sarteneta

Antes que nada quiero decir que me pareció interesante hacer este post, ya que nunca vi uno como esto y pienso que es divertido e interesante ver el crecimiento de esta serie que todos amamos. Espero que lo disfruten INTRODUCCIÓN: Han pasado ya 21 años desde la primera aparición de la familia amarilla en la pantalla chica. Después de tanto tiempo aún mantienen su vigencia. Si comparamos a aquellos cinco deformes personajes de los cortos que salían en The Tracey Ullman Show con los perfeccionados dibujos resultado de la asistencia computarizada, encontramos infinidad de diferencias. Pero más allá del avance en la calidad técnica de la serie e incluso de los temas que fueron tocando episodio a episodio, es notorio la evolución de cada personaje. Desde el principio, cada personaje de la serie representaba un estereotipo distinto de la sociedad occidental, en particular, de la norteamericana. Luego, empezaron a representar a más de uno. Veamos, entonces, cómo fue esa evolución personaje por personaje. Homero Simpson Al principio no era más que un padre gruñón que se preocupaba porque su familia fuera perfecta. Lo podemos ver en el episodio There’s No Disgrace Like Home en el que Homero, envidioso, ve ascender a los cielos al automóvil de un compañero de trabajo cuya familia es perfecta y en cambio el suyo se hunde en el infierno con él y su familia dentro.Homero fue en los cortos y en la primera temporada la contraparte de Bart. Era el que el que lo retaba y lo ahorcaba, si era necesario. La autoridad de la casa. Pero, luego, con el avance de la serie, Homero se empezó a poner cada vez más imbécil. Sus cualidades de jefe de familia empezaron a ceder ante su irresponsabilidad, malos modales, glotonería, alcholismo y escasa higiene. Así, llegó a convertirse en el norteamericano promedio. En diferentes episodios, Marge no parece su esposa, si no su madre. Y Maggie, su hija bebé, pasa inadvertida para él.A lo largo de las temporadas probó innumerables trabajos, una excusa para ponerlo como protagonista principal. Se robó el protagonismo de Bart y pasó a ser el símbolo de la serie.Homero representa a gordos, alcohólicos, ignorantes, estúpidos, irresponsables, machistas, ventajeros y perezosos. Marge Simpson Al comienzo, era una ama de casa común y corriente. Luego le fueron agregando cualidades. La obsesión por el cuidado de la casa y de los niños. Sobre todo de Maggie. Marge se convirtió en esposa fiel y en la madre de Homero, a quien regaña cada vez que hace una estupidez. Tolera absolutamente todas las locuras de su esposo y está dispuesta a limpiar sin chistar los desastres que este deja.Marge representa a las amas de casa, madres preocupadas por sus hijos, obsesivos de la limpieza, adictos al juego, esclavas de sus esposos y creyentes. Bart Simpson Tal vez el personaje principal que menos cambió. Desde el comienzo fue un niño rebelde. Una especie de “Daniel el travieso” moderno. Era el protagonista absoluto de la serie. Todo el merchandansing de Los Simpsons giraba en torno a él. Pero Homero lo desplazó. El personaje de Bart representa al niño problemático. Hiperactivo, maleducado y de bajo rendimiento escolar. Inteligente en comparación con Homero, pero un idiota al lado de Lisa.Bart representa a los niños que se portan mal, a los maleducados, a los de bajo rendimiento intelectual, y a los fanáticos de los videojuegos y de la violencia de la televisión. Lisa Simpson No era más que la hermana menor de Bart a la que él trataba descortesmente. Se vivían peleando por tonterías como por subir primero al automóvil. Pero a lo largo de las temporadas pareciera que Lisa hubiera crecido hasta llegar a la adultez intelectual. Inteligente y comprometida con sus ideales, Lisa parece ser la única Simpson capaz de salvar a la familia en ese futuro que nunca llega porque los personajes no envejecen.En las últimas temporadas y en la película, se muestra más como una adolescente que como una niña. En muchas ocasiones, es ella la encargada de decir lo que piensan los guionistas de Los Simpson, de ideas claramente liberales. Sin embargo, cuando el episodio lo requiere, vuelve a convertirse en una niña. Lisa representa a liberales, ecologistas, feministas, niñas y vegetarianos, entre otros. Maggie Simpson No hay mucho para decir. Maggie no suele tener demasiado protagonismo. Sin embargo, es la más osada del clan y sus intervenciones en la serie suelen ser determinantes. Como cuando le disparó al Sr. Burns Y como yapa: Los Cortos de Los Simpsons! Contiene todos los cortos: 1-Buenas Noches 2-Mirando Television 3-Bart Salta 4-Maggie Cuida a los Niños 5-El Pacifista 6-Competencia de Eruptos 7-Comiendo la Cena 8-Fabricacion de caras 9-El funeral 10-El Cerebro de Maggie 11-Futbol Americano 12-Casa de Cartas 13-Bart y Papa Comiendo la Cena 14-Patrulla espacial 15-Bart y su Corte de Cabello 16-III Guerra Mundial 17-El Crimen Perfecto 18-Historias de Terror 19-El Abuelo y los Niños 20-Fui de Pesca 21-Patinar 22-Los Paganos 23-El Armario 24-El Acuario 25-Retrato Familiar 26-El Paciente Bart 27-El Tarro del Dinero 28-El Museo de Arte 29-Historia del Zoo 30-Cerrar Arriba a los Simpson 31-El Juego del Azar 32-El Show de Bart Simpson 33-La Bolsa de Arena 34-Navidad Simpson 35-El Show de Krusty el Payaso 36-Bart el Heroe 37-La Pequeña Fantasia de Bart 38-Pelicula de terror 39-Casa de la Hipnotizacion 40-El Robar en Tiendas 41-Barranca del Eco 42-Hora del Baño 43-Pesadilla de Bart 44-Bart en la Jungla 45-Terapia Familiar 46-Maggie en Peligro Parte 1 47-Maggie en Peligro Parte 2 48-T.V. Simpson http://download.hyperfileshare.com/download.php?code=62550ebd

Registrate y eliminá la publicidad! PlayStation (abreviado PS, PSOne e, informalmente, PSX) fue la primera videoconsola de sobremesa desarrollada por Sony, lanzada en el año 1994. La PlayStation se considera la videoconsola más exitosa de la quinta generación tanto en ventas y popularidad. Tuvo gran éxito en emplear el CD-ROM, a diferencia de otras compañías que ya lo habían empleado, tales como: SEGA (Sega CD), Panasonic (3DO), Phillips (CD-i) y SNK (Neo Geo CD). Se estima que en todo el mundo Sony logró vender 102,5 millones de Playstations. Historia La consola PlayStation nació después de la ruptura del acuerdo de Sony con Nintendo. El acuerdo consistía en que Sony desarrollaría el CD-ROM para la nueva SNES PlayStation (Snes CD Rom) de Nintendo, con el cual se pretendía dotar de mayores capacidades multimedia a la nueva consola de Nintendo, de la misma forma que Sony colaboró anteriormente en el desarrollo de SNES, fabricando su chip de sonido, que permitía 8 canales simultáneos con calidad PCM, quedando muy por encima de la competencia. Sin embargo, Nintendo también encargó ese proyecto a Philips, lo que provocó que, al descubrir Sony el juego a dos bandas de Nintendo, empezara a fabricar juegos para la competencia (como Hook para Sega Mega-CD). Ésto y el poco éxito de las consolas que en aquel momento incorporaron el CD, provocó que Nintendo cancelara el proyecto. A Sony no le pareció acertada la determinación de Nintendo y, gracias a la experiencia adquirida, lanzó por su cuenta su propia consola, la Playstation. La PlayStation fue lanzada a la venta el 3 de diciembre de 1994 en Japón, el 26 de septiembre de 1995 en los EE. UU., en Europa el 29 de Septiembre de 1995, y en Oceanía en Noviembre de 1995. Descripción del equipo * Forma: Tiene la forma de un prisma rectangular de color gris y se destaca por su diseño compacto y ligero. Al lanzamiento de la PSOne, la PlayStation se redujo aún más su tamaño y peso, los bordes extremos fueron curveados más y el color fue un gris más claro a comparación del original. * Parte superior: En la parte superior se encuentra el lector CD, se ubican los botones de encendido y apagado y el reset, por último esta el botón para abrir la tapa del lector de CD. En la versión PSOne, el botón reset desaparece tal como se conocía en la original PlayStation y este botón es reubicado en la parte de encendido. * Parte frontal: En la parte frontal de la consola, se ubican dos ranuras para conectar los mandos y en la parte superior se ubican dos ranuras para insertar las tarjetas de memoria (Memory Cards en inglés). En la quinta generación de videojuegos, aparecieron muchos juegos largos y ya era un requisito tener las tarjetas de memoria para guardar los avances de los juegos o alguna personalización de un juego. * Parte trasera: En ese lugar se halla un puerto paralelo (que Sony eliminó en las últimas versiones de la consola, supuestamente para combatir la piratería de sus juegos, pues existen accesorios que, una vez conectados al mismo, permiten eludir las protecciones del sistema y ejecutar juegos no originales), un puerto serie, la entrada de alimentación y la salida de A/V. Al quitarla creyeron que podían combatir la piratería, lo cual no funcionó y por otros sistemas se logró (por el implante de chips o conexión de cables internos, eso si el chip era compatible con todos los juegos piratas) * Partes laterales: La consola está provista de unas pequeñas rejillas de ventilación, que permite la disipación del calor. Se recomendaba dejar las partes laterales libres de cualquier objeto que obstruyera la ventilación para así evitar los sobrecalentamientos. * Parte inferior: En la parte inferior hay unas rejillas de ventilación, también se ubican los tornillos que sujetan la carcasa y por último están las etiquetas de información de la consola. Especifícaciones técnicas * CPU: R3000A, de 32 bits RISC con una frecuencia de reloj a 33,8688 MHz. Fue desarrollada por LSI Logic Corp con tecnología licenciada de SGI y contiene, en el mismo chip, el Geometry Transfer Engine y el Data Decompression Engine + o Capacidad de cálculo de 30 MIPS o Ancho de banda del bus de 132 MB/s o Caché de instrucciones de 4 kB o Caché de datos de 1 kB o Geometry Transfer Engine (GTE): ubicado dentro del chip de la CPU, es el encargado de la renderización de los gráficos 3D + Capacidad de cálculo: 66 MIPS + Capacidad de procesamiento gráfico: # 1,5 millones de polígonos por segundo (flat-shaded) # 360,000 polígonos de textura mapeada y fuentes de luz/s o Motor de compresión de datos: también ubicado dentro del chip de la CPU, es el responsable de la descompresión de la información de los juegos + Compatible con archivos MPEG-1 y H.261 + Capacidad de cálculo: 80 MIPS + Directamente conectado al bus de la CPU * GPU: separada de la CPU, se encarga de procesar toda la información de gráficos en 2D o Paleta de colores: 16,7 millones de colores o Resoluciones: desde 256 x 224 hasta 640 x 480 o Frame Buffer ajustable o Tablas de búsqueda de colores ilimitadas o Capacidad de procesamiento gráfico: 4.000 sprites de 8 x 8 píxeles, con scaling y rotación individual o Puede manejar entornos simultáneos o Puede hacer matización o matización gouraud, y mapeo de texturas * Unidad de procesamiento de sonido (SPU): este chip es el encargado de procesar el sonido o Puede manejar fuentes ADPCM con 24 canales y hasta 44,1 kHz o Puede procesar efectos digitales como: + Modulación Pitch + Cubierta + Enlace + Reverberación digital o Puede procesar hasta 512 KB de muestras waveforms o Soporta instrumentos MIDI * Memoria: o RAM central: 2 MB o RAM de vídeo: 1 MB o RAM de sonido: 512 kB o Buffer para CD-ROM: 32 kB o ROM del BIOS: 512 kB o Tipo y capacidad de las tarjetas de memoria estándar: EEPROM de 128 kB * Unidad de lectura de CD-ROM: o Velocidad de lectura de 2x (300 kB/s como máximo en transferencia de datos) o Compatible con el formato CD-XA Especifícaciones físicas * Dimensiones: 270 mm (anchura) x 60 mm (altura) x 188 mm (fondo) * Peso: 1,2 kg * Entrada/Salida: o Una unidad lectora de discos CD-ROM o Dos puertos para mandos de control o Un puerto paralelo, ubicado en la parte trasera (no en los últimos modelos de la consola) o Un puerto serie, ubicado en la parte trasera de la consola o Dos ranuras destinadas a las tarjetas de memoria o Una salida analógica de uso múltiple A/V o Una entrada de alimentación CA, de 220-240 V * Consumo: 10 W Accesorios y Periférico * Mando analógico: En un principio la PlayStation no contaba con un mando analógico ya que existían muy pocos juegos en 3D. Posteriormente, tras la aparición en el mercado de Nintendo 64, y su mando con joystick central, Sony desarrolló un mando analógico para los juegos en 3D. Se fabricó de un mayor tamaño que el original, fue equipado con dos pads analógicos uno para el movimiento y el otro para observar el entorno del juego, además de la función de vibración en su siguiente versión conocido como DualShock. Versiones Versiones que existieron en la PlayStation: * PlayStation original: de color gris, comprendía, en un aparato de tamaño relativamente amplio y diseño rectangular, puertos para 2 mandos de control, 2 tarjetas de memoria, un puerto serie, un puerto paralelo, salida A/V analógica y minijack para modulador de radio frecuencia. También conocida como PSX, debido al nombre del prototipo realizado para Nintendo, llamado PlayStation X. (No confundir con el sistema multimedia PSX que más tarde publicaría Sony en Japón[2] ) * PlayStation Video CD: en 1997, Sony lanzó el modelo SCPH-5903 de la consola, que incluía capacidad para reproducir discos en formato VideoCD 2.0 (VCD). Este modelo solamente fue distribuido brevemente en Asia. * PlayStation Net Yaroze (DLT-H300x): más cara que la original y de color negro en vez del usual gris, venía con herramientas e instrucciones que permitían al usuario programar juegos y aplicaciones para PlayStation sin necesidad de un kit de desarrollo completo, el cual puede llegar a costar varias veces el precio de la propia consola, además de necesitar permiso de Sony. * PSOne: La PlayStation, al ser un gran éxito la consola, Sony decide darle más tiempo de vida a su producto PlayStation y lanza a la venta una versión más económica y reduciendo el tamaño del equipo, es algo similar que hizo Nintendo con LA NES y SNES lanzando versiones económicas y reduciendo el tamaño de la consola. Fue lanzada a la venta en el año 2000 (junto a su sucesora, la PlayStation 2). La PSOne presenta menores dimensiones y peso, posee los mismos botones (excepto el botón Reset), puertos para tarjetas de memoria y botones de acción en los mandos de control, pero ya no cuenta con el puerto serie ni paralelo de la original. Además, la fuente de alimentación pasa a ser externa, para reducir aún más el tamaño de la consola. Sistemas de arcade basados en la arquitectura del sistema * Capcom Sony ZN-1 * Taito FX-1 * Konami SYSTEM 573 * Konami BEMANI Systems Ranking de consolas más vendidas Puesto Consola Unidades Vendidas 1 PlayStation 2 140 millones 2 Game Boy 118,69 millones 3 PlayStation 102,49 millones 4 Game Boy Advance 81,24 millones 5 Nintendo DS 77,54 millones 6 NES 61,9 millones 7 Super Nintendo 49,1 millones 8 Atari 2600 40 millones 9 PSP 37 millones 10 Nintendo 64 32,93 millones 11 Wii 29,62 millones 12 MegaDrive 29 millones 13 Xbox 24 millones 14 GameCube 21,74 millones 15 Xbox 360 19 millones 16 PlayStation 3 14,41 millones 17 Master System 13 millones 18 GameGear 11 millones 19 DreamCast 10,6 millones 20 TurboGrafx 10 millones 21 Saturn 10 millones 22 Intellivision 6 millones 23 Colecovision 6 millones 24 Magnavox Odyssey² 1 millón 25 Atari Jaguar 150.000 PlayStation one PlayStation Espero que les haya gustado y servido saludos! <a href='http://b.t.net.ar/www/delivery/ck.php?n=a2afc290&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE' target='_blank'><img src='http://b.t.net.ar/www/delivery/avw.php?zoneid=58&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE&amp;n=a2afc290' border='0' alt='' /></a>

Martín Palermo Nombre completo:Martín Palermo Apodo: El Loco, Titán, El optimista del gol Fecha de nacimiento: 7 de noviembre de 1973 (34 años) Lugar de nacimiento: La Plata Pcia. Bs.As., Argentina Nacionalidad: argentino italiano Club actual: Boca Juniors Posición: Delantero Altura: 1,87 metros Partidos internacionales: 68 (con Boca Juniors) Goles: 244 (hasta 28/03/2008) Año del debut: 1992 Club del debut: Estudiantes de La Plata Martín Palermo (La Plata, Buenos Aires, Argentina, 7 de noviembre de 1973), futbolista argentino. Juega de centrodelantero y su actual club es Boca Juniors de la Primera División argentina. Es el cuarto máximo goleador histórico del club con 182 goles y segundo del profesionalismo. Inicios en Estudiantes Palermo debutó en Primera División a los 19 años, el 5 de julio de 1992 en el empate sin goles entre San Lorenzo y Estudiantes. Sin embargo, le costó mucho asentarse en el primer equipo; muestra de ello es que recién pudo convertir el primer tanto de su carrera el 22 de mayo de 1993 a los 20 minutos del encuentro que finalizó en victoria (3-0) del club platense frente a San Martín de Tucumán. El equipo tucumano volvería a cruzarse en su camino poco tiempo después. Con Estudiantes recién ascendido, en 1995, Palermo no figuraba en los planes del director técnico Miguel Ángel Russo y aceptó irse cedido a préstamo a San Martín de Tucumán para jugar en el Nacional B. Pero una diferencia económica entre los clubes frustró el pase y Palermo se quedó en Estudiantes. Tras el conflicto, el cuerpo técnico presentó su renuncia y asumió el Profe Daniel Córdoba. Palermo tuvo su oportunidad y no la desaprovechó. En menos de un año se convirtió en figura y goleador del equipo, con actuaciones destacadas y goles frente a los grandes del fútbol argentino. En su paso por Estudiantes, Palermo disputó 90 partidos de Primera División, marcando 34 goles. Primer paso por Boca Juniors A mediados de 1997 Boca Juniors se interesó por su pase. Fue así que llegó al Club de la Ribera junto con los hermanos Barros Schelotto. Los tres habían sido pedidos insistentemente por Diego Armando Maradona, que jugaba sus últimos partidos antes de retirarse del fútbol profesional en octubre de ese año. Palermo se hizo prontamente con un puesto en el equipo titular aunque sus primeras actuaciones no fueron convincentes. Pero con el correr del Torneo Apertura de 1997 hizo valer su potencia goleadora y contribuyó al subcampeonato logrado por Boca. En 1998, con la llegada de Carlos Bianchi a la dirección técnica del Xeneize, formó una efectiva dupla con Guillermo Barros Schelotto que contribuyó decisivamente a la obtención del Torneo Apertura. En ese campeonato Palermo se consagró goleador con 20 goles, récord en torneos cortos. En 1999 Boca repitió el título en el Clausura. En medio de la disputa del Torneo Apertura de ese mismo año Boca visitó a Colón de Santa Fe y Palermo sufrió la rotura de ligamentos cruzados de la rodilla derecha. Su gol en aquel partido, que marcó ya lesionado, fue su tanto número 100 en Primera División. La recuperación demandó más de seis meses y su vuelta se produjo en un importante encuentro por la vuelta de los cuartos de final de la Copa Libertadores de América del año 2000. El rival de Boca era River Plate y Palermo, que aún no había recuperado su mejor forma física, marcó el definitivo 3-0 sobre el final del encuentro, disputado en la Bombonera. Si bien su participación en la Copa Libertadores que Boca logró en 2000 fue escasa, su concurso fue decisivo para la obtención de la Copa Intercontinental de ese mismo año. Ese día Palermo marcó dos goles en los primeros minutos del encuentro que Boca le ganó a Real Madrid 2-1, lo que le valió el premio al mejor jugador de la final. A la vuelta de Japón, Palermo contribuyó con otro gol a la consagración de Boca como ganador del Torneo Apertura. La experiencia en Europa Al finalizar el año 2000 Martín Palermo fue transferido al Villarreal español. En el Submarino Amarillo alternó buenas con malas actuaciones. Si bien siguió marcando con regularidad no logró brillar y volvió a sufrir una grave lesión tras caerle un pequeño muro en la pierna cuando estaba celebrando un gol con los aficionados, que le demandó otra larga recuperación. Finalmente, al no estar en los planes del entrenador Benito Floro, fue transferido a Betis en agosto de 2003.[2] En el club sevillano jugó muy poco y marcó solamente un gol. A fin de año firmó a préstamo con el Alavés. Allí logró una mayor continuidad y peleó hasta el final del campeonato por un ascenso que no llegó. El regreso a Boca A mediados de 2004 Palermo regresó a la Argentina para jugar en Boca Juniors. Pese a una expulsión en su primer partido (frente a Lanús) volvió a contar con un puesto como titular y a hacerse presente en las redes rivales. El equipo fracasó en el Apertura pero obtuvo la Copa Sudamericana. El primer semestre de 2005 no fue positivo para el equipo ni para Palermo, que vio peligrar su puesto durante la conducción de Jorge Chino Benítez, pero con la llegada de Alfio Basile, el Loco volvió a ser inamovible y Boca se quedó con todas las competencias que disputó en la temporada 2005-2006. Pese a haber superado los 30 años y dar ventajas en lo físico, Palermo siguió marcando goles y se convirtió en uno de los principales goleadores de la historia del club. Selección nacional Palermo ha sido internacional con la Selección Argentina durante la Copa América 1999. A pesar de marcar 3 goles en 7 partidos, quedó marcado por el récord guiness negativo de malograr tres penales en un mismo encuentro ante Colombia. No volvió a jugar en el equipo nacional luego de esa competición. Ver video en You Tube Trayectoria profesional La siguiente tabla incluye sólo partidos por torneos locales. Temporada Equipo PartidosGoles 2007/08 Boca Juniors 24 17 2006/07 Boca Juniors 32 22 2005/06 Boca Juniors 35 18 /2004 Deportivo Alavés 14 3 2003/ Real Betis 11 2 2002/03 Villarreal CF 34 7 2001/02 Villarreal CF 19 5 /2001 Villarreal CF 17 6 2000/ Boca Juniors 18 11 1999/2000 Boca Juniors 17 18 1998/99 Boca Juniors 35 32 1997/98 Boca Juniors 32 20 1996/97 Estudiantes de La Plata 36 15 1995/96 Estudiantes de La Plata 27 17 1994/95 Estudiantes de La Plata 2 0 1993/94 Estudiantes de La Plata 17 1 1992/93 Estudiantes de La Plata 9 1 1991/92 Estudiantes de La Plata 1 0 TOTAL 381 195 Total de partidos y goles EQUIPO AÑOS PARTIDOS GOLES PROMEDIO Estudiantes de La Plata 1992-1997 90 34 0,38 Boca Juniors 1997-2000; 2004-presente 282 182 0,64 Villarreal Club de Fútbol 2000-2003 81 21 0,26 Real Betis Balompié 2003-2003 13 1 0,08 Deportivo Alavés 2004-2004 14 3 0,21 Selección Argentina de Fútbol 1999 4 3 0,75 TOTAL HASTA Viernes 27 de marzo de 2008 484 244 0,50 Campeonatos nacionales Título Club País Año Nacional B E.D.L.Plata Argentina 1994-95 Torneo Apertura Boca Juniors Argentina 1998 Torneo Clausura Boca Juniors Argentina 1999 Torneo Apertura Boca Juniors Argentina 2000 Torneo Apertura Boca Juniors Argentina 2005 Torneo Clausura Boca Juniors Argentina 2006 Copas internacionales Título Equipo País Año Copa Libertadores Boca Juniors Argentina 2000 Copa Intercontinental Boca Juniors Argentina 2000 Copa Sudamericana Boca Juniors Argentina 2004 Recopa Sudamericana Boca Juniors Argentina 2005 Copa Sudamericana Boca Juniors Argentina 2005 Recopa Sudamericana Boca Juniors Argentina 2006 Copa Libertadores Boca Juniors Argentina 2007 Incluyendo la Selección Distinciones individuales Goleador Torneo Apertura 1998 - 20 goles en 19 partidos[9] 1998 "Rey del futbol de América" - Diario El País (Uruguay) 1998 Mejor jugador de la Copa Intercontinental 2000 Goleador Torneo Clausura 2007 - 11 goles en 16 partidos 2007 La situación de los goles convertidos en Boca El 2 de marzo de 2008 en el encuentro disputado contra Gimnasia y Esgrima de La Plata, Palermo convertió su gol número 180 (en torneos oficiales de AFA y Conmebol) con Boca Juniors, restándole sólo 14 goles para alcanzar el record de máximo goleador de Boca en el profesionalismo que ostenta Francisco Varallo (194). Algunos sectores de la prensa, partidistas y del espectáculo informaron erróneamente que Palermo había alcanzado el récord de Varallo,[10] computando exclusivamente los goles convertidos por éste último en campeonatos nacionales, y excluyendo por lo tanto los 14 goles que Varallo convirtió en otras copas oficiales para la AFA, como la Copa de Competencia de 1932 y 1933, la Copa de Honor Adrián Beccar Varela de 1932 y 1933 y la Copa Adrián C. Escobar de 1939. Esos torneos fueron luego discontinuados, al igual que la Supercopa o la Copa Mercosur, pero se trata de torneos oficiales según los reglamentos de la Asociación del Fútbol Argentino[11] y por eso se computan los goles convertidos en ellos por Varallo y Palermo. Palermo es, además, el cuarto goleador en toda la historia del club, precedido por Domingo Tarasconi (193 goles), Francisco Varallo (194 goles) y Roberto Cherro (221 goles). Otros datos de interés * Es el máximo goleador en actividad de la Primera división del fútbol argentino con 182 goles en 305 partidos por campeonatos oficiales de la AFA. * Por la novena fecha del Torneo Clausura 99 vs Platense, convirtió un penal pateando con ambas piernas. Dado el terreno embarrado de aquel día, Palermo resbaló un instante después de impactar el balón con el pie izquierdo, lo que hizo que lo impactara también con el pie derecho. * El 3 de mayo de 2007 se convirtió en el máximo goleador de Boca Juniors en torneos internacionales, al superar a Guillermo Barros Schelotto que tenía 25 goles. * El 24 de febrero de 2007, vs Independiente Palermo convirtió un gol desde 61 metros en el estadio de Racing Club (donde Independiente hacía de local), poniendo el resultado final 3-1 a favor de Boca Juniors. El arquero de Independiente era Oscar Ustari. * Palermo sufrió, y se repuso, de dos graves lesiones. El 13 de Noviembre de 1999 vs Colón de Santa Fé se lesionó los ligamentos cruzados de la rodilla derecha momentos antes de convertir su gol número 100 en el fútbol argentino. Estuvo 7 meses inactivo volviendo a jugar contra River Plate, en el partido de vuelta por los cuartos de final de la Copa Libertadores 2000, el 24 de Mayo de 2000 en La Bombonera. En dicho encuentro marcó el tercer gol de su equipo en tiempo de descuento que sirvió para que Boca Juniors elimine a su clásico rival y clasifique a semifinales de la Copa. * Jugando en el Villareal de España, en un partido en el que enfrentaba al Levante F.C. por la Copa del Rey 2001 volvió a sufrir una lesión importante que lo dejaría nuevamente inactivo por un tiempo prolongado. Luego de haber marcado un gol, se acercó a las gradas a saludar al grupo de hinchas que se amontonó contra esta, provocando el desmoronamiento del muro de cemento sobre su pierna derecha, resultando en una fractura expuesta de Tibia y Perone. * El 18 de marzo de 2007 vs Gimnasia y Esgrima de La Plata, Martín Palermo convirtió por primera vez en su carrera 4 goles en un mismo partido. El partido se disputó en la Bombonera terminando 5:1 a favor del local. * El 16 de septiembre de 2007 vs Bánfield, Martín Palermo volvió a convertir 4 goles en un partido. Marcó tres tantos en el primer tiempo y el restante al comenzar la segunda mitad. El partido finalizó 6:0 en favor de Boca Juniors. Con estas cuatro conquistas, Palermo alcanzó la cifra de 100 partidos en Boca Juniors convirtiendo goles en torneos organizados por AFA. * Gimnasia y Esgrima de La Plata es el equipo al que Martín Palermo le convirtió más goles en su carrera: 13, marcados con las camiseta de Boca Juniors y Estudiantes de La Plata. * Martín Palermo es el goleador histórico de La Bombonera (1940-2007)[12] * Martín Palermo posee el récord de goles en torneos cortos AFA, con 20 goles en 19 partidos, logrado en el Torneo Apertura '98. * El 27 de enero de 2008 vs River Plate, por el Torneo de Verano 2008, en el Estadio Ciudad de Mar del Plata, Palermo hizo un gol colgado del travesaño, lo cual va contra el reglamento. El árbitro fue Héctor Baldassi. * El 17 de febrero de 2008 vs Argentinos Juniors, Palermo recibe una plaqueta como reconocimiento por haber sido el máximo goleador de todas las ligas de América en el año 2007. * Palermo se convirtió en el 15º futbolista en convertir por lo menos 150 goles en primera division jugando para un mismo club. link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=hfSHJStlU8o

es apenas larguito pero vale la pena enserio. Se toma a Movistar pero bien podría tratarse de cualquiera de las otras compañias telefónicas, de cable y hasta los bancos.. Llamada de Movistar: - ¿Hola? - Buenos días, ¿usted es el titular de la línea? - Sí, soy yo mismo - ¿Me puede decir su nombre por favor? - José Luis - Señor José Luis, le llamo de Movistar para ofrecerle una promoción consistente en la instalación de una línea adicional en su casa, en donde usted tendrá derecho a... - Disculpe la interrupción Señorita, pero, exactamente ¿quien es usted? - Mi nombre es Silvina Maciel, de Movistar y estamos llamando... - Silvina, discúlpeme, pero para nuestra seguridad me gustaría comprobar algunos datos antes de continuar la conversación, ¿le importa? - No tengo problemas señor - ¿Desde que teléfono me llama? En la pantallita del mío solo pone "NUMERO PRIVADO" - El interno mío es el 1004- ¿Para qué departamento de Movistar trabaja? - Telemarketing Activo - ¿Me podría dar el número de trabajadora de Movistar? - Señor, disculpe, pero creo que toda esa información no es necesaria... - Entonces lamentablemente tendré que colgar, porque no tengo la seguridad de hablar con una trabajadora de Movistar - Pero yo le puedo garantizar... - Vea Silvina, cada vez que yo llamo a Movistar, antes de poder comenzar cualquier trámite, estoy obligado a dar mis datos a toda una legión de empleados...! - Está bien Señor, mi numero es el 34591212- Un momento mientras lo verifico, no se retire Silvina... (Dos minutos) - Un momento por favor, toda la gente en casa se encuentra ocupada.... (Cinco minutos) - ¿Señor? - Un momento por favor, toda la gente en casa se encuentra ocupada.... - Pero... Hola Señor...! - Sí Silvina, gracias por la espera, nuestros sistemas están un poco lentos hoy... ¿Cuál era el asunto de su llamada? - Lo llamo de Movistar, estamos llamando para ofrecerle nuestra promoción "Línea Adicional", en la que usted tiene derecho al uso de otra línea a muy bajo costo. ¿Usted estaría interesado José Luis? - Silvina, le voy a comunicar con mi mujer, que es la encargada de la sección de adquisición de productos técnicos de la casa; por favor, no se retire. (Coloco el auricular del teléfono delante de un grabador y pongo el CD de Caribe Mix 2004 con el Repeat activado) Después de 2 MINUTOS!!!, mi mujer atiende el teléfono - Disculpe por la espera, me puede decir su teléfono pues en la pantallita del mío solo aparece "NUMERO PRIVADO".- 1004 - Gracias, ¿Con quien estoy hablando? - Con Silvina - ¿Silvina que? - Silvina Maciel (ya demostrando cierta irritación en la voz) - ¿Cual es su número de trabajadora de Movistar? - 34591212 (mas irritada todavía) - Gracias por la información Silvina, ¿en que puedo ayudarla? - La llamo de Movistar, estamos llamando para ofrecerle nuestra promoción "Línea Adicional", en la que usted tiene derecho a otra línea.¿Estaría interesada? - Voy a ingresar su solicitud en nuestro programa de Nuevas Adquisiciones y dentro de algunos días nos contactamos con usted. ¿Puede anotar el numero de ingreso al programa por favor?... ¿hola?, ¿hola? - TU...TU...TU...TU... La Venganza es dulce!!!

Bueno gente como no me habían entrado en el post anterior bandas increibles hago este segundo post y no se procupen si faltan voy a hacer mas post. The Beatles: The Beatles fue un grupo musical inglés de pop rock de la década de los 60 que se formó en la ciudad de Liverpool, Inglaterra en 1957 y se disolvió en abril de 1970, que lideró la "Invasión británica" en los Estados Unidos. El grupo estaba compuesto por: * John Winston Lennon, (John Lennon) (Liverpool, 9 de octubre de 1940 - † Nueva York, 8 de diciembre de 1980). * James Paul McCartney, (Paul McCartney) (Liverpool, 18 de junio de 1942). * George Harold Harrison, (George Harrison) (Liverpool, 25 de febrero de 1943 - † Los Ángeles, 29 de noviembre de 2001). * Richard Starkey, (Ringo Starr) (Liverpool, 7 de julio de 1940). Es una de las bandas más exitosas y críticamente aclamadas de lahistoria de la música. En el Reino Unido lanzaron más de 40 diferentes singles, álbumes y EPs que alcanzaron el número uno, éxito comercial que se repitió en muchos otros países. Se estima que han vendido más de mil millones de discos alrededor del mundo, según su casa de discos EMI, además de ser los artistas que más discos han vendido en la historia de los Estados Unidos, de acuerdo con la Recording Industry Association of America.Se caracterizaban en un principio por su rock and roll con raíces en los 50s, pero que con el transcurso de su carrera fueron experimentando con muchos otros géneros desde el Tin Pan Alley hasta el rock psicodélico. Su forma de vestirse, su estilo y sus declaraciones, tuvieron una imensa influencia en la sociedad, revolucionando la cultura de la decada de los 60s. En 1988, fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll durante su primer año de elegibilidad. Para el 2004, la revista Rolling Stone los colocó en el #1 dentro de su lista de 100 Greatest Artists of All Time. De acuerdo con la misma publicación, ellos innovaron la música y su impacto cultural ayudó a definir los 1960s y su influencia en la cultura pop aún es evidente en la actualidad. Unos años más tarde también fueron colocados en el puesto #1 entre Los Mejores Artistas de todos los tiempos por el website de música Acclaimedmusic.com. Inicios El primer antecedente propiamente dicho del grupo se remonta a 1957 con The Quarry Men, grupo de skiffle creado por John Lennon. Lennon había formado otros grupos con anterioridad, pero fue esta banda la primera que comenzó a tener cierto éxito, llegando incluso a tocar en pequeños eventos. Es en uno de ellos, realizado en el patio de una iglesia donde un amigo le presentaría a Paul McCartney. De inmediato se creó una amistad y admiración mutuas, lo que llevaría a Lennon a invitarle a ingresar en el grupo. Hacia 1958 John decide alejarse del skiffle para hacer una incursión en el Rock and Roll. Esto provoca la salida de uno de los integrantes de la banda y le da a Paul la oportunidad de recomendar a un amigo suyo de la escuela para tomar el puesto como guitarrista. De esta manera, y después de una "audición" realizada por John, ingresaría al grupo George Harrison[7] . Es de este año de donde proviene su grabación más antigua, ya que el grupo, en ese entonces formado por Duff Lowe en el piano, Colin Hanton en la batería, además del trío Lennon/McCartney/Harrison, grabarían un demo casero con las canciones That'll Be the Day (original de Buddy Holly) y In Spite of All the Danger, tema original firmado como McCartney/Harrison[8] . El grupo de Liverpool comenzó a forjar sus destrezas y a acumular experiencia escénica en la ciudad de Hamburgo, Alemania, a donde llegaron en agosto de 1960 gracias al dueño del club Jacaranda. Con la promesa de tocar regularmente en el club Kaiserkeller, dirigido por Bruno Koschmider. The Quarry Men pasaron por una progresión de nombres - "Johnny and the Moondogs", "Long John and the Silver Beetles", "The Silver Beetles" ("los escarabajos de plata", derivado de la sugerencia de Larry Parnes de "Long John and the Silver Beetles&quot - antes de ser “The Beatles”. Hay muchas teorías en cuanto a el origen del nombre y de su deletreo inusual. Se acredita generalmente a Lennon, que dijo que el nombre era un juego de palabras de la combinación de los insectos “escarabajos” ("beetles" en el idioma inglés), como referencia a la banda de Buddy Holly, The Crickets ("los grillos" en idioma español) y la palabra “beat” que significa ritmo. Cynthia Lennon sugiere que Lennon salió con el nombre "The Beatles" en “una excelente sesión de tormenta de ideas de reflexión en una mesa llena de cervezas" en la barra de Renshaw hall un bar local. Lennon, que era bien sabido que daba versiones múltiples de la misma historia, bromeó en un artículo en 1961 de la revista Mersey beat y dijo “vino en una visión - un hombre apareció en un pastel flambeado y le dijo - a partir de este día ustedes son 'Beatles con una A', y luego desapareció". Las canciones más significativas que marcaron esta era pre-beatle son Ain't she sweet, Cry for a shadow, Hello, little girl o Like dreamers do. Estas dos últimas son originales de Lennon y McCartney respectivamente y dejan observar el futuro exitoso estilo del grupo, aunque carente de la calidad que adquirirían con el tiempo. Pero una vez más el quinteto se llevó una gran desilusión. No estaban tocando en el Kaiserkeller, sino en un sucio y triste lugar llamado el Indra Club. Los Beatles tenían que tocar muchas horas y a cambio Bruno Koschmider les proporcionaba poco más que un lugar donde vivir. Pasó el tiempo y les ampliaron el contrato, de manera que pasaron a tocar por fin en el Kaiserkeller. Pero no duró mucho más su relación con Koschmider, ya que al finalizar el contrato fueron a un nuevo club llamado Top Ten. Cuando Bruno se enteró de la "traición" llamó a la policía, que obligó a George a volver a Liverpool debido a que no tenía 18 años ni la documentación necesaria para actuar. Una vez más el grupo encontraba una piedra en el camino. Todos regresaron a Liverpool. Pero una vez que George cumplió 18 años, volvieron a Hamburgo para actuar en el club Top Ten. Durante su segunda estancia en Hamburgo, después de una de sus numerosas actuaciones, el grupo fue ferozmente atacado por una pandilla de Teddy Boys, que provocaron a Sutcliffe una lesión cerebral, que fue, tiempo después, la causa de su muerte. The Beatles regresaron a principios de los 60 a Liverpool, y Stu se quedó en Hamburgo con Astrid Kirchherr, una fotógrafa que habían conocido allí y que fue la que diseñó los trajes y el peinado de los Fab Four, tan característico de los primeros años. Stuart pensaba dedicarse a la pintura, que le interesaba más que la música. La formación de The Beatles quedó definitivamente consolidada con John a la guitarra rítmica, Paul en el bajo, George como guitarra líder y Pete Best en la batería. Cuando volvieron a su ciudad natal eran tan populares que un joven que estaba encargado de la sección de discos del negocio familiar de venta de muebles y electrodomésticos (NEMS) fue a verlos tocar. El joven era Brian Epstein, que después de varias idas y vueltas les tomó como manager. Regresaron a Hamburgo por tercera vez, pero esta vez tocarían en el Star Club, en el mismo programa que lo hacía Little Richard. A partir de ese momento, los Beatles comenzaron a cambiar. Epstein se dio cuenta de que, si bien podían atraer a las masas de Liverpool con su aspecto desaliñado, para conseguir ampliar el círculo de seguidores se imponía un cambio de imagen. El poblado flequillo del peinado de Astrid estaba bien como signo de identidad, pero las cazadoras de cuero y los vaqueros desgastados eran demasiado agresivos para un público al margen del juvenil. Epstein optó por ponerles estrechas chaquetas oscuras con el cuello de terciopelo que recordaba al estilo de los mods.Los Beatles fueron rechazados por algunas compañías de discos, como la Decca, que, sin embargo, después contrataría a los Rolling Stones para enmendar su error. Fue George Martin, un joven productor de una subdivisión de EMI, la hasta entonces impopular Parlophone quien les admitió para grabar un primer disco, aunque bajo la condición de emplear a un batería profesional, lugar que por entonces ocupaba Pete Best. Debido a diferencias musicales y el supuesto desinterés de Best con el grupo, los otros Beatles decidieron despedirlo para reemplazarlo por Ringo Starr (Richard Starkey) que era el baterista de Rory Storm and The Hurricanes. Ringo les prestaba ayuda cuando Best no se sentía motivado para colaborar con la banda. El resultado fue su primer single, Love Me Do, que alcanzó un buen puesto en las listas de ventas para ser un primer disco, pero que, desde luego, no llegó al número uno. En esa primera grabación el batería no fue Ringo, quien simplemente tocó una pandereta, sino el músico de estudio Andy White. Love Me Do apareció el 5 de octubre de 1962 y alcanzó el número 17 en las listas. Fue relanzado en 1982, alcanzando en ésta ocasión el número cuatro. En Estados Unidos el sencillo fue número uno en 1964. La Beatlemanía Entre 1963 y 1970 los Beatles sacaron a la venta 13 discos en sólo 7 años, mostrando su capacidad para componer material en cantidad y calidad. Ya en 1963, Please, please me y poco después From Me To You y She Loves You accederían de nuevo a puestos de honor en las listas británicas. Su primer LP, Please, please me (1963), grabado íntegramente en un solo día, permaneció 29 semanas en el número 1 y 61 semanas en el top 10, batiendo el récord de permanencia de un disco en lo más alto del ranking británico. Luego siguieron con With The Beatles. Lo que había que hacer a continuación, según Epstein, era invadir el mercado americano. Con gran anticipación publicitaria y con un nuevo single bajo el brazo, el archipopular I Want To Hold Your Hand, los Beatles actuaron en el Olympia de París, y luego hicieron una gira por Estados Unidos, que comenzó el 7 de febrero de 1964, sólo unos meses después del asesinato del presidente John F. Kennedy. Elvis Presley, sabiendo de la amenaza que representaban los cuatro Beatles para su posición en las listas de ventas, hizo todo lo posible para impedirles su llegada, sin lograrlo. Alcanzaron el número 1 en los Estados Unidos justo antes de la gira americana de 1964, un país históricamente contrario a los grupos británicos, batiendo récords de audiencia en sus actuaciones televisivas (en el Show de Ed Sullivan) y vendiendo millones de discos. Rodaron su primera película, A Hard Day's Night, dirigida por Richard Lester, consiguiendo muy buenas críticas y fueron comparados con los mismísimos hermanos Marx. El disco de la banda sonora de la película A Hard Day's Night y Beatles For Sale fueron lanzados en 1964. Este último es un homenaje a sus ídolos norteamericanos del rock and roll, como Carl Perkins. En 1965 rodarían otra película: Help!, del mismo director, dando lugar al disco del mismo título, en el que se incluía la canción Yesterday, titulada originalmente por McCartney como Scrambled eggs, George Martin, sabiendo que los otros tres Beatles no habían participado en la canción, le sugirió a Paul que la editara como solista, y éste se negó. En agosto realizaron el The Beatles' 1965 USA Tour, una de sus más exitosas giras que incluye su recordado show en el Shea Stadium de Nueva York. También en el 65 editarían otro disco casi fantástico en el que ya se veían aires de cambio en su música, Rubber Soul. En este disco la música de los Beatles es más compleja que todo lo anterior producido por el cuarteto. Grandes melodías, letras de contenidos más profundos, más y mejores efectos de sonido y unos Beatles que tenían un máximo de inspiración. Quizás, estos factores permitieron que ellos tuvieran más libertad en la creación y experimentación de la música y este disco fue el nexo entre la beatlemanía y la desinhibición musical que vemos en su próxima etapa, tal vez la más rica. La evolución (1966-1967) En su siguiente álbum, Revolver, sale a la venta en agosto de 1966, se puede ver un trabajo ciclópeo de producción arropando melodías y ritmos nuevos, frescos, complejos y vanguardistas. George Martin se había hecho perfecto cómplice de las inquietudes del cuarteto y se acopló maravillosamente a los nuevos paisajes que ofrecía la música de Revolver, paisajes que iban de lo clasicista a lo iconoclasta, de lo simple a lo intrincado, demostrando así su inmenso talento para componer todo tipo de música. A pesar de tantos éxitos, el grupo tendría que hacer frente a diversos escándalos, siendo el más destacable el producido a raíz de una entrevista de John Lennon en la que afirmaba que «los Beatles eran en ese momento más famosos que Jesucristo» (en realidad lo que Lennon había querido decir era que «El Cristianismo está tan en decadencia que Los Beatles son más famosos que Jesús»). En multitud de países religiosos organizarían quemas de discos y la banda fue vetada en la radio. Alguien en el vaticano por esa época, dijo que de pronto algo de razón tenia John Lennon Los Beatles abandonaron las giras definitivamente siendo el concierto de San Francisco el día 29 de agosto de 1966 el último de su carrera, en el que debido a los gritos de los fans la banda no se escuchaba ni siquiera entre ellos mismos. Después de esto, el grupo se dedicaría a trabajar en el estudio y preparar su próximo disco, del cual, lo único que se sabia era que iba a tener un título larguísimo: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. A finales de 1966, se publica un álbum recopilatorio de Parlophone llamado A Collection of Beatles' Oldies, en el que se incluyen los éxitos antiguos Beatles, incluyendo un tema inédito del rockero Larry Williams Bad Boy, de la época del Cavern Club. El 1 de junio de 1967 lanzaron su obra más innovadora, y tal vez, de mayor valor para los críticos musicales: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, el primer álbum conceptual y multigenérico en la historia del Rock, que marcaría el nacimiento de la música psicodélica influyendo a numerosas bandas como Pink Floyd, Beach Boys o incluso Dream Theater y supuso un rotundo éxito mundial para el grupo británico, que alcanzó el número uno simultáneamente en las listas británicas y estadounidenses. La memorable portada fue hecha por Peter Blake. Esta tapa estaba en la duda de la EMI por los problemas que podría traerles ya que en este collage estaban casi cien caras de famosos, entre ellos Marilyn Monroe, Bob Dylan y cuatro figuras en cera de la banda en la época de la Beatlemanía. La compañía buscaba no tener conflictos judiciales; se eliminó la imagen de Mahatma Ghandi y la imagen de Jesucristo para no generar conflictos tanto en la India como en la comunidad cristiana, ya dolida por las declaraciones de Lennon en 1966. Los Beatles serían los representantes de Gran Bretaña en la primera emisión vía satélite en televisión para todo el mundo, interpretando All you need is love el 25 de junio de 1967. El 27 de agosto de 1967 muere su mánager Brian Epstein de una sobredosis accidental de estimulantes y barbitúricos (aunque también se ha contemplado la hipótesis del suicidio); tras este fallecimiento, los Beatles nunca levantarán cabeza en el plano económico embarcándose en proyectos que fracasarán y que serán otro motivo a tener en cuenta en la disolución de la banda. También en 1967, bajo una idea de Paul McCartney, produjeron la película para televisión Magical Mystery Tour, con la posterior edición del trabajo discográfico del mismo nombre. Ese mismo año se van a un retiro espiritual en la India a cargo del Maharishi Mahesh Yogi, pero después de un tiempo, se corre el rumor de que el supuesto gurú se aprovechaba de las devotas jovencitas e incluso mantenía relaciones con una de ellas, aunque esto nunca se comprobó. Se vuelven, a expensas de George que sentía una fascinación por la cultura de la India. La separación de la banda (1968-1970) Con la gran cantidad de canciones compuestas en la India y a su regreso a Londres, editaron el doble LP The Beatles, más conocido como el "Álbum Blanco", en noviembre de 1968, este es el álbum más experimental del grupo y demuestra el talento ya no como banda sino individual de cada uno de sus integrantes. Este período del grupo se cerraría con Hey Jude siendo uno de los sencillos más vendidos de la historia. Poco después aparece en EEUU el primer disco en solitario de George Harrison "Wonderwall Music", además del primer disco de John Lennon, llamado Unfinished Music nº1: Two Virgins, a los que siguieron "Life With The Lions" y "The Wedding Album", los dos últimos aparecidos en 1969. También aparecieron los singles Give Peace A Chance y Cold Turkey. Pero las tensiones dentro del grupo iban siendo cada vez más notables. Todo esto quedaría grabado en el siguiente proyecto, el documental que empezó llamándose Get Back para terminar siendo Let It Be. Después de dar el famoso "concierto de la azotea" en el edificio de su sello discográfico Apple en el centro de Londres el 30 de enero de 1969, los Beatles no quedaron contentos con el disco y no se editaría hasta casi un año después con producción, no muy bien aceptada por el cuarteto, a cargo de Phil Spector. En 1968 publican el álbum y la película Yellow Submarine. John Lennon comienza a intimar por esta época con la artista conceptual japonesa Yoko Ono, a quien conoció dos años atrás, mientras ésta exponía sus trabajos en la galería Índica de Londres. Yoko le influenciará enormemente, siendo una continua molestia para los demás, especialmente McCartney. Muchos fanáticos de la banda inglesa le atribuyen las fisuras que terminaron por romper la unidad del grupo. George Harrison edita "Electronic Sounds" en mayo de 1969. Los Beatles decidieron entrar en el estudio por última vez para grabar el que iba a ser su último álbum (aunque se puso a la venta antes que Let it be), Abbey Road (1969), que marcaría un nuevo estilo de Rock que sería emulado, en otras escalas, por grupos como Queen o Pink Floyd Lejos de unir al grupo, el disco acabó por separarlo del todo, juntándose en pocas ocasiones los cuatro a la vez en el mismo estudio. Tiempo antes de la publicación de Let It Be, en 1970, las desavenencias en el seno de la formación acabaron con la disolución de la misma. John Lennon publicaba el single "Instant Karma!" y su disco "John Lennon/Plastic Ono Band". Ringo Starr ya había editado su primer disco "Sentimental Journey" (27/3/1970). Es en ese momento cuando, el 10 de abril de aquel año, McCartney anuncia que deja el grupo y cada miembro continúa su carrera musical en solitario. Poco después de la separación aparecen los discos "All Things Must Pass" de George Harrison y el disco "McCartney" de Paul McCartney. Ese mismo año de 1970 ganaron el premio máximo de la cinematografía el Oscar ® de la academia por su banda sonora en el film Let it be. Sin embargo, los Beatles han seguido vendiendo discos, y en el 2004 superaron los 1.000 millones de discos vendidos. Integrantes * voz principal, armonías y coros; guitarras rítmica, solista, acústica (de 6 y de 12 cuerdas), slide y bajo (de 4 y de 6 cuerdas); piano (acústico y eléctrico), órgano Hammond, melotrón, armonio, claviolina, sintetizador Moog y clavicémbalo; banjo y papel/peine; percusión variada, congas y palmas; cintas, generador de ruido blanco y efectos de sonido; armónica y saxofón. * Paul McCartney: voz principal, armonías y coros; guitarras rítmica, solista, acústica; bajo y contrabajo; piano (acústico y eléctrico), órgano Hammond, melotrón, sintetizador Moog, armonio y clavicémbalo; batería, percusión variada, bongos, timbales y palmas; cintas, papel/peine y efectos de sonido; flauta dulce y dirección orquestal. * George Harrison: voz principal, armonías y coros; guitarras rítmica, solista (de 6 y de 12 cuerdas), acústica y bajo; piano (acústico y eléctrico), órgano Hammond, sintetizador Moog, armonio; percusión variada y palmas; cintas, papel/peine y efectos de sonido; cítara, suaramandala y tambora; armónica y dirección orquestal. * Ringo Starr: voz principal y coros; batería, percusión y palmas, timbales, campanas tubulares, bongos (de diferentes tipos), congas y yunque; piano y órgano. Discografía oficial mundial Álbumes * Please Please Me (1963-03-22) * With The Beatles (1963-11-22) * Meet The Beatles! (1964-02-01) * A Hard Day's Night (1964-07-10) * Beatles For Sale (1964-12-04) * Help! (1965-08-06) * Rubber Soul (1965-12-03) * Revolver (1966-08-05) * A Collection of Beatles' Oldies (But Goldies!) (1966-12-10) * Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967-06-01) * Magical Mystery Tour (1967-12-08) * The Beatles (The White Album) (1968-11-22) * Yellow Submarine (1969-01-17) * Abbey Road (1969-09-26) * Let It Be (1970-05-08) * The Beatles 1962-1966 (Red Album) (1973-04-02) * The Beatles 1967-1970 (Blue Album) (1973-04-02) * The Beatles at the Hollywood Bowl (1977) * The Beatles Past Masters, Volume 1 (1988-03-07) * The Beatles Past Masters, Volume 2 (1988-03-07) * Live at the BBC (1994-10-21) * Anthology 1 (1995) * Anthology 2 (1996) * Anthology 3 (1996) * Yellow Submarine Songtrack (1999) * The Beatles One (2000) * Let It Be... Naked (2003) * The Capitol Albums 1 (2004) * The Capitol Albums 2 (2006) * Love (2006) Singles * Love Me Do / P.S. I Love You (1962-10-05) * Please Please Me (canción) / Ask Me Why (1963-01-11) * From Me To You / Thank You Girl (1963-04-11) * Do You Want to Know a Secret? / Thank You Girl (1963-08-11) * She Loves You / I'll Get You (1963-08-23) * I Want to Hold Your Hand / This Boy (1963-11-29) * Can't Buy Me Love / You Can't Do That (1964-03-20) * A Hard Day's Night / Things We Said Today (1964-07-10) * I Feel Fine / She's A Woman (1964-11-27) * Ticket To Ride / Yes It Is (1965-04-09) * Help! / I'm Down (1965-07-23) * Day Tripper / We Can Work It Out (1965-12-03) * Paperback Writer / Rain (1966-06-10) * Yellow Submarine / Eleanor Rigby (1966-08-05) * Penny Lane / Strawberry Fields Forever (1967-02-17) * All You Need Is Love / Baby You're A Rich Man (1967-07-07) * Hello Goodbye / I Am The Walrus (1967-11-24) * Lady Madonna / The Inner Light (1968-03-15) * Hey Jude / Revolution (1968-08-30) * Get Back / Don't Let Me Down (1969-04-11) * The Ballad Of John And Yoko / Old Brown Shoe (1969-05-30) * Something / Come Together (1969-10-31) * I Call your Name /Matchbox (1964-10-31) * Let it be / You Know My Name (Look Up The Number) (1970-03-07) * The Long and winding road / For You Blue (Solo EE.UU.) Compilaciones y Remasterizaciones * (02/04/1973) The Beatles / 1962-1966 * (02/04/1973) The Beatles / 1967-1970 * (07/03/1988) Past Masters Vol. 1 * (07/03/1988) Past Masters Vol. 2 * (13/09/1999) Yellow Submarine Songtrack * (13/11/2000) One * (21/11/2006) Love Discos no autorizados Además de su discografía oficial, pronto empezaron a circular discos con material de The Beatles que jamás fueron lanzados en vinilos originales, conocidos por muchos como bootlegs (discos con material no oficial en inglés); primero comenzaron a circular en discos de vinilo y, desde finales de la década de 1980, en formato digital. Existen literalmente miles de discos con material inédito del grupo de Liverpool que contienen desde conciertos hasta sesiones de estudio, pasando por demos caseras. El primero de ellos apareció ya en 1969 y se tituló Kum Back: el disco incluía una de las mezclas realizadas por el productor Glyn Johns para el futuro lanzamiento de The Beatles, titulado por entonces todavía como Get Back y que al ser remezclado y publicado en 1970 recibiría el título definitivo de Let It Be. A lo largo de casi dos décadas fue relativamente poco el material que salió a la luz, muchas veces de pésima calidad, con errores en las identificaciones de las canciones y, en más de una ocasión, con flagrantes errores de atribución. La colección de Ultra Rare Trax, vols. 1-8, publicada primero en vinilo en 1987 y no mucho después en formato digital, marcó un hito en la historia de los bootlegs de The Beatles al incluir material de estudio en estéreo de calidad excepcional. A partir de entonces comenzó lo que se ha considerado la edad dorada de los discos no oficiales de The Beatles, con lanzamientos regulares de enorme calidad que sacaron a la luz cientos de horas de grabaciones inéditas, y que duró hasta poco después del año 2000. Actualmente parece que la mayor parte del material que circulaba en manos de coleccionistas privados ha salido a la luz en estos discos alternativos y los últimos lanzamientos presentan muy poco material novedoso y, en la mayoría de los casos, poco interesante. No obstante, se sabe que todavía hay material inédito que ha sido adquirido por compradores particulares en subastas y que es posible que vea la luz algún día. De entre las numerosas discográficas fantasmas, que a lo largo de los años han ido sacando discos con material inédito sobresalen dos: Yellow Dog y Vigotone (ambas desmanteladas en parte o totalmente por la policía en los últimos años). La calidad de algunos de estos lanzamientos, tanto en lo referente al contenido sonoro como a la presentación (superiores en algunos casos a los discos oficiales) contribuyó a que EMI y Apple Records se decidieran a lanzar en la década de los 90 nuevos productos con material inédito tras décadas de planes frustrados, como el doble disco con canciones grabadas por el grupo de Liverpool en los estudios de la BBC o los seis discos que componen la trilogía de Anthology. A continuación figuran algunos de estos discos: * Kum Back * Day by Day * Rarities Vol. 1, 2, 3 * The Complete BBC Sessions * Sessions * Get Back Sessions * Anthology More * Anthology Plus * Ultra Rare Trax, vols. 1-8 * Unsurpassed Masters * The Alternate Revolver * The Lost Pepperland Reel * Nothing Is Real * Off White * What A Shame, Mary Jane Had A Pain At The Party * The 1968 Demos * Jamming With Heather * Studio 2 at Abbey Road sessions 1 * studio 2 at Abbey Road sessions 2 * '69 Rehearsals Vol.1-3 * Rubber Soul Sessions (Bootleg) * White Sessions Queen: Queen es una banda de rock clásico británica formada tras la ruptura del grupo Smile en 1970. A este grupo, del que quedaron el baterista Roger Taylor y el guitarrista Brian May, decide unirse luego Freddie Mercury, poseedor de una voz con un registro poco común y un timbre excepcional para muchos. Al año siguiente, luego de buscar por un tiempo un bajista para la banda, aparece John Deacon, quien sería el bajista definitivo de la banda, conformando así la formación definitiva del grupo Queen (nombre sugerido por Freddie Mercury) en la ciudad de Londres, Inglaterra en 1971. Para muchos, Queen es considerado como el mejor grupo musical de la historia, incluso llegando a ser elegida en numerosas ocasiones a través de encuestas con tal calificación.Es reconocida como la banda británica más exitosa de las últimas tres décadas. La banda es conocida por su gran diversidad musical, tanto en lo vocal como en lo instrumental, así como por sus multitudinarios conciertos de gran calidad. Según OhmyNews la cifra de ventas de Queen alrededor del mundo hoy en dia supera los 300 millones de discos vendidos, de los cuales 32.5 millones corresponden a Estados Unidos,convirtiendo así a Queen como una de las bandas mas vendedoras del mundo. Tras la muerte de Freddie Mercury el bajista John Deacon anunció su retiro de la música en 1997, mientras que Roger Taylor y Brian May se unieron a Paul Rodgers formando el Queen + Paul Rodgers Historia En 1969 el guitarrista Brian May y el bajista y cantante Tim Sttaffel deciden formar una banda en el Imperial College de Londres, entonces decidieron buscar un baterista, y al llamado recurrió Roger Taylor, un estudiante de odontología se sumó a Smile, como decidieron nombrar a la banda. Smile sirvieron como teloneros de artistas como: Genesis, Yes, Jimi Hendrix y Pink Floyd. Primeras grabaciones En 1969 Smile firma un contrato con Mercury Records y entran a un estudio de grabación donde plasman seis canciones. Solamente dos canciones fueron editadas en forma instantánea y lo hicieron en formato simple. El lado A contenía la canción Earth y el B Step on Me. Las otras cuatro (April lady, Polar Bear, Doin Allright y Blag) vieron la luz en 1982 de acuerdo a la discografía de Queen, el tema Doing all right si salió a la luz en el primer álbum de la banda (Queen) y solamente en Japón. El material no ha dejado de ser una pieza de coleccionista. El sencillo fue un profundo fracaso tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. Tim Sttaffel decide dejar la banda para unirse a "Humpy Bong"[7] , sin embargo les recomienda que prueben con su compañero de piso quien estudiaba arte con Staffel y se había vuelto un fanático de la banda, Federick Bulsara. ¿Por qué Freddie y por qué Mercury? Farrokh Bulsara, por aquel entonces, ya había cambiado su nombre original por el de Freddie. La elección de ese nombre se debió a que sus amigos y profesores en Zanzibar le decían Freddie, incluso en su familia. Mercury vino de la canción "My Fairy King" en la parte : -Mother Mercury look what they've done to me-, ya que una tarde salió a flote el comentario que ella era su madre, y, por lo tanto, debía de llamarse igual. Este comentario provocó la risa del resto de los integrantes, pero Bulsara una vez más lo hizo y cambió su nombre a Mercury. Una nueva estrella nacía. Pero la realidad es que era por el Dios Mercurio por lo que adoptó este "apellido". Queen En 1971 consiguen grabar cinco canciones en los estudios De Lane Lea: Keep Yourself Alive, The Night Comes Down, Great King Rat, Jesus y Liar. El demo resultante fue enviado a diversas compañías para una posterior contratación, al principio sin mucho éxito. A pesar de esto en 1972 se embarcan en una pequeña gira por el sudoeste del Reino Unido, zona de origen de Taylor, con buen recibimiento. A mediados de año reciben una oferta de la grabadora Trident, no sin antes organizarles un recital en el famoso local Marquee a modo de prueba que fue superada con éxito. De esta manera, el segundo semestre de 1972 encuentra a Queen en los estudios de grabación preparando su primer disco. No obstante deben hacerlo en los tiempos muertos cuando celebridades como David Bowie no lo utilizan. El material es finalizado a principios de 1973 y la banda quedó muy conforme a pesar de las dificultades. Sólo faltaba que Trident ubicara el álbum en alguna discográfica. En mayo, la discográfica EMI decide editar el disco pero el lanzamiento no se producirá hasta el 13 de julio de 1973 bajo el título "Queen" considerado por la revista Rolling Stone como super[8] . Una semana antes se había lanzado el single Keep Yourself Alive/Son and Daughter que no entró a las listas. Queen muestra a la banda con un sonido cercano al hard rock. Esto se hace evidente en canciones como Great King Rat, Jesus, Modern Times Rock 'N Roll, Son and Daughter o Keep Yourself Alive. Sin embargo comienzan a verse la presencia de la ópera en temas como My Fairy King o el instrumental Seven Seas of Rhye. Los cambios de ritmo se hacen patentes en Liar y Doing All Right (la misma que utilizara Smile cuatro años antes). The Night Comes Down los muestra en una faceta exótica en una introducción y un cierre orientales. Temas como Jesus o Liar en donde se trata de temas religiosos. Jesus es una canción acerca de la vida de Jesucristo. Curiosamente se puede pensar que Freddie, el autor de estas canciones, era cristiano; pero su religión era el Zoroastrismo. Si bien el álbum no entra en la lista de "los diez discos más vendidos" de Reino Unido, la banda consigue llamar la atención de nuevos fans. Esto los motiva a entrar de nuevo en el estudio de grabación en agosto de 1973. Además, reciben una gran noticia: el grupo de moda en ese momento, Mott The Hoople, quiere que les hagan de teloneros de sus shows por el Reino Unido. La gira se realiza entre octubre y diciembre culminando en el Hammersmith Odeon londinense. A principios de 1974 el grupo termina de grabar el nuevo material. El 3 de febrero realizan su primer show extraeuropeo en el marco del Sundance Festival en Melbourne, Australia. A su retorno a Inglaterra reciben las primeras copias del futuro álbum. Queen II El 23 de febrero se edita un adelanto de éste: el sencillo Seven Seas of Rhye (Mercury)/See What A Fool I've Been (May). El lado B no fue incluido en el disco. El sencillo les permite llegar por primera vez al chart inglés permaneciendo allí por 10 semanas obteniendo el puesto 10[10] . El 8 de marzo finalmente es lanzado Queen II considerado por muchos fans como el álbum más pesado y oscuro de Queen. Este es considerado como un disco de transición para la banda, por su notable diferencia con el anterior en cuanto a sonido y madurez, y por otro motivo importante: habían comenzado las voces operísticas (lo cual aún estaba ausente en Queen 1). Esas ostentosas sobregrabaciones vocales que causaban el efecto de un coro de ópera, y que tanto caracterizaría a Queen a lo largo de toda su carrera había empezado a tomar vuelo en Queen II, y al disco en cuestión no le fue nada mal, pero aún existía un factor a pulir, el elemento comercial, les faltaba un hit comercial que se emitiera en las radios (lo cual ocurriría en su siguiente disco con "Killer Queen&quot[11] . Queen II alcanzó el puesto número 5 en las listas británicas, manteniéndose en ellas durante 29 semanas. Queen II Tour En ese contexto inician su primera gira por Gran Bretaña (Queen II Tour como cabezas de cartel llegando a tocar por primera vez en el afamado Rainbow Theatre de Londres el 30 de marzo. El tour cierra el 2 de abril. En marzo comienzan su gira por Estados Unidos como teloneros de Mott the Hoople. Sin embargo, tras cinco presentaciones en el Uris Theatre de Nueva York a Brian May se le detecta una hepatitis. El problema fue bastante serio. La banda abandona la gira y los reemplaza Kansas como teloneros. Los siguientes meses serían para grabar nuevo material siempre y cuando la salud de May lo permitiera. Mientras se desarrollaba ya con cierta normalidad la grabación del nuevo material Queen tuvo que volver a detenerse. Resultó que el continuo consumo de medicamentos provocó el despertar de una úlcera en Brian May. Sheer Heart Attack: La Transición Sin embargo pudieron finalizar el proceso y el 11 de octubre salió a la luz el primer resultado. Se edita el sencillo Killer Queen/Flick of the Wrist, ambas canciones de Mercury. Killer Queen es una canción con ritmo de music hall que cuenta la historia de una chica de clase alta que se prostituye mientras Flick of the Wrist es un hard rock. El sencillo alcanzó el puesto 2 del ranking inglés manteniéndose allí por 12 semanas[13] . Casi 3 semanas después (1 de noviembre) se lanza el álbum Sheer Heart Attack que contiene 13 canciones. Sheer Heart Attack llegó al puesto 2 del ranking inglés quedándose allí por 42 semanas[14] . Gracias al éxito del disco de Queen se embarca en otra gira por el Reino Unido cerrándola con dos espectáculos en el Rainbow Theatre, ambos filmados por Bruce Gowers para una posible película. El 17 de enero de 1975 es lanzado el sencillo Now I'm Here/Lily of the Valley. Se mantuvo en el ranking británico durante 7 semanas alcanzando el puesto 11. Sheer Heart Attack Tour y cambio de discográfica A principios del nuevo año Queen inicia una gira por Estados Unidos (Sheer Heart Attack Tour), pero ahora como cabezas de cartel. Sin embargo vuelven los problemas. Ahora los padece Freddie Mercury al que se le disgnostican nódulos en la garganta. Por lo tanto deben disminuir la frecuencia de recitales y finalmente el 24 de febrero en Washington cancelar la gira. Después de unas semanas de descanso en Hawaii, en mayo la banda efectúa su primer tour por Japón tocando varias veces en el Budokan Hall[16] . Fue el cierre de presentación de Sheer Heart Attack. Por entonces era notoria la mala relación de Queen con su productora Trident vinculada a razones económicas. El ascenso del grupo estaba provocando un incremento en las exigencias, que mientras para sus integrantes no eran satisfechas, veían el buen pasar de sus patrones. De esta forma, mientras permanecían en Hawaii, iniciaron contactos con otras discográficas, como Swan Song (que editaba a Led Zeppelin). La EMI que venía editando los álbumes de la banda bajo producción de Trident finalmente decidió contratar en forma definitiva a Queen. Nombraron a Peter Beach como abogado para negociar la rescisión de la claúsula que mantenía unidos al grupo con Trident y se asigna a John Read (por entonces manager de Elton John) como su nuevo apoderado. De esta manera, Queen inicia las grabaciones de su cuarto álbum. La llegada del éxito Si bien Queen era un grupo reconocido y sus álbumes tenían ventas importantes la llegada al éxito masivo se daría luego de la edición del primer single del álbum "A Night at the Opera", el tema Bohemian Rhapsody. A Night at the Opera El 21 de noviembre lanzan "A Night at the Opera" siendo el álbum más costoso nunca antes producido[17] . La primera canción del álbum "Death On Two Legs (Dedicated To...)", compuesta por Freddie Mercury, está escrita para el anterior mánager de la banda Jack Nelson y su anterior compañía discográfica. Éstos fueron considerados por los miembros de la banda como unos "chupasangre" lo que motivó que éste planteara iniciar acciones legales que no se concretaron gracias a que la EMI argumentó que la canción no da nombres. You're My Best Friend (Deacon) es una canción pop, el 18 de mayo de 1976 se constituirá como la primera canción del bajista que se utiliza como lado A de un single (que alcanza el número 7 del chart manteniéndose por 8 semanas. Curiosidad de la canción es que fue el primer video musical del grupo y uno de los primeros de la historia. El grupo no podia ir a una entrega de premios y grabó el clip de una forma rápida y un tanto rudimentaria incluso para la época, para que algo de ellos llegara a la dicha entrega de premios. ). Casualmente el lado B del sencillo es ocupado por el siguiente tema del álbum: '39, un country/folk escrito por Brian May, el cual relata un extraño viaje espacial. El lado B inicia con la extensa (8 minutos con 2 segundos) The Prophet's Song de Brian May. Para su grabación utiliza un toy koto, instrumento de cuerdas japonés. En la mitad de la canción se produce un corte donde surge un intrincado juego de voces sobregrabadas. Love of My Life (Mercury) es la balada del disco. Para ella Brian May recurre a un arpa. Good Company, autoría del guitarrista, es un charleston donde aparecen ukeleles y bronces en la percusión. Bohemian Rhapsody es la siguiente canción, considerada varias veces como la mejor canción de la historia. . El lado cierra con la versión que May realiza del himno británico que anteriormente ya venía culminando los recitales en vivo. A Night at the Opera representó el comienzo de la auténtica masividad pues alcanzó el número 1 en Inglaterra[22] (el 4 en Estados Unidos) estando en las listas británicas durante 50 semanas lo que le permitió obtener certificación de platino. 1975 concluye con un show grabado por la BBC en el Hammersmith Odeon. El siguiente año inicia con una gira por Japón, Australia y finalmente Estados Unidos. A Night at the Opera alcanzó la posición 230 en la lista de los 500 mejores álbumes de la historia de la revista Rolling Stones Gira de Verano 1976 Durante septiembre de 1976 el grupo realiza un pequeño tour por el Reino Unido que concluye el 18 de Septiembre (sexto aniversario de la muerte de Jimi Hendrix) con un recital gratuito en el Hyde Park londinense ante 150 mil personas (aunque hay personas que consideran que fueron aun mas, cerca de 180 mil, se considera entre los 150 mil 200 mil asistentes[24] ) que no fue completado debido a que la policía desconectó el equipo al considerar que era demasiado tarde (fue el primer recital nocturno en el parque que antes había alojado a los Rolling Stones en 1969). Durante estos shows Queen estrenó dos canciones que formarían parte del próximo álbum. A Day at the Races "A Day at the Races" (nueva alusión a Marx y compañía) el titulo era un acompañamienro a A Night at the Opera[25] . Como adelanto, el 12 de noviembre de 1976 aparece el single Somebody to Love (Mercury)/ White Man (May) que llegó al puesto 2 del ranking inglés permaneciendo allí durante 9 semanas[26] . Mientras el lado uno es un gospel compuesto por Mercury, la segunda es un rock pesado de Brian May que relata la conquista del oeste estadounidense desde la visión de un aborigen. El nuevo álbum finalmente es editado el 10 de diciembre, permaneciendo 24 semanas en el ranking inglés. Su mejor ubicación es el puesto número 2[27] , aunque alcanzó el número 1 en las listas de la BBC. Luego de una introducción con guitarras sobregrabadas el LP inicia con el hard rock Tie Your Mother Down, escrito por May. The Millionaire Waltz (Mercury), que incluye un solo de guitarra con fraseos de vals. El lado dos abre con las dos canciones que precedieron al disco en formato de single: Somebody to Love y White Man. La última canción del disco es Teo Torriatte (Let us Cling Together) que posee estribillo en japonés, lo que obliga que la banda recurra a ella cada vez que visite Japón (excepto en la gira de 1985). El álbum de principio a fin demuestra que no tiene nada que envidiarle al anterior, y muestra diversos paralelismos (aparte del título). Se avecinaban nuevos aires en el rock británico: el siguiente single a Somebody to Love editado por EMI fue Anarchy in the UK, de Sex Pistols, originándose la oleada punk. Se inicia un giro musical, que tendrá su apogeo en la primavera de 1977. Muchos grupos del estilo progresivo se vieron afectados. A Day At The Races Tour A principios de 1977, Queen inicia una gira por Norteamérica, tocando por vez primera en el Madison Square Garden de Nueva York y el Forum de Los Angeles. Aprovechando su estadía en Hollywood visitan a Groucho Marx. Mientras tanto, el 4 de marzo, deciden editar el segundo single del álbum: Tie Your Mother Down/You and I, que con 4 semanas en la listas británicas,alcanza el puesto 31. El video del lado A fue filmado en Miami, lo que motivó que llevaran hasta allí a su director Bruce Gowers. Finalizada la etapa americana de la gira, inician la manga europea del A Day At The Races Tour. Tras dos meses de recitales, éstos culminan el 6 y 7 de julio en el Earls Court de Londres, aprovechando el año de Jubileo de la Reina. El show cierra con un Medley de viejos rocanroles como Lucille, Jailhouse Rock o Stupid Cupid. Días antes, el 20 de mayo, editaron su primer y único EP titulado justamente Queen's First EP e incluía canciones conocidas: Good Old-Fashioned Lover Boy / Death On Two Legs (Dedicated To...) / Tenement Funster / White Queen (As It Began). El EP permaneció 17 semanas en las listas, alcanzando el puesto 10. News of the World/Jazz/Live Killers/Crazy Tour Tras dos meses de grabación el 7 de octubre de 1977 aparece el primer resultado: El sencillo con doble lado A We Will Rock You y We Are the Champions que pasarían a convertirse en himnos utilizados en muchos acontecimientos deportivos, siendo consideradas pioneras en el Arena Rock o Stadium Rock[28] . Así el 28 de octubre ponen a la venta "News of the World"[29] , este álbum se pelea junto con The Game como el álbum de estudio más vendido de Queen en Estados Unidos donde alcanzo 4 veces platino, News of the World llegó al puesto cuatro en el Reino Unido[30] (manteniéndose en las listas por 20 semanas) y al 3 en Estados Unidos. El título del LP se basa en un comic de la década del ´30 y el diseño de tapa e interior fue encargado al dibujante Frank Kelly Freas. En 1978 publican "Jazz", que alcanza unas ventas discretas y que fue duramente criticado, la revista Rolling Stone dijo: "Queen no tiene creatividad para hacer Jazz, Queen no tiene creatividad por esta razón para hacer Rock & Roll[31] . Se destacan como singles de la nueva producción "Don't Stop Me Now" y "Fat Bottomed Girls/Bicycle Race", otros sencillos que tuvieron un menor éxito fueron Jealousy y Mustapha, Sin embargo Queen ya estaban preparando material para su siguiente álbum. En 1979 ponen a la venta su primer disco en vivo titulado "Live Killers" el cual fue todo un éxito, realizado de las grabaciones de la manga europea del Jazz Tour. El disco consiguió ganar 2 discos de platino en EE. UU y en otros países. A finales de aquel año lanzaron como single "Crazy Little Thing Called Love" primer corte del álbum "The Game", la cual tiene un estilo rockabilly a lo Elvis Presley. Fue todo un éxito. El lanzamiento de la canción fue acompañado por una pequeña gira por el Reino Unido e Irlanda bajo el nombre de Crazy Tour en el cual se vio una diferencia en la puesta en escena de la banda con diferencia a las giras anteriores y que se mantendría durante las giras siguientes. Discografía Discos de estudio Queen * Lanzamiento: 13 de julio, 1973 * Discográfica: EMI * Voces: Ed Gilbert y Terry Jones y Jean Vander Pyl Salvandor Carrasco Queen II * Lanzamiento: 8 de marzo, 1974 * Discográfica: EMI * Productor: Robin Cable, Roy Thomas Baker, Queen Sheer Heart Attack * Lanzamiento: 8 de noviembre, 1974 * Discográfica: EMI * Productores: Roy Thomas Baker, Queen A Night At The Opera * Lanzamiento: 21 de noviembre, 1975 * Discográfica: EMI * Productores: Roy Thomas Baker, Queen A Day at the Races * Lanzamiento: 10 de diciembre, 1976 * Discográfica: EMI * Productor: Queen News of the World * Lanzamiento: 28 de octubre, 1977 * Discográfica: EMI * Productor: Queen, asistidos por Mike Stone Jazz * Lanzamiento: 10 de noviembre, 1978 * Discográfica: EMI * Productores: Queen, Roy Thomas Baker The Game * Lanzamiento: 30 de junio, 1980 * Discográfica: EMI * Productores: Reinhold Mack, Queen Flash Gordon * Lanzamiento: 8 de diciembre, 1980 * Discográfica: EMI * Productor: Brian May, Reinhold Mack Hot Space * Lanzamiento: 21 de mayo, 1982 * Discográfica: EMI * Productor: Queen, Reinhold Mack The Works * Lanzamiento: 27 de febrero, 1984 * Discográfica: EMI * Productores: Reinhold Mack, Queen A Kind of Magic * Lanzamiento: 2 de junio, 1986 * Discográfica: EMI * Productores: Reinhold Mack, Queen, David Richards The Miracle * Lanzamiento: 22 de mayo, 1989 * Discográfica: EMI * Productor: Queen, David Richards Innuendo * Lanzamiento: 4 de febrero, 1991 * Discográfica: EMI * Productor: Queen, David Richards Made In Heaven * Lanzamiento: 6 de noviembre, 1995 * Discográfica: EMI * Productores: Queen The Cosmos Rocks * Lanzamiento: 1 de setiembre, 2008 * Discográfica: EMI * Productores: Queen + Paul Rodgers Discos en directo Live Killers * Lanzamiento: 26 de junio, 1979 * Discográfica: EMI * Productores: Queen, Roy Thomas Baker Live Magic * Lanzamiento: 1 de diciembre, 1986 * Discográfica: EMI * Productor: Queen, Trip Khalaf Live at Wembley '86 * Lanzamiento: 26 de mayo, 1992 * Discográfica: EMI * Productores: Queen Queen on Fire - Live at the Bowl * Lanzamiento: 25 de octubre, 2004 * Discográfica: EMI * Productores: Brian May, Roger Taylor, Justin Shirley-Smith Queen Rock Montreal * Lanzamiento: 29 de octubre, 2007 * Discográfica: EMI * Productores: Queen Bueno Gente espero que les halla gustado y va a haber mas post sobre bandas pongo estos 2 nadamas porq me dice q es muy largo el cuerpo del texto. asique no se preocupen que se vienen bandas como: Pink floyd, Deep Purple, foo fighters, oasis,the blessing,the police,coldplay,aerosmiht,etc. Y solistas como: bon jovi,jaco pastorius, etc. si flatan alguna banda mas que quieran digname y las pongo. espero que lo hallan disfrutado.

Charly Garcia: Carlos Alberto García Lange (23 de octubre de 1951, Buenos Aires) más conocido como Charly García es un famoso músico argentino. Desde 1995, tras una pelea con su madre Carmen Moreno, cambió su nombre legal de «Carlos Alberto García Moreno» a «Carlos Alberto García Lange» (siendo Lange el apellido de soltera de su abuela paterna). Charly es considerado uno de los artistas más importantes de la Argentina. Tabla de contenidos Niñez Fue el primer hijo de una rica familia porteña del barrio Caballito. Durante los años cincuenta, siendo presidente de la república el general Juan Domingo Perón, hubo grandes cambios sociales y la familia García Moreno tuvo que hacer algunos ajustes: el padre de Carlos comenzó a trabajar como profesor, enseñando física y matemáticas y Carmen Moreno, su madre, empezó a trabajar como productora de shows musicales para radio, especialmente de música folclórica. En una ocasión sus padres tomaron unas vacaciones en barco a Europa —muy probablemente debido a la posición política familiar, ya que el padre se negó a poner el crespón negro de luto en su fábrica, en señal de duelo por la muerte de Eva Perón— y dejaron al pequeño Carlos (de tres años de edad) solo, aunque no se sabe con precisión a cargo de quién (según una versión, con las empleadas de la casa, según otra, con una tía muy mayor y represora). Durante esos días Carlos tuvo un ataque nervioso y amaneció con la mitad de su rostro extremadamente blanco. Se le había producido un problema de pigmentación, llamado vitíligo. El efecto de esa enfermedad se puede ver hoy mismo en Charly García: un particular bigote bicolor. Al volver del viaje, su madre le regaló un pianito de juguete. Inmediatamente Carlos comenzó a mostrar su talento musical. Su madre lo sorprendió componiendo melodías coherentes y bellas, y fue entonces que lo llevó a la casa de un vecino que tenía un piano. El niño dudó un momento, pero al descubrir que el instrumento grande funcionaba igual que su juguete, empezó a tocar e improvisar. Luego de ese día varios de sus vecinos comenzaron a reunirse en aquella casa para escuchar al niño tocar, al que llamaban con orgullo el Mozart porteño. Al ver su talento, al año siguiente (con 3 años) su madre lo anotó en una escuela de enseñanza de música de su barrio, el conservatorio Thibaud Piazzini, de donde a la edad de doce años egresó con el título de profesor de música. Cuando tenía 8 años, un conocido guitarrista folclórico llamado Eduardo Falú estaba en su hogar preparando un show íntimo en una fiesta familiar. Charly le dijo a su madre: «Me parece que el maestro tiene esa cuerda desafinada». Después de algunas pruebas caseras, la conclusión fue clara: el chico tenía oído absoluto. Historia Sui Generis: Charly García y Nito Mestre. Charly se convertiría en la figura descollante de la historia del rock nacional argentino Charly García es uno de los más reconocidos intérpretes, compositores y productores latinoamericanos de rock, y ha sido líder de bandas como Sui Generis (1972-1975), Porsuigieco (1976), La Máquina de Hacer Pájaros (1976-1978), y luego llegando a la cumbre de su talento con Serú Girán (1978-1982), una superbanda (Los Beatles argentinos, para muchos) que reunía los mejores músicos de Argentina: * el guitarrista, multi-instrumentista y cantante David Lebón, * un joven bajista, tecladista y cantante (Pedro Aznar) que en esa época contaba con 19 años, y * el rosarino Óscar Moro, un histórico baterista que formó parte de Los Gatos (considerada la primera banda de rock nacional argentino) dejando un legado de discos y canciones que quedaron para siempre en la historia de la música argentina. Charly García asistió al Instituto Social Militar Dr. Dámaso Centeno, un colegio del barrio Caballito. Desde los primeros años solía escapar de las clases, para ir a tocar el piano al salón de actos. Desde 1982 y hasta la actualidad se extiende su etapa de solista, donde tuvo momentos de gran éxito. Si bien tanto la producción de los espectáculos como la composición y grabación de los discos lo tienen como figura principal, Charly ha incorporado en sus bandas solistas a músicos argentinos de primer nivel. En los años noventa comenzó con su eslogan «Say No More», por el cual ahora se lo nombra como «Mister SNM». Durante 2004 Charly García da una gira por todo el país, cuyo show de más de tres horas incluye temas de todas las épocas, siendo visto por un público de lo más heterogéneo en cuanto a edades. Su gira por el sur del país deja resultados históricos, como en Ushuaia (Tierra del Fuego), la ciudad más austral del mundo, cuando con una temperatura de –2 °C uno de cada cuatro habitantes asistió a su show. El año 2006 lo encuentra presentando Kill Gil, su última producción discográfica (aún sin editar). En esta misma etapa está desarrollando su «concierto para auriculares» en el cual la música puede ser apreciada en frecuencia FM. Lo interesante es que dicho sonido sólo es percibido en aquellos fans que tengan consigo un radio. El músico además tiene la idea de desarrollar música bajo el agua.[cita requerida] Durante el año 2007 continuo planeando editar Kill Gil y debatiendo en dejar on line los remixes Músicos acompañantes de Charly García Charly García ha integrado bandas de soporte con importantes músicos. Entre ellos se encuentran: * Cachorro López (bajo, desde 1982 hasta 1984), * Gustavo Bazterrica (guitarrra, desde 1982 hasta 1984) * Fabiana Cantilo (voz, 1982-1986) * Pedro Aznar (bajo, voz y teclados]] * Fito Páez (teclados, 1983 y 1984) * el grupo GIT: Pablo Guyot (guitarra), Willy Iturri (batería) y Alfredo Toth (bajo) (1984-1987) * Richard Coleman (guitarra, 1986) * Andrés Calamaro (teclados, 1982, 1983 y 1985) * Fernando Samalea (baterista, 1987-1995) * Carlos García López (1987-1993) * Hilda Lizarazu (voces, 1987-1993) * Fabián Vön Quintiero (teclados, 1987-1995) * Mario Serra (1996-2002) * María Gabriela Epumer (guitarra y voz, 1994-2003) * Fernando Lupano (bajo) * Murray (bajo, teclados) Actualmente suele presentarse —ejecutando teclados, guitarra y voz— con una sólida banda formada por músicos chilenos: * Kiushe Hayashida (Chile) en guitarra y coros, * Tonio Silva Peña (Chile) en batería y * Carlos González (Chile) en bajo, * Francisco Corna (2006-2008) * Trío de cuerdas: o Alejandro Terán (viola), o Javier Weintraub (violín) y o Julián Gándara (chelo). Personalidad y polémica Han sido varios ya los incidentes protagonizados por García. Entre ellos, ha sido internado tres veces en clínicas psiquiátricas, fue echado del ejército cuando cumplía con el servicio militar obligatorio, debido a que no soportaba el encierro y la disciplina impuesta por los militares. Llegó a tal grado su desesperación por salir, que en una ocasión sacó a pasear un cadáver en silla de ruedas, lo que motivó una investigación psiquiátrica que lo determinó psicótico y paranoico con personalidad esquizoide. Otra anécdota conocida cuenta que durante un recital las personas del público le gritaban «puto» (homosexual) y respondió bajándose los pantalones. También ha probado el vértigo de lanzarse desde una ventana del noveno piso de un hotel de Mendoza hacia una piscina, y cuando la prensa le cuestionó su acto dijo: «¡Sólo la vi, y me atreví! Hay que ir más allá, además yo no me voy a morir nunca y mi capricho es ley». Más tarde referiría que se atrevió a tirarse después de muchos cálculos y debido a que estaba encerrado en la pieza, ya que afuera estaba la policía para interrogarlo debido a incidentes sucedidos la noche anterior en un pub de la misma ciudad, en los cuales él solo fue espectador. Discografía Sui Generis * 1972: Vida * 1973: Confesiones de invierno * 1974: Pequeñas anécdotas sobre las instituciones * 1975: Adiós Sui Géneris, Parte I * 1975: Adiós Sui Géneris, Parte II * 1995: Adiós Sui Generis, Parte III * 1992: Antología de Sui Generis * 2000: Sinfonías para adolescentes * 2001: Si - Detrás de las paredes Porsuigieco (Acrónimo de Raúl Porchetto, Sui Géneris, León Gieco) * 1976: Porsuigieco La Máquina de Hacer Pájaros * 1976: La máquina de hacer pájaros * 1977: Películas Serú Girán * 1978: Serú Girán * 1979: La grasa de las capitales * 1980: Bicicleta * 1981: Peperina * 1982: No llores por mí, Argentina (vivo) * 1992: Serú '92 * 1993: En vivo (vivo en Buenos Aires, estadio de River Plate) * 1994: Pic-Nic Charly García * 2000: Yo no quiero volverme tan loco (vivo en 1981, en el Coliseo) Solista * 1977: Música del alma * 1982: Pubis angelical / Yendo de la cama al living * 1983: Clics modernos * 1984: Terapia intensiva (banda de sonido de la obra teatral homónima) * 1984: Piano bar * 1986: Tango (con Pedro Aznar) * 1987: Parte de la religión * 1988: Lo que vendrá (banda de sonido de la película homónima) * 1989: Cómo conseguir chicas * 1990: Filosofía barata y zapatos de goma * 1991: Radio Pinti (con Enrique Pinti & Pedro Aznar) * 1991: Tango 4 (con Pedro Aznar) * 1993: Funes, un gran amor (banda de sonido de la película homónima) * 1994: La hija de la lágrima * 1995: Estaba en llamas cuando me acosté (grabado bajo el seudónimo de Casandra Lange) * 1995: Hello! MTV Unplugged (vivo) * 1996: Say No More * 1997: Alta fidelidad (con Mercedes Sosa) * 1998: El aguante * 1999: Demasiado ego (vivo en Bs.As.) * 1999: Charly & Charly en Olivos (vivo, no oficial) * 2002: Influencia * 2003: Rock and Roll Yo * 2007: Kill Gil * 2008: Kill Gil remix Eric clapton: Eric Patrick Clapton Shaw (Ripley, Surrey, Inglaterra, 30 de marzo de 1945), es un guitarrista de rock y blues. Apodado "slowhand" (mano lenta), Clapton ha sido uno de los artistas más respetados e influyentes en la era del rock. Su estilo musical sufrió múltiples cambios a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado en el blues. Este músico es reconocido como un innovador en varias etapas de su carrera, como son el blues-rock con John Mayall's Bluesbreakers y The Yardbirds, rock-blues-jazz fusión con Cream, y también como solista. También ha tocado con "Derek and the Dominos" y "Blind Faith" y colaboró con The Beatles en la grabación de el álbum Blanco como solista en la canción "While My Guitar Gently Weeps". Su guitarra eléctrica favorita y más utilizada es la Fender Stratocaster, también tiene preferencia por Fender en otros tipos de guitarras. En sus últimos trabajos rinde tributo a Robert Johnson, bluesman al que siempre ha considerado como la mayor influencia musical en su carrera. Carrera y vida privada Juventud de Clapton Eric Clapton nació en The Green, Ripley, Surrey, Inglaterra, como hijo ilegítimo de Patricia Molly Clapton, de 16 años, y Edward Walter Fryer, un piloto canadiense de 24 años. Su padre regresó al lado de su esposa en Canadá antes de que Eric naciera. El niño creció con sus abuelos en la creencia de que eran sus padres, y de que su madre era su hermana. Años después su madre se casó con otro soldado canadiense y se mudó a Canadá, dejando a Eric con sus abuelos. Cuando éste tenía nueve años descubrió la verdad, siendo este un momento decisivo en su vida. El día en que cumplía 13 años, recibió como regalo una guitarra, que él solo aprendió a tocar. A la edad de 17 formó su primer grupo, The Roosters. El joven músico creció oyendo grabaciones de blues de Chicago y de grandes guitarristas de este género, como B.B. King y Freddie King. El joven músico creció oyendo grabaciones de blues de Chicago y de grandes guitarristas de este género, como B.B. King y Freddie King. Salto a la Fama En 1964 su nombre empezó a sonar como miembro de The Yardbirds, un grupo de rock and roll con influencias del blues. Ahí, Clapton rápidamente se volvió uno de los guitarristas más populares en la escena musical inglesa. Sin embargo, el músico seguía fuertemente comprometido con el blues, por lo que renegaba del nuevo rumbo pop de The Yardbirds, en parte porque "For your love" fue escrita por el autor pop Graham Gouldman, que había escrito hits para el grupo adolescente "Herman's Hermits" y el grupo pop "The Hollies". Varias veces se negó a tocar esta canción y renunció al grupo tan pronto como el sencillo fue grabado. Después de varios meses de práctica, Clapton se unió a John Mayall & the Bluesbreakers. Su ejecución tuvo una gran influencia en el primer álbum de este grupo, además de inspirar una efímera ola de grafitis que lo deificaban con el eslogan "Clapton is God". En 1966 Clapton forma lo que es reconocido como el primer supergrupo de la historia del rock: Cream, con el bajista Jack Bruce y el baterista Ginger Baker. Aunque sólo estuvieron juntos un par de años, su influencia fue enorme, con temas tan conocidos como "Sunshine of your Love", "White Room" y el clásico "Crossroads". Las presentaciones en vivo de Cream, con sus largas improvisaciones, sirvieron como modelo para muchos grupos tanto de hard rock como de rock progresivo en los 60's y 70's. Tras la separación de Cream, Clapton formo otro supergrupo, Blind Faith, nuevamente con Baker y con el músico prodigio Steve Winwood y el bajista de Family, Rick Greich. El grupo sólo editó un disco, pero el éxito que tuvo es patente de la gran popularidad de Clapton en todo el mundo. Etapa Solista Después de Blind Faith, Clapton se enfoca principalmente en su carrera solista, aunque eventualmente se integra a otros proyectos fugaces como Delaney & Bonnie o Derek and the Dominos. Con este último produce uno de sus más grandes éxitos, "Layla" (dedicada a Patty Boyd, entonces esposa de su amigo George Harrison). Clapton se mantiene prácticamente inactivo durante 1971 y 1972, debido a una seria adicción a la cocaína. Pete Townshend, de The Who, le ayuda a superarla y a organizar un concierto de regreso en el Rainbow Theatre de Londres en 1973. En los siguientes años sendas versiones de "Cocaine" y "After Midnight", originales de J.J. Cale, y otra versión de "I Shot the Sheriff", de Bob Marley, le llevan de nuevo al éxito. La carrera de Clapton parece debilitarse en los años 80's, pese a una exitosa presentación en el concierto multitudinario Live Aid. La edición de "Crossroads" en 1988, uno de los primeros paquetes recopilatorios en el entonces nuevo formato compact disc, revitaliza su carrera. En 1991 la tragedia golpea a Clapton, al morir su hijo Conor, de cuatro años, al caer del piso 53 de su apartamento en Nueva York. En memoria de él, Clapton escribe "Tears in Heaven" (Lágrimas en el cielo), canción que se convierte en un éxito masivo, por la cual recibió seis Grammys. En ese mismo año, Clapton incentiva a su amigo George Harrison para que salieran juntos de gira a Japón, siendo el ex-beatle la estrella principal y acompañado de Clapton y sus músicos. Las fabulosas presentaciones que dieron juntos no solo ayudaron a afianzar su amistad, sino a reivindicar la fama de ambos y su calidad como fascinantes músicos. El siguiente año, la grabación del concierto MTV Unplugged de Clapton se convierte en la más exitosa de su carrera, ganando seis premios Grammy. Clapton sigue metiendo temas en las listas de popularidad como "Pretending", "Change the World" y "My Father's Eyes". Clapton se mantiene activo como uno de los instrumentistas más respetados y reconocidos de la escena musical contemporánea. Es considerado como el cuarto (4º) mejor guitarrista electrónico de todos los tiempos. Discografía The Yardbirds * Five Live Yardbirds (live) (1964) The Bluesbreakers * Blues Breakers with Eric Clapton (1966) Bluesbreakers with Eric Clapton En marzo de 1966 the bluesbreakers se habían convertido en la banda más influyente de blues en Inglaterra, después de haber grabado su primer álbum en directo “john mayall plays john mayall” (el cual fue un fracaso) hacia parecer que la carrera de la banda no duraría mucho. Dos figuras fueron cruciales en el éxito de la banda; la primera es Mike Vernon, cofundador de R&Bmonty Magazine, quien estaba en proceso de establecerse como productor. La segunda fue Eric Clapton, un joven guitarrista que se hizo de buena reputación con su banda anterior The Yardbirds, grupo del cual Clapton había renunciado por las tendencias pop del resto de la banda. Mayall había seguido de cerca el progreso de Clapton y pronto lo convenció de unirse a los bluesbreakers. Al mismo tiempo que Clapton trataba de duplicar los riffs de Freddie King, Buddy Guy y otros también trato de duplicar ese sonido distorsionado de las guitarras de sus ídolos americanos, al ver una foto de Freddie King en la portada de un álbum donde King traía una guitarra Les Paul, Clapton pronto corrió a hacerse de una y para lograr esa distorsión se hizo de un amplificador de un diseñador desconocido hasta ese momento: Jim Marshall, armado con este equipo y su talento Clapton estableció un nuevo estándar de sonido el grupo se complemento con John Mayall en los teclados, harmónica y voz, John McVie en el bajo y Hughie Flint en la batería. Con Clapton en la guitarra, Mayall y su banda es establecieron como una de las bandas mas clientes del momento y al entrar al estudio de grabación la selección de material fue fácil según Mayall quien afirma que solo estaban reproduciendo su “set” regular pero la habilidad de Mayall para liderar una banda y el dar libertad a Clapton para hacer lo que hace mejor; improvisar, esto hizo del álbum todo un éxito. Los temas más representativos: All your love (Rush/Dixon) las primeras notas hacen latente la presencia del sonido que revolucionaria la guitarra eléctrica para siempre y la interpretación de Mayall llena de pasión la hace no de los temas mas memorables de este álbum y de su carrera. Hideaway (King/Tompson) Eric siempre se ha confesado gran fan de Freddy king y este tema ha sido de uno de los grandes clásicos instrumentales de blues de todos los tiempos. Ramblin` on my mind (Robert Jonson) la influencia de Robert Johnson en Clapton y la inspiración de Mayall lograron que Clapton por primera vez cantara, este tema marco el inicio de Clapton como vocalista. Cream * Fresh Cream (1966) * Disraeli Gears (1967) * Wheels Of Fire (1968) * Goodbye (1969) Blind Faith * Blind Faith (1969) Delaney & Bonnie * On Tour witrh Eric Clapton (1970) Derek & The Dominoes * Layla & Other Assorted Love Songs (1970) En solitario * Eric Clapton (1970) * Eric Clapton's Rainbow Concert (live) (1973) * 461 Ocean Boulevard (1974) * There's One in Every Crowd (1975) * E.C. Was Here (live) (1975) * No Reason to Cry (1976) * Slowhand (1977) * Backless (1978) * Just One Night (live) (1980) * Another Ticket (1981) * Money and Cigarettes (1983) * Behind the Sun (1985) * August (1986) * Journeyman (1989) * 24 Nights (live) (1991) * Rush (1992) * Unplugged (live) (1992) * Stages (live) (1993) * From the Cradle (1994) * Live in Montreux (1997) * Pilgrim (1998) * Riding with the King (2000) * Reptile (2001) * Eric Clapton Live (2002) * One More Car, One More Rider (live) (2002) * Me and Mr. Johnson (2004) * Back Home (2005) * Sessions For Robert J (2005) Kiss: Kiss, es una banda de hard rock estadounidense formada en la ciudad de Nueva York en el año 1973. Se caracterizó por el uso de maquillaje al más puro estilo Kabuki con personajes de terror o típica historia de cómic y su puesta en escena extravagante. Mientras otros artistas como Alice Cooper y David Bowie representaban el rock de una manera teatral, Kiss fueron aún más lejos en la vertiente circense y autoparódica del rock. En base a sus actuaciones vivas detalladas en el espectáculo destacado, escupiendo sangre, las guitarras que humean, y diversas pirotécnias, Kiss fue todo un fenómeno de ventas y popularidad en los '70, revolucionando los espectaculos de Rock, siendo considerada la banda más popular de EE.UU. en esa decada. Kiss es la única banda de Rock que ha facturado discos de oro en todos sus álbumes en EE.UU., vendiendo sólo en ese país más de 100 millones de álbumes, en el mundo sus ventas superan los 200 millones de álbumes. (Según la RIAA, encargada de medir las ventas en Estados Unidos, Kiss ha vendido 19 millones de discos en USA sumando las ventas de todos sus discos) Kiss es la banda más influyente del Glam Rock, a pesar que su música se acerca mas al Rock & Roll o Hard Rock de los Setenta y Ochenta; bandas como Poison, Mötley Crüe, Cinderella, Ratt y muchas otras, son seguidores del rock espectáculo de Kiss. La banda original estaba conformada por Gene Simmons (bajo y voz), Paul Stanley (guitarra rítmica y voz), Ace Frehley (guitarra líder y voz) y Peter Criss (batería y voz). Con su composición y trajes, ellos asumieron los personajes de El Demonio (Simmons), el Chico De Las Estrellas (Stanley), el As Espacial (Frehley), y el Hombre Gato (Criss). Debido a los problemas de abuso de substancias y diferencias con los líderes, Criss abandonó Kiss en 1980 durante la grabación del álbum Unmasked y Frehley estaba fuera del grupo en principios del 1983 Las ventas comerciales de la banda también habían menguado considerablemente en ese momento. En 1983, Kiss abandonó su composición y disfrutó un resurgimiento comercial a lo largo del resto de la década. Manteniéndose a flote por una ola de nostalgia hacia Kiss en los años noventa, la banda anunció una reunión de la formación original (con la composición) en 1996. Sin embargo, Criss abandonó la banda en enero de 2001 y Ace Frehley en marzo. Un año después Peter Criss regresó a la banda para grabar Kiss Symphony: Alive IV, abandonándola nuevamente en 2004, siendo reemplazados por Eric Singer y Tommy Thayer respectivamente, mientras Stanley y Simmons han seguido siendo los únicos dos miembros constantes. Kiss, es una banda de hard rock estadounidense formada en la ciudad de Nueva York en el año 1973. Se caracterizó por el uso de maquillaje al más puro estilo Kabuki con personajes de terror o típica historia de cómic y su puesta en escena extravagante. Mientras otros artistas como Alice Cooper y David Bowie representaban el rock de una manera teatral, Kiss fueron aún más lejos en la vertiente circense y autoparódica del rock. En base a sus actuaciones vivas detalladas en el espectáculo destacado, escupiendo sangre, las guitarras que humean, y diversas pirotécnias, Kiss fue todo un fenómeno de ventas y popularidad en los '70, revolucionando los espectaculos de Rock, siendo considerada la banda más popular de EE.UU. en esa decada. Kiss es la única banda de Rock que ha facturado discos de oro en todos sus álbumes en EE.UU., vendiendo sólo en ese país más de 100 millones de álbumes, en el mundo sus ventas superan los 200 millones de álbumes. (Según la RIAA, encargada de medir las ventas en Estados Unidos, Kiss ha vendido 19 millones de discos en USA sumando las ventas de todos sus discos) Kiss es la banda más influyente del Glam Rock, a pesar que su música se acerca mas al Rock & Roll o Hard Rock de los Setenta y Ochenta; bandas como Poison, Mötley Crüe, Cinderella, Ratt y muchas otras, son seguidores del rock espectáculo de Kiss. La banda original estaba conformada por Gene Simmons (bajo y voz), Paul Stanley (guitarra rítmica y voz), Ace Frehley (guitarra líder y voz) y Peter Criss (batería y voz). Con su composición y trajes, ellos asumieron los personajes de El Demonio (Simmons), el Chico De Las Estrellas (Stanley), el As Espacial (Frehley), y el Hombre Gato (Criss). Debido a los problemas de abuso de substancias y diferencias con los líderes, Criss abandonó Kiss en 1980 durante la grabación del álbum Unmasked y Frehley estaba fuera del grupo en principios del 1983 Las ventas comerciales de la banda también habían menguado considerablemente en ese momento. En 1983, Kiss abandonó su composición y disfrutó un resurgimiento comercial a lo largo del resto de la década. Manteniéndose a flote por una ola de nostalgia hacia Kiss en los años noventa, la banda anunció una reunión de la formación original (con la composición) en 1996. Sin embargo, Criss abandonó la banda en enero de 2001 y Ace Frehley en marzo. Un año después Peter Criss regresó a la banda para grabar Kiss Symphony: Alive IV, abandonándola nuevamente en 2004, siendo reemplazados por Eric Singer y Tommy Thayer respectivamente, mientras Stanley y Simmons han seguido siendo los únicos dos miembros constantes. Biografía Inicios El grupo Kiss, cuyo nombre en un principio da a entender algo tan dulce como la palabra "beso", se forma en 1973 en Nueva York, de las cenizas de un grupo llamado Wicked Lester. Es ideado por Chaim Witz quien cambia su nombre a Eugene Kleim, tras sobrevivir a los campos de tortura nazi junto con su madre, más conocido como Gene Simmons, que en 1972 se conoce con Stanley Harvey Eisen (Paul Stanley). Luego de varias discusiones y de conocer diferencias, llegan a ser los mejores amigos; más tarde ponen un anuncio en la revista Rolling Stone, buscando baterista y se les une Peter George John Crisscuola (Peter Criss). Finalmente por otro anuncio en "The Village Voice", Ace Frehley se presenta a una audición de la banda en la cual él es el elegido. Firman para Casablanca Records y graban 3 discos de estudio KISS, Hotter Than Hell y Dressed To Kill. Su estilo no tenía nada que ver con lo que se hacía en los '70, década en que lanzaron su primer álbum, pues dejaron atrás las raíces folk que muchos grupos desarrollaban. Tampoco hacían rock progresivo, enterraron el espíritu hippie que aún tenían muchas bandas, cambiándolo por un sonido crudo y de mucha distorsión, además de potente junto con coros que se hicieron himnos para sus fans. Kiss en ese momento tenía un estilo musical híbrido, con un sonido entre el heavy metal y rock & roll. Con bases rítmicas muy cercanas al Jazz de forma acelerada por parte de Peter Criss y de un pasional y crudo estilo por parte de Frehley, Kiss emanaba una energía brutal en su música. Fama Mundial El éxito para el grupo viene con su disco doble en vivo Alive!, producido por Eddie Kramer en 1975, que obtiene 4 discos de platino y es frecuentemente citado como uno de los mejores discos de rock en vivo de todos los tiempos. En 1976 lanzaron Destroyer, donde evolucionaron desarrollando el estilo Glam que los caracterizaría el resto de su carrera, pues sus canciones simples y melódicas fueron acompañados de un sonido más potente y hasta orquestal bajo la producción de Bob Ezrin, y con la conducción orquestal de Michael Kamen, incluso lanzaron su primer hit comercial: "Beth", una balada cantada por Peter Criss. Este disco contiene canciones que frecuentemente son tocadas en vivo. Después vienen los discos Rock And Roll Over, Love Gun y Alive II. Estos discos y sus actuaciones tan espectaculares en vivo (las cuales incluyen explosiones, humo, fuego, pirotecnia, sangre, plataformas que se elevan, etc.) los hacen ganar reputación como una de las mejores bandas de rock en directo. En 1978 cada uno de los integrantes lanzan sus discos solistas, siendo el disco de Ace Frehley el que tuvo "los mejores resultados" de los cuatro. Experimentación En 1979 lanzan Dynasty, el cual incluía "I Was Made for Lovin' You", el éxito comercial mas grande de la historia de la banda y con una muy notoria influencia de la Música disco. Después de la gira correspondiente y argumentando "no estar contento dentro del grupo", Peter Criss abandona la banda; aún cuando aparece en el video promocional de "Shandi", canción incluida en su siguiente disco: Unmasked. El sustituto es el baterista Eric Carr. Su debut es en el Palladium, en Nueva York. La banda decide que por las bajas ventas de Unmasked dentro de los Estados Unidos, y los deseos de sus fanáticos del resto del mundo por verlos, realizar una gira europea y australiana ese año. Al año siguiente graban Music From The Elder, un álbum conceptual, producido nuevamente por Bob Ezrin. Después de esto y descontento por el estilo musical al cual se estaba dirigiendo el grupo, Ace Frehley decide abandonar la banda. Como sustituto de Frehley entra Vinnie Vincent. En 1982 graban Creatures Of The Night, en el cual Kiss recupera un poco de sus raíces más rockeras clásicas teniendo más éxito que en sus últimos dos discos. El 25 de junio de 1983, en el estadio Morumbí en São Paulo, Brasil, KISS hace su último concierto con maquillaje, donde tocaron ante 601.000 personas. Renacimiento Musical Lick It Up es el primer disco en el cual los miembros del grupo aparecen sin maquillaje en la portada. Este disco marca el paso de KISS a una nueva etapa en su carrera como banda de Glam Rock, dándole un giro a la antigua imagen del grupo. Luego de los tour Euro-Americanos del disco Lick It Up probaron que era la música, y no el maquillaje lo que importaba. KISS comenzó la grabación del siguiente disco, en este tiempo Vinnie Vincent deja la banda , para luego formar Vinnie Vincent Invasion y se une Mark St. John. Animalize fue el disco siguiente, el cual fue producido por Paul Stanley, y que logró solidificar la popularidad de KISS con la generación MTV, en parte producida por el super hit "Heaven's On Fire". St. John fue forzado a retirarse de la banda durante el Animalize Tour a causa de una enfermedad en las manos (sindrome de Reiter) y, para continuar la gira, se usó como remplazo al guitarrista Bruce Kulick, quien pasaría a ser el cuarto guitarrista líder en la historia de la banda. Luego vienen Asylum y Crazy Nights, discos que continúan con el estilo característico de la agrupación en los '80s. Estos discos incluyen éxitos como "Tears Are Falling", "Uh! All Night", "Crazy Crazy Nights" y "Reason To Live". En 1989 grabaron el disco Hot In The Shade , el cual incluye la balada "Forever" y el hit "Hide Your Heart", pero que no logra los resultados esperados. Luego llega el disco Revenge del año 1992, que tiene un sonido más fuerte que los últimos discos de KISS y que además contó con la presencia de Eric Singer en la batería, reemplazando al fallecido Eric Carr. Reunión El 9 de agosto de 1995, graban el disco Mtv Unplugged, donde la formación original se reúne para tocar cuatro canciones, a lo que los fanáticos responden de muy buena manera. Al año siguiente hacen la gira de reunión "Alive Worldwide Reunion Tour", con la cual recorren países en los cuales nunca habían tocado. Esta etapa la llamaron "The Lost Cities". Luego, en 1998 editan el disco Psycho Circus, pero sus ventas no fueron las esperadas. La última gira de la banda se llamó "Rock The Nation", con la cual recorrieron Estados Unidos, Canadá y México. Tocaron por primera vez en el Pop Corn Club. En dicha gira sacaron a la venta el álbum en vivo Symphony: Alive IV, con la Orquesta Sinfónica de Melbourne. "Kiss Symphony: Alive IV" incluye canciones que nunca se habían tocado en vivo, tales como "Shandi" del disco "Unmasked", con el ensamble de la sinfónica, y "Great Expectations" del disco "Destroyer". Actualidad En 2005 salió al mercado el DVD titulado "KISS Rock The Nation Live" que es una recopilación de los conciertos de su ultima gira "Rock The Nation" en Nueva Jersey y Washington, que incluye entre otras canciones "Tears are Falling", "She" (que incluye el solo que Ace Frehley tocara en el disco "Alive!", "Christine Sixteen", "I Want You" "Parasite", "War Machine", "Makin' Love" entre otras; en palabras del grupo: La gira se basa en tocar canciones que los fans quieren escuchar y que no hemos tocado nunca o por más de 25 años. En junio de 2006 recibieron un homenaje por parte del canal VH1 junto con Queen, Def Leppard y Judas Priest, titulado "VH1 ROCK HONORS" donde Rob Zombie, Slash, Gilby Clarke, Tommy Lee, Scott Ian y Ace Frehley rindieron homenaje a KISS con una versión de "God Of Thunder" que raya en lo metalero. El 31 de octubre del mismo año salió a la venta "KISSology - The Ultimate KISS Collection Vol. 1 1974-1977", una caja con 2 DVD (y un DVD extra en algunas versiones). En este DVD podemos ver desde una presentación en el Coventry en 1973, hasta un show sin maquillaje del año 1976, para la boda de Ace Frehley. El 21 de noviembre de 2006 se lanzó la caja "Alive 1974 - 2000" que incluye los 3 Alive's remasterizados, (el "Alive III" remasterizado por primera vez), más el Alive IV "The Millenium Concert", grabado en Vancouver en 1999, que originalmente se iba a lanzar cuando el grupo anunció el Farewell Tour en el 2000, pero que al final por decisiones de la discográfica, nunca se lanzó al mercado. Durante el 2007, Kiss solo hizo algunos shows en vivo, resaltando el de Soboba Casino, del 27 de Julio, donde la banda actúa como trio por segunda vez en su historia y no por primera vez como algunos medios han señalado erróneamente, a petición del público, consultado por la misma banda, debido a que Paul Stanley presentó un cuadro de aceleramiento del pulso cardíaco, siendo sometido a una resucitación, previa parada del corazón realizada por los médicos para poder restablecer el ritmo adecuado. Kiss había tocado como trio en la época de The Elder (1981) en Europa, más precisamente en San Remo en Italia debido a un accidente de Ace Frehley, que le impidió presentarse junto a la banda para promocionar el disco. Luego volvió para la presentación y videos de Creatures of the night (1982), pero en realidad no toca en ese album, siendo reemplazado, entre otros sesionistas, por un tal Vincent Cusano, quien se transformó en Vinnie Vincent, maquillado con la cruz Ankh egipcia como "El Mago" o "El Hechicero", autor o coautor de temas como "I love it Loud", "I still love you", "War Machine" todos de Creatures...más el 80 % del material de Lick It Up (1983), incluyendo el single y gran suceso del record, precisamente llamado como el mismo album. Lick it up (literalmente significa, succiona esto arriba, bastante explícito en cuanto a lo sexista de las letras de Kiss de los 70/80, fue traducido en español como "Tómalo", una versión edulcorada, ya que en una palabra podría haber sido "Chúpalo". Lick it up fue el primer album sin maquillajes, dejando Vincent su influencia en temas de Animalize (1984), en donde siempre se especuló que Vinnie tocó algo en ese record antes de ser despedido por su actitud rebelde y desafiante al binomio Stanley-Simmons, aunque, luego de varios desaires y críticas de ambas partes durante el resto de los 80, Vinnie volvió como coescritor de tres grandes temas para Revenge(1992), un gran album de Kiss, que fueron: "Unholy", "Hearth of Chrome" y "I just wanna", siendos, dos de estos tres temas, nuevos éxitos y hasta clásicos como ya lo es Unholy, por lo que el aporte de Vinnie y la química con Kiss está fuera de discusión. Vinnie armó su banda en los ´80 con buen éxito al principio, más que nada expectativas, pero se diluyó de sus manos, aunque ese trio que quedó sin él fue el germen de Slaughter, con bastante éxito en el circuito glam-soft de la época... En 2008, Kiss se embarca en un nuevo gran Tour Mundial, que comenzó en Australia el 1 de Marzo, en el marco de lo que fue el puntapié inicial a la Fórmula 1 en Melbourne, tocando por primera vez al aire libre en el país de Oceanía, ante más de 50.000 mil personas. Asimismo este Tour Mundial denominado Alive 35 en alusión a los 35 años de Kiss, está confirmado oficialmente por la banda como el más exitoso de todos los hechos por Europa en la historia de la banda, donde, junto a los conciertos de Australia y Nueva Zelandia, ya son unos 35 shows confirmados, faltando luego, seguramente, Japón, Usa, México, Sudamérica y otros lugares. Discografía Discos de estudio * KISS (1974) * Hotter Than Hell (1974) * Dressed To Kill (1975) * Destroyer (1976) * Rock And Roll Over (1976) * Love Gun (1977) * Paul Stanley (1978) * Gene Simmons (1978) * Ace Frehley (1978) * Peter Criss (1978) * Dynasty (1979) * Unmasked (1980) * Music From The Elder (1981) * Killers (1982) * Creatures Of The Night (1982) * Lick It Up (1983) * Animalize (1984) * Asylum (1985) * Crazy Nights (1987) * Hot In The Shade (1989) * Revenge (1992) * Carnival Of Souls (1997) * Psycho Circus (1998) Discos en vivo * Alive! (1975) * Alive II (1977) * Alive III (1993) * Mtv Unplugged (1996) * You Wanted The Best, You Got The Best (Compilatorio en vivo) (1996) * Symphony: Alive IV (2003) Compilatorios * The Originals (Box set de los tres primeros discos) (1976) * The Originals II (1978) * Double Platinum (1978) * Killers (Editado en Japón) (1982) * Chikara (Editado en Japón) (1988) * Smashes, Thrashes & Hits (1988) Otros * Psycho Circus - Japan Import (Editado en Japón, bonus track: In your face) * Detroit Rock City (Soundtrack) (1999) * We're A Happy Family (Tributo a Ramones) (2003) Historia de los miembros Miembro de la banda Instrumento Fecha Álbum Paul Stanley Guitarra rítmica, Voz principal 1973 - Hasta hoy Todos Gene Simmons Bajo, voz 1973 - Hasta hoy Todos Ace Frehley Guitarra líder, voz 1973 - 1983, 1996 - 2002 * Kiss * Hotter Than Hell * Dressed to Kill * Alive! * Destroyer * Rock and Roll Over * Love Gun * Creatures of the night * Kiss Alive II * Dynasty * Unmasked * Music From The Elder * Killers * MTV Unplugged * Psycho Circus * The Box Set * The Very Best Of Kiss Peter Criss Batería, voz 1973 - 1981, 1996 - 2001, 2002 - 2004 * Kiss * Hotter Than Hell * Dressed to Kill * Alive! * Destroyer * Rock and Roll Over * Love Gun * Kiss Alive II * Dynasty * Unmasked * MTV Unplugged * Psycho Circus * The Box Set * The Very Best Of Kiss * Kiss Symphony Eric Carr Batería, voz 1980 - 1991(murió el 24 de noviembre de 1991 con 41 años por un cancer ventricular) * Music From the Elder * Creatures of the Night * Lick it Up * Animalize * Asylum * Crazy Nights * Smashes, Thrashes & Hits * Hot in the Shade * Revenge Bruce Kulick Guitarra líder, voz 1984 - 1996 * Asylum * Crazy Nights * Smashes, Thrashes & Hits * Hot in the Shade * Revenge * Alive III * MTV Unplugged * Carnival of Souls Eric Singer Batería, voz 1991 - 1996, 2001 -2002, 2004 hasta hoy * Revenge * MTV Unplugged * Alive III * Carnival of Souls * Rock The Nathion Vinnie Vincent Guitarra líder 1983 - 1984 * Creatures of the Night * Lick it Up * Revenge Tommy Thayer Guitarra líder 2002 - 2007 - Hasta hoy * KISS Symphony * Psycho Circus * Rock The Nathion Mark St. John Guitarra líder 1984 (murió con 51 años el 5 de abril de 2007 debido a un derrame cerebral) * Animalize Integrantes en la Actualidad * Paul Stanley: guitarra y voz * Gene Simmons: bajo y voz * Eric Singer: bateria y coros * Tommy Thayer: guitarra y coros Led Zepellin: Led Zeppelin fue una banda de rock del Reino Unido considerada una de las más importantes de ese género y una de las más populares durante la década de los setenta. Fue fundada en 1968 por el guitarrista Jimmy Page, quien había pertenecido a The Yardbirds, al incluir en su formación a John Paul Jones como bajista y teclista (al que Page conocía de trabajos anteriores con The Yardbirds), al vocalista Robert Plant y a John Bonham a la batería (que coincidió con Plant en The Band of Joy). Led Zeppelin presentó elementos de un amplio espectro de influencias, como el blues, rock and roll, el soul, la música celta, la música india, la árabe, el folk, el country e incluso el reggae. Aparte de esta marcada versatilidad en cuanto a influencias musicales se refiere, Led Zeppelin demostró en su repertorio una musicalidad tal, que bien puede representar el valor de la dinámica musical en el género de la música clásica, que corresponde con formas y composiciones muy estructuradas, y que dejan en evidencia la capacidad de adaptar conceptos compositivos como el contrapunto, característico en la música desde el periodo barroco. Más de veinticinco años después de la disgregación de la banda en 1980, la música de Led Zeppelin continúa vendiéndose, disfruta de una amplia difusión radiofónica, y ha demostrado ser una de las bandas más influyentes en la música rock. Hasta la fecha, ha vendido más de 300 millones de álbumes en el mundo, incluidos 109 millones sólo en los Estados Unidos, y es la banda con más discos de diamante (otorgados cada 10 millones de ventas) de la historia de la música, junto a The Beatles. Los discos con esta certificación son: Box Set (10 millones), Led Zeppelin II (12 millones), Led Zeppelin IV (23 millones), Houses of the Holy (11 millones) y Physical Graffiti (15 millones). Historia Formación de la banda y primeros trabajos (1968-1969) Led Zeppelin se formó a finales de 1968 cuando Jimmy Page, que ya tenía cierta reputación en Inglaterra por su labor como músico de estudio y por ser el último guitarrista de la banda The Yardbirds, buscaba nuevos músicos para su nuevo proyecto, The New Yardbirds (nombre que provocaba ciertos problemas legales), constituido a partir de la disolución de The Yardbirds. El nombre de la banda surgió a raíz de un mal chiste de Keith Moon, batería de The Who (en una sesión de grabación de un tema de Jeff Beck en el que participaban Jimmy Page, John Paul Jones, John Entwistle y el propio Keith Moon), cuando dijo que la banda fracasaría y caería "como un Zeppelin de Plomo". El nombre surgió en un principio como Lead Zeppelin, pero a recomendación de Peter Grant, el mánager de la banda, se suprimió la a de Lead (plomo, en inglés) para evitar problemas de pronunciación por parte de los hablantes norteamericanos, ya que las vocales ea se pronuncian como una i en el inglés de Norteamérica. Sin embargo, el bajista de The Who, John Entwistle, posee su propia versión de los hechos: "Después de cuatro años empecé a estar harto de los Who, así que hablé con un tío que ahora es jefe de producción de Led Zeppelin. Estaba hablando con él en un club, en Nueva York, y le dije 'Sí, estoy pensando en dejar el grupo y formar el mío. Lo voy a llamar 'Led Zeppelin'. Y como portada del disco voy a poner el Hindenburg en llamas, ya sabes, todo este negocio...' Y unos dos meses después, empezó a trabajar con Jimmy Page, y como estaban buscando un nombre, él sugirió 'Led Zeppelin', a Page le gustó y salieron con la misma portada de disco que yo había planeado". El jefe de producción al que se refiere Entwistle es Richard Cole, futuro "road manager" de la banda. The Yardbirds se separó en 1968, y Page y el bajista de la banda, Chris Dreja, comenzaron a buscar miembros para una nueva formación. El primer candidato para el puesto de vocalista fue Terry Reid, quien se negó a ser parte de la banda, pero recomendó a un amigo suyo llamado Robert Plant. En agosto de 1968, Page, Dreja y Peter Grant viajaron a Birmingham para ver la banda de Plant, Hobbstweedle. Plant aceptó la oferta de Page para entrar en la banda en una reunión en la casa de Page. Plant tenía un amigo que tocaba la batería, John Bonham, que también se uniría al grupo. Poco después de la llegada de Bonham, Dreja abandonó la música para convertirse en fotógrafo, por lo que los tres componentes de la banda se ven obligados a buscar un nuevo bajista. John Paul Jones, un amigo de Page y conocido músico de sesión, se enteró de la noticia y le propuso a su amigo su entrada en la formación, quedando cerrada la banda. Lo primero que hicieron fue ensayar un blues normal de 12 compases. En ese momento se vio la "química" que había entre los cuatro miembros. Su primer cometido fue acabar una gira pendiente en Escandinavia bajo el nombre de The New Yardbirds, en la que tocaron muchos de los temas que forman parte de su álbum debut. Después de la gira, y ya bajo el nombre de "Led Zeppelin", Peter Grant, mánager de la banda, otorgó a la banda 200.000 dólares a cambio de producirse su primer álbum. Tal suma de dinero provenía del sello Atlantic Records, que estaba interesada en fichar el mayor número posible de grupos que surgían durante aquella época amparados bajo el estilo blues y hard rock, algo que Led Zeppelin cumplía a la perfección, por lo que Atlantic contrató a la banda sin siquiera haberlos visto, sólo bajo la recomendación de Dusty Springfield. Su primer disco fue publicado el 12 de enero de 1969, bajo el nombre de Led Zeppelin. Fue grabado en apenas una semana (grabado, mezclado y editado) en los estudios Olympic de Londres en octubre de 1968, empleando apenas 30 horas de estudio y sin casi horas de ensayo. Al principio, el público británico no respondía muy efusivamente al lanzamiento del álbum, producido por Page, lo que se convertiría en una constante a lo largo de la historia del grupo, un hecho que provocó que la banda no publicase singles en Inglaterra. Tras embarcarse en su primera gira norteamericana y gracias a las explosivas actuaciones de la banda, el álbum tuvo un éxito inmenso en crítica y público, sobre todo en Estados Unidos. La prensa calificó al álbum como heavy metal, algo con lo que la banda no estaba de acuerdo. Robert Plant declaró que "es injusto calificar a la banda como heavy metal, ya que un tercio de nuestra música es acústica". Poco después de la edición de este álbum debut, la banda decidió no publicar ningún single en Inglaterra, deteriorando la promoción del disco y de los trabajos posteriores. Como curiosidad cabe destacar que, durante la gira de apoyo al disco Led Zeppelin I en Dinamarca, el grupo actuó bajo el nombre de The Nods por prohibición de la baronesa Von Zeppelin (familiar del inventor del dirigible) a utilizar su nombre real, quien arguyó que eran unos "monos gritones", además de criticar la portada del disco, foto cortesía del ex-bajista de la banda, Chris Dreja. Además, las autoridades de Singapur impidieron a la banda entrar en el país para dar un concierto debido a que tenían el pelo demasiado largo. Durante 1969, la banda se las arregló para terminar las giras europea y americana y grabar durante las mismas su segundo trabajo, que fue publicado el 22 de octubre de dicho año bajo el nombre de Led Zeppelin II. Este álbum los consagró definitivamente, llegando al número 1 en las listas británica y estadounidense (destronando al Abbey Road de The Beatles) y permaneciendo allí durante siete semanas, probablemente gracias al éxito de temas como "Whole Lotta Love" y "Heartbreaker". Como apoyo al disco, la banda dio un par de giras más por Estados Unidos cada vez ante audiencias más grandes debido al aumento de popularidad que supuso la publicación del segundo álbum del grupo, alargando los conciertos durante más de tres horas. Led Zeppelin III y el álbum sin título (1970-1972) Para la composición del tercer disco de Led Zeppelin, los miembros de la formación se retiraron a Bron-Yr-Aur, una remota casa rural de Gales, en 1970, donde también grabaron el material allí ideado. El 5 de octubre de 1970 se publica su tercer disco, Led Zeppelin III, tras el cual algunos acusaron al grupo de ser un montaje comercial, debido al carácter íntimo y acústico de las canciones contenidas en dicho álbum, que a pesar de no ser muy bien recibido tanto por la crítica como por sus admiradores, contenía composiciones que con el tiempo se convirtieron en clásicos, como "Immigrant Song", el primer single de la carrera del grupo a pesar de sus negativas a que fuese publicado, o "Since I've Been Loving You". La banda entera y sobre todo Jimmy Page se tomó personalmente estas críticas, lo que provocó que su cuarto trabajo, en su edición original, no tuviera título ni nada que permitiera identificarlo, a excepción de cuatro extraños símbolos, o runas () uno para cada miembro de la banda. Este álbum, reconocido comúnmente como Untitled y principalmente como Led Zeppelin IV por inercia, publicado el 8 de noviembre de 1971, fue el LP más vendido de la banda (actualmente está en la ubicación nº 4 de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA), en el que destaca su mayor éxito, "Stairway to Heaven", además de clásicos de la banda como "Black Dog", Rock and Roll", "Going to California" y "When The Levee Breaks", de la cual destaca el imponente sonido atronador y pesado de la batería de John Bonham. El solo de guitarra de Stairway To Heaven fue elegido por los lectores de la revista Guitar World Magazine como "el mejor solo de todos los tiempos". El disco vino acompañado de un ligero cambio de imagen de los integrantes del grupo, quienes comenzaron a vestir vistosas ropas y extravagantes collares y joyas al estilo de las grandes estrellas de la época. Es también durante este tiempo cuando se popularizaron los excesos de Led Zeppelin, ya que empezaron a viajar en un jet privado (llamado "The Starship"[13] ) alquilando plantas enteras de los hoteles en sus estancias durante las giras. Hasta julio de 2006, el cuarto disco de Led Zeppelin ha vendido 23 millones de copias en Estados Unidos, convirtiéndose en el cuarto álbum más vendido de la historia. Houses of the Holy y Swan Song (1973-1975) Su siguiente disco, Houses of the Holy, publicado el 28 de marzo de 1973, supuso una nueva idea en el grupo, mezclando diversos estilos musicales, blues, rock, folk, e incluso matices reggae. Como siempre, el álbum causó controversia entre los críticos a pesar de tener excelentes ventas. La canción "Houses of the Holy" fue grabada inicialmente para incluirse en su álbum homónimo, aunque finalmente aparece en su siguiente trabajo La portada del disco también tuvo su polémica, ya que en ella aparecen varios niños desnudos escalando una especie de cuesta empedrada, por lo que fue prohibido en algunos países, entre ellos España. La gira de presentación del disco fue multitudinaria, consiguiendo en un concierto en Florida la cifra de 56.800 espectadores, superando el récord anterior ostentado por The Beatles,ingresando ese día 309.000 dólares. Para sentirse más cómodos en la grabación de sus álbumes, Led Zeppelin crearon en 1974 su propio sello discográfico, Swan Song, aunque dependiendo todavía de su compañía discográfica Atlantic Records. El nombre de la compañía viene de una de las pocas canciones inéditas del grupo. A partir de ese momento, la banda hizo todas sus grabaciones bajo este sello. El logotipo de la compañía, que reproduce al dios griego Apolo, se convirtió en el símbolo de Led Zeppelin, incluyéndose en muchos objetos de merchandising de la banda a partir de entonces. Dicha compañía fue rentable durante la vida de Led Zeppelin, aunque tres años después de la separación de la banda, el sello tuvo que cerrar. Entre 1973 y 1974 la banda se tomó un descanso de su frenética combinación de grabaciones y espectaculares giras, dedicándose a realizar colaboraciones, componer canciones y a otros muchos asuntos no tan relacionados con la música. El 24 de febrero de 1975 se publicó Physical Graffiti, el primer trabajo concebido desde Swan Song. Se trataba de un álbum doble que además de contener piezas nuevas como "Kashmir", que más adelante Puff Daddy usaría como base en la BSO de la película Godzilla, incluía material descartado de álbumes anteriores. Este álbum es considerado uno de los mejores de la banda, probablemente por la cantidad y diversidad de temas. 1975 supuso la coronación de Led Zeppelin como una de las mejores bandas de rock de la historia, tanto por la crítica como por las actuaciones en directo de ese año, que fueron apoteósicas y multitudinarias. Sin embargo, el acelerado ritmo de trabajo de Led Zeppelin se vio interrumpido cuando en el verano de ese mismo año Robert Plant sufrió un grave accidente automovilístico en la isla griega de Rodas, dejando a su mujer Maureen al borde de la muerte. El accidente fue seguido por una difícil y larga recuperación que se extendió aproximadamente un año hasta finales de 1976. Presence y In Through the Out Door (1976-1979) Fue en este año en el que se preparó a toda velocidad el siguiente trabajo de la banda, Presence, publicado el 31 de marzo de 1976 y grabado entre la ciudad alemana de Munich y Malibu, en California, caracterizado por no tener ninguna canción acústica y no hacer uso de ningún teclado. Es un álbum marcado por el estado convaleciente de Robert Plant, quien grabó sus tomas vocales sentado en una silla de ruedas o en muletas. El álbum fue recibido con diversidad de opiniones por crítica y público debido a su carácter más suave y lento. Jimmy Page siempre dijo que éste es su disco preferido, y el tema que da inicio al disco, "Achilles Last Stand", su tema favorito con sus más de 10 minutos. Posteriormente editaron su primer disco en vivo, The Song Remains The Same, banda sonora de la película del mismo nombre, la cual muestra unas actuaciones de 1973 en Nueva York que finalizaron una gira estadounidense, mezcladas con unas escenas de fantasía ideadas por la propia banda. Sin embargo, el disco caló negativamente en el Reino Unido debido al potente auge de las nuevas bandas de punk británicas, considerándose a la banda como "obsoleta". Tras volver a los escenarios en 1977, de nuevo Robert Plant volvió a verse afectado por la desgracia, esta vez por la muerte de su hijo Karac Pendra de seis años, a causa de una infección estomacal. Este hecho marcó profundamente a Plant, llegando a plantearse su continuidad dentro de la banda. Sin embargo, Robert recapacitó y en 1978 la banda volvió al estudio, concretamente al del grupo ABBA en Estocolmo, para grabar el que sería inesperadamente su último álbum de estudio, In Through the Out Door publicado el 15 de agosto de 1979. Desgraciadamente, de nuevo encontrarán problemas para terminar el álbum ya que por aquel entonces, Jimmy Page y John Bonham se encontraban en un estado de adicción a las drogas (heroína) y al alcohol respectivamente, un hecho que hace de In Through the Out Door el único álbum de Led Zeppelin que contiene los primeros y únicos temas de la banda en los que no figura Page como autor. En la gira de 1979 se vio por primera vez a unos Zepp no tan concentrados en la improvisación (era un rasgo bastante característico de su compenetración como banda en directo), y más centrados en las canciones en sí. A pesar de ello, una audiencia de cerca de 120.000 personas respaldó a la banda en un concierto en Copenhague. La banda había llegado a un estado de madurez, tanto a nivel compositivo como a nivel personal habiendo apartado ya la mayoría de sus excesos y reemplazándolos por profesionalidad. Por aquel entonces eran de las únicas bandas capaces de llenar un estadio frente al fracaso comercial de las bandas punk rock surgidas entonces. Durante esta época, Robert Plant había estado pensando en abandonar la banda debido al cansancio ocasionado por la gira de 1979, aunque Peter Grant consiguió convencerlo para continuar. Dicha gira se extendió hasta 1980, cuando Bonham tuvo que ser ingresado en un hospital de Núremberg, Alemania, debido a una indigestión, aunque la prensa especuló con las drogas y el alcohol como posibles causas. La banda acabó la gira en Berlín el 7 de julio del mismo año. Disolución de la banda y Coda (1980-1982) Con la llegada de 1980 Led Zeppelin volvió a las grandes giras europeas, anunciaron un nuevo gran tour por Norteamérica ese año, que nunca pudo ser realizada ya que el día 25 de septiembre fue la fecha más trágica en la historia del grupo: John Bonham murió en la mansión de Page asfixiado por la ingestión accidental de su propio vómito provocado por el consumo excesivo de alcohol. No se encontraron drogas en el cuerpo del baterista, como se había especulado. La idea de continuar nunca se cruzó por la mente de los restantes integrantes de la banda a pesar de los rumores de la incorporación de nuevos baterías. Elaboraron un comunicado oficial en el que explicaron que ya nada era lo mismo sin Bonham, y que era inútil continuar sin él. Al tener firmado un contrato que los obligaba a sacar un nuevo álbum, y ante la negativa de grabar nuevas canciones sin Bonham, se optó por buscar material inédito hasta entonces que conformó el LP Coda (1982), disco que presenta canciones que se descartaron en la realización de discos anteriores y alguna toma en directo de canciones ya grabadas. En los años siguientes los integrantes de Zeppelin mantuvieron su decisión de no reunirse. Sólo en esporádicas ocasiones se los vio juntos en un escenario. Últimamente Page y Plant decidieron encontrarse para hacer algo juntos, grabando algún disco conjunto algunos años después de la separación de la banda. Miembros * Robert Plant - voz, armónica y pandereta. * Jimmy Page - guitarra eléctrica y acústica. * John Paul Jones - bajo, teclados y mandolina. * John Bonham - batería y percusión. Después de la separación En 1982 Plant editó un álbum solista llamado Pictures at Eleven, con un estilo similar al de Led Zeppelin. Luego, en 1983 apareció el disco The Principle of Moments, donde se notan influencias de Genesis, sobre todo teniendo en cuenta que el batería de dicha banda, Phil Collins, fue quien grabó las partes de batería en el disco. La primera aparición de Page después de Zeppelin sucedió en 1982 cuando compuso algunos temas para la película Death Wish II (protagonizada por Charles Bronson) y se editó su correspondiente banda sonora. Al mismo tiempo, se encargó de editar el disco Coda, con temas inéditos y descartes de Led Zeppelin. En 1983 se unió a Jeff Beck y a Eric Clapton, ex-compañeros suyos en The Yardbirds, para dar una serie de conciertos de los que se han editado numerosos discos. John Paul Jones, por su parte, compuso la banda sonora de la película Scream For Help (1984), del mismo director de Death Wish II, trabajó con Diamanda Galas y realizó producciones artísticas esporádicas antes de sacar sus actuales discos solistas instrumentales. Actualmente es un conocido productor y arreglista de música rock. En 1984, Page y Plant volvieron a unirse y formaron The Honeydrippers junto a artistas de la talla de Jeff Beck y Paul Shaffer. Su disco se llamó The Honeydrippers Vol. 1 y su tema "Sea of Love" trepó al tercer puesto en las listas norteamericanas, mejor incluso que su famoso tema "Whole Lotta Love". Realizaron una gira, donde tocaron en el Saturday Night Live, y después de eso Page decidió tomar otros rumbos, por lo que la banda se disolvió. Con motivo del concierto benéfico Live Aid, Page, Plant y Jones se reunirían en 1985 para tocar en directo los temas "Rock and Roll", "Whole Lotta Love" y "Stairway to Heaven" en el estadio John F. Kennedy de Filadelfia. En la batería estuvieron Phil Collins y Tony Thompson. En 1988, y con motivo del 25 aniversario de Atlantic Records, el grupo vuelve a unirse para un concierto de conmemoración, ocupando el puesto de John Bonham su hijo Jason. Page formó The Firm con Paul Rodgers y Chris Slade, y más tardé publicó algunos discos en solitario como Outrider (1988), en el que colaboraron Plant y Jason. En 1993 grabó un disco con el cantante de Whitesnake y Deep Purple, David Coverdale. Se llamó Coverdale/Page, aunque en un principio iba a llamarse Legends (leyendas). Por su parte, Plant ha sacado algún disco en solitario con colaboraciones de Page. En 1994 Page y Plant grabaron el especial Unledded para la MTV (aunque sin contar con Jones) al que siguieron los discos No Quarter y Walking into Clarksdale. Discografia [