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El cine español es muy particular. Me gusta ese realismo que se plasma en la pantalla, esa rudeza a la hora de contar una buena historia dramática, ese claro arraigamiento por el terror, lo turbia que puede volverse una trama, la clara influencia hollywoodense sin dejar denotar su real procedencia y un sin fin de características que hacen que ame a este país por su gran cinematografía. El laberinto del fauno (2006, Guillermo del Toro) La pelicula: Ofelia y su madre, Carmen, que se encuentra en avanzado estado de gestación, se trasladan a un pequeño pueblo al que ha sido destinado el nuevo marido de Carmen, Vidal, un cruel capitán del ejército franquista por el que la niña no siente ningún afecto. La misión de Vidal es acabar con los últimos miembros de la resistencia republicana que permanecen escondidos en los montes de la zona. Una noche, Ofelia descubre las ruinas de un laberinto, y allí se encuentra con un fauno, una extraña criatura que le hace una sorprendente revelación: ella es en realidad una princesa, la última de su estirpe, y los suyos la esperan desde hace mucho tiempo. Para poder regresar a su mágico reino, la niña deberá enfrentarse a tres pruebas. ¿Por qué es genial?: Porque del Toro logró crear un ambiente exquisito, logró mezclar la realidad y la fantasía de una manera muy pura, mimetizó la dictadura a través de una fabula. Es dura, muy dura y no es un cuento infantil como otros, este contiene un grado de realismo muy grande, y todo el tiempo se juega por el doble sentido. ¿Es todo un sueño de nuestra protagonista o es la pura realidad de lo que se vivió en el franquismo? (2007, Jaume Balagueró y Paco Plaza) La pelicula: Cada noche, Ángela, una joven reportera de una televisión local, sigue con su cámara a un grupo profesional distinto. Esta noche le toca entrevistar a los bomberos y tiene la secreta esperanza de poder asistir en directo a un impactante incendio. Pero la noche transcurre tranquilamente. Y cuando, por fin, reciben la llamada de una anciana que se ha quedado encerrada en su casa, no le queda otro remedio que seguirlos durante la misión de rescate. En el edificio donde vive la anciana, los vecinos están muy asustados. La mujer, encerrada en su piso, lanza unos gritos desgarradores... Los bomberos derriban la puerta y, seguidos por Ángela y el cámara, encuentran a la anciana semiinconsciente, rodeada por decenas de gatos. De pronto, la mujer se lanza sobre un bombero y le muerde salvajemente. Es sólo el comienzo de una larga pesadilla y de un dramático reportaje único en el mundo: cuando los bomberos se llevan al herido, descubren que la única salida del edificio está bloqueada por orden de las autoridades: el edificio ha sido puesto en cuarentena y parece que un extraño virus se ha propagado en su interior. ¿Por qué es genial?: Porque su premisa es de lo más acertada, original e interesante. Desde un principio la pelicula te engancha (mas con lo buena que esta Angela) y te sumerge en ese terrible edificio español. Todo lo que sigue es terror puro, con esa cámara en mano que tan bien se veía en "El Proyecto de la Bruja de Blair" y que tan bien sus directores supieron aprovechar. Hasta la historia tiene su toquesin de complicada. Luego no supieron parar y largaron unas secuelas que mucha justicia no le hicieron, y mucho menos su remake yankee. El orfanato (2007, Juan Antonio Bayona) La película: Laura se instala con su familia en el orfanato en el que creció de niña. Su propósito es abrir una residencia para niños discapacitados. El ambiente del viejo caserón despierta la imaginación de su hijo, que empieza a dejarse arrastrar por la fantasía. Los juegos del niño inquietan cada vez más a Laura, que empieza a sospechar que en la casa hay algo que amenaza su familia. ¿Por qué es genial?: Porque la trama sabe formarse perfectamente, porque es fresca, y Bayona sabe muy bien guiar la pelicula para que sea entretenida, en la que se impregna una técnica cinematográfica exquisita. Terror puro, bien hecho, hilado, con una inspiración clara en las buenas peliculas yankees, pero con un toque español muy especial. Los otros (2001, Alejandro Amenábar) La pelicula: La II Guerra Mundial ha terminado, pero el marido de Grace no vuelve. Sola en un aislado caserón victoriano, educa a sus hijos dentro de rígidas normas religiosas. Los niños sufren una extraña enfermedad: no pueden recibir directamente la luz del día. Los tres nuevos sirvientes que se incorporan a la vida familiar deben aprender una regla vital: la casa estará siempre en penumbra, y nunca se abrirá una puerta si no se ha cerrado la anterior. Pero el estricto orden que Grace ha impuesto se verá desafiado por circunstancias que escapan a su control. ¿Por qué es genial?: Primero Amenábar, mi segundo director español favorito que va a reaparecer mas adelante en esta lista. Un tipo peculiar que hace peliculas originales y casi todas buenas. Segundo, es una pelicula con uno de los finales mas intrincados que he visto. Tres, su gran ambientación: quizás una de las mas mágicas que he visto en el cine; tiene mucho que ver con su trama y es exquisita. Su historia esta a la altura, y la actuación de Nicole Kidman es quizás una de las mejores en su carrera. Los Cronocrímenes (2007, Nacho Vigalondo) La película: Un hombre descubre a través de sus prismáticos a una preciosa joven e intenta encontrarla en la profundidad del bosque. De repente, un individuo armado con unas tijeras y la cara vendada lo ataca por la espalda, a pesar de lo cual consigue huir y llega a un laboratorio científico situado en mitad del bosque. Allí, una máquina le ofrece la oportunidad de realizar un viaje extraordinario, un viaje en el que la posibilidad de encontrarse a sí mismo será la primera de una serie de catástrofes de consecuencias imprevisibles. ¿Por qué es genial?: Viajes en el tiempo. Esa cosa que siempre me atrapa aunque no sea muy original. Acá se supo aplicar muy bien y aunque parezca mas un juego que una pelicula la trama tiene su punto interesante que se aprovecha muy bien en la cinta. Punto a "Los Cronocrímenes" por ser un poco inteligente y no mofarse de ello. La isla mínima (2014, Alberto Rodríguez) La película: España, a comienzos de los años 80. Dos policías, ideológicamente opuestos, son enviados desde Madrid a un remoto pueblo del sur, situado en las marismas del Guadalquivir, para investigar la desaparición de dos chicas adolescentes. En una comunidad anclada en el pasado, tendrán que enfrentarse no sólo a un cruel asesino, sino también a sus propios fantasmas. ¿Por qué es genial?: Porque logra hacer al pie de la letra una pelicula de detectives, un pueblo enigmático, dos protagonistas con un trasfondo bien elaborado, una historia de crimen muy interesante y un ritmo pausado pero entretenido. Técnicamente es preciosa y la fotografía se luce hermosamente. Todo sobre mi madre (1999, Pedro Almodóvar) La película: Manuela, una madre soltera, ve morir a su hijo el día en que cumple 17 años, por echarse a correr para conseguir el autógrafo de Huma Rojo, su actriz favorita. Destrozada, Manuela viaja entonces a Barcelona en busca del padre del chico. ¿Por qué es genial?: Porque es de mi director preferido del cine español, porque dirige melodramas exquisitos y además nos crea un universo alredor de la pelicula que nos hace sumergir en algo único, fuera de común y a la vez tan realista como la vida misma. En este film Almodóvar (quizás su mejor film hasta ahora) se mueve a través de una historia interesante y bien formada con unos protagonista principales y secundarios inmemorables, además de derrochar todo el tiempo una técnica impecable. La piel que habito (2011, Pedro Almodóvar) La película: Desde que su mujer sufrió quemaduras en todo el cuerpo a raíz de un accidente de coche, el doctor Robert Ledgard, eminente cirujano plástico, ha dedicado años de estudio y experimentación a la elaboración de una nueva piel con la que hubiera podido salvarla; se trata de una piel sensible a las caricias, pero que funciona como una auténtica coraza contra toda clase de agresiones, tanto externas como internas. Para poner en práctica este hallazgo revolucionario es preciso carecer de escrúpulos, y Ledgard no los tiene. Pero, además, necesita una cobaya humana y un cómplice. Marilia, la mujer que lo cuidó desde niño, es de una fidelidad perruna: nunca le fallará. El problema será encontrar la cobaya humana. ¿Por qué es genial?: Que decir de esta pelicula, es de mis preferidas por lejos del cine español. Su trama tan turbia, complicada por momentos y variada por otros, es de las mejores que he visto. Almodóvar se centra en contar una historia de a partes, se posiciona en un lugar para luego ir al otro y así hilar una sola, la de la locura del doctor y su experimento. Es un film cargado de suspenso, es profundo, por ratos cómico y triste, lo tiene todo. Camino (2008, Javier Fesser) La película: Una aventura emocional en torno a una deslumbrante niña de once años, muy religiosa, que se enfrenta al mismo tiempo a dos acontecimientos que son completamente nuevos para ella: enamorarse y morir. 'Camino' es, sobre todo, una luz brillante capaz de atravesar todas y cada una de las tenebrosas puertas que se van cerrando ante ella, y que pretenden en vano sumir en la oscuridad su deseo de vivir, amar y sentirse definitivamente feliz. Inspirada en la verdadera historia de Alexia González Barros, la hija menor de una familia perteneciente al Opus Dei, que falleció en 1985 a los 14 años de edad, y que actualmente está en proceso de canonización. ¿Por qué es genial?: Porque hace una representación fiel a lo que plantea, es un film sincero, que no cae en el dramon básico y logra emocionarte hasta el final, te engancha con una historia por demás triste pero lo hace de manera inteligente. Si quieren llorar acá tiene una buena peli para hacerlo. Tesis (1996, Alejandro Amenábar) La película: Ángela, estudiante de Imagen, está preparando una tesis sobre la violencia audiovisual. Como complemento a su trabajo, su director de tesis se compromete a buscar en la videoteca de la facultad material para ella, pero al día siguiente es hallado muerto. Ángela conoce a Chema, un compañero experto en cine gore y pornográfico, y a Bosco, un extraño chico, amigo íntimo de una joven asesinada en una snuff movie. ¿Por qué es genial?: Porque sin lugar a dudas es la mejor pelicula de Amenábar, una pelicula profunda en lo que intenta decir, y excelente en lo que demuestra. La historia se desarrolla de manera perfecta, el guión es el mayor fuerte, técnicamente no puede ser lo mejor porque el presupuesto en su momento era muy poco, pero no disminuye la calidad para nada, de hecho le da un aire excelente mas allá de que trate de contenidos de violencia audiovisual. De lo mejorcito que nos ha dado el cine español. Otro post que pueden interesarte:

Windows 8 trajo consigo el Metro UI, su mayor novedad. Esa pantalla en donde te mostraban los "tiles" o mosaicos dinámicos que "querían" reemplazar a los iconos comunes y corrientes. No les fue muy bien, la interfaz forzaba al usuario a usarla y olvidarse del escritorio. Posteriormente lo corrigieron con Windows 8.1 pero todavía su formato tablet no se adaptaba a las PCs de escritorio. Windows 10 integró esa pantallá al menú inicio. No cambió mucho pero sin dudas fue una buena idea. Sin embargo sigue siendo aburrido, los iconos son simples, feos y completamente no editables. "TileCreator", un usuario de los foros de XDA, creo una herramienta (en fase beta) que logra cambiar ese aburrido menú inicio. El programa tiene sus complicaciones a la hora de usarlo pero funciona. Instrucciones: 1. Primero hay que ir a la Microsoft Store de Windows 10 e instalar TileCreator. 2. Luego de tener ese programa listo hay que bajar un programa de acá: Dropbox: https://www.dropbox.com/s/s4eu96pcl1fgefr/TileCreatorProxy.exe?dl=0 3. Ejecutar TileCreatorProxy.exe como administrador. Esto hace instalar cosas en el registro que sirven para que el programa funcione, si no lo ejecutan como administrador tendran que borrar la carpeta que se creó (en el punto 4) y ejecutarlo de vuelta COMO ADMINISTRADOR. 4. Buscar C:/TileCreator/ApprovedApps.config y abrir ese archivo con el bloq de notas. Acá tiene que poner dos cosas: el nombre de la app y la ubicación del exe. Ejemplo: 5. Abrir la app que bajaron de la Store de Microsoft llamada "TileCreator" y: 1. Le ponen el nombre que le pusieron en el bloq de notas. 2. Eligen una imagen que va a mostrar (al final de post les dejo un pack de imagenes) 3. Click en Pin Tile. Es muy MUY posible que el programa no les funcione y tengas que repetir el paso 3, borrar la carpeta que les crea y abrir como admin el TileCreatorProxy.exe hasta que les funcione. Packs de Iconos: http://dakirby309.deviantart.com/art/Metro-UI-Icon-Set-725-Icons-280724102 https://icons8.com/download-huge-windows8-set/ http://dakirby309.deviantart.com/art/Icon-Pack-2-160714703 http://crussong.deviantart.com/art/MetroUI-Game-Icon-Pack-V1-262061436 Otro post que pueden interesarte:

Series inspiradas en otras series, afanosamente algunas, a modo de homenaje otras. No vamos a acusar de plagio a nadie (que no tenemos ni para pagar un abogado) por lo que solo remarcaremos algunos sospechosos parecidos. ¿A qué viene esto? ¡Pero che, no es tan grave! ¡Es nada más que una similitud en la gráfica! ¡Todos quieren ser Breaking Bad! The Walking Dead también realizó un poster inspirándose en Walter y Jesse y nadie hizo tanto escándalo: Un asesino serial. Hay miles de historias de ese tipo pero en materia de series la primera que se nos viene a la mente, tal vez por popularidad o cercanía en el tiempo, es la finalizada Dexter. Y oh sorpresa nos llevamos cuando vemos otra semejanza: quien deberá investigar los crímenes es la hermana del protagonista, que no sabe tiene al villano muy a su lado. Cualquier similitud entre los personajes de Julio Chávez y Claudia Fontán con los de Michael C. Hall (Dexter) y Jennifer Carpenter (Debra) es pura coincidencia… o no. No voy a juzgar un producto que aún no vi (y que espero con muchas ganas) pero tengo que decirlo. ¿Están mal este tipo de errores en la matrix que llevan a un guionista a “apoyarse” fuertemente en lo que otro escribió antes? No, de hecho los homenajes o referencias suelen funcionar muy bien si están bien puestos en el nuevo contexto. ¿Acaso alguien duda del anclaje de Los Simuladores en Brigada A? Eso no quita que la serie de Telefe haya sido más que excelente y que la amemos. O, yendo al plano internacional, no me canso de recomendar la nueva serie Mr. Robot: la producción de USA Network está plagada de homenajes/parecidos/choreos pero todo fluye tan normalmente y con tanto nivel que lo aceptás y hasta lo agradecés. Padre de Familia es la gloria, claro, pero imposible negar que nació copiando Los Simpson. En el capítulo The Italian Job, los amarillos “hacen un chiste” acusando de plagio al show de Seth MacFarlane y a su vez a American Dad. Plagio y plagio del plagio. Hermoso momento de chicanearse al aire. En el caso Signos esperamos nos tapen la boca y esa relación de hermanos asesino/policía esté tan bien desarrollada que no nos interese el que ya la hayamos visto. En cuanto al look Heisenberg de Chávez es una decisión bastante inentendible. No hacía falta lookearlo como el personaje más importante de las series en los últimos tiempos, pero ellos sabrán lo que hacen. ¿No? Ejemplos de estos afanos homenajes hay a raudales, por donde observemos. Una mirada rápida a la pantalla local nos sorprenderá con otra similitud llamativa: -Chica pobre es violada por un grupo de hombres de buena posición económica. Con el paso de los años la mujer vuelve a emprender su venganza contra cada uno de ellos. ¿Entre Caníbales, la tira de Juan José Campanella en Telefe? No. Bueno, o sí. Es la trama de la telenovela Venganza de Mujer que emitió Canal 9 en 1986 con protagónicos de Luisa Kuliok y Raul Taibo. Tampoco es que este tipo de historias de venganzas las hayamos inventado los argentinos. Pero la cosa no es de ahora: la genial Hermanos y Detectives (2006) tiene mucho de la serie animada japonesa Detective Conan (1996); ni hablar de Verano del 98 donde se trajo a nuestras tierras el éxito de Dawson’s Creek -con costa incluída- que justamente comenzó a emitirse en Canal Sony un par de meses después de estrenarse la serie de Cris Morena, estallando el escándalo. La particularidad de esto: la argentina se estrenó antes que Dawson en Estados Unidos ¿Cómo pudo suceder? Gustavo Yankelevich, gerente del canal de las pelotas por aquellos tiempos, se hizo cargo de “la inspiración”. En junio del año último (1997) la gente de Sony mostró pilotos a todos los programadores de América. Cuando vi el de Dawson´s Creek me pareció bárbaro e inicialmente tuve la idea de comprarlo, pero hasta el mes de diciembre no tuve novedades y había grandes posibilidades de que el programa finalmente no se hiciera –dijo a La Nación –. Como ya teníamos la idea de hacer una novela sobre adolescentes, se me ocurrió tomar como referente ese piloto que había visto y se puede decir que Verano del 98 está inspirado en él Otra polémica copia fue Cuatro Amigas, la serie de Ideas del Sur (bien por ustedes si no se acuerdan de ella) con Inés Estévez, Paola Krum, Mirtha Busnelli y Valeria Bertuccelli que era un choreo a mano armada a Sex and the City. Chicas hablando de sexo sin pudores y hasta situaciones casi calcadas, como esta que encontró la gente de Resiste un Archivo donde en ambos shows una muchacha relata su experiencia al encontrarse frente a un “pene corto”. Es un tema universal pues de esos hay en todos los países y sin diferencia de épocas (dicen, no sé, no tenemos esos problemas) pero ¡pará de robar! Está de más aclarar cuál fue primero al aire. Salgamos un rato del país. Hay otro caso muy reciente que llama poderosamente la atención: True Detective. La gloriosa primera temporada tuvo su escándalo al ser sospechada de plagio, algo que hablamos largo y tendido aquí. Con la vapuleada y golpeada 2º temporada ¡vuelve a suceder lo mismo! Dicen que dicen, Nic Pizzolatto estaría tomando “prestados” muchos elementos de las novelas de James Ellroy: en The Big Nowhere (1998) su protagonista es Malcolm Considine, policía alcohólico y de mal carácter cuya mujer ha sido violada por un simpatizante nazi al que termina matando. Idem (sin lo de nazi) Ray Velcoro (Colin Farrell) en el show de HBO. No solo eso: en la misma novela la primera víctima es asesinada arrancándole los ojos y cortándole los genitales. Sabrán que sucede exactamente lo mismo con la víctima que mueve la historia de True Detective 2, o hasta hay un personaje -Danny Upshaw- que lucha con su identidad sexual tal como ahora lo hace el de Taylor Kitsch. ¿Similitudes por compartir género o lectura que se pegó tanto como para que el autor se la apropie? Ni a las leyes les es simple todavía diferenciar qué es plagio y qué no, menos vamos a saberlo hacer nosotros. Otra: una isla misteriosa (muy selvática ella), un grupo de personas que habita el lugar mucho tiempo antes que unos intrusos vengan a romper su calma, historia contada en dos tiempos donde una de ellas en realidad es un flashforward de la otra. Ustedes me dirán ¡Lost!, pero no amigos: a esa trama le agregamos un virus y tenemos el arranque de la segunda temporada de Helix. Los creadores de la serie de SyFy (que vemos por AXN) cambiaron el frío ártico de la primera temporada para trasladarse (en barco, no en avión) a una jungla tropical. Si hasta los personajes muertos vuelven a tener lugar de diferentes formas… como en Lost. Casualidad narrativa que le dicen. Fringe bebió mucho de The X-Files (se han escrito largos artículos con puntos en común entre ambas); Resurrection salió al aire con sus muertos regresados sin hacerse cargo que antes los franceses hicieron esa joya llamada Les Revenants; The Killing (la americana, la original es bastante diferente) tiene casi todo de Twin Peaks: chica aparece muerta, pueblo donde nadie es lo que parece, la propia víctima no es tan santa, un casino y un largo etc; ¿nos gusta menos por eso? No, aunque su showrunner Veena Sud haya salido a decir que no había escuchado hablar jamás de la serie de David Lynch. Claro, si señora, le re creemos. Y la lista puede seguir hasta el infinito, ni la pantalla grande se salva, si hasta esta nota puede estar copiando a otra nota que se inspiró a su vez en una anterior. Está todo inventado (es una exageración, somos un poco más optimistas que eso). El quid de la cuestión es si partiendo de tomar algo prestado sos capaz de generar una identidad propia, logrando que el espectador se olvide de que eso que ve ya lo vio –casi igual- en otro lado. Otro post que pueden interesarte:

Bitcoin Flapper Bitcoin Flapper es el clásico juego Flappy Bird para android, pero ahora ganas bitcoin si quedas entre los tres primeros cada partida, puedes jugar gratis sin parar, competir contra otro jugador o apostar y ganar más. El límite son 200 partidas diarias. El mínimo para retirar es 16000 satoshis y el pago es instantáneo,pero te dan 11000, se quedan 5000 de comisión,lo mejor es acumular mucho y así la comisión es menor. Para los escépticos, les dejo unas imágenes para contarles que pagan correctamente. 1. Una vez iniciada la aplicación tienen 3 opciones: la primera es apostar para ganar mas bitcoins, la segunda (la que deben elegir casi siempre) es para jugar free y ganar, lo que sería el juego clásico y por último desafiar a un amigo (free) y ganas bitcoins dependiendo de quien haga mas puntos. 2. Si entran en la segunda opción (classic), pongan en "Enter Tournament" para iniciar un torneo de 4 personas. 3. Como el juego clásico de Flappy, tienen que pasan por una especie de tuberías sin rozarlas (incluyendo el suelo). Quien mas puntos haga, gana. 4. Si perdés, saltás directamente a la tabla de puntuaciones para ver en que lugar quedaste, si anotas 0 puntos o quedas en el 4to lugar no ganas nada. 5. Una vez alcanzados los 16.000 o mas podes enviarlos a tu cuenta. Tenés la opción de usar un código QR o en tu cuenta buscar tu dirección de la wallet. 6. Monto en proceso de recepción a mi cuenta, tardan como máxima 24 horas, a mi usualmente no me tarda mas de 2 horas. Hay dos tipos de aplicaciones, la free (google play) y la pro (apk de otra pagina). Yo uso siempre la pro porque da mas, ustedes elijan la que quieran (click en lo que quieran descargar). Descarga Aplicacion de Google Play Free Descarga Aplicación de otra página Pro Otro post que pueden interesarte:

Las peliculas tienen una manera de jugar nosotros como si fuésemos un piano. Pueden hacer que nos caguemos de risa en un minuto mientras que al otro minuto estamos secándonos las lágrimas de tristeza. Las películas deben evocar algún tipo de respuesta por parte de su público. En un mundo actual de franquicias de superhéroes y secuelas interminables, se ha vuelto cada vez más difícil encontrar historias que sirvan más que caramelos vacíos para las masas. Las siguientes 15 películas que ofrecen un menú completo. Son tan buenas que pueden cambiar la perspectiva de tu vida. | 15 | Cast Away – Robert Zemeckis Chuck Nolan (Tom Hanks) interpreta un empleado de Fed-Ex, cuya vida entera gira en torno a la puntualidad. Cuando un accidente aéreo ocurre en un vuelo a Estados Unidos, Chuck es el único que logra sobrevivir y queda barado en una isla desolada. Después de 4 años en la isla, con nadie más que su amigo de voleibol "Wilson" para hacerle compañía, Chuck hace un último esfuerzo para volver a la civilización en una balsa improvisada. Finalmente es rescatado, pero al regresar a casa se encuentra que la vida que había dejado hace 4 años no era la misma. Llevando todo el segundo acto en sus hombros solitarios, Hanks convierte esta actuación en una de las mejores de su carrera. Helen Hunt también es eficaz en su papel de Kelly, la novia de Chuck, quien soluciona su vida cambiándola luega de 4 años. Lo que diferencia a esta película, aparte de la mayoría de Hollywood, es el tono Zen establecido a lo largo de la segunda mitad de la historia. Cast Away explora las decisiones fugaces que hacemos todos los días que a veces tiene consecuencias para toda la vida. La película es un clásico de hoy en día y si la dejas, Náufrago puedo tocar su alma. | 14 | Stroszek – Werner Herzog Cuando Bruno Stroszek sale de prisión, le advierten que debe dejar de beber. Con pocas habilidades y menos expectativas, sobrevive como músico callejero. Precisamente en la calle conoce a Eva, una prostituta, con la que entabla amistad. Después de ser golpeados por el chulo de ella, deciden unirse a Scheitz, un excéntrico vecino de Bruno, que ha decidido emigrar a Wisconsin, en los Estados Unidos. En Estados Unidos hacen escala en Nueva York donde parece quedarse el sueño americano, la fortuna y todas las ilusiones; ya que al llegar a Wisconsin solo se encuentran con la realidad. Una realidad en la cual no hay rascacielos, los granjeros miden sus fuerzas montando sus tractores como si de jinetes se tratase y los animales siguen siendo tan salvajes como en su antigua patria. El mundo es una broma cruel y desgarradora para Bruno Stroszek. Intentando rehacer su vida verá como su verdadera vida parece ser un inadaptado sin remedio, En última instancia, Stroszek es una exploración de la condición humana, y la inutilidad general de nuestras acciones y la existencia. El tema se solidifica en la última escena icónica de la película, donde una gallina enjaulada tira repetidamente una palanca y comienza a "bailar" sin razón. | 13 | Apocalypse Now – Francis Ford Coppola El Capitán Willard es un oficial de los servicios de inteligencia del ejército estadounidense al que se le ha encomendado en Camboya la peligrosa misión de eliminar a Kurtz, un coronel renegado que se ha vuelto loco. En el corazón de la selva, en un campamento sembrado de cabezas cortadas y cadáveres putrefactos, la enorme y enigmática figura de Kurtz reina como un buda despótico sobre los miembros de la tribu Montagnard, que le adoran como a un dios. No es un film sobre la guerra de Vietnam, otro de los tantos que se empezaban a cocer tras "The Deer Hunter" o "Coming Home" estrenadas un año antes y que ya entrados en los ochenta el conflicto se ensalsaría de patriotismos chucknorrianos y stallonianos hasta la llegada de "Platoon" y "Full Metal Jacket". La pieza de Coppola queda muy al margen de reseñar el conflicto en si y nos adentra directamente en las tinieblas de la obsesión humana para alcanzar lo mítico y divino, muy propio en la táctica psicológica de la guerra. La selva camboyana como el mismo infierno creado y reducido por el hombre con su deseo irrefrenable de alcanzar a ser un semidiós usando sus instintos primitivos de poder, són las conclusiones a las que llega un desconcertado y cada vez más enloquecido Willard dispuesto a arrebatar el mando de Kurtz con las mismas reglas a las que ambos se les ha impuesto el ejército de su país invasor. Ya no hay lucha entre ejércitos por sus propios intereses políticos, solo hay jungla, desolación, locura y muerte. Hay que añadir el elenco de seres supremos en "Apocalypse Now"; el ejército aéreo capitaneado por Kilgore (excelente vis cómica de Robert Duvall, de ademán autodestructivo y enseñoreado por los aromas matutinos del napalm); la misma intervención militar (pero sin caer en la denuncia sobre sus consecuencias); el colonialismo apagado y arrebatado; Willard, el oficial atormentado (Martin Sheen substituyó a Harvey Keitel) por cumplir una misión de la que él puede decidir por méritos de orgullo coronarse rey de los nativos después de ejercer sus funciones de verdugo. Y Kurtz, el coronel desertor que ha creado su ejército de nativos (Robert Redford, que tuvo la posibilidad de hacer de Willard, Steve McQueen y Jack Nicholson eran candidatos al personaje). He aquí los paralelismos entre Willard y Kurtz; la línea divisoria entre ambos se estrecha cada vez más hasta llegar al final del río, en plena Camboya donde el otro "infierno ruidoso", el de los fusiles, los helicópteros y las playas minadas con surfistas suicidas, queda ya muy lejos y se reemplaza al infierno del silencio y el miedo, del horror dónde el mismo hombre puede destruir el paraíso que ha creado a golpe de machete mandando una clave por radio. La propia destrucción hecha cenizas. Muy propio de las guerras y del poder. De visión obligada. Wagner dijo una vez: "Si el público no ha enloquecido mi obra habrá fracasado". En nuestros días las Walkirias siguen cabalgando con fuerza. | 12 | Stalker – Andrei Tarkovsky Basado libremente en la novela "Roadside Picnic", la película sigue a tres hombres llamados escritor, científico, y Stalker en su viaje hacia un lugar llamado La Zona, donde cuenta la leyenda, los deseos más íntimos de una persona les serán concedidos. Stalker puede ser no sólo ser la película más críptica de Tarkovski, sino una de las más misteriosas películas jamás hechas. Cualquiera que esté familiarizado con la obra de Tarkovski reconocerá la marca de su magnífica cinematografía, insoportables tomas larga y sutiles movimientos de la cámara. Uno puede extrapolar mucho de las cargadas imágenes en todo el tiempo de ejecución de casi 3 horas, pero en general la película investiga la naturaleza de la creencia, la naturaleza del deseo, y cómo estas unidades están mitigadas en nuestro subconsciente. Poética y hermosa, Stalker funciona mejor cuando se ve en un marco contemplativo de la mente que no se deje intimidar por su ritmo glacial. Es un trabajo realmente extraordinario de arte que puede aburrir en los pensamientos de uno y perseguirá por meses a partir de entonces. | 11 | The Arrangement – Elia Kazan Una mañana, Eddie Anderson va a trabajar, pero, de repente, en la autopista intenta suicidarse. Al regresar del hospital, se encierra en un mutismo que sólo rompe para intentar que su mujer comprenda las razones de su malestar: trata de explicarle cómo su éxito como ejecutivo y su relación amorosa con su secretaria Gwen sólo han servido para poner de manifiesto la falsedad de su vida. A partir de ese momento, Eddie intenta cambiar, pero sus esfuerzos fracasan: vuelve a la agencia y reanuda su relación con Gwen, pero no puede evitar que su esposa lo recluya en un hospital psiquiátrico. El film desarrolla un drama con connotaciones melodramáticas, psicológicas y de crítica social. Las primeras imágenes sitúan al protagonista en un matrimonio vacío y aburrido y ante una vida profesional insatisfactoria, centrada en la publicidad de un producto nocivo (cigarrillos "Zephyr". Eddie, de 40 años, se enfrenta a la crisis propia de la media edad, agravada en su caso por las frustraciones propias de la clase media. Éstas, a su vez, se ven ampliadas por tres relaciones causales: la elevada capacidad de percepción del personaje, la sensibilidad que oculta tras la apariencia de hombre duro y la herencia moral opresiva recibida de la tradición familiar (griega ortodoxa). El detonante del proceso es una situación extrema de estrés laboral, brillantemente visualizada por la conducción de un deportivo ligero, en una ruidosa vía de acceso a la ciudad, entre tráfico denso y pesado, mientras sigue la emisión por radio de sus cuñas publicitarias. Pese al confort económico y a las apariencias de triunfo social, asociadas a la posesión de sexo, prestigio social y poder, la vida puede ser deprimente e insoportable cuando faltan elementos esenciales, como el amor, la utilidad y trascendencia social del trabajo, la práctica de valores sociales, etc. Kazan muestra que el triunfo económico y social suele resultar insatisfactorio cuando se da asociado a la soledad y a la renuncia al enriquecimiento personal. | 10 | Naked – Mike Leigh Agrio relato centrado en Johnny (David Thewlis), un desolado tipo asqueado de la vida que llega a Londres procedente de Manchester, en este lugar se reencuentra con Louise (Lesley Sharp) una ex novia de hace un tiempo atrás. Johnny divagará solitario durante la noche por las calles de Londres, encontrándose en su camino con distintos personajes, tanto hombres como mujeres, de esta forma vamos conociendo poco a poco su filosofía, su pensamiento y su nefasto comportamiento. Mike Leigh escribe y dirige esta obra que lo hizo acreedor del premio a Mejor director del Festival de Cannes del 93, un film oscuro con un contenido fuertísimo y crítico, la mayoría de las escenas transcurre de noche de acuerdo al tono de la obra. Un trabajo que hay que verlo con paciencia para agarrarle el ritmo opaco y decadente que tiene, porque se puede considerar que es también un film pesimista en muchos sentidos, y en ese mismo sentido nos hace reflexionar. Acotar que David Thewlis también se llevó premio en Cannes por su interpretación, ciertamente Thewlis consigue retratar a la perfección a este decadente individuo asqueado de su vida, un trabajo maravilloso. Naked tiene dosis de mucho sexo desenfrenado, de mucha crítica y pensamientos devastados, hay momentos cómicos muy al estilo inglés, mucho en cuanto a su sociedad, la música de Andrew Dickson me parece acertada, un buen film. | 9 | The Fountain – Darren Aronofsky “La fuente de la vida” es cine en estado puro, su potencia visual es tan deslumbrante y abrumadora que se resiste a cualquier tipo de análisis racional. Aronofsky ha trascendido las fronteras del cine y se ha adentrado en terrenos más propios de la poesía y el arte del subconsciente. La interpretación de los dos protagonistas (inconmensurables Jackman y Weisz) convierte la cinta en un espectáculo emocional soberbio que dinamita las percepciones de una forma casi hipnótica; la experiencia está más cercana a la lectura de un poema o la contemplación de un cuadro que a una película, lo cual es de agradecer dada la vulgaridad formal que tan habitualmente inunda las pantallas de nuestros cines. Es una película para el corazón, no para la mente. Para disfrutarla como se disfruta al contemplar un amanecer. Simplemente sublime. | 8 | Idiots and Angels – Bill Plympton Idiotas y Angeles cuenta la historia (muda, cuidado, no hay un solo diálogo) de un tipo solitario, encabronado con el mundo y tal vez el mundo encabronado con él, intolerante y consumido por su rutina diaria. Una mañana cualquiera, de repente nota dos bultos en la espalda a los que en un primer momento no da importancia y que finalmente acaban convirtiéndose en dos pedazo de alas cual angel celestial (aunque en este caso más bien sea un angel exterminador) Bajo esta premisa, el director norteamericano nos sumerge en la extraña odisea por la que pasa este tipo que desea a toda costa desprenderse de ellas, dotando a la cinta y su historia de un surrealismo muy particular, irónico, ácido (parece ser que es marca de la casa) en el que desfigura la condición humana de manera casi transgresora. Es un verdadero espectáculo admirar ese original y bellísimo trazo con el que esboza todos los escenarios y personajes que aparecen en la película, recreándose con verdadera maestría en darnos mil y un detalles de cada uno de ellos. Ni que decir tiene que estamos hablando de una animación adulta y un estilo muy personal. | 7 | Seconds – John Frankenheimer Un hombre de negocios con una vida rutinaria recibe la llamada de un amigo supuestamente fallecido. Al poco tiempo, recibe una oferta singular: una empresa le ofrece “renacer”, proporcionándole la vida que siempre había deseado. John Frankenhemimer ya había mostrado la aberración que deriva de una mala aplicación del conocimiento científico en “El Mensajero del Miedo” (The Manchurian Candidate, 1962). Con “Plan Diabólico”, basada en el libro de David Ely, el director nos sumerje de nuevo en su visión pesimista del progreso y en el de una sociedad abocada a la pérdida de referencias. Es una cinta arriesgada, con diálogos fríos y personajes que parecen inacabados. Pero por otro lado son los mismos elementos los que le dan consistencia a la película, porque el pesimismo que Frankenheimer nos quiere transmitir sobre nuestro futuro es así: frío e incompleto. La película está protagonizada por un excelente Rock Hudson, alejado ya de los papeles de galán y supermacho, interpretando a un hombre en la cincuentena que se ve transtornado por un súbito cambio de vida. Le acompañan una desconocida Salome Jens y un contrastado John Randolph. La película fue nominada a la mejor fotografía en blanco y negro No recomendable para los que buscan un cambio drástico en su vida. | 6 | Fearless – Peter Weir Maravilloso film de un Weir que recupera temas de mayor trascendencia tras su única, hasta el momento, incursión en la comedia con la interesante pero fallida Green Card. Valiéndose de un núcleo de nuevo basado en el choque ideológico, con su habitual ritmo pausado, contemplativo y rico en matices visuales, Weir reflexiona sobre el miedo, la muerte, la amistad, el matrimonio, la familia o la perdida. La elegancia con la que Weir traslada el excelente guión de Iglesias; el minucioso cuidado con el que coloca la cámara; la manera de sugerir mas que mostrar… hacen de este trabajo una autentica rareza, una joya a defender entre tanta mediocridad, como casi toda la obra del director. Además, como también viene siendo habitual, los actores están imponentes, desde una sufridora Isabella Rossellini como esposa de Max, Tom Hulce (casi desaparecido desde Amadeus) como abogado oportunista, Turturro como psicoanalista de la compañía aérea, una inmensa Rosie Pérez como la mujer que ha perdido a su hijo y ante todo un Jeff Bridges brutal, en una interpretación tan impresionante como inolvidable. Pero tal vez lo que mas termina destacando son ciertas escenas de una inusitada brillantez conceptual y formal: la escena inicial en medio del maizal, la de la cornisa, la del accidente de coche o toda la extraordinaria escena final (de lo mejor del director) que hacen percibir como pocas veces en su carrera el enorme talento de este director australiano. Gran película. | 5 | Spring, Summer, Fall, Winter… and Spring – Ki-duk Kim En un escenario simple y bello se presenta de manera simbólica el desarrollo de la conciencia, desde su nacimiento en forma de conciencia social o colectiva que aparece en la primavera, a partir los primeros días de la infancia, hasta el descubrimiento de la conciencia individual en los días de la madurez humana, representados por el invierno, cuando los egos y las vanidades de la vida se congelan. Cuando esto se aprovecha bien, se da el nacimiento a una nueva vida más gozosa en una nueva primavera. Aunque no sea muy claro para cualquiera, muy en el fondo todos sabemos que el ser humano es un compuesto de CUERPO o mundo exterior, ESPÍRITU o mundo interior, y MENTE, que es el puente que une a los dos anteriores. La experiencia nos muestra que mientras no se alcance un sano equilibrio entre los tres, el ser humano no logrará realizarse plenamente. Felizmente, como lo muestra la película con bellos símbolos, eso sí es posible cuando aprendemos a aquietar la mente, mirando hacia nuestro interior en estados de meditación que nos ayudan a deshacernos de los egos y de las cargas y sufrimientos del pasado. | 4 | The Curious Case of Benjamin Button – David Fincher Hay películas que te llegan muy profundo de un modo extraño. Al igual que hay canciones que te abruman, paisajes que te deslumbran o personas que te impactan de lleno... Esta película es una de las narraciones sobre la vida más completas, hermosas y bien contadas que se ha visto, leído, escuchado o imaginado. Con un cierto aire a realismo mágico, Fincher nos envuelve durante casi tres horas en la piel de Benjamin Button y nos muestra la vida tal y como es. El paso del tiempo, lo efímero de la felicidad, la dualidad realidad-sueño, la brevedad de la existencia, la eternidad del amor... son algunos de los interrogantes que componen la película y son también interrogantes de la vida, del hombre en general. Un film que te llega, es de esos que te cambia un poquito (aunque solo sea que te haga pensar unos minutos), una obra completa, redonda. La vida en una película | 3 | Vanishing Point – Richard Sarafian El punto de partida de "Vanishing Point" es bastante simple. Kowalski (Barry Newman), un hombre que tiene que hacer el reparto de un coche, apuesta con un amigo que entregará el coche en menos de 15 horas. Así, Kowalski, ex piloto profesional, tendrá que correr a toda velocidad por las carreteras de Estados Unidos para entregar el auto a tiempo. Detrás de este hombre solitario y constantemente perseguido por la policía de varios estados, se esconde un héroe moderno que clama por la libertad, que representa la libertad y que es, él mismo, la libertad. Un horizonte por donde correr con el coche, un horizonte infinito. A Kolawski le acompaña constantemente la radio, con una banda sonora excelente que penetra en los paisajes más áridos de Arizona. Detrás de la radio está Super Soul (Cleavon Little), un locutor de radio que intenta a ayudar a Kowalski a esquivar a la policía. Se respira aire hippie y el ácido se siente bajo el paladar, "Vanishing Point" tiene un compendio de virtudes que la hacen única. | 2 | Synecdoche New York – Charlie Kaufman Sin duda, uno de los más largos y tristes discursos de agonía que ninguno habíamos escuchado nunca. Paráfrasis de Caden en un momento duro de la cinta. Hermann Hesse escribió: "Quería tan sólo intentar vivir lo que tendía a brotar espontáneamente de mí. ¿Por qué había de serme tan difícil?" Supongo que la pregunta es la misma en las dos obras, con la respuesta añadida en esta sinécdoque. Tendemos (es normal hacer filosofía de esto) a tomar la felicidad como si fuera la vida, o su esencia, sub-stancia. El enfoque intelectual y contemporáneo es contrario. La vida se sufre de manera constante puesto que es búsqueda. Y todo aquel que busca, se duele, aquellos que se contentan con lo indigno (la casa en llamas en la película), tienden a ser felices, pero probablemente por hacer de su vida dicha sinécdoque. El sufrimiento, por otro lado (de los que ansían respuesta y han captado algo), no tiene fin. Un día Caden es informado (y nosotros con él) de que lleva más de 17 años realizando la misma obra de teatro. Como si el tiempo fuera impedimento! No se puede hacer otra cosa, no hay salida, sabe Caden. Se le ocurre un título muy bueno como resumen de su vida: "La defectuosa luz del amor y el dolor". Es sencillamente genial, apropiada. Ha dado con el enigma vital, y sin embargo sólo sirve para sumirse más en el profundo sinsentido. La película muestra duramente la realidad humana, su intento de sentido y su constante dolor. Los personajes y sus diálogos están logradísimos. Me emocioné como nunca en mi vida. El transcurso de la película avanza sin límites, pero no se pierde, sólo se complica para disfrute del espectador. El trabajo es harto imaginativo, apasionante. Kauffman lanza un mensaje al poco de comenzar la obra: "Porque todos estamos en el mismo agua, después de todo. Remojados en nuestra propia sangre menstrual y emisiones nocturnas." Y creo que se acerca a lo que la película nos depara. Es una película impresionante, para venerar desde todos sus conjuntos. El cine nunca había llegado tan alto en una obra teatralmente ficticia. El atrevimiento es llamativo, pero su realización es formidable, increíble. P. Seymour Hoffman se desdobla hasta llegar al éxtasis interpretativo, y todas las sombras de su ciudad son maravillas andantes, criaturas del ser humano, ideas pensadas y violentamente creíbles. Tal vez por ser capaz de expresar lo que pocos (cada vez más) entienden, se merece todo mi respeto y admiración. | 1 | Magnolia – Paul Thomas Anderson Excéntrica, maravillosa, conmovedora, extraña. Paul Thomas Anderson hace una película sobre pedir perdón, sobre seres perdidos y angustiados por su pasado que volverá para destrozarles la vida, sobre el patetismo, sobre como afrontar una situación límite y, por supuesto, sobre la soledad. Y generar tensión en un drama no es algo que consigan todos los directores. Anderson pone a sus personajes en situaciones al borde de la desesperación, en ese momento en que están casi a punto de explotar y lo hace con gran maestría, dirigiendo como los ángeles, con esa cámara que acompaña a los personajes en deliciosos planos secuencias, en esas miradas de Julianne Moore, Melinda Dillon o Jason Robards. El guión, que sobrepasa lo excéntrico, es una maravilla. Con ecos a "Vidas cruzadas" de Robert Altman, "Magnolia" no es una película fácil de ver en sus tres horas, pero si te engancha, la atracción es inevitable. Anderson se arriesga en todo momento, no quiere darle al público todo mascado, intenta ofrecer algo diferente y lo consigue con escenas sorprendentes. Y por el camino no se le olvida conmover, no se le olvida que al final lleva el destino de algunos personajes a lo que decida el azar, ni tampoco que en el fondo esto es una obra sobre seres patéticos que se sienten perdidos y que necesitan a alguien a su lado para afrontar sus problemas. Todos los actores actúan de manera más que soberbia. Me quedo con las caras de desesperación de Julianne Moore, con Jason Robards esperando que llegue su hora y se cumpla su último deseo, con Tom Cruise intentando afrontar su pasado y los problemas con su padre, con Jeremy Blackman sin poder aguantar más el ser utilizado por su padre, con William H. Macy intentado ser algo más que una vieja gloria, con Melinda Dillon que intenta olvidar a su padre y su pasado, con Philip Baker Hall queriendo afrontar el cáncer, con John C. Reilly intentando no ser objeto de mofa y sentirse especial con alguien. Todos y cada uno de los personajes que componen esta obra, aportan su granito de arena y la hacen especial. Y si a eso le sumas los apartados técnicos asombrosos, una deliciosa música y un prólogo y un desenlace sensacional, te acaban dando como resultado una obra maestra. Ya podría durar más, que con la mano que tiene Paul Thomas Anderson tanto con la cámara, como con la pluma, te fascinaría en todo momento, te sorprendería con cosas que no se han visto antes. Te llevaría por un camino para luego dar la vuelta y llevarte por otro. "Magnolia" te reconcome el alma, te la agita, te agarra bien fuerte y no te suelta, te deja sin aliento, sin respiración, no te deja indiferente ya sea para bien o para mal. Otro post que pueden interesarte:

Las similitudes de Signos con otras series del país del norte estuvieron muy presentes en el arranque de la nueva producción de Pol-Ka, El Trece y TNT. Esperadísima por tener encabezando al enorme Julio Chávez y por marcar el regreso del unitario de Adrián Suar, un clásico de nuestra TV que con los años se fue perdiendo y hemos extrañado demasiado. Las “referencias” aparecieron como una catarata de escenas, armando una especie de popurrí complicado de digerir sin desconcentrarte pensando ¿dónde vi esto antes? No estoy para nada en contra de los homenajes, si hasta es divertido encontrar ese guiño cómplice que los guionistas le hacen al espectador, pero ¿tantos? ¿Es necesario? Un homenaje bien puesto vale como una idea original e innovadora si te apropiás de su esencia. Ya comenté esto en el post sobre “plagios” televisivos (): si las referencias son bien ubicadas gustan, toman fuerza y con un poco de ingenio pueden llegar a darle forma propia a una serie (). ¿Con Signos pasó eso? Lo visto en el primer episodio grita que no. Le vamos a dar chances de revertirlo pues jamás hay que sentenciar definitivamente una serie por su episodio piloto (ya lo dijo Quentin Tarantino “Los pilotos apestan”): en un primer capítulo hay tanta presión en juego que son contadas las ocasiones donde podemos decir que estamos ante un piloto redondo. Obviemos el look de Julio Chávez a lo Walter White. La elección de un aspecto idéntico al del protagonista de una de las series más alabadas de todos los tiempos (y tan reciente) no puede ser inocente: ha sido un golpe de marketing para que todos hablemos de ella meses antes de su estreno. Si no es una referencia elegida a conciencia, no estaría entendiendo. [/align] Si nunca viste la serie de Showtime hasta puede que te enganches con Signos. El show protagonizado por Michael C. Hall y Jennifer Carpenter arrancó muy bien para terminar desbarrancando de forma épica, perdiendo el rumbo y cerrando a los ponchazos luego de 8 temporadas. Ojalá Signos recorra el camino inverso. Mientras tanto fuimos testigos de otro look con parecido sospechoso: el del personaje de Claudia Fontán. Lo que menos nos importa es a qué policía pertenece ese atuendo, solo que la gente de vestuario de la serie claramente vio Fargo, les gustó y se les quedó la imagen grabada. Sacale kilos a la embarazada de la película de los hermanos Coen (en piel de Frances McDormand) o a la oficial de la serie televisiva basada en ella (gran trabajo de Allison Tolman) y obtenés el atuendo de Maria Laura. Guiño, pongámosle. Dicho sea de paso, la serie Fargo es un ejemplo perfecto de cómo tomar prestados hilos narrativos, estética y tono de otro (aunque todo mucho más legal) para crear un exquisito universo propio. No dar la sensación de mix de ideas acopladas es fundamental, por ahora Signos ha fallado en ello. Vamos por otra. Sabrán que en 2014 hubo una serie que nos enloqueció con su tratamiento visual de zonas rurales (donde ocurrían crímenes, pero eso no importa): True Detective. Los tan característicos planos aéreos de esos descampados también estuvieron presentes en el comienzo de Signos. No es que nadie venga ahora a descubrir que existen, si desde siempre se alquilan helicópteros para tal fin; el tema es que hoy se abarató el recurso gracias a drones que hasta sobrevuelan noticieros. Es imposible no pensar en True Detective (si es que la viste) al observar esa prometedora escena inicial. El saber que este asesino se rige por los signos del zodíaco para matar hizo que automáticamente se lo relacionara con uno de los homicidas más célebres de la historia norteamericana: El Zodíaco, quien sirvió para que David Fincher hiciera esa joya llamada Zodiac (2007). Si vamos a los papeles es una vinculación más de nombre que de otra cosa: no hay un horóscopo en la historia de aquel asesino, aunque, bueno... Tal vez sea más atinado cambiar los signos del zodíaco por pecados capitales y estaríamos ante otra obra de Fincher, Seven (1995) pero no seamos tan duros. Lo que si resultó llamativo es la composición que hace Hannibal, digo Dexter, digo Antonio, con sus víctimas. El prepararlos de forma artística (como los gemelos de géminis en el primer capítulo de Signos) es justamente lo que sucede en la serie Hannibal donde los crímenes se suceden rodeados de un aura mística, rebozando macabro estilo y siniestro buen gusto. ¿Hay más? Hay más: The Killing. Si algo amamos de la remake americana del policial danés -que se vio por AMC primero y en Netflix después- son (además de Linden y Holder, claro) esos finales de capítulo donde siempre comenzaba a sonar una musiquita a base de tambores. Eran señal inequívoca de que el episodio cerraba; mientras se iban viendo las últimas escenas, por lo general en silencio (con alguna que otra frase en el medio) a modo de preludio, dejando alguna revelación o giro importante para ser explorado en el capítulo siguiente. En Signos hicieron exactamente lo mismo: música final a base de instrumentos de percusión, mucho plano en movimiento dando detalles que serán ampliados más adelante. Más allá de todo esto (muy difícil de dejar pasar) hay una clara falta de ritmo y de tiempos para generar suspenso que preocupa viniendo de gente experimentada. Si las influencias generaran algo nuevo podríamos perdonarlo, pero una serie centrada en un asesino serial no puede (o no debe) ser aburrida. Quiero confiar y vuelvo a repetirme la excusa de que un primer episodio tiene demasiadas cosas a cuestas que pueden fallar, pero que luego quizás llegan a corregirse. Tenemos reunidos en una hora de televisión a un elenco realmente de lujo (de Leonor Manso a Alberto Ajaka pasando por Roberto Carnaghi o Luciano Cáceres) y es una pena verlos desperdiciados en personajes estereotipados que ya vimos mil veces (el joven enfermo mental, la esposa enferma, y un eterno etc). Si, es trabajo para mucha gente en una industria televisiva abaratada donde la ficción no abunda. Y se celebra que se haga ficción, siempre, debería haber mucha más, pero no por ello vamos a poner por los cielos un producto que hace agua. Si algo es bueno o malo lo es sea argentino, norteamericano o chino. La defensa de lo local por el simple hecho de ser local no está bien. Sobra talento en nuestra tele, sobra gente capaz, sobran buenas historias: no hay necesidad alguna de andar mendigando una escena de acá y otra de allá en estos tiempos globalizados donde nos llega todo lo que se produce en cualquier rincón del mundo. El intento vale, y seguramente las obras mencionadas han tenido inspiraciones en otras obras que quizás se copiaron de otras obras que a su vez se basaron en otras. El resultado es lo que varía, pues mientras unas han conseguido su marca propia, Signos de entrada no mostró que fuera a hacerlo. ¿Podrá lograrlo con el correr de los capítulos? Otro post que pueden interesarte:

Hay algunas películas en este mundo cuya función principal es deprimir al espectador, mostrando los actos más oscuros, más espeluznantes y sórdidos, las vidas más desesperadas. Y ¿Para que mierda las miramos?, quizás sea para recordarnos lo humano que somos. No hace falta decir que todas las películas en esta lista son una hermosa pieza de cine. Eñ director no se propuso hacer una película desgarradora como éstas, sin preocuparse profundamente por su cinematografía y edición. Pero estas películas también golpean una cuerda emocional tan poderosa que deben ser experimentadas, al menos una vez. Estas películas nos muestran cómo nuestros pequeños y estúpidos problemas diarios realmente son. Nos permiten llorar por nuestros semejantes, los personajes de estas películas, porque sus destinos son verdaderamente el infierno en la Tierra. Cuando describimos una película tan deprimente, no nos limitamos a decir 'triste.' 'Rompe almas' es el término preferido. Películas como Bambi, o Titanic, o incluso Inception, pueden describirse como tristes. Estas películas no son sólo tristes; te hacen vergüenza de admitir que eres un ser humano. Cuentan lo más bajo de lo bajo de nuestra especie, el dolor y la miseria que nos puede conducir a los actos más desmesurados. Temas como la guerra, el suicidio, la violación, el abandono, la enfermedad mental, la adicción, el abuso y la violencia extrema son la médula espinal de estas películas. | 20 | Happiness (1998, Todd Solondz) ¿Por qué es deprimente?: Como una familia normal puede ser feliz frente a todas sus perversidades. ¿De que trata?: Irónica, crítica e inmisericorde comedia sobre los miembros de una familia de un suburbio de New Jersey. Un matrimonio a punto de divorciarse, tres hermanas y sus maridos, novios y amantes ocasionales. Tras una aparente normalidad, todos los personajes ocultan algún secreto y alguna que otra perversidad. | 19 | Kichiku dai Enkai (aka Banquet of the Beasts) (1997, Kazuyoshi Kumakiri) ¿Por qué es deprimente?: Porque te muestra visceralmente el odio con el mundo de los pandilleros. ¿De que trata?: En el Japón de los 70, Aizawa, el líder de un pequeño grupo de estudiantes de la izquierda radical, ha sido encarcelado. Mientras él no está, el liderazgo del grupo recae en su novia Masami. Después de que Aizawa se suicide en la cárcel, la discutida autoridad que tenía Masami en el grupo explota en un torbellino de paranoia y violencia sangrienta. | 18 | The Act of Killing (2012, Joshua Oppenheimer) ¿Por qué es deprimente?: El crecimiento del arrepentimiento dentro de un asesino impenitente. ¿De que trata?:Tras el golpe de estado militar de 1965, el general Suharto ocupó el poder en Indonesia. A continuación llegó el genocidio: miles de comunistas, reales o presuntos, fueron asesinados por los escuadrones de la muerte indonesios. Unas décadas después, se les pide a dos de los más sanguinarios mercenarios de la época -ellos se hacían llamar "gángsters"-, Anwar Congo y Herman Koto, que participen en una película en la que recreen los horribles crímenes -torturas, violaciones y asesinatos en masa- que tranquilamente confiesan haber cometido en el pasado. Existe un Director's cut de 159 minutos que circuló por festivales de cine. | 17 | Leaving Las Vegas (1995, Mike Figgis) ¿Por qué es deprimente?: Las travesuras alcohólicas de un hombre que ha renunciado a todo. ¿De que trata?: Ben Sanderson (Nicolas Cage), un guionista alcohólico, acaba de perder su trabajo en Hollywood debido a que sus problemas con la bebida afectan a su rendimiento. Sin amigos y sin familia, decide ir a Las Vegas con el propósito de beber hasta morir. Nada más llegar a la ciudad, conoce a Sera (Elisabeth Shue), una atractiva prostituta de la que se queda prendado. | 16 | Lilya 4-Ever (2002, Lukas Moodysson) ¿Por qué es deprimente?: Ley de murphy. Todo va a salir mal. ¿De que trata?: Lilja, una adolescente rusa de 16 años que ha sido abandonada por su madre, lleva una vida miserable en una empobrecida ciudad de la antigua Unión Soviética. En un ambiente dominado por las drogas y la miseria, prostituirse es el único medio para poder comer. La esperanza llega el día en que conoce al atractivo Andrei, que le promete una vida mejor en Suecia. | 15 | Irreversible (2002, Gaspar Noe) ¿Por qué es deprimente?: El nombre lo dice todo. No hay nada que podamos hacer. ¿De que trata?: Irreversible. Porque el tiempo lo destruye todo. Porque algunos actos son irreparables. Porque el hombre es un animal. Porque el deseo de venganza es un impulso natural. Porque la mayoría de los crímenes quedan sin castigo. Porque la pérdida del amado destruye como un rayo. Porque el amor es el origen de la vida. Porque toda la historia se escribe con esperma y sangre. Porque las premoniciones no modifican el curso de los acontecimientos. Porque el tiempo lo revela todo: lo mejor y lo peor. | 14 | A Serbian Film (2010, Srdjan Spasojevic) ¿Por qué es deprimente?: La perversidad extrema que somos capaces de hacer. ¿De que trata?: Milo, una estrella del porno ya retirada que vive con su mujer y su hijo, está pasando por apuros económicos. Una cita con una antigua compañera de rodaje, la pornostar Layla, le presenta la oportunidad de trabajar con un tipo llamado Vukmir en su nueva película de porno experimental. Milos acaba aceptando sin saber exactamente lo que va a rodar y acaba sumergido en una tormenta de depravación violencia, snuff, pedofilia, y drogas que lo dejan en un abismo de locura... | 13 | Salo, or the 120 Days of Sodom (1975, Pier Paolo Pasolini) ¿Por qué es deprimente?: La decadencia pura de la humanidad. ¿De que trata?: En una mansión, cuatro señores se reúnen con cuatro exprostitutas y con un grupo de jóvenes de ambos sexos, partisanos o hijos de partisanos, que han sido hechos prisioneros. Nadie en la casa puede eludir las reglas del juego establecidas por los señores; toda transgresión se castiga con la muerte. Además, ellos gozan de la facultad de disponer a su antojo de la vida de los cautivos. | 12 | Martyrs (2008, Pascal Laugier) ¿Por qué es deprimente?: La profundidad a la que nos hundiremos en la búsqueda de respuestas. ¿De que trata?: En Francia, a comienzos de 1970, Lucie, una niña desaparecida un año antes, es vista mientras camina por una carretera. Se encuentra en estado catatónico y es incapaz de contar nada de lo que le ha sucedido. La policía no tardará en hallar el lugar donde ha estado prisionera: un antiguo matadero. Lo que pudo pasar en ese lugar y cómo la niña consiguió escapar es lo que se trata de averiguar. | 11 | The Mist (2007, Frank Darabont) ¿Por qué es deprimente?: El punto de vista antropológico del lado más oscuro de la humanidad. ¿De que trata?: En un pequeño pueblo de Maine, estalla de repente una violenta tormenta que termina tan bruscamente como comenzó. Entonces surge una espesa niebla que va entrando en casas y supermercados, atrapando y matando a todos los que se ven envueltos por la oscuridad. | 10 | The Girl Next Door (2007, Gregory M. Wilson) ¿Por qué es deprimente?: Los horrores de la misoginia. ¿De que trata?: Basada en una historia real sucedida en el año 1958. Sylvia Likens fue brutalmente torturada, violada y asesinada en el sótano de un hogar familiar del estado de Indiana. | 9 | Oldboy (2003, Chan-wook Park) ¿Por qué es deprimente?: Inevitable, pero increíblemente humana, destrucción. ¿De que trata?: Min-sik Choi es un hombre de negocios coreano que un día es secuestrado y confinado durante años en una celda en la que sólo hay una televisión. Y, sin embargo, ignora por qué razón está allí... | 8 | A Necessary Death (2008, Daniel Stamm) ¿Por qué es deprimente?: El suicidio, y sus efectos sobre el corazón humano. ¿De que trata?: Un cineasta que hace documentales busca a un individuo suicida para seguir desde el primer momento su acto final. Editada a partir de 142 cintas de vídeo, este proyecto arroja la luz sobre la tragedia suicida. | 7 | They Shoot Horses, Don’t They? (1969, Sydney Pollack) ¿Por qué es deprimente?: La vida como un concurso de resistencia peligrosa. ¿De que trata?: Estados Unidos, en plena época de la Gran Depresión. En medio de un ambiente de terrible miseria, gentes desesperadas, de toda edad y condición, se apuntan a una maratón de baile con la esperanza de ganar el premio final de 1500 dólares de plata y encontrar, al menos, un sitio donde dormir y comer. Mientras los concursantes fuerzan los límites de su resistencia física y psíquica, una multitud morbosa se divierte contemplando su sufrimiento durante días. | 6 | Come and See (1985, Elem Klimov) ¿Por qué es deprimente?: La locura de la guerra. ¿De que trata?: Película de encargo para celebrar el cuarenta aniversario de la victoria aliada en la Segunda Guerra Mundial, relata a través de los ojos de un niño progresivamente endurecido por el sufrimiento, la matanza sistemática de los habitantes de las aldeas bielorrusas durante la guerra. | 5 | Threads (1984, Mick Jackson) ¿Por qué es deprimente?: La destrucción que provoca un holocausto nuclear. ¿De que trata?: Popular producción de la BBC sobre un hipotético ataque nuclear en la ciudad de Sheffield (Inglaterra) y sus consecuencias. | 4 | The Road (2009, John Hillcoat) ¿Por qué es deprimente?: La desesperación de un mundo post-apocalíptico. ¿De que trata?: El planeta ha sido arrasado por un misterioso cataclismo y, en medio de la desolación, un padre y su hijo se dirigen hacia la costa en busca de un lugar seguro donde asentarse. Durante el viaje se cruzarán con otros supervivientes: unos se han vuelto locos, otros se han convertido en caníbales. | 3 | We Need to Talk About Kevin (2011, Lynne Ramsay) ¿Por qué es deprimente?: El dolor de una madre, y uno de los actos más atroces imaginables. ¿De que trata?: Adaptación de la novela homónima de Lionel Shriver. Eva, una mujer satisfecha consigo misma, es autora y editora de guías de viaje. Casada desde hace años con Franklin, un fotógrafo que trabaja en publicidad, decide, con casi cuarenta años y tras muchas dudas, tener un hijo. Así nacerá Kevin. Pero, ya desde el principio, empiezan a surgir dificultades... | 2 | Dear Zachary: A Letter to a Son about His Father (2008, Kurt Kuenne) ¿Por qué es deprimente?: La incapacidad de la ley para protegernos. ¿De que trata?: Devastadora película de Kurt Kuenne, que comienza con la idea de recolectar toda la información posible sobre un amigo asesinado para dársela al hijo del fallecido. | 1 | Requiem for a Dream (2000, Darren Aronofsky) ¿Por qué es deprimente?: La apatía y la falta de interés que demostramos. ¿De que trata?: Harry (Jared Leto) y su madre (Ellen Burstyn) tienen sueños muy distintos: ella está permanentemente a dieta esperando el día en que pueda participar en su concurso televisivo preferido; la ambición de Harry y su novia Marion (Jennifer Connelly) es hacerse ricos vendiendo droga y utilizar las ganancias para abrir un negocio propio, pero nunca tienen el dinero suficiente para ello. A pesar de todo, Harry y Marion no se resignan y harán lo inimaginable para conseguir la vida que anhelan. Otro post que pueden interesarte:

Los aliens han sido una parte importante de la cultura pop desde principios del siglo 20, tomando rápidamente el género de la ciencia ficción y el mantenimiento de su popularidad debido a las posibilidades ilimitadas que el concepto de extraterrestres ofrecía. Algunas historias sobre extraterrestres giran en torno a las civilizaciones extranjeras y los avances futuristas en lejanos planetas. Si bien estos cuentos pueden ser interesantes, esta lista se centra en las películas que explorar el choque de culturas extranjeras con la civilización humana en la Tierra. Por lo general, este tipo de historias no permiten tanto detalle y profundidad, lo compensan, sin embargo, con el misterio y la intriga sobre las fuerzas desconocidas, así como las diferencias en las culturas, realzando lo importante de la civilización humana. Las películas de este subgénero se manifiestan en muchos géneros diferentes, aplicando el misterio que rodea a los alienígenas a todo, desde los malentendidos cómicos al peligro aterrador. | 15 | Attack the Block (Joe Cornish, 2011) Attack the Block nos despliega una historia un poco distinta a la que estamos acostumbrados: no necesitamos un gran ejercito para hacer frente a una invasión alienigena. Un grupo de pibes tienen que enfrentarse a una invasión de alienígenas. Todo empieza cuando los adolescentes asaltan a una enfermera, a la que dejan en paz, cuando un extraño objeto aterriza sobre un coche. Al acercarse al vehículo, de su interior sale una extraña criatura. En este film, que deambula entre la comedia y la acción, nos pone del lado de los pandilleros pobre (una fuerza débil) contra los alienigenas (que de dedil no tienen nada), sumándole un grado de originalidad a la obra. | 14 | Mars Attacks (Tim Burton, 1996) Absurda como si sola, esta obra de Tim Burton tiene todo lo que la década del 90' podía pedir: situaciones bizarras que rozan el cine serie b, un poco de gore con sangre verde, y por sobre todo aliens. Mars Attacks es un rejunte en forma de parodia de todas las peliculas sobre extraterrestres, llena de gags, guiños y una historia tan simple como su desarrollo. Pero bueno, acá venís a ver una peli llena de clichés, que te hace reír por lo absurda que es y por lo exagerados que están sus personajes. Como olvidar la mina con cuerpo de perro, o el alien disfrazado de mujer que intenta seducir a un agente del gobierno, situaciones bizarras si las hay. | 13 | Super 8 (J.J. Abrams, 2011) Super 8 es de mis preferidas de esta lista. Este film intenta de alguna manera ambientarnos en lo que el gran cine de los 80'/90' nos trasmitía. Aquí todo ocurre desde el punto de vista de un grupo de niños que intenta filmar un corto y se ve envuelto en un accidente en donde una criatura extraña se escapa y crea pánico en el pueblo. J.J. Abrams nos brinda un film que en todo momento nos trasmite esa sensación de aventura junto al grupo de niños. Deja de lado lo infantil pero a la vez te mete en ese sentido infantil de resolver el misterio que rodea en torno a la criatura. Es una obra oscura, que roza el terror y aunque su desarrollo sea un poco pobre, todo el film es poderoso gracias a su atmósfera, su misterio y su apartado técnico. | 12 | Invasion of the Body Snatchers (Philip Kaufman, 1978) Espeluznante thriller de ciencia ficción de Philip Kaufman. Situada en San Francisco, la vida pacífica de los ciudadanos es interrumpida cuando unas formas de vida extraterrestres caen del cielo. Donald Sutherland y sus amigos descubren que estas formas de vida están haciendo dobles de toda la gente en la ciudad y realidad la sustitución cuando duermen, dejando copias sin emociones en su lugar. Cuando más y más personas se sustituyen, nadie sigue siendo digno de confianza. Esta peculiar mezcla de misterio y ciencia ficción, una película torpe, extraña y aterradora que crea perfectamente un ambiente de tensión. | 11 | Predator (John McTiernan ,1987) Un grupo de soldados de élite al mando del Mayor Dutch se introducen en la selva a liberar a cierto personal secuestrado por la guerrilla. Pan comido. Pero el tema es otro. Asistimos a la introducción de un personaje que será referente de tipos venidos de otros mundos. Un alienígena, ágil y fuerte, con un equipo muy sofisticado que le permite volverse transparente como el cristal reluciente. Va a haber sangre entre la clorofila. Mortífero. Cazador innato. Así cualquiera. Película cuyo secreto consiste en ganar emoción paso a paso, según va actuando el visitante espacial. La acción tiene un gran índice de espectacularidad, un sentido intrigante total por llegar al final y gran sensibilidad para los acérrimos a este tipo de cine que sabrán disfrutarla. Schwarzenegger saca partido a su físico y cumple a su estilo; tiene un guión apropiado y un ritmo que te mantiene expectante frente a la pantalla de principio a fin. | 10 | The War of the Worlds (Byron Haskin, 1953) Otra de las joyas del cine de serie b de los cincuenta fue La guerra de los mundos. Un imaginativo film de ciencia ficción basado en el relato H.G. Wells ambientado en plena Guerra Fría que narra la invasión alienígena de la Tierra. Cuando unas misteriosa esferas caen sobre el planeta los extraterrestres enseguida muestran intenciones hostiles destruyendo todo a su paso. El hombre se defiende inútilmente con todo su arsenal militar pero de nada sirve y la situación es desesperada pero entonces ocurre algo que cambiará las cosas. Se trata de un clásico que goza de todo el encanto de la serie b y que ganó el oscar a sus primitivos efectos especiales. | 9 | Under the Skin (Jonathan Glazer, 2014) Aunque este film personalmente no fue de mi gusto, su idea principal era genial. Para meterlos en contexto, la obra de Glazer es un tanto extraña desde su comienzo. La protagonista, que viaja es su ban seduciendo personas para luego matarlas, se desarrolla bajo cámaras ocultas y con gente aleatoria. No se sabe si esto es verdad o no, pero si nos tragamos esa idea, y además soportamos lo densa, lenta y vacía que pueda llegar a ser, Under the Skin triunfa en ser original y visualmente interesante. | 8 | Contact (Robert Zemeckis, 1997) "Contact", es una peli de Ciencia Ficción dirigida por Robert Zemeckis (si, el que dirigió la trilogía de Volver al Futuro), que cuenta la historia de Eleanor Arroway, una analista de ondas de radio, que un día detecta una señal desconocida proveniente del espacio. Allí comienza una travesía por descubrir que son esas señales. El suspenso que mantiene la peli es lo que mas me mantuvo intrigado casi todo el metraje, sumando una narrativa excelente. En si la pelicula tiende a ser una peli mas lenta que de acción. No hay batallas espaciales o explosiones por todos lados. Aquí se debate la creencia de dioses, la perdida de la fe, el sentido de la vida y la duda sobre la vida mas allá de nuestro planeta. Sin dudas una peli entretenida y muy completa, que no decae casi nunca y contenta a casi cualquier espectador. | 7 | The Man Who Fell to Earth (Nicolas Roeg, 1976) Una película minoritaria y "casi" de culto. Se basa en una novela de Walter Tevis. Un extraterrestre llega a la Tierra, en busca de agua, procedente de un planeta lejano el cual sufre un proceso acelerado de desertificación. Allí le esperan su mujer y dos hijos. Roeg se permite todas las licencias del mundo en su desarrollo argumental, el cual resulta excesivamente complejo y difícil. Sin duda, lo mejor de la película es su estética, su colorido; esa fascinante captación de la belleza. La combinación de mundos extraterrestres con bellos paisajes naturales de los Estados Unidos. La fusión del alienígena y la América profunda. No creo que sea una película fallida, pero es innegable que actualmente resulta cine caduco. Lo peor es sin duda el guión con un uso reiterado y excesivo de la elipsis; y la mezcla y confusión de líneas argumentales. El film tiene algunos momentos poderosos que determinan su condición (discutible) de clásico de la ciencia ficción: La escena en la que el alienígena muestra su apariencia real a su novia terrestre (Marylou) o el papel (en la Tierra y en su planeta) de la "televisión". | 6 | The Thing (John Carpenter, 1982) Todavía hoy sigo considerando esta joya de la Ciencia Ficción o Terror según como se mire, el mejor trabajo de John Carpenter, todo un despliegue de tensión, acción, drama, terror sólo equiparable al “Alien” de Ridley Scott. “La Cosa” no sólo es inmensamente superior al original dirigido por Christian Nyby y producida por Howard Hawks a la que supera en todos los aspectos sino que además vista después de más de 25 años sigue conservando todos sus puntos fuertes absolutamente intactos. El trabajo de Rob Bottin a cargo de los efectos visuales es de referencia, el reparto encabezado por el siempre creíble Kurt Russell está magnífico y sobretodo la impecable y perfecta dirección de Carpenter que sabe dosificar el espectáculo como pocos. Fue la sabiduría del director la que acertó al apartarse en muchos aspectos de su homólogo original, tratar al extraterrestre como un virus o convertir la estación polar en una prisión para sus ocupantes y a la vez una vía de escape para el ser convierten los minutos de esta magnífica película en la que nadie sabe quién es quién en un obra maestra de referencia para todo amante del buen cine.. | 5 | E.T. the Extra-Terrestrial (Steven Spielberg, 1982) Con esta película para todos los públicos, Steven Spielberg consigu¡ó llegar al corazón de todos y cada uno de los espectadores que tuvieron la suerte de disfrutarla, porque por encima de todo, E.T. es una película emotiva en el que a más de uno, se le hace un nudo en la garganta viendo las escenas finales. Estamos ante un bello canto a la amistad y a una amistad más allá de las fronteras, pues tiene como protagonistas a un niño y a un simpático y entrañable extraterrestre. Esta adorable fábula está llena de magia, de momentos inolvidables, de diálogos irrepetibles y se trata de una historia sabiamente contada, que sin duda cala en el interior del público. En ella además conviven la comedia y el drama, la acción y la pausa, la ficción y la realidad y por si fuera poco, la banda sonora es auténticamente magistral. Así que lo miren por donde lo miren, nos encontramos ante una de las grandes joyas que ha dado la historia del cine, con lo que no hay razones para no verla y para no enternecerse con las peripecias de un extraterrestre, que vino más allá de las estrellas para emocionarnos y para arrancarnos una sonrisa. | 4 | District 9 El "Distrito 9" es la zona de Johannesburgo donde malvive, apartada del resto de ciudadanos, la comunidad extraterrestre. Seres que llegaron de otro planeta y sobre los que el ser humano se ha impuesto, a los que la población desprecia llamándoles "bichos", y que son tratados represiva y despectivamente por las fuerzas del orden. Lo realmente terrorífico de la situación que nos plantea el film y de estos conflictos sociales es que, pese a ser una película de ciencia ficción, cualquier espectador pueda pueda identificar el "Distrito 9" con alguna zona de su ciudad, o las imágenes del desahucio de los alienígenas con las de desalojos chabolistas habitualmente emitidas por televisión. Pero no queda ahí la cosa, ya puestos en situación respecto a la relación entre humanos y alienígenas, transmitido el mensaje de la cinta, todavía nos queda una segunda parte repleta de acción y sorpresas. Secuencias que la asemejan cada vez más a cualquier blockbuster americano, sin perder por ello un ápice de calidad ni fuerza narrativa. Treinta millones de presupuesto perfectamente aprovechados. Trabajo original, y distinto a lo que estamos acostumbrados a ver siempre en pantalla, "Distrito 9" reinventa el género de ciencia ficción y se convierte, por méritos propios, en una de las cintas más interesantes del 2009. Una clara muestra de que el ser humano siempre tiende a apartar lo desconocido en lugar de solucionar, integrar o comprender. | 3 | Alien (Ridley Scott, 1979) Hace relativamente pocos años la Biblioteca del Congreso estadounidense anunciaba que “Alien, el octavo pasajero” debía de incluirse como monumento a la cultura. Pasaba por tanto a estar en esa exclusiva lista de películas que se hacen copias especiales de seguridad para preservarlas para la posteridad. Afirmar sobre la trascendencia o no de esta película es complicado, desde luego que si hablamos de cultura popular la tiene y si nos ceñimos a lo meramente cinematográfico mucho más. Probablemente es el mejor ejemplo de matrimonio entre el terror y la ciencia-ficción que ha deparado el cine. Yo añadiría además el thriller, la película tiene mucho de eso. La historia está muy vagamente basada en un relato de Conrad, aunque es uno de esos guiones que pasaron por tantas manos que no es fácil decir de quien es hijo. Es verdad que la idea y el primer guión fue de Dan O'Bannon, pero de ahí al final, hubo muchos cambios. Precisamente muchos de ellos fueron obra de Walter Hill, que iba a ser el director, y que le da a la película más ritmo y menos tertulia. Pero hablar de “Alien” es hacerlo de su factura. Una película de ciencia-ficción, que transcurra en una nave, en el espacio… puede tener más o menos un buen guión pero como no tenga un diseño de producción, unos decorados, unos efectos especiales… todo es trabajo baldío. “Alien” tiene eso y más. Me es imposible recordar una nave mejor hecha que la Nostromo. Y han pasado 30 años. Sobresaliente en todos los apartados técnicos, eso es crear una atmósfera envolvente. Se nota además que es más europea que americana, rodada íntegramente en decorados en los estudios de Inglaterra, está llena de diseñadores y artistas del viejo continente. Pero lo genial es que es encima es comercial. Y mucho. Si uno puede estudiar detenidamente el guión puede advertir todos los tópicos ya inventados anteriormente. Pero funcionan, y lo hacen porque no hay texto sin contexto. Por eso aunque sean más de una vez ridículos (¿Qué hacen esos tipos detrás de un alien por la nave con una red o abusando del gatito como elemento de suspense?) todo termina por cuadrar en una obra que tiene tanto de superproducción comercial, como de obra personal y de autor. Encima vaya reparto, con esos actores te puedes ir a otra galaxia que la película te va a funcionar. Maravillosa Sigourney Weaver, con una de la escena erótico-espacial más famosa de la historia del cine. Dentro de 30 años “Alien” de Ridley Scott seguirá siendo igual de buena, eso seguro. | 2 | The Day the Earth Stood Still (Robert Wise, 1951) "Ultimátum a la tierra" no sólo debe ser considerada como un clásico de la historia del cine de ciencia-ficción, porque va más allá de eso. Robert Wise esboza con esta historia el perfil de la sociedad norteamericana, aturdida aún por los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial. Como película de ciencia-ficción, no se le puede reprochar nada: los 'efectos especiales' son espectaculares para su época y las actuaciones son impecables, especialmente la de Michael Rennie como visitante intergaláctico. Pero destaco sobre todo las escenas en las que el visitante extraterrestre toma contacto con la forma de ser de los humanos. Se refleja con ellas una sociedad contradictoria y violenta, propia de la personalidad de nuestra especie: la actitud ante lo desconocido suele ser de desconfianza, y la reacción; violenta. De modo que ¿no será que el verdadero peligro somos nosotros mismos?. No es de extrañar la reacción del visitante extraterrestre en el cementerio, en esa brillante escena, cuando descubre que tantas personas han muerto en el mundo por guerras inútiles y absurdas. En definitiva, "Ultimátum a la tierra" no es sólo una película de ciencia ficción cogida al vuelo. En un caso parecido, recomiendo "Invasión de los ladrones de cuerpos", donde tambien se tiene lugar un transfondo que va más allá de la simple linea argumental, algo que es de valorar, y que carecen otras películas del mismo género. | 1 | Close Encounters of the Third Kind (Steven Spielberg, 1977) El cineasta judío sacaba de su manga una de las temáticas más recurrentes en su filmografía, la vida alienígena, pero explorando en esta ocasión las dudas y obsesiones sobre si realmente existía. Además, la alejaba de la serie B de los años cincuenta y proponía en esta ocasión un encuentro mucho menos hostil entre ambas partes, dejando en su haber secuencias impresionantes como la de la abducción, donde ofrecía una magistral clase de dirección. Probablemente, una conclusión excesivamente estirada y que no mantenía ese tono sutil del resto de metraje, terminaba restando enteros a un film que, pese a todo ello, pasaría con honores y por méritos propios a ser uno de los clásicos ineludibles del género. Otro post que pueden interesarte: [

| 25 | 'LOS HÉROES DEL MAL' (2015), DE ZOE BERRIATÚA Zoe Berriatúa debuta en el largometraje con esta historia de tres adolescentes que eligen la violencia como forma de rebelión y qie mantienen un trío que no acabará precisamente como ellos esperan. | 24 | 'NYMPHOMANIAC' (2013), DE LARS VON TRIER La última película de Lars von Trier dio muchísimo que hablar por su alto contenido erótico y entre todo el festival Charlotte Gainsbourg y dos amigos. | 23 | 'SALVAJES' (2013), DE OLIVER STONE En esta espiral de violencia Blake Lively se dejó llevar entre Taylor Swift y Aaron Taylor Johnson a un trío... salvaje. | 22 | 'ON THE ROAD' (82012), DE WALTER SALLES Kristen Stewart se quitó de encima su papel de niña buena con un trío en la película de Walter Salles que adaptaba el clásico de Kerouac. Aquí la vemos en plena acción entre Garrett Hedlund y Sam Riley. | 21 | 'SPRING BREAKERS' (2012), DE LARRY CLARK Vanessa Hudgens, James Franco y Ashley Benson, trío en la piscina del Larry Clark más accesible. | 20 | 'EL SEXO DE LOS ÁNGELES' (2012), DE XAVIER VILLAVERDE El cineasta Xavier Villaverde dirigió 'El sexo de los ángeles' desde el respeto y el tacto que tienen sus personajes, interpretados por Álvaro Cervantes, Astrid Bergès-Frisbey y Llorenç González. | 19 | 'SHAME' (2011), DE STEVE MCQUEEN El descenso a los abismos de un adicto al sexo en 'Shame' llevó a Michael Fasbbender a este trío con Calamity Chang y DeeDee Luxe, entre otras actividades sexuales. | 18 | '3' (2010), DE TOM TWYKER Su título ya lo indicaba, la película de Tom Twyker es una oda el trío. | 17 | 'DIETA MEDITERRÁNEA' (2009), DE JOAQUÍN ORISTRELL Entre el calor de los fogones, a Olivia Molina, a Alfonso Bassave y a Paco León les sube tanto la temperatura, que los pobres no tienen más remedio que montárselo juntos. | 16 | 'CASTILLOS DE CARTÓN' (2009), DE SALVADOR GARCÍA RUIZ Adriana Ugarte, Biel Duran y Nilo Mur se lo pasaron muy bien construyendo sus castillos de cartón, desnudos y en la cama en la adaptación al cine de la novela de Almudena Grandes. | 15 | 'AFTER' (2009), DE ALBERTO RODRÍGUEZ Antes de 'Grupo 7' y 'La isla mínima', Alberto Rodríguez nos llevó de fiesta y vimos como a Blanca Romero no le apetecía mucho hacerse mayor, así que decidió recuperar su lado más juvenil montándoselo con Maxi Iglesias y con Álvaro Monje. | 14 | 'MENTIRAS Y GORDAS' (2008), DE ALBACETE Y MENKES La pareja de directores rompieron la taquilla con esta historia de jóvenes, drogas y, por supuesto, sexo. Para muestra, este botón triple con Mario Casas, Yon González y Elena de Frutos pasándoselo teta. Nunca mejor dicho. | 13 | 'MACHETE' (2006), DE ROBERT RODRÍGUEZ Danny Trejo se dio un baño con Lindsay Lohan (o su doble de cuerpo, o las dos) y Alicia Rachel Marek. | 12 | 'SHORTBUS' (2006), DE JOHN CAMERON MITCHELL La película se centra en un local neoyorquino, en el que los visitantes pueden elegir la zona del garito que más se ajuste a sus preferencias sexuales. Naturalmente, los hay que les gustan los tríos... | 11 | 'LOS SOÑADORES' (2003), DE BERNARDO BERTOLUCCI Eva Green y Louis Garrel (su hermano en la ficción) se lo pasan en grande durante las vacaciones de sus padres. Y es que, para no estar solos, deciden invitar a su casa a un joven estudiante norteamericano (Michael Pitt). | 10 | 'LA CALLE DE LAS TENTACIONES' (2002), DE LISA CHOLODENKO Lisa Cholodenko dirigió este trío entre Kate Beckinsale, Alessandro Nivola y Frances McDormand. La última era la suegra de la primera. Ahí lo dejamos todo dicho. | 9 | 'KEN PARK' (2002), DE LARRY CLARK La película tiene como escenario una pequeña y aburrida ciudad de California, que resulta no ser tan aburrida para un grupo de adolescentes, que encuentran en el menage a trois un buen divertimento. Son Stephen Jasso, Tiffany Limos y James Bullard. | 8 | 'Y TU MAMÁ TAMBIÉN' (2001), DE ALFONSO CUARÓN Con sólo 17 años y las hormonas disparadas, Gael García Bernal y Diego Luna se cruzan en su camino con una joven española (Maribel Verdú), que les hace madurar a base de jueguecitos sexuales. | 7 | 'ZOOLANDER' (2001), DE BEN STILLER Muchos no recuerdan esta hilarante escena de 'Zoolander', pero sí, Ben Stiller, Owen Wilson y Christine Taylor (la mujer de Stiller en la vida real). Acaba en orgía. | 6 | 'JUEGOS SALVAJES' (1998), DE JOHN MCNAUGHTON Denise Richards, Matt Dillon y Neve Campbell jugaron a los tríos en 'Juegos salvajes', pero las grandes protagonistas fueron ellas. | 5 | 'TRES FORMAS DE AMAR' (1994), DE ANDREW FLEMING Por un error informático, una chica acaba compartiendo la habitación del campus universitario con otros estudiantes. Al final, pasa lo que tiene pasar, y los tres acabarán conociéndose muy a fondo. | 4 | 'LAS EDADES DE LULÚ' (1990), DE BIGAS LUNA Ante lo explícito de las imágenes, Ángela Molina decidió abandonar este proyecto. En su lugar, fue la italiana Francesca Neri la que se lo montó a tres bandas, entre otros con Bardem. | 3 | 'UN AMOR DE VERANO' (1982), DE RANDAL KLEISER Daryl Hannah, Peter Gallagher y Valerie Quennessen protagonizan esta historia sobre una pareja que viaja de turismo a las islas griegas. Él conoce a una arqueóloga francesa que acabará también haciéndose amiga de su novia... | 2 | 'NOVECENTO' (1976), DE BERNARDO BERTOLUCCI Robert De Niro y Gérard Depardieu compartieron cama y juegos manuales con Stefania Cassini en esta película de Bertolucci. Ella cobraba por sus servicios y ellos no tenían pudor ninguno. | 1 | 'NARANJA MECÁNICA' (1971), DE STANLEY KUBRICK En esta historia de violencia también hubo cabida para el sexo a tres bandas. Un hombre, dos mujeres, mucho sexo. Otro post que pueden interesarte:

| 15 | Love Exposure (2008) Duración: 3h 57m Yu es un adolescente que se ha criado en el seno de una familia muy cristiana. Recién ordenado sacerdote, su padre le obliga a confesar sus pecados, que él comete buscando la aprobación paterna. Yu se dedica diligentemente a obrar mal, hasta que sus fotos a hurtadillas de bragas de chicas lo catapultan a la fama. Pero entonces conoce a Yoko y se ve envuelto en una misteriosa secta... | 14 | Seven Samurai (1954) Duración: 3h 27m Japón, Siglo XVI. Una aldea de campesinos indefensos es repetidamente atacada y saqueada por una banda de forajidos. Aconsejados por el anciano de la aldea, unos aldeanos acuden a la ciudad con el objetivo de contratar a un grupo de samuráis para protegerlos. A pesar de que el único salario es comida y techo, varios samuráis se van incorporando uno a uno al singular grupo que finalmente se dirige a la aldea. | 13 | The Leopard (1963) Duración: 3h 25m Película basada en la novela homónima (1958) de Giuseppe Tomasi di Lampedusa. Es la época de la unificación de Italia en torno al Piamonte, cuyo artífice fue Cavour. La acción se desarrolla en Palermo y los protagonistas son Don Fabrizio, Príncipe de Salina (Burt Lancaster), y su familia, cuya vida se ve alterada tras la invasión de Sicilia por las tropas de Garibaldi (1860). Para alejarse de los disturbios, la familia se refugia en la casa de campo que posee en Donnafugata en compañía del joven Tancredi (alain Delon), sobrino predilecto de Don Fabrizio y simpatizante del movimiento liberal de unificación. | 12 | Mysteries of Lisbon (2011) Duración: 5h 30m Siglo XIX. A través de un viaje de Portugal a Francia, Italia e incluso Brasil, asistimos a una vorágine de aventuras y fugas, coincidencias y revelaciones, romances, pasiones violentas y venganzas. En Lisboa, una ciudad llena de intrigas e identidades falsas, varios personajes están vinculados de una u otra manera al destino de Pedro da Silva, un huérfano que vive en un internado: el padre Dinis, un descendiente de aristócratas libertinos, que se convierte en héroe defensor de la justicia, una condesa enloquecida por los celos y sedienta de venganza, un próspero hombre de negocios que hizo fortuna como pirata sanguinario... Todos estos personajes tienen un interés común: averiguar la verdadera identidad de Pedro da Silva. | 11 | Das Boot (1981) Duración: 4h 53m (Versión sin cortes) Un submarino alemán de la Segunda Guerra Mundial es el escenario en el que un grupo de jóvenes soldados, dispuesto a defender su patria, tendrá que someterse a una dura convivencia, tras descubrir que han sido enviados a realizar una misión probablemente suicida. | 10 | Norte, The End of History (2013) Duración: 4h 11m Un hombre es injustamente encarcelado por asesinato mientras el verdadero asesino sigue en libertad. El asesino es un intelectual frustrado por el ciclo sin fin de traiciones y apatía de su país. El prisionero es un hombre simple que encuentra la vida más soportable en prisión cuando le ocurre algo extraño y misterioso. | 9 | Kwaidan (1964) Duración: 3h 3m Filme basado en cuatro historias del escritor Lafcadio Hearn. "Pelo negro": un samurái no soporta a su mujer y la abandona por una princesa. Años después vuelve a casa para realizar un terrible descubrimiento. "La mujer en la nieve": dos leñadores se refugian de una tormenta de nieve en una especie de cobertizo abandonado. "Hoichi": el fantasma de un samurái le pide a un músico ciego que toque una balada en la tumba de su señor. "En la taza de té": un samurái se asusta ante la visión de un hombre reflejado en su taza. | 8 | Intolerance (1916) Duración: 3h 30m Clásico del cine mudo que muestra a través de varios episodios históricos las injusticias provocadas por la intolerancia religiosa y social. La idea inicial de Griffith era narrar las sangrientas huelgas de 1912 en EE.UU. (un huelguista es acusado de la muerte de su patrón), pero después decidió rodar tres episodios más: "La caída de Babilonia, "La Pasión de Cristo" y "La noche de San Bartolomé" (sangriento episodio de las luchas entre hugonotes y católicos que tuvo lugar en París en 1572). De presupuesto y recursos desmesurados para la época -una sola escena reunió a 15.000 extras y 250 carros- aún hoy sigue asombrando por su espectacularidad. | 7 | Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975) Duración: 3h 45m La vida de Jeanne Dielman, una joven viuda con un hijo, sigue un orden inmutable: mientras el muchacho está en la escuela, ella se ocupa de las tareas domésticas por la mañana y ejerce la prostitución por la tarde. ( | 6 | Once Upon a Time in America (1984) Duración: 4h 11m (Versión restaurada) Principios del siglo XX. David Aaronson, un pobre nene judío, conoce en los suburbios de Manhattan a Max, otro joven de origen hebreo dispuesto a llegar lejos por cualquier método. Entre ellos nace una gran amistad y, con otros colegas, forman una banda que prospera rápidamente, llegando a convertirse, en los tiempos de la Ley Seca (1920-1933), en unos importantes mafiosos. | 5 | Fanny and Alexander (1982) Duración: 3h 8m (Versión para Cine) y 5h 12m (Versión para TV) Historia de una gran familia en una pequeña ciudad sueca a comienzos del siglo pasado. Los personajes principales son dos niños, Fanny y Alexander, su madre y su abuela paterna. Obra maestra de Bergman que obtuvo unas críticas excepcionales. | 4 | Andrei Rublev (1966) Duración: 3h 25m A comienzos del siglo XV, el monje pintor Andrei Rublev acude junto con sus compañeros a Moscú para pintar los frescos de la catedral de la Asunción del Kremlin. Fuera del aislamiento de su celda, Rublev comenzará a percatarse de las torturas, crimenes y matanzas que tienen aterrorizado al pueblo ruso... La biografía del pintor ruso Andrei Rublev -Andrei Rubliov-, famoso por sus iconos, sirve de base para hacer un minucioso retrato de la vida social, política y artística en la Rusia de principios del siglo XV. | 3 | The Best of Youth (2003) Duración: 6h 40m Historia de una familia italiana desde los años 60 hasta nuestros días. Dos hermanos, Nicola (Luigi Lo Cascio) y Matteo (Alessio Boni), comparten las mismas esperanzas, los mismos sueños; disfrutan de los mismos libros y de los mismos amigos hasta que conocen a una chica desequilibrada, Giorgia (Jasmine Trinca), que perturba su destino. Mientras Nicola ejerce como psicólogo, Matteo abandona sus estudios e ingresa en el cuerpo de policía. Este es el retrato de una generación con sus contradicciones, con sus arrebatos de cólera, a veces ingenua, a veces violenta; una generación que quiere mejorar el mundo, que no se resigna a dejarlo tal y como es. | 2 | Sátántangó (1994) Duración: 7h 30m La historia relata gradualmente los problemas de una granja colectiva durante unos pocos días de otoño en los años de la Hungría post-comunista, observada desde la perspectiva de distintos personajes. | 1 | Shoah (1985) Duración: 10h 13m "Shoah" ("aniquilación" en lengua hebrea) es una revisión de la memoria del Holocausto en primera persona. Las víctimas, los testigos, todos aquellos que vivieron el horror y pueden, obligándose a recordar, devolver al presente una realidad que no debe caer en el olvido. Otro post que pueden interesarte: