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Biografía Nació en Caprese, cerca de Arezzo, hijo de Ludovico di Leonardo Buonarroti Simone, podestà en el Castillo de Chiusi y de Caprese, y de Francesca di Neri del Miniato del Sera. La familia era florentina, pero el padre se encontraba en Caprese al desempeñar el cargo político de podestà. El padre le hizo estudiar gramática en Florencia con el maestro Francesco da Urbino. Desde muy temprano mostró sus dotes no solo artísticas para la escultura, en la que empezó a despuntar; a pesar de la oposición familiar, para quien un hijo artista suponía una deshonra, entró el 28 de junio de 1488 en el taller de Ghirlandaio, donde permaneció como aprendiz durante ocho años, pasados los cuales, bajo la tutela de Bertoldo di Giovanni, comenzó a frecuentar el Jardín de los Médicis de San Francisco, donde estudió las esculturas antiguas allí reunidas. Sus primeras obras artísticas suscitaron la admiración de Lorenzo el Magnífico que lo acogió en su Palacio de la Vía Larga entre 1489 y 1492, donde Miguel Ángel se encontró con Poliziano y otros realistas del círculo mediceo, poniéndose en contacto con las teorías absolutistas de Platón, que acabarán por convertirse en uno de los pilares fundamentales de su vida, que se plasmará tanto en sus obras artísticas como en su producción como poeta. Se cuenta una anécdota en Florencia sobre su estancia en el Jardín de los Médicis y la admiración que sentía por él Lorenzo el Magnífico, que dice así: un día de estos en los que el joven escultor trabajaba con ahínco en su escultura llegó de pronto Lorenzo, con gesto más que arrogante, y ante el trabajo que el Buonarroti realizaba, un busto de un Baco viejo, le dijo casi con desdén que le vendría mejor a ese rostro la carencia de algún que otro diente, que con ello lograría la expresividad del rictus y ratificaría su presunta vejez. Miguel Ángel se sintió tan contrariado ante lo dicho por el Magnífico, que no vio la hora de que se marchase el príncipe, para saltarle un diente a la estatua. Entre 1490 y 1502 realiza sus primeros dibujos, estudios sobre los frescos góticos de Masaccio y Giotto y los primeros relieves, La Virgen pontificada («La Virgen de la escalera») y la Batalla de los Centauros, conservados en la casa Buonarroti de Florencia, y en los que existe ya una clara definición de su estilo. En ellos se muestra como el claro heredero del arte florentino de los siglos XIV y XV, al tiempo que establece una vinculación más directa con el arte clásico. Tras la muerte de Lorenzo el Magnífico, en 1492, Miguel Ángel huye de Florencia y pasa por Venecia, instalándose después en Bolonia. Allí esculpe diversas obras tomando su influencia de la labor de Jacopo della Quercia; en el invierno de 1495 regresa a Florencia, entonces dominada por Savonarola. Al contrario que Leonardo da Vinci, que ve en el fraile a un fanático, Miguel Ángel resulta profundamente afectado por la predicación y del rigor moral del fraile, preguntándose si la iglesia debe ser reformada y suscitando sus primeras dudas sobre el valor ético que ha de darse al arte. En 1496 decide marcharse a Roma, ciudad que le vio triunfar, iniciando una década de intensísima actividad generadora de arte, al término de la cual, sin haber alcanzado apenas los treinta años, se consagra como un artista puntero. Antes de 1501 ya había esculpido La Piedad del Vaticano y el Baco de Bargello. En mayo de 1501 vuelve a Florencia. Realiza el Tondo Pitti. En 1504 recibe el encargo de pintar un fresco en el Palacio de la Señoría: La batalla de Cascina; no se llegó a ejecutar, pero sí el cartón, hoy perdido. Realiza entonces el David, obra cumbre de la escultura y de una gran complejidad por lo estrecho que es el mármol, colocado delante del palacio del Ayuntamiento de Florencia (actualmente en la Galería de la Academia), convirtiéndose en la expresión de los supremos ideales cívicos del Renacimiento. La piedad es su única obra firmada. Miguel Ángel permanece impresionado por las nuevas ideas pictóricas de la envoltura atmosférica y de la indeterminación espacial y psicológica presentes en los cartones o en los estudios de Leonardo para el grupo de Santa Ana con la Virgen, el Niño y san Juan. El cartón, disperso, dado que el conservado en la National Gallery de Londres no se corresponde con las descripciones iconográficas de Vasari y Pietro da Novellara, fue expuesto, en 1500, en la iglesia de la Santissima Annunziata. Y es casi seguro que Miguel Ángel lo estudió, y de ello son prueba los tres tondi que realizó. Entre 1500 y 1501 realiza el temple sobre tabla con Sepultura de Cristo conservado en la National Gallery de Londres. Entre agosto y septiembre de 1504 le encomiendan el fresco con la Battaglia di Cascina. En marzo de 1505, Julio II le llama a Roma y le encarga la realización de su monumento fúnebre, proyectando un complejo de arquitectura y escultura monumental, donde se celebrase el triunfo de la Iglesia más que el prestigio del Pontífice. Miguel Ángel, entusiasmado con esta obra, permanece en Carrara durante ocho meses para ocuparse personalmente de la elección y de la extracción de los mármoles necesarios, pero al volver a Roma el Pontífice, absorbido por los planos de Bramante para la reconstrucción de San Pedro, había archivado los planos del mausoleo. El 17 de abril de 1506 Miguel Ángel, enfadado, abandona Roma y se dirige a Florencia, pero a finales de noviembre, tras los numerosos llamamientos del Pontífice que le amenazó con excomulgarle, se reúne con él en Bolonia. El papa le asignó un trabajo en Bolonia: una colosal estatua de bronce del papa Julio, que entrega en febrero de 1508, en la iglesia de San Petronio. Esta escultura fue destruida en diciembre de 1511 por rebeldes boloñeses. Entre marzo y abril de 1508, el artista recibe de Julio II el encargo de decorar la bóveda de la Capilla Sixtina, en mayo acepta y los frescos los concluye cuatro años más tarde, tras un solitario y tenaz trabajo. Idea una grandiosa estructura arquitectónica pintada, elaborando esculturas de potentes musculaturas en dos dimensiones, inspirada en la forma real de la bóveda. Al tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpone una interpretación neoplatónica del Génesis, dando forma a la interpretación de las imágenes que se van a convertir en el símbolo mismo del arte del Renacimiento. La obra se presentó públicamente el 31 de octubre de 1512. Sin embargo, Miguel Ángel padecería trastornos ocurridos por este largo tiempo en el que permaneció acostado. Al lo largo de su vida, vivió con problemas en la espalda y la postura, también generados por una caída desde el andamio que el artista sufrió. Después de la muerte de Julio II en mayo de 1513, el artista acomete un segundo intento de llevar a cabo la obra del mausoleo del Pontífice. Durante tres años (1513-16), Miguel Ángel trabajó sin interferencias en la tumba, concluyendo entonces la gran estatua sedente de Moisés con las Tablas de la Ley, así como el Esclavo agonizante y el Esclavo rebelde, ambos en el Museo del Louvre, París, que reflejan, con atormentada energía, la terribilità michelangiolesca. Pero este segundo intento tampoco prosperó. En 1516, por encargo de León X, inicia la fachada de San Lorenzo, trabajo que tendrá que abandonar con gran amargura en 1520. Del proyecto original se conservan numerosos dibujos y una maqueta de madera. A partir de 1520 y hasta 1530, Miguel Ángel se dedica en Florencia a la construcción de la Sacristía Nueva de San Lorenzo y de la Biblioteca Laurenciana, en especial la escalera. Después del saqueo de Roma en 1527 y la expulsión de los Médicis en Florencia, y como hecho meramente anecdótico, Miguel Ángel formó parte del gobierno de esta República, siendo nombrado "gobernador y procurador general de la fabricación y fortificación de las murallas", participando en la defensa de la ciudad asediada por las tropas papales. Con la caída de la República en 1530, el perdón de Clemente VII le salvó de la venganza de los partidarios de los Médicis. A partir de ese año retoma los trabajos de la Sacristía Nueva y del sepulcro de Julio II. En 1534, a disgusto con la nueva situación política de Florencia, abandona la ciudad estableciéndose definitivamente en Roma, donde acepta el encargo de Clemente VII, para el altar de la Capilla Sixtina, donde realiza el Juicio Final, entre 1536 y el otoño de 1541. Hacia 1539 entabló una apasionada amistad con Vittoria Colonna, a quien estimó enormemente, y quien tuvo sobre él una gran influencia. Miguel Ángel le dedicó varios de sus sonetos y la retrató en numerosos dibujos. En 1540 Vittoria le pidió un pequeño cuadro de la Crucifixión que le ayudara en sus oraciones privadas. Tras presentarle varios bocetos, que se conservan en el British Museum y en Louvre, el artista gustoso le pintó un pequeño Calvario quedando Vittoria muy complacida por la espiritualidad de las figuras. En ese momento sólo eran Cristo, la Virgen y la Magdalena. En 1547 falleció Vittoria y tal era el afecto que Miguel Ángel le profesaba que recuperó el cuadro y la incluyó como María Magdalena abrazando la cruz de Cristo y portando sobre los hombros un pañuelo símbolo de su viudez. A pesar de que se perdió el cuadro original, tenemos muchos dibujos y copias hechas por discípulos de Miguel Ángel. Una de esas copias, que algunos históricos atribuyen a Miguel Ángel, se encuentra en España en la Concatedral de Santa María de la Redonda de Logroño. Terminado el Juicio Final, el papa Pablo III le encarga la pintura de dos grandes frescos en la nueva Capilla Paulina del Vaticano, pero antes tenía que acabar la tumba de Julio II, lo que motivó un nuevo contrato en 1542, quedando saldado el encargo entre 1544 y 1545 con las dos nuevas figuras: Lía y Raquel. De 1542 a 1550 trabajó en los frescos de la Capilla Paulina: La Conversión de Saulo y El Martirio de San Pedro. En 1546, a la muerte de Antonio de Sangallo, le sucede en el cargo de arquitecto jefe de San Pedro y se dedicó, de ahí hasta su muerte 18 años más tarde, a la arquitectura y al dibujo. Entre sus trabajos de arquitectura, cabe citar que dirigió las obras de la Biblioteca Laurenciana, que todavía continuaba, la remodelación de la plaza del Capitolio; la capilla Sforza de Santa María la Mayor; la finalización del palacio Farnesio; y, sobre todo, la finalización de la Basílica de San Pedro del Vaticano. De esta época son las últimas esculturas como la Piedad Palestrina o la Piedad Rondanini, así como numerosos dibujos, y poesías de inspiración religiosa. El 18 de febrero de 1564, falleció Miguel Ángel, a la edad de ochenta y ocho años. Fue enterrado en la iglesia de los Santos Apóstoles de Roma. Más tarde, su cuerpo fue robado y llevado a Florencia, donde está enterrado actualmente en la iglesia de Santa Croce. Fue Giorgio Vasari el encargado de diseñar el monumento que está sobre su tumba y comprende tres figuras llorosas que representan la pintura, la escultura y la arquitectura. Según Cellini, en una disputa con Miguel Ángel, Torrigiano le dio un puñetazo en la nariz, causándole una desfiguración. Miguel Ángel, quien frecuentemente era arrogante hacia los demás y estaba continuamente insatisfecho consigo mismo, pensaba que el arte se originaba en la inspiración interior y en la cultura. En contradicción a las ideas de su rival Leonardo da Vinci, Miguel Ángel vio a la naturaleza como un enemigo al que hay que superar. Las figuras que creó están de ese modo en movimientos forzados, cada una en su propio espacio aparte del mundo externo. Para Miguel Ángel, el trabajo del escultor es liberar la forma que, según él creía, ya se encontraba dentro de la piedra. Esto puede verse de manera más vívida en sus figuras sin terminar, las cuales para muchos parecen estar luchando por liberarse a sí mismas de la piedra. La falta de acabado en sus esculturas se debe a que le desagradaban a medio trabajo y las dejaba sin terminar. También instiló en sus figuras un sentido de causa moral para la acción. Esto puede verse en la expresión facial de su estatua de mármol, el David. Posiblemente, su segundo trabajo más famoso (después del David) es el fresco del techo de la Capilla Sixtina, la cual es síntesis de arquitectura, escultura y pintura. Su Juicio Final, también en la Capilla Sixtina, es la descripción de una extrema crisis. Varias anécdotas revelan que las habilidades de Miguel Ángel, especialmente para la escultura, eran profundamente apreciadas en su tiempo. Se dice que siendo aún un aprendiz había hecho un pastiche de una estatua romana (Il putto dormiente o un Cupido dormiente, el niño durmiente) de tal belleza y perfección que luego fue vendida en Roma como un modelo original romano al cardenal Raffaele Riario; descubierto el engaño y rechazada la obra, el cardenal invitó a Miguel Ángel a Roma donde llegó el 25 de junio de 1496. Otra conocida anécdota dice que cuando terminó el Moisés (San Pietro in Vincoli, Roma), Miguel Ángel golpeó violentamente la rodilla de la estatua con un martillo gritando «¿Por qué no me hablas?». Le influyó en gran medida la escultura del Laoconte, descubierta en su época en las termas del foro. Dice la historia que fue él quien dijo: «Éste es el Laoconte del que habla Plinio». Le impresionó de él la medida monumental del conjunto, la torsión de los cuerpos y la expresividad de los rostros. Vida amorosa Moisés Moisés Fundamental en el arte de Miguel Ángel es su homosexualidad, amor por la belleza masculina, la cual sabe plasmar perfectamente y con gran erotismo a diferencia del cuerpo femenino, que no lo sabe pintar. Esto se puede ver en los frescos de la Capilla Sixtina, donde Eva tiene cuerpo muy rudo y masculino. Lo atraía tanto estética como emocionalmente. Tales sentimientos le causaban gran angustia, y expresaba la lucha entre los ideales platónicos y el deseo carnal en sus esculturas, dibujos y poesía ya que también entre otros logros Miguel Ángel fue el gran poeta lírico italiano del siglo XVI. Otros especialistas, parecen sugerir, que tal angustia, lejos de ser una manifestación neurótica que afectaría a Miguel Ángel, sería parte consustancial a la formulación y resolución, de elección de temas y ejecución de su Arte. Las teorías neoplatónicas, habrían ayudado, así, a sublimar de manera coherente, tanto en su poesía como en el resto de su obra, su homosexualidad, enmarcándola en su contexto histórico, y que, desde luego, no puede ser entendida tal y como, la modernidad de nuestro tiempo la contempla. En todo caso, sería más correcto hablar de homoerotismo, en su acepción más helénica, o de paideia griega. El escultor amó a gran cantidad de jóvenes, muchos de los cuales posaron para él así como también con él durmieron. Algunos eran de alta alcurnia, como el joven de dieciséis años Cicchino dei Bracci de exquisita belleza, cuya muerte, sólo un año después de su encuentro con Miguel Ángel en 1543, le inspiró la escritura de cuarenta y ocho epigramas funerarios. Otros de estos jóvenes eran callejeros quienes se aprovechaban del escultor. Febbo di Poggio, en 1532, vendió sus encantos; en respuesta a los poemas de amor de Miguel Ángel este le pide dinero. Antes, Gerardo Perini, en 1522, le robó a Miguel Ángel sin ningún pudor. Su mayor amor fue Tommaso dei Cavalieri (1516–1574), que tenía 16 años cuando Miguel Ángel se encontró con él en 1532, teniendo éste 57. En su primer intercambio de cartas, fechado el primero de enero de 1533, Miguel Ángel declara: Su señoría, única luz del mundo en nuestra era, nunca estará satisfecho con el trabajo de otro hombre porque no hay otro hombre que se te asemeje, ninguno que te iguale... Me apena grandemente que no pueda recuperar mi pasado, y así de esa manera por más tiempo estar a su servicio. Tal como es, sólo puedo ofrecerle mi futuro, el cual es corto ya que soy anciano... Eso es todo lo que tengo que decir. Leed mi corazón ya que la pluma es incapaz de expresarse bien. A su vez su amado es abierto al afecto del hombre mayor: Juro devolver su amor. Jamás he querido a un hombre como lo quiero a usted, ni he deseado una amistad más que la que deseo la suya. Este permaneció devoto a su amante hasta el final, sosteniendo su mano mientras expiraba su último aliento. Michelangelo le dedicó a Cavalieri cerca de trescientos sonetos y madrigales, constituyendo la más vasta secuencia de poemas compuestas por él. Aunque hay quienes se apuran en afirmar que la relación era meramente de afecto platónico, los sonetos son la primera gran secuencia de poemas en cualquier idioma romance de un hombre dirigido a otro, antecediendo en esto a los sonetos de Shakespeare hacia su joven amigo en unos cincuenta años. El homoerotismo de la poesía de Michelangelo fue obscurecida cuando su sobrino nieto, Miguel Ángel el joven, publicó una edición de su poesía en 1623 cambiando el género de los pronombres masculinos. Valoración La obra de Miguel Ángel, celebrada por sus contemporáneos como el punto culminante del arte renacentista, fue también su dramática conclusión. Sus esculturas, sus pinturas y su arquitectura, fueron admiradas más allá de todo límite, consideradas como creaciones superiores a las de los antiguos y por encima de la naturaleza misma. Pero Miguel Ángel estaba todavía vivo cuando se inició la polémica, entre los apasionados exaltadores de su arte y sus detractores, que condenaban la falta de medida y de naturalidad, contraponiendo su fuerza a la gracia y la elegancia del arte de Rafael. El carácter profundamente religioso de Miguel Ángel, su genial cabeza le llevaron a ser considerado como un mito lo que le acarreó, como antes se ha apuntado, algunas críticas ya que su dominio de las técnicas clásicas llevaron a que, en cierta medida, jugara con ellas y las sobrepasara. Su modo de ser impulsivo le llevó a dedicarse en su juventud a manifestaciones artísticas principalmente escultóricas en donde el artista tiene una mayor cercanía con su obra, la lleva a cabo él mismo, cosa que se pierde con la arquitectura que por encargo papal acepta en muchas ocasiones principalmente en el segundo tramo de su vida. Su proyecto de la basílica Vaticana en la que trabajó durante casi veinte años de su vida simplifica el proyecto que ideó para la misma Bramante, si bien mantiene la estructura en cruz griega y la gran cúpula. Miguel Ángel creaba espacios, funciones englobadoras de los elementos principales sobre todo la cúpula, elemento director del conjunto. A pesar de todo no consiguió ver su idea acabada, para lo cual otro arquitecto debería sustituirle, que fue Maderno en última instancia. Como pintor, tuvo honda influencia en la generación posterior manierista. Tintoretto se ve influido por su dibujo, las formas anatómicas de los cuerpos y sus torsiones, escorzos y posturas forzadas. Por lo que se refiere a la escultura, su David representó no ya una vuelta a modelos de la Antigüedad grecolatina sino que, por primera vez, se realizaba una obra que los superaba. Muchas de sus obras están inacabadas (non finito, en italiano), pero debe diferenciarse entre aquellas en las que el autor, intencionadamente, dejaba partes sin hacer, como los tondi Taddei y Pitti, de aquellas otras que no llegó a acabar a causa de factores externos. En sus dos obras inacabadas voluntariamente, Miguel Ángel se vincula con Leonardo y su poética de la indeterminación espacial y psicológica, por lo que dejó algunas partes de sus dos tondi en un estado de esbozo. El resto de las obras inacabadas por accidente permiten, sin embargo, conocer el proceso escultórico que seguía Miguel Ángel. Obra Escultura San Petronio, Bolonia San Petronio, Bolonia Ángel sosteniendo un candelabro, Bolonia Ángel sosteniendo un candelabro, Bolonia La Virgen con el Niño, Brujas La Virgen con el Niño, Brujas * La Virgen de las Escaleras o Madonna de la Escalera (Madonna della scala, 1490-1491, Casa Buonarroti, Florencia. Exquisito bajorrelieve de carácter pictórico. Por Vasari se sabe que fue donada por Leonardo Buonarroti, sobrino del artista, al duque Cosme I de Médicis. Probablemente la obra permaneció siempre en casa del artista en via Ghibellina, donde regresó en 1616, cuando el gran duque Cosme II de Médicis la restituyó a los familiares de Miguel Ángel. En esta obra el artista adopta la técnica donatelliana del stiacciato, creando una imagen de tal monumentalidad que recuerda al estilo clásico; la figura de la Madonna, sentada y vista de perfil mientras mira a lo lejos, ocupa toda la altura del relieve, de un margen al otro, mientras el Niño está en sus rodillas, a la izquierda de una escalera, de la que toma su nombre, con dos putti en traje de danza y otro que que tiende, junto a otro putto a la derecha de la Virgen, un trapo. * Combate de los centauros contra los lapitas (Battaglia dei centauri), 1491-1492, Casa Buonarroti, Florencia. Turbulento altorrelieve. Según Condivi, la obra fue encargada por Lorenzo el Magnífico sobre un tema propuesto por Agnolo Poliziano, el rapto de Deyanira, mientras que para Vasari representa la batalla de Hércules con los Centauros. * Cristo crucificado (Crocifisso ligneo), 1492-93, Casa Buonarroti, Florencia. Crucifijo de madera atribuido a Miguel Ángel. Realizado como agradecimiento para el prior de Santo Spirito, que le había dado permiso para concurrir a los estudios de anatomía sobre los cadáveres del Ospedale. * Ángel sosteniendo un candelabro, 1495. Basílica de San Domenico, Bolonia, para la tumba de Santo Domingo. Para esta misma iglesia elabora un San Procolo y un San Petronio. * Baco ebrio, 1496-97, Museo Nacional del Bargello, Florencia. Es una figura del dios Baco adolescente, embriagado, con una figura a sus pies que está comiendo de las uvas que el dios tiene en la mano. Esta obra, gracias a la representación naturalística del cuerpo, logra efectos táctiles semejantes a los de las esculturas helenísticas. La obra permaneció en casa de Jacopo Gallo, verdadero mecenas del artista durante su primera estancia en Roma. * La Piedad del Vaticano (Pietà), 1498-1500, Basílica de San Pedro, Roma. El grupo realizado en posición piramidal con la Virgen como eje vertical y el cuerpo muerto de Cristo como eje horizontal, recuerda a los grupos escultóricos esculpidos y pintados al norte de los Alpes, llamados Vesperbilder, esto es, imágenes de la Virgen, y ligados a la liturgia del Viernes Santo. Logra darle al mármol un acabado que produce efectos traslúcidos y una morbidez cerúlea. * La Virgen con el Niño (Madonna col Bambino), 1498-1501, Nuestra Señora de Brujas, Bélgica. Las figuras aparecen incluidas en un óvalo ideal, compuesto por la solemne figura de la Virgen en contraste con el dinamismo de la figura del Niño. * Cuatro estatuas para el altar de la catedral de Siena: un san Pedro, un san Pablo, un san Pío y un san Gregorio (1501). * David, 1501-1504, Galería de la Academia, Florencia. En agosto de 1501 los cónsules del Arte de la Lana le encargan el David, para la época una obra radicalmente innovadora. El artista afrontaba el tema del héroe de manera insólita respecto a la iconografía tradicional, representando el símbolo de la fe hebraica con el cuerpo de un hombre joven y desnudo, tranquilo pero tenso, preparado para reaccionar, casi un símbolo del naciente ideal político republicano, que veía en el ciudadano-soldado y no en el mercenario el único en situación de poder defender la libertad republicana. * El sepulcro del papa Julio II. Trabajó en esta obra desde 1501 hasta los años 1540, siendo su proyecto más ambicioso y del que, al final, quedaron tres esculturas insertas en la tumba de San Pietro in Vincoli, Roma, y numerosas esculturas a medio hacer. Las tres esculturas pertenecientes a Miguel Ángel que pueden verse en la tumba son Moisés y, a los lados, Lia o La vida activa y Raquel o La vida contemplativa. En cuanto a las variadas piezas de mármol inconclusas que tenían como destino original esta tumba, hay que citar los Esclavos en el Museo del Louvre y varias piezas en la Galería de la Academia de Florencia: Atlas, Despertar del gigante, Esclavo. * Tondo Taddei, h. 1502, Royal Academy, Londres. La Virgen y el Niño con San Juan en mármol El Niño huye atemorizado en la pierna de la Virgen, al ver a un jilguero, símbolo de su futura pasión, llevado por san Juan Bautista. El fondo está tratado de forma irregular, y de él parecen emerger las figuras. * Tondo Pitti, h. 1503, Museo del Bargello, Florencia. Escultura de la Virgen y el Niño. Está realizado en mármol. La composición está dominada por la monumental figura de la Virgen que coge al Niño y mira lejos en dirección opuesta, como para llegar a comprender el destino del hijo, a sus espaldas, san Juan aflora apenas de un fondo inacabado. * San Mateo, h. 1506, Galería de la Academia, Florencia. * Estatua de Julio II para Bolonia, 1508, en bronce, destruida en 1511. * Sepulcros de la familia Médicis, 1520-1534, Capillas Mediceas, iglesia de San Lorenzo de Florencia. Las tumbas que parecen ser parte de la pared, se componen de un sarcófago curvilíneo sobre las que hay dos estatuas con la Allegorie del Tempo, en la de Lorenzo, el Crepúsculo (Crepuscolo) y la Aurora, mientras que en la de Giuliano están la Noche (Notte) y el Día (Giorno). Se trata de figuras macizas y de miembros poderosos. Las figuras de los muertos no son retratos verdaderos sino idealizados y contemplativos. Hay una escultura de la Virgen y el Niño (Vergine allattante il Bambino. Esta última es símbolo de vida eterna y está flanqueada por las estatuas de san Cosme y san Damián, protectores de los Médici, ejecutadas sobre modelo de Buonarroti, respectivamente por Giovanni Angelo Montorsoli y Raffaello da Montelupo. * Victoria, h. 1527-1530, Palazzo Vecchio, Florencia. * Bruto, h. 1540, Museo Bargello, Florencia. Busto de corte clásico. * Piedad de la Catedral de Florencia (Pietà dell'Opera del Duomo), 1550-1553, Duomo, Florencia. Se trata de un Descendimiento, más que de una piedad. Esta obra estaba destinada a la tumba del propio Miguel Ángel. La comenzó hacia 1550 y la abandonó dos o tres años más tardes, después de que el artista rompiese, en un ataque de ira, el brazo y la pierna izquierda del Cristo, dañando también la mano de la Virgen. Tiberio Calcagni se encargó de reconstruir el brazo y acabar la María Magdalena dejada por Miguel Ángel a medio hacer: el grupo constituido por Cristo sujeto por la Virgen la Magdalena y José de Arimatea (o Nicodemo) está dispuesto de forma piramidal con el vértice en este último. La escultura está en diversos grados de acabado con la figura de Cristo en el estado más avanzado. El san José podría ser un autorretrato de Miguel Ángel, de cuyo cuerpo parece salir la figura de Cristo: puede referirse al sufrimiento psicológico que él, profundamente religioso, sentía dentro de sí en aquellos años. * Piedad Rondanini (Pietà Rondanini), h. 1552-1564, Museo del castillo Sforcesco, Milán. Es una obra inacabada en la que trabajó desde 1552 y que en 1561 donó a Antonio del Francese. Sin embargo, siguió trabajando en ella hasta su muerte. Los cuerpos de la Virgen y del Cristo están apenas esbozados. Hay partes acabadas, como el brazo derecho de Cristo, y otras que no lo están, como el torso del Salvador, que está unido al cuerpo de la Virgen como si formaran uno solo. LINK:http://es.wikipedia.org/wiki/Miguel_%C3%81ngel

Macbeth es una de las obras más populares de William Shakespeare. Es una tragedia en cinco actos, en prosa y en verso, que fue compuesta probablemente hacia 1606 y estrenada poco después[1] . Fue publicada por primera vez recién en 1623, en la edición conocida como First Folio. Macbeth es una tragedia acerca de la traición y la ambición desmedida. Está libremente basada en el relato de la vida de un personaje histórico, el rey Macbeth de Escocia. No hay seguridad absoluta de que la tragedia sea en su totalidad obra de Shakespeare, ya que algunos afirman que ciertos pasajes podrían ser adiciones posteriores del dramaturgo Thomas Middleton, cuya obra La bruja (The witch) tiene múltiples afinidades con Macbeth Macbeth y Banquo reuniéndose con las brujas en el brezal por Théodore Chassériau. La obra está basada en la vida de un personaje histórico, Macbeth, que fue rey de los escoceses entre 1040 y 1057. La fuente principal de Shakespeare para esta tragedia fueron las Crónicas de Raphael Holinshed, obra de la que extrajo también los argumentos de sus obras históricas. Holinshed se basó a su vez en Historia Gentis Scotorum (Historia de los escoceses), obra escrita en latín por el autor escocés Hector Boece e impresa por primera vez en París en 1527. Para agradar a su mecenas, el rey Jacobo V de Escocia, Boece había oscurecido deliberadamente la figura de Macbeth, con el fin de exaltar a un hipotético antepasado del rey, Banquo. Personajes Duncan, Rey de Escocia. Basado en un personaje histórico, el rey de Alba Duncan I, muerto en 1040 a manos del Macbeth histórico. En la obra se destaca su benevolencia, para acentuar lo terrible del crimen de Macbeth: "Además, este Duncan ha usado de sus poderes con tal bondad, ha sido tan claro en su gran dignidad, que sus virtudes argüirán como ángeles de lengua de trompeta en contra de la profunda condenación de eliminarle" (I, 7)[2]. Malcolm y Donalbain, hijos de Duncan. Macbeth, Thane de Glamis y primo del Rey. Macduff, Thane de Fife. Lady Macbeth, esposa de Macbeth Banquo, amigo de Macbeth y General en el ejército de Duncan. Lennox, Ross, Mentieth, Angus y Caithness, nobles escoceses. Fleance, hijo de Banquo. Siward, conde de Northumberland, general de las fuerzas inglesas. Macbeth y Banquo con las Brujas por Johann Heinrich Füssli. Actos Acto I La obra comienza con tres brujas, las tres "Hermanas Fatídicas", que se ponen de acuerdo acerca de su próximo encuentro con Macbeth. En la escena siguiente, Duncan, rey de Escocia, comenta con sus oficiales el aplastamiento de la invasión de Escocia por noruegos e irlandeses, acaudillados por el rebelde Macdonwald, en la cual Macbeth, thane (barón) de Glamis y primo del rey, ha tenido un importante papel. Duncan se propone darle en recompensa el título de thane de Cawdor. Cuando Macbeth y su compañero Banquo cabalgan hacia Forres desde el campo de batalla, se encuentran con las brujas, quienes saludan a Macbeth, primero como thane de Glamis, luego como thane de Cawdor, y por último anunciándole que un día será rey. A Banquo le dicen que sus descendientes serán reyes. Cuando Macbeth pide a las brujas que le aclaren el sentido de las profecías, ellas desaparecen. Se presenta un enviado del rey, quien notifica a Macbeth la concesión real del título de thane de Cawdor. Viendo cumplida la profecía de las brujas, Macbeth comienza a ambicionar conseguir el trono. Macbeth escribe una carta a su esposa, en Inverness, explicando las profecías de las brujas. Lady Macbeth, al leer la carta, concibe el propósito de asesinar a Duncan para lograr que su marido llegue a ser rey. De improviso se presenta Macbeth en el castillo, así como la noticia de que Duncan va a pasar allí esa noche. Lady Macbeth le expone sus planes. Macbeth duda, pero su esposa lo azuza, estimulando su ambición. Finalmente, Macbeth consiente en consumar el crimen. Escena de Macbeth: el conjuro de las brujas (acto IV, escena I). Cuadro de William Rimmer. Acto II Al llegar la noche, Macbeth, instigado por su esposa, da muerte al rey cuando duerme en su aposento. Siente fuertes remordimientos, que Lady Macbeth se esfuerza por acallar. A la mañana siguiente se descubre el crimen. Macbeth culpa a los sirvientes de Duncan, a los que previamente ha asesinado, supuestamente en un arrebato de furia para vengar la muerte del rey. Los hijos de Duncan, Malcolm y Donalbain, que se encuentran también en el castillo, no creen la versión de Macbeth, pero disimulan para evitar ser también asesinados. Malcolm huye a Inglaterra, y Donalbain a Irlanda. Gracias a su parentesco con el rey fallecido y a la huida de los hijos de éste, Macbeth consigue ser proclamado rey de Escocia Acto III A pesar del éxito de sus propósitos, Macbeth continúa intranquilo a causa de la profecía que las brujas hicieron a Banquo, según la cual éste sería padre de reyes. Encarga a unos asesinos que acaben con su vida, y la de su hijo, Fleance, cuando lleguen al castillo para participar en un banquete al que Macbeth les ha invitado. Los asesinos matan a Banquo, pero Fleance consigue huir. En el banquete, poco después de que Macbeth sepa por uno de los asesinos lo ocurrido, se aparece el espectro de Banquo y se sienta en el sitio de Macbeth. Sólo Macbeth puede ver al fantasma, con el que dialoga, y en sus palabras se hace evidente su crimen. Acto IV Macbeth regresa al lugar de su encuentro con las brujas. Inquieto, les pregunta por su futuro. Ellas conjuran a tres espíritus. El primero advierte a Macbeth que tenga cuidado con Macduff. El segundo dice que "ningún hombre nacido de mujer" podrá vencer a Macbeth, y el tercero hace una curiosa profecía: "Macbeth seguirá invicto y con ventura / si el gran bosque de Birnam no se mueve / y, subiendo, a luchar con él se atreve / en Dunsinane, allá en la misma altura". Estas profecías tranquilizan a Macbeth, pero no se queda satisfecho. Quiere saber también si los descendientes de Banquo llegarán a reinar, como las brujas profetizaron. En respuesta a su demanda, se aparecen los fantasmas de ocho reyes y el de Banquo, con un espejo en la mano, indicando así que ocho descendientes de Banquo serían reyes de Escocia. Un vasallo de Macbeth le notifica que Macduff ha desertado. En represalia, Macbeth decide atacar su castillo y acabar con la vida de toda su familia. La acción se traslada a Inglaterra, donde Macduff, ignorante todavía de la suerte que ha corrido su familia, se entrevista con Malcolm, hijo de Duncan, al que intenta convencer para que reclame el trono. Recibe la noticia de la muerte de su familia. Macbeth viendo el espectro de Banquo por Théodore Chassériau. Acto V Lady Macbeth empieza a sufrir remordimientos: sonámbula, intenta lavar manchas de sangre imaginarias de sus manos. Malcolm y Macduff, con la ayuda de Inglaterra, invaden Escocia. Macduff, Malcolm y el inglés Siward, conde de Northumberland, atacan el castillo de Dunsinane, con un ejército camuflado con ramas del bosque de Birnam (con lo que se cumple una de las profecías de las brujas: el bosque de Birnam se mueve y ataca Dunsinane). Macbeth recibe la noticia de que el bosque se mueve y de la muerte de su esposa (no se dice por qué causa, pero generalmente se supone que por suicidio). Tras pronunciar un monólogo nihilista, toma la determinación de combatir hasta el final. Tras matar al hijo de Siward, se enfrenta con Macduff. Se siente todavía seguro, a causa de la profecía de la bruja según la cual no podría ser muerto por ningún hombre nacido de mujer. Macduff, entonces, anuncia que nació por cesárea del cuerpo sin vida de su madre (muerta durante el parto) y técnicamente no es, por tanto, nacido de mujer. Demasiado tarde, Macbeth comprende que las profecías de las brujas han sido engañosas. Macduff mata a Macbeth. En la escena final, Malcolm es coronado rey de Escocia. Fin Fuente:

Será la única provincia que se haya atrevido a desafiar la decisión de Buenos Aires. BUENOS AIRES, 17 enero (NA) -- El Gobierno de San Luis dispuso este mediodía por decreto atrasar el huso horario en todo el territorio provincial desde el lunes próximo, y así dará marcha atrás con la medida que dispuso el Gobierno Nacional a fines del año pasado. El anuncio corrió por parte del vicegobernador de la provincia, Jorge Pellegrini, quien días atrás había anticipado que el Ejecutivo de San Luis evaluaba retrasar los relojes. De este modo, los puntanos deberán modificar la hora apartir de las 00:00 del lunes 21, cuando pasarán a ser, en realidad, las 23:00 del domingo 20 de enero. Pellegrini justificó la medida al señalar que, para la Provincia, adelantar una hora "no se traduce en un ahorro de energía, y además provoca cambios de hábito en la población". Sucede que con el huso horario actual, en San Luis anochece pasadas de las 22:00. "Hemos tenido reuniones con cámaras empresarias e instituciones para consensuar esta decisión de volver al anterior huso horario", señaló el funcionario, en conferencia de prensa. Pellegrini sostuvo además que "el trastorno que ha provocado el adelantamiento de la hora se nota en el reloj biológico de cada uno de nosotros, que estamos con cara de cansados". El adelanto de la hora oficial en todo el país se efectivizó el 30 de diciembre último, por parte del Gobierno Nacional, y es una de las medidas que forman parte del Programa de Uso Radional y Eficiente de la Energía, que el Ejecutivo comenzó a aplicar para mejorar la utilización de este insumo. Fuente diario uno de Mendoza http://www.diariouno.net.ar/contenidos/2008/01/17/noticia_0020.html

1) Interactividad y entretenimientoPara mí una consola doméstica básicamente es un "aparato" con el cual puedes disfrutar de juegos en una pantalla. Usarla para divertirte, y este es el punto fuerte de Wii, la diversión, el nuevo mando ofrece un catálogo de posibilidades nunca vistas antes en otra consola y que dará mucho juego, y no sólo nos quedamos aquí sino que los gráficos aunque sean algo inferiores a Xbox360 y PS3 son también de buena calidad.2) PrecioSin duda el precio de Wii es el más económico de las tres consolas de nueva generación, 249€ (Europa) + juego "Wii Sports" + mandos y cableado... un precio muy pero que muy atractivo para lo que ofrece, realmente es una buena compra por eso precio, y con lo que te cuestan otras consolas, tienes para hacerte con interesantes títulos y accesorios3) Los juegosEn encuestas a los desarrolladores del mundo más del 50% preferían desarrollar para Wii, lo que significa un catálogo amplio, con gran variedad y títulos propios. Nintendo posee muchas franquicias que crean juegos que gozan de una gran reputación (Pokemon, Zelda, Mario...) además de empresas que apoyan el auge de Wii como consola estrella (por ejemplo "Ubisoft", además de las multiplataformas, ya de salida Wii goza con el catálogo más amplio4) Sistema On-LineEl sistema Wiiconnect24 permitirá tener a la consola en modo "stand-by" 24 horas al día con un gasto minúsculo de electricidad. Los ya conocidos WiiChannels permitirán acceder a contenido extra "información meteorológica, prensa, charla..." y los juegos con sistema on-line serán una buena fuente de entretenimiento asegurado5) Expectativas de futuroWii es posiblemente la consola más sonada de nueva generación, lo que la posiciona a que cada vez más gente se interese por ella, goza antes de salida con un amplio número de seguidores, lo que anima a compañías desarrolladoras crear juegos para esta plataforma con el fin de que se convierta en la líder del mercadoFuente:http://xataka.com/2006/10/08-5-razones-para-comprar-una-wiilink: http://www.videos-star.com/watch.php?video=LGbmUl9YceQlink: http://www.videos-star.com/watch.php?video=i1lbvjzzzzE