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Bueno taringuenos les traigo algo bien loco asi que disfrutenla...A veces tomamos fotografías, pero cuando las revisamos nos damos cuenta de que contienen algunos detalles que no nos habíamos percatado al momento de tomarla, o encontramos curiosas ilusiones ópticas como las que hoy te mostramos.Aqui tienes la lista de Las10 ilusiones ópticas captadas en fotos inesperadas1. A primera vez, parece que el final de esta curiosa carretera es trágico. Pero nada de eso.Es un puente que está en Noruega. Se llama Storseisundet, y une la península de Romsdal con la isla de Averøya, en el condado de Møre og Romsdal. Se trata de una ilsuión óptica. El puente es conocido localmente como el “puente borracho”. Muchos visitantes curiosos van a verlo.2. Esta mujer parece estar flotando por encima de la arena. La ilusión óptica es causada por la sombra de una bandera.3. La luna parace ser una bola disco.4. ¿Un gato electrico? No, es otro efecto de una ilusión óptica.5. ¿Ya viste la cara sonriente? Parece como si se hubiese hecho aproposito6. Un elefante se está cargando, sólo lleva el 70 %. Muy curioso, ¿verdad?7. A primera vista parace que el camello se está comiendo a esa mujer. Pero, otra vez, el cerebro nos ha engañado, lo que vemos es una veterinario, detrás de la cabeza del camello.8. Esta tienda de campaña parece que está en las nubes. Sin duda es una fotografía que engaña los ojos. Estudiantes de Bjarke Bitsch plataron la tienda en el monte Blanc, la montaña más alta de los Alpes franceses, tanto que la nieve y las nubes se mezclan en esa foto. Un joven de 24 años, de Dinamarca fue quien tomó la foto mientras hacía su expedición de tres días para escalar el pico en Chamonix, Francia. La imagen fue captada cerca de la cumbre a un altitud de 3.900 metros.9. ¿Que explicación me das de esta?10. La amistad entre un niño y una bestia. Parece que el chico acaricia al animal, pero no es así. Ha un cristal que los mantiene separados. Muy buen la ilusión óptica.Esto fue todo y espero de que les halla gustado...

Hola taringueros seguro la mayoria ya vio el post de @davidgonz que es exelente (yo tambien le di +10) Y ahora les vengo a explicar y enseñarles como hacer tu propio sonido sound round ya que es genial escuchar los sonidos surround Asi que empezemos... Antes que nada, quiero aclarar que dicha forma de codificación no es ningún invento de los Laboratorios Dolby como muchos piensan y como incluso los de Dolby nos quieren hacer creer, sino que surge de el entendimiento de cómo el cerebro interpreta los sonidos que llegan a nuestros oídos y la sensación espacial que producen, y de esta manera grabarlos de la mejor manera para lograr una distribución espacial satisfactoria durante la reproducción, teniendo en cuenta que no se puede lograr una sensación distribución de sonido envolvente perfecta con solo dos canales (estéreo) Dolby lo que desarrolló son ciertos sistemas para decodificar dichos sonidos grabados en solo dos canales (estéreo) en varios canales, mejorando de dicha manera aún más la sensación de distribución espacial de los sonidos, pero a pesar de que Dolby es la empresa mas conocida no es la única que diseño distintos sistemas de decodificación. nterpretación de la forma en la que se graba el sonido para generar efecto surround: Voy a tratar de explicar de a manera mas simple posible y de mera totalmente intuitiva en que se basa la grabación de sonido surround. Caso 1: Si tenemos dos canales y solo tenemos sonido en uno de ellos la sensación es de que el instrumento esta posicionado del lado de el canal que posee sonido. Caso 2: Si el sonido de el instrumento esta disponible en ambos canales con la misma amplitud y fase (Ambos canales idénticos) como es de suponer la sensación es de que el instrumento se encuentra en el centro entre ambos parlantes ya que los mismos se suman Caso 3: Ahora bien; por simple deducción, si hacemos lo opuesto a lo antes dicho, el sonido en ves de tender a concentrarse entre ambos canales debería tender a separarse por fuera de los canales estéreo y rodearnos hacia a tras, lo opuesto o anti-suma sería ambos canales con la misma amplitud y fase opuesta, esto nos da la sensación de que el sonido nos envuelve o que tiende a irse hacia detrás nuestro, ese es el canal Surround. Extensión del Caso 3: Podemos también encontrar puntos intermedios entre el sonido envolvente puro (con amplitud idéntica y fase invertida) y el sonido de un canal solo, con lo cual tendríamos un sonido envolvente que tiende a estar hacia un lado o el otro “ello sería la diferencia entre Surround Derecho o Surround Izquierdo respectivamente. Ahora que ya entendemos en que se basa la grabación de sonido surround podemos ver como codificar una pista 5.1 en estéreo con dichas características, quiero aclarar que yo lo voy a realizar de manera artesanal con editores de sonido ya que todos los programas que he probado hasta el momento para hacer dicha tarea no la realizan de manera correcta arruinando el audio sin retorno, algunos soft solo incorporan el canal central "Que generalmente posee los dialogos" a los canales derechos e izquierdo pero desechan los canales envolventes, otros programas incorporan los canales envolventes pero como canales frontales "Sin efecto surround". Yo recomiendo a todos los que van a Ripear una película y convertir el audio de 5.1 a estéreo que se tomen un rato y hagan el proceso que les explico a continuación para que el audio quede codificado de manera óptima, ya que de otra manera los decodificadores de sonido Dolby Pro-logic no solo que no pueden decodificar el sonido, sino que también lo decodifican mal, arruinado los efectos envolventes. Voy a explicar un ejemplo con el video de Demostración de THX. Lo primero que vamos a hacer es separar el audio en 5.1 de el video, Yo para ello uso el Xilisoft Video Converter 7 (la versión 6 no funciona bien con audio 5.1), lo configuramos como se muestra en la pantalla, audio wav 5.1 (Para no perder calidad en recompresión): Ahora ya tenemos nuestro audio en wav de 6 canales discretos, lo separaremos en 4 wav 2estéreos y 2 monofónicos para poder editarlos en cool edit, para esto usaremos el Headac3he, aremos tres archivos con las configuraciones que se muestran a continuación. Extraemos los canales Frontales R y L Extraemos los Canales surround SL y SR Extraemos el canal Central C y el LFE en dos wavs monofónicos _4070967705000_677936369_n.jpg?dl=1] Una vez que tenemos creados nuestros 2 archivos wav estéreo y 2 wavs monofónicos los abrimos en Cool Edit Pro y los insertamos en el multitrack Lo primero que vamos a editar son los dos canales surround, le vamos a aplicar la mezcla correspondiente para generar de manera independiente el surround derecho y izquierdo y vamos a invertir el derecho para que quede la señal invertida de fase: Luego vamos a aplicar a ambos canales surround un desfasaje de 90 grados, esto sirve para mejorar la decodificación de paneos (Pasaje) entre un canal frontal y el surround, permite que el sonido pueda girar alrededor nuestro manteniendo la coherencia de fase. Nota: Debemos aplicárselo primero a una canal y luego al otro, si queremos aplicarlo a ambos a la vez lo que nos hace es desfasarnos un canal con respecto al otro, y lo que queremos hacer nosotros es desfasar ambos canales 90 grados. Opcionalmente podemos filtrar la señal surround, esto sirve para eliminar frecuencias que no son demasiado importantes para los efectos envolventes, como por ej. las frecuancias por encima de 12KHz ya que la frecuencia máxima que el oído puede escuchar desde atrás es mas baja que las que escucha desde el frente, los sonidos desde atrás se escuchan menos brillantes y las frecuencias bajas carecen de dirección para el humano, el oído no tiene la capacidad de sabes desde donde vienen las frecuencias por debajo de los 100Hz asi que las podemos reducir para facilitarle el trabajo al decodificador Dolby Pro-Logic: El canal Central y LFE no necesitan ser editados, lo único que debemos hacer es reducir su ganancia en 3dB para la mezcla, pero eso lo hacemos directamente desde la sección multi-pista de Cool edit. Una vez hacho esto hacemos clic en mix down select waves y listo, tenemos el audio en estéreo con todas las propiedades surround necesarias para ser escuchado y descodificado de manera óptima, debemos verificar si el audio original mezclado no satura, si se saturara en algún punto deberíamos reducir todos los wav del multipista una cantidad de dB determinada hasta lograr que el audio no sature, en este caso el audio saturo, así que debí reducir 5dB la amplitud en todas las pistas, con lo cual los canales R y L y SurR y SurL quedaron en –5dB y los canales central y LFE como ya tenían un reducción de –3dB quedaron en –8dB. Y este es el resultado de la mezcla: y listo ya tienes tu musica sourround 5.1 Puedes utilizar la misma formula con tus peliculas salcandole el audio y luego del proceso cargarlo otravez asi que disfruten...

Aprende a Tocar La Batería Bueno taringueros yo como baterista estaba buscando algunos tutoriales para tocar la bateria y busque en taringa pero como no hay decidi enseñarles yo mismo asi que agarra tus palillos y mira esto... 1. Los Palillos o Baquetas Y ahora estamos ante un gran dilema: muchos bateristas cuando van a las tiendas de instrumentos piden unas baquetas de jazz, rock, pop, etc. Es evidente que para tocar jazz (por ejemplo) que es una música que se interpreta en lugares pequeños en la mayoría de los casos, el tipo de baquetas utilizado será normalmente un modelo fino, que raramente veremos utilizar a un baterista de hard-rock. Pero no obstante esto no impide ver a buenísimos bateristas de jazz utilizando baquetas gruesas y a no menos buenos bateristas de rock utilizando modelos finos. Todo esto os puede hacer comprender que la elección de unas baquetas no está en función de un estilo de música determinado, sino en función de vuestra propia cualidad y personalidad al tocar, y por supuesto en función de las prestaciones sonoras. El sonido de las baquetas Es fácil probar con dos modelos de baquetas diferentes tocando sobre el mismo platillo. Podréis comprobar cómo cambia el sonido de una baqueta a otra, ya que cada baqueta produce un sonido particular; una bellota alargada (Fig. b y d) dará un sonido cristalino, mientras que una bellota redonda (Fig. a y c) dará un "ping" bastante pronunciado y preciso. Por otro lado, la elección del diámetro es determinante en el volumen y proyección sonora, independientemente del tipo de bellota que nos guste. Sobre los parches, la elección de la longitud de¡ cuello de una baqueta será el factor determinante en lo concerniente a la ejecución, y por consecuencia en la diferencia de sonido: un cuello largo (Fig. e) da una sensación de elasticidad y a la inversa, un cuello corto (Fig. f) una sensación de dureza. Es cosa vuestra, en función de vuestra pegada y afinación de vuestra batería, el testar y elegir bien la longitud del cuello ideal. Sobre las baterías electrónicas es necesario también elegir bien la longitud del cuello de las baquetas según el tipo de "pad". Por ejemplo, sobre baterías electrónicas de "pads" de goma, un cuello largo sería el adecuado. Sin embargo sobre baterías en las que los "pads" están montados con parches y el tacto es más flexible, el control de la dinámica es más fácil con un cuello corto. Los diferentes materiales Tres tipos de madera son dominantes en la fabricación de baquetas: el hickory (jicoria), maple (arce) y el oak (roble). El hickory (árbol de América del Norte) es de una madera muy fibrosa, de densidad media que tiene la tendencia a deshilacharse en lugar de romperse. Las baquetas de hickory representan la mayoría de los modelos fabricados. El arce (árbol de Canadá) tiene la particularidad de ser muy ligero y relativamente resistente; permite elegir baquetas gruesas sin pesar demasiado. El oak (especie de roble exótico) es utilizado por algunos fabricantes asiáticos. Su densidad, más elevada que la del hickory, ofrece la posibilidad inversa a la del arce: elegir una baqueta fina y pesada al mismo tiempo. Existen también baquetas fabricadas en materiales compuestos (poliuretano de carbono, fibra de vidrio, etc.) que últimamente están teniendo una buena aceptación en el mercado (Ahead, Acuarian, etc.). Los fabricantes de estas baquetas tienden a aproximarse a las cualidades sonoras que ofrece la madera, pero con la ventaja de una robustez y duración superior. Aunque las primeras que aparecieron en el mercado no estaban demasiado conseguidas, hay que reconocer que han mejorado mucho últimamente. 2. Los parches Es la parte del instrumento más responsable del sonido producido, y sobre la que tenemos mas control. Por muchos años fueron fabricados con piel de animal, y todavía se pueden encontrar algunos devotos de estos parches, son raros y relativamente caros. La introducción de los parches de plástico a finales de la década de los 50, eliminó algunos de los problemas asociados con su antecesor, lo más destacable es la susceptibilidad a los cambios climáticos (desde que Remo en 1957, creara el Weather King) durante los siguientes años, variables muy interesantes basadas en el original, como el Mylar (una fina película de Polyester inventada por Dupont) produjo nuevas formas de modificación sonora. El peso del parche es determinado por la cantidad de placas en su confección y su correspondiente espesor, esto es medido en (1/1000) En general, cuando el grosor es mayor, requiere de palillos grandes para lograr moverel parche y este al aire en su interior, por que los parches más gruesos producen en forma muy débil las altas frecuencias, dan la impresión de producir frecuencias bajas, y sonido más gordo comparándolo con lo parches finos a una misma tensión. Los parches finos dan generalmente como consecuencia sonido brillante, con armónicos y un ataque definido. Parches lisos: Producen el máximo volumen, sustain, y rango armónico, las variables se producen con elementos como sordinas (muffling), orificios de ventilación, sordinas tipo aro, y cualquier otra forma para eliminar armónicos, (sustain y la definición del ataque, son inversamente proporcionales.) Parches arenados: La razón más obvia en esta elección es de tocar con escobillas (brushes), esa cualidad de aspereza se da con los palillos también, pero en menor medida, y ese sonido tan particular cuando se lo toca cerca del aro, y si hay un micrófono cerca mejor. Las cualidades tonales su durabilidad, varían de acuerdo a los fabricantes. Parches reforzados: Un circulo de Mylar o un compuesto laminado logran dar mayor durabilidad, menos vibración, y acentúa el rango de sonidos medios y la articulación, diámetro y espesor varían de a cuerdo al modelo y al fabricante. Parches tipo Pinstripe: Contrariamente al reforzado, acentúa el registro, amplia la definición del ataque. Remo pionero en esto con su famoso modelo Pinstripe, el cual posee una fina línea de epoxy entre sus dos placas de 7/100 . Parches laminados(mylar): Tipo Fiberskyn II, sonido cálido, oscuro, predominando las medias y bajas frecuencias. Parches con orificios de ventilación: "Evans Exclusive," sonido de tambor y bombo seco, con pequeños orificios de ¾ de pulgada, elimina las vibraciones, reduce al mínimo los armónicos agudos, al margen de la respuesta física o las características de la batería. Parches Dobles: Dos placas son mejor que una, si estas buscando durabilidad y pocos armónicos, su superficie vibra en forma lenta y es por eso que suena grave en comparación con los simples a una misma tensión, el rebote del palillo es sutilmente menor. Parches Hidráulicos (solamente Evans): Tienen aceite entre las dos placas, que inhibe la vibración, siendo hidráulicos irónicamente dan sonido seco, el tono es sacrificado en pos de un ataque definido, el rebote del palillo es lento, comparado con los otros. Parches de máxima durabilidad: Fabricados técnicamente con láminas de Maylar , y Kevlar(fibra de compuesto plástico) que se utiliza en los chalecos antibalas!, reduce los armónicos y el rebote del palillo, máxima durabilidad, estos varían con respecto al grosor y la rigidez de la lámina, no son recomendables para escobillas (brushes). 3. Los Platillos o Platos Los platos, platillos o cimbales son un instrumento de percusión, consistente en dos discos circulares cóncavos de metal. Su centro está agujereado para dejar pasar una correa de cuero o de piel, cuya función es servir de asas o abrazaderas, y fijadas por su parte trasera. Los platos, normalmente, son de una aleación de bronce o latón, aunque, los platos utilizados en las orquesta de cierto nivel, construidos de una mezcla de cobre, plata y estaño. Estos platos son idiófonos que se hacen sonar entrechocándolos uno con otro, o percutiéndolos con palillos o baquetas. Son un instrumento de sonido indeterminado, lo que significa que las notas no tienen una altura definida. El tamaño de los platillos influye directamente en la sonoridad, a mayor tamaño o grosor mayor potencia sonora. Los platillos descienden de los crótalos, cuyo origen data de la Edad Antigua. Desde Oriente Medio, los crótalos llegaron al Imperio Otomano, donde los turcos aumentaron su tamaño exponencialmente, hasta convertirse así en el intrumento que ha llegado a nuestros días. La popularidad de los platillos llegó con el Romanticismo, periodo en el que se introdujeron en la orquesta sinfónica los exóticos instrumentos propios del folclore turco. Además de los platillos, llegaron los triángulos, las panderetas y otros instrumentos. En la batería los platillos se suelen usar para ritmos y remates. Las marcas de platillos mas conocidas son Zildjian, Sabian, Paist y Ufip Característcias que debes de tomar en cuenta a la hora de elegir tus platillos. • Respuesta El "Response" o respuesta de un platillo cuando se le pega con una baqueta, está basado principalmente en su tamaño y grosor. En pocas palabras, respuesta es que tan rápido responde el platillo al golpe de la baqueta y esto a su vez determina el "feeling" o como se sentirá al golpear el platillo. Entre más pequeño y delgado es un platillo tendrá una mayor vibración en menos tiempo y con menos esfuerzo. Si se incrementa el tamaño y el grosor se obtendrá una respuesta menor pero más poder y volumen. El gusto personal es un factor muy importante para decidir que platillos son los que mejor se ajustan a tus necesidades. Un ride pequeño y de poco grosor tiene una respuesta rápida y por lo regular más resonancia que uno grueso. Un ride de más grosor tiene menos respuesta pero menos resonancia. • Resonancias Es la característica de un platillo para sonar después de que se golpea con la baqueta. Esta característica está determinada tanto por el tamaño como por el grosor y la fuerza con la que se golpea el platillo. Un platillo más pesado tendrá menos resonancia pero su sonido durará más que un platillo delgado. • Volumen Al igual que las otras dos características, el volumen se ve influenciado por el tamaño y el grosor del platillo, pero tambiénla forma, el peso, su material y el proceso por el cual fue hecho. Como regla general, entre más grande, largo y pesado sea el platillo tendrá más volumen y más proyección. 3. La Afinación La batería, como su nombre indica, es un conjunto deinstrumentos asociados, en este caso de percusión, compuestos básicamente por tambores, platillos y diversos accesorios como cencerros, woodblocks, chimes, etc. Todos estos elementos son catalogados como deafinación indefinida, puesto que no terminan de dar una nota clara y también para diferenciarlos de aquellos instrumentos percutidos que sí lo hacen, como son las láminas ( xilófono, vibráfono, etc ), campanas, timpanis, etc. Afinar la batería no es una tarea fácil y requiere mucha practica y paciencia, además de tener unos conocimientos prácticos que nos ayuden a entender el proceso. La batería es un instrumento relativamente nuevo y no hay una norma standart para su afinación, por lo que cada músico tiene su sistema, método y sonido que le gusta, lo que crea una gran confusión, en parte, se debe, a que es un instrumento de ritmo desligado de toda responsabilidad armónica y melódica. No obstante, los tambores puede dar una nota con bastante aproximación, pero requiere mucha práctica. No hay que desesperarse por no obtener resultados rápidos, ni creer que es algo imposible de conseguir. Nadie nació sabiendo y la práctica con buenos fundamentos teóricos son el mejor aliado. Al principio es mejor ayudarse de un afinador electrónico cromático, si se tiene un oído entrenado, un piano es la mejor referencia, de todos modos, todo lo que nos pueda ayudar es valido, insisto, al principio es difícil, lento y trabajoso, pero poco a poco el oído se acostumbra a diferenciar la calidad de un sonido afinado y otro desafinado. Hay otros aparatos diseñados exclusivamente para afinar tambores, como el Torque Drum o el Tension Watch, que miden la presión de los tornillos o el parche, aunque sirvan para una primera aproximación, depende mucho del estado del tornillo y del parche. Antes de comenzar a describir como afinar bien un tambor, unas últimas apreciaciones: A) Es mejor comenzar afinando un parche nuevo, ya que aún no ha sufrido ninguna deformación elástica permanente. Un parche con marcas de golpes permanentes, es casi imposible de afinar; si es viejo, ha perdido su capacidad elástica., por lo tanto, no es afinable. B) Un tambor de mala fabricación, cuya esfericidad no es perfecta o su circunferencia de contacto es despareja, no afina! C) Un aro deformado, también es un serio impedimento para lograr una buena afinación. D) Si a un tambor le falta una bellota o un tornillo, no se puede afinar ( parece increíble, pero es muy normal cuando vas a un local de ensayos, o a tocar a un local que te dicen que hay batería y luego ves que hay los despojos de lo que fue una batería! ) E) Los dos parches tienen que dar la misma nota, de esta forma le sacaremos todo el potencial sonoro y claridad al tambor. También se pueden elegir otras notas en el parche inferior, pero tener en cuenta que las segundas y séptimas mayores y menores y cuartas aumentadas, crean intervalos muy disonantes y desagradables. Las terceras, tanto mayores como menores, enriquecen pero nunca nos dará una definición como en un instrumento armónico. Las cuartas y quintas "serían las más idóneas" por su consonancia justa. Es importante tener en cuenta, que si el parche de abajo esta más flojo, el sonido resultante puede tener más cuerpo, pero los que gusten de afinar muy bajo, comprobarán que el parche quedara con menos de la tensión mínima y con un sonido muy desagradable; en cambio si subimos mucho el tono del parche inferior el sonido puede quedar muy apagado. Ningún intervalo sonará mejor que, si afinamos ambos parches iguales. F) Para que resuene más, el parche de abajo debe ser más fino que el de arriba. G) Por lo general los fabricantes de baterías, tienen bastante estudiado las medidas y diámetros para que sus tambores afinen razonablemente bien en determinadas notas, no obstante, muchas veces, ésta no está temperada, por lo que, si queremos dar un MI, puede ser que se quede algunas comas por debajo o por encima del MI, ya sea con el LA afinado en 440 u otra frecuencia, esto no es ningún problema, basta con que el sonido de la nota este "estabilizado" H) Si no queremos afinar con una nota definida, podemos hacerlo buscando la mayor resonancia, esto se consigue tensando los tornillos de forma pareja hasta oír que el tambor resuena en su máxima potencia. Si le seguimos dando presión, veremos que se ahoga, entonces volvemos al punto de máxima resonancia y conseguimos así un buensonido y afinación. Luego de estas consideraciones, veamos como afinar cualquier tambor. ( Aquí utilizo la palabra tambor de forma genérica, vale tanto para la caja, los toms y el bombo ). 1) Quitar el tambor de su soporte y colocarlo sobre las piernas o cualquier cosa que impida resonar al parche contrario. 2) Colocar el parche nuevo y girar los tornillos hasta que solo apoye en el aro. 3) A partir este momento, ir girando cada tornillo y de forma cruzada un cuarto de vuelta, hasta encontrar la nota deseada o el punto de máxima resonancia. 4) En medio del paso anterior, conviene ejercer una presión con la mano sobre el parche, para que asiente bien con el tambor, menos con el bordonero de la caja, que debido a su fino espesor, podría romperse. 5) Una vez que hemos alcanzado el sonido que buscamos, debemos golpear el parche en la dirección de cada tornillo para que todos suenen igual. El orden es cruzado. En un tambor con 8 tornillos, el ajuste se hace en forma de cruz. Para orientarnos, podemos guiarnos por el logo del parche. pero podemos comenzar indistintamente con cualquiera y seguir el orden cruzado. En un tambor de 6 tornillos, no podemos cruzar el orden, pero podemos seguir un orden horario o antihorario ( como en el ejemplo ) indistintamente En un tambor de 10 tornillos, el orden se efectúa alternando un tornillo si y otro no. También puede ser, uno si y dos no. La zona del parche que debéis golpear es, entre un cuarto (¼) de la circunferencia del parche y la zona inmediata al aro, por delante de cada tornillo. Tener en cuenta, que la modificación de cada tornillo, afecta a los demás, sobre todo al de enfrente y los lados, por lo que los retoques, al principio, parecen interminables. recuerden que es un proceso costoso, lento y desalentador al principio. Cuando no damos con la nota, conviene descansar un poco y luego seguir. NO HAY NADA QUE NO SE PUEDA APRENDER! Con la práctica y los conocimientos teóricos básicos, todo se consigue. 6) Para saber cuando esta correctamente afinado, debemos escuchar los armónicos que se producen. Cuando hay desafinación, se oye una vibración desagradable, que va disminuyendo a medida que nos acercamos a la nota. Cuando esta afinado, el sonido es continuo y tiene una caída suave. Repetir los mismos pasos con el parche opuesto. 7) En el caso de afinar por notas, surge el dilema, ¿ Que notas usar ? Cada batería tiene su preferencia y la única norma es, encontrar la que más nos guste. Pero si aún así no sabéis por donde empezar, pueden probar "la cucaracha" en los toms Por ejemplo: Tom base: RE; Tom medio: SOL; Tom agudo: SI Esto es, una cuarta justa entre el base y el medio y una tercera mayor entre el medio y el agudo. Esta es la afinación que uso yo, podéis escuchar como suena en el video de las escobillas en esta misma web. También podéis intercalar terceras mayores y menores entre los toms y así ordenar los sonido sobre un acorde mayor o menor. MUY IMPORTANTE: Ningún tom puede usar la misma nota que tenemos afinada la caja, de lo contrario, la bordona resonara de forma desmesurada, cada vez que golpeen dicho tom. El bombo, puede ir una oncena por debajo de la caja. CONCLUSIÓN Afinar una batería es una tarea complicada, pero no imposible. Hay varias formas de afinar y cada cual tiene sus preferencias. No hay que desanimarse, se requiere tiempo y mucha paciencia. Una batería bien afinada siempre suena bien, sea de la calidad que sea o los parches que tenga. Parches deformados o viejos no afinan. Tambores o aros irregulares, no afinan 4. MICRÓFONOS PARA BATERÍA La batería acústica cambia mucho si la vamos a grabar en un estudio o si la vamos a sonorizar para una actuación en directo, por lo que dependiendo de los medios que dispongas en cada caso hay que elegir unos u otromicrófonos. Bombo. El bombo genera el sonido mas grave de la batería y ademas el que mas presión acústica, por lo que necesitamos un micrófono con un diafragma grande para que aguante bien la presión generada y con una respuesta en graves lo mejor posible. La colocacion también influye mucho. Yo normalmente lo meto dentro, entre los dos parches, si lo acercas mucho al parche delantero oirás la pegada de la maza sobre el parche, tendrás un sonido mas definido, pero con menos peso en la zona grave. Si lo retiras demasiado te ocurrirá lo contrario ademas de recoger sonidos no deseados del escenario. Micrófonos: D112 AKG - MD-421 Senheisser - M91 Shure.Caja . Una gran parte del sonido de la caja lo da el bordonero de esta (la cinta metálica que se sujeta sobre el parche inferior). Por ello hay técnicos que utilizan dos micrófonos para la caja, uno para el parche superior, y otro para el inferior con el bordon. Esto, a ala hora de mezclar presenta algunos problemas con la fase de ambos micrófonos. Yo personalmente siempre uso un único micrófono para el parche superior. En directo el micrófono debe estar los mas próximo al parche y los mas separado del charles. Micrófonos: SM-57 BETA-57 SM-98 Shure - MD-441 Senheisser.Timbales. Los timbales no suelen presentar muchos problemas por lo que normalmente se toman con el MD 421 de Senheisser o con SM-57 de Shure. Ahora AKG y Sennhesier han sacado series micro mic q. se acoplan al aro del timbal. Van cojonudos.Platos y Charles. Para estos usaremos micrófonos eléctricos, para el charles es recomendable uno mas cerrado que para los platos de forma que no cojamos en exceso el sonido de la caja por este micrófono. Micrófonos: El q. mas te recomiendo es el AKG C-1000. Un as en la manga para lo q. sea. Tambien me gusta: 451 + CK1 o CK3 , Serie 300 AKG - SM81 Shure. - MD 441 Senheisser - RE-20 Electro Voice. 5. Rudimentos Rudimentos son los componentes básicos de latécnica de la percusión. El conocimiento de estas pautas esenciales, y la capacidad de reproducirlos en cualquier fluidly ritmo sin pensamiento consciente, le harán un mejorbaterista independientemente del estilo de música que desempeñar. Cada conjunto incluyerudimentos de la buena adherencia. En algunos casos, se añade escollos opuestos. Cuando la práctica de estas modalidades, tambor de un solo uso o una almohadilla, y empezar a construir poco a poco la velocidad de celebrar, entonces lento de bajada. Entonces, ¿se oponen a la adherencia. Es muy recomendable que la práctica estas pautas con un metrónomo. Cuando llegue a la instalación con cada patrón de un solo tambor, comienzan a desarrollar su uso en el equipo, practicando en torno a los diversos tambores. 6. Como Leer Partituras La nota redonda o whole note tiene un valor de 4 tiempos. Esta nota siempre es el doble de larga de una nota blanca. En tiempo 4/4, ya que la nota blanca tiene dos compases de largo, la nota redonda tiene cuatro compases de largo. Una nota redonda simplemente se toca golpeando un tambor en el primer tiempo y esperando a que pasen el Dos, Tres, Cuatro para despúes volver a golpear en uno. En un tiempo de 4/4, la pausa de la redonda IMAGEN ocupa una medida completa.La pausa de redonda al igual que la nota redonda, es igual a cuatro compases, pero en este caso NO se tocan. La nota blanca o half note cabe 2 veces en una nota redonda y es el doble de larga que una nota negra. En un tiempo de 4/4, ya que l anota negra es igual a un compás, la nota blanca es dos compases más larga. En este caso, la primer nota sería tocada en el Unoy la segunda en el Tres. La pausa de la nota blanca, al igual que la nota blanca, también es igual a dos compases, pero estos solamente se cuentan y una vez más NO se tocan. Hay dos notas negras o quarter notes por media nota blanca o cuatro notas negras por una redondaolver . Esta nota indica un compás o cuenta que debe tocarse. La nota negra es la más usada en la música popular como el pop, pop-rock, baladas, etc. En cuanto a la pausa, esta nos indica un compás o una cuenta que NO se toca. La corchea o eight notes (8ths) es dos veces más rápida que una nota negra. Por lo regular, si se tocan en los contra platillos se utiliza solamente una mano, aunque se pueden usar dos dependiendo de la velocidad con que se toque la pieza (número de veces que se toca una nota negra en un minuto) La semi corchea o sixteenth notes (16ths) es dos veces más rápida que la la corchea. Por lo regular, las semi corcheas se tocan en los contra platillos (hihats) para ritmos disco, pop, pop-rock, entre otros. También es usada para rematar o rellenar (fill) un ritmo y la canción. La fusa o thirty-second notes (32nd) son primordialmente usados en la música para crear remates (fills) a velocidades rápidas o combinaciones entre ritmos y tambores para darle más sabor a la música. Para tener una idea más clara de que son las fusas, solo toma en cuenta a las notas negras. Toma 4 notas negras y cuentalas "1, 2, 3, 4" En cada número, tu golpeas 1 vez, verdad? Ahora, si quieres tocar una fusa tienes que golpear 8 veces en cada número! Bueno Gente nos vemos despúes y no olviden que lo mas importante siempre es practicar...