nicolinoroche1

este es un post de queen lo hice para hacerle un tributo a la banda q me volo la cabeza LOS ORÍGENES (1970) En la Inglaterra de finales de los 60, Beatles y Rolling Stones seguían siendo los amos del cotarro, pero ya empezaban a sonar grupos con sonidos apartados del beat o del rock and roll más standard (Pink Floyd, Status Quo...). Precisamente, en una de las actuaciones de Pink Floyd en 1968 en el Imperial College de Londres, fueron teloneados por un grupo llamado Smile, formado por estudiantes de aquel centro. Los músicos/estudiantes en cuestión eran un tal Brian May (guitarra), Tim Staffel (bajo y voz) y Roger Taylor (batería). A partir de ahí, Smile consiguió una cierta popularidad entre el público universitario, hasta que un día alguien se fijó en ellos y los fichó para grabar un single que, por cierto, sólo salió en Estados Unidos, cosas de la industria de aquella época. Ni que decir tiene que no tuvo ninguna repercusión, al menos donde a ellos les interesaba que era en su propio país, de manera que Tim Staffel se hartó y dejó el grupo en 1970. Para sustituirle pensaron en un conocido de Roger Taylor, un cliente asiduo de la tienda de ropa en la que trabajaba y alguien que frecuentaba las actuaciones de Smile, se llamaba Farookh Bulsara pero todos le llamaban Freddie. Era una persona bastante introvertida, pero que siempre tuvo la idea de montar un grupo de rock en el cual el aspecto visual tuviera gran importancia, algo así como un espectáculo musical con base de rock potente, tipo Led Zeppelin o Jimi Hendrix, que diera forma a algo bastante alejado de la idea clásica de los Beatles. El primer paso fue cambiarle el nombre al grupo, que pasó a llamarse Queen, y después hubo que buscar un nuevo bajista. Tras un año probando con diferentes músicos, al final se les unió definitivamente John Deacon a mediados de 1971. PRIMER DISCO: “QUEEN” (1973) Durante los dos años siguientes se dedicaron a madurar la idea de grupo que querían para Queen. No solamente la teatralidad rockera, sino también el tratamiento de las voces, guitarras y el aspecto general de su música, aparte de componer temas con suficiente calidad como para grabar un primer disco que impactara, y tras la reclusión voluntaria comenzaron las sesiones de grabación gracias a ciertos contactos que tenían en la compañía y estudios Trident. Las condiciones de grabación no es que fueran precisamente las mejores, pero se conformaban con grabar en el mismo estudio en el que trabajaban como músicos de alquiler o probando equipos para otros, cuando las estrellas (léase Bowie o Elton John) terminaban de grabar lo suyo, la mayoría de las veces por la noche o de madrugada. Una vez terminado el primer disco, EMI se hizo cargo de él y lo publicó en julio del 73 junto con el primer single “Keep yourself alive”. Lo que contenía el LP eran 10 temas en los que dominaban las voces y las guitarras. Sonidos duros, guitarras saturadas con punteos doblados sobre los que se dibujaban líneas vocales muy onduladas, con abundancia de coros en varias voces y mucha riqueza orquestal, acústicas, piano... O lo que es lo mismo, el estilo de Queen prácticamente perfilado, ese que luego maduraron y repitieron a lo largo de su vida artística, con más o menos acierto. LA CONFIRMACIÓN: “QUEEN II” (1973) La sofisticación en el sonido, con un cierto aire glam (todo lo contrario a la actitud hippy que acababa de arrasar) atrajeron no solamente al público sino también a la propia EMI, quienes viendo que ahí había materia prima decidieron que el segundo disco del grupo había que grabarlo inmediatamente, y no ya en los ratos muertos del estudio, sino con todo el tiempo del mundo. De forma que en septiembre de 1973, apenas un par de meses después de la publicación del primer disco, comenzaron las labores de grabación del segundo. Paralelamente a la grabación, Queen iniciaron una gira como teloneros de Mott the Hoople por todo U.K., incluyendo una espectacular actuación en el Imperial College de Londres, de la que siempre han dicho fue su lanzamiento definitivo. De ahí se derivaron algunas actuaciones fuera del Reino Unido y otra en el prestigioso programa de TV “Top of the Pops” sustituyendo a David Bowie. Para esta ocasión editaron en single “Seven seas of Rhye”, ya incluido en el primer disco, pero con bastantes modificaciones (la versión del primer disco es instrumental y de poco más de un minuto de duración) y la presentaron en el programa, lo que les sirvió para entrar en las listas de venta británicas con muy buen resultado de ventas. Era febrero de 1974. Un mes más tarde se publicó “Queen II”, con el que consiguieron superar en ventas al disco anterior. La línea general del disco era similar a la de “Queen”, con alguna concesión más a las guitarras acústicas y al refinamiento (en una onda muy Led Zeppelin, su grupo de referencia) pero sin perder ni pizca de dureza, todo lo contrario, quizá la mejor definición sea una mezcla perfecta entre los Who y Led Zeppelin con la melodía característica de su propio primer disco. Se incluyó la versión del “Seven seas of Rhye” que apareció para Top of the Pops y fue su tema más destacado de los 11 que componen el LP. Prepararon una gira por Inglaterra para la que llevaron de teloneros a los Nutz de Dave Lloyd. Una vez terminada la gira se les presentó la oportunidad de repetir como teloneros para Mott the Hoople, pero esta vez en Estados Unidos. La mala fortuna quiso que unos días después de iniciar la gira tuvieran que abandonarla por problemas de salud de Brian May, y el lugar de Queen lo ocuparon Kansas, banda que estaba dando sus primeros pasos también por aquella época. “SHEER HEART ATTACK” (1974) Los problemas de salud de Bryan May no terminaban. De hecho, en la grabación del tercer disco apenas apareció más que para grabar las guitarras y algunas voces en momentos en los que podía tenerse en pie. Esto pudo ser la causa de que “Sheer heart attack”, publicado en noviembre de 1974, contuviera algunos temas que iban evolucionando a partir del hard rock de los primeros dos discos, por ejemplo “Killer Queen”, su tema-estrella del álbum, el cual ya incluía algunos elementos que iban a suponer las señas de identidad posterior del grupo. El caso es que a partir de bases duras estaban empezando a coquetear con el pop y, sabiendo que May es el elemento más heavy del grupo, probablemente su escasa aportación al día a día de la grabación hizo posible el inicio de la paulatina transformación. Sin embargo, todavía seguía siendo un disco de pleno hard rock con temas históricos como “Brighton rock”, “Now I’m here” o el bestial “Stone cold crazy” (versionado por Metallica y asiduo en su repertorio en directo). Después de la publicación del disco vino una gira por los USA y otra por Japón, donde el disco fue Nº 1. SU OBRA MAESTRA: “A NIGHT AT THE OPERA” (1975) Estaba claro que Queen daba para mucho y podían llegar mucho más lejos. Ellos también tenían claro que tenían que realizar algunos cambios sensibles para poder despegar definitivamente, y entre ellos estaba la renegociación del contrato con EMI y partir peras con su manager Jack Nelson, con quien se llevaban bastante mal. Tenían entre manos un proyecto de disco para el que necesitaban mucha infraestructura, incluyendo también mucho dinero y una campaña de promoción brutal. John Reid, manager de Elton John, les incluyó en su nómina con la intención de hacer de Queen un grupo a la altura de unos Led Zeppelin. Pero también necesitaban grabar ese disco que les diera el empujón definitivo, y lo hicieron. Se tituló “A night at the Opera” y se publicó en noviembre de 1975, tras cuatro meses de grabación (Solo “Bohemian Rhapsody” se llevó tres semanas de esos cuatro meses). Este disco tenía muchos elementos distintos a los publicados anteriormente. No se centraba tanto en el trabajo de guitarra, pasando ese protagonismo a las voces. Las composiciones eran más largas y más recargadas, mucho más intrincadas armónicamente y de entre ellas sobresalía “Bohemian Rhapsody”, el tema más emblemático de toda la carrera de Queen. Se eligió como single, aunque algunas emisoras tuvieron bastantes reparos en pincharlo debido a su longitud y a lo ‘raro’ de la propuesta, ya que mezclaba en una misma pieza partes heavies con otras operísticas o más lentas. Poco a poco fueron sucumbiendo ante la evidencia de estar frente a una de las grandes canciones de la historia del Rock y finalmente tanto el single como el disco tuvieron el reconocimiento que se merecían, aparte de convertirse en superventas. El LP se abría con “Death on two legs (dedicated to...)”, en la que ponían a parir a su anterior manager Jack Nelson. Otros temas eran las conocidas (por más asequibles) “You’re my best friend” (segundo single) o “Love of my life”, pero también están “You’re in love with my car”, mucho más dura, la intrincada “The prophet’s song” con esas voces dobladas del propio Mercury, o ritmos de cabaret años ‘20 como el de “Seaside rendez-vous”. En un par de meses llegó a vender un millón de copias, y una de las principales ayudas para llegar a vender tanto fue la edición de lo que muchos consideran el primer video-clip de la historia, una montaje de imágenes del grupo con “Bohemian Rhapsody” de fondo. Se montaron varias giras por Estados Unidos y Japón con la particularidad de que cuando tocaba interpretar “Bohemian Rhapsody”, al no poder reproducir en directo la parte operística central, el grupo abandonaba el escenario porque no querían tocar en play-back mientras sonaban las voces pregrabadas, y regresaban para ligar con la parte siguiente. “A DAY AT THE RACES” (1976) De lo que no entró en “A night at the opera” se construyó este nuevo. No son ‘sobras’ del anterior, sino temas escritos a la vez que no pudieron entrar pese a la idea inicial de Brian May de publicar un disco doble. Empezaron a preparar los temas del nuevo disco a finales de verano, y se publicó en diciembre de 1976, con un primer single titulado “Somebody to love”, una especie de gospel muy en la línea de los temas del disco anterior y cuando todo el mundo ya tenía asumido que los Queen crudos de los dos primeros discos habían dado paso a otros de hard rock aderezado con elementos tan variados como los mostrados en estos dos últimos discos. Otro ejemplo de esto mismo es “Good old fashioned lover boy”, en el que mezclan un efectivo solo de May con buenísimas voces y aires de película musical americana. Sin embargo, “A day at the races” contenía también cortes como “Tie your mother down” o “White man”, en los que May se suelta la melena y que sirvió también para que los seguidores más duros no dieran la espalda al grupo. PRIMER CAMBIO: “NEWS OF THE WORLD” (1977) En 1977, la ampulosidad de Queen empezó a contrastar con el incipiente punk liderado por los Sex Pistols, quienes cuestionaron la concepción megalómana del rock de la época presentando temas simples y directos. Aquellos que tenían las ideas claras no se sintieron atacados, pero algo de mella hizo en todos los grandes grupos de los setenta, especialmente los más glamourosos, y Queen no fueron una excepción. En ese año graban y publican su siguiente disco “News of the world”, bastante distinto a los dos anteriores por estar mucho menos obsesionados con las partes operísticas y los guiños a otros estilos que no fueran rock puro, y por lo tanto con más espacio para las guitarras y los sonidos duros. Ejemplos en la archiconocida “We will rock you”, “Sheer heart attack” o “Fight from the inside”. Había también reminiscencias al rock and roll clásico como en “Sleeping on the sidewalk”, baladas para el lucimiento de Freddie Mercury como “My melancholic blues” y por supuesto “We are the champions”, que salió como single. Por aquella época hubo una crisis entre el grupo y su manager que terminó con la marcha de éste, para que John Deacon se hiciera directamente con el control de la actividad extramusical del grupo. Lo primero que hizo John fue preparar una gira europea para 1978 y la grabación del siguiente disco de estudio, “Jazz”. “JAZZ” (1978) Y “LIVE KILLERS” (1979) Para la grabación de este disco volvieron a llamar a Roy Thomas Baker, quien ya les había producido “A night at the opera”. A la criatura la pusieron por título “Jazz”, aunque éste no tuviera nada que ver con su contenido ni por asomo. Se iniciaba con “Mustapha” una cosa rara de aires árabes, pero también contenía temas tan importantes en la carrera de Queen como “Fat bottomed girls”, “Don’t stop me now” o su primer single “Bicycle race” con polémica incluida al grabar un clip de la canción incluyendo varias fans desnudas en bicicleta en el estadio de Wimbledon. A pesar de esto, “Jazz” obtuvo críticas feroces de la prensa especializada debido, sobre todo, al carácter continuista con respecto a “News of the world” y con la presión del punk como agente desestabilizador. Aun así, la gira de presentación de 1979 fue espectacular, en ella se incluyó Japón y a la vuelta grabaron varios conciertos en el tramo europeo para ser publicados como disco en directo, era abril de 1979. “Live killers” salió en junio y la gira posterior les ocupó el resto del año. Ya les habían propuesto escribir la música para la película “Flash Gordon”, y fue durante esa época cuando iniciaron los trabajos de composición, que duraron cerca de dos años, aprovechando el rescoldo del disco en estudio y con el margen de tiempo que les dio el directo, que fue doble y, al menos en España, se publicó censurado con unos pitidos en algunas partes del disco coincidiendo con comentarios de Freddie, por ejemplo en el inicio de “Death on two legs”. Curiosidades de la industria discográfica. Contenía todos los éxitos de listas del grupo hasta la fecha, “We will rock you”, “Killer queen”, “Bicycle race”, “Don’t stop me now”, “Bohemian rhapsody”, etc. pero también dejaba clara la vocación de Queen por el rock duro al elegir temas en esa onda, algunos con partes realmente memorables, como el solo de guitarra de Brian May en “Brighton rock”, muy espectacular para aquel momento. “THE GAME” (1980) Y OTRO CAMBIO A finales de 1979 se publicó el single “Crazy little thing called love”, una especie de rockabilly a lo Elvis. Tuvo tanto éxito que iniciaron una gira a la que llamaron “Crazy tour”, primero por pequeños garitos británicos, y luego extendiéndola por otros países teniendo como punto álgido la participación en los “Concerts for the people of Kampuchea” junto con otros grandes grupos como los Who, Pretenders o los Wings de Paul McCartney. Este tema entró a formar parte del siguiente disco en estudio, aunque antes incluso de empezar a grabar el LP se publicó otro single de adelanto con “Save me”. Una vez concluidas las tareas de grabación se publicó un tercer single con “Play the game” y por fin, en junio de 1980 sale a la venta “The game”, uno de los discos más controvertidos de toda su discografía. Parece como si con el directo “Live killers” hubieran querido zanjar una época y ponerse al día rápidamente con la llegada de la nueva década, al menos “The game” tenía poco que ver con discos anteriores en cuanto al sonido general del grupo y la forma de componer, mucho menos recargada. Dicho ‘nuevo’ sonido tuvo varias características: la utilización de sintetizadores en determinadas partes, la mayor sencillez en las composiciones, el alejamiento progresivo de los sonidos heavies y el acercamiento a otros estilos como el funky. Precisamente esto último les dio pingües beneficios con “Another one bites the dust”, lo que en el momento se llamó un “llena-pistas” (calificativo hortera donde los haya). Sin embargo, y pese a la división de opiniones, “The game” contenía temazos como “Dragon attack” o “Rock it” que mantenían a los fans más rockeros al pie del cañón, aunque este último tenía arreglos de sintetizadores que encresparon los ánimos de los más puristas. “B.S.O. FLASH GORDON” (1980) Una vez en la calle el nuevo disco aprovecharon para hacer otras cosas y tomarse un respiro. Roger Taylor publicó un disco en solitario, y entre todos se pusieron manos a la obra para terminar el encargo hecho por Dino DeLaurentiis sobre la película “Flash Gordon”. El resultado fue casi tan malo como la propia película. Poca cosa salvable, si acaso el single “Flash” quien no evitó que la banda sonora marcara uno de los momentos más bajos de la carrera musical de Queen, aunque todavía llegaron cosas peores... CAÍDA Y VACACIONES: “HOT SPACE” (1982) Todos los grupos tienen su punto negro, y éste es el caso. La influencia del tecno-pop, en dura pugna con el heavy metal de la NWOBHM, ganó la batalla. Las guitarras prácticamente desaparecieron (sólo existen en “Put out the fire”), dando paso a bases rítmicas compuestas especialmente para las pistas de baile, con el bajo machacón y la batería completamente perdida entre arreglos de sintetizadores. Si acaso destacar que cuando estaban grabando el disco en Suiza se acercó por allí David Bowie y aprovecharon para grabar con él “Under pressure”, el single de adelanto. Una vez visto el fracaso estrepitoso y la pérdida de credibilidad por parte de los fans más antiguos, decidieron tomarse otro descanso más largo que el anterior, publicando “Greatest hits”, un recopilatorio con los singles de más éxito de su carrera pero con pocas concesiones a los cortes más rockeros del grupo. VUELTA AL TAJO: “THE WORKS” (1984) Durante el periodo de alejamiento de Queen, cada miembro por separado hizo sus colaboraciones o pinitos en solitario, pero a finales de 1983 volvieron a reunirse para empezar a trabajar en un nuevo disco que hiciera olvidar el horroroso “Hot space” y todo lo que le rodeaba. El primer single de “The works” no hacía presagiar ningún cambio: se trataba de “Radio ga-ga”, una decidida apuesta por el pop de listas de éxito carente de interés para los amantes de los Queen de los setenta, pero que devolvió al grupo al primer plano de la actualidad musical. El LP completo salió en febrero de 1984, y más de uno respiró aliviado al escuchar cortes poderosos como “Tear it up” o “Hammer to fall”, o incluso “Man on the prowl” que iba muy en la línea de “Crazy little thing called love”. Sin embargo sólo fueron un espejismo. Cosas como “I want to break free” siguieron sumando pasta a las arcas del grupo y haciéndoles sentirse a gusto, lo que definitivamente eliminó cualquier posibilidad de volver a recuperar a los Queen de antaño. Por cierto, el clip de “I want to break free” aún hoy causa admiración por la caracterización de los músicos. Aquel año fue bastante productivo en lo que se refiere a publicaciones del grupo, pues además de “The works” también pusieron a la venta el vídeo “We will rock you” con actuaciones en Canadá en 1981. Roger Taylor editó su segundo disco en solitario y Freddie Mercury publica el single “Love Kills”, que posteriormente formó parte de la banda sonora de la película “Metrópolis”. El año siguiente no grabaron LP, pero hicieron cosas memorables como participar en los macrofestivales “Rock In Rio” de Rio de Janeiro y en el “Live AID” que montó Bob Geldof (Boowmtown Rats) en el estadio Wembley de Londres el 13 de julio de 1985 junto a otro montón de grupos históricos. También fue el año en el que Freddie Mercury publicó su primer disco en solitario (abril de 1985), “Mr. Bad Guy”, y en el que vio la luz una caja recopilando todos los discos del grupo, además de uno de canciones inéditas y rarezas titulado “Queen: The complete works”. “A KIND OF MAGIC” (1986), GIRA Y DIRECTO Siguiendo la costumbre de publicar singles antes que LPs, le tocó el turno a “One vision” para promocionar el siguiente disco de estudio “A kind of magic” (en la calle en mayo del 86). Este disco también sirvió para ponerle música a la primera parte de la película “Los inmortales” de Russell Mulcahy. El contenido no hacía demasiadas concesiones al rock duro (“Give me the price” es la más potente), más bien es una colección de canciones de pop perfectamente radiables y auténticos hits en potencia. La que le da título, “A kind of magic”, sonó hasta la saciedad, igual que “Friends will be friends” o “Who wants to live forever”. El verano de 1986 fue bastante movido. John Deacon hizo la banda sonora de otra película: “Biggles”, y el grupo se embarcó en el “Magic tour” que les llevó a tocar al otro lado del telón de acero (concretamente en Budapest) y en el macrofestival de Knebworth ante más de 200.000 personas y que constituyó el último concierto en directo de Queen, aunque nadie lo sabía, ni siquiera ellos mismos (estoy obviando la actuación del concierto-tributo a Freddie Mercury tras su muerte, lógicamente). De las actuaciones en Budapest y en el Wembley se publicaron sendos vídeos, y viendo que había algunas tomas muy buenas decidieron por sorpresa editar un disco en directo titulado “Live magic” en el que se incluían los éxitos más recientes (“One vision”, “A kind of magic”, “I want to break free”, “Radio ga-ga”...) y los imprescindibles (“Bohemian rhapsody”, “We will rock you”, “We are the champions”...). UN DESCANSITO Y “THE MIRACLE” (1989) Tras el “Magic tour” se toman un descanso prolongado. En 1987, Freddie publica un single titulado “The great pretender” de bastante éxito, y también colabora con la cantante de ópera Montserrat Caballé en la grabación de la canción “Barcelona”, la cual fue adoptada como himno oficial de los juegos olímpicos de Barcelona’92. Visto el éxito, Freddie Mercury y Montserrat Caballé grabaron más canciones y dieron forma a un LP completo. El resto de miembros del grupo también hizo alguna cosilla para entretener el tiempo, Brian May produjo varios grupos y participó con Meat Loaf en la confección del tema-himno de los juegos paraolímpicos de Los Ángeles, y Roger Taylor montó un grupo llamado The Cross con los que editó un LP en 1988. Pero 1989 comenzó con el anuncio de la grabación de un nuevo disco en estudio, “The miracle”, que finalmente apareció publicado en la primavera de ese año. El single de adelanto, “I want it all” era bastante contundente, lo que hacía presagiar que aumentarían los guiños al hard rock, y no tanta concesión a la comercialidad. Bueno, el resultado no es que fuera el de un disco netamente rockero, pero bastante más guitarrero que su predecesor sí era. Contenía algunas canciones como “The invisible man”, “Scandal” o “Breakthru” especialmente diseñadas para hacer caja, pero en general se puede hablar de una mejora considerable en la calidad de las composiciones. A finales de año se publicó una rareza en directo, “Queen at the Beeb” , la grabación de un concierto en ese local en 1973. Otra cuestión extramusical empezó a comentarse por aquella época: Freddie estaba notablemente desmejorado con respecto a sus últimas apariciones unos años atrás. Los rumores apuntaban a una posible infección por el virus del SIDA debido a su tendencia homosexual. Esto fue alimentado también porque el propio Freddie se encargó de anunciar que tras la salida del disco no habría gira de presentación, con lo que se dedujo que él mismo ya podría saber que estaba infectado y comenzando a empeorar. También contribuyó a alimentar los rumores la aparición de Freddie en la TV inglesa tras obtener un premio de la industria discográfica británica por la trayectoria de Queen. En aquella aparición estaba mucho más delgado, con un hablar más pausado y con síntomas de cansancio físico. Era febrero de 1990. El resto de miembros del grupo negaban una y otra vez que Freddie tuviera SIDA, y dejaron pasar algo de tiempo en el trabajo con Queen, haciendo otras cosas como la publicación del segundo disco de The Cross, producciones a otros artistas, etc. A su vez la compañía puso en circulación el vídeo “Live at Wembley ‘86”, hasta que cayeron en la cuenta de que para acallar los rumores lo mejor era grabar un buen trabajo discográfico, y se pusieron manos a la obra. “INNUENDO” Y LA MUERTE DE FREDDIE (1991) Recién empezado 1991 se publicó el single de adelanto “Innuendo”, con una estructura muy similar a sus grandes temas de los 70, tipo “Bohemian Rhapsody”, de duración media, épica y con varias partes diferenciadas. El LP se publicó en febrero de ese año, con una producción espectacular para unos temas muy trabajados que abarcaban estilísticamente todas las etapas de la vida de Queen. Fue el último disco de Queen en vida de Freddie. Él ya sabía que sería así, los médicos le habían pronosticado que no llegaría a grabarlo, pero lo consiguió. A trancas y barrancas pudo asistir a las sesiones de grabación y contar en el propio disco que se iba. “The show must go on” es su epitafio, aunque hay quien interpreta que fue una forma de anunciar que habría otro disco tras su muerte. Sin embargo, el propio Brian May siempre ha dicho que su despedida real fue la del clip de “These are the days of our lives”, en la que Freddie termina mirando fijamente a la cámara, repitiendo la última frase de la canción (“I still love you”) con una sonrisa cómplice y desapareciendo por un lateral. Mientras tanto, el disco funcionaba muy bien y tuvo buena aceptación tanto entre los fans de siempre como en los de la última época. Como tampoco hubo gira de presentación, los miembros del grupo se entretenían con múltiples cosas, por ejemplo Brian May organizó la noche de las guitarras de rock, dentro de las “Leyendas de la guitarra” de Sevilla, en la que le acompañaron Joe Satriani, Steve Vai, Nuno Bettencourt, Steve Walsh, Steve Ferrone, Mike Moran, Cozy Powell, Paul Rodgers, Don Airey, Rick Wakeman, Gary Cherone y Neil Murray, casi nada. Tras la grabación y publicación de “Innuendo” Freddie todavía tenía fuerzas para seguir trabajando, así es que intentó aprovechar el tiempo que le quedaba en la grabación de otro disco más. Cuando se sentía con fuerzas acudía al estudio y registraba las voces, aunque él mismo presentía que no le daría tiempo a terminarlo. El 23 de noviembre de 1991 se anunció oficialmente que Freddie Mercury tenía SIDA. Al día siguiente falleció. “LIVE AT WEMBLEY ‘86” (1992) Y CONCIERTO-HOMENAJE Por aquel momento se acababa de publicar la segunda parte del “Greatest hits”, que tuvo un empujón inesperado con la muerte de Freddie. No contenta con ello, la compañía publicó en 1992 otro disco en directo, “Live at Wembley ’86”, que no era sino la pista de sonido del video de mismo nombre publicado unos años antes. Salió como disco doble en directo y tenía algunos momentos memorables, como las versiones de algunos clásicos como “Baby I don’t care”, “Tutti fruti”, “Hello Mary Lou” y “Give me some lovin’ “, o la recuperación del solo de guitarra de “Brighton rock”. El 20 de abril de 1992 se celebró en el estadio Wembley de Londres un macro-festival para rendir tributo a Freddie Mercury. Los restantes miembros de Queen lo habían anunciado por sorpresa en la entrega de premios ‘BRIT Awards’ que se celebró en el mes de febrero, y en la que recibieron el premio al mejor single del 91 (“These are the days of our lives”) y un premio póstumo a Freddie Mercury por su contribución a la música británica. En ese anuncio no dijeron quiénes iban a actuar, pero aun así las entradas se agotaron nada más ponerse a la venta. Los tres miembros restantes de Queen comenzaron los ensayos en marzo, un mes antes del acontecimiento, puesto que llevaban cerca de 6 años sin tocar en directo. Finalmente el concierto-homenaje tuvo lugar con la participación de grupos como Metallica, Def Leppard, Extreme o Guns’n’roses, además de Brian, Roger y John interpretando temas de Queen con la ayuda de Roger Daltrey, Elton John, Liza Minelli, David Bowie y Robert Plant entre otros. El concierto se retransmitió por TV a todo el mundo y se publicó en forma de vídeo a finales de año. En septiembre de 1992 se publicó el primer disco de Brian May titulado “Back to the light”, que llevaba preparando bastantes años atrás. A pesar de lo guitarrero del LP, el primer single fue “Too much love will kill you”, una balada que resumía en su título todo lo que podría estar pasando por su cabeza. Una vez puesto en circulación, May formó su banda y empezaron una gira como teloneros de Guns’n’Roses que les llevó por América del sur y Europa, y posteriormente como cabezas de cartel por Japón, Europa y USA. “MADE IN HEAVEN” (1995) A finales de 1992 se publicó un nuevo disco de Freddie Mercury en solitario, “The great pretender”. Ya en 1993 se publicó un miniLP con las versiones en directo que grabó George Michael y el resto de Queen en el concierto-homenaje de Wembley, lo que desató todo tipo de conjeturas que al final se quedaron en eso. En 1994, Brian May publicó un nuevo disco titulado “Live at Brixton Academy”, y Roger Taylor sacó otro en solitario titulado “Happiness?”, con el que hizo una gira por Europa y Japón. A finales de año May, Deacon y Taylor, considerando que había pasado suficiente tiempo como para no tacharles de oportunistas se pusieron manos a la obra con todo el material que había dejado grabado Freddie Mercury tras la grabación de “Innuendo” para dar forma al disco póstumo que Freddie quería. El trabajo terminó en el otoño de 1995, y finalmente “Made in Heaven” se publicó en noviembre de ese año. El disco comienza y termina de la misma forma, con dos minutos largos de notas que se prolongan en el final de la grabación durante 22 minutos, como si quisieran decir que aquello no termina ahí. Se incluye también “Mother love”, la última canción que grabó Freddie (cuyas últimas notas pertenecen a “Going back”, la primera que grabó en toda su vida) y también “Too much love will kill you”, la balada que publicó Brian May en su disco pero esta vez cantada por Mercury. “Made in Heaven” supuso el final de la historia. Podría seguir contando la vida y milagros de los tres supervivientes de Queen hasta 2004, pero Queen terminan justo aquí. Por muchos recopilatorios, temas inéditos, directos y rarezas que quieran publicarse, el grupo murió con la publicación de “Made in Heaven”. Todo lo que aparezca será bienvenido pero pertenecerá ya a una banda que fue pero ya no existe, puesto que ellos mismos (en innumerables ocasiones) manifestaron ese deseo. Queen fueron Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon, y ya no pueden volver a ser. DISCOGRAFÍA OFICIAL: 1. Queen (13 de julio de 1973) 2. Queen II (3 de marzo de 1974) 3. Sheer heart attack (8 de noviembre de 1974) 4. A night at the opera (21 de noviembre de 1975) 5. A day at the races (10 de diciembre de 1975) 6. News of the world (28 de octubre de 1977) 7. Jazz (10 de noviembre de 1978) 8. Live killers (22 de junio de 1979) 9. The game (30 de junio de 1980) 10. BSO Flash Gordon (8 de diciembre de 1980) 11. Greatest hits (2 de noviembre de 1981) 12. Hot space (21 de mayo de 1982) 13. The works (27 de febrero de 1984) 14. A kind of magic (2 de junio de 1986) 15. Live magic (1 de diciembre de 1986) 16. The miracle (22 de mayo de 1989) 17. Queen at the Beeb (4 de diciembre de 1989) 18. Innuendo (4 de febrero de 1991) 19. Greatest hits II (28 de octubre de 1991) 20. Classic Queen (3 de marzo de 1992) 21. Live at Wembley ’86 (26 de mayo de 1992) 22. Made in heaven (6 de noviembre de 1995) 23. Queen Rocks (3 de noviembre de 1997) 24. Greatest hits III (1999) FREDDIE MERCURY EN SOLITARIO: - Mr. Bad guy (1985) - Barcelona (1988) - The Freddie Mercury Album (1992) - The great pretender (1992) - Remixes (1993) BRIAN MAY EN SOLITARIO: - Brian May and friends: Star fleet project (1983) - Back to the light (1992) - Live at Brixton Academy (1994) - Another world (1998) - Red special (1998) - Furia (2000) ROGER TAYLOR EN SOLITARIO: - Fun in space (1983) - Strange frontier (1985) - THE CROSS: Shove it (1987) - THE CROSS: Mad, bad and dangerous to know (1990) - THE CROSS: Blue rock (1991) - Hapiness? - Electric fire (1998) JOHN DEACON EN SOLITARIO: - BSO Biggles SMILE: - Gettin’ smile (1982) - Ghost of a smile (1997) ALGUNOS PIRATAS Y RAREZAS INTERESANTES: - A tribute to Freddie Mercury (concierto-tributo de Wembley - 1992) - Demories pleases majesties (rarezas – 1994) - Her Majestic’s jewels (rarezas) - In nuce (de la época de Smile – 1995) - In the lap of the Queen (directo en Seattle/USA - 1977) - Xmas 1975 (concierto de navidad del 75 – 1989) - Rock in Japan (directo en Osaka/Japón – 1985) TRIBUTOS INTERESANTES: - Tributo a Queen: Los grandes del rock en español (Grupos de pop españoles y latinoamericanos - 1997) - Dragon attack: A tribute to Queen (con la participación de gente como John Petrucci, Rudy Sarzo, Tommy Aldridge, Chris Impelliteri, Marty Friedman, Carmine Appice, Ted Nugent, Lemmy, etc. - 1996) - Five live (May, Deacon y Taylor con George Michael en directo – 1993) - Queen classics (Royal Philharmonic Orchestra – 1995) VIDEOS OFICIALES: - Greatest flix - Greatest flix 2 - Live in Japan - We will rock you - The works - Live in Rio - Who wants to live forever / A kind of magic - Live in Budapest - Bohemian Rhapsody / Crazy little thing called love - The magic years - Rare live: A concert through time and space - The miracle - Live at Wembley - We are the champions un saludo

Registrate y eliminá la publicidad! aca les traigo un post sobre michael jackson y su famoso "moonwalk" tan conocido Esa coreografía la estrenó Michael Jackson en un programa de televisión hace hoy 25 años. "Motown 25: Yesterday, Today, Forever", grabado el 25 de marzo de 1983 y emitido el 16 de mayo de aquel año, fue el nombre que llevó el especial producido por Suzanne de Passe para conmemorar los 25 años de existencia de la discográfica Motown Records. Un apasionado y enérgico Jackson grabó su actuación a fuego en la retina de cualquier melómano y de 47 millones de estadounidenses que asistieron atónitos a la emisión. Los primeros compases de "Billie Jean", la canción del álbum "Thriller" (1982) que interpretó, provocaron el delirio de los espectadores, que no imaginaban que a punto estaban de descubrir una coreografía única y permanentemente recordada. Solo en el escenario e iluminado simplemente por uno de los focos del estudio, Jackson arrancó su actuación con un golpe de cadera tan veloz y desatado que hubiera hecho palidecer al mismísimo Elvis Presley. "Todo lo que hizo se le ocurrió allí en el escenario. Fue algo increíble" comentó Jermaine Jackson, el hermano del artista. Había nacido el "Moonwalk" traducido como "Paseo lunar". Al menos, para el gran público, porque en realidad, esos pasos hacía tiempo que estaban en los guetos, y al cantante estadounidense se los enseñó un coreógrafo llamado Jeffrey Daniels. link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=V0oKgwAL2vQ el mejor tema para mi de el link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=jRZ5d9evWUg <a href='http://b.t.net.ar/www/delivery/ck.php?n=a2afc290&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE' target='_blank'><img src='http://b.t.net.ar/www/delivery/avw.php?zoneid=58&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE&amp;n=a2afc290' border='0' alt='' /></a>

aca les traigo los planos de la famosa red special del mas grande Brian May Desarrollo de lo Planos Un correcto desarrollo de los planos de lo que será tu guitarra, garantiza la buena fabricación de la misma. Posiblemente sea lo que más tiempo te lleve ya que antes de empezar a fabricarla, debes hacer completamente sus planos. Básicamente, una guitarra se compone de dos partes: 1- El cuerpo. 2- El mástil. En este último el diseño está bastante limitado ya que no hay mucha diferencia entre unos y otros. Lo único la elección entre si se desea una guitarra con 22 trastes o una con 24 como la Red Special. También se ha de escoger la forma de la pala sobre la que van alojados los afinadores (uno para cada cuerda). En cierta forma, las dimensiones del mástil también vienen limitadas por las características físicas de cada individuo. Si se tienen manos grandes, puede interesar un mástil un poco más ancho de lo normal y un poco más profundo para que la palma de la mano asiente correctamente sobre la parte trasera del mástil. Si por el contrario se tienen manos pequeñas, es preferible hacer el mástil algo más estrecho y con poca profundidad quedando su parte trasera más "plana" y así se adapten mejor las manos pequeñas. En cambio, el cuerpo da una amplia gama de gustos y de posibilidades. Ya sea por su tamaño, color, forma, componentes... Vayamos por partes: La forma periférica debe ser a elección de cada uno y según lo que se desee (Stratocaster, Telecaster, Ibanez, Gibson, Flying V, ...). Una vez decidida la forma, se ha de trasladar a un papel a escala real (1:1) para ello se copia de una auténtica o, como en mi caso, no podía acceder a una, se ha de sacar a base de fotos. El resultado es la línea marcada con el número 1 en el plano El paso siguiente es decidir en cuantas "láminas" se va a realizar el cuerpo. Normalmente, la mayoría de las guitarras se realizan en una única pieza de madera, plástico, DM,... y los componentes se colocan en huecos realizados por detrás o por delante y se tapan con placas de plástico. Los posteriores no se ven y la anterior se le denomina "golpeador". La Red Special se compone de tres láminas denominadas "capas" (en cuatro si incluimos el golpeador). En el plano vienen las cuatro capas en "conjunto". Estas cuatro capas son: * Tapa trasera: Marcada con los números 1 y 2 (A) * Bloque central: Marcado con los números 1 y 3 (B) * Tapa delantera: Marcada con los números 1 y 4 (C) * Golpeadores: Marcados con los números 5 y 6 (D) En el plano despiece viene cada una de ellas por separado (despiece) aunque si estás interesado en crear tu propia Red Special, te recomiendo que te imprimas ya que tienen mejor resolución. Una vez imprimida, tienes que ampliarla de tal forma que la cota x y la cota y midan lo que desee. La guitarra original de Brian May miden x=420, y=360 (en mm.) así que si quieres exactamente la guitarra de Brian May tienes que ampliar en el eje de la y más que del x ya que yo lo modifiqué porque estéticamente me gustaba que tuviera la apariencia de ser más "alargada". También mi guitarra es algo más pequeña en general (x=370, y=300). La razón por la que el cuerpo esté dividida en tres capases para 1) eliminar las tapas de la parte posterior (A) y 2) de esta manera al bloque central (B) se le pueden hacer una serie de orificios que no se van a ver y cuya función es la de "descargar" de peso la guitarra y así hacerla más ligera y manejable (recomendado para aquellos que tengan que tocar de pie). En el capítulo 3 explico cómo se hace el cuerpo por lo que recomiendo que te imprimas los plano ya que haré referencia a ellos constantemente. Elección de los Materiales Esta es otra de las tareas costosas ya que muchas veces es difícil de encontrar cosas específicas y de poca comerciabilidad. Es fácil comprar una guitarra pero no resulta tan fácil de encontrar los perfiles metálicos que separan cada traste. En todas las ciudades de medio o gran tamaño hay una tienda de instrumentos musicales y en ésta puedes encontrar parte del material se necesita para la fabricación de la guitarra. Estos componentes que llamaremos "fácil de encontrar" pueden ser: * Las pastillas: EMG, SEYMOUR DUNCAN, DI MARZIO son las marcas que personalmente recomiendo. Nunca escogería un juego de pastillas tales como por ejemplo las que monta la Fender Stratocaster ya que no crean mas que un zumbido de fondo generado por la estática. Actualmente hay pastillas de las marcas anteriormente citadas que incorporan "doble bobinado" lo que evita la estática. Las EMG incorporan otro sistema denominado "activo" en el que una pila de 9V es la encargada de eliminar la estática. La elección de las pastilla (junto con los amplificadores y las pedaleras) serán las encargadas de personalizar y caracterizar tu sonido. Si te puede servir de orientación te diré que Kirk Hammett de "Metallica" usa unas EMG, Joe Satriani usa unas IBZ, Nuno Bettencourt de los desaparecidos "Extreme" emplea Bill Lawrence... La edición de la casa Guild de la guitarra de Brian May ha empleado dos marcas: 1- La edición de 1984 llevaba Di Marzio (las Brian May signature) 2- La edición de 1993 llevan Seymour Duncan también denominadas Brian May y mejores que las Di Marzio. Tampoco no es que sean mejores, lo que pasa es que el sonido que desprende es mucho más parecido al de la Red Special original. * Afinadores: Estos se colocan en la pala del mástil y son con los que tensamos o destensamos las cuerdas para afinarlas. Posiblemente los mejores que hay en el mercado son la marca Schaller. Hay un modelo con un sistema de bloqueo que lo que hace es agarrar firmemente la cuerda. esta sistema es muy recomendado para guitarras con trémolo (como la Red Special). So algo más caros pero los resultados son excelentes. Puedes abusar del trémolo sin que se desafine en absoluto ninguna de las cuerdas. A la hora de comprarlos hay que avisar si éstas van a ir las 6 en línea (ya que giran todas al mismo sentido) o si van tres arriba y tres abajo como la Red Especial (ya que tres giran en un sentido y las otras tres al opuesto). * Trémolo: Está claro que la marca que arrasa actualmente en cuanto a trémolos se refiere es la casa Floyd Rose. Son muy buenos pero también cuestan lo suyo y para la Red Special no son los más aconsejables. Lo explico. Una de las ventajas de la Red Special es su comodidad debido a la escasa profundidad del cuerpo (39 mm la red Special de Guild y 35 mm la mía). El trémolo Floyd Rose te va a exigir un mínimo de 45-50mm de profundidad a no ser que lo modifiques. Se puede recortar la parte que profundiza en el cuerpo y ponerle unos muelles de mayor fuerza (K) pero al modificar sus características, la casa Floyd Rose no te garantizará su correcto funcionamiento y perderás la garantía. En teoría debería funcionar correctamente pero no lo he probado (todavía). De todos modos, no me imagino una Red Special con un trémolo Floyd Rose. Otra solución sería contactar con la casa Schaller y comprarles el trémolo que hicieron para la réplica de 1993 de Guild el cual es realmente parecido al que lleva la Red Special original y ya de paso se compran los afinadores y el puente. También puedes hacerte tú mismo o mandar hacer el trémolo. En el capítulo 8 explico cómo es el trémolo que me hicieron para mi guitarra el cual también es muy parecido al que lleva la Red Special. * El cuerpo: Si se va a hacer de una única pieza, ésta debe tener por lo menos 55-60 mm de espeso. Si se va a hacer la Red Special (tres capas) es necesario dos piezas de 30 mm de espesor y una de 40-45 mm. Todas ellas con unas dimensiones de 450 x 350 mm. En carpintería la primera medida es la de la veta y la otra su perpendicular. En el dibujo de la derecha se puede ver un bloque de madera donde X en el sentido de la veta es denominado eje longitudinal (450), Y perpendicular a la anterior es el eje tangencial (350) y perpendicular a ambas el eje Z es el radial. Sobre dicha pieza viene representada la posición que va a tomar el cuerpo de la guitarra. * El mástil: Está formado por dos bloques: Uno que hace de cuerpo y ha de tener unas dimensiones de 1000 x 100 mm y 60 mm de espesor y otra que nos haga de diapasón del mástil con unas dimensiones de 600 x 50 y un grosor el menor posible (>10 mm) y ha de ser de una madera muy dura, tal como el ébano (negro) o el boj (blanquecino). Si se eligen unos trastes de tipo "jumbo", al ser éstos bastante altos, la cuerdo no llega a tocar el diapasón y éste no sufre tanto desgaste por lo tanto no hace falta que sea de una madera tan dura como las anteriormente mencionadas. Si por el contrario se elige trastes de tipo "standard" o "blues" la cuerda si llega a tocar el diapasón cuando es presionada y por lo tanto es necesario que éste esté hecho de madera muy dura. Si se quiere que el diapasón sea negro hay que hacerlo con ébano que es la madera más dura (de hecho es la única que no flota). Aquí, en la península, es más fácil de conseguir boj que también es muy duro y tiene un color blanco-amarillento. También se pueden emplear materiales sintéticos (polímeros, fibras de vidrio,...). Para hacer el cuerpo y el mástil se han de emplear la misma madera o maderas de color semejante para que a la hora de barnizar no quede con distintos tonos. Las mejores maderas para trabajar son las denominadas "maderas duras": haya, roble, fresno, arce, caoba, olmo, cerezo, abedul,... La Red Special de Brian May está hecha con diferentes maderas: El bloque central del cuerpo es de roble, las dos tapas y el mástil de caoba y el diapasón de ébano. El cuerpo de mi guitarra está hecho con haya, el mástil de arce y el diapasón también es de ébano. La maderá también influirá en el sonido de la guitarra por lo que la elección es personal. Puedes seleccionar la madera que más abunde por tu zona pero no hay que seleccionar maderas de las denominadas "blandas" tales como pino, abeto, cedro... ya que estas madera, además de ser físicamente blandas, son difíciles de trabajar ya que astillan con facilidad. Otro factor importante a la hora de escoger la madera es la antigüedad de la misma. Cuanto más vieja mejor. Puedes encontrar maderas viejas en buen estado en muebles viejos, vigas de casas viejas... Brian May consiguió la caoba del quicio de una chimenea de más de 200 años. Realización del cuerpo Hacer el cuerpo de la Red Special no es difícil, aunque requiere un orden y una visión clara de lo que se está haciendo. Para hacerlo en orden y claro, primero imprímete y a este plano le llamaremos "conjunto" y va a ser el que nos sirva de "molde". Imprímete también el plano despiece. A este dibujo le llamaremos "despiece" y tiene una función aclaratoria. Si ya tienes las tres piezas de madera (dos de 30 mm de grosor y otra de 40 mm, todas ellas de 450 x 350 mm) lo primero que hay que hacer es elegir entre las dos tapas cuál va a ser la delantera ya que es la que se va a ver y ha de ser la que más te guste (según el dibujo de la veta). Una vez seleccionada, se toman los tres bloques de madera y se une entre si con cuatro tirafondos colocados cada uno próximo a una esquina y juntos se rasean las cuatro caras de los costados en una escuadradora y hecho esto las vuelves a separar quitándoles los tirafondos. Antes de continuar, has de tener un concepto claro: "La madera está viva". Por muy seca que esté o muy vieja que sea, cuando se empieza a trabajar, ésta puede ser que se "mueva". La madera hay que trabajarla poco a poco y siguiendo unas pautas concretas. Aunque alguno de los pasos a seguir te parezcan que sobran, te recomiendo que los sigas. Sobre todo a la hora de quitarles grosor a las piezas de madera ya que ahí es donde la madera pierde tensiones y actúan fuerzas que la harán combarse (en el eje tangencial). El cuerpo de la Red Special se compone de tres capas. Cada una de ellas se realiza con una pieza de madera:Bloque central, tapa delantera y tapa trasera: 1. Del plano "conjunto" se dibuja a tamaño real (con las dimensiones deseadas) sobre una hoja (A2) lo que va a ser el bloque central señalado con los números 1 y 3 quedando el C del plano despiece. De este plano hay que sacarse también su simétrico (como si se mirara en un espejo). Sobre ellos tienen que representarse los ejes de referencia. El siguiente paso será dibujarse por ambas caras de la pieza de madera lo que va a ser la guitarra. Sobre una de las caras (la delantera) se representa el dibujo real y sobre la otra cara (trasera) el dibujo opuesto. Los ejes nos sirven para conseguir que ambos dibujos coincidan paralelamente en el eje Z o radial (que quede uno debajo del otro).. Para ello dibujamos, con una hoja de calco entre la madera y el plano, el dibujo sobre la madera en la cara superior. Prolongamos los ejes hasta que se corten con los cuatro cantos del rectángulo de la pieza de madera. Sobre estos cantos bajamos rectas perpendiculares a las caras y, una vez ya en la otra cara, se marcan los ejes de referencia y se calca el dibujo sobre dicha cara (el dibujo simétrico del anterior). Los ejes de referencia tienen que rodear a la pieza de madera como si se tratara de una caja de bombones rodeada con una cinta (ver figura). Con una caladora (sierra eléctrica) se cortan los orificios E, F, G, H e I. Obsérvese que los orificios G e I y los orificios H e I están unidos por unos pequeños canales. Estos canales no son necesarios si las pastillas no son activas. El hueco X no es un agujero pasante. Es un rebaje de 6 mm de hondo en el que se aloja la cuchilla del trémolo. El canal J también es un rebaje pequeño aunque si las pastillas no son activas no es necesario hacerlo. Estos rebajes se hacen poco a poco con un formón. Los huecos de las pastillas se hacen más adelante por lo que dejaremos por ahora ese tema aparcado. En el hueco donde va alojado el mástil, interesa que las tolerancias sean escasas y el mástil entre en el perfectamente. Las paredes de este hueco han de ser bien perpendiculares . Para ello, y ya que la caladora no hace el corte 100% perpendicular, se pasa la sierra de la caladora 3 o 4 mm por adentro de la marca o dibujo. Luego y con una escofina plana se repasan las paredes a mano hasta que tenga la medida exacta para que ajuste perfectamente el mástil. Sin quedar ni huecos ni ranuras. La anchura de este hueco dependerá del ancho que se le vaya a dar al mátil a esa altura. 2. Para hacer la tapa delantera, el proceso es el mismo que el anterior pero con las líneas 1 y 4 para que quede el dibujo B del plano despiece. Para ello, se vuelven a unir los tres bloques de madera (las dos tapas y el bloque central) y las líneas que tenemos en los cantos del bloque central se prolongan por los otros dos bloques (las tapas). Se separan los tres bloque y sobre las dos tapas se prolongan esas rectas por las dos caras de cada una de las tapas. Estos ejes serán los de referencia y nos servirán para hacer encajar perfectamente lo marcado en cada uno de ellos. Una vez que tengas el dibujo sobre la madera, se cortan con la sierra de calar los huecos G y K. El hueco G tiene que coincidir con el hueco G del bloque central. En él irá alojado el circuito electrónico. En esta pieza que va a ser la tapa delantera hay que hacer el hueco para el mástil. Es igual que en el bloque central con la diferencia de que es 10 mm. más corto en el eje de las x. Con ésto conseguimos que más adelante quede el mástil incrustado 10 mm. dentro del cuerpo y con ello le damos más rigidez al conjunto. 3. La tapa trasera no lleva ningún orificio por lo que no será necesario hacerle nada (por ahora). Hay que procurar que las paredes de los huecos queden perpendiculares a las superficies. Si se observa que la sierra de calar no corta perpendicular (que es lo más normal ya que por su parte inferior la sierra no lleva ninguna guía), es preferible cortar los huecos un poco más pequeños y colocando la pieza de madera en un tornillo fijo, se liman con escofina las paredes del hueco hasta que queden perpendiculares y del tamaño apropiado. El paso siguiente es observar y apuntar de qué forma se han doblado los bloques de madera. De doblarse, la madera lo hace en el eje tangencial (ver figura). Sobre el canto se dibuja (de una manera exagerada) hacia dónde se ha doblado. Este factor se tomará en cuenta a la hora de colocar la tapa trasera. Lo más seguro es que el bloque central se doble poco pero las dos tapaderas sí se doblarán bastante. Se deja pasar unos días y se procede al ensamblado de los tres bloques de madera. Primero hay que dejar el espesor del bloque central a su medida. En la Red Special este bloque central tiene alrededor de 30 mm. de espesor y la mía tiene 25mm. También hay que alisar las caras de las dos tapas. Si tienen unos 30 mm. de espesor cada una y se le quitan 5 mm a cada cara de cada tapa, se quedarán en 20 mm. de espesor cada una. La disposición entre las piezas central y delantera queda determinada por el hueco G que han de coincidir pero la pieza trasera, como no tiene ningún hueco, puede ir colocada en cualquier posición. Para determinar su posición hay que fijarse en las marcar de los cantos de las dos piezas que hacen de tapas, marcas que nos determinan la tendencia que tienen dichos bloques a doblarse. Esta marcas han de ir colocadas de forma que queden opuestas entre sí. Tal como representa el dibujo. De esta forma, lo que se estira en un sentido es contrarrestado por el otro de tal forma que la resultante de las fuerzas sea cero. Esta fue la razón por la cual tuve que repetir el cuerpo de mi guitarra. Coloqué ambos con la concavidad hacia el mismo sentido y al pegar los tres bloques se doblaron. Antes de encolar, tenemos que preparar las piezas para que no se deslicen y se muevan a la hora de encolar. Para ello, se unen las tres piezas de madera de la misma forma que como van a quedar definitivamente y se sujetan con un par de sargentos. Se coge una broca pequeña ( 2 o 3 mm) y se hacen cuatro agujeros pasantes (de lado a lado) en cuatro puntos que queden fuera de lo que va a ser la guitarra ( por ejemplo cerca de cada esquina de los bloques de madera). Posiblemente dé la casualidad que las tres piezas queden exactamente igual que como las hemos trabajado y los cuatro agujeros hechos anteriormente coincidirán. Si la tapa trasera la hemos tenido que girar por lo de los estiramientos, habrá que volver a pasarle los agujeros para que coincidan de nuevo con los que llevan el bloque central y la tapa delantera. Ya tenemos todo listo para encolar. La mejor cola que hay para la madera es la cola blanca o llamada "de carpintero". Se extiende cola por una de las caras del bloque central. Debe ser una capa fina (sin ser tacaño) por toda la superficie y se coloca la tapa que corresponda a esa cara. Rápidamente se le da la vuelta a ambos bloques juntos y se hace lo mismo por la otra cara. Una vez que ya tenemos los tres bloque juntos con pegamento entre medio, se procede a meter los cuatro tirafondos en los cuatro agujeros y se aprietan fuertemente. Se comprueba que los tres bloques estén correctamente (aún podemos corregir errores). Si está todo correctamente, se colocan sargentos o apretadores. Se distribuyen a lo largo de toda la superficie. Los sargentos más grandes se colocan primero y se ponen de tal forma que aprieten por la parte interior de la superficie. Los más pequeños pueden colocarse por la periferia de lo que será la guitarra. Nunca se colocan los sargentos directamente contra la madera. Se coloca un taco de madera entre medio y así de esta manera no nos deforma la madera buena y aplica la fuerza en más superficie. También hay que tener cuidado en que un sargento no apriete únicamente en zona donde el bloque central sea hueco (tales como los agujeros H, E, F e I). Para saber dónde están más o menos dichos huecos, se dibuja el "plano conjunto" en una de las tapas.En los huecos, se ha de colocar el sargento con un taco suficientemente grande como para que se apoye en zonas macizas. Se aprietan los sargentos fuertemente y se deja secar la cola un par de días. Pasado este tiempo, se sueltan los sargentos y a la cara de cada una de las tapas se le quita 10 mm de espesor. Se deja unos días para que se "mueva" la madera y se le vuelve a quitar espesor rebajando 5'5 mm a cada cara de tal forma que al final queda en el centro el bloque central con 30-25 mm de espesor y cada una de las tapas (delantera y trasera) con 5'5 mm de espesor cada una de ellas. Todos estos procesos de quitar espesor a la madera se hacen con una máquina llamada "cepillo eléctrico" o "rebajadora". Este aparato consta de dos plataformas (una fija y otra móvil) y entre ellas se encuentra un cepillo radial. No es conveniente quitarle más de 0'5-1 mm en cada pasada. Es muy probable que de un lado quite más que de otro. Si se ve que de un lado ha comido más que del otro, a la siguiente pasada se le coloca un calce pequeño en el lado que tiene menor espesor. Este calce puede ser una viruta estrecha (por ejemplo). El efecto que se consigue con ésto es levantar el lado con menor espesor y la muela coma del otro lado. De todos modos, como esto lo hará un carpintero, él ya sabe cómo hacerlo. El siguiente paso es volver a marcar los ejes de referencia. En los cantos del bloque central y de la tapa delantera seguimos teniendo cuatro líneas (una por cada canto). Se prolongan dichas rectas por las caras (cara trasera y cara delantera). También se marcan los ejes de referencia sobre los huecos G, K y el hueco del mástil. Se coloca de nuevo el calco y el "plano conjunto" y se calca. Para que quede bien, se sujeta el plano con chinchetas a la madera (fuera de lo será la guitarra). También se calca en la cara trasera con el plano invertido. Todo está listo para cortar el canto periférico. Es mucho mejor hacerlo en una sierra vertical, la cual tenga la cinta de corte agarrada por los dos extremos. Es mejor porque la sierra no se inclina y corta perpendicular. Si se hace con una de éstas, hay que dejar 1 mm de espacio entre el corte y la línea del dibujo. Si se hace con una sierra de calar, hay que dejar un margen de 3-4 mm ya que al inclinarse la sierra puede ser que corte por la parte inferior por dentro del dibujo. Esta línea a cortar es la enumerada con los números 1 y 2 en el "plano conjunto" que es también el plano A en el dibujo despiece. Una vez cortada la periferia hay que dejarla bien perpendicular a las tapas y bien lijada. Sujetamos el cuerpo en un tornillo fijo y con un formón se va trabajando el canto. Con una escofina plana en las zonas de curva convexa y con una escofina "de media caña" en las zonas cóncavas. Hay que ir comprobando que quede bien perpendicular. Esto se puede hacer con una escuadra o mirando el dibujo de ambos lados. Una vez que se ha pasado la escofina, se pasa una lija gorda, media y finalmente una fina de tal forma que no queden marcas y quede suave al tacto. La lija o papel de lija no se trabaja directamente con las manos ya que se redondean los cantos si se hace con las manos. La lija se coloca sobre un taco de madera lisa para lijar las zonas de curva convexa y sobre una pieza redonda (un mango, un trozo de tubo...) para las zonas de curva cóncava. Los dos cantos de la Red Special llevan un rebaje de 5 x 3 mm (60º) que más tarde se pinta de blanco (en la mía va de negro). El canto se le "mata" así para quitar las posibles astillas que hayan podido quedar. Se marca unas líneas remetidas 3 mm de los cantos en las tapas (trasera y delantera) y otras remetidas 5 mm en el canto. Con una escofina se va haciendo este rebaje entre la tapa delantera y el canto y entre la tapa trasera y el canto. Se trabaja con la escofina y luego con las lijas en el sentido de la flecha para evitar que las tapas se astillen. Las dos superficies de las tapas delantera y trasera hay que lijarlas a mano y quitarle a cada cara 0'5 mm. Para ello se toma un taco de madera plano y se enrosca en este taco una tira de papel de lija. se lija la madera con la superficie plana del taco y siempre en la dirección de la veta (dirección X o longitudinal). Primero se pasa una lija gorda. Luego una media y finalmente una fina. Para terminar con el cuerpo, queda por hacer los huecos donde irán alojadas las pastillas pero esto se puede hacer después de ensamblar el mástil al igual que las ranuras por donde irán los cables de las pastillas. Los huecos de las pastillas que vienen representados en los planos, son para las pastillas EMG que monta mi guitarra (dos simples y una doble). Estos huecos han tener las dimensiones que requiera el tipo de pastilla que se vaya a colocar. El agujero de "jack" se hace en el centro del canto y viene indicada su dirección por el eje O-N. Su diámetro vendrá dado por el del "jack" más un milímetro (para que el jack entre por el agujero con holgura). Finalmente, hay que clavar un clavo (a ser posible grande) en el centro del canto en el punto central P. No importa el agujero que el clavo deje en dicho punto ya que ahí se colocará la sujeción del cincho. Realización del mástil La realización del mástil es una de las partes más complicadas a la hora de construir una guitarra y de hecho yo opté por comprarlo hecho. Por un precio que oscila entre 10.000 y 20.000 ptas., se pueden evitar muchos quebraderos de cabeza. Al fin y al cabo, no hay mucha diferencia entre unos y otros, lo único ha de tener 24 trastes y la pala sin hacer la forma (en Guitar shop supply tienen un modelo así). Si de todos modos se opta por conseguir una guitarra completamente "custom" ahí va la forma de hacerla. Primero hay que tomar una pieza de madera de 1000x100x50 (en milímetros) de la misma madera con la que se haya hecho el cuerpo. Por una de las caras hay que hacerle una cata para introducir una barra tensadora con la que podremos ajustar la distancia de las cuerdas al diapasón. Esta barra es una varilla roscada de métrica 6 (o cercano a 6). La cata ha de tener de ancho 6 mm (o poco más para que la varilla entre con facilidad) y de fondo 12 mm. Las terminaciones de la cata han de ser un tanto especiales. Por el extremo más cercano al cuerpo, la cata termina en un pie de 3 mm sobre el que se apoyará la varilla y luego ha de tener una cavidad donde habrá una tuerca roscada al extremo de la varilla y una pequeña pletina que haga de apoyo a la tuerca (para que se apoye la tuerca sobre más superficie y por acción de la fuerza no se deforme la madera que haga de apoyo). La tuerca ha de estar bien fija (que no gire). En el otro extremo del mástil (el más cercano a la pala), el sistema es semejante pero en este extremo la tuerca debe girar respecto al mástil pero no respecto a la varilla. Para ello, se enrosca la tuerca sólo hasta la mitad de su sección y por el hueco que queda, se sueldan varilla y tuerca. También en este extremo, la varilla ha de tener un pie de3 mm para que por debajo de la varilla quede una zona hueca. Por encima de la varilla hay que poner topes para que ésta no tienda a ir hacia arriba cuando se apriete sino que se vaya hacia abajo. Por supuesto en los extremos también hay que ponerle tope por la parte superior casi como si fueran cojinetes. Como la cata se ha hecho de 12 mm, los pies de los extremos tienen3 mm y la varilla es de 6, los topes por la parte superior han de ser tacos de madera de 3 mm para que queden al ras de la superficie. El conjunto de cómo debe quedar se puede ver en el plano del trémolo. Sobre la cara superior, hay que pegar una lámina de madera dura. La madera más dura que existe es el ébano con una densidad superior al agua (no flota). Otra madera muy dura es el boj. La primera es de color negro y la segunda es de color perlado. Esta pieza de madera, que se llama diapasón, debe tener unas dimensiones de 500x60x10 mm. Antes de pegarla a la primera pieza de madera, hay que hacerle las marcas que nos indican en qué traste estamos. También hay que marcar dónde van a ir los trastes colocados. Para ello, se toma como cota cero el final del mástil en el lado de la pala (la cejuela). Se marca Una línea por la cara superior perpendicular al canto largo del diapasón. A partir de ahí se van haciendo marcas a las distancias indicadas en la tabla siguiente: A = 35'6 B = 69'2 C = 100'9 D = 130'9 E = 159'1 F = 185'8 G = 211 H = 234'8 I = 257'2 J = 278'4 K = 298'4 L = 317'3 M = 335'1 N = 351'9 Ñ = 367'8 O = 382'8 P = 396'9 Q = 410'3 R = 422'9 S = 434'7 T = 445 U = 456'6 V = 466'6 X =476 estas distancias son las acumuladas desde la cejuela hasta cada uno de los trastes (A = de la cejuela al primer traste, B = de la cejuela al segundo traste...). Se hace así porque con las acumuladas se correte menor error. De todos modos, en la tabla siguiente pone la longitud de cada traste. a = 35'6 b = 33'6 c = 31'7 d = 29'9 e = 28'3 f = 26'7 g = 25'2 h = 23'8 i = 22'4 j = 21'2 k = 20 l = 18'9 m = 17'8 n = 16'8 ñ = 15'9 o = 15 p = 14'1 q = 13'3 r = 12'6 s = 11'9 t = 11'2 u = 10'6 v = 10 x = 9'4 Se comprueba que a + b = B, a + b + c = C ... Si se quiere hacer la medida entre el puente y la cejuela de otra longitud, hay que seguir la siguiente regla: Se toma la distancia total y se divide por 17'835 y el resultado es la medida del primer traste. Se le resta a la longitud total la del primer traste y se vuelve a dividir por 17'835 y el resultado es la medida del segundo traste y así sucesivamente hasta calcular todos. Para ir corrigiendo errores hay un par de puntos de referencia: El 12º traste tiene que estar exactamente en el centro de la longitud total y el 7º traste tiene que estar a dos tercios entre la cejuela y el 12º traste. Ya están hechas las marcas donde van a ir los perfiles metálicos que dividen los trastes. Ahora hay que poner las marcas blancs que indican en qué traste estamos. La Red Special lleva estas marcas: Se marcan en el diapasón. Se taladra el diapasón donde corresponda con una broca de 4-5 mm. Se toma una varilla de 4-5 mm de diámetro del color opuesto al que se haya hecho el diapasón (Si es de ébano las marcas se hacen de madera blanca y si el diapasón es de boj, las marcas se hacen con ébano). Una varilla de madera de 4-5 mm de diámetro se puede conseguir con un torno. Se cortan en tramos de 12-15 mm de largo y con un poco de pegamento, se introducen en los agujeros sobresaliendo 1-2 mm por cada cara. Una vez que se haya secado el pegamento, se lija lo que sobresalga hasta que quede al ras de las superficies del diapasón. Para unir el diapasón con el resto del mástil, se encola la superficie del mástil y la parte trasera del diapasón y se unen. El diapasón bien centrado respecto al mástil. Si el mástil es de 100 mm de ancho y el diapasón es de 60mm, deben sobrar 20 mm de mástil por cada lado del diapasón y por el extremo del primer traste, ese canto del diapasón debe quedar a **** de la tuerca, tal y como representa el dibujo. Se aprieta todo con sargentos y se deja secar. Para que no se tuerza a la hora de secar, entre los sargentos y el diapasón y sobre éste, se coloca un perfil metálico macizo y fuerte (por ejemplo, pletina de 60x20). Una vez esté armado y seco, llega el peor trabajo: dar al mástil la forma de acabado. El diapasón tiene un radio de curvatura constante el cual es a gusto de cada uno y depende de las características de cada uno (manos grandes o pequeñas, dedos largos o no...). La Red Special tiene un radio de diapasón de ****. El radio de atrás también es constante (más o menos) y en la Red Special es de ****. Lo primero que hay que hacer es hacer la pala ya que, al ser el resto cuadrado, se puede agarrar a una mesa de trabajo y trabajar la pala. Esta tiene una inclinación hacia atrás con la finalidad de que las cuerdas estén bien comprimidas contra el último traste. Esta inclinación anda alrededor de ****. Para hacerla, primero hay que marcarla en los dos cantos laterales del taco de madera. Hay que marcar dos líneas paralelas; una será la cara superior de la pala y otra la inferior o trasera. La línea superior ha de nacer al final del último traste (el cual suele ser una pieza de plástico de unos 5 mm de ancho) e ir bajando hasta que se acabe la pieza de madera. No importa que sea más largo que lo que luego vaya a ser la pala. El dibujo de la pala se recortará más tarde. Una vez marcadas las dos líneas en los cantos y con el mástil apretado en un tornillo de mesa, hay que ir quitando la madera sobrante con una escofina plana; en un principio una gruesa para ir poco a poco pasando a una más fina y acabar con una lija fina. Para ir consiguiendo la planitud en ambas caras, hay que lijar con la cara plana e ir buscando que ésta coincida con las líneas correspondientes en cada uno de los dos cantos. Seguidamente hay que cortar la anchura del diapasón. El diapasón de la Red Special tiene *****mm en el traste 0 y ****mm en el traste 24. Se traza la línea central del mástil. A ambos lados y simétricamente se trazan las dos rectas para conseguir dichas anchuras y se corta (a poder ser con una sierra de disco; en una escuadradora). Lo siguiente es redondear la parte trasera del mástil y la pala. Se corta una circunferencia de radio ***** y otra de radio ****. Una vez cortada, nos quedamos con la parte exterior de la circunferencia (el extradós) y con la mitad de éste, tenemos una plantilla que utilizaremos para ir comprobando el radio de curvatura que le vamos a dar. A base de escofina y lija se va redondeando el mástil y a sus terminaciones se le va conformando una unión con la pala y al otro extremo, una unión con el rectángulo que va metido en el cuerpo de la guitarra. Una vez acabado ésto, hay que colocar los trastes. Hay unos especiales para guitarra que se pueden conseguir de guitarra viejas o comprarlos en tiendas de material para guitarra (Guitar Shop Supply, por ejemplo). Otra forma es coger un alambre de latón (de color dorado) o de acero inoxidable (de color plateado) de diámetro 2 mm y pegarlo con un buen pegamento. Se hacen unas pequeñas ranuras a las distancias indicadas en el plano del mástil tomando de referencia el traste 0. Sobre estas ranuras que se pueden hacer con una sierra estrecha para metales o con una sierra de esas de cortar chapa ocumen (sierras de pelo), se le echa pegamento y se colocan los perfiles con la curvatura que tiene el diapasón. Los perfiles hechos para guitarra no hace falta echarles pegamento porque tienen una huella especial que, una vez insertados a presión en la madera, ya no pueden salirse. Se dejan a una longitud tal que sobresalgan 10 mm por cada lado. Esos retales se cortan con cuidado y se liman hasta que queden al ras del canto de madera. Para acabar, hay que cortar la forma de la pala. Se hace de la misma manera que cuando se cortó el cuerpo de la guitarra; con una caladora o una sierra vertical. Una vez cortado, se lija el canto hasta que quede suave al tacto. Se redondean un poco los cantos y se le hacen los agujeros para los afinadores. Si la pala se desea con otra forma que no sea la de la Red Special (copia de la Flying V), se puede hacer de cualquier forma; tipo fender Stratocaster, ibanez... con los afinadores abajo o arriba (seis en línea)... Ensamblado Ya tenemos por un lado el cuerpo y por el otro el mástil. Para unirlos hay varias formas de hacerlo. La más corriente es mediante cuatro tornillos puestos por la parte trasera pero para ello hay que dejar un mínimo de 15 mm de espesor en la base del hueco del cuerpo donde va a ir alojado en mástil. La Red Special sólo tiene 5 mm de espesor pero son suficientes si en vez de atornillar la unión se hace encolando ambas piezas (cuerpo con mástil). Encolando se consigue que la fuerza de sujeción se reparta entre el fondo, tres caras y una pequeña parte de la tapa delantera ya que el mástil queda 10 mm empotrado dentro del cuerpo. Primero se comprueba que la terminación del mástil encaja perfectamente en el hueco del cuerpo. Si no es así hay que limar un poco de donde sobre. Interesa que haya un poco de holgura pero poco. Si el mástil entra caso a presión, a la hora de encolar y meterlo el pegamento de las caras se quedará fuera y no habrá capa de cola entre las paredes de madera. Demasiada holgura provocará que queden huecos que más tarde se verán. Una vez que está todo bien preparado, tan sólo queda encolar y juntar ambas piezas. Mientras se seca la cola, ambas piezas han de estar bien sujetas a algo fijo (una mesa, por ejemplo). Para alinear el mástil con respecto al cuerpo se puede hacer de dos maneras. Una es poner sobre la mesa los planos y sobre los planos la guitarra y el mástil y alinearlos. Otra forma es lanzar una línea con un hilo fino desde el clavo que pusimos donde va la sujeción del cincho hasta el punto medio de la pala (dentro de su recta de simetría). Hay que encolar el mástil y el cuerpo de tal forma que el hilo pase por el eje de simetría del mástil y del cuerpo. Con esta línea también se controla en ángulo que hay entre el mástil y la cara de la guitarra. En mi guitarra ambos están en un plano pero lo normal suele ser que estén a unos 4º. Yo empleé simultáneamente ambos procedimientos, el del hilo y el del plano. Una vez que el cuerpo y el mástil están el línea, se sujetan ambos a la mesa con unos sargentos y se deja un par de días para que el pegamento se seque. Una vez que el pegamento haya secado, puede ser que en los cantos queden restos de pegamento que ha sobresalido. Simplemente se quitan con un formón o un cúter. Barnizado Hoy en día, en el mercado hay una serie de productos que facilitan enormemente el trabajo de barnizar la madera. Hay sprays, tintes que a su vez barnizan, ... pero eso no quita que un buen barnizado siga siendo un trabajo de artesanía que requiere conocimiento y práctica. Por eso yo elegí llevarlo a barnizar a un barnizador profesional que aunque cueste más dinero que si se lo hiciera uno mismo, existe la garantía y la seguridad de que va a quedar bien. Se puede encontrar a mucha gente que barniza " a pistola" pero no es tan fácil encontrar a alguien que barnice "a muñequilla". La diferencia entre ambas está en que "a pistola" se emplean tintes y barnices modernos que se extienden homogéneamente por la madera con la utilización de una pistola de aire comprimido. La laca empleada es muy dura y queda un barnizado resistente. "A muñequilla" es más artesanal y se realiza deslizando repetidas veces unos paños empapados con el tinte y luego con la laca. Este último no es tan resistente y duro como el de pistola pero es mucho más fácil de reparar. Con el uso de la guitarra, se van haciendo marcas que cada x tiempo hay que reparar. Con el barnizado a pistola se hacen menos marcas pero son más costosas de reparar que con el barnizado a muñequilla. De todos modos, el encargo de hacer barnizar una guitarra es muy fácil. Simplemente hay que llevar al barnizador una foto de la guitarra que se desea conseguir. Con esa foto, el barnizador copiará el tono del tinte casi a la perfección. El circuito electrónica La Red Special lleva por cada pastilla dos interruptores; uno de encendido-apagado y otro de inversión de fase. En total son seis interruptores (dos por pastilla en tres pastillas). Estos seis interruptores pueden ir atornillados al golpeador (como la edición de 1993 de Guild) o sobre una plataforma que queda debajo del golpeador. Para colocarlo sobre una plataforma se recorta plástico de 5-6 mm de espesor (dos de 3 mm pegados) con la misma forma del hueco donde va a ir alojado que es el G. Se hacen cuatro soportes cilíndricos de madera de 10 mm de diámetro y se coloca cada una en uno de los extremos de la pieza de plástico. Estos soportes se pegan a la base y al canto del hueco G y su altura más el espesor de la pieza de plástico han de sumar un mm menos que el fondo o altura que tenga el hueco G. Una vez pegados los soportes o patas se coloca sobre él la pieza de plástico y se pasa una broca muy pequeña (1 mm) por el plástico en donde coincida en soporte de tal forma que atraviese la pieza de plástico y entre unos mm en los soportes de madera. Por ellos pasarán unos tirafondos de pequeño tamaño los cuales sujetarán la placa de plástico. Yo coloqué unos tirafondos o tornillos de rosca golosa (para la madera) cuyo diámetro exterior es de 2 mm y el interior de 1'25 y una longitud de 16 mm. Por lo tanto, a la pieza de plástico le pasé otra broca de 2'25 mm y avellané la parte superior con una broca de 4 mm. Hay que avellanar para que la cabeza del tornillo quede incrustada en la pieza de plástico y no moleste al golpeador, el cual queda a ras de la placa de plástico que se está colocando. Para avellanar hay que tener la punta de la broca bien afilada a 90º (que es el ángulo con el que están hechas las cabezas de los tornillos). A la pieza de plástico hay que hacerle también los 6 huecos donde más tarde se pegarán los interruptores. Yo hice los huecos de 12'5 x 11 mm ya que el modelo de interruptor (und.lab.inc.list. 6A120VAC 3A250VAC. C&K 120l U.K. or USA) que empleé así lo requería. También hay que hacer en el cuerpo los huecos de las pastillas. Estos huecos dependerán de los modelos de pastillas que se vayan a colocar. Para pasar los cables de las pastillas hasta el hueco G, se hacen unas catas de pequeñas dimensiones (de 5 mm de fondo y 10 mm de ancho) que son los huecos L. La cata J se hizo anteriormente y es para las pastillas activas (ya que la pila va a ir alojada en el hueco I ). Todo lo que ha de hacerse es construir el circuito dado. Estaño, estañador, cinta adhesiva, cable, 6 interruptores, dos potenciómetros (15A 25K) y buen pulso es todo lo que se necesita. Es muy sencillo ya que yo me lo hice y soy un patán de los voltios. De todos modos, siempre viene bien la ayuda de algún experto. Golpeador Se le denomina golpeador a la placa (generalmente de plástico) que cubre la parte delantera de la guitarra quedando debajo de ella básicamente el sistema eléctrico y el trémolo. El golpeador que lleva la Red Special viene representado por la línea 5 y la tapa del trémolo por la línea 6 del plano conjunto o la parte D del plano despiece. El proceso de recortar el mástil es muy sencillo pero requiere paciencia y tiempo. Se coge el plástico y se coloca un dibujo en papel del golpeador pero el dibujo inverso (como si se mirara en un espejo) y se pega el papel por la parte trasera del plástico el cual tiene una cara pulida y brillante y otra mate y sin brillo. La cara trasera, por supuesto, es la que está sin pulir y no tiene brillo. Se recorta con una sierra de pelo (la que se emplea para cortar chapa ocumen) con los dientes que hagan el corte cuando se descienda la mano. Deja algo de rebarba en la cara buena. Cuando esté toda la periferia cortada, se le pasa una lija muy fina (más de 800) por el canto redondeando un poco hacia la cara buena. Con calibre en mano, se va tomando sobre la guitarra la medida precisa de cada hueco y se va marcando en el plástico y recortándolo. Son medidas que no se pueden dar con exactitud porque depende del tamaño que se haya hecho la guitarra, tipo y modelo de pastillas, tipo de circuito (selectores, si lleva o no inversor de fase...). La sierra de pero viene muy bien para hacer los huecos interiores ya que se puede hacer un agujero dentro del hueco a cortar, se suelta la sierra de un lado y se pasa la sierra por el agujero y se vuelve a sujetar el extremo suelto de la sierra (que se suele agarrar con una palomilla) y ya se puede cortar el hueco interior. Para acabar con el golpeador, hay que hacerle unos orificios para los tornillos de sujeción. Primero se pasa una broca pequeña (2 - 3 mm. depende de las dimensiones de los tornillos) y luego hay que avellanar para que la cabeza (cónica) de los tornillos, no sobresalga de la superficie del plástico. PROHIBIDO usar taladro. Al ser el plástico tan blando, la broca al girar se ceba y traspasa el plástico haciendo un agujero más grande que la cabeza del tornillo por lo que éste no sujetaría nada. Se toma un broca mediana (de 7 - 8 mm) y se hace el avellanado con las manos, girándolo con los dedos y haciendo presión sobre el plástico. Hay que girarlo hacia el giro para el que está hecho la broca (por supuesto). Se va comprobando de vez en cuando metiendo un tornillo y cuando se vea que ya no sobresale la cabeza, se hace otro y así hasta acabar. Una vez hechos todos (que están marcados en los planos con unos puntos negros), se pone el golpeador en la guitarra y donde haya agujero, se pasa una broca de 1 mm a la madera. En la tapa del trémolo es algo distinto. Se puede hacer así o como yo hice (ya que tengo una pila ahí y es una tapa que la abro de vez en cuando). Hice el agujero y el avellanado para un tornillo de 2 mm de métrica con cabeza cónica y para llave hexagonal. A la madera le hice un agujero de 3'25 mm de diámetro y pegué por la parte interior (fijarse que ahí es hueco la pieza central) una tuerca de tal forma que abro y cierro continuamente sin peligro a que se me llegue a pasar la rosca (como ocurre en la madera con tornillos de rosca golosa). Por cierto, si alguna vez se llega a pasar la rosca de un agujero en la madera, no hay que poner tornillo mayor. Se le pasa una broca de mayor medida y se introduce con pegamento un eje de madera del diámetro con el que hayamos pasado el agujero. Un eje o astillas y luego cortar lo que sobre... y una vez seco se vuelve ha poner el mismo tornillo que tenía. Afinadores y Afinar Ya para finalizar la guitarra, hay que colocar el puente y los afinadores. El puente va en el extremo del trémolo y, con unas piezas de pequeña dimensión que se desplazan en ejes roscados, sirven para afinar el octavado. El puente que lleva la Red Special de la Guild y la mía es de Schaller. Va sobre los agujeros de los soportes de la cuchilla del trémolo (los dos tornillos de métrica 6). Con el mástil que se ha hecho, la cuerda E aguda ha de tener una longitud de 625 mm (en mi guitarra). Para calcular dónde exactamente (aquí hace falta una precisión milimétrica) ha de colocarse el puente, se coloca el soporte de la cuerda E aguda ajustado al máximo (hasta que el pequeño tornillo de ese soporte ya no gire más porque esté pegando con el final) y se mide una longitud de 625 mm desde la ruedilla soporte del puente de la cuerda E aguda hasta el traste 0. Una vez a dicha distancia, se coloca sobre la madera y se dibuja (se copia el canto del puente) sobre la madera. Se quita y se marcan los puntos de los soportes. Tienen dos soportes (uno a cada extremo) que están separados entre sí 74 mm. desde el centro de la guitarra se marca hacia cada lado una recta de 36 mm. Se marca con un granete (o un clavo) y se taladra con el taladro que solicite dichos soportes. Estor soportes están moleteados para que se agarren a la madera por lo que los agujeros han de tener algo menos de diámetro que el de los soportes. Al otro extremo de las cuerdas van los afinadores. En la Red Special van tres arriba y tres abajo y son de giros opuestos. Las cuerdas van enroscadas de laforma que indica el dibujo, por eso los tres de un lado son de giro opuesto a los otros tres. A la hora de seleccionar los afinadores, recomiendo unos denominados "autoblocantes". Son muy buenos para guitarra con trémolo. Tienen un sistema por el cual impiden que la cuerda se vaya destensando con el uso del trémolo (o incluso con el paso del tiempo). Son muy sencillos de poner y además vienen con unas instrucciones de su colocación. Simplemente tienen una tuerca que se quita. Se introducen en el agujero, se pone la tuerca u se aprieta. Por detrás tienen un pequeño agujero excéntrico por el que se introduce un pequeño tornillo que va roscado a la madera y es para que no gire todo el afinador cuando tense la cuerda. Ya se pueden colocar las seis cuerdas. A continuación se afinan como se ha hecho cientos de veces pero no está afinado del todo. Si se aprieta la cuerda una octava más alta es posible que no suene su octava. Hay que ajustar desde el puente la longitud de cada cuerda. Si la octava es un poco más aguda de lo que debería, hay que alargar la longitud total de la cuerda. Si la octava es un poco más grave de lo normal, hay que acortar la longitud de la cuerda. Para ello se gira el pequeño tornillo que lleva cada uno de los soportes de las cuerdas en el puente. Este afino es mejor hacerlo con un aparato de afinar (a oído es difícil dejarlo preciso). Puede llevar un rato pero una ver conseguido el octavado, rara vez hay que modificarlo. Conviene revisarlo de vez en cuando. Es más habitual tener que afinarlo desde los afinadores de la pala (las cuerdas se destensan, se mueven, se rompen...). También es recomendable que cuando se cambie alguna cuerda, una vez puesta la nueva, se toque unas horas, se le fuerce un poco estirándola... y si hay que cambiar todas, es preferibre cambiar de una en una porque si se quitaran todas a la vez, puede ser que el mástil se arquee ya que se le ha quitado de golpe toda la tensión que soportaba. imagenes 3d www.elrincondelguitarrista.com

Registrate y eliminá la publicidad! les traigo un post sobre exelentes guitarristas Jimi Hendrix Jimi Hendrix, guitarrista y cantante, fue la individualidad mas prodigiosa y original de la escena del Rock y del Rhythm & Blues. Era zurdo, pero curiosamente usaba guitarras normales con las cuerdas preparadas para los diestros colocadas en sentido contrario. Nació el 27 de Noviembre de 1942 en Seattle, en el estado de Washington. Su padre se llamaba James Allen Hendrix y su madre era una india Cherokee. En el registro civil fue inscrito como Jhonny Allen Hendrix, pero posteriormente su padre cambió su nombre por el de James Marshall Hendrix y, desde luego, Jimmi como diminutivo, aunque él adoptaría lagrafía Jimi en 1966 cuando fundó en Londres el conjunto "The Jimi Hendrix Experience". A los 11 años de edad aprendió a tocar la guitarra bajo la influencia de los discos de Robert Johnson y B.B. King a quienes idolatraba. Entre 1960 1961 sirvió en el ejercito Norteamericano en un batallón de paracaidistas, y en 1962 fue liberado a causa de una invalidez temporal, entonces decidió establecerse en Nashville y junto con Billy Cox, antiguo compañero del servicio militar, formó el trío "The Casuals", que realizó diversas actuaciones y logró un relativo éxito en la zona. Precisamente debido a este éxito inicial, llamaron a Hendrix para incorporarse a la banda del célebre Little Richard, con el cual recorrió Estados Unidos durante casi dos años y de quien aprendió mucho. Alternativamente, realizó varias actuaciones durante un breve período como guitarrista en las Bandas de Wilson Pickett, Isley Brothers, Solomon Burke y otros, incluyendo tambien el pintoresco grupo del conocido campeón de lucha libre Georgeous George, que dejo el ring para liderar, como cantante, una Banda de Rock & Roll. En aquella época, Jimi Hendrix grabo varios discos con diferentes conjuntos, aunque su presencia no fue tan relevante. En 1965, Jimi Hendrix abandonó definitivamente a Little Richard despúes de una amarga discusión por cuestiones salariales y de Royalties. Túvo el mismo problema en relación a otros conjuntos con los que trabajó durante ese período, lo que llego a ser una constante en su vida profesional. En realidad, Jimi siempre túvo la impresión de que sus jefes, empresarios y colaboradores vivían engañandolo respecto a esto, era muy desconfiado, y a pesar de ello, en 1965 firmó un contrato desfavorable con una pequeña empresa de discos por tres años y en condiciones de verdadera usura. Había sido su primer contrato discográfico y se lamentó toda su vida como una pesada cruz en su memoria. Ese mismo año fue aplaudido como guitarrista del conjuto del cantor Curtis Knight y grabó discos del saxofonista Lennie Youngblood. Éstas son realmente las primeras grabaciones relevantes y claramente determinantes en la discográfia total de Jimi Hendrix. En el bienio 1965-66, Jimi Hendrix empezó a conocer la vorágine del exito, la fama, el fervor de los admiradores, las continuas e ininterrumpidas actuaciones, sin tiempo para descansar. Sin la munición suficiente para hacer frente al Huracán, empezó a defenderse entregandose desenfrenadamente a las drogas, lo que termino por influenciar su conducta dentro y fuera de los escenarios. Mientras tanto lo solicitaban constantemente como guitarrista, habiendo realizado notables actuaciones con los grupos de King Curtis, Chuck Jackson, Sam Cooke, Ike & Tina Turner y otros de la misma talla. Tras actuar en el cafe Wha, del Greenwich village de Nueva York, el bajista del grupo The Animals, Chas Chandler, lo reclamó para que lo acompañara a Londres, donde había mucha adulación y grandes posibilidades de ganar mucho dinero. Aquella propuesta quedó grabada en la memoria de Jimi Hendrix, siempre desconfiado y sospenchando que los empresarios lo estafaban con los royalties. Por otra parte, el potencial artistico y escenico de Jimi Hendrix había alcanzadosu completo desarrollo, y su desempeño era realmente espectacular y llamativo, tocando la guitarra por arriba y por detras de la cabeza o tocando las cuerdas con los dientes, etc., y utilizando eficazmente la técnica del "feedback" y así como otros efectos sonoros, ya que a veces, al finalizar su espectáculo paroxistico, arrojaba la gasolina de su mechero en la guitarra, que prendía fuego en el escenario frente al delirio del público, cuya algarabía retumbaba entre silbidos y exaltaciones, mientras la guitarra del ídolo ardía en el escenario como el último tributo a la gloría del Rock. Jimi Hendrix viajo a Londres con Chas Chandler (que fue su primer manager Inglés) en el mismo año de 1.966 y tras actuar en algunos clubs locales, fundó The Jimi Hendrix Experience con Noel Redding al Bajo y Mitch Mtchell a la Batería. El grupo realizó una gira por Europa, que fue filmada y en la que sobresalen los recitales del Tivoli, en Estocolmo, del Sport Arena, de Copenhague, y del Olymia de París. La filmación se completó en diversos clubs Londinenses antes de encerrarse en un estudio de grabación (previo contrato con la Polydor, una de las "majors" internacionales), coincidiendo la publicación del disco con la solémne actuación oficial en el Saville Theather de Londres. Los Hits discográficos no se hicieron esperar en Gran Bretaña y en toda Europa y, poco después en Estados unidos (con el sello Reprise) a rastras de los ecos del gran triunfo europeo. El primer L.P. "Are you experience", supuso un éxito inmediato y también los singles "Purple Haze", "The wind cries Mary", "Burning of the midnight lamp", etc. Como banda ya consagrada y la aureola de todos sus triunfos europeos a cuestas, The Jimi Hendrix Experience hizo su presentación americana en el Monterrey Pop festival de 1967, la cual se filmó para un largometraje de exhibición comercial, y a continuación hizo una serie de triunfantes actuaciones en el hollywood Bowl, el Fillmore west, de San Francisco, y realizó una corta gira por Estados Unidos con la 0The Monkees. En 1968 y 1969 cruzó en los dos sentidos el Atlántico varias veces para participar en espectacúlos estelares, tanto en Estados Unidos como en Canadá y también en toda Europa Occidental. El Fillmore East, el Singer Bowl y el Fhilarmonic Hall de Nueva York fueron el marco elegido para memorables actuaciones, como también el Convention Hall de Anaheim, de California, o el Underground Pop Festival de Miami, o el Albert Hall de Londres y el Olympia de parís nuevamente. El grupo Experience se disolvío y Jimi Hendrix se presentó como solista en el Festival de Newport de 1969 y, en el mismo año, en el Woodstock Music & Art Fair (donde se filmo la película Woodstock). Para llenar nuevamente el legendario Fillmore East, formó la banda llamada The Band Of Gypsies, que también actúo en el Madison Square Garden, pero el grupo se separó en los primeros años setenta. De su filmografía cabe mencionar: "Experience", "Sweet Toronto", "Keep on Rocking", "Jimi plays Berkeley" y "Rainbow Bridge", filmada en Hawai. Tras un histórico recital en el festival de la isla de Wight (1970), actúo un breve período junto a Eric Burdon y el grupo War, además de varias actuaciones en clubs Londinenses. Jimi Hendrix sufrió un colapso mientras dormía en el Hotel Samarkand con su amiga Monika Danneman, debido a una mezcla exagerada de Barbitúricos, somniferos y alcohol se ahogó con su propio Vómito. Era el 18 de Septiembre de 1970 y faltaban dos meses para que Hendrix cumpliera 28 años. De su genialidad y del poderío de su guitarra queda el testimonio de sus canciones, tales como: "Angel", "Can your hear me?", "Castles are made of sand", "Crosstown traffic", "Electric Church", "First Look Around the corner", "Foxi Lady", "Love and Confusion", "May This Be Love", "I Don`t Live Today", "Manic Depression", "Purple Haze" , "Red House", "Remenber", "Third Stone From The Sun", "Voodoo Child", "Hey Joe", etc., que siguen expresando su pasión de vivir y de triunfar en un mundo inhóspito y hostil. Con cada cambio generacional la figura de James Marshall Hendrix ha ido cobrando mas y mas dimensión. Desde su desaparicion, cada nueva andada de guitarristas le ha redescubierto y venerado por lo que tenía de unico y genial. Hendrix es el guitarrista de rock por excelencia. Tenía un Marshall y una Strato en el dormitorio, se preparaba el desayuno con la guitarra en ristre y era capaz de tocar, tocar y tocar, infatigablemente durante larguisimas sesiones de práctica sin desfallecer. Amaba profundamente la guitarra eléctrica. Hendriz se comprometió tanto con el instrumento y con su música, que su verdadero legado hay que buscarlo en ese punto, en esa actitud de utilizar todos los medios posibles para desarrollar la idea musical sin limites. Y en esa linea su mejor trabajo fue sin duda el doble Electric Laduland, un album imprescindible en la historia de la música de la segunda mitad del siglo XX. jimmy Page AMES PATRICK PAGE (nació el 9 de Enero de 1944) era uno de los guitarristas de estúdio mas requisitado para grabaciones en Inglaterra. Entro en Yardbirds donde han pasado grandes guitarristas com Eric Clapton y Jeff Beck. Al deshacerse el grupo, Page forma otra banda con tres sorprendentes musicos y asi se crea Led Zeppelin. Jimmy Page ha sido uno de los músicos más influyentes de todos los tiempos en su genero, su virtuosismo con la guitarra, su nivel de asimilación y su carisma, hicieron de el, el líder del grupo que el mismo fundo, al desaparecer los Yardbirds. En The Yardbirds comenzó tocando el bajo, la guitarra solista estaba a cargo de otro gran músico llamado Jeff Beck, pronto empezó a imponerse el talento de Jimmy y el grupo contó con dos guitarristas devastadores Ha Intervenido con grandes grupos tocando la guitarra en el estudio como: The Who; The Kinks, Van Morrison, Rolling Stones, etc. Nunca apartando de su lado las guitarras Gibson Les Paul (en especial las doradas) y portando en sus vestimentas de concierto signos de ocultismo; Page puede o no haber sido el mejor guitarrista de los 70' s pero dejo algo bien claro, que este nuevo genero de especie de Heavy Metal con Blues con Hard Rock fuera el principal movimiento para otras bandas com Aerosmith, Guns N' Roses, Def Leppard etc. En Led Zeppelin tocando esos maravillosos riffs hizo de este un gran grupo que dificilmente se olvidaria como en la canciones: Rock n' Roll, Black Dog, Whole Lotta Love entre otras y de la bellisima acustica que se transforma en un rock duro en Stairway To Heaven. Bryan May Brian Harold May nació el sábado 19 de julio de 1947 en Hampton, Middlesex, Inglaterra. A los cinco años, sus padres le matricularon en una escuela musical, para aprender a tocar el piano. A los seis años, su padre le compró un ukelele, y le gustó tanto este instrumento que pronto quiso comprarse una guitarra de verdad. A los siete años Brian consiguió su primera guitarra acústica y a los ocho empezó a interesarse por otros instrumentos, como por ejemplo el arpa judía. A los nueve años llegó al grado IV de piano (el nivel que tenía Freddie Mercury). Pronto Brian se dio cuenta de que con su guitarra acústica no podía tocar las canciones que tanto le gustaban y que escuchaba en la radio. Así que decidió cambiarse de guitarra. Pero en eso momentos Brian no disponía de dinero para comprarse las caras Stratocaster y Gibson que él quería. Así que con la ayuda de su padre, en 1963 empezó a construirse su propia guitarra ( La Red Special) que acabó en 1964. En 1964, a los 17 años, Brian formó su primera banda, llamada "1984". La banda estaba formada por Dave Dilloway al bajo, John Sanger al piano, Richard Thompson a la batería, Tim Staffell en las vocales y la armónica y Brian May de guitarra solista, con su preciosa y recién acabada Red Special. Su primera actuación fue el 28 de octubre de 1964 en el St Mary's Church Hall de Twichenham. En 1965 Brian May fue aceptado en el Imperial College de Londres para estudiar astronomía. A pesar de la distancia que les separaba, "1984" siguieron tocando juntos. El mejor momento de esta banda llegó el 13 de mayo de 1967 en el Imperial College, cuando actuaron como teloneros del mítico Jimi Hendrix. Poco tiempo después actuaron en un festival llamado "Christmas on Earth", el 23 de diciembre de 1967, junto con artistas como Tyrannosaurus Rex, Jimi Hendrix o Pink Floyd. A pesar de estas brillantes actuaciones, "1984" se disolvió poco tiempo después debido a diferencias musicales entre los componentes del grupo. Pero Tim Staffell y Brian May querían seguir tocando juntos y pusieron un anuncio en el Imperial College pidiendo un batería. Tras varias pruebas, seleccionaron a Roger Taylor. Los tres juntos formaron un nuevo grupo llamado Smile. En 1971 junto a el cantante Freddie Mercury (su verdadero nombre era Frederick Bulsara), John Deacon (contrabajo) y Roger Taylor (percusión) forman Queen. Sus primeros discos, Seven Seas Of Rhye y Killer Queen (ambos de 1974), demostraron la afinidad del grupo con la tendencia glam, con poses teatrales y estilo andrógino. La consagracion de Queen llegó con la publicación del disco Bohemian Rhapsody en 1975. Éste fue un álbum excepcional porque la versión editada de la canción duraba casi seis minutos, el doble de una canción pop normal, e iba acompañado de una película melodramática, pionera en su género. Junto a Queen grabó hits como 'We Are The Champions' (1977) y alcanzó los primeros puestos de ventas con 'Another One Bites The Dust' (1980). link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=PI3ULpwD0xc link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=b2qRKy36dL4 link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=_bc9m7nbMC4 Angus young Es la cabeza visible de AC/DC, una de las bandas de hard rock mas importantes de la historia. La entrega que pone en cada una de sus actuaciones, los espasmos nerviosos que continuamente sacuden su cuerpo mientras hace correr las cuerdas de su Gibson a velocidad de infarto, lo han convertido en el eje visual de la banda. En particular destacar su famoso Duckwalk (andar de pato), que realiza mientras recorre el escenario tocando alguno de sus solos de guitarra, y que copió a su gran ídolo: Chuck Berry. Es uno de los fundadores de la banda y ha participado en la composición de todas las canciones del grupo. Nació el 31 de Marzo de 1955 en Glasgow, Escocia. Su familia se trasladó a Sydney, Australia, en el año 1963, ya que en su pais de origen el trabajo escaseaba demasiado. Dejó el colegio a los 15 años para comenzar a trabajar. Al poco tiempo se uniría a su hermano y fundarían AC/DC (las siglas de Corriente Alterna / Corriente Continua). Su técnica se base en la utilizacion de escalas pentatónicas y poderosos riff. link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=en7EKL1pX5w Eddie Van Halen La biografía de Eddie va ligada a la de su banda, VAN HALEN. Los hermanos Van Halen (Ed y Alex) nacieron en Holanda y en el año '67 se trasladaron a California. Ahí, su padre, un músico de Jazz, los incentivó a que fueran músicos y fueron, durante muchos años, concertistas de piano. Sin embargo al crecer fueron cautivados por el Rock lo que llevó a aprender a tocar nuevos instrumentos.Al principio, Ed tocaba la batería y Alex la guitarra, sin embargo, con el tiempo fueron cambiado sus instrumentos. Empezaron a tocar en 1972 en reuniones familiares y en la escuela. Después conocieron a DLR (David Lee Roth), quien cantaba en The Red Balls Jet y que impuso fuerza al grupo. También en la Secundaria estaba Michael Anthony que dijo:" Todos en la escuela tocan guitarra o batería, así que yo tocaré el bajo", y le sacó dos cuerdas a su guitarra. Estos cuatro personajes formaron Mamooth en 1973 y se cambiaron el nombre a Van Halen, desechando la idea de Rat Salade, en 1974. Empezaron a tocar en clubes nocturnos durante tres años y un día, Gene Simmons, el bajista de Kiss, les financió unas grabaciones de demos para el sello Warner, quienes los aceptaron y, hasta ahora han hecho toda su discografía. El álbum debut fue homónimo (Van Halen) y tuvo grandes éxitos como: Runnin´ with the Devil, You Really Got Me, Ain't Talkin''bout Love y Jamie's Cryin'.Ahí corría el año '78. Al año siguiente sacaron la continuación del primer álbum (Van Halen II)que tuvo los éxitos de: Dance the Night Away, You're No Good, etc. Eso fue en 1979. En 1980 salió el tercer disco de la banda, Women And Children First, que no tuvo muchos singles de éxitos, pero como álbum, llegó muy arriba en Billboard. Dos años más tarde salió el disco Fair Warning, cual contenía uno de los éxitos más grandes de la banda: Unchained. Después se un año, 1983, salió Diver Down, disco que recorrió los lugares más altos de Billboard y tenía los siguientes éxitos: (Oh)Pretty Woman, Cathedral, Big Bad Bill (Is Sweet William Now), etc. Después en el año 1984, salió el disco del mismo nombre (1984) que fue el punto cúlmine de la Era de DLR. El primer single, Jump, sacó del nro.1 de Billboard a Thriller de Michael Jackson, y éste, admirado por la calidad de Eddie, Le pidió la colaboración en uno de sus temas, Beat It. Esto provocó mucho a DLR, que para vengarse grabó su proio disco en solitario sin avisar nada a los otros miembros de la banda. DLR dijo que preferiría seguir con su carrera de solista para ganar más dinero y, por este comentario fue expulsado del grupo.Después llamaron a Sammy Hagar, pero eso es otra historia. Sammy Haggar era un cantante que con su primer disco con "mini-éxitos" había ganado algo de dinero. Entre sus cualidades estaba la de tener una voz muy aguda y saber tocar guitarra, algo que DLR nuncá trató de hacer. Cuando Van Halen estaba buscando a alguien que pusiera la voz por el grupo, Eddie fue al garage y había un auto muy lujoso.Éste, extrañado preguntó quién era e dueño y el propietario del garage le dijo:" Es de un tal Sammy Haggar.¡Hey!, lo deberías tener en tu banda." y Ed le pidió su número. Se juntaron los tres con el nuevo cantante y empezaron a tocar. Sammy empezó a improvisar letras y de esa forma salieron varias canciones.Así, Sammy fue el nuevo vocalista de Van Halen y principal figura de 5150, álbum clásico para los seguidores de Van Halen. Éste tuvo grandes éxitos como: Why Can't This Be Love, Dreams, Love Walks In y Best Of Both Worlds. Dos años después, en 1988 salió OU812, discó que empezó a bajar la clásica dureza del estilo que cultivaba Van Halen.De allí, hubieron varios singles exitosos, tales como: When It's Love, Finish What Ya Started, Feels So Good, Cabo Wabo, etc. Después de dos años de giras y uno de trabajo, salió al mercado For Unlawful Carnal Knowledge, más conocido como (perdón) F.U.C.K., que fue el punto más alto de la popularidad de Van Halen. hubo un trabajo promocional de este disco tan grande que llegaron hasta Japón, Holanda y Argentina, entre otros países más extraños aún. Fue tan bueno el material que se obtuvo durante esas giras, que se grabó un disco en vivo llamado: Van Halen LIVE: Right here, Right Now. En él se encuentra casi todo el disco F.U.C.K, éxitos de discos anteriores, un solo de cada un de los miembros de la banda y tres canciones inéditas: One Way To Rock, Give To Live (Sammy Solo) y Won't Get Fooled Again. Después de estos años de gira, en 1995 salió Balance, que puede que no sea el disco más popular, pero sí, según yo, el perfecto balance entre el Rock crudo de los primeros años y las últimas baladas.En este disco se encuentran los éxitos: Can't Stop Lovin' You, Don't Tell Me (What love Can Do), Not Enough, etc. Después, Eddie tuvo problemas por el alcohol y Sammy generó un a polémica por la canción Amsterdam, que hace mención que allá las drogas son legales. Eddie y Sammy generaron una polémica, cuando Ed, mencionó la idea de hacer una recopilación de los grandes éxitos de la banda. Eddie Van Halen es considerado uno de los mayores virtuosos de la guitarra en la historia del rock, A él se le debe la técnica del TAPPING, tan utilizada ahora por guitarristas de todos los estilos. EDDIE utiliza guitarras de muchas marcas distintas como GIBSON, FENDER, KRAMER o STEINBERGER, aunque en los últimos años la que más utiliza es un modelo que PEAVEY/WOLFGANG fabrica para él. La amplificación también corre a cargo de PEAVY 5150, con un modelo que la marca fabrica exclusivamente para él. Steve vai Steve Siro Vai es sin lugar a dudas el mas original, creativo y dotado de los guitarristas de Heavy Metal de los 90's. Desde muy chico, a la edad de 13 años, ya estaba metido en esto de la musica, y ya era poseedor de unas facultades priviligiadas para la misma. Considerado el nuevo Jimi Hendrix y para muchos mejor que el mismisimo Joe Satriani, pero la cosa es que tuvo la suerte de ser su alumno, asi como tambien de Frank Zappa con quien inclusive toco en la segunda guitarra en algunos de sus discos. En ese tiempo saco su primer disco llamado Flex-able que fue un disco muy extraño pero innovador. Su forma de tocar llamo mucho la atencion durante largo tiempo ya que este disco tenia diferentes piezas experimentales (jazz-fusion, rock, musica clasica, etc) pero sobre todo sobresalia su sonido Heavy. Cuando sustituyo a Yngwie Malmsteen en la banda Alcatrazz en 1985, fue creciendo con mucho prestigio como guitarrista y fue varias veces nominado en las selecciones como mejor nuevo talento en la revista "Guitar Player". Durante un tiempo trabajo con David Lee Roth y con los miticos Whitesnake. Pero donde se consagro fue en su segundo disco en solitario Passion And Warfare que fue casi casi su catapulta a la fama, con canciones como For The Love Of God, la tierna Sisters o la mas conocida por todos I Would Love To que hicieron que Steve Vai se destapara a nivel mundial, llegando su disco al No.18 en las listas Billboard. Luego sacaria otro disco pero bajo el nombre de VAI en donde participo el vocalista actual de Strapping Young Lad, Devon Townsend que fue otro de los descubrimiento de Steve Vai y con el cual atrajo la atencion de la critica; y mas tarde luego de 2 años de ausencia veria la luz otro gran disco Alien Love Secrets con temas a destacar como Bad Horsie, Juice o la grandiosa Tender Surrender. Otro disco que muy bueno es Fire Garden, este larguisimo album consta de dos partes, la primera parte del CD es instrumental y la segunda ya cuenta con temas cantados; es muy buen disco en general de donde caba destacar la genial The Crying Machine, Dying Day, y la bella Warm Regards. Que se puede decir del mago de la guitarra, que no se ha haya dicho ya... Quien no lo conoce?, este Sr.virtuoso de la guitarra, es uno de esos musicos de los cuales sencillamente sin el, el rock simplemente no seria igual. Despues de su aparicion por el 86 revolucionaria el mundo de la guitarra tal y como se le conocia. Satriani nacido en New York, por alla de 1956, es un guitarrista dotado de una gran sensibilidad, tecnica y facultades extraordinarias, maestro de muchos de los mejores guitarristas del mundo metalico actual, como Steve Vai, Kirk Hammett (Metallica), Marty Friedman (Megadeth) o Alex Skolnick (Testament). Cuando escribe sus canciones, hace gala de una inmensa cultura musical, sabe adaptar todo lo que sabe, influencias tanto musicales como personales y los conjuga con sus sentimientos mas profundos, nacidos desde el fondo de su alma, eso y el ensamble entre la tecnica y el feeling que Satriani solo sabe hacer es quiza una de las claves de su exito. Uno de sus discos mas logrados es el sorprendente The Extremist, con su llegada practicamente despedazo a todos los guitarristas de ese entonces con sus fabulosas rolas y grandes composiciones; ningun otro guitarrista llegaria a compararse con ese disco, que incluso fue nominado como el mejor disco instrumental a principio de los 90's, llevandose infinidad de premios por parte de la critica. Rolas como Summer Song, la preciosa Cryin' o la super heavy Motorcycle Driver dejaron fascinados a todo mundo y hasta el dia de hoy sus discos siguen impresionando a todo tipo de audiencia y se ha consolidado como toda una figura de la guitarra de nuestra Era. Slash Nacido como Saul Hudson el 23 de Julio de 1965 en Stoke-On-Trent, Staffordshire, England. Slash creció junto a su madre, que era diseñadora de ropa, y de esa manera fue como conoció a David Bowie a finales de los 60's. En 1977 Slash y su madre se trasladaron a Los Angeles. Durante esa época sus padres se separaron y él se fue a vivir con su abuela. Slash comenzó a tomar drogas desde los primero dias de Guns n' Roses, primero esnifaba, pero más tarde pasó a meterse por la vena. En el verano de 1992 contrajo matrimonio con Reneè Sulan. Slash ha tocado con muchos de los grandes de la historia de la música como Bob Dylan, Michael Jackson, Iggy Pop, Alice Cooper, Lenny Kravitz, Jeff Beck y muchos más. Joe Satriani Joe Satriani nació el 15 de julio de 1956 a Westbury (los EE.UU). Apasionado de música, comienza la guitarra a la edad de 14 años y se muestra rápidamente dotado de una sólida técnica para este instrumento y prevé convertirse en profesor de Música. Es cosa hecha en 1978 y Joe da cursos a personas que se convertirán en estrellas por la consecuencia: Steve Vai, Kirk Hammett ou Larry Lalonde. Incluso si juega en grupo desde hace algunos años, se siente cada vez más estrechado en su papel de profesor y soña con una verdadera carrera de artista. En 1986 saca un primer álbum ("(Not Of This Earth" que le permite poner un pie en el mundo del showbiz. Vuelve de nuevo el año siguiente con el disco de la consagración, "Surfing With The Alien", sobre el cual demuestra todo su talento técnico y armónico. De giras en sesiones de registros, Joe Satriani pasa a ser en algunos años un guitar hero y un amo para numerosos aprendices guitarrista. Su último álbum, "super Colosal" (salió en 2006), reanuda todas las cuerdas que hicieron de Joe las estrellas que pasó a ser y quitará los fans. link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=6KbaIUSvAy8 John Petrucci John Petrucci es un guitarrista virtuoso integrante de bandas como Dream Theater y Liquid Tension Experiment. Nacido el 12 de julio de 1967, Petrucci se crió en un ambiente familiar de músicos en Long Island, New York. Aunque sus padres no son músicos, su hermana mayor tocaba el piano y órgano eléctrico, su hermano toca el bajo y su hermana menor toca el clarinete. Aunque su hermana influyó en sus intereses musicales hasta cierto punto, John dice que empezó a tocar la guitarra eléctrica porque todos los muchachos del vecindario tocaban y le parecía algo divertido. Estudió en la escuela de música contemporánea de Berklee en Boston, donde junto a su compañero de secundaria John Myung, conocen a Mike Portnoy y fundan lo que hoy es Dream Theater. link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=Uvz2qpOvNnQ B.B. King es considerado uno de los grandes guitarristas del siglo XX. Su estilo de interpretación que hace que las cuerdas toquen los sentimientos, ha inspirado a músicos como Eric Clapton, Jimi Hendrix y David Gilmour. La leyenda de nombre Riley B. King, B.B. King, nació en el seno de una familia pobre en el Delta del Mississippi el 16 de septiembre de 1925 cerca de un pueblo llamado Itta Bena. Hijo de dos trabajadores de la tierra, Albert y Nora King, fue bautizado Riley por el hermano de su padre. El "BB" (bibi) viene de la forma en que su padre llamaba a su hermano menor (Baby Brother). Cuando Riley tenía cuatro años su madre dejó a su padre por otro hombre y se fue a vivir a las colinas del Delta, dejando al niño al cuidado de su abuela materna, Elnora Farr. El lazo con su padre se perdió y tuvo que convivir ocasionalmente con su madre y dos padrastros, amén de la única relación estable que representaba convivir con su abuela que trabajaba en una plantación. Tanto su madre como su abuela eran personas muy religiosas por lo que asistía regularmente a los servicios religiosos de su comunidad. Fue en la iglesia de la Santidad en Klimicheal, donde King tuvo sus primeras influencias musicales. El pastor acostumbraba a usar la música para unificar a su congregación y el sonido de su guitarra fascinó al joven King quien aprendió del pastor a tocar las cuerdas de ese instrumento. En 1935, con solo 9 años, ve morir a su madre y se muda definitivamente con su abuela materna. Ante la noticia, su padre se ofreció a cuidarlo, pero Riley se negó a viajar porque estaba entusiasmado con el coro de gospel del que formaba parte. 5 años más tarde tuvo que mudarse con su padre. En enero de 1940 fallecía su abuela y aunque nadie se pudo hacer cargo de él, se las agenció para sembrar en tierras prestadas. Sin embargo, la aventura no prosperó y tuvo que dejar la casa de su abuela y marcharse a Lexington donde vivía su padre, en doden radicó por dos años, antes de que las ganas por volver a Klimicheal lo obligaran a dejar todo y volver "a casa". Una vez en Klimicheal, consiguió trabajo en la casa de una familia blanca que incluso le prestó US$2,50 para comprar su primera guitarra. A inicios de 1943 decidió mudarse al Delta del Mississippi para conseguir un mejor trabajo. Se mudó a Indianola en donde consiguió trabajo rápidamente en la plantación de Johnson Barret como recolector y tractorista, recibía US$1,00. Su vida había cambiado: tenía un buen trabajo, logró formar un buen grupo y tenía novia. El grupo estaba formado por cinco voces masculinas, una era la de su primo Birkett con quien había cantado en el coro de la iglesia. El grupo se llamó "The Famous St. John's Gospel Singers" y King les acompañaba con la guitarra mientras cantaban en las iglesias cercanas. Incluso llegaron a cantar en la radio WGRN de Greenwood. Mississippi. Al mismo tiempo, Riley interpretaba el blues en las calles de Indianola las noches de los sábados. Rápidamente, empezó a usar el dinero que obtenía en la granja para pagarse el transporte entre pueblos para poder actuar en distintos locales y recoger hasta el triple de lo que ganaba en la granja. Empezó a ganar tanta plata y a ser tan conocido que gradualmente el blues lo fue alejando del gospel. En 1944 resultó elegido en la conscripción militar y fue encontrado físicamente apto para el trabajo. Sin embargo, su patrón, Johnson Barret, no estaba dispuesto a perder a uno de sus mejores trabajadores por lo que apeló en nombre de King la conscripción. Además lo convenció de casarse para que fuera más difícil que lo llamaran a prestar servicio. Fue entonces que se casó con Martha Denton y pocos días después recibió la noticia de que se la daba la baja. En ese momento decidió convencer a sus compañeros del coro de que se fueran a buscar fama y fortuna fuera del pueblo. Sin embargo, pronto tuvo claro que si había futuro en la música, sería solo para él porque sus compañeros no tenían la pasión que el sentía. La decisión de marcharse llegó en tractor una tibia noche de mayo en 1946. Venía del campo con el tractor y llegando a la casa el aparato se descompuso y se rompió el escape. Previendo la enfurecida reacción del jefe, esa noche partió rumbo a Memphis con su guitarra y US$2,50 en el bolsillo. En esa ciudad buscó a su primo Bukka White a quien había visto por última vez de chico cuando el músico de blues visitaba a su familia. Durante los próximos diez meses, su primo lo educó en el arte del blues en sesiones de improvisación privadas. Allí, King aprendió desde sostener la guitarra hasta cómo hacer frases. Así, empezó a ganarse la vida como músico, tocando con otros bluseros de la zona. Sin embargo, a inicios de 1947 decidió volver a casa. Había dejado a su esposa y la extrañaba. Además, tenía asuntos pendientes que solucionar. Una vez en Indianola logró alquilarle unas tierras a Barret y cultivarlas. Entre el cultivo, el manejo del tractor y la música logró juntar suficiente dinero para pagar todas sus deudas y marcharse a Memphis con la firme decisión de hacerse un lugar en el mundo de la música. En Memphis fue a buscar a un disk jockey que conoció en Indianola: Sonny Boy. Lo convenció de que le dejara interpretar una canción en su programa. Sonny aceptó y lo presentó a la audiencia como un nuevo talento... la radio recibió tantas llamadas que Sonny inmediatamente organizó un evento en Salón de Miss Annie. El salón estaba lleno a reventar porque Sonny lo había sobrevendido, y frente a esa audiencia sofocada se tuvo que presentar BB King. El evento fue tan exitoso que la dueña del lugar le dijo a Riley que siguiera viniendo a tocar, pero bajo la condición de que se promoviera en la radio. En ese momento la radio más importante para la comunidad negra era la WDIA. Allí fue Riley King a pedir que se le diera un espacio. Uno de los dueños de la estación, Bert Ferguson, le propuso que podía tocar durante diez minutos lo que quisiera siempre y cuando mencionara a un tónico que acababa de entrar como patrocinador. La frase de King para la marca fue: "Pepticon, Pepticon, seguro que es bueno, Puede conseguirlo en su barrio." La frase se hizo tan popular que King fue conocido como el "Chico Pepticon". tal fue el éxito que alcanzó que lo promovieron a programador. Su programa se llamó "Sepia Swing Club" y en él tocaba música de artistas negros y complacía con interpretaciones que pedía la audiencia. Ahora que era famoso, necesitaba un nombre pegajoso y fue cuando se acordó del BB King de su tío, solo que cambió el significado de las siglas y se puso "Blues Boy King" que luego se acortó a B.B. King. Ahora, siendo conocido, podía empezar a grabar y en 1949 grabó su primer disco para Bullet Recording and Transcription Company. El disco llamó la atención de una disquera más grande llamada Modern y en 1949 B.B. firmó un contrato que duró 10 años. En seis meses la disquera lanzó seis sencillos, que si bien es cierto no fueron un éxito nacional, en Memphis fueron todo un suceso y eso ayudó a que pudiera construir un circuito de presentaciones que siempre estaban llenas. A finales de 1949 se estaba presentando en un pequeño club de Arkansas cuando se inició un incendio. Cuando reaccionó su guitarra estaba adentro y tuvo que entrar a rescatarla valientemente. Con el tiempo se enteró que el fuego empezó cuando una lámpara de canfín fue tirada al piso porque dos hombres peleaban por una mujer llamada Lucile. Desde ese entonces, su guitarra se llama Lucile. La fama de King estaba creciendo como la espuma pero Memphis se estaba quedando pequeño. Por eso contrató a un comerciante local, Robert henry, como su manejador. Terminaba 1951 y el sétimo sencillo de King, "Three O'Clock Blues", una tonada de Lowell Fulson, entraba a las listas del Rithm and Blues de Bill board. En enero ya era número uno en esa lista y ocupó esa posición por 15 semanas. Ese éxito le permitió a Robert Henry negociar un contrato con Universal Artists de Nueva York que le garantizó presentaciones en Washington, Baltimore y en el teatro Apollo de Harlem. Pidió permiso en la emisora de radio y se marchó a Washington a tocar. El éxito enrumbaba su vida, pero también afectaba su matrimonio. Aunque no tenían hijos, hubo momentos en que su esposa Martha no le podía acompañar y dado el acoso de jóvenes admiradoras, la separación cayó como algo natural. Estando de gira se enteró que su esposa se había ido de Memphis y había pedido el divorcio. Aunque devastado por la noticia, encontró la inspiración para escribir su segundo gran éxito "Woke Up This Morning". Su éxito le quedó grande también al manejador, con quien terminó su relación y firmó a Maurice Merrit, además de contratar a Don Robey como la persona que le conseguiría sus presentaciones por medio de la empresa "Buffalo Booking". En 1955 Cato Walker, un amigo de King, compró un autobús viejo por US$5 000,00. Invirtió otros US$3 000,00 reparándolo y acondicionándolo. El vehículo fue conocido como el "Gran Rojo" y sirvió como medio de transporte para su banda de 13 personas y 5 asistentes. Los servicios del bus terminaron en 1958 cuando, luego de un accidente en el que fallecieron el conductor del bus y el de un camión, se alzó en llamas cerca de Dallas. El accidente lo dejó lleno de deudas porque el seguro se venció el viernes, el accidente ocurrió un sábado y él pensaba renovar la póliza el lunes. Además, tuvo que endeudarse aún más con un nuevo carro de US$27 mil. Sin embargo "Titán", como se llamaba el nuevo bus, marcó la carrera del artista en ciernes. En él viajaban muchos de sus seguidores, entre ellos su futura esposa Sue Hall. El matrimonio duró 8 años y terminó igual que el anterior... con un gran éxito musical, de hecho el más importante de su carrera: "The Thrill is Gone" de 1966. La aparición del rock and roll hizo que muchos músicos negros como Little Richard, Fats Domino, James Brown y Chuck Berry se convirtieran en estrellas, ablandando de alguna manera las barreras raciales. Sin embargo, en el caso del blues por ser música meramente racial las cosas eran más difíciles. Por eso, ni su paso al sello grabador ABC ayudó para que fuera tomado en cuenta por la mayoría de la audiencia adolescente. ABC nunca entendió la música de B.B.King y no hizo mayor esfuerzo por colocarlo frente a la audiencia blanca. Por ahí de 1965 las barreras raciales en la música empezaron a desaparecer. En el festival de Folk de Newport, un evento meramente de blancos, aparecieron en escena dos formaciones negras. La connotación era importante porque la idea de folklore no se limitaba ya a lo blanco sino que integraba a los ritmos negros, aunque siempre se sentía la división por la raza, surgía una idea de integración cultural. En ese evento se presentaron los "Butterfield Blues Band", una formación de músicos blancos que llamó la atención del público y del sello grabador Elektra. Cuando se les preguntó de dónde habían sacado ese estilo de tocar la guitarra los integrantes respondieron que copiaban las formas de B.B.King. Eso llevó a los medios y a la gente a buscar el origen de esa música tan sensual. Justo en ese momento sale a la venta "The Thrill is Gone", eso le abrió la puerta de nuevos locales musicales que se dedicaban al jazz y al rock and roll. Además, llovían las ofertas de las universidades que estaban en medio de un proceso de apertura racial y de hoteles de lujo. Aunque tenía años en la escena musical, recién en 1969 tuvo su primera aparición en televisión cuando Johnny Carson lo invitó al "Tonight Show" y dos años después, en 1971, apareció en el programa de Ed Sullivan que era el termómetro para decir qué estaba de onda y qué no. Su nuevo manejador era su antiguo contador, Sidney A. Seidenberg. Él aprovechó el pico de popularidad de King y lo colocó en lugares antes impensables para el músico, además de renegociar todos sus contratos en términos más favorables. En 1973 terminó su relación con Seidenberg porque sintió que prefería a Gladys Night y los Pips a quienes también manejaba. Por un período de cuatro años King fue su propio administrador, pero no tardó en darse cuenta que no podía encargarse de todo y en 1977 volvió con Seidenberg quien a su vez había perdido el contrato con Gladys Night. La asociación dura hasta hoy. Tanto King como Seidenberg entendieron que el blues es distinto grabado a en vivo y eso implica que el atractivo de King son las presentaciones frente a audiencias numerosas. Es por eso, que durante los 70 y 80 se dedicó más a presentarse que a grabar, al punto que actuaba unas 300 ocasiones al año. En ese período actuó en la Unión Soviética, América Latina, Australia, Europa, África y Japón. A finales de los 80 los U2 le pidieron a King que grabara una canción con ellos para el disco "Rattle and Hum", "When Love Comes to Town" lo presentó a una audiencia más joven que se enteró que él existía y que su música era invaluable. Durante más de sesenta años ha recibido cerca de 20 Grammys, reconocido en el Salón de la Fama del Rock and Roll, ha recibido la Medalla Presidencial de las Artes de Estados Unidos y ha sindo Honrado por el Kennedy Center. A inicios de los 90 abrió su propio club en Memphis y en el 2000 abrió un bar en Nueva York. Aún cuando promedia los 80 años, B.B. King sigue siendo el punto de referencia para el blues y el arte de la improvisación en la guitarra. Muchos músicos negros han llevado al blues a lugares y formas nunca vistas, pero sólo B.B. King pudo arrancarle a las cuerdas de la guitarra sentimientos en forma de sonido que nunca antes habían sido escuchados. link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=4Ny5ajCn0xw Robert johnson Hazlehurst, estado de Mississipi, Estados Unidos el 8 de mayo de 1911 (aunque probablemente este año sea erróneo), su madre era Julie Ann Majors (Julie Dodds), hija de esclavos que tuvo a su hijo con un jornalero que pasó en esa cocasión por el poblado llamado Noah Jonhson tras separarse momentáneamente de su esposo Charles Dodds Jr., un carpintero que gozaba de properidad, tiempo después ella regresó con Charles (ahora apellidado Spencer) pero su relación no duró mucho.[4] Johnson creció con el apellido Spencer, sin saber que Charles no era su padre biológico, y la familia se estableción para 1918 en Robinsonville, años más tarde su madre le confiesa a Robert que es hijo de Noah Johnson, por lo que pasa a adoptar el apellido de su verdadero padre.[4] Desde pequeño Johnson mostró interés por la música, primero por el arpa y luego por la armónica. Fue enviado al colegio pero no demostró demasiado interés por el estudio, abandonándolo bajo la excusa de un problema en la vista en 1927.[4] [5] En febrero de 1929 contrajo matrimonio con Virginia Travis, de 16 años. Poco después ella quedó embarazada y finalmente murió en el parto junto con su criatura en abril de 1930. Johnson se casó por segunda vez con Esther Lockwood, madre de Robert Lockwood Jr., que más tarde se convertiría también en intérprete de blues, siguiendo las huellas de su padrastro. Después de varios años actuando por todo el sur de EE. UU., tuvo la oportunidad de dejar registradas sus 29 legendarias canciones. Son 42 grabaciones (13 de los temas fueron grabados 2 veces), registrados en dos sesiones de grabación: la primera en San Antonio (Texas), los días 23, 26 y 27 de noviembre de 1936; la segunda en Dallas (Texas), el 19 y el 20 de junio de 1937. Su muerte ocurrió en circunstancias extrañas. Se cuenta que fue envenenado con whisky por un marido celoso, dueño de un bar en el que Johnson actuaba. Algunos dicen que murió de neumonía, otros que de sífilis. Su certificado de defunción apunta que falleció el 16 de agosto de 1938, en Greenwood, estado de Misisipi y que no hubo autopsia. Sólo dos fotos se conservan de Robert Johnson. En una aparece sentado. Camisa blanca, tirantes. Largos dedos negros dibujan un acorde en la guitarra. Mira fijo a la cámara. En sus labios un cigarro. En la otra posa también con su guitarra, vestido de traje, con sombrero. Relajado, sonriente. Alguna vez se afirmó que aparecía en tres segundos de algún antiguo filme. Luego descubrieron que no era él. En la misma cinta se puede ver el cartel de una película rodada dos años después de su muerte. Cuenta una conocida leyenda que Robert Johnson vendió su alma al diablo en el cruce de la autopista 61 con la 49 en Clarksdale (Misisipi), a cambio de interpretar el blues mejor que nadie. link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=3MCHI23FTP8 es obvio q faltan muchos pero no puedo poner a todas

un post sobre un grande q se nos fue El gran Fontanarrosa “De mí se dirá posiblemente que soy un escritor cómico, a lo sumo. Y será cierto. No me interesa demasiado la definición que se haga de mí. No aspiro al Nobel de Literatura. Yo me doy por muy bien pagado cuando alguien se me acerca y me dice: me cagué de risa con tu libro”. Lo dijo Roberto Fontanarrosa. El Negro ha sido una luz en el camino de muchos escritores cómicos, sin duda su muerte ha dejado desamparados a muchos, por haberse tratado del Padre de tantos dibujos, que hoy lo extrañan. Inodoro y Mendieta En la Web de Fontanarrosa se pueden encontrar muchas de sus historietas y libros, además de una pequeña Biografía, que a continuación les transcribo: 1944: Era domingo y el parto había sido normal, salvo por un detalle el bebé resultó negro y canalla. El 26 de noviembre nace en Rosario (Argentina) Roberto Fontanarrosa -El Negro- humorista gráfico, escritor e hincha de Rosario Central. Ese mismo mes aparece la revista “Rico Tipo”, cuna de las osadas “Chicas de Divito” y exponente de una década en que la historieta y el humor gráfico argentino crecen y se consolidan. En mi niñez fue todo normal, todo común, sin catástrofe, sin privaciones terribles y sin acontecimientos sobresalientes. Mi niñez no da ciertamente para escribir una novela angustiante. Ni da tampoco para una historieta. Politica 1954: El pequeño Fontanarrosa se encuentra con su verdadero amor: la pelota, Va a la cancha por primera vez a ver un partido entre Rosario Central y Tigre. Si hubiera que ponerle la música de fondo a mi vida, sería la transmisión de los partidos de fútbol. 1957: Fin de la escuela primaria: “Andá al industrial porque en la industria está el futuro del país. Lo que se estudia ahí tiene una aplicación”, le recomienda el padre. “Que haga lo que le guste, pero por si acaso que estudie inglés” , acota la madre al verlo copiar insistentemente los dibujos de “Rayo Rojo” , “Puño Fuerte”, “El Tony” y “Misterix”. Por esa época inicia el curso de los “12 Famosos Artistas” que la Escuela Panamericana de Arte dictaba por correspondencia. Boogie 1961: Negado para las matemáticas, la física y la quimíca, Fontanarrosa deja el secundario después de repetir tercer año. No siento ninguna frustración por haber abandonado: al fin de cuentas soy un precursor de la deserción escolar. De esos días, el único recuerdo agradable que se conserva es el de los días miércoles al mediodía que salía del colegio para comprar en el kiosco “Hora Cero”. La revista, fundada por Héctor Germán Oesterheld, es considerada un hito de la historieta. 1962: Se viste- por primera vez- de traje para viajar a Buenos Aires, En busca de trabajo llega a editorial Columba, donde le prometen un guión, pero la propuesta nunca se concreta y Fontanarrosa se vuelve a Rosario. Futbol 1963: Empieza a trabajar en la agencia de publicidad de Roberto Reyna y le va bien , aún a su pesar. Trabajaba sin la menor convicción. Es que siempre me pareció imposible que una persona pueda comprar un vaso porque alguien se lo inculca en un aviso. 1968: El año del Mayo francés, del asesinato de Martin Luther King y de la dictadura de Juan Carlos Onganía, Fontanarrosa publica su primer chiste : un policía muestra su bastón manchado de rojo-sangre dice ” no hay ninguna duda, eran comunistas”. EL trabajo-que recuerda al “palito de abollar ideologías” de Mafalda. Dibujado más o menos para la misma época- aparece en la revista rosarina “Boom”. La publicación había convocado al dibujante para ilustrar las tapas serias en color ( cosa que para mí era totalmente nueva, porque ya había crecido con historietas blanco negro). A falta de alguien que hiciera la página de humor, la dejan también en sus manos. 1971: Año memorable para Rosario Central, que por primera vez, sale campeón. Gol inolvidable el que hace Aldo Poy de palomita, gracias al cual los leprosos de Newells quedan eliminados en la semifinal. En homenaje a esa histórica jornada, Fontanarrosa escribió el cuento “19 de septiembre de 1971″, incluído en Nada del otro mundo, la compilación que Ediciones de la Flor publicó en el 88. En pleno auge de la era James Bond, Fontanarrosa crea una parodia del agente secreto- 75 páginas dibujadas en tinta china- , de la que sólo se publican capítulos en la revista rosarina “Tinta”. Boogie, el aceitoso , es el descendiente directo de este personaje que reeditará la Universidad de Rosario. También en “Tinta” aparece otro trabajo, hecho con estilográfica : Tadea y sus hijos, una historieta “a la italiana” donde todo lo que ocurre es terrible. Pareja 1972: Surge en Córdoba la revista humorística ” Hortensia”, que llega a tirar más de cien mil ejemplares por números . Dirigida por Alberto Cognigni, colaboran en sus páginas Caloi, Brócoli, Lolo Amengual, Crist, Ian, y el propio Fontanarrosa, entre otros. Era una gran vidriera para muchos de nosotros. Aquí fue donde ya me dejé de complejos y me lance a la historieta , copiando sin asco a (Hugo) Pratt. “Hortensia” fue la madre de sus dos hijos Boogie el aceitoso e Inodoro Pereyra, el renegau A fines del 72 aparece también “Satiricón”, donde el humorista publica unas historietas basadas en cuentos de Borges, en películas o en best-sellers famosos. ¿Quién es Fontanarrosa? Preguntaba en su tapa el primer volumen de humor gráfico de este artista de 28 años publicado por Ediciones de la Flor. A partir de entonces, y con ese sello, aparecieron tomos humorísticos suyos sobre casi todos los temas : el fútbol, el sexo, el fútbol, la política, el sexo, la cultura, el fútbol…. 1973: La nueva contratapa del diario “Clarín” es un signo del fortalecimiento del género de la historieta y el humor 7gráfico argentinos, que ya no necesitan de modelos ni de nombres importados. Convocada por Caloi, se instala en el matutino toda una banda de humoristas autóctonos : Viuti, Tabaré, Altuna, Dobal, Ian, Rivero, Crist y - por supuesto- Fontanarrosa, que allí continúa. Desde entonces, muchos lectores empiezan a hojear el diario por la parte de atrás. 1974: Nace la revista “Mengano”, adonde emigran varios de los integrantes de “Satiricón”: Limura, Bróccoli, y Amengual, así como Viuti y Fontanarrosa que trabajan simultáneamente en las dos publicaciones. Para la mismo época el humorista colabora también en otros proyectos tales como “Chaupinela” y ” La Cebra a Lunares “- Medio a la fuerza, a “Mengano” se muda el renegau. Es mismo año, Inodoro hace rancho aparte : Ediciones de la Flor publica la primera compilación de sus aventuras, puntapié de una serie que ya ha superado la veintena de volúmenes. A Boogie le bastó una bazuca y una granada de trotyl para conseguir -en buenos términos- que la editorial lanzará también el título inicial de su colección, que ahora ya tiene doce tomos. 1976: Inodoro se instala junto a la Eulogia y el Mendieta en el diario “Clarín”. Luego de pasar por diferentes secciones se incorpora a “Viva”, rediseñada revista dominical del matutino. Para entonces el bar “El Cairo”, en Rosario, se había transformado ya en el sitio de encuentro de la “mesa de los galanes”, después inmortalizada en uno de los libros del humorista : una veintena de hombres se reúnen todas las tardes y lo fantástico es que no se habla de nada importante, es la insoportable levedad de la conversación. 1979: Boogie toma por asalto las páginas del quincenario “Humor Registrado”. No se producen víctimas ni daños materiales. En su larga y violenta vida, la historieta se publica también en el semanario “La Maga” y en publicaciones mexicanas y colombianas. He recibido muchas cartas en contra Boogie, pero las más preocupantes eran las que me llegaron a favor. Eran una cosa terrible, tipos felices porque por fin llegaba alguien que les pegara a los negros y a las mujeres. 1980: Fontanarrosa. Comienza a colaborar en la elaboración de los espectáculos de Les Luthiers. Los conocí personalmente cuando presentaron “Mastropiero que nunca “en Rosario y se quedaron en la ciudad una semana. En esa época querían formar una grupo de apoyo que les tirara ideas, el grupo no se formó pero yo empecé a trabajar con ellos. 1981: Editorial Pomaire publica Best Seller , novela inicial de Fontanarrosa. El mismo sello lanza, al año siguiente, El área 18, su secuela. 1982: El mundo ha vivido equivocado sostiene Fontanarrosa en el título del primer libro de cuentos, publicado por Ediciones de la Flor. A él le siguen No sé si he sido claro, Nada del otro mundo, Uno nunca sabe, El mayor de mis defectos y La mesa de los galanes, entre otras compilaciones de relatos. 1984: Aparece en el mercado “Fierro”, una revista que promueve la experimentación temática, narrativa y técnica de la historieta, un género que - para entonces- ya ha perdido su ingenuidad inicial. A sus páginas se incorpora, algunos años después, la serie Semblanzas deportivas creadas por Fontanarrosa así como las aventuras de Sperman, un donante de esperma. 1985: Ediciones de la Flor reedita Best Seller, un verdadero éxito de ventas- tal como su nombre obliga - y también El área 18. Aparece, además, una novela nuevecita , La Gansada. 1994: Año mundial. El humorista es contratado por “Clarín” para comentar los partidos jugados por la selección argentina en los Estados Unidos. Hay que decirlo : en realidad, son narrados por la Hermana Rosa, una mentalista que predice los resultados. En 1994, además, recibe el Premio Konex. 1995: Para cuando aparecen los cuentos La mesa de los galanes , los galanes ya se habían mudado de mesa. Dejaron El Cairo para instalarse en un nuevo bar, la Sede. 1998: Inodoro Pereyra el renegau, cumple 25 años y los festeja con usted en este volumen monumental. Hasta aquí es lo que se puede encontrar en dicha web, la complemento con lo encontrado en Wikipedia… En los años setenta y ochenta, se lo podía encontrar tomándose un café en sus ratos libres en el bar El Cairo (esquina de calles Santa Fe y Sarmiento), sentado a la metafórica “mesa de los galanes”, escenario de muchos de sus mejores cuentos. Desde los años noventa, la mesa se mudó al bar La Sede. Fue expositor en el III Congreso de la Lengua Española que se desarrolló en Rosario (Argentina), el 20 de noviembre de 2004. En el mismo dio la charla titulada “Sobre las malas palabras”. En 2003 se le diagnosticó esclerosis lateral amiotrófica, por lo que desde 2006 utilizó frecuentemente una silla de ruedas. El 26 de abril del 2006, el Senado le entrega la Mención de Honor Domingo Faustino Sarmiento, en reconocimiento a su vasta trayectoria y aportes a la cultura argentina. El 18 de enero de 2007 anunció que dejaría de dibujar sus historietas, debido a que había perdido el completo control de su mano derecha a causa de la enfermedad. Sin embargo aclaró que continuaría escribiendo guiones para sus personajes. Falleció el 19 de julio de 2007, a la edad de 62 años, víctima de un paro cardiorrespiratorio, una hora después de ingresar en un hospital con un cuadro de insuficiencia respiratoria aguda. link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=J_KpLnsq9A8 link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=ErGLhqYJOrk link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=Ug83qFUkP1Y kpoooooooooo seras siempre uno de los mejores El sitio oficial http://www.negrofontanarrosa.com/ NO DEJEN PUNTOS ESTO ES UN HOMENAJE DE CORAZON Y NO PRETENDO LUCRAR

Este es un post para todos los guitariistas q quieren tocar la ultima parte del duelo entre steve vai y karate kid en la pelicula "Crossroads " es de paganinni un gran violinista aca esta el video link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=0cgdcrHKXQ0 -----------------------------8--12-8--------------------------------- -------------------------10-----------10----------------------------- ----------------------9-------------------9-------------------------- ----------------7--10------------------------10--7------------------- --------------7------------------------------------------------------ --------5--8----------------------------------------10--8------------ --------------------------7------------------------------------------ -----------------------9-----9--------------------------------------- -----------------7--9-----------9--7--------------------------------- -----------6--9-----------------------9--6--------------------------- 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-7p4---0-----7p4---0-----7p4---0-----7p4---0------------------------- -----5-----------5-----------5-----------5--------------------------- --------------------------------------------------------------------- --------------------------------------------------------------------- --------------------------------------------------------------------- --------------------------------------------------------------------- Ovo ponoviti jos 2 puta (sve skupa 3) -7p4-----0----14p11------0----17p14-----0----12p9--------0----------- ------5-------------12--------------15--------------10--------------- --------------------------------------------------------------------- --------------------------------------------------------------------- --------------------------------------------------------------------- --------------------------------------------------------------------- Ovo se ponovi jos jednom (sve skupa 2) -19p16-------0----7p4-----0----17p14------0----5p2-----0------------- 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