THE_RED_EMPIRE

Las dos caras de dieciocho años de guerra. En 1984, en el campo de refugiados de Nasir Bagh, en la frontera con Pakistán, Steve McCurry toma el retrato de una joven afgana, huérfana en un pueblo bombardeado por los soviéticos. El encuentro sólo dura un cuarto de hora, no le pide su nombre, apunta sólo la edad: doce años. Pero la imagen, publicada en el "National Geographic" en junio de 1985, va a vivir su propia vida. Reproducida decenas de veces en diversas revistas, esos ojos verdes van a volverse los de todos los niños de la guerra, en Afganistán o donde sea. McCurry intentará encontrar a la niña, tras una búsqueda de dieciohco años, llena de rumores que la convierten en un símbolo: se dice que es modelo, profesora de inglés de la familia de Ben Laden y buscada por la CIA. Se llama Sharbat Gula, tiene treinta años, tres niños y una existencia en medio de guerras sucesivas. El segundo retrato es más problemático. Hace falta verificar que los ojos verdes de Sharbat eran los mismos que los del primer retrato. Todos los medios han sido utilizados para este fin: un método de "reconocimiento de las características faciales", empleado por el FBI, luego un programa informático que permite identificar las personas buscadas en los aeropuertos americanos y por fin un análisis científico de los iris. "Al 100 % es ella". Entonces, la imagen tiene derecho a la palabra. Cuenta que su burka, el velo integral de las mujeres afganas, está presente en su vida, que la paz que los talibanes aportaron a este país sin ley y los bombardeos americanos la han entristecido. ( Texto aparecido en el diario "Liberation" ) La primera cosa que me llama la atención es la actitud de la niña. Nos mira fijamente. En la segunda imagen, la misma composición, nos ayuda a entender los dieciocho años de intervalo entre las dos fotografías. En la foto de la izquierda la muchacha tiene una mirada fija y conmovedora. Mirada que todos conocemos como símbolo de los niños para los que la guerra es lo cotidiano. El segundo retrato nos muestra una mujer, cuya mirada es muy especial. El muy difícil para nosotros entender, sentir e interrogar a esos ojos. La mujer se llama Sharbat Gula y tiene su burka subida por encima del rostro. La mirada sigue siendo conmovedora, asombrosa, pero parece que la tristeza ha sucedido al orgullo de antaño. Obviamente la burka es un elemento importante. De cierta manera dramatiza la escena, puesto que para nosotros occidentales, es una "prueba", un signo de la opresión que sufren las afganas. Me parece que el fuerte impacto que tienen estas dos fotos es justamente su yuxtaposición: por un lado, la presentación de la niña con un rostro conmovedor, atrayente y seductor, por otro, la imagen de una mujer triste, cerrada, que imaginamos "vieja". El artículo "Las dos caras de dieciocho años de guerra", refuerza la impresión de desgaste entre las dos imágenes. También "pregunta cosas" que, solas, sin texto, no preguntan las fotos. En efecto, me parece que ese "antes / después" fotográfico no nos enseña nada más que la guerra cansa la mirada de los que la viven y que la burka es una costumbre afgana, de las mujeres, mientras que las chicas sólo parecen llevar el velo. ¡ Y ya está ! Es todo lo que a mí objetivamente, me parece salir de esas fotografías, solas. Pero tienen mucho más sentido, preguntan, cuestionan más si están apoyadas en un texto, teniendo en cuenta nuestro acceso a la información. La primera imagen tuvo mucho impacto en la revistas. ¿Pero, eso gracias al rostro bonito o porque la guerra sí misma es un problema?. ¿ Quién se hubiera interesado por el futuro de una niña en un campo de refugiados sin el impacto del rostro y de la mirada ( mientras el autor ni siquiera conocía su nombre )?. ¿En nuestras sociedades tiene una mirada seductora y conmovedora, más impacto de sensibilización a la guerra, que imágenes de pueblos agobiados en un campo?. En el momento de la guerra, el 75% de los norteamericanos apoyaban los bombardeos. ¿Para que sirve buscar la niña bajo las bombas? ¿para disculparse? ¿para desviar la atención?. ¿No es exagerado averiguar por las más altas esferas de la seguridad norteamericana, si los ojos de la segunda foto corresponden a la misma persona? ¿No tenemos que entender, por fin, dos testimonios diferentes tras las dos fotos? ¿Y no sólo uno? ¿No atestiguan dos realidades diferentes en dos épocas diferentes? ¿Cómo? ¿de qué?, ¿de quién? ¿por quién son fabricados los símbolos? Si encontrar la chica después de tanto tiempo es una motivación personal del fotógrafo, ¿para qué sirve publicar el segundo retrato?. Ahora que la "imagen ha tenido derecho a la palabra", ¿no hay una contradicción entre nuestra percepción de los hechos y la manera de vivirlos, al oír las personas afectadas?. Por ejemplo, ¿cómo se percibe la burka en Afganistán o en Occidente?. Finalmente, una última pregunta con respecto al comercio. Inmediatamente después de la publicación del segundo retrato, ha sido creada una fundación para el "desarrollo y para dar oportunidades" a la educación de las jóvenes mujeres afganas. Sharbat Gula va, ella misma, a recibir una indemnización, de una manera u otra, por la difusión del primer retrato. No sé si es bueno o malo, no estoy aquí para decirlo, pero algo me llama la atención. Tengo que admitir que al comienzo, la historia de esas dos imágenes no me interesaba. Nunca he intentado conocer la identidad de la gente fotografiada en el marco del fotoperiodismo. Les veo como testimonios de realidades diferentes según las imágenes. Un reportaje trata de una situación particular, en un momento particular, vivida por un ser particular. Es lo que a mí me importa. No su nombre, apellido y situación familiar. Al final, subsiste una pregunta ¿Cuál es el sitio de cada uno en todo esto? la prensa, el fotógrafo, Sharbat Gula, por supuesto, los norteamericanos, los afganos y el espectador. Comentario: Laëtitia Taurand

PlayStation 2 celebra hoy su decimocuarto aniversario Se lanzó tal día como hoy en Japón en el año 2000 4 de marzo de 2000, la industria del videojuego da la bienvenida a la consola del Emotion Engine, la sucesora de la brillante PlayStation One, el sistema de entretenimiento digital más vendido de la historia de los videojuegos, PlayStation 2. Echando las cuentas por nosotros mismos o mirando la cuenta oficial de PlayStation, comprobaremos que hoy la consola cumple 14 años. Metal Gear Solid 2, Gran Turismo 3, Final Fantasy X, Ridge Racer V, Resident Evil: Code Veronica X, Tekken 4 y un largo etcétera dieron el pistoletazo de salida (que no juegos de inicio) a una larga lista de títulos que crearían historia en el mundo del videojuego. PlayStation 2 llegó también a tener multitud de periféricos entre los que se destacan la cámara PlayStation Eye o el disco duro que nunca llegó a territorio europeo. Una consola, PlayStation 2, que aún a día de hoy sigue vendiendose en muchos países y que ya ha vendido cerca de 160 millones de unidades en todo el mundo. El videojuego más vendido de la consola fue, sin duda alguna, Grand Theft Auto: San Andreas. Los europeos tuvimos que esperar hasta el 24 de noviembre para poder disfrutar de la máquina en nuestro televisor. Hoy estamos de celebración y no de una cualquiera sino de la gran PlayStation 2 que cumple ya 14 añitos entre nosotros. Corría el año 2000 cuando tal día como hoy, se lanzó en Japón y llegó para marcar un antes y un después en la industria de los videojuegos. PlayStation One dejó el listón muy alto y ser su sucesora no iba a ser una tarea fácil, pero nada más lejos de la realidad porque PS2 consiguió el récord de ser la consola más vendida de la historia, llegando a superar los 161 millones de unidades vendidas. Durante todo este tiempo ha pasado por muchas revisiones, desde la versión inicial hasta un modelo más ligero, al igual que suele pasar con la mayoría de consolas de Sony. Entre los muchos y variados accesorios que trajo consigo, podríamos destacar el primer modelo de EyeToy que nos enseñó otra forma de jugar sin necesidad de usar mandos, los micrófonos para convertir nuestra casa en un karaoke que no tenía nada que envidiar al resto o la guitarra inalámbrica que se comercializó por primera vez con Guitar Hero III. PlayStation 2 también destacó por ser algo más que una consola, ya que podía reproducir películas en DVD y música en CD. Hablando de videojuegos, lo que realmente importa, nos dejó aunténticas joyas de coleccionista como Metal Gear Solid 2, Final Fantasy X, God of War, Kingdom Hearts, Shadow of the Colossus, Grand Theft Auto: San Andreas y un largo etcétera. La consola sigue vendiendose a día de hoy aunque se dejó de producir el 13 de enero del año pasado, siendo Pro Evolution Soccer 2014 su último juego. Entre otros hitos, destaca haber conseguido ser la segunda consola más longeva, sólo superada por la Famicom de Nintendo, y la plataforma que más juegos tiene con una cifra que ronda los casi 11.000 títulos. Leer más: PlayStation 2 celebra su 14º aniversario http://www.hobbyconsolas.com/noticias/playstation-2-celebra-su-14-aniversario-64570#ZwA19nsUuXXnXWx9 OpenBank: SIN GASTOS NI COMISIONES. Hazte cliente, SIMPLIFICA Tu dinero siempre disponible cuando quieras

Texto de XAVIER VALIÑO publicado el 23 oct, 2013 en la categoría Las mejores portadas del rock, Revista “Ha pasado de ser el niño retratado en las portadas de U2 a ser quien retrata al grupo, cerrando el círculo que se había iniciado treinta y dos años atrás” El niño que apareció en la portada de “War” y en algunas más de U2, ha protagonizado una increíble historia que, décadas después, le ha unido de nuevo al grupo. Xavier Valiño nos la cuenta. Una sección de XAVIER VALIÑO. - Diseño: RX. Fotografía: Ian Finlay. Fecha de edición: 28 de febrero de 1983. Discográfica: Island. No es difícil entender por qué U2, entre cientos, miles de bandas, ha llegado a ser una de las más exitosas de la historia del rock. Probablemente para todos aquellos que rodeaban al cuarteto en sus inicios dublineses aventurarlo entonces hubiera sido una temeridad, pero el grupo tuvo bien claro desde sus inicios todo aquello que les rodeaba. Aquella determinación, aquella confianza, aquella seguridad en sí mismos cuando aún no habían cumplido los veinte años, era algo extraordinario. La portada de su álbum de debut es el ejemplo perfecto. Poco antes de editar su primer disco, U2 ya había publicado un epé y tres singles. El primero, “Three”, era un epé de tirada limitada a mil copias y compuesto por tres canciones elegidas por los oyentes de un programa de radio irlandés dirigido por Dave Fanning de entre aquellas que formaban parte de su incipiente repertorio. En la cara A aparecía ‘Out of control’, mientras que en su reverso se hallaban ‘Stories for boys’ y ‘Boy-girl’. Acorde con los títulos de los tres cortes, la portada mostraba a un niño en tres poses: en la que representaba a ‘Out of control’, la que ocupaba la imagen central e identificada con un cuadrado, se podía ver a este chaval con una expresión desafiante y el labio superior pintado de rojo; en ‘Stories for boys’, distinguida con un triángulo colocado hacia abajo, aparecía con un sombrero vaquero en su cabeza; por último, en ‘Boy-girl’, emparejada con un círculo, se encontraba mirando a una niña sonriente. La relación con su contenido era clara pero, ¿quién era aquel chaval? Pocos conocían su identidad entonces, aunque con el tiempo acabó por descubrirse. Se trataba de Peter Rowan [en la foto, con el grupo], hermano de Guggi (Derek Rowan), uno de los dos líderes y fundadores del grupo irlandés The Virgin Prunes junto a Gavin Friday. Él y su hermano vivían en la misma calle que Bono. Tanto Guggi como Friday habían formado años antes junto a Bono, el cantante de U2, una pandilla juvenil en Dublín llamada Lypton Village. Los tres estaban tan unidos que el apodo de Bono (de nombre real Paul David Hewson) se lo habían puesto sus dos amigos tras descubrir un audífono con el nombre de Bono Vox en una tienda de la calle comercial Mary Street de Dublín. Tres singles siguieron a aquel epé, antes de la edición de su primer álbum: ‘Another day’, ’11 O’clock tick tock’ y ‘A day without me’. Los diseños de sus carátulas incorporaban elementos distintos. Sin embargo, cuando en octubre de 1980 aparecía por fin su debut en larga duración, titulado “Boy”, aquel chaval era de nuevo el protagonista de su portada. Se puede decir que el mundo lo descubría entonces por primera vez, ya que el primer epé había tenido una circulación muy limitada. En aquel momento, Peter Rowan contaba seis años, y el retrato que le tomaron, en el que mira fijamente a la cámara, con una cierta sensación de desamparo, hace referencia a una pose similar de Jim Morrison, tal vez la más conocida del líder de The Doors. Aquella icónica imagen, titulada “American poet” y realizada por Joel Brodsky, en la que Morrison posa con el torso desnudo y los brazos en cruz como Jesucristo, aparecía en la portada de “The best of the Doors”. La idea partió de Bono y contó con la fotografía de Hugh McGuinness, en un retrato simple, como todos lo que vendrían detrás con el mismo protagonista, pero cargados de fuerza. U2 quería que el disco se titulase “Boy” y sabía que una de aquellas imágenes del chico tenía que ser la portada. Con los retratos fueron a visitar al diseñador Steve Averill, quien había formado parte del grupo dublinés The Radiators from Space y era, además, amigo de la familia del bajista Adam Clayton. Al igual que buena parte de los colaboradores de U2, tanto Hugh McGuinness como Steve Averill han seguido unidos al grupo durante los treinta y cinco años de trayectoria de la banda irlandesa, colaborando con ellos en varias ocasiones, algo nada extraño en el entorno de la banda, que mantiene aún sus cuatro componentes originales y sigue con el mismo mánager desde el primer día. El diseño de ese primer álbum refleja claramente la seguridad de los casi adolescentes cuatro componentes de U2. Desde un principio quedó claro que no querían aparecer en la portada, a pesar de la insistencia de su compañía. Según Adam Clayton, “fue idea de Bono, en parte para que no se viese lo jóvenes que éramos y por otro lado para que no nos vendieran como un grupo de pop”. Además, el cuarteto sabía muy bien qué es lo quería, y ni siquiera pusieron el título del disco en la cubierta. Aquella intrigante imagen del niño les pareció suficiente carta de presentación. “Pensaban cada una de las cosas que hacían”, aseguró el diseñador Steve Averill. “No iban a consentir cualquier idea que les dieses y cogerla añadiéndole una pizca de sal. Si les proponías algo, aceptaban alguna cosa y rechazaban otras, lo que les hacía bastante diferentes del resto. Pensaban que iban a ser el grupo más grande del mundo. Lo mismo piensan todos, aunque no deja de ser extraño haber acabado trabajando con uno que lo logró”. En los Estados Unidos la imagen de la portada de “Boy” fue sustituida por una imagen borrosa de la fotógrafa Sandy Porter con los retratos de los cuatro componentes de la banda, ya que su discográfica en aquel país temía que el grupo fuera acusado de pedofilia. “Éramos tan ingenuos que ni se nos había ocurrido que podía suceder algo así”, aseguró Clayton. “Solo éramos una panda de jóvenes de Dublín con diecinueve años. Ni siquiera sabíamos qué era la pedofilia”. Hasta la reedición remasterizada de 2008 no se corrigió tal desaguisado en aquel país. En octubre del mismo año, 1980, un cuarto single extraído del álbum (‘I will follow’) mostraba de nuevo a Peter Rowen en otra imagen en blanco y negro, sin camiseta y tocando el hombro con su boca abierta, que coincidía con la que había aparecido en la contraportada de “Boy”. No sería la última vez que el chico aparecería en las portadas de U2, convirtiéndose en una imagen de marca recurrente del grupo a lo largo de los años. La más recordada es la portada de su tercer álbum, “War”, hecha cuando Rowen tenía ocho años. El grupo decidió volver a utilizarlo para comprobar cómo había cambiado su apariencia, qué había sucedido en su vida. En este caso, su inocencia parece haberse esfumado, mientras que su mirada es más agresiva, más desafiante y, por lo tanto, más relacionada con el título del disco, “Guerra”. Si a alguien le había pasado desapercibido su protagonista en sus anteriores tres apariciones en discos del grupo, ahora ya era toda una presencia rotunda y definitivamente intrigante. El equipo de diseño RX y el fotógrafo Ian Finlay se inspiraron en las fotografías de niños judíos que los nazis habían llevado a los campos de concentración durante la Segunda Guerra Mundial. Sobre un fondo formado por una pared de ladrillos aparece el retrato de Rowen, reproduciendo la imagen de su debut pero con una expresión más enojada. Por su parte, el nombre del grupo y el título del álbum aparecen en grandes letras rojas dispuestas en el lateral izquierdo de la carátula. Según la explicación de Bono, “al titular el disco así le estábamos dando una bofetada en la cara de la gente y, al mismo tiempo, nos alejábamos de la imagen amable que se tenía de U2. En lugar de poner tanques y armas en la portada, colocamos la cara de un niño. La guerra también puede ser una cosa mental, una cosa emocional entre quienes se aman. No tiene que ser algo físico”. Tres de los singles de aquel álbum contaban también con el chaval en su cubierta. ‘Sunday bloody sunday’ y ‘Two hearts beat as one’ llevaban la misma imagen del álbum, aunque tomada a una mayor distancia, mientras que en ‘New year’s day’ aparecía agarrado al palo de lo que podría ser el mástil de una bandera con una expresión de disgusto o desconcierto. Quince años tardaría el grupo en volver a utilizar una imagen de aquellas sesiones. En el single ‘The sweetest thing’ (octubre de 1998) el chaval de cinco años de la portada de “Boy” hacía su reaparición, en esta ocasión con su cara cubierta por una máscara de gas. El álbum que contenía esa canción inédita, el recopilatorio “The best of 1980-1990″ (noviembre de 1998), recuperaba un retrato de Rowen descartado para la portada de “War”, en el que se le veía con un casco militar. Según Bono, “se trataba de una gran fotografía, pero no fue usada en ‘War’ porque no tenía la emoción que buscábamos entonces”. Su última aparición hasta el momento ha sido en “Early demos”, un epé que acompañaba la caja “The complete U2″ (noviembre de 2004), en el que se incluían las canciones ‘Street missions’, ‘Shadows and tall trees (Demo)’ y ‘The fool’. En su portada se podía ver al Peter Rowen de la época de “Boy” aunque en esta ocasión con la cara pintada, de nuevo sobre un fondo blanco y con el torso desnudo. Curiosamente, hay otra imagen en la que él parece ser nuevamente el protagonista, pero nunca ha habido una confirmación oficial. Se trata del disco “B-sides”, que aparecía en algunas copias de la edición limitada de “The best of 1980-1990″ (noviembre de 1998). En este caso, el chaval parece haber sido fotografiado desde su espalda mientras posaba para la portada del single ‘I will follow’. Sin embargo, aquí el color de su cabello más oscuro apunta a que podría haberse hecho con otro niño buscando precisamente reproducir el reverso de aquella cubierta. eter Rowen [en la foto] cuenta hoy treinta y nueve años. Para él, participar en la portada de “Boy” no significó nada especial, aunque recuerda que pudo faltar al colegio un día y que, además de lo que pagaron a sus padres, él pudo atiborrarse de chocolatinas mientras realizaban la sesión. En cuanto a la portada de “War” todo lo que recuerda es que, tras la sesión, Bono lo llevó de vuelta a casa desde Dun Laoighaire (un suburbio costero de Dublín donde vivía el fotógrafo) y casi se estrella al estar enfrascado el cantante en una conversación con otro de los ocupantes del vehículo. “Es cierto que soy más famoso por esas fotografías que por cualquier otra cosa que haya hecho desde entonces”, ha declarado en varias ocasiones. Por suerte, Rowen no está traumatizado como el protagonista de la carátula del disco de Nirvana “Nevermind”, Spencer Elden, a quien todo el mundo conoce por una fotografía hecha cuando era un bebé en la que aparece desnudo. Tras participar en aquellas portadas, Rowen fue expulsado del colegio a los quince años. En ese momento, un productor sueco lo descubrió en el vídeo de la canción de U2 ‘Two hearts beat as one’ y viajó hasta Dublín para ficharlo para una superproducción cinematográfica. Como resultado, Rowen buscó un agente, asistió a clases de interpretación y participó en anuncios de varias compañías como Fanta, así como haciendo pequeños papeles en las películas “The Commitments” (el tímido patinador) o “Café irlandés” (como Sonny Curley). Después se fue alejando de aquel mundo en el que se había iniciado años atrás gracias a la banda irlandesa. Su creciente pasión por el monopatín le llevó a contar con varios patrocinadores y ganar trofeos en distintas competiciones, llegando a ser el campeón irlandés de esa disciplina. Tras retirarse, abrió la tienda Pete Skate en Dublín. Al poco tiempo, empezó a compaginar su trabajo con el de asistente de un conocido fotógrafo de la ciudad, hasta que en 1996 montó su propio negocio. En una ocasión, vivió una anécdota curiosa. Lo enviaron a retratar a un conocido juez irlandés y acabaron charlando de su cámara Hasselblad. Tras seguir profundizando en la conversación, descubrió que se trataba de Ian Finlay, el autor de la instantánea para la portada de “War”. Casi tres décadas después, con Finlay retirado de la fotografía y convertido en magistrado, los papeles se invertían: el retratado en aquella portada era ahora quien disparaba la cámara, mientras que el fotógrafo de entonces había pasado a ser el protagonista de la sesión. Aunque está especializado en fotografía de bodas y ceremonias, en el 2001 Rowen cubrió un concierto de U2 en el Castillo Slane de Dublín para la revista “The Irish Times”. Sin que el grupo lo supiera ni lo reconociera, estuvo retratándolos desde el foso delante del escenario. Meses después, The Edge, el guitarrista de la banda, vio aquellas fotografías y quedó gratamente impresionado. A raíz de ello, el grupo invitó a Peter a acompañarles en tres de las ciudades por las que pasó la gira U2 360: Roma, París y Montreal. Las imágenes que tomó sirvieron posteriormente para ilustrar camisetas, posters e incluso el disco doble en directo “U22″ de edición limitada para los suscriptores del portal u2.com. Finalmente, Peter Rowen ha acabado encontrando su vocación en aquello por lo que se había dado a conocer cuando tenía cinco años: la fotografía. Es más, ha pasado de ser el retratado en las portadas de U2 a ser quien retrata al grupo, cerrando el círculo que se había iniciado treinta y dos años atrás.

El país de los boludos Por José Pablo Feinmann Bastará con verificar que –en el lenguaje de los jóvenes, sobre todo– la palabra boludo ha reemplazado al modismo, típico de la argentinidad, che. Hoy, los jóvenes no dicen: “Cortala, che”. No dicen: “Ni ahí, che”. No dicen: “No me cabe, che”. Los jóvenes dicen: “Cortala, boludo”. Dicen: “Ni ahí, boludo”. Dicen: “No me cabe, boludo”. Pareciera, la palabra “boludo”, un reconocimiento (tal vez no consciente) del estado de las cosas, no un agravio. Pero no nos adelantemos. En principio bastará con verificar este decisivo desplazamiento lingüístico: del tradicional “che” se ha pasado al “boludo”, extrayéndole toda connotación agresiva para, limándolo, mantenerlo en el nivel referencial. Así, cálidamente, se dice: “Escucháme, boludo”. O “no vayás, boludo”. O “el bondi te deja mejor que el subte, boludo”. Nadie ignora todo lo que un buen chiste expresa de una situación social o política. Los chistes que ha generado el menemismo son interminables y todos dicen algo de la situación básica que los ha producido: el menemismo, por supuesto. Pero yo elegiría uno entre los más destellantes y representativos. Uno en que la palabra “boludo” es decisiva y denota una situación histórica. Un tipo le dice a otro: “¿Sabés cómo le dicen a Menem?” El otro tipo dice: “No”. El primero dice: “El rey de los boludos”. El otro pregunta: “¿Por qué?”. El primero explica: “Porque él es el rey y nosotros los boludos”. La gracia del chiste (si me lo preguntan, creo que se trata de un chiste muy gracioso y bien armado) radica en atribuirle, primero, a Menem, una expresión tradicionalmente despectiva: sería, en efecto, “el rey de los boludos”, es decir, el más boludo de todos, el más tonto, el más idiota. Sin embargo, luego, sorpresivamente (un chiste siempre, o casi siempre, esconde un remate sorpresivo), la expresión “el rey de los boludos” deja de ser despectiva y es valorativa, porque “el rey de los boludos” es un rey, es un monarca, alguien que gobierna y, como todo monarca, tiene súbditos. Estos súbditos tienen un nombre, que primero creíamos se atribuía al rey, pero no, no se atribuye al rey sino a los súbditos: porque “los boludos” son los súbditos, los súbditos del rey. De este modo “el rey de los boludos” es el monarca que ejerce poder sobre una especial categoría de súbditos llamados “los boludos”. Que somos, más exactamente, nosotros. El chiste, que en el inicio parecía agredir o señalar peyorativamente a Menem, nos señala, en su remate, a nosotros: los boludos somos nosotros y él es el rey, el monarca, el que nos transforma en boludos gobernándonos. Porque si por algo somos boludos es porque Menem es nuestro rey. Y lo hemos elegido. Cuando alguien escucha este chiste se ríe, jamás se indigna. Nadie dice: “Yo no soy un boludo ni Menem es mi rey”. No, los buenos y sufridos (y boludos) argentinos nos reímos y decimos “qué buen chiste, boludo”. Y nos asumimos como boludos y ya está claro por qué hemos dejado de decir “che” para señalarnos y ahora decimos “boludo”. Porque es así: antes nos señalábamos diciéndonos “che”. Por ejemplo: un amigo, luego de despedirse, se va del bar y de pronto descubrimos que hemos olvidado decirle algo. Lo llamamos. Le gritamos “¡Che!”. No más. Ahora le gritamos: “¡Boludo!”. Todo esto no lo digo porque sí. Se me ocurrió, como muchas otras cosas, tomando un café en el bar de la esquina de mi casa. Estoy con un amigo y mi amigo lee el diario. Lee los sucesos de Ramallo. Que la bonaerense acribilló a los secuestradores y a los rehenes. Eso lee. De pronto, me dice que el comisario a cargo declaró que le habían tirado a las gomas. A las gomas del coche en que se escapaban los asaltantes con los rehenes. Tiraron, parece, entre ochenta y ciento setenta balas. Ni una le pegó alas gomas. Mi amigo me mira y pregunta: “¿Nos toman por boludos?”. Le digo que sí, que por supuesto, que nos toman por boludos. Que hace tiempo nos toman por boludos. Tanto, que los argentinos ya no somos los “che”, somos “los boludos”. Cuando Alsogaray decía “hay que pasar el invierno”, nos tomaba por boludos. Y después Onganía, y Lanusse, y el viejo Perón muchas veces, nos tomaron por boludos. Y cuando Videla decía “los desaparecidos están en el exterior” nos tomaba por boludos. Y cuando hablaron de la “campaña antiargentina” nos tomaron por boludos. Y cuando hicieron el Mundial y cuando le ganamos a Perú seis a cero nos tomaron por boludos. Y Alfonsín nos tomó por boludos cuando les dijo “héroes de Malvinas” a los carapintadas, y nos tomó por boludos cuando dijo “la casa está en orden”. Y Menem se hartó de tomarnos por boludos. Nos tomó por boludos durante más de diez años. Menem y los Yoma y María Julia Alsogaray y los que mataron a Cabezas y los que suicidaron a Yabrán. Todos nos tomaron por boludos. Y ahora los de LAPA y los acribilladores de Ramallo y los que ultrajaron tumbas judías en La Tablada y, antes, los que volaron la Embajada de Israel, los que volaron la AMIA esos –muy especialmente esos– nos tomaron por boludos. Y quienes los cobijan, quienes deberían descubrirlos y encarcelarlos y no lo hacen, esos, día a día, cada día que pasa un poco más, nos toman por boludos. Porque eso es lo que somos, porque al fin sabemos lo que somos: somos el país de los boludos. Hoy, al comandante Guevara no le dirían Ernesto Che. Le dirían Ernesto Boludo. Y no por culpa de él, sino nuestra. Mi amigo, ahí, en el bar de la esquina, tristemente dobla el diario y lo deja sobre la mesa. Llama al mozo. Pide un café. Veo en sus ojos el destello de la bronca. De la indignación. Tal vez de la rebeldía. Me mira. Y dice: “No se puede seguir así”. El mozo le trae el café. Bebe un lento sorbito, con cuidado, como para no quemarse. Me mira otra vez y dice: “Hay que hacer algo, boludo”.Es un comienzo.

HOLA GENTE! COMO VA? TODO BIEN? BUENO, YO TAMPOCO, EN ESTA OCASION QUERIA PROPONERLES UN POST QUE EXPLIQUE EL SIGNIFICADO Y EL ORIGEN DE LAS LETRAS DE ALGUNOS CLASICOS DEL MUNDO DEL ROCK Y EL METAL EN GENERAL, PUEDEN SER LAS HISTORIAS EN LAS QUE ESTAN INSPIRADAS ESTAS CANCIONES O EL MENSAJE QUE NOS DEJAN. EN TODOS LOS CASOS ES UN TEMA DE INTERPRETACION, SINCERAMENTE ESPERO QUE LES GUSTE! ACLARACION: ANTES DE EMPEZAR ME GUSTARIA ACLARAR ALGO, LAS CANCIONES Y LAS BANDAS SOBRE LAS QUE TRATA EL SIGUIENTE POST SON ELEGIDAS POR MI, ES DECIR, SON TEMAS DE ROCK, METAL, ETC... POR ENDE SE BASAN EXCLUSIVAMENTE EN MI GUSTO PERSONAL, ASI QUE ESPERO QUE SI TIENEN ALGUNA SUGERENCIA LA COMENTEN CON RESPETO Y NO ME VENGAS CON "COMO VAS A PONER ESE TEMA FLACO" "ESA BANDA ES DE POSER" "LA TENES CHIQUITA", SI LO VAS A HACER AHORRATE EL COMENTARIO, ANTE CUALQUIER DUDA PUEDEN TAMBIEN MANDARME UN MP. AHORA SI, EMPECEMOS. EL POST ES LARGO, ASI QUE TE RECOMIENDO QUE LO DEJES CARGAR. CLIP LETRA I Can't Remember Anything Can't Tell If this Is True or Dream Deep down Inside I Feel to Scream this Terrible Silence Stops Me Now That the War Is Through with Me I'm Waking up I Can Not See That There Is Not Much Left of Me Nothing Is Real but Pain Now Hold My Breath as I Wish for Death Oh Please God,wake Me Back in the Womb its Much Too Real in Pumps Life That I must Feel but Can't Look Forward to Reveal Look to the Time When I'll Live Fed Through the Tube That Sticks in Me Just like a Wartime Novelty Tied to Machines That Make Me Be Cut this Life off from Me Hold My Breath as I Wish for Death Oh Please God,wake Me Now the World Is Gone I'm Just One Oh God,help Me Hold My Breath as I Wish for Death Oh Please God Help Me Darkness Imprisoning Me All That I See Absolute Horror I Cannot Live I Cannot Die Trapped in Myself Body My Holding Cell Landmine Has Taken My Sight Taken My Speech Taken My Hearing Taken My Arms Taken My Legs Taken My Soul Left Me with Life in Hell ... INFO La letra y tema de la canción se basan en la novela de Dalton Trumbo "Johnny tomó su fusil", hablando sobre un hombre que perdió sus extremidades, vista, oído y voz en la explosión de una mina terrestre en la guerra. Este despierta en una camilla médica y conectado a máquinas que lo mantienen vivo. Al principio de la canción, su protagonista cree experimentar un sueño. Dándose cuenta de que se encuentra en la realidad, y al resultar su cuerpo «una barrera que no le permite moverse» («trapped in myself»), expresa su deseo de morir. Poster de "Johnny tomó su fusill" (1971) El argumento de la pelicula trata sobre un soldado estadounidense que es herido por una explosión durante la Primera Guerra Mundial. En dicho accidente, Johnny pierde todas sus extremidades, y los sentidos de la vista, el oído, el olfato y el gusto. Reducido a un torso viviente, y aislado casi completamente de la realidad, rememora sus recuerdos más importantes, hasta que éstos le consumen en sueños y pesadillas y se ve incapaz de distinguir la realidad de la fantasía. Tras varios años incapacitado, consigue comunicarse con los médicos y generales por medio de Código Morse, moviendo en espasmos la cabeza hacia delante y hacia atrás. Pide que lo maten, pero su petición es ignorada, y su cuerpo inútil e inmovilizado es abandonado en un almacén, y conservado para el estudio y el avance de la medicina. Escena de la pelicula donde una enfermera intenta terminar con el sufrimiento de johnny Obviamente Metallica hizo esta cancion como un mensaje antiguerra, mostrandonos el horror que sucede en el campo de batalla, si bien la pelicula tambien es pro-Eutanasia, no quiere decir necesariamente que tenga que ver al 100% con la canción. CLIP LETRA Kill for gain or shoot to maim But we don't need a reason The Golden Goose is on the loose And never out of season Some blackened pride still burns inside This shell of bloody treason Here's my gun for a barrel of fun For the love of living death. The killer's breed or the demon's seed, The glamour, the fortune, the pain, Go to war again, blood is freedom's stain, But don't you pray for my soul anymore. 2 minutes to midnight The hands that threaten doom. 2 minutes to midnight To kill the unborn in the womb. The blind men shout let the creatures out We'll show the unbelievers The napalm screams of human flames Of a prime time Belsen feast...YEAH! As the reasons for the carnage cut their meat and lick the gravy, We oil the jaws of the war machine and feed it with our babies. The body bags and little rags of children torn in two And the jellied brains of those who remain to put the finger right on you. As the madmen play on words and make us all dance to their song, To the tune of starving millions to make a better kind of gun. Midnight...all night... INFO "2 Minutes to Midnight" es una canción de la banda de heavy metal Iron Maiden. Publicada como el décimo sencillo de la banda y la segunda pista de su quinto álbum Powerslave. El sencillo tiene referencias al reloj del apocalipsis, el reloj simbólico usado por el "Bulletin of the Atomic Scientists" (en español Boletín de Científicos Atómicos). En septiembre de 1953 el reloj alcanzó las 11:58, lo más cerca que el reloj ha estado de la medianoche. Esto ocurrió cuando los Estados Unidos y la Unión Soviética probaron la bomba atómica con una diferencia de nueve meses entre ellos. El primer solo de guitarra es tocado por Dave Murray, seguido por un solo de guitarra tocado por Adrian Smith. El Reloj del Apocalipsis, también llamado "del Juicio Final", es un reloj simbólico, mantenido desde 1947 por la junta directiva del Boletín de Científicos Atómicos de la Universidad de Chicago Este reloj usa la analogía de la especie humana estando siempre "a minutos de la medianoche", donde la medianoche representa la "destrucción total y catastrófica" de la Humanidad. Originalmente, la analogía representaba la amenaza de guerra nuclear global, pero desde hace algún tiempo incluye cambios climáticos, y todo nuevo desarrollo en las ciencias y nanotecnología que pudiera infligir algún daño irreparable. Caratula de "two minutes to midnight" Si bien no es el unico tema de iron maiden que trata sobre la guerra, (como "the trooper", o algunos temas del album "a matter of life and death" y muchos otros), este termino siendo uno de los mas destacados, ya que la guerra fria es un icono del siglo XX. CLIP LETRA I can't believe the news today Oh, i can't close my eyes And make it go away How long... How long must we sing this song? How long? how long... 'cause tonight...we can be as one Tonight... Broken bottles under children's feet Bodies strewn across the dead end street But i won't heed the battle call It puts my back up Puts my back up against the wall Sunday, bloody sunday Sunday, bloody sunday Sunday, bloody sunday And the battle's just begun There's many lost, but tell me who has won The trench is dug within our hearts And mothers, children, brothers, sisters Torn apart Sunday, bloody sunday Sunday, bloody sunday How long... How long must we sing this song? How long? how long... 'cause tonight...we can be as one Tonight...tonight... Sunday, bloody sunday Sunday, bloody sunday Wipe the tears from your eyes Wipe your tears away Oh, wipe your tears away Oh, wipe your tears away (sunday, bloody sunday) Oh, wipe your blood shot eyes (sunday, bloody sunday) Sunday, bloody sunday (sunday, bloody sunday) Sunday, bloody sunday (sunday, bloody sunday) And it's true we are immune When fact is fiction and tv reality And today the millions cry We eat and drink while tomorrow they die (sunday, bloody sunday) The real battle just begun To claim the victory jesus won On... Sunday bloody sunday Sunday bloody sunday... INFO "Sunday Bloody Sunday" es una canción de la banda irlandesa de rock U2. Es la canción de apertura y tercer sencillo del álbum War (1983). Fue escrita a raíz de los incidentes del llamado Domingo Sangriento de 1972, en el que murieron 14 personas; su letra describe el horror sentido por un observador de "Los problemas" en Irlanda del Norte. Un mural recuerda la batalla del Bogside, en Londonderry (Ulster) El sencillo fue lanzado en marzo de 1983 en Alemania y Holanda solamente, mientras que "Two Hearts Beat as One" fue lanzado por las mismas fechas en Estados Unidos, Reino Unido y Australia. Al igual que "New Year's Day", la canción ayudó a U2 a conseguir mayores audiencias. Generalmente fue bien recibida por los críticos. Fotografia que capta la batalla en Londonderry La canción es una de las principales de U2, siendo utilizada reiteradamente por ellos en conciertos en vivo desde la fecha de su lanzamiento. Esta causó controversia durante sus primeras interpretaciones; a pesar de esto, Bono insistió a su audiencia en el mensaje anti-violencia durante muchos años. CLIP LETRA Maybe I don't really wanna know How your garden grows cos I just want to fly Lately, did you ever feel the pain? In the morning rain as it soaks you to the bone Maybe I just want to fly I want to live I don't want to die Maybe I just want to breathe maybe I just don't believe Maybe you're the same as me we see things they'll never see you and I were gonna live forever I said maybe I don't really wanna know How your garden grows cos I just want to fly Lately, did you ever feel the pain? In the morning rain as it soaks you to the bone Maybe I will never be all the things that I want to be But now is not the time to cry now's the time to find out why I think you're the same as me we see things they'll never see you and I We're gonna live forever Maybe I don't really wanna know How your garden grows cos I just want to fly Lately, did you ever feel the pain? In the morning rain as it soaks you to the bone Maybe I just want to fly I want to live I don't want to die Maybe I just want to breathe maybe I just don't believe Maybe you're the same as me we see things they'll never see you and I You and I are gonna live forever We're gonna live forever Gonna live forever Gonna live forever Gonna live forever Gonna live forever Gonna live forever INFO "Live Forever" (en español, «Viviremos para siempre») es una canción de la banda británica Oasis, escrita por Noel Gallagher. La canción se lanzó como el tercer sencillo de su álbum debut Definitely Maybe el 8 de agosto de 1994, justo antes del lanzamiento del álbum. En un concierto en Manchester, la banda homenajeo a john lennon, tambien lo hizo en wembley y otras giras. Gallagher escribió esta canción en 1991, antes de integrarse a Oasis. Inspirada por la canción de The Rolling Stones "Shine a Light", Live Forever presenta una estructura básica y sus letras muestran una visión optimista que contrarrestan con la actitud de las bandas de grunge de la época. La canción recibió elogios de la crítica y fue el primer sencillo de Oasis en entrar dentro de los mejores diez en el Reino Unido. Si bien su letra esta inspirada en un cancion de los stones, es a la vez un pequño homenaje a varios artistas, en especial a john lennon. La caratula muestra la casa de John Lennon Cabe destacar que la portada del sencillo muestra el hogar de infancia de Lennon, 251 Menlove Avenue. El video estadounidense, dirigido por Nick Egan, muestra a la banda tocando en una oficina con fotos de John Lennon(Honorable maestro musical), Sid Vicious, Kurt Cobain, Jim Morrison, Brian Jones, Jimi Hendrix, Marc Bolan y Bobby Moore en la pared CLIP LETRA In this farewell There is no blood There is no alibi ‘Cause I’ve drawn regret From the truth Of a thousand lies So let mercy come And wash away What I’ve done I’ll face myself To cross out What I’ve become Erase myself And let go of What I’ve done Put to rest What you thought of me While I clean this slate With the hands Of uncertainty So let mercy come And wash away What I’ve done I’ll face myself To cross out What I’ve become Erase myself And let go of What I’ve done For what I’ve done I’ll start again And whatever thing May come Today this ends I’m forgiving What I’ve done I’ll face myself To cross out What I’ve become Erase myself And let go of What I’ve done What I’ve done Forgiving what I’ve done INFO What I've Done (en español, Lo que he hecho) es el primer sencillo del tercer álbum de Linkin Park, Minutes To Midnight. Estuvo por primera vez al aire el 30 de septiembre de 2007, y fue lanzado digitalmente, el 1 de octubre de 2007. El sencillo en CD fue lanzado el 29 de octubre de 2007. Fue la última canción en terminarse para el álbum al Igual que la canción Somewhere I Belong de el disco anterior de la banda Meteora que también fue lanzada como primer single de su respectivo Album. Escena del videoclip oficial. El video musical de "What I've Done" explora las muchas ironías de la humanidad y sus efectos nocivos sobre la tierra y el medio ambiente. Presenta clips de un hombre grande y regordete comiendo comida rápida, una mujer midiendo su cintura y un hombre que está tan desnutrido que sus costillas se ven a través de su piel, clips de afroamericanos estableciéndose y el Ku Klux Klan, clips de explosiones nucleares, las torres del World Trade Center derrumbándose, clips de niños ondeando banderas estadounidenses, un niño de Oriente Medio sosteniendo un AK-47, clips de tanques petroleros desgarrados por la mitad y pájaros cubiertos de petróleo. Esta cancion hizo su aparicion en "Transformers" Se presenta secuencias del grupo tocando en el desierto, intercaladas con extractos de gran variedad de cuestiones sociales y medioambientales que incluyen polución, calentamiento global, racismo, nazismo, sectas religiosas,hambruna, terrorismo, guerras, deforestación, pobreza, drogadicción, obesidad, destrucción, aumento del precio de la gasolina y crímenes cometidos por la humanidad. El video también muestra figuras históricas importantes, como la Madre Teresa, Buda, Abraham Lincoln, Robert Kennedy, Fidel Castro, Sadam Huseín, Iósif Stalin, Adolf Hitler, Mao Zedong y Mahatma Gandhi, así como también muestra hechos históricos como la Segunda Guerra Mundial, la Guerra de Vietnam, la Revolución Cubana, la Caída de las Torres Gemelas, la Guerra de Irak y eventos derivados de la Guerra Fría. CLIP LETRA Welcome to the jungle we've got fun and games We got everything you want honey, we know the names We are the people that can find whatever you may need If you got the money honey we got your disease In the jungle, welcome to the jungle Watch it bring you to your knnn knne knees, knees I want to watch you bleed Welcome to the jungle we take it day by day If you want it you're gonna bleed but it's the price to pay And you're a very sexy girl that's very hard to please You can taste the bright lights but you won't get there for free In the jungle welcome to the jungle Feel my, my, my serpentine Ooh, I want to hear you scream Welcome to the jungle it gets worse here every day Ya learn to live like an animal in the jungle where we play If you hunger for what you see you'll take it eventually You can have everything you want but you better not take it from me And when you're high you never ever want to come down So down, so down, so down, yeah You know where you are? You're down in the jungle baby, you're gonna dieee In the jungle welcome to the jungle Watch it bring you to your knees, knees In the jungle welcome to the jungle Feel my, my, my serpentine In the jungle welcome to the jungle Watch it bring you to your knees, knees In the jungle welcome to the jungle Watch it bring you to you Its gonna bring you down, ha!! INFO Welcome to the jungle ("Bienvenidos a la jungla" en español) fue escrita por Axl Rose. Según el, la inspiración para escribir la letra le vino de un encuentro que tuvo con un vagabundo mientras caminaba por la ciudad de Los Angeles, el hombre después de asaltarlo le gritó: "You know where you are?, you're in the jungle baby, you gonna die!" ("¿Sabes dónde estas?, estas en la jungla nene, ¡vas a morir!" William Bruce Bailey (axl rose) solo tenia 25 años cuando lanzaron el videoclip oficial. Dicho incidente causó un gran impacto en Axl, el cual lo convirtió en uno de los temas más representativos de la historia del rock & roll, considerado por VH1 como la mejor canción de hard rock y la segunda mejor canción de Heavy Metal de todos los tiempos. Mientras que el incidente de Los Angeles inspiró las letras, fueron escritas en Seattle, y describía a Los Ángeles. En un entrevista de 1988 en la revista Hit Parader, Rose decía escribí las palabras en Seattle. Es una gran ciudad, pero aun así es una ciudad pequeña comparándola con L.A. y de las cosas que vas a aprender. Parecía mucho más rural allí. Escribí como me pareció a mí. Si alguien llega a un pueblo y quiere encontrar algo, puede encontrarlo donde quiera. caratula de "welcome to the jungle" Otra línea "I wanna watch you bleed" fue originariamente escrito como una alusión al tema de AC-DC If you want blood (You´ve got it), y la letra de la canción I want you to bleed for me, pero Axl cambió las letras una semana antes de grabar la canción y la métrica de la letra revisada coincidía mejor. CLIP LETRA I'm rolling thunder, pouring rain I'm coming on like a hurricane My lightning's flashing across the sky You're only young but you're gonna die I won't take no prisoners won't spare no lives Nobody's putting up a fight I got my bell I'm gonna take you to hell I'm gonna get ya, satan get ya Hells bells Hells bells, you got me ringing Hells bells, my temperature's high Hells bells I'll give you black sensations up and down your spine If you're into evil, you're a friend of mine See the white light flashing as I split the night Cos if good's on the left then I'm sticking to the right I won't take no prisoners won't spare no lives Nobody's puttin' up a fight I got my bell I'm gonna take you to hell I'm gonna get ya satan get ya Hells bells Hells bells, you got me ringing Hells bells, my temperature's high Hells bells Hells bells, satan's coming to you Hells bells, he's ringing them now Those hells bells, the temperature's high Hells bells, across the sky Hells bells, they're taking you down Hells bells, they're dragging you down Hells bells, gonna split the night Hells bells, there's no way to fight Hells bells INFO Hells Bells (Campanas del infierno) es la primera canción del álbum Back In Black(1980), primer disco luego de la muerte de Bon Scott, y primer disco en el cual Brian Johnson es el cantante. AC/DC toco Hells Bells en el estadio de River Plate, en su gira por Argentina. La canción comienza con cuatro campanadas, y luego la introducción tocada por Angus Young en la guitarra principal. Eventualmente empiezan a aparecer Malcolm Young, con una segunda guitarra, el bajo de Cliff Williams y la batería de Phil Rudd. La canción fue escrita como homenaje para el ex cantante de AC/DC(ya fallecido),Bon Scott. segun el certificado medico oficial Bon Scott murio de " intoxicación etílica y muerte accidental por broncoaspiración; es decir, se ahogó con su propio vómito, sin embargo esto fue desmentido mas tarde por su amigo y testigo de la noche en que murio Alistair Kinnear La canción aparece también en el álbum Who Made Who.Datos curiosos:Luego del ataque terrorista del 11 de septiembre, el tema figuró en la lista de canciones inapropiadas post 9-11, distribuida por Clear Channel. También es usada como himno por el FC St. Pauli (equipo de futbol aleman). CLIP LETRA I've been around this world Yet I see no end All shall fade to black again and again This storm that's broken me My only friend In this river all shall fade to black In this river ain't no coming back In this river all shall fade to black Ain't no coming back Withdrawn I step away Just to find myself The door is closed again The only one left This storm that's broken me My only friend In this river all shall fade to black In this river ain't no coming back In this river all shall fade to black In this river all shall fade to black In this river ain't no coming back In this river all shall fade to black Ain't no coming back....... INFO "In This River" es una canción de la banda de heavy metal Black Label Society., ofrecida en el año 2005 en su sexto álbum de estudio "mafia". Realizada enteramente por el guitarrista, vocalista y pianista de Zakk Wylde (que también escribió y produjo la canción), y que fue lanzado como el tercer sencillo del álbum y alcanzó el número treinta y dos en el Mainstream rock Tracks de Billboard Hot. Zack tambien supo tocar con Ozzy Osbourne desde 1987 hasta 2009 Un error común es que Wylde escribió la canción como un homenaje a su amigo "Dimebag" Darrell Abbott (ex guitarrista de Pantera y Damageplan bandas), quien fue asesinado el 8 de diciembre de 2004. De hecho, él escribió las letras de muchos meses antes del incidente, y posteriormente comenzó a dedicar la canción a él. Sobre el tema de la dedicación, Wylde explica que "estaba mirando las letras, y me dijo: 'Hombre, esto tiene que ser la melodía de Dime', por lo que sólo lo hizo la canción de moneda de diez centavos y así es como el video se produjo. Darrell Lance Abbott mas conocido como Dimebag Darrell o Diamond Darrell fue uno de los fundadores de la mitica banda "pantera", en 2004 fallecio tras recibir 5 disparos en la cabeza durante un concierto de Damageplan en Columbus, Ohio, El asesino también murió disparado por el agente de policía James D. Niggemeyer en el escenario. En julio de 2007, DeServio y Catanese dejaron la banda para iniciar nuevos proyectos, Wylde se dedicó de tiempo completo a Ozzy Osbourne. En el otoño de 2008 Black Label Society se juntaría nuevamente para editar un álbum mas, sin embargo el álbum nunca se completó. En 2009 se editó una compilación, Skullage. Zakk Wylde, en su cuenta personal de Twitter comentó la grabación de un nuevo álbum en el 2010, además de un estudio discográfico. En febrero de 2010 Craig Nunenmacher anunció su salida de la banda, dando paso al baterista de Evanescence Will Hunt. El nuevo álbum Order Of The Black fue lanzado en agosto del 2010. CLIP LETRA Picture yourself in a boat on a river With tangerine trees and marmalade skies Somebody calls you, you answer quite slowly A girl with kaleidoscope eyes Cellophane flowers of yellow and green Towering over your head Look for the girl with the sun in her eyes And she's gone Lucy in the sky with diamonds Lucy in the sky with diamonds Lucy in the sky with diamonds Follow her down to a bridge by a fountain Where rocking horse people eat marshmellow pies Everyone smiles as you drift past the flowers That grow so incredibly high Newpaper taxis appear on the shore Waiting to take you away Climb in the back with your head in the clouds And you're gone Lucy in the sky with diamonds Lucy in the sky with diamonds Lucy in the sky with diamonds Picture yourself on a train in a station With plasticine porters with looking glass ties Suddenly someone is there at the turnstyle The girl with the kaleidoscope eyes Lucy in the sky with diamonds Lucy in the sky with diamonds Lucy in the sky with diamonds. INFO "Lucy in the Sky with Diamonds" (en castellano: 'Lucy en el cielo con diamantes') es una canción escrita por John Lennon (aunque acreditada a Lennon/McCartney) y grabada por The Beatles para su álbum de 1967, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. La canción tiene un arreglo complejo, típico de las últimas composiciones Lennon. La mayor parte de la canción está en compás de 3/4, excepto el estribillo, donde cambia a 4/4. Se dice que fue la primera canción rock escrita en dos compases diferentes. Según The Beatles, un día de 1967, el hijo de John Lennon, Julian, llegó de la escuela con un dibujo que dijo era de su compañera de clase, una niña de cuatro años llamada Lucy. Cuando le enseñó el dibujo a su padre, el pequeño Julian lo describió como "Lucy - in the sky with diamonds". McCartney dijo que "La canción, como podrán imaginar, es sobre una alucinación". Los Beatles, sin embargo, han mantenido constantemente que el hecho de que las iniciales del título formen la palabra LSD, (Lucy in the Sky with Diamonds) es pura coincidencia, ya que el título fue tomado de un dibujo del hijo de John, Julian Lennon. El LSD o Dietilamida de ácido lisérgico comúnmente conocida como ácido, es una droga psicodélica semisintética que se obtiene de la ergolina y de la familia de las triptaminas. Segun los rumores, eso significan las siglas de (L)ucy In he (S)ky With (D)iamonds, vos que crees? Aunque Lennon y los Beatles han sido siempre sinceros sobre su consumo de drogas, durante décadas negaron que "Lucy in the sky with diamonds" tuviera algo que ver con la LSD. En una entrevista de 2004, Paul McCartney habló abiertamente sobre su etapa de consumo de drogas, revelando que canciones como "Day Tripper" y "Got To Get You Into My Life" fueron escritas sobre el LSD y la marihuana. Al preguntarle por "Lucy in the sky with diamonds", comentó que el dibujo de Julian había inspirado la canción, pero que era "bastante obvio" que la canción era sobre una alucinación. En una entrevista de 1971 Lennon recordó haber oído decir cómo las iniciales del título formaban claramente LSD, y comprobando si pasaba lo mismo con otras composiciones de los Beatles, encontraron que las canciones "no deletreaban nada". En 1980 confirmó que las imágenes fueron sacadas de "Alicia en el país de las maravillas" En "The Beatles Anthology" (2000), Ringo Starr afirmó que él estaba presente cuando Julian le enseñó a John ese "loco dibujo". Paul hace referencia a los ratos que John y él solían pasar en la sala de música de John intercambiando sugerencias para las letras diciendo «No nos dimos cuenta de las iniciales LSD hasta que fue cuestionado después, y en aquel momento nadie nos creyó». Aunque los Beatles dijeron que no nombraron la canción por las siglas LSD, la canción fue ideada y grabada en una época en la que experimentaban frecuentemente con LSD y creaban mucha música bajo su influencia."Lucy" es también el nombre callejero para la LSD, aunque el término fue inspirado por el título de la canción y no al revés. CLIP LETRA Welcome to out sanguinary sect of worship, Feel at home in our black conventicle, As we anathematise, All of those who oppose us, Don't summon the devil, Don't call the priests, If you need the strength, The conjuring. Obey!!! Behold the flames rise, From the compass' cardinal points, Burn the sacred oil, And, with the ashes you'll annoint, Arrange the symbols, Of the wizard, and, magician, Light the candles, Place the parchment paper in position, Between its leaves place, The lash from a black cat's eye, A straw of a broom, Fold, and, burn, and, centralise, Don't summon the devil, Don't call the priests, If you need the strength, The conjuring, I am the devil's advocate, A salesman, if you will, You know my name. [You know my name], I met your father years ago, Gave him what he'd please, He called my name, you'll do the same, I'm claiming what is mine by right, It's time to close the deal, You're bought and sold, bought and sold, Come join me in my infernal depths, Mephisto's hall of fame I've got your soul, I've got your soul, The conjuring. Obey!!! INFO "The Conjuring" es el segundo tack del segundo album de Megadeth: "Peace Sells... But Who's Buying? (La Paz se Vende... Pero Quién la Compra?). Dave Mustaine se inspiró en un artículo político para hacer el concepto y la canción "Peace Sells", y después creó el álbum entero. Esta canción, obviamente, describe una especie de ritual, probablemente inspirado por la participación de Dave con la brujería en esta etapa de su carrera. Los últimos versos hablan de como Satanás reclama el alma de alguien que ha hecho un pacto con él. Caratula de ""Peace Sells... But Who's Buying?" Ironicamente Dave Mustaine, líder y creador de la legendaria banda de thrash: Megadeth dijo en una entrevista que no tocará la canción 'the conjuring' del mítico album 'Peace sells....but who's buying' debido a que dicha canción fue hecha por Dave en sus días de drogadicción y practicar magia negra y ahora, que se convirtió al cristianismo, se niega a hacerlo porque va en contra de sus principios y porque prometió que no tocaría de nuevo esa canción. Cabe aclarar que no es el unico tema que no volvera a interpretar en vivo, tambien estan: "Good Mourning/Black Friday", "Bad Omen" y "My Last Words" “El cristianismo me salvó" fueron las palabras de Dave en una entrevista de una revista de actualidad britanica A mediados del 2012, se supo que Megadeth, estaba trabajando en el estudio, (Vic's Garage), y que saldría a la venta un nuevo disco, el número 14 de la banda. Luego a principios de 2013, Dave Mustaine en una entrevista confirma el nuevo nombre del álbum, llamado Super Collider, que ya esta a la venta en EE.UU y que saldrá a la venta en Latinoamérica, en junio de 2013. El 15 de mayo de 2013, Dave Mustaine confirma las fechas de su gira junto a la banda Black Sabbath, por Latinoamérica, llevando a cabo el denominado "Gigantour", creado por el mismo. VIDEO LETRA Sing me a song, you're a singer Do me a wrong, you're a bringer of evil The Devil is never a maker The less that you give, you're a taker So it's on and on and on ...it's Heaven and Hell, oh well The lover of life's not a sinner The ending is just a beginner The closer you get to the meaning The sooner you'll know that you're dreaming So it's on and on and on Oh it's on and on and on It goes on and on and on, Heaven and Hell I can tell, fool, fool! Well, if it seems to be real, it's illusion For every moment of truth, there's confusion in life Love can be seen as the answer But nobody bleeds for the dancer And it's on and on, on and on and on.... They say that life's a carousel Spinning fast, you've got to ride it well The world is full of Kings and Queens Who blind your eyes then steal your dreams ...it's Heaven and Hell, oh well And they'll tell you black is really white The moon is just the sun at night And when you walk in golden halls You get to keep the gold that falls It's Heaven and Hell No no fool, fool! You got to bleed for the dancer! Fool, fool, look for the answer! Fool, fool, fool! INFO "Heaven and Hell" es una canción del álbum titulado tambien "Heaven and Hell" del grupo de heavy metal Black Sabbath (esta alineación luego formaría el grupo Heaven and Hell). La canción fue casi en su totalidad hecha por Tony Iommi, pero como varias canciones de Black Sabbath se acredita a todo el grupo. La canción a traves de los años fue interpretada con varios vocalista nuevos que aparecieron en Black Sabbath como Ian Gillan, Glenn Hughes, Ray Gillen y Tony Martin. Incluso Rob Halford de Judas Priest (cuando el vocalista Ronnie James Dio se enfermo durante una gira). Caratula de Heaven and Hell Heaven & Hell es un álbum de Black Sabbath publicado en abril de 1980. Es el primer álbum del vocalista Ronnie James Dio (ex miembro de Rainbow) en la banda inglesa, y el primero con el productor Martin Birch. Heaven and Hell se convirtió en uno de los álbumes más vendidos de Black Sabbath después de la crisis que había sufrido con el despido de su anterior vocalista, Ozzy Osbourne. Para la grabación de este disco se recurrió a Geoff Nicholls como bajista, puesto que Butler había estado amenazando con dejar la banda y no participó en las sesiones de composición y ensayos del disco. Cuando Butler decidió quedarse en la banda, Nicholls pasó a tocar el teclado, un puesto que ocuparía en los conciertos del grupo durante veinte años, a pesar de que sólo fue miembro oficial durante menos de un año. Cuando se publicó el álbum, el batería Bill Ward dejó el grupo debido a problemas personales y a sus problemas con el alcohol y las drogas. Su sustituto fue Vinny Appice. Dio fallecio en 2010 a causa de un Cancer Estomacal, a sus 53 años de edad. Black Sabbath es considerada una de las bandas de heavy metal más influyentes de todos los tiempos. La banda ayudó a crear el género con lanzamientos tan innovadores como "Paranoid", un álbum del que la revista Rolling Stone dijo que "cambió la música para siempre", llamando a la banda "los Beatles del heavy metal" CLIP LETRA There's a lady who's sure all that glitters is gold And she's buying a stairway to heaven. When she gets there she knows, if the stores are all closed With a word she cant get what she came for. Ooh, ooh, and she's buying a stairway to heaven. There's a sign on the wall but she wants to be sure 'Cause you know sometimes words have two meanings. In a tree by the brook, there's a songbird who sings, Sometimes all of our thoughts are misgiven. Ooh, it makes me wonder, Ooh, it makes me wonder. There's a feeling I get when I look to the west, And my spirit is crying for leaving. In my thoughts I have seen rings of smoke through the trees, And the voices of those who stand looking. Ooh, it makes me wonder, Ooh, it really makes me wonder. And it's whispered that soon, if we all call the tune, Then the piper will lead us to reason. And a new day will dawn for those who stand long, And the forests will echo with laughter. If there's a bustle in your hedgerow, don't be alarmed now, It's just a spring clean for the May queen. Yes, there are two paths you can go by, but in the long run There's still time to change the road you're on. And it makes me wonder. Your head is humming and it won't go, in case you don't know, The piper's calling you to join him, Dear lady, can you hear the wind blow, and did you know Your stairway lies on the whispering wind? And as we wind on down the road Our shadows taller than our soul. There walks a lady we all know Who shines white light and wants to show How everything still turns to gold. And if you listen very hard The tune will come to you at last. When we all are one and one is all To be a rock and not to roll. And she's buying the stairway to heaven. INFO Stairway to Heaven" (Escalera al cielo) es una canción del grupo de rock británico Led Zeppelin, compuesta por el guitarrista Jimmy Page y el cantante Robert Plant e incluida en el cuarto trabajo de estudio de la banda, Led Zeppelin IV. Está considerada por muchos como uno de los puntos culminantes de la historia del rock. Poster de "stairway to heaven" Es una de las canciones más solicitadas en las emisoras de radio de los EE. UU, aunque no se ha publicado nunca en sencillo. El enorme éxito de la canción y la negativa de la banda a editar esta canción en sencillo ha podido contribuir a que Led Zeppelin IV sea uno de los álbumes más vendidos de la historia. No está enteramente claro si el título de la canción está inspirado en el título de una película. En las famosas revistas Guitar World y Rolling Stone, el solo de guitarra en La menor creado por Jimmy Page para esta canción fue elegido como el mejor de la historia, también la marca de instrumentos Gibson colocó este como el mejor en su lista de "Los Mejores 50 solos de la historia". Robert Plant y Jimmy Page La letra de "Stairway to Heaven" fue escrita por Robert Plant inspirándose en el libro de Lewis Spence Magic Arts in Celtic Britain, al contrario de lo que piensan muchos seguidores de las teorías conspirativas, que afirmaban que fue compuesta por Jimmy Page en su mansión en la orilla del lago Ness. Plant describe el proceso de la creación de la letra en Headley Grange: "Yo estaba sentado con Page en frente del fuego en Headley Grange. Page había compuesto algunas notas y entonces las tocó para mí. Tenía lápiz y papel y por alguna razón me sentía de muy mal humor. Entonces de repente mi mano comenzó a escribir las palabras. Sólo me senté ahí y observé las letras, y cuando las oí casi salté de mi asiento". En esta letra aparece mencionada una mujer de la que no se conoce su identidad. Page, al ser preguntado por ella, respondía que ella es Julie Condon, no se sabe si de modo sarcástico o veraz. Algunas fuentes citan a esta mujer como la Reina de Mayo, la que suele presidir las fiestas de primavera, aunque Plant daría una explicación al respecto: "Lo que es, es el comienzo de la primavera, cuando los pájaros hacen sus nidos, cuando empiezan la esperanza y el nuevo año. Y no tiene nada que ver con esas cosas raras que se leen en América." Acusaciones de satanismo: "Stairway to Heaven" ha sido acusada de contener mensajes satánicos cuando se reproduce hacia atrás aproximadamente en la mitad de la canción, dando como resultado el siguiente mensaje: "Oh here’s my sweet Satan. The one whose little path would make me sad, whose power is Satan. He’ll give those with him 666, there was a little toolshed where he made us suffer, sad satan". Este mensaje, en su traducción al español, significa: Oh aquí está mi dulce Satán. Aquel cuyo estrecho camino me hiciera triste, cuyo poder es de Satan. Él le dará a aquellos el 666, había un pequeño cobertizo donde él nos hacia sufrir, triste Satán". Esta afirmación fue negada por los miembros de la banda. Robert Plant, cantante y compositor de la letra de la canción, manifestó: "En primer lugar, ¿A quién se le hubiese ocurrido eso? Tienes que tener mucho tiempo libre para siquiera considerar que alguien pueda hacer eso. Y especialmente con 'Stairway to Heaven', estábamos tan orgullosos de ella, y sus intenciones son tan positivas. La sola idea me parece sucia, pero es muy americano, en ningún otro sitio del mundo nadie se lo ha planteado o se han preocupado por ello. Si los mensajes al revés funcionasen todos los discos llevarían 'compra este álbum' escondido". CLIP LETRA If you start me up if you start me up i'll never stop if you start me up if you start me up i'll never stop i've been running hot you got me ticking gonna blow my top if you start me up if you start me up i'll never stop you make a grown man cry spread out the oil, the gasoline i walk smooth, ride in a mean, mean machine start it up if you start it up kick on the starter give it all you got, you got, you got i can't compete with the riders in the other heats if you rough it up if you like it you can slide it up, slide it up don't make a grown man cry my eyes dilate, my lips go green my hands are greasy she's a mean, mean machine start it up if start me up give it all you got you got to never, never, never stop never, never slide it up you make a grown man cry ride like the wind at double speed i'll take you places that you've never, never seen start it up love the day when we will never stop, never stop never stop, never stop tough me up never stop, never stop, never stop you, you, you make a grown man cry you, you make a dead man cum you, you make a dead man cum. INFO Start Me Up es un canción del género rock compuesta por Mick Jagger y Keith Richards para su banda The Rolling Stones, editado como sencillo e incluido en el álbum Tattoo You del año 1981. Una primera versión de Start Me Up se grabó en Múnich durante las sesiones de estudio de Black and Blue y una segunda en las sesiones de 1978 para Some Girls. Los nombres dados a estas versiones eran Never Stop y Start It Up; la canción tenía originalmente un sonido más reggae. Con esta canción los Rolling Stones hicieron su aparición

frases de Eduardo Galeano Son cosas chiquitas. No acaban con la pobreza, no nos sacan del subdesarrollo, no socializan los medios de producción y de cambio, no expropian las cuevas de Alí Babá. Pero quizá desencadenen la alegría de hacer, y la traduzcan en actos. Y al fin y al cabo, actuar sobre la realidad y cambiarla, aunque sea un poquito, es la única manera de probar que la realidad es transformable. Realidad Yo me duermo a la orilla de una mujer: yo me duermo a la orilla de un abismo. Orilla Al fin y al cabo, somos lo que hacemos para cambiar lo que somos. Cambiar Hay un único lugar donde ayer y hoy se encuentran y se reconocen y se abrazan. Ese lugar es mañana. Mañana Hay quienes creen que el destino descansa en las rodillas de los dioses, pero la verdad es que trabaja, como un desafío candente, sobre las conciencias de los hombres. Desafío La industria norteamericana de armamentos practica la lucha contra el terrorismo vendiendo armas a gobiernos terroristas, cuya única relación con los derechos humanos consiste en que hacen todo lo posible por aniquilarlos. Terrorismo La violencia engendra violencia, como se sabe; pero también engendra ganancias para la industria de la violencia, que la vende como espectáculo y la convierte en objeto de consumo. Violencia La utopía está en el horizonte. Camino dos pasos, ella se aleja dos pasos y el horizonte se corre diez pasos más allá. ¿Entonces para que sirve la utopía? Para eso, sirve para caminar. Utopía La caridad es humillante porque se ejerce verticalmente y desde arriba; la solidaridad es horizontal e implica respeto mutuo. Solidaridad Sobre una torre había una mujer, de túnica blanca, peinándose la cabellera, que le llegaba a los pies. El peine desprendía sueños, con todos sus personajes: los sueños salían del pelo y se iban al aire. Mujer Las bombas inteligentes, que tan burras parecen, son las que más saben. Ellas han revelado la verdad de la invasión. Mientras Rumsfeld decía: “Estos son bombardeos humanitarios”, las bombas destripaban niños y arrasaban mercados callejeros. Niños El mundo es una gran paradoja que gira en el universo. A este paso, de aquí a poco los propietarios del planeta prohibirán el hambre y la sed, para que no falten el pan ni el agua.

HOY LES TRAIGO LA POSTA SOBRE ALGUNOS "DETALLITOS" DE QUIEN POSIBLEMENTE FUE LA MUJER MAS FAMOSA EN LA HISTORIA DE LA HUMANIDAD: CLEOPATRA Cleopatra, la verdad tras su mito. Antes de que muchos me empiecen a putear diciendo que Cleopatra en realidad existio y no es ningun mito, les voy a dejar en claro que estoy plenamente consciente de ello, el mito que en realidad estoy tratando de atacar es sobre "la imagen" que nos quedo de ella. En sintensis? es un resumen de detalles que por lo general se omiten en los libros de historia. Una vez aclarado esto, veamos un poco de historia: Cleopatra Filopator Nea Thea, o Cleopatra VII fue la última reina del Antiguo Egipto y de la dinastía ptolemaica, también llamada Lágida, fundada por Ptolomeo I Sóter, un general de Alejandro Magno. Fue la última del llamado Periodo helenístico de Egipto. Cleopatra nació hacia el año 69 a. C. y murió en el 30 a. C. Era hija de Cleopatra V Trifena y de Ptolomeo XII Auletes, de quien heredó el trono en el año 51 a. C., cuando tenía 18 años, junto con su hermano Ptolomeo XIII, de sólo 12, quien sería además su esposo. El padre de Cleopatra, Ptolomeo XII, conocido como "Auletes", era un soberano nada querido por su pueblo por la despreocupación que mostraba ante los graves problemas que asolaban a Egipto, por su manifiesta corrupción, y por ser más amante de las fiestas que de las cuestiones de Estado. Conseguía mantenerse en el trono gracias a la ayuda romana que recibía merced a sus continuos sobornos y promesas de tributos diversos. Roma estaba encantada de "ayudar" a Ptolomeo XII porque Egipto era para el Imperio una presa muy tentadora, y hacía tiempo que tenía los ojos puestos en el oro de ese país. En cada conflicto, Roma se prestaba gustosa como árbitro. En el año 58 a. C. con ocasión de un levantamiento popular, Ptolomeo, exiliado por su hija Berenice, se desplazó a Roma en busca de ayuda militar para sofocarlo. Quedaron como regentes del país su esposa Cleopatra y su hija mayor Berenice IV, quienes gobernaron durante un año hasta que Cleopatra murió. Los alejandrinos colocaron en el trono como única reina a Berenice IV y enviaron una delegación a Roma para que ésta arbitrase en el conflicto que enfrentaba a padre e hija. Ptolomeo XII consiguió el apoyo de Roma luego de haber pagado a Pompeyo una gran suma de dinero y prometerle que durante años le pagaría tributos. Consiguió derrotar al ejército de Archelaus, segundo marido de Berenice IV, y fue devuelto al trono. Uno de sus primeros actos fue mandar ejecutar a su hija Berenice, era el año 55 a. C. Ptolomeo XII Auletes reinó desde ese día hasta su muerte en el año 51 a. C; dejándole el trono a su hija Cleopatra VII Filópator y a su hijo Ptolomeo XIII Dioniso II (51-47 a. C.), que contaba aproximadamente con doce años, con quien ella tuvo que casarse por testamento de su padre. Ptolomeo XII dejó como tutor de ambos al regente de Roma, que en ese momento era Pompeyo, quien debía hacer cumplir el testamento y casar a los hermanos. Claro que esta unión era puramente legal ya que según se dice Cleopatra, extremadamente inteligente y ambiciosa, dejaba fuera de todas las decisiones a su hermano. Cleopatra tenía varios hermanos: Berenice IV, de la que ya se ha hablado, y Cleopatra VI como hermanas mayores -ésta última desapareció no se sabe cómo durante el reinado de su hermana Berenice-, una hermana menor llamada Arsínoe IV y dos hermanos menores llamados Ptolomeo XIII y Ptolomeo XIV, con los que se casó sucesivamente, según la ley de los lágidas, a cuya dinastía pertenecían, y que permitía el matrimonio entre hermanos. La educación de todos ellos fue puramente griega, según costumbre ptolemaica. Cleopatra fue el primer miembro de esta dinastía que aprendió a hablar el idioma egipcio; pero no sólo conocía este idioma sino también el griego, hebreo, sirio y arameo y quizás también el latín. Fue instruida así mismo en los campos de la literatura, música, ciencias políticas, matemáticas, astronomía y medicina. Además tenía fama de poseer modales dulces y refinados y una sugerente voz, cosas que hacían de ella una mujer muy seductora según Plutarco.1 Entre el 50 y el 49 a. C. los campesinos sufrieron graves hambrunas, se rebelaban y se unían a bandas de forajidos que causaban grandes males; la moneda egipcia se debilitaba y la lenta burocracia entorpecía la recuperación: el país dependía cada vez más de Roma. Además, en su propio entorno familiar tampoco iban bien las cosas. Su hermana menor Arsinoe, en desacuerdo con su política de ayuda a los romanos en señal de buena voluntad, aspiraba al trono y pronto surgieron las desavenencias también con su hermano-esposo. Ptolomeo XIII, muy joven y manipulable, era prácticamente manejado por tres consejeros muy hostiles a ella: el eunuco llamado Potino, el general Aquilas y el retórico Teodoto. Por consejo de ellos en 48 a. C. expulsó a su hermana del trono derrocándola con un comando dirigido por sus consejeros Pothinus y Achillas. Y la obligó al exilio eligiendo ella Siria. Desde esta región Cleopatra pretendió recuperar el poder, reuniendo un buen ejército para este fin, aunque no lo logró. EL 99,99 % DE LOS TARINGUEROS NO LEYÓ UN CARAJO DE LO ESCRITO ARRIBA. Pero igualmente no es de mucha importancia, no me malinterpreten siempre es bueno tomarse un tiempo y leer un poco, pero el articulo de que puse no es fundamental para entender el post. Muy bien, cuando a uno le dicen la palabra Cleopatra, lo que nos imaginamos instantaneamente es algo como esto: o esto... Y creanme no es de extrañar, ya que a lo largo de los siglos su nombre fue sinonimo de belleza y poder, no obstante durante las ultimas decadas se puso en duda tanto su hermosura como su cordura... Hace algunos años una antropóloga publicó un libro que rompe con todos los mitos en torno al mayor ícono femenino de la historia. Dice que su belleza legendaria fue inventada por los romanos para mostrar que arruinó a los emperadores mediante la seducción. Joyce Tyldesley, una antropóloga británica, sacó a la venta un libro donde comenta los resultados de su investigación, que derriban la mayor parte de los mitos en torno a la figura de la gobernante egipcia. Según Tyldesley, Cleopatra tenía mentón prominente, nariz ganchuda, jamás se desenrolló en una alfombra para presentarse ante Julio César ni se suicidó picada por una serpiente. Dos mil años después, “Cleopatra: la última reina de Egipto”, revela que la mítica figura femenina podría, además, haber sido negra. “Todos los que piensan en Cleopatra se imaginan a Elizabeth Taylor, pero lo cierto es que no sabemos realmente cómo fue ella”, explicó la investigadora. Y agregó: Hay registros donde se la ve con nariz y mentón grandes. Además, es probable que haya sido negra, ya que su ascendencia materna provendría del norte de África y la paterna de Macedonia. Y en cuanto a los baños de leche, no estoy muy convencida de que hayan ocurrido alguna vez.” De hecho, su hipótesis es que los romanos crearon la versión de su legendaria belleza, para mostrar que la reina había sido una mujer inmoral y artera que había usado la seducción para destruir a los emperadores Marco Antonio y Julio César. Incluso, los historiadores sospechan que la hija del emperador Ptolomeo XI, considerada una diosa por sus súbditos, recurría a atributos masculinos para afirmar su autoridad, porque así aparece retratada en algunas esculturas y estatuillas de la época. Busto de Cleopatra que data del año 40 a.c, hoy se exhibe en el museo de Berlin Sin embargo Cleopatra era inteligente y tenía facilidad para aprender idiomas, según Plutarco, por lo que era usual que interviniera en discusiones diplomáticas. Era erudita en ciencias y se rodeaba de intelectuales. Sus habilidades en la política las demostró cuando la crisis económica y social cayó sobre Egipto. Cleopatra devaluó la moneda para facilitar las exportaciones y se acercó a Pompeyo, creyendo que era el hombre más influyente de Roma, para evitar un conflicto entre Egipto y Roma. A Cleopatra se le ha atribuido una belleza excepcional; sin embargo, grabados y dibujos hallados dan testimonio de que su encanto radicaba en su personalidad más que en su aspecto físico. En la Universidad de Pekín se ha producido el descubrimiento de una losa con la imagen de Cleopatra en relieve vestida de hombre. Es la tercera representación de la reina egipcia que aparece con este atuendo, lo que hace pensar a los investigadores sobre su motivo. Se afirma que las reinas egipcias se vestían de hombre para aumentar la imagen de poder a través de la masculinidad. Según otros, Cleopatra aparece vestida de hombre por simple pereza de los artistas que realizaron los grabados. egún el egiptólogo Zahi Hawass, posiblemente Taposiris Magna sea el lugar depositario de los restos de Cleopatra y Marco Antonio; este es un antiguo templo griego, cercano a Alejandría, que fue fundado por la dinastía lágida o ptolemaica. Las excavaciones de 2008 descartan esta hipótesis. Moneda de Cleopatra en la que podemos comprender a lo que Cicerón se refiere cuando habla de su nariz. El mito clave: Cleopatra...se bañaba en leche de cabra? Uno de los mitos mas raros sobre la reina de egipto era que aparentemente se bañaba en leche de cabra y a veces de vaca para rejuvenecer su piel y preservar su belleza, esto es en parte cierto, pero la verdad es que muchas fuentes afirman que ella SE BAÑABA en semen; mandaba a sus esclavos a masturbarse y hacía que cayera todo sobre su "piscina" especial (imaginen la cantidad de esclavos para llenar la piscina). Bueno, el punto es que muchos afirman la eficacia de esta receta...Según la Universidad de Melandoe, es realmente efectivo, pues hicieron prácticas en 150 mujeres; 75 de las cuales se aplicaron semen en el rostro durante 1 mes, luego hicieron la debida comparación y los resultados fueron muy notorios, como la piel más tersa, senos más firmes, etc. Es por ello que reconocidas marcas de cosméticos emplean la fructuosa (componente esencial del semen) para las cremas faciales. Segun se dice, al finalizar sus baños de semen, Cleopatra mandaba a asesinar a los esclavos Su muerte: Los planes de Octavio eran tomar a la reina como prisionera y exhibirla en Roma durante la tradicional ceremonia conocida como Triunfo, simbolizando con ello la superioridad y la victoria sobre la humillada enemiga a la que el pueblo de Roma tanto odiaba. Esto aumentaría más si cabe su respaldo popular e impulsaría decisivamente sus aspiraciones políticas. Cleopatra se percató del final que la esperaba tras entrevistarse con Octavio, un hombre frío y calculador que a diferencia de César y Antonio no podría seducir o sugestionar de ningún modo. Viendo pues su futuro como esclava, tal vez en el reino del que había sido soberana (convertido ahora en la provincia romana de Egipto), Cleopatra eligió morir y tomó la decisión de suicidarse. Según la versión más extendida, pidió a sus criadas Iras y Charmion que le trajeran una cesta con frutas y que metieran dentro una cobra egipcia (el famoso áspid), responsable de su muerte, a finales de agosto del año 30 a. C. Otras versiones relatan que se quitó la vida al conocer el suicidio de su esposo. Antes de fallecer escribió una misiva a Octavio en la que le comunicaba su deseo de ser enterrada junto a Marco Antonio, y así se hizo. Se desconoce el lugar de su sepultura. Zahi Hawass la ubica en Taposiris Magna, a 30 Km de Alejandría, aunque las excavaciones realizadas en junio de 2008 descartaron esta hipótesis Sin dudas Cleopatra fue un personaje con mucha historia, y mas alla de sus virtudes y defectos, su nombre trasciende hasta nuestros dias...

HOY LES TRAIGO LA HISTORIA DEL "JEREMIAS SPRINGFIELD" ARGENTINO, ES UNA HISTORIA REAL Y MUY CURIOSA QUE SUCEDIO EN LA EPOCA COLONIAL, CUANDO AUN NO ERAMOS UN PAIS CONSOLIDADO. Carlos María de Alvear el Jeremias Sprigfield argenino Se acuerdan ese capitlulo de los Simpsons cuando Lisa descubre que el heroe fundador del pueblo era en realidad un pirata llamado Hans Sprungfeld, que intento asesinar nada mas ni nada menos que a George Washington? Bueno, si no lo viste entonces vivis adentro de un rabiol, aca esta su "historia": Resulta que el señor Carlos María de Alvear fue un militar y político argentino de larga trayectoria que ejerció el Directorio de las Provincias Unidas del Río de la Plata en 1815, cabe rescatar que Alvear fue uno de los pocos oficiales de carrera en participar de la Guerra de Independencia Hispanoamericana por el bando revolucionario. No dedicó mucho tiempo a sus obligaciones militares, ya que trabajó en la organización de la Logia Lautaro, un grupo secreto que intentaba corregir la dirección política del gobierno. Dirigió con San Martín la revolución del 8 de octubre de 1812, que reemplazó al Primer Triunvirato por el Segundo y que convocó a la Asamblea del año XIII... Para quien quiera mas informacion acerca de esto, aca les dejo un link que explica detalladamente la participacion de Alvear junto a nuestro famoso procer José de San Martin: LINK Hasta acá todo bien no? Bueno...Resulta que mas alla de todo Alvear no tenia en mente un pais independiente y una soberania innegociable, mas bien, todo lo contrario...Sólo quince días después de asumir, había enviado a Río de Janeiro al secretario de la Asamblea, Manuel José García, con el objetivo de impedir que la proyectada expedición española recibiera el apoyo de la corte portuguesa. Pero, entre otras cosas, García llevaba dos cartas: una para el embajador inglés en Río de Janeiro, Lord Strangford, y otra para el ministro de relaciones exteriores Castlereagh, que decia esto: Como se que ustedes son unos vagos de primera que no leen un carajo, les resalte lo mas importante de la carta. "Cinco años de repetidas experiencias han hecho ver de un modo indudable a todos los hombres de juicio y opinión, que este país no está en edad ni estado de gobernarse por sí mismo, y que necesita una mano exterior que lo dirija y contenga en la esfera del orden antes que se precipite en los horrores de la anarquía. Pero también ha hecho conocer el tiempo la imposibilidad de que vuelva a la antigua dominación, porque el odio a los Españoles, que ha excitado su orgullo y opresión desde el tiempo de la conquista, ha subido de punto con los sucesos y desengaños de su fiereza durante la revolución." "La sola idea de composición con los Españoles los exalta hasta el fanatismo, y todos juran en público y en secreto morir antes que sujetarse a la Metrópoli. En estas circunstancias solamente la generosa Nación Británica puede poner un remedio eficaz a tanto males, acogiendo en sus brazos á estas Provincias que obedecerán su Gobierno, y recibirán sus leyes con el mayor placer, porque conocen que es el único medio de evitar la destrucción del país, á que están dispuestos antes que volver á la antigua servidumbre, y esperan de la sabiduría de esa nación una existencia pacífica y dichosa. Yo no dudo asegurar á V.E., sobre mi palabra de honor, que éste es el voto y objeto de las esperanzas de todos los hombres sensatos, que son los que forman la opinión real de los Pueblos; y si alguna idea puede lisonjearme en el mando que obtengo, no es otra cosa que la de poder concurrir con la autoridad y el poder a la realización de esta medida toda vez que se acepte para la Gran Bretaña. Sin entrar en los arcanos de la Política del Gabinete Inglés, yo he llegado a persuadirme que el proyecto no ofrece grandes embarazos en la ejecución." "Estas provincias desean pertenecer a Gran Bretaña, recibir sus leyes, obedecer su gobierno y vivir bajo su influjo poderoso. Ellas se abandonan sin condición alguna a la generosidad y buena fe del pueblo inglés y yo estoy resuelto a sostener tan justa solicitud para librarlas de los males que las afligen. Es necesario se aprovechen los momentos; que vengan tropas que impongan a los genios díscolos y un jefe plenamente autorizado para que empiece a dar al país las formas que sean de su beneplácito, del rey y de la nación a cuyos efectos espero que V.E. me dará sus avisos con la reserva y prontitud que conviene para preparar oportunamente la ejecución…" "Inglaterra no puede abandonar a su suerte a los habitantes del Río de la Plata en el acto mismo que se arrojan en sus brazos generosos..." "Yo deseo que V.E. se digne escuchar mi enviado, Dn. Manuel García, acordar con él lo que V.E. juzgue conducente y manifestarme sus sentimientos, en la inteligencia que estoy dispuesto á dar todas las pruebas de sinceridad de esta comunicación, y tomar de consuno las medidas que sean necesarias para realizar el proyecto, si en el concepto de V.E., puede encontrar acogida feliz en el ánimo del Rey y la Nación. Dios Guíe á V.E. Ms As. Bs. Ays. E° 25 de 1815. Carlos de Alvear. " La carta no da lugar a segundas interpretaciones y es obvio que las intenciones establecidas en ellas iban en contra de lo acordado durante tantos años por los "revolucionarios" de hispanoamerica, en otras palabras, una traición. Ahora, aclaremos, en que se relacionan tanto Alvear como Jeremias Springfield? Es simple, ambos fueron considerados heroes y fundadores, sin embargo, cuando se descubrio la verdad sobre ellos se trato de ocultar a toda costa su historia, a tal punto que recien esta salio a luz varios años despues que los dos fallecieran y la gente los aceptara como iconos de su pasado y origen. Ironicamente el monumento a Alvear es el mas caro de la ciudad de Buenos Aires. El monumento a Jeremias es la Estatua mas importante de Springfield. Como dijo alguna vez el famoso historiador Felipe Pigna, no es tiempo de preguntarnos cuales calles y monumentos les dimos a los verdaderos heroes de la nacion y cuales a los traidores?

Que es la eutanasia? Muy bien, la eutanasia se puede definir como la accion de quitarle la vida de manera intencional a una persona con el fin de terminar con su dolor y/o agonia. Este tema siempre causó controversia debido a que no es algo para tomar a la ligera, ya que simplemente no podemos consebir algo mas importante que la vida de un ser humano, si bien esto se ha practicado desde los origenes de la humanidad, la mayoria de las sociedades lo consideraban algo totalmente erroneo y cuya practica debia ser castigada. No obstante las mentes del siglo XXI estan dispuestas a aplicar y permitir la eutanasia en casos puntuales (estados de coma, cuadriplejia, cancer de todo tipo y muchas otras enfermedades terminales), obviamente no podemos afirmar que todos esten de acuerdo con ella, sobre todo grupos conservadores y religiosos que no creen apropiado este procedimiento. Es legal? Si vivis en Argentina, tenes que saber que a partir de 2012 se hizo legal, igualmente la llamada "ley de muerte digna", solo es aceptada por un grupo reducido de paises (Holanda, Bélgica, Luxemburgo, algunos estados de EE.UU, Suiza y Colombia), aunque sean muy pocos a nivel global, es un gran avance en esta practica y ayudara a un gran numero de personas enfermas que quieran beneficiarse de ella, obviamente no es algo que se pueda hacer con total facilidad, ya que el los doctores deben estar completa y absolutamente seguros sobre la salud y la necesidad del paciente. En que casos se debe aplicar? No cualquier persona puede optar por ella, como ya remarque anteriormente son casos especificos en donde la salud de la persona esta tan deteriorada que simplemente no hay vuelta atras y las posibilidades de supervivencia o mejora son nulas. Por que aclarar esto? simple, muchas personas con depresion clinica, trastornos psicologicos o traumas severos ven a la eutanasia como un suicidio facil. Que tipos de Eutanasia existen? *Eutanasia directa: Adelantar la hora de la muerte en caso de una enfermedad incurable. Esta a su vez posee dos formas: Activa: Consiste en provocar la muerte de modo directo. Puede recurrirse a fármacos que en sobredosis generan efectos mortíferos. *Pasiva: Se omite o se suspende el tratamiento de un proceso nosológico determinado (por ejemplo una bronconeumonía), o la alimentación por cualquier vía, con lo cual se precipita el término de la vida. Es una muerte por omisión. De acuerdo con Víctor Pérez Varela, «la eutanasia pasiva puede revestir dos formas: la abstención terapéutica y la suspensión terapéutica. En el primer caso no se inicia el tratamiento y en el segundo se suspende el ya iniciado ya que se considera que más que prolongar el vivir, prolonga el morir». Debe resaltarse que en este tipo de eutanasia no se abandona en ningún momento al enfermo. *Eutanasia indirecta: es la que se verifica cuando se efectúan, con intención terapéutica, procedimientos que pueden producir la muerte como efecto secundario. Por ejemplo, la administración de analgésicos narcóticos para calmar los dolores. Los mismos, como efecto indirecto y no buscado, provocan disminución del estado de conciencia y posible abreviación del período de sobrevida. Aquí la intención, sin duda, no es acortar la vida sino aliviar el sufrimiento, y lo otro es una consecuencia previsible pero no perseguida. Entra así en lo que desde Tomás de Aquino se llama un problema de doble efecto. Argumentos a favor. *Desde siempre, los médicos han participado en la toma de decisiones sobre el fin de la vida y actualmente es común suspender o no instaurar tratamientos en determinados casos, aunque ello lleve a la muerte del paciente. Sin embargo, a veces los médicos deciden por su propia parte si el paciente debe morir o no y provocan su muerte, rápida y sin dolor. Es lo que se conoce como limitación del esfuerzo terapéutico, limitación de tratamientos o, simplemente, eutanasia agresiva. Normalmente la eutanasia se lleva a cabo con el conocimiento y anuencia de los familiares y/o curadores del paciente. *En medicina, el respeto a la autonomía de la persona y los derechos de los pacientes son cada vez más ponderados en la toma de decisiones médicas. *En sintonía con lo anterior, la introducción del consentimiento informado en la relación médico-paciente, y para éstas situaciones, la elaboración de un documento de voluntades anticipadas sería una buena manera de regular las actuaciones médicas frente a situaciones hipotéticas donde la persona pierda total —o parcialmente— su autonomía para decidir, en el momento, sobre las actuaciones médicas pertinentes a su estado de salud. *La despenalización de la eutanasia no significa obligatoriedad absoluta. No se puede imponer el criterio de un conglomerado al ordenamiento jurídico de todo un territorio, por lo que el derecho debiera asegurar los mecanismos para regular el acceso a la eutanasia de los pacientes interesados que cumplan unos requisitos especificados legalmente; así como de la legalidad y transparencia de los procedimientos. *La sociedad moderna basa su ordenamiento jurídico en la protección de los derechos humanos. En este sentido, cada enfermo tiene derecho a decidir, informadamente, sobre los asuntos que pertenecen a una esfera tan privada como su cuerpo; y en virtud de esto, decidir cómo quiere seguir ―o no seguir― viviendo. Argumentos en contra *Los argumentos en contra inciden en la «inviolabilidad» de la vida humana, la defensa de su dignidad independientemente de las condiciones de vida o la voluntad del individuo implicado, y las repercusiones sociales de desconfianza que podría conllevar la eutanasia. *La Asociación Médica Mundial considera contrarios a la ética y condena tanto el suicidio con ayuda médica como la eutanasia. En cambio recomienda los cuidados paliativos. *El Comité Permanente de Médicos Europeos anima a todos los médicos a no participar en la eutanasia, aunque sea legal en su país, o esté despenalizada en determinadas circunstancias. *La Organización Médica Colegial de España considera que «la petición individual de la eutanasia o el suicidio asistido deben ser considerados generalmente como una demanda de mayor atención pudiendo hacer que desaparezca esta petición aplicando los principios y la práctica de unos cuidados paliativos de calidad» *En el caso de los Países Bajos, uno de los primeros países en despenalizar al médico que practique la eutanasia, el estudio Remmelink reveló que en más de mil casos el médico admitió haber causado o acelerado la muerte del paciente sin que éste lo pidiera, por razones variadas, desde la imposibilidad de tratar el dolor, la falta de calidad de vida o por el hecho de que tardara en morir. *La postura de las iglesias cristianas en tanto, a nivel mundial, es mayoritariamente contraria a la eutanasia y al suicidio asistido: es el caso de la Iglesia Católica Romana y de las Iglesias evangélicas y pentecostales.

alguien quería discutir conmigo sobre el marxismo-leninismo. Yo le dije que no me interesa. Respeto la forma de pensar de todo el mundo. Personalmente, no metería preso a nadie ni le desterraría ni le enviaría al exilio por la simple razón de ser marxista. Es más, ni siquiera me pelearía con esa persona. Estaría dispuesto a conversar con esa persona sobre el baloncesto o la última película de Woody Allen. Pero ya he leido más que suficiente del marxismo. Ya he viajado bastante a países donde se ha organizado la sociedad en base al marxismo-leninismo. Ya me sobran razones para estar convencido de que el marxismo-lenismo no sirve. Y no tengo ganas de discutir con nadie, de convencer a nadie, de escuchar a nadie que me trate de convencer que estoy equivocado sobre mi opinión del marxismo-leninismo. Solo me interesa escribir en este blog. El que le guste lo que escribo, bien. El que no le guste lo que escribo, también. Creo en la libertad de expresión. Pero la libertad de expresión de ninguna manera me obliga a dialogar con nadee, no me obliga a entrar en discusiones con nadie. Simple y sencillamente, por ética, me obliga a respetar el derecho de otras personas a pensar y expresarse como les de la gana. Y a oponerme a que el estado, el gobierno, trate de coartarles esos derechos en este país, que es donde vivo. Precisamente, uno de los problemas con los marxistas-leninistas es que cuando asumen el poder aplastan a quien no piensa como ellos. Cuando están en el poder, no les interesa discutir. No creen que quienes discrepan con ellos tienen derecho a llamarse humanos. Por ejemplo, en Cuba les dicen a sus adversarios “gusanos, mercenarios, delincuentes comunes” y los echan de los trabajos y de las escuelas y hasta del país. Y los encarcelan y fusilan. Además, para mi el marxismo-leninismo viene siendo algo así como una enfermedad mental, una total distorsión de la realidad. Por ejemplo, he leído mucho de la interpretación marxista leninista de la historia de Cuba . Resulta que todo es culpa de Thomas Jefferson que se quería apoderar de Cuba y, como esas cosas se pasan de presidente a presidente como se pasa la hemofilia de padre a hijo, Estados Unidos siempre ha querido adueñarse de Cuba y por eso ha hecho falta que la Familia Castro lleve 51 años en el poder y que se fusile en un pestañear de ojos a tres infelices jóvenes negros que querín irse de Cuba y hundan un remolcador lleno de niños y golpeen a una madre que acaba de perder a su hijo y le digan “negra de mierda.” Esa es , más o menos, la visión marxista leninista de las cosas que pasan en Cuba . Todo desmadre, toda barbaridad se justifica por el pecado original sobre Cuba de Jefferson. Ya yo me leí a Marx. Me leí a Engels. Me leí a Lenin. Ya yo estuve en Moscú varias veces cuando estaba bajo el comunismo y visite la momia de Lenin en el Mausoleo en el Kremlin. Y fuí a Hungrٳa, Polonia, Checoeslovaquia, Alemania Oriental, Rumania, Bulgaria, Bosnia, Croacia y Serbia cuando eran países comunistas. Yo vi bien los resultados del marxismo leninismo. Bien malos que fueron. Pobreza, falta de libertad, dictadores eternos. No sirve el marxismo leninismo. Me parece una locura. Allá aquellos que quieran ser marxistas leninistas y vivir en un país democrático. Que piensen como quieran, que digan lo que quieran. Yo no los censuraría. Pero yo no estoy interesado en discutir con ellos sobre el marxismo-leninismo. Si van a cambiar en su forma de pensar, no será por mi. Yo no tengo inquietudes evangélicas de tratar de convencer a nadie de nada. Y a mi no me van a hacer cambiar de opinión. He visto los resultados del marxismo leninismo. Son terribles. Ya yo estoy convencido. A mi el único marxismo que me interesa discutir es el de Groucho, Zeppo y Harpo. Y prefiero hablar de Lennon que de Lenin.