ciricarmen

Esto ya es realidad ...

Desde la panza, los bebes, se ven influenciados y estimulados por la música que escuchan. La musica para bebes es una de las mejores maneras que tenemos para comunicarnos con ellos ya que no entienden a nuestras palabras, con la música podemos estimularlos, animarlos y así también para calmarlos, relajarlos y hacerlos dormir. 10 canciones para relajar a los bebes Sabemos cuan difícil es poder conseguir que el bebe duerma durante toda la noche, es por eso que te queremos dejarte algunas Canciones Infantiles que te ayudaran a lograrlo. Es una lista de 10 canciones para relajar a los bebes, muchas de ellas incluidas en el CD “Buenas Noches Bebé” y otras muy tradicionales que seguramente tu también las escuchabas de niño. 1- Canción de cuna. Versión cajita musical 2-Canción del Ángel de la Guarda 3- Mozart para bebes 4- Arrorro mi niño 5- Duerme ya (Johannes Brahms) 6- Viene el señor Sandman 7- En algún lugar allá fuera 8- Allá fuera, en algún lugar – Fievel 9- Buenas noches, Nico 10- La, le, lu Estas melodías son tan relajantes que seguramente hasta a ti también te han tranquilizado. Si buscas mas música para bebes puedes visitar www.musicaparabebes.net, aquí hemos encontrado varias canciones infantiles que seguro encantaran a tu pequeño niño. Pincha la imagen

Por: Ignacio Martín SequerosLos instrumentos musicales han tomado sus evoluciones conforme a los gustos de cada época y a las genialidades de quienes acertaron en rediseñarlos. Para la historia han quedado reflejados auténticos maestros que supieron visionar una nueva estrategia de mejora que durante muchos años después los músicos hemos agradecido. Uno de los más celebrados en tales incisiones fue, sin duda, el avance que Mozart en el siglo XVI impulsó al crear su "Piano Forte", añadiendo, entre otras cosas, 3 cuerdas por nota en lugar de 1 a los teclados que hasta ese momento se estaban construyendo. Marcó una genial frontera aún vigente en casi todos los pianos "analógicos"...Parece ser que ya en 1932 Adolf Rickenbacker patentó en Estados Unidos la que se considera la primera "guitarra eléctrica" y que consistía en una guitarra "española clásica" con trastes, a la que había adosado una pastilla magnética fonocaptora que él mismo había creado un año antes, sacando más tarde con su nombre nuevos modelos ya más retocados, así como igualmente lo hicieran los de GIBSON.LEO FENDER, el gran creadorLeo Fender nació el 10 de Agosto de 1909 en Fullerton (California - USA) y desde muy pequeño despuntaba como un auténtico "manitas". Interesado por la electrónica, "destripaba" todo aquello que pasaba por sus manos para aprender su funcionamiento.Su primer trabajo fue como contable para una compañía llamada Highway, pero dadas sus habilidades, pronto cesó en esa y constituyó su propia compañía con el nombre de FENDER RADIO SERVICE. Allí se dedicaba a reparar, principalmente, radios, amplificadores y guitarras eléctricas que él no había inventado..., pero las desmontaba, estudiándolas a fondo y con gran acierto, a su modo, las "perfeccionó" en aquella época.En 1946 Leo Fender diseñó él mismo su propio modelo de guitarra eléctrica con cuerpo macizo a la que llamó "Broadcaster". Pronto fue tan demandada que se animó, en 1950, a crear su nueva Compañía denominada FENDER ELECTRIC INSTRUMENT MANUFACTURING COMPANY, para su masivo lanzamiento. El modelo tenía un cuerpo sólido de madera al que le atornillaba un mástil (posteriormente las construiría también en una sola pieza conjunta y solidaria de mástil/cuerpo) con 2 pastillas, en lugar de 1 sola como hasta esa fecha se hacían y selector de 3 posiciones, en colores diferentes y atractivos diseños.Al siguiente año, 1951, perfeccionó su diseño de guitarra eléctrica al que le hizo llamar TELECASTER, ya que su denominación anterior había sido antes patentada por su competencia GRETSH (otra Compañía que también fabricaba por entonces sus propias guitarras eléctricas), que incluso puso un pleito a FENDER, por lo que Leo llegó a sacar una serie corta de guitarras denominadas "NO-CASTER", muy escasas en la actualidad y por las que hoy sus privilegiados coleccionistas pagan enormes precios."TELECASTER", 55 años después, sigue siendo por todo el mundo la sensacional añoranza de muchísimos guitarristas que aspiran a tenerla para tocarla habitualmente y que la nombran como una de sus preferidas. El resto de casi todas las marcas de otros fabricantes, igualmente, tratan de imitarla.Muchos piensan que Leo Fender era guitarrista, pero parece que no solía tocar tal instrumento, aunque si el saxofón... Para 1954 "refina" sus diseños, ofreciendo como nuevo su modelo "STRATOCASTER". Éste lleva incorporado una efectiva "palanca", (hasta entonces mal diseñada por otros de la competencia) ahora con un selector de 5 posiciones, al incorporarle también una tercera pastilla central.Por problemas de enfermedad, vendió su compañía a la CBS en 1965 por 13 millones de dólares, pero sin embargo no falleció hasta el año 1991. Aún así, también tuvo pleno éxito creador en esos años intermedios, en los que intervino en otras Compañías, que se han multiplicado exponencialmente y que siguen con toda su viveza comercial. Nacieron así, con su misma filosofía, otras sub-marcas tales como la de SQUIRE.La gama de mayor prestigio FENDER es la fabricada en Estados Unidos, le siguen las fabricadas en México y las de Korea, entre otros países.FENDER PRECISION BASSEn 1951 Leo Fender diseñó su primer bajo en forma de guitarra. Cuenta la anécdota que, hasta ese momento, habitualmente los contrabajos que usaban los músicos no tenían "trastes", por lo que a Leo se le ocurrió que al poner en su mástil "trastes" podrían darse sus notas musicales "con precisión"... por lo que asignó con ese nombre a este modelo en concreto. Su uso creó entre los músicos unas nuevas formas de interpretar especialmente más rítmicas, con revolucionarios estilos notablemente creativos.Su cuerpo tenía adosada una "pastilla fonocaptora" similar a las que diseñaba para las guitarras, pero en este caso con sólo 4 imanes (uno para cada cuerda). Su mástil, con un largo de 34 pulgadas (864 mm) se estimó que se parecía al de un "violoncelo". Ésta fue una ocurrencia de Leo que, desde entonces, se tomó con estándar para casi todo el mundo. En un principio, usó cuerdas de piano para este instrumento. Rediseñó el clavijero en donde encordarlas y, curiosamente, en un principio lo hacían al revés...FENDER JAZZ BASSFue en 1960 cuando Leo Fender "perfeccionó" su modelo de bajo, denominándole JAZZ BASS, reduciendo el tamaño de su cejuela, ahora más delgada (38 mm, mientras en el Precision era de 42 a 44 mm) y con ello un mástil más estilizado y cómodo, aunque del mismo largo de 34 pulgadas.También a éste le incorporó entonces una pastilla adicional, o sea un total de dos, una cerca del diapasón y otra cerca del puente, con lo que aumentaba sus recursos de sonidos desde un tipo "brillante" al más "grueso". Para controlar el sonido, situó 3 potenciómetros sobre el cuerpo, 2 para ajustar el volumen generado independientemente desde cada pastilla y otro común a las dos para controlar el tono.FENDER JAZZ BASS del año 1962A mis manos llegó a España en 1963, y aún le conservo, repintado ya por 3 veces, ahora en color "blanco hueso". Originalmente era de ese "rojizo/negro" combinado y característico en la primera época de Fender. También le cambié sus dos pastillas por unas "Di´Mazio" con entrehierros individualizados; guardo por supuesto las pastillas Fender originales, que estaban bobinadas a mano, como hace tiempo ya no se hacen.Este ejemplar, que fue de fabricación Norteamericana, por ese año era difícil de importar a España y pasó antes a través de Alemania, con quien teníamos mejores relaciones (relativas) comerciales. Medió en ello una oficina especial comandada desde Madrid por el entonces residente ex-Presidente de Argentina Juan Domingo Perón (el de la Evita...) Al final resultó "tan compleja importación" que acabaron por no enviarme la factura del instrumento, razón por la cuál siempre acabé por decir que en realidad se trató de un regalo de ese mismo ex-Presidente...He hablado con muchos músicos legendarios y todo da a entender que ese JAZZ BASS de FENDER, que aún poseo, fue el primero que entró en España.Lo he disfrutado y sigo haciéndolo hasta la saciedad. Con él he realizado multitud de grabaciones e interpretaciones sobre muchísimos escenarios; nunca me ha puesto en apuros.La primera vez que lo desmonté para cambiarlo de color, por lo envejecido que había quedado el de origen (parecido al que más usaba Jaco Pastorius), no encontré a nadie que pudiera devolverme esa combinación de colores de origen con que los diseñaba Leo Fender y por eso decidí hacerlo (por un profesional) en su cuerpo con un solo color uniforme, eligiendo un color "blanco hueso", más novedoso en ese momento.Al montar de nuevo los cables de sus 2 pastillas, "por un error" lo hice "al revés" y no en paralelo (positivo con positivo), encontrando al tocarlo de nuevo y amplificar su señal, que sonaba como con muchísima más fuerza que antes y con cierta "rotundidad impactante". Se me ocurrió entonces añadir al cuerpo de la guitarra-bajo un nuevo dispositivo o conmutador, cableando a través de él las pastillas, de tal manera que en una posición de este conmutador las conexiones de ambas pastillas quedaran "en fase" y en otra "fuera de fase" (que es en esta en la que "ganaba más fuerza". Desde entonces, esa última posición es la que más suelo usar con este instrumento que a tanta gente me ha dicho entusiasmar.A partir de los años 80 ya he encontrado a algún otro modelo, y de otras marcas, que llevan este tipo de dispositivo que yo no copié a nadie... Ya con los circuitos activos dejaron de ser "necesarias" este tipo de "ganancias naturales...".FENDER JAZZ BASS del año 1982Esta vez también Norteamericano, pero menos complicada mi adquisición genuina (no interesará ya aquí a tanta gente los detalles de cómo lo consiguiera...) en un precioso acabado en color "Madera satinada".Aparentemente, el cuerpo y mástil son de idéntica dimensión al del 62, pero estéticamente cambian algunos detalles. Por ejemplo, los señalizadores en madreperla que están incrustados en el mástil ya no son redondos, sino rectangulares, mucho más grandes y, además, lleva señalizadores también en el costado y a lo largo del mástil, que en aquel legendario del 62 no estaban. Los 3 potenciómetros ahora son de diseño distinto, rotulados incluso con números del uno al diez, y hasta el de "tono" es del mismo tamaño y tipo que los dos de "volumen". Los entrehierros de las pastillas son de doble núcleo y siguen cubiertas por dos placas metálicas, por debajo de las cuales tienen unos apagadores para mitigar las vibraciones de las cuerdas. Yo, como casi todo el mundo, se las quité (también al del 62), porque habiendo nuevos juegos de cuerdas muy perfeccionadas y "semibrillantes", prefiero aprovecharme del sonido de armónicos y subarmónicos que se producen cuando suenan "al aire y sin apagadores". Y si fuera necesario, siempre puedo mitigar a voluntad su efecto vibratorio con la palma de mi mano o entre mis dedos, según el momento y no obligado "por el sistema" de apagadores "fijos".El puente en este del 82 es aún muy similar al primitivo del 62, aunque no así el descanso de cada cuerda sobre él, que en el diseño original lo hacía sobre una espiral en el hierro y ahora en un sólo canal específico para cada cuerda, evitando con ello desplazamientos laterales indeseados.La pala afinadora no ha cambió aquí, pero sí los ejes de cada llave afinadora (4) que ahora quedan más aproximadas a esa pala (como 1 centímetro más acortado el eje de cada llave de afinación).En la del 62, por detrás hay una placa metálica rectangular (la que tapa el tornillo de sujeción del mástil al cuerpo) donde únicamente aparece el número de serie. En la del 82, esta placa cambia de forma, ahora semiovalada, donde aparece la "F" de FENDER, mientras que el número de patente y el de serie han sido trasladados, situándose ahora por delante de su pala afinadora, donde también dice "made in USA". Hay también en la del 82 un nuevo tornillo de ajuste que viene a todo lo largo del mástil hasta la pala afinadora, en donde podríamos tensar de forma diferente la curvatura de su mástil, cosa no recomendable de tocar y sólo si fuera absolutamente necesario, únicamente por los expertos.Su sonido sigue siendo excelente (a este le he respetado sus pastillas originales y todo cuanto traía) aunque eso depende mucho del juego de cuerdas instalado y del amplificador a donde se dirija su señal entregada.FENDER JAZZ BASS del año 2006Cuentan que cuando Felipe II acabó los remates en la construcción de su Monasterio en El Escorial, los comentarios más censurados por el pueblo sobre su obra faraónica eran sobre que, con tanto gasto en tal empeño, había dejado casi vacías las arcas de su Reino. Indignado por tales comentarios, Felipe II encargó que el último ladrillo que se pusiera en esa obra, fuera "de oro macizo", por aquello de que "con lo que aún sobraba de lo presupuestado, "se había quedado corto...".No sé si tal anécdota ha o no influido a los norteamericanos de Fender, pero el caso es que en este modelo han adherido en medio de su pala y en forma destacada "UN DIAMANTE", pero "DE VERDAD", lo que ciertamente no influye sobre su eficacia musical, si acaso, sólo en su estética.El color de su acabado recuerda bastante a los de aquellos primeros de los 60, con extremos del cuerpo pintados en un degradado que va desde el negro por el canto, al rojo vivo y hacia los amarillos en el centro. Incluso para rememorar más fielmente a aquellos, vuelven a estar los potenciómetros sobre este cuerpo (que controlan los dos volúmenes y tono de las 2 pastillas), sin las serigrafías ni números que aparecían en el modelo del 82, pero que no lo hacían en los primitivos (como en el mío del 62).Realmente, cuando se está usando el jazz-bass y en la posición en que lo tiene el músico sobre su cuerpo, es bastante difícil ver esa numeración, sólo eficaz al moverlos "al tacto"; por lo tanto no se ha tratado de un olvido...La forma de la pala es muy similar a la de los dos modelos anteriores, pero sus llaves están mas metidas hacia adentro; parecido a lo que hicieron por los años 80 y no como los del 60, cuyas llaves tenían sus ejes como con un centímetro más largos.Aunque la forma del cuerpo es bastante parecida a la de sus predecesores, se ha aligerado notablemente su peso y estilizado un poquito más su grosor, lo que desde fuera, a simple vista, apenas se nota.Los señalizadores de madreperla incrustados a lo largo de algunos de los trastes en su mástil, para esta ocasión, vuelven a ser redonditos (como en el de los 60), pero ahora también aparecen en el lateral y a la vista del músico, de forma parecida a la de los 80 (y que no estaban señalizados en los de los 60). Sin duda, ese detalle en la práctica muchas veces puede ser eficaz, sobre todo en sus primeros meses de uso, porque, con el tiempo, se aprenderá mucho más del manejo de este instrumento musical, casi sólo con el tacto en unidad con el cuerpo del propio instrumentista, como formando parte de uno mismo... Es tan suave y sutil, que tocar con esta guitarra-bajo es como acariciar a algo constantemente.En la parte trasera vuelve a aparecer la plaquita metálica en su forma de pequeño rectángulo, como en los más primitivos. Allí marcado se ve en inglés "Diamante Aniversario 1946-2006" y un muy adornado número "60". Pero ahora el número de serie está en "un lugar nuevo...": "debajo de la pala afinadora".Por fin en este modelo desaparecieron las placas metálicas que cubrían cada una de las 2 pastillas. Todo un mundo de músicos parece que hemos estado de acuerdo en que no resultan prácticas sino solo estéticas, ya que sin ellas se nos permite jugar mejor con los armónicos que se producen al tocar sus cuerdas, pues en muchísimas ocasiones son agradables sus combinaciones de sonidos, incluso haciéndolos sonar a la vez desde varias de sus cuerdas, como formando ciertos acordes.Las cuerdas que han puesto a este modelo que ha llegado a mis manos son de un tipo bastante brillante, como a mí me gustan, con un agradable entorchado nada agresivo. El bordón suena delicioso y bastante bien definido, cosa que no ocurre en todas las guitarras-bajas y, por supuesto, es un detalle importante para mí. Yo diría que esta cuerda bordón hasta suena más precisa que en los modelos precedentes.Y por fin "una inteligente novedad": Ya no se terminan las cuerdas como durante muchos años Fender lo había realizado, al final del puente. Ahora ya se encordan desde la parte trasera del cuerpo de la guitarra, es decir, que han taladrado con 4 agujeros su cuerpo para introducir en ellos, y desde atrás ,sus 4 cuerdas, una a una. De este modo descansarán sobre el puente con una mayor precisión y tensión. Me ha parecido una decisión inteligente que ya se le había ocurrido hacer a algún fabricante de la competencia en algunos de sus acabados. Puede ser una buena razón y causa de que, con este método aplicado ahora en este último modelo se logre que el sonido del bordón sea más preciso.Su circuito electrónico es sencillo pero eficaz. Que le añadieran un circuito activo a estas alturas no le vendría mal, aunque realmente no sería imprescindible en la mayoría de interpretaciones que podremos ejecutar con este jazz-bass, tal y como ya llega preparado.Mis pruebas ante un analizador de frecuenciasEn mi laboratorio he probado individualmente los tres ante un analizador electrónico de frecuencias, donde no se miden los volúmenes de sonido que entregan sus pastillas, sino el espectro o amplitud de frecuencias que ofrece cada cuerda, cuando se pulsan "al aire" (sin pisar ningún traste), en cada modelo con sus controles correspondientes a máxima ganancia.Observaremos una dinámica algo más amplia para el "modelo aniversario de 2006", cosa bastante notable en la 2ª cuerda (con respecto a los otros 2 modelos), incluso en la 3ª respecto al modelo del 62.Una más acusada ganancia se aprecia en torno a la banda de los 240 Hz. (lógico en un instrumento que interpreta la música en clave de FA) y con ricos armónicos que llegan casi a los 8 kHz.Hay que tener en cuenta que la señal tomada de estas guitarras hacia el analizador es totalmente "plana" y que, en cualquier caso, podríamos forzar su resultado, intercalando desde la guitarra hasta un amplificador cualquier tipo de previo, ecualizador o efectos que inmediatamente ampliarían por arriba y por abajo esta dinámica de frecuencias, según el estilo musical a interpretar. Pero en la mayoría de los casos, bastará hacer llegar la señal entregada por estos modelos hacia cualquier tipo de amplificador adecuado, para que, sin más, obtengamos unos resultados óptimos de calidad en un instrumento que ejecuta como contrabajo.Mis conclusionesSiempre he sido un apasionado del JAZZ BASS de FENDER y por eso tengo en mi colección nada menos que dos de este mismo modelo, aunque conste que mi ejemplar del 62 no fue mi primera guitarra-baja, pues antes tuve otras dos KUSTON que acabé vendiendo al conseguir este del 62, pues "había gran diferencia..." ya que aquellas daban cierto tipo de acoples (y eso que por entonces los amplificadores no eran muy potentes); aunque estéticamente también daban una muy buena imagen.Nunca una guitarra-bajo Fender me ha dejado avergonzado, si acaso, todo lo contrario. Y son tan suaves, especialmente con un mástil tan estilizado en las jazz-bass, que tocar con estos modelos es como acariciar aterciopeladamente algo que a muchos se les antoja asociarlo con algo sexual... Si además lo complementas con un adecuado amplificador, el goce sí que puede acercarte a un algo más orgásmico...Si te interesan mas aportes de este estilo los podras encontrar en nuestra nueva comunidadPincha la imagen

Las baquetas las podemos fabricar nosotros mismos, pero cuidado, es muy importante el peso de ambas para encontrar un equilibrio en la sujección y, de esta forma enseñar a nuestra mano torpe.Otras recomendaciones es coger una baqueta de mayor peso en la mano torpe, asi lograremos mayor control, pero claro esto son ejercicios no para tocar normalmente ya que el sonido emitido por cada baqueta seria diferente.link: http://www.youtube.com/watch?v=IHx-A8DPe_I&feature=player_embeddedSi te interesan mas aportes de este estilo los podras encontrar en nuestra nueva comunidadPincha la imagen

Mitos en el sonido de la guitarra eléctrica.En este artículo voy a tratar de derribar ciertos mitos que pueden inducir a error al guitarristaeléctrico, sea cual sea su estilo. En concreto, hablaremos del sonido, sin entrar en tecnicismosininteligibles.Resulta común leer consejos sobre el sonido en la guitarra eléctrica. El uso de la distorsiónfrente al overdrive, valvulares frente a transistores, la compresión, le ecualización en metal, lapresencia, la reverb, el delay... Sin embargo, estos elementos sonoros, comunes en muchosinstrumentos, son utilizados de una forma característica en cada uno de ellos. Así, lo quefunciona en un sinte, o en un bajo, puede no funcionar en la guitarra, y viceversa.Por ello vamos a tratar los mitos más extendidos entre los guitarristas, mitos que en muchoscasos son completamente falsos, y que en otros, son ciertos con reservas, o con matices.Distorsión en las guitarras solistasEl mitoSe nos dice que la guitarra solista debe tenermás nivel de distorsión que la guitarra rítmica,incluso en estilos como el metal. Así, técnicascomo el tapping o el sweep suenan másclaras, más fuertes, y los solos siempre van asonar mejor. En cambio, las rítmicas no debenllevar tanta distorsión, porque se ensucian.Explicación¿En qué consiste la distorsión y en qué sediferencia del overdrive o la saturación? Ladistorsión, como su propio nombre indica, seproduce cuando una onda sonora sedistorsiona, cortando los picos de esas ondasy alterando así el sonido. El resultado son lo que se suelen llamar“ondas cuadradas”. Cuanto más fuerte es la distorsión, más cuadradas son las ondas. Se pasa de un sonido más puro, a un sonido crujiente, en el que las frecuencias puras, antes, mucho más altas, se venrecortadas, y en el que las frecuencias secundarias (armónicos, enarmónicos...), antes muypor debajo, pasan a tener mayor presencia. Se podría decir que los sonidos secundarios sefunden con los principales, al verse reducido estos por cortarse sus ondas.Evidentemente esta es una explicación simplista, ya que intervienen más elementos, peropodría servir para enteder cómo funciona. Por lo tanto, un elemento secundario de ladistorsión de la señal, es que la señal pierde dinámica (siendo la dinámica la diferencia devolúmenes); es decir, la señal se comprime.El overdrive y la saturación son casi lo mismo, solo que el recorte es menos violento, dándoseun nivel de compresión mucho menor y manteniéndose las dinámicas.Y el mito es...¡Falso! Una guitarra solista casi siempre debería llevar mucha menos distorsión que unaguitarra rítmica. Lo ideal sería, incluso, que no llevara apenas distorsión, si no overdrive osaturación con una leve distorsión. ¿Por qué? En estilos como el hard-rock o el metal, larítmica ha de sonar fuerte, compacta. Técnicas rítmicas como el palm mute han de sonar casial mismo nivel que las notas abiertas y acentuadas. Esto se consigue con toneladas decompresión, o con una compresión razonable y una distorsión clara y de!nida (no al 10...) yuna buena puerta de ruído. Otro cantar es en estilos como el blues-rock, el rock clásico, elblues... ya que ahí las rítmicas también han de tener dinámica. En ese caso, la saturación es elmejor ejemplo (ver, por ejemplo, a Richie Kotzen en solitario).En cambio, la guitarra solista ha de tener dinámica. Tiene un componente interpretativo muyfuerte, con gran presencia de la dinámica en el toque. Un solo en el que todas las notas y lospasajes tienen el mismo volúmen carece de interés. No hay alma. Un ejemplo claro seríanguitarristas como Satriani o Vai, que solo usan distorsión con señales fuertes endeterminados pasajes.Apenas hay un par de técnicas solistas que ganan con la distorsión. Un ejemplo serían losarmónicos arti!ciales. Evidentemente, si queremos tocar un solo a lo Eddie Van Halen, nopodemos tocar solo con overdrive, pero no nos confundamos: hasta Van Halen tiene menosdistorsión de lo que parece, no va al 10. Por eso suena limpio y claro... Otra cosa es su genialtécnica y su uso de esa distorsión.ConclusiónDistorsión sí, pero con control. Dependiendo del estilo, las rítmicas pueden llevar señalesmuy fuertes, y los solos no tanto. Si pretendes tocar Always with you, always with me condistorsión al 7, nunca vas a sonar igual, y tu interpretación decaerá. Lo mismo ocurre si tocasSymphony of destruction (Megadeth) con overdrive.Las ecualizaciones gravesEl mitoToco la guitarra jazz y quiero sonar como en los discos, redondo, tirando a grave. En lugar deecualizar normalmente, ecualizo a 90hz. ¡Así conseguiré el sonido!Toco en un grupo de metal y quiero que mi guitarra suene hiper grave. De nuevo, pongo unaEQ extrema, con muchos graves, agudos para destacar en solos, y pocos medios.Por lo tanto, el mito se basa en exagerar mucho las frecuencias agudas o graves segúnqueramos destacar. Para una rítmica tipo Korn, hincharé las frecuencias entre 70 y 180hz, ypara sonar agudo, como George Lynch (Dokken), subiré de 2khz para arriba.ExplicaciónCada instrumento destaca en un rango de frecuencias determinado. Ese rango suele dividirseen la frecuencia principal (no es un único rango, ya que no tocamos solo una nota, pero sique se mueve en torno a ese rango), los armónicos que suenan "bien" según nuestraconcepción del instrumento, y los enarmónicos principales (maza del bombo, percusividadde púa...).Cuando dos instrumentos ocupan la misma frecuencia, se produce una anulación, y laconsecuencia es que una señal anula a la otra, o incluso se anulan parcialmente ambas, porlo que se produce el efecto de sonido "borroso" o enmascaramiento (un sonido enmascara alotro). Esto pasa mucho en grupos que tienen una ecualización muy grave en todos losinstrumentos, dando así lugar a la famosa "bola de graves", que no es otra cosa que unaacumulación excesiva en frecuencias graves.Por lo tanto, lo ideal es que cada instrumento se mueva en su frecuencia. Que tenga suespacio, sea una mezcla, un directo, o un ensayo. Si subimos volúmenes y los instrumentos seestorban, no solucionaremos nada. Solo tendremos un sonido aún más emborronado.Si escuchamos con atención las mezclas, veremos que las cosas no son lo que parecen, cadainstrumento ocupa su lugar.Y el mito es...¡Falso! Préstale atención a una mezcla bien hecha en la que la guitarra suene grave. ¿Suenatan grave como parece, o el bajo y el bombo suenan muy graves y menos agudos de lohabitual? Si es así (caso de Korn), la guitarra probablemente tenga un sonido seco ycontundente, pero no más grave de lo habitual (en el caso de Korn si, porque usan 7 cuerdasen Drop A, pero igualmente no estorban la frecuencia del bajo).También puede darse el caso contrario, subir la frecuencia del bajo, que tengan máspresencia los medios y tenga menos pegada, y subir las frecuencias graves de guitarra,aunque entonces la mezcla no sonará tan contundente, ya que el binomio bajo/bombo severá perjudicado.Algo similar ocurre con el jazz. En lugar de subir los graves a tope, lo que se hace es tener unsonido de guitarra más basado en los medios, y en la frecuencia principal. El contrabajo yanos aportará el peso necesario, y si subimos mucho los agudos, nos vamos a dar de brucescon nuestro amigo, el pianista, que necesita mucho espacio o rango de frecuenciasdisponibles en las zonas agudas.ConclusiónEn tu casa puedes sonar como quieres subiéndote el volúmen y ecualizándote de una formaextrema, pero en un local, en un disco, o en un directo, eso solo hará que los instrumentos seestorben entre si.Cuando en un grupo tenemos dos guitarras, lo ideal es que no destaquen en las mismasfrecuencias. No tienes que buscar solo tu sonido, tienes que buscar mejorar todo el sonido. Site gusta sonar supergrave, y al otro guitarrista también, necesitaréis alcanzar un acuerdo.Uno tomará la frecuencia principal, y otro tomará más medios o más agudos. La mezcla deambas guitarras será lo que con!era el sonido más adecuado a la banda.Algo similar ocurre con la guitarra solista. ¿Quieres destacar? No subas el volúmen, solo unpoco. Ocupa un rango que no ocupen los otros instrumentos, de medios agudos. Verás comoganas en presencia.Los transistores y las válvulasEl mitoLas válvulas suenan mucho más alto ymejor. Su dinámica es mejor, el sonido esmás cálido. En general, los amplis atransistores son más baratos y de menorcalidad y, desde luego, no sonprofesionales.ExplicaciónProbablemente esto es lo más difícil deexplicar y no voy a entrar en ello de formaprofunda.Sin embargo, si que es cierto que las válvulas suelen aprovechar algo mejor los W sonoros enrelación a su consumo eléctrico (son dos conceptos diferentes), porque la mayor parte deesos amplificadores llevan mejores componentes, entre otras cosas, y por elementos decircuitería.Hay otro punto en el que pocas personas reparan: las válvulas sacan muchos más armónicos(esos armónicos de frecuencia de los que hemos hablado), por lo que, a misma potencia,nuestro oído captará capta un ampli!cador de válvulas de una forma diferente, como siestuviera más "alto". Realmente, lo que ocurre es que las válvulas in"an esas frecuencias,generalmente en rangos medios y agudos. Esto ocurre aún más cuando subimos el volúmen,por el calentamiento de las válvulas (alteran más el sonido), y se nota muchísimo enfrecuencias agudas. Como el cerebro humano capta esas frecuencias con mayor facilidad avolúmenes altos (por nuestras propiedades !siológicas y cerebrales), un ampli de válvulascon la misma potencia real que uno de transistores, nos sonará más alto.En cuanto a la dinámica, si que es cierto que un ampli!cador a válvulas, por todas esasfrecuencias, cambia mucho el sonido. No es lo mismo tocar suave que hacer que "rompa",golpeando o percutiendo las cuerdas con más fuerza. Las válvulas responden de un mododiferente, por lo que los cambios de volúmen se notan mucho más. Un ampli!cador detransistores es más plano.Y el mito es...Verdad, pero también mentira. Sensorialmente si que captaremos más alto el sonido de unampli!cador a válvulas, aún cuando este suene más bajo (dentro de unos márgenes). Almargen de la física, nuestra captación sensorial es la que es.Por otra parte, lo de la dinámica es cierto, pero eso no es necesariamente bueno: dependedel estilo y del guitarrista. D. Darrell (Pantera) ha sido uno de los mejores guitarristas demetal de la historia, con un sonido fabuloso, y usaba Randall, a transistores. Rammsteintienen un sonido rítmico de!nido y también funcionan a transistores. Incluso BB King hausado transistores (aunque fueran de boutique). Todos ellos son guitarristas más queprofesionales.La cuestión es que aquí ya depende más de modelos. Para algunos estilos de metal, por sucompresión y su menor dinámica, un ampli!cador a transistores puede ser muy adecuado. Ypara otros estilos, a pesar de tener menos dinámica, pueden ser buenos, ya que el sonido esmás "puro".ConclusiónNo deja de ser normal que a la mayor parte de los guitarristas nos gusten más losamplificadores a válvulas que los de transistores. Para empezar, es un sonido más dinámico,cambiante, que favorece el toque y la personalidad del guitarrista. Pero no hay que olvidarque muchos estilos se ven bene!ciados, sobre todo en la vertiente rítmica, por una menorrespuesta dinámica.Por otra parte, un amplificador a transistores puede tener los mismos watios reales que uno aválvulas, pero los expertos suelen olvidar el componente más importante en esta ecuación:el cerebro humano y su procesamiento sensorial.Esto es todo, espero que alguien le saque provecho.ciriSi te interesan mas aportes de este estilo los podras encontrar en nuestra comunidadPincha la imagen

El cantante de jazz, estrenada en 1927, fue la primera película con sonido sincronizado. Utilizaba Vitaphone, un sistema basado en un tocadiscos que se acoplaba al motor del proyector cinematográfico. Hasta ese momento, la ambientación sonora de las películas la realizaban músicos en directo. Con la llegada del Vitaphone, estos músicos ya no eran necesarios, y empezaron a verse como algo caduco. Ante eso, la Liga por la Defensa de la Música tenía algo que decir. La Music Defense League fue una organización creada por la Federación Americana de Músicos. En 1930 lanzaron una campaña para combatir lo inevitable: el sonido grabado en las películas. Lo llamaban "música enlatada" (canned music). Los anuncios en prensa mostraban a un malvado robot con lemas como "este robot no puede hacer música por sí mismo, pero puede adueñarse del esfuerzo de los que sí pueden. Los modales no significan nada para este monstruo del industrialismo moderno". En este anuncio, el robot ataca a una alegoría de la cultura musical, intentando desviar su rumbo: Y aquí vemos al robot tocando sólo por dinero y beneficios: En estos términos se expresaba Joseph N. Weber, el presidente de la Federación de Músicos, en marzo de 1931: dijo:Pronto llegará el día en que el único ser viviente en torno a una película de cine sea la persona que te vende el ticket. Drama enlatado, música enlatada, vodevil enlatado. Creemos que el público se cansará de la música mecánica y querrá lo auténtico. No estamos en contra del desarrollo científico, pero no debe llegar a costa del arte. No nos oponemos al progreso industrial. Ni siquiera nos oponemos a la música mecánica, excepto cuando se utiliza como un instrumento lucrativo para el envilecimiento artístico. Por supuesto, la historia fue muy diferente. Aunque las cosas cambiaron mucho para los músicos que acompañaban la imagen de las películas mudas, la llegada del sonido grabado y sincronizado no supuso envilecimiento alguno, ni se hizo a costa del arte. Si te interesan mas aportes de este estilo los podras encontrar en nuestra comunidad Pincha la imagen

Podríamos decir que cada par de oídos, cada sonido, cada canción, cada acorde de una guitarra es de las más fieles muestras de la infinidad del universo y la existencia de los hombres. Quienes nos dedicamos a esto del sonido sabemos que antes de cualquier técnica, cualquier instrumento, cualquier plugin o DAW, cualquier músico o álbum, existe una pasión que sobrepasa los límites de nuestro entendimiento. Sobrepasa nuestra razón, nuestros juicios y definiciones, dejando nuestras vidas inmersas en un sentimiento compartido realmente fuerte donde la música y el sonido se vuelven nuestra vida misma. El vídeo que os mostraré a continuación es una conmovedora muestra de lo impactante que puede llegar a ser una creación sonora para otra persona. Del poder de nuestra voz, nuestros oídos, nuestra música. El poder de ese lenguaje universal que cada día nos une más y al que cada día nos entregamos con más fuerza. Se trata de un hombre llamado Henry, quien reside en un centro médico desde hace 10 años, donde es atendido debido a problemas surgidos por una enfermedad causada por el peso de los años, la cual lo ha mantenido aislado, prácticamente deprimido y de pocas respuestas. La situación le causa convulsiones y le ha hecho difícil la comunicación con su familia y las personas que cuidan de él. Luego de haber intentado diversas terapias y métodos para comunicarse con él, buscar despertar sus sentidos y recobrar su vitalidad, encontraron una solución sorprendente: suministrarle un iPod con canciones de su época. El resultado es realmente increible, tanto que no encuentro palabras para describirlo. Mejor os lo dejo a vuestra percepción: link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=NKDXuCE7LeQ#! Concluyo con sus propias palabras, cuando le preguntan que es o hace la música para él: "Me da el sentimiento de amor, romance. Me doy cuenta ahora que el mundo necesita volverse música. Cantando tienes hermosa música. Siento la banda del amor, de los sueños. Dios vino y me hizo santo, soy un hombre santo, por tanto me regaló estos sonidos" Si te interesan mas aportes de este estilo los podras encontrar en nuestra comunidad Pincha la imagen

Introducción a la vozDado el carácter de aportes musicales, no puedo dejar pasar uno de los instrumentos más antiguos, conocidos y versátiles de todos cuantos existen y han existido: la voz.Es más que importante conocer en profundidad cada uno de los elementos que van a ser grabados en nuestro estudio. El hecho de "controlar" un estudio de grabación, o dicho de otra forma, de disponer de un home, implica algo más que tener un ordenador que graba varias pistas. Es más que conveniente tener un cúmulo de experiencias, de conocimientos que van a ayudar al músico a interpretar los mejores pasajes, así como van a proveernos de la sabiduría suficiente como para saber el "color" que podemos matizar en cada segundo de nuestras pistas grabadas. Aunque a veces parecen pequeñeces, detalles como la iluminación de nuestro estudio, en los momentos de interpretación y grabación de un artista, pueden ser de gran relevancia, ya que podremos conseguir romper la timidez o sacar ciertos "jugos" que con una luz excesiva (por ejemplo) podrían verse mermados o deteriorados.Hecha esta introducción, paso a analizar las características de la voz para el conocimiento de los técnicos, operarios y músicos inquietos que disponen de un home estudio.La vozIndagando en el mecanismo capaz de emitir voz, esquematizamos entendiendo que el órgano de la voz incluye los pulmones, la laringe y la boca. Así, cada una de estas partes va a realizar funciones concretas, específicas y determinadas.Gracias a la contracción de los músculos del tórax, "el instrumento" va a expulsar el aire contenido en los pulmones, generando una corriente de aire que posteriormente podrá ser modulada en forma de sonidos consonantes y vocales.La mencionada corriente de aire pasará por la laringe y de forma más concreta por la "glotis". Las conocidas "cuerdas vocales" : pliegues elásticos de la membrana cercana a la laringe, serán el primer elemento modulador, formando sus membranas un diafragma que al abrirse y cerrarse modulará el flujo de aire que pasa por ellas.De forma aproximada, podemos afirmar que esta abertura es diferente en el hombre (aprox. 2,5 cm) y en la mujer (aprox. 1,5 cm).Continuando en las profundidades de los sonidos generados por la voz, tenemos que este instrumento va a estar determinado por las posiciones de diversos elementos añadidos: la posición de la mandíbula, los labios, la lengua y la laringe.Esquema de elementos que componen la voz humana:- Pulmones: elemento que genera la energía.- Pliegues vocales: que actuarán como oscilador.- Aparato vocal: que será nuestra caja de resonancia.Existen, no obstante, más órganos capaces de intervenir en la ejecución, como es el caso del estómago (vientre)Esquema de sección de cabeza humanaMecanismos de la vozCavidad NasalLabiosBocaPaladarLenguaEpiglotisFaringeCuerdas vocalesLaringeAire pulmonarEsófago¿Por qué hay personas con grandes capacidades vocales y otras no?Características acústicasLamentable o afortunadamente, como en el resto de las capacidades del ser humano, la construcción del "ser" en cuestión va a ser determinante a la hora de fijar las cualidades posibles. Así, un jugador de fútbol americano será afortunado con una complexión robusta o un jugador de baloncesto mejor dotado con una gran altura.Sin enrollarnos demasiado, se hace lógico pensar que dependiendo de la capacidad pulmonar, la elasticidad vocal, la forma de la mandíbula, lengua y otros elementos, variarán en mucho las capacidades de cada instrumentista vocal.Afortunadamente, la disciplina vocal, como todas las ligadas a la música, puede educarse, corregirse, madurarse y mejorarse; aunque sin duda habrá individuos más capaces que otros para el desarrollo virtuoso de este instrumento musical.Tabla de rangos de frecuenciaInstrumento Límite inferiorNota-Hz Límite superiorNota-HzSoprano Do3-261,62 Do5 - 1.046,50Mezzosoprano La2 - 220, 00 La4 - 879,98Contralto Fa2 - 174,61 Mi4 - 659,25Tenor Re2 - 146,83 Do4 - 523,25Barítono Si1 - 123,47 La3 - 440,00Bajo Mi4 - 82,40 Re3 - 293,00Niveles de presión sonora en diferentes vocesNivel susurro: 20 dBHombre en conversación tranquila: 30 dBMujer en conversación tranquila: 25 dBHombre en conversación normal: 55 dBMujer en conversación normal: 50 dBHombre gritando: 85 dBMujer gritando: 80 dBCantante profesional: 80 dBPotencia máxima: 90 dBTal y como mencionaba en la introducción, la grabación sonora de la voz tiene mucho que ver con el conocimiento de sus características: intensidad, tono, timbre, direccionalidad, etc...) ya que como es de suponer los diferentes dispositivos (herramientas de estudio: micrófonos, amplificadores, altavoces, multiefectos etc...) van a estar condicionados por las características de la fuente emisora y, por tanto, su elección deberá ser acorde a la misma.La palabraQuizás algunos de vosotros dediquéis esfuerzos en vuestro home para otras actividades que salen de las puramente musicales. Valorando este aspecto, y considerando trabajos de estudio para doblaje, documentales, entrevistas o sesiones de valor periodístico, etc..., es más que notable la consideración de los condicionantes más destacados en favor de la correcta grabación de la palabra.Así hemos de tener en cuenta que será imprescindible conseguir grabaciones nítidas, claras, en las que la palabra sea capaz de ser entendida sin esfuerzo, bien matizada. De la misma manera será importante conseguir la calidad suficiente como para diferenciar unas voces de otras, dar su propia personalidad a cada locutor. Sumada a estos elementos, deberemos tener en cuenta que la palabra necesita del entorno de la entonación, de tal modo que el orador consiga crear diferentes efectos y climas en función de la expresión; llevado a lo que nos atañe, hemos de conseguir todas estas matizaciones y calidades en nuestras sesiones de grabación.Será conveniente, por consiguiente (tanto en grabaciones de voz cantada como de palabra), conocer las características del emisor, finalidad y/u objetivo de nuestra sesión, así como las características del local, interferencias posibles y todas las fuentes que intervendrán en la grabación: voces de público, telefonía etc...ConclusionesEspero y deseo que la lectura del capítulo sea de vuestra absoluta utilidad. Creo que es saludable poder ir conociendo, aunque sea de forma preliminar, los diferentes aspectos que pueden entrar en contacto con nuestros "cacharros" de grabación, edición y reproducción.Sin la pretensión de ser "pesado", incido en lo beneficioso para vosotros (aquellos quienes os habéis imbuido en la aventura de un home) de profesionalizar nuestros conocimientos y, aunque a veces dé un poco de pereza leerse ciertos textos o informaciones secundarias (a primera vista); nuestra cultura musical irá creciendo de tal modo que podremos optimizar nuestros recursos en el estudio, debatir las mejores fórmulas de grabación con nuestros "invitados" (músicos, técnicos, compositores) y en definitiva, reflejar una disciplina profesional que caracterice a nuestro gremio: el home estudio.Si te interesan mas aportes de este estilo los podras encontrar en nuestra nueva comunidadPincha la imagen

La OctavacionPara empezar vamos a tratar un tema que para muchos no será desconocido, pero para otros puede ser una salvación...Alguna vez nos hemos visto en el caso de tener una guitarra supuestamente recién afinada, habiendo utilizado incluso afinadores electrónicos de la mas avanzada tecnología, pero... Cuando toco la guitarra y dependiendo muchas veces de que trastes...¡¡ La guitarra sigue estando desafinada y suena horrible!!...Bien!... Este problema en la mayoría de los casos suele tener un nombre... "La Desoctavacion".¡ No pasa nada!... este desajuste de la afinación, que es consecuencia del propio uso continuado de la guitarra entre otras cosas ( lo cual es muy buena señal ), el deterioro progresivo de las cuerdas ( oxidación, desentorchamiento, etc ), climatología y muy relacionado con la calidad de la guitarra ( aunque hay excepciones ), tiene solución.Yo siempre recomendare dejar nuestra guitarra, como herramienta imprescindible para muchos, en manos de un profesional de la materia, es decir a esos mecánicos de Formula Uno, que como ya mas de uno sabréis son denominados "Lutiers". Conocer a un buen Lutier de nuestra confianza nos facilitara mucho las cosas y nos dará una gran tranquilidad a la hora de dejar nuestro instrumento en otras manos. Tener una relación mas o menos continuada con nuestro lutier ayuda a que el conozca nuestras inquietudes y conozca sobre todo a nuestro instrumento, de manera que el pueda tener entre comillas, un historial clínico de nuestra guitarra.Pero vamos a entrar en materia. Lo que vais a leer a continuación pretende ser una guía rápida de como detectar y resolver este problema. De ahí que no entremos en excesivos detalles y generalicemos un poco, puesto que cada caso puede ser personalizado en un momento dado.Octavacion de la guitarra¿Como puedo saber que tengo la guitarra desoctavada?.El nombre de Octavacion, como se puede intuir viene de Octava. Una octava es el intervalo formado por una Tónica ( T ) cualquiera, por ejemplo C ( Do ) y su siguiente homologo, es decir el siguiente C si desarrollamos la escala de manera ascendente o descendente hasta llegar a la misma nota:C D E F G A B C D E F G A B C8ª Descendente. T ( Tónica ) 8ª Ascendente.Este intervalo de octava pues, esta formado por dos semitonos y cinco tonos que son correspondientes a la escala Diatonica, o doce semitonos correspondientes a la escala Cromática que se desarrolla de semitono en semitono.Cada semitono es equivalente a un traste del mástil de la guitarra... "Un semitono = Un traste".Bueno pues, teniendo en cuenta este concepto, la distancia o intervalo existente entre una de las seis cuerdas cualesquiera de la guitarra pulsada a el aire ( en vacío ), hasta el traste numero doce del mástil, es exactamente una octava, es decir: doce semitonos ( escala cromática ) o trastes.¡¡ Hagamos una prueba !!... Vamos a pulsar una cuerda a el aire, por ejemplo la primera cuerda E ( Mi ), retenemos el sonido en nuestra cabeza y... después vamos a pulsar la misma cuerda pisando con el dedo en el traste numero doce...La sensación que nos tiene que dar es la misma para ambos sonidos, puesto que son la misma nota con una distancia que las separa de una octava.Si hacemos esta prueba con un afinador ( para aquellos que no tengan oído musical ) y la guitarra esta octavada... podremos observar que la aguja se posiciona, en el mismo lugar ( en el centro de la escala si esta afinada ) para ambas ejecuciones. Esto quiere decir que el sonido es idéntico pero con una distancia o intervalo de una octava. Es, en este caso, cuando podemos estar tranquilos y decir que nuestra guitarra esta... "octavada ".¿¿ Que ocurre si haciendo la prueba con el afinador me doy cuenta de que la aguja varia de posición al tocar la cuerda al aire con respecto al traste numero doce ??...... ¡ Efectivamente !, tenemos un 99´9% de que nuestra guitarra este " desoctavada ".¿ Por que ocurre esto ?.En una guitarra existe una simbiosis entre tres elementos fundamentales que son la Cejuela ( cejilla ), las cuerdas y el puente de la guitarra. Estos elementos, los podemos ver en la imagen.Cualquier variación de estos elementos como el cambio de un juego de cuerdas a un calibre diferente, cambio de una cejuela, modificación o sustitución de un puente... además de factores como los que hemos mencionado al inicio de este documento como el uso continuado, desgaste de cuerdas, temperatura ( cambio de zona geográfica ) etc, pueden llegar a producir una desoctavacion unas veces imperceptible y otras bastante molesta.Si recordamos el experimento realizado en el apartado anterior, la posición del dedo en el traste doce del mástil forma un equilibrio físico entre la cejuela y el puente, de tal manera que una variación afectaría a la vibración de la cuerda. Si se produce una variación en la vibración o frecuencia de resonancia de la cuerda, varia el tono o la nota desvirtuando el sonido real que en ese momento debería sonar.¿como se resuelve?.Bien!... Vamos a echar un vistazo a el dibujo que tenemos a continuación...Nos encontramos con los siguientes elementos:Cuerda: Es el elemento que vibrara produciendo las ondas sonoras o sonido.Puente: Uno de los puntos donde descansan las cuerdas. El otro era la Cejuela.Micropuente: Es una base con raíl donde encaja la cuerda, y que en la mayoría de los casos puede desplazarse.Tornillo de ajuste: Gracias a este tornillo podemos desplazar hacia delante o hacia atrás el micropuente.Para corregir la octavacion precisaremos de un aparato afinador ( con la batería bien cargada a ser posible ), un destornillador fino ( para el tornillo de ajuste ), un cable... y la guitarra como no!...Pasos a seguir...1. Primero afinamos la guitarra como normalmente lo haríamos, dejándola lo mas ajustada posible. La afinaremos a la frecuencia de A ( La ) 440 Hz.2. Una vez afinada empezamos por la primera cuerda (E agudo ) pulsándola al aire y asegurándonos de que la aguja del afinador, marca el centro de la escala.3. Después repetimos la operación pulsando en el traste numero doce. Aquí si la aguja marca de nuevo en el centro, la cuerda esta correctamente octavada. Por el contrario si no marca en el centro, pueden ocurrir dos casos:A. Que la aguja nos marque por encima de la zona central o meridiano. En este caso con el destornillador giraremos el tornillo de ajuste, haciendo que se deslice el micropuente hacia nuestra mano derecha.Habrá que realizar mas de un intento hasta conseguir que la aguja marque el centro indistintamente si la hacemos sonar con la cuerda al aire, o pulsando el traste numero doce.Cada vez que hagamos esta operación debemos afinar la cuerda al aire antes, ya que se habrá desajustado.B. Que la aguja nos marque por debajo de la zona central o meridiano. La operación es exactamente igual que la anterior, salvo que ahora el micropuente debe deslizarse hacia la mano izquierda.Nota:Podemos ahorrarnos el tener que afinar la cuerda al aire antes de comprobar la afinación con la cuerda pulsada en el traste doce. Solamente tenemos que tomar como referencia donde marca la aguja con la cuerda al aire y comprobar que con el traste pulsado marca en el mismo sitio. Pero para evitar despistes, mejor seguir los pasos arriba mencionados.Todo este proceso lo aplicamos a cada cuerda en el orden siguiente, por motivos de compensación:1ª cuerda, 6ª cuerda, 2ª cuerda, 5ª cuerda, 3ª cuerda y 4ª cuerda.Una vez concluido el proceso de octavación que puede llevar su tiempo, afinamos de nuevo la guitarra y probamos en cualquier traste la afinación verificando que sea perfecta.Donde mas acusaremos los resultados será a la hora de poner acordes. Estos tienen que sonar armoniosos y regulares cuando los ejecutemos en cualquier posición del mástil.link: http://www.youtube.com/watch?v=JTwe06ZKj4c&feature=relatedlink: http://www.youtube.com/watch?v=nbhaHZoFa8g&feature=relatedlink: http://www.youtube.com/watch?v=Q8SeejULm10link: http://www.youtube.com/watch?v=W7EXt9fBGB0&feature=related¡ Bueno !... Pues hasta aquí hemos llegado con esta breve explicación de que es y como resolver un problema que se presenta de tarde en tarde como es... " la octavación ".Espero les allá servido para entender un poco que es la Octavación, y si os ayuda a resolver vuestro problema, el propósito estará ¡ mas que conseguido !.Un saludo.Si te interesan mas aportes de este estilo los podras encontrar en nuestra nueva comunidadPincha la imagen

Recorrido y test de algunos de los monitores de estudio que circulan por el mercado actual¿Qué se conoce por monitor?Caja acústica concebida para el monitorado en estudios de grabación, emisoras de radio o televisión, operadores de sonido en general y músicos en el escenario.De campo cercano (Near-field monitor):Monitor de estudio concebido para la escucha en gran proximidad a la caja acústica.De escenario (Stage Monitor):Caja acústica de perfil bajo y con forma de cuña que permite apuntar hacia el intérprete que se encuentra en un escenario.De estudio:Caja acústica concebida para el monitorado en estudios de grabación y emisoras de radio o televisión.Los monitoresPor muy orgullosos que estemos de nuestro equipo de sonido, sea doméstico o profesional, el resultado depende de manera altamente significativa de la respuesta que sea capaz de dar el sistema de escucha que tengamos instalado.A la hora de decidir cual será el mejor monitor para nuestras necesidades, tendremos que tener en cuenta un gran número de parámetros entre los que abren la lista la respuesta en frecuencia; coloración, respuesta transitoria, distorsión armónica y por intermodulación, sensitividad, distorsión de fase, potencia de salida, dispersión, tipo de bafle y situación.Las líneas que siguen, a modo de rápida introducción, quieren presentar de manera compendiada algunas de las características más importantes de los mismos, así como las condiciones de operación, sobre todo aquellas que de una forma u otra afectan al sonido que producen, ya sea en aplicaciones de sonorización o de monitorado en producción o transmisión. Son comentarios nacidos de 30 años de profesión pero indiscutiblemente por encima de ellos siempre tiene que prevalecer la opinión personal de quienes van a usar cotidianamente los equipos.Hablando de altavocesSabemos que no es posible que un solo altavoz cubra todo el rango audible, ya que este es muy amplio (abarcando de 20 Hz. a 20 Khz.), además de que radiar muy bajas frecuencias (por debajo de 100 Hz.), requiere de elementos grandes o de refuerzo a la débil radiación de un altavoz de tamaño reducido. Paralelamente las altas frecuencias radiadas con una fuente de grandes dimensiones se vuelven muy direccionales, concentrando su energía en áreas muy pequeñas.Por todo esto los altavoces se agrupan en cajas diseñadas acústicamente para producir fuentes sonoras de banda ancha capaces de reproducir audio de manera lo más próximo posible a la natural. Es el concepto de caja o monitor, equipo formado por dos o más altavoces y por unos filtros eléctricos, los denominados redes de cruce, para separar frecuencias en las bandas de operación correspondientes a cada altavoz, de tal manera que, además de ampliar el ancho de banda de la fuente, se cubra una mayor superficie con calidad aceptable, se incremente la eficiencia de los altavoces y los proteja.La caja tiene una importancia que en no pocas ocasiones se ignora, ya que en su interior se generan una serie de movimientos, reflexiones, compresiones de aire, etc., que van a llevarnos al cambio de sonoridad en nuestro equipo, provocando coloreamientos muy definidos en función de su construcción, de su interior, materiales absorbentes empleados, hermetismo o salidas de aire.Colocación, directividad…La filosofía de trabajo en el mundo del audio está basada en un control exhaustivo del sonido global del sistema en distintos espacios acústicos. Hay decisiones críticas, como el emplazamiento de la imagen sonora, la ecualización, balance y timbre, que deben de ser tomadas obligatoriamente en un estrecho rango (aproximadamente +/- 30º horizontales y +/- 15º verticales), ya que es en esta área de trabajo en la que Ingenieros, productores y músicos toman sus decisiones críticas sobre la mezcla y es donde los monitores optimizan la respuesta de la sala de control.Para hacerlo apropiadamente se requiere de un sistema de monitorado transparente y plano, de forma que los monitores parezcan desaparecer, lo que dejaría que nuestra atención se enfocase plenamente en el sonido. También deberíamos dejarnos seducir por aquellos monitores que nos ofrecieran un amplio “sweet spot”, haciendo que esa zona del control en la que se escucha mejor la información que sale de cajas fuese lo más grande posible. Cierto que siempre habrá un lugar idóneo, pero se trataría de encontrar monitores en que la mezcla no se “caiga” alarmantemente tan pronto nos moviéramos un poco. Es la búsqueda de una coloración mínima fuera de eje y una transición gradual poco desagradable al mover la cabeza en cualquier dirección.La directividad es sumamente importante, siendo una característica que define cómo el altavoz distribuye su radiación en el espacio. Prácticamente todos los fabricantes suelen incluir diagramas polares en los que podemos comprobar cual es la directividad del producto que estamos adquiriendo. Pese a lo que digan algunos de ellos, por muy pesados que se pongan no existen los altavoces o cajas omnidirecionales capaces de emitir sonido en un ángulo de radiación uniforme a todas las frecuencias. Es cierto que en los altavoces de forma circular la direccionalidad tanto horizontal como vertical son iguales, pero varía escandalosamente con la frecuencia, reduciéndose el ángulo de radiación al incrementarse la frecuencia.Lo deseable es una caja con directividades medianamente uniformes en frecuencias hacia el frente y con una mínima radiación lateral y posterior para evitar reverberaciones indeseadas.Podríamos decir que un woofer tendría la directividad más amplia, mientras que un tweeter, por el contrario, tendría la más estrecha, por este motivo deberíamos orientar los agudos hacia la posición de escucha de tal modo que el ingeniero de sonido no perdiera estas frecuencias.TécnicaPara facilitar la conexión con una variedad de fuentes de sonido y pensando en el doble o triple uso que, en caso de necesidad, haríamos de ellos, cada monitor debería estar equipado con una entrada XLR balanceada para una directa compatibilidad con equipos profesionales, una entrada en jack balanceada y una entrada RCA sin balancear. Puestos a pedir, tampoco sobrarían unas conexiones para puntas libres…Tenemos que distinguir y diferenciar claramente por un lado la potencia eléctrica y por otro la acústica. La primera va a indicarnos la cantidad de potencia que el altavoz puede absorber antes de sufrir desperfectos. En cuanto a la potencia acústica, haciendo un resumen que nos sirva de referencia podríamos medir la sensibilidad comprobando la cantidad de presión sonora que emite un altavoz a un metro de distancia y con un vatio de excitación.Aclaremos que no siempre un monitor con más vías es mejor que otro sólo por este hecho. Lo buscado es conseguir una respuesta altamente lineal de frecuencia del sistema, pero con demasiadas vías, además de los cambios de fase, se tiene que el sonido de un instrumento dado emerge de diversos altavoces al mismo tiempo, mientras que los armónicos del mismo sonido emergen de otro u otros altavoces, lo cual puede llegar a desconcertar al que escucha.Algunos de los modelos que vamos a encontrar disponen de divisores de frecuencia con modo de funcionamiento seleccionable. Hay modelos de 3 vías que pueden funcionar en modo bi o tri-amplificado y de dos vías biamplificados o pasivos. Estos últimos (dos vías) seguramente son los preferidos a la hora de hacer un monitorado de campo cercano, especialmente en trabajos de edición de audio y salas de control en estudios de grabación.Y puestos a hablar de preferencias, los recintos pasivos son los buscados por aquellos profesionales en que la obtención de la claridad está por encima de cualquier otro parámetro importante a la hora de la reproducción sonora.Los sistemas bass reflex tienen la ventaja de ser más rápidos (y de no necesitar imanes potentes), pero los diseños más grandes a menudo tienen unos graves que no son fácilmente controlables. Afortunadamente, hoy en día existen muchos diseños de dos vías en configuración bass reflex con una caída muy rápida del nivel de graves pero que al mismo tiempo son muy dinámicas.En cualquier caso, no me canso de repetir que hay que probar mucho antes de tomar una decisión, puesto que una de las peores cosas que pueden ocurrir es escuchar detalles y armónicos en el ambiente del estudio y que estos desaparezcan cuando el trabajo es reproducido en las casas de los compradores o receptores.Punto y seguidoTranquiliza saber que modificaciones en las técnicas de fabricación han hecho que los sistemas que actualmente podemos adquirir en el mercado presentan unos niveles sumamente bajos de fallos, siendo menores estadísticamente al 0,5 por mil, lo que convierte a la industria de cajas acústicas y monitores en una de las más fiables dentro del mundo del espectáculo y la comunicación.Como curiosidad y prueba de la veneración que algunos de estos fabricantes sienten por sus productos estrellas, hay que hablar del legendario monitor NS10M Studio, de Yamaha, que desde su introducción en los ochenta hasta hace poco ha sido puntal en muchos estudios. La decisión de dejar de fabricarlo fue tomada al no poder disponer ya de la necesaria y pura pulpa virgen que distingue el blanco cono del woofer.Los fabricantes nos pueden abrumar y tratar de convencer con números, diagramas y todo tipo de resultados nacidos de pruebas exhaustivas, pero si el sonido no nos llena, esos no son, definitivamente, los monitores que buscamos. Y ahí si que no estamos dispuestos a ceder lo más mínimo, ¿verdad?Si te interesan mas aportes de este estilo los podras encontrar en nuestra nueva comunidadPincha la imagen