persona o, en su defecto, tumbar a Loki. X-gun ● Portadores: Equipo Gantz El “Arma X” es el arma de energía ofensiva básica que reciben los participantes de parte de Gantz; puede ser el arma menos poderosa del arsenal pero es compacta, liviana y por su diseño es más fácil de ocultar. Funciona con dos gatillos y tres comandos simples: Al presionar el gatillo superior el arma escanea y fija el objetivo a destruir; al presionar el gatillo inferior se cancela la función del gatillo superior; al presionar ambos gatillos a la vez una descarga provoca que las moléculas del objetivo se desintegren, causando que el objetivo estalle tras 5 segundos de recibir el disparo. Exorcist Gun / “Linda” ● Portador: Frank Drake El “Arma Exorcista” (apodada “Linda” en honor a la actriz Linda Blair). Es un rifle prototipo diseñado por industrias Stark y construido en secreto por orden de Frank Drake; emplea nanotecnología y plasma como munición y fuente de poder. El arma está configurado para afectar solamente a objetivos que tengan naturaleza mística o sobrenatural; “Linda” dispara una ráfaga de plasma cargada con Necrotech, unas máquinas microscópicas que atacan al objetivo a nivel molecular causando que la estructura de su cuerpo se colapse y quede paralizado. Inquiry ● Portador: Tom Noir La Inquiry (a veces traducida como “Investigadora” o “Consultora”) es una pistola prototipo de alto poder que dispara un tipo de munición construida con tungsteno quirúrgico, los cuales son unos proyectiles de gran calibre, muy duros y livianos, cuyo diseño y velocidad alcanzada en el disparo le permite atravesar el blindaje reforzado de un tanque; sumado esto al enlace que tiene la mira del arma con el visor del casco de Tom Noir, se puede apuntar con una precisión milimétrica. Inquiry se activa con un comando de voz y una biométrica precisa; solamente Tom Noir puede usarla. Aclaración: En este post, todos pueden comentar, sin embargo, aquellos comentarios agresivos, desvirtuantes o creados con el simple objetivo de molestar, serán eliminados. Ninguno de ustedes tiene obligación de gustarles el contenido del mismo y, de ser así, son libres de seguir navegando por otros posts sin dejar rastros. Tengo en claro que el post es un copy&paste y, por tal motivo, incluyo la fuente, la cual, les recomiendo visitar para brindar apoyo al autor. No es necesario que me lo recuerden y no tengo intención de robarme el crédito de nadie sobre dicho artículo, pero darle un formato de lectura agradable para publicar en Taringa, también representa un trabajo, el cual, estaría bueno que sepan considerar. Saludos y espero que disfruten el post.

20 superhéroes que llevan la patria a flor de piel En sus orígenes, los cómics de superhéroes siempre trataron de reforzar una imagen patriótica y de apoyo al país, de esa forma dejaban contento no solo al gobierno, sino también a gran parte del público que lo consideraba un mensaje “positivo” para los jóvenes lectores; no es de extrañar que en sus primeros números, los colores del uniforme de Superman de DC hayan sido “casualmente” los mismos que los de la bandera norteamericana (Azul, Rojo y Blanco); la misma teoría se podría aplicar a Spider-Man de Marvel. Pero, acomodándose a eventos de los tiempos que corrían, comenzaron a aparecer personajes que vestían de manera menos sutil, cuyos uniformes estaban basados en banderas a fin de darles un carácter extra que, en retrospectiva, roza muy de cerca con el chovinismo… pero bueno, eran otras épocas. A continuación les dejamos organizados por fecha de aparición editorial, 20 personajes tanto de Marvel como de DC Comics, cuyos uniformes están basados en banderas. Americommando (DC) Primera aparición: Action Comics #1 (Junio 1938) Llamándose primero Mr. America llevaba otro tipo de uniforme, usando una alfombra mágica como capa y luchando con un látigo. El personaje fue considerado en su momento el héroe más patriótico de todos. Con las subsecuentes reescrituras y reinicios de la continuidad este fue mutando bastante y en la actualidad también existe un Americommando pero su estética es más oscura y violenta. The Shield (DC) Primera aparición: Pep Comics #1 (Enero 1940) Perteneció primeramente a la editorial MLJ, que se hizo famosa por sus cómics de Archie y luego pasaría a llamarse de esa manera. El personaje usaba no solo los colores de la bandera, sino que también estaba basado en el emblema de la editorial comprada después por DC. Sus aventuras de carácter semi-propagandístico, lo enfrentaban a espías nazis a inicios de la Segunda Guerra Mundial. Uncle Sam (DC) Primera aparición: National Comics #1 (Julio 1940) Basado en la personificación nacional de Estados Unidos utilizada para fines propagandísticos, el Tío Sam de DC era igualmente una pancarta pro-USA ambulante; básicamente era un espíritu nacido del patriotismo nacional, ahora encarnado en el cuerpo de un soldado muerto en acción. El personaje tuvo mucho éxito (como era de esperarse) y ha sobrevivido hasta nuestros días. Captain America (Marvel) Primera aparición: Captain America Comics #1 (Marzo 1941) El más conocido por todos, surgió como un personaje propagandístico durante la Segunda Guerra Mundial (en la portada de su primer cómic se lo muestra ni más ni menos que golpeando a Adolf Hitler). El diseño de su uniforme tenía la función de transmitir un mensaje patriótico positivo durante el conflicto bélico. Fue “revivido” durante los años 60 y ha estado en Marvel desde entonces. The Star-Spangled Kid (DC) Primera aparición: Action Comics #40 (Septiembre de 1941) Representando en este caso a la parte más joven del país, era un héroe juvenil que se enfrentaba a los espías nazis que llegaban a Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial ya que no tenía edad suficiente para enlistarse en el ejército; paralelamente se lo veía asistiendo a otras tareas en que los niños ayudaban durante el conflicto, como recolección de metales para fabricar municiones. Wonder Woman (DC) Primera aparición: All Star Comics #8 (Diciembre 1941) Una de las primeras heroínas de DC y creada por un psicólogo feminista, mostraba las aventuras de una amazona vestida como la bandera norteamericana enfrentando nazis durante la Segunda Guerra Mundial. Como en esa época las mujeres no eran aun aceptadas en la milicia, trabajaban en las fábricas de municiones. Wonder Woman es considerado un icono de empoderamiento femenino. Fighting American (DC) Primera aparición: Fighting American #1 (Mayo 1954) Creado por Joe Simon y Jack Kirby, la misma dupla detrás del Captain America; el personaje nació como un cazador de comunistas para adecuarse a los tiempos de macarthismo que corrían en Estados Unidos. El personaje pasaría a ser satírico en muchas formas y nunca podría salir de la sombra del Capitán América, creado en una época de mayor patriotismo social. Red Guardian (Marvel) Primera aparición: Avengers #43 (Agosto 1967) Inicio sus aventuras después de la Segunda Guerra Mundial y a comienzos de la Guerra Fría, fue creado para que sea una contrapartida soviética del Captain America, por lo que era un piloto que servia a la KGB y no tenía poderes sino que estaba entrenado para ser un combatiente perfecto. Su uniforme está basado en la bandera de la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS). Union Jack (Marvel) Primera aparición: The Invaders #7 (Julio 1976) Su mero nombre es la denominación que la bandera del Reino Unido recibía por las fuerzas navales de Inglaterra. Este personaje tuvo varias encarnaciones, el primero de ellos fue un agente británico especialmente entrenado en infiltración, espionaje, sabotaje y combate cuerpo a cuerpo que luchó del lado de los aliados durante la Segunda Guerra Mundial. Captain Britain (Marvel) Primera aparición: Captain Britain #1 (Octubre 1976) Este personaje recibe sus poderes superhumanos de la mano del Amuleto de la Verdad otorgado por el mago Merlín. El Captain Britain es uno de los defensores místicos de múltiples universos destinados a proteger las islas británicas; entre sus habilidades, puede viajar de un universo a otro, donde su uniforme se altera pero siempre representa a la bandera del Reino Unido. Guardian (Marvel) Primera aparición: Uncanny X-Men #109 (Febrero 1978) También conocido como Vindicator o Weapon Alpha, fue integrante y líder de Alpha Flight, un equipo táctico de súper seres de Canadá. Al ser un soldado que buscaba transmitir el mismo mensaje patriótico que el Captain America el traje de combate que le da sus poderes fue diseñado siguiendo los patrones de la bandera canadiense. Commander Steel / Citizen Steel (DC) Primera aparición: Steel, The Indestructible Man #1 (Marzo 1978) Un héroe ambientado en la Segunda Guerra pero creado tras la derrota de Estados Unidos en Vietnam. Tenía toda la intención de levantar la imagen de los soldados que, a raíz de un levantamiento pacifista y detractor contra Lyndon Johnson (que promovió la participación en el conflicto), transfirió un sentimiento de antipatía y desprecio por los soldados que participaron. Sabra (Marvel) Primera aparición: Incredible Hulk #256 (Febrero 1981) Fue la primera agente mutante del Mossad (servicio secreto israelí). Sabra fue entrenada en combate cuerpo a cuerpo y en tácticas de infiltración, espionaje y captura para servir a su país; posee gran fuerza física, velocidad y la capacidad de sanar sus heridas o las de otros. Como primer misión debió enfrentarse a Hulk y lo hizo usando su uniforme basado en la bandera de Israel. Major Victory (DC) Primera aparición: Batman and The Outsiders Annual #1 (1984) Creado durante la Guerra Fría, el patriotismo estaba en auge nuevamente pero ya no era algo “heroico” sino “necesario”, servir al país era considerado un sacrificio más que un deber. Este personaje se prestó voluntariamente como conejillo de indias para usar un traje que le daría súper poderes y servir bajo las ordenes de la Agencia de Seguridad de América, un ente gubernamental. The Comedian (DC) Primera aparición: Watchmen #1 (Septiembre 1986) Creado para un universo alternativo donde Estados Unidos gano la guerra de Vietnam y prohibió a los vigilantes y superhéroes. The Comedian era un vigilante que acepta trabajar para el gobierno, incluso cometiendo asesinatos políticos; por eso adopta un uniforme más “patriótico”, a fin de criticar y satirizar a los ideales corruptos de los gobernantes para quienes trabaja. US Agent (Marvel) Primera aparición: Captain America #323 (Noviembre 1986) Creado para seguir el afluente de patriotismo en los cómics, pero abordado desde una óptica un poco más civil. US Agent obtiene sus poderes sobrehumanos gracias a un tratamiento genético ilegal y usa un uniforme desechado por Captain America para unirse a los Avengers. Por su postura (casi necedad) de apoyar siempre al gobierno, US Agent se une a la organización federal S.T.A.R.S.. Stargirl & S.T.R.I.P.E. (DC) Primera aparición: Stars and S.T.R.I.P.E. #0 (Julio 1999) Si bien cabe aclarar que S.T.R.I.P.E. apareció por primera vez con The Star-Spangled Kid en 1941, el personaje fue “resucitado” como un traje robot para esta nueva formación. Ambos personajes visten con elementos de la bandera norteamericana (las estrellas y las barras, de ahí sus nombres). Stargirl heredaría un báculo que en conjunto se asemeja a un mástil. Citizen V (Marvel) Primera aparición: Thunderbolts #45 (Diciembre 2000) Otro personaje que ha tenido muchas encarnaciones desde la época de la Segunda Guerra Mundial y cuyo nombre siempre se asocia a la rebelión contra la tiranía. La encarnación más actual forma parte de los Thunderbolts y tiene un uniforme mucho más pomposo y llamativo que sirve a modo de engaño/burla ya que detrás de la máscara blanca se oculta el villano, Barón Zemo. Patriot (Marvel) Primera aparición: Young Avengers #1 (Abril 2005) Este es el nieto del Patriot original quien había participado en un segundo intento de reproducir el suero del Super Soldado durante la Segunda Guerra; los poderes del segundo Patriot surgieron después de una transfusión de sangre de su abuelo en la que restos del suero pasaron a su sistema. Sigue el ideal del Captain America y fue fundador del grupo Young Avengers. Iron Patriot (Marvel) Primera aparición: Dark Avengers #1 (Marzo 2009) Bajo la armadura se encontraba en realidad el villano Norman Osborn (en ese momento, el director de la organización HAMMER), quien utiliza una de las armaduras Iron Man de Tony Stark y la pinta a fin de volverse un icono patriótico similar al Captain America cuando dirija su recién formado equipo de Avengers (compuesto por villanos caracterizando a los Avengers originales). Aclaración: En este post, todos pueden comentar, sin embargo, aquellos comentarios agresivos, desvirtuantes o creados con el simple objetivo de molestar, serán eliminados. Ninguno de ustedes tiene obligación de gustarles el contenido del mismo y, de ser así, son libres de seguir navegando por otros posts sin dejar rastros. Tengo en claro que el post es un copy&paste y, por tal motivo, incluyo la fuente, la cual, les recomiendo visitar para brindar apoyo al autor. No es necesario que me lo recuerden y no tengo intención de robarme el crédito de nadie sobre dicho artículo, pero darle un formato de lectura agradable para publicar en Taringa, también representa un trabajo, el cual, estaría bueno que sepan considerar. Saludos y espero que disfruten el post.

Siniestras historias de Alan Moore inspiradas en los mitos Lovecraftianos El 20 de agosto, se cumple otro aniversario del nacimiento del gran Howard Phillips Lovecraft, creador de innumerables historias de terror al rededor de su propia mitología, de donde se desprenden por ejemplo los Mitos de Cthulhu. Para conmemorarlo, te invitamos a ver 4 cómics que se basan en sus mitos, pero salidos de la pluma de otro grande como Alan Moore. Si no conoces alguno de éstos, hoy parece ser un buen día para sumergirte en estas historias de cómics basadas en H.P. Lovecraft. ¿Las vemos? The League of Extraordinary Gentlemen: Black Dossier También conocido como "The Dark Dossier", es una historia alternativa en el universo de La Liga Extraordinaria, que se destaca por ser autoconclusiva. Sin dudas una de las mejor narradas historias de este grupo de héroes, en donde podemos ver un ambiente mucho más oscuro que en la serie regular. Yuggoth Cultures and Other Growths Avatar Press presentó en 2003 una mini-serie de 3 capítulos, basados en historias inspiradas directamente en algunos de los 36 sonetos que H.P. Lovecraft llamó "Fungi From Yuggoth". El arte corresponde a varios artistas, entre ellos Mark Wolfer, Val Semeiks y el español Juan José Ryp. The Courtyard Aldo Sax será el protagonista de esta historia ilustrada por Jacen Burrows, un agente encargado de investigar una serie de asesinatos que aparentan ser rituales. Siguiendo algunas pistas, se verá envuelto en una supuesta droga llamada Aklo... La cual no resulta ser más que un lenguaje utilizado por los "monstruos" asesinos. Gracias a las alucinaciones provocadas, Sax se verá convertido en lo mismo que investigaba: un asesino con ribetes paranormales, forzado a comunicarse en Aklo y obedecer a seres que están más allá de nuestra comprensión. The Courtyard También dibujado por Burrows, Neonomicon es la secuela directa de The Courtyard. Esta presenta la aventura de otros dos investigadores del FBI que intentan atrapar un asesino serial que inspira sus actos en Sax. Hasta aquí podría parecer otra historia policial genérica, pero las acciones terminan ubicando a nuestros protagonistas en una orgía donde unos cultistas intentan contactar con una raza de criaturas marinas. Muerte, violaciones reiteradas y ocultismo son sólo algunos de los puntos más oscuros de esta historia, la cual nos mostrará cómo la agente Brears terminará siendo portadora en su vientre del personaje más emblemático de las historias Lovecraftianas: Cthulhu. Aclaración: En este post, todos pueden comentar, sin embargo, aquellos comentarios agresivos, desvirtuantes o creados con el simple objetivo de molestar, serán eliminados. Ninguno de ustedes tiene obligación de gustarles el contenido del mismo y, de ser así, son libres de seguir navegando por otros posts sin dejar rastros. Tengo en claro que el post es un copy&paste y, por tal motivo, incluyo la fuente, la cual, les recomiendo visitar para brindar apoyo al autor. No es necesario que me lo recuerden y no tengo intención de robarme el crédito de nadie sobre dicho artículo, pero darle un formato de lectura agradable para publicar en Taringa, también representa un trabajo, el cual, estaría bueno que sepan considerar. Saludos y espero que disfruten el post.