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El cine es una forma de arte que combina diversas disciplinas y una buena película no es necesariamente una película que se ve bien. Pero no se puede negar que el cine es ante todo un medio visual y hacer que tus peliculas sean hermosas nunca puede ser algo malo. A continuación encontrarán veinte directores que han hecho varias piezas de trabajo visualmente hermosas. Algunos de ellos tienen estilos visuales muy distintos, mientras que otros parecen variar el aspecto de sus películas de manera significativa, manteniéndose siempre visualmente impresionante. Y algunas de estas películas son obras maestras, mientras que otras son de muy poco éxito. Nota: en este lista se hace una enumeración pero uno no es mejor que otro por estar mas abajo o mas arriba. | 20 | Danny Boyle por Trainspotting; Sunshine; 127 horas; Slumdog Millionaire. Mientras que "Shallow Grave" y "Trainspotting", son sin duda los mejores trabajos de Boyle, que marcaron su propio estilo de cámara, no fue hasta más tarde en su carrera que sus películas comenzaron a tener un aspecto visual verdaderamente notable. "The Beach" fue filmada por Darius Khondji, un director de fotografía que aparecerá más adelante en esta lista, que baño al film con un exuberante color y un estilo visual energético. Slumdog Millionaire fue igual de llamativa visualmente, filmada por Anthony Dod Mantle, quien otra vez colaboraría mas adelante con Boyle en "127 hours", dos films visualmente espectaculares, a pesar del hecho de que la segunda fue filmada mayormente en un solo lugar. Pero quizás la mejor película visualmente impactante de Boyle es el Sci-Fi thriller "Sunshine". Una película frustrante, que tiene unas sublimes primeros dos actos y un tercero en el que la historia se desmorona, que no prohíbe afirmar que se trata de una de las películas más espectaculares y elegantes de Ciencia Ficción jamás rodadas. Su fotografía, los efectos especiales y el diseño de producción se combinan para crear algo verdaderamente único. Si tan sólo Boyle hubiese combinado la narración de historias y la frescura de sus primeras obras con la mirada de sus películas posteriores, podríamos tener algo verdaderamente especial. | 19 | Pedro Almodóvar por Mujeres al borde de un ataque de nervios; La piel que habito; Todo sobre mi madre; Hable con ella. Si hay una palabra para describir las películas de Almodóvar sería: coloridas. Su extravagante estética pop-art ya estaba presente en sus trabajos anteriores, pero en realidad llegó a la vanguardia con su primer éxito mundial "Mujeres al borde de un ataque de nervios". Una película tan colorida que podría ser fácilmente confundida con una pintura de Mondriaan, un surrealista español gay que se caracterizaba por pintar formas geométricas coloridas. Junto con su socio, el director de fotografía José Luis Alcaine, su colaborador frecuente en otras películas, como "¡Átame!" y el otro notable ejemplo "La piel que habito" (que pienso es una de sus mejores peliculas), el dúo logró hacer que los colores salten de la pantalla para quemar tus retinas, aumentando en gran medida la sensibilidad surrealista de la obra de Almodóvar. Pero no solo colores hacen que un director posea un gran talento visual. Su llamativa imaginaría también se destaca claramente. Un buen ejemplo de esto es la parodia del cine mudo y la secuencia de la fantasía surrealista en la que un hombre se mete en la vagina de una mujer en "Hable con ella", uno de los mejores de Almodóvar. No es de extrañar que ha sido comparado con el último gran maestro surrealista Luis Buñuel. Las imágenes no se ponen mucho más extravagante que esto. | 18 | Guillermo Del Toro por El espinazo del diablo; Blade II; Hellboy; El laberinto del fauno. La habilidad de Guillermo Del Toro para lograr imágenes realmente impresionantes estuvo allí desde el principio. Sus primeros films españoles tempranos, "Cronos" y "El espinazo del diablo", mostraban su talento para llenar el cuadro con una notable imaginaría, pero no fue hasta que se fue a los Estados y sus presupuestos y estatura crecieron para que lleguemos a ver de lo que el hombre era realmente capaz. Sus adaptaciones de cómics, "Blade II" y las dos películas de "Hellboy", muestran una clara comprensión de su material y lograron impresionar, con el fantástico diseño de producción y la utilización clara del color y la luz, pero su mayor logro ha sido su producción española "El laberinto del fauno", llevando lo visual mas allá de lo que nunca había llegado. El inquietante cuento espeluznante para adultos se ha convertido en un punto de referencia gracias a su gran imaginaría de pesadilla y a el mundo fantástico creado. Su director de fotografía ha sido siempre Guillermo Navarro, desde el "Espinazo del diablo", con la excepción de "Blade II". La pasión de Del Toro para diseñar imágenes maravillosas también se ha exportado a las muchas películas que ha producido y no es de extrañar que fue contratado inicialmente para dirigir la trilogía del Hobbit, antes de tener que retirarse debido a problemas de agenda. Hubiera sido muy interesante ver los resultados. | 17 | Andy & Lana Wachowski por Matrix; Speed Racer; Cloud Atlas. Mientras que la calidad general de la trilogía de "Matrix" es cuestionable (todos sabemos que la primera fue increíble, mientras que las secuelas eran bastante difícil de digerir), el estilo visual de las tres películas, sin duda no lo es. Pioneras en el uso de efectos especiales (¿Que no se puede olvidar los efectos del tiempo bala?), con una paleta de colores con variedades del verde y un diseño de producción original, completan un paquete excepcional. Los hermanos Wachowski siguieron su éxito con "Speed Racer", una película verdaderamente horrible, que sin embargo era un espectáculo visual de primer orden, que hacía confundir al espectador ya que al ser una pelicula horrible, su estilo visual era muy disfrutable con eso colores brillantes y exagerados. La película podría haber sido un desastre en muchos niveles sin ayuda de un poco de droga . Bajando un poco los cambios, "Cloud Atlas" resultó ser otro proyecto ambicioso, pero imperfecto aunque una vez más ofreció efectos especiales de última generación y deleite visual. Su último film "Jupiter Ascending" es por lejos su peor pelicula gracias a muchísimas variantes, de lo que únicamente se salva gracias a su poderío visual. | 16 | Dario Argento por Animal Trilogy; Profondo rosso; Suspiria; Inferno. Dario Argento es el maestro del género conocido como Giallo, la palabra italiana para el color amarillo. No es de extrañar entonces que sus películas de terror Giallo son extremadamente coloridas (en realidad, los dos tienen nada que ver unos con otros, el término Giallo simplemente hace referencia al color de la edición de bolsillo de color amarillo, portadas de novelas de misterio, que inspiraron tanto al género de nombre y temática). Las películas de Argento son un espectáculo para la vista. Ya había dirigido su "Animal Trilogy" a principios de los años setenta, que eran piezas altamente estilizadas, pero no fue hasta que regresó luego de un paréntesis de algunos años del género Giallo, con su obra más audaz "Profondo rosso" (Rojo oscuro), siendo a menudo citado como la mejor película Giallo jamás hecha. Tenía un tremendo impacto en las películas de terror y slasher, aunque ninguno de ellos jamás pudieron mirar este colorido de nuevo. Siguió con "Suspiria", donde increíblemente logró subir el volumen del color aún más alto. Un verdadero asalto a las retinas, "Suspiria" podría describirse como una obra surrealista con imágenes de pesadilla y no simplemente como una pelicula de terror. Es visualmente extravagante. Después de "Suspiria" llegó "Inferno", un semi-secuela de "Suspiria". Aunque sin llegar nunca a la altura de sus dos obras maestras anteriores, la película todavía deja una impresión visual duradera y también es de destacar ya que marcó una colaboración con Mario Bava, otro director italiano con un ojo visual agudo, que es el siguiente en la lista. | 15 | Mario Bava por Sei donne per l'assassino; Terrore nello spazio; Diabolik. A pesar de que Dario Argento se convirtió en el maestro de Giallo, fue Mario Bava quien parecía haberle enseñado todos los trucos rudimentarios. Con sus fuertes sensibilidades visuales, no es ninguna sorpresa que Bava solía ser un pintor y director de fotografía antes de cumplir su talento para dirigir. Seis años antes de que Argento creara su primera Giallo, Bava ya estaba llevando a cabo "Sei donne per l'assassino" (Seis mujeres para el asesino), un modelo a seguir para todas las películas Giallo, incluyendo una paleta de colores increíblemente exuberante y suntuosa. Pero a diferencia de Argento, Bava no sólo se adhieren al Giallo, también trasmite sus efectos visuales sorprendentes prorrogados a otros géneros, incluso cuando él se enfrentó a limitaciones presupuestarias severas. Otras de sus producciones, "Terrore nello spazio" es una película de culto de serie b y ciencia ficción. Mucho de esto tiene que ver con el diseño escandaloso de producción y el uso de colores primarios (más el hecho de que todo el concepto de vampiros en el espacio se presta muy bien a la sensibilidad de una pelicula de serie b, por supuesto). Aún más sorprendente es "Diabolik", una adaptación del cómic súper cursi con un diseño muy friki y psicodélico y un color caramelo muy sesentero único. Bava hizo muchas películas de serie B muy llamativas visualmente durante su larga carrera, pero estas tres películas proporcionan un gran punto de partida y ejemplifican sus imágenes escandalosas perfectamente. | 14 | Zack Snyder por 300; Sucker Punch; Watchmen. La calidad de las películas de Zack Snyder es a menudo cuestionable, pero no hay duda en la mente de nadie de que el hombre sabe cómo crear unos efectos visuales sorprendentes. Su remake de "Dawn of the Dead " tenía buena pinta pero fueron sus siguientes tres películas las que lograron algunas opciones estéticas realmente impresionantes. "300", "Watchmen" y "Sucker Punch" fueron todas rodadas por Snyder y su director de fotografía Larry Fong, quien perfectamente tradució la estética del cómic a la pantalla en los tres casos. Estas películas son ante todo imágenes visuales con un estilo superficialmente atractivo y entretenido, pero intelectualmente poco exigente, especialmente 300 y Sucker Punch. El contenido está relegado a un segundo plano gracias a la bravura visual que claramente siempre toma protagonismo. Watchmen sin embargo, que todavía sufre de algunos de estos problemas, era muy impresionante, y con un nivel visual muy alto, que logra muy bien adaptarse a la gran pantalla desde la novela gráfica de Alan Moore. Se puede argumentar que se trataba de un trabajo imposible desde el primer momento, pero Snyder dio su todo y rara vez se tiene una adaptación del cómic tan impresionante en la pantalla grande. | 13 | Darren Aronofsky por Pi; Requiem for a Dream; Black Swan; The Fountain. Parece que le gustan las pesadillas a Darren Aronofsky y sabe muy bien como trasmitirlas a la gran pantalla. Aunque su debut "Pi" era una impresionante pelicula de bajo presupuesto, rodada íntegramente en grano crudo de 16 mm en blanco y negro, fue "Requiem for a Dream" que realmente mostró la sensibilidad visual de Aronofsky. Una verdadera fiebre visceral y sueño por la droga, la película re-unió a Aronofsky con su socio, el director de fotografía Matthew Libatique, quien rueda todas las películas del director con la excepción de "The Wrestler". Su siguiente película, "The Fountain", era aún más ambiciosa, y se describe mejor como un poema visual ya que carece de una narrativa clara y sirve como una toma impresionista en temas existenciales. Aranofsky usó la macro-fotografía y diversos motivos visuales para explorar sus temas de la mortalidad y el amor. "The Fountain" es claramente una pieza subestimada e infravalorada. Un verdadero poema visual, una película visualmente impresionante y que debe ser vista por cualquier persona que se interese en efectos visuales magníficos o en la narración visual. | 12 | Gaspar Noé por Seul contre tous; Irréversible; Enter The Void. Gaspar Noé es un loco Argentino radicado en Francia, y es el único que ha dirigido tres largometrajes hasta ahora (sin contar su última pelicula "Love" que se estrenará pronto). Todas son obras contienen una intensa imaginaría visual y estilística, y no se puede negar que sus películas se han convertido gradualmente más y más grandiosas cuando se trata de bravura visual pura. "Seul contre tous" contenía su parte justa de engaño cinematográfico, incluyendo tarjetas de título, cortes abruptos y carros rápidos, todo ello enmarcado en una paleta de color rojo profundo, pero con su primer película de éxito internacional "Irréversible" toma las cosas a un nivel superior al contar una historia en reversa con planos secuencias larguísimos, con el uso de una cámara frenética que se estabiliza a veces en medio de cada toma larga, agregando efectos especiales realmente inquietantes. Pero fue su última película hasta la fecha, "Enter The Void", una verdadera hazaña con un esplendor visual hipnótico. Una película que cambia desde una pura fotografía POV a una perspectiva de la cámara que se cierne sobre una brillante noche de Tokio bañada en Neón. Cada toma en esta película tiene su parte de CGI y el resultado es una película diferente a cualquier otra antes o después de ella. La temática de Noé obviamente no es para cualquiera pero cuando se trata de brillantez técnica, es difícil de superar "Enter The Void". Una pieza única y alucinante del cine visual. | 11 | Jean-Pierre Jeunet por Delicatessen; City of Lost Children; Amelie. Dos de las películas que son ejemplos claros dignos de mención en esta lista se hicieron realidad por el dúo de directores Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro. Hicieron un montón de cortos juntos, pero se separaron después de dos largometrajes y en base a su producción, Jeunet fue el cineasta con más talento (Jeunet ya era un director de comerciales cuando los dos se encontraron, mientras que Caro era un diseñador). "Delicatessen" y "City of Lost Children" irrumpieron en la escena a principios y a mediados de los noventa e introdujeron el par al mundo, así como a su director de fotografía, Darius Khondji, que ha sido mencionado en esta lista antes y quien ha acumulado un impresionante curriculum. Ambas películas tuvieron un aspecto muy característico, siendo el primero una fábula de oro teñida de ensueño post-apocalíptica, mientras que el segundo era un cuento de hadas para adultos que contenía un poco de fantasía oscura: dos mundos altamente imaginativos y fantásticos con un diseño de producción muy singular y distinto. Amelie fue el mayor éxito internacional de Jeunet, que es relativamente muy distinta a sus obras anteriores, pero no nos engañemos, todavía es una fantasía muy estilizada en el que París se representa como alguna ciudad colorida, con una sensación casi de cuento de hadas. Tan eficaz fue la película en la toma del barrio de Montmartre, que en la vida real aumentó el turismo de esa zona, que realmente no es tan colorida como en el film. | 10 | Tim Burton por Beetlejuice; Edward Scissorhands; Alice in Wonderland; Big Fish; Corpse Bride;The Nightmare Before Christmas; Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street. Tim Burton ha logrado encontrar el éxito con una larga serie de películas, a menudo extrañas y siempre visualmente impresionantes. Mientras que la calidad general de sus películas en los últimos años ha sido cada vez más y más discutible, su exceso visual sólo ha crecido. Cada una de sus películas han sido claramente góticas, empezando de "Pee-wee's Big Adventure", "Beetlejuice" y por supuesto "Batman", pero fue su primera colaboración de muchas con Johnny Depp, "Edward Scissorhands", que en realidad mostró primero su estética cursi. Una película única, que ejemplifica perfectamente las marcas visuales góticas de Burton. De allí en adelante, Burton nos ha proporcionado una amplia gama de paraísos fantásticos de grandeza cada vez más visual, especialmente en términos de diseño de producción y dirección de arte. Tanto "Sleepy Hollow" y "Alice in Wonderland" son los principales ejemplos de esto y también hay que señalar los diversos esfuerzos de stop-motion que Burton ha dirigido o producido en los últimos años. Un director que encarna claramente "estilo sobre la sustancia", la mayoría de las películas de Burton han ido muy bien en la taquilla y se puede fácilmente haber visto como la versión corriente principal de Terry Gilliam, quien, al igual que Burton, comenzó su carrera en la animación. | 9 | Terry Gilliam por Brazil; Twelve Monkeys; The Meaning of Life; Fear and Loathing in Las Vegas. Mientras que Terry Gilliam comenzó en publicidad en los Estados Unidos, fueron sus animaciones para el programa de televisión para niños en el Reino Unido lo que lo llevó al éxito. A partir de ahí empezó a hacer las animaciones para los de "Monty Python’s Flying Circus" y pronto se encontró dirigiendo el primer largometraje de la Python. Inmediatamente después se aventuró en reinos fantásticos con "Time Bandits", pero no fue hasta que en su película de 1985 "Brazil", donde la gente realmente comenzó a notar su trabajo. Altamente imaginativo y rozando la psicodelia, la película fue una hazaña de imágenes e ideas. Algunas personas criticaron por irse demasiado por la ramas, pero no hay duda de que se trataba de un verdadero espectáculo visual. Lo mismo se aplica a la próxima película de Gilliam, "The Adventures of Baron Munchausen", una película que se describe mejor como un espectáculo de puro exceso de ensueño visual, con un gran presupuesto y una taquilla muy pobre, lo que causó a Gilliam contenerse un poco más de aquí en adelante. Sin embargo, esto no significa que el hombre bajo su nivel visual, como se ve en "Fear and Loathing in Las Vegas". La historia basada en el libro de Hunter S. Thompson fue sin duda la mejor representación cinematográfica de alucinaciones de drogas alguna vez puestas a la pantalla. Pudo haber habido mundos fantásticos, pero el viaje psicodélico hipnótico que aquí se presenta es nada menos que asombrosa en un nivel puramente visual. Mientras Gilliam ha tenido más dificultades para encontrar el éxito financiero de Tim Burton, estos dos hombres pueden de alguna manera ser visto como las dos caras de la misma moneda en el cine fantástico moderno. | 8 | Baz Luhrmann por Strictly Ballroom; Romeo + Juliet; The Meaning of Life; Moulin Rouge!; The Great Gatsby. A partir de su primer largometraje, "Strictly Ballroom", era claramente evidente que a Baz Luhrmann le gustaban sus imágenes coloridas y cursis. Pero no muchas personas habrían predicho que a partir de esta pequeña producción australiana, que hizo elogios Garner en Cannes, encontraría inmediatamente éxito mundial con su siguiente película, "Romeo + Juliet". Asombroso vestuario y el diseño de producción, edición cinética y una paleta de color llamativa, contribuyeron a un estilo visual muy original y extravagante para esta reinterpretación post-moderna del cuento clásico. Él continuó su éxito con todos los mismos ingredientes y añadió algunas fantásticas escenografías para el aún más cursi "Moulin Rouge!", otro verdadero espectáculo visual en todos los sentidos. Después de hacer "Australia", que fue generalmente criticada, Luhrmann regresó con todos los elementos que hicieron sus anteriores películas un éxito, otra reinterpretación de un clásico cuento, "The Great Gatsby", añadiendo 3D en el proceso. | 7 | Zhang Yimou por Red Sorghum; Raise the Red Lantern; Ying xiong; Man cheng jin dai huang jin jia. "Red Sorghum", el debut en la dirección de Zhang Yimou, anunciaba la llegada de un director que era un maestro de la utilización del color, pero fue su segundo largometraje "Ju Dou", que salió a por todas y le ganó un amplio reconocimiento internacional. Yimou utiliza el entorno para llenar la pantalla con una explosión de colores suntuosos y estilo visual voluptuosa. Siguió con "Da hong deng long gao gao gua" (Raise the Red Lantern), otra película que deslumbró con su combinación de colores exuberantes y gran estilo visual, por lo que el director era un favorito de los amantes del arte de principios de los noventa. Zhang Yimou se reinvento con "Ying xiong" (Héroe), una mezcla entre fantasía de arte marcial, en la cual se desatacaba un virtuosismo visual deslumbrante, disparado por el increíble Christopher Doyle, otro cineasta que ha colaborado con más de un director en esta lista. La película se convirtió en una sensación en todo el mundo y fue seguido por dos de menor éxito, pero sin embargo igualmente impresionantes obras: "Shi mian mai fu" (La casa de las dagas voladoras) y "Man cheng jin dai huang jin jia" (La maldición de la flor dorada). | 6 | Jean Cocteau por The Blood of a Poet; Beauty and the Beast; Orphee. Si alguna vez hubo un director que puede ser etiquetado como un verdadero poeta visual, tendría que ser Jean Cocteau. Como era de esperar, el hombre en realidad era un poeta, diseñador, pintor y artista, básicamente, todos los aspectos antes de que él incluso comenzó a dirigir. Todas sus películas tienen una calidad asombrosa hipnagógicas y parecen flotar fuera de la pantalla. Su primera película inspirada en el mito de Orfeo, "The Blood of a Poet", examina el proceso creativo y la relación del poeta a la muerte en un sueño, en la frontera de manera puramente surrealista. Pero fue su siguiente película, "Beauty and the Beast", era verdaderamente una maravilla visual de principio a fin. Lleno de imágenes románticas, impresionantes efectos especiales para el tiempo y un fantástico vestuario con una perfecta escenografía. La película es una representación visual impresionante del cuento de hadas bien conocido y sigue siendo la mejor interpretación de la historia jamás filmada. Cuatro años más tarde el director volvería al mito de Orfeo, una vez más con "Orphee", su obra maestra surrealista de ensueño, rodada en fotografía quebradiza en blanco y negro. Un verdadero poema visual si alguna vez hubo uno, la película fue otra obra maestra etérea y surrealista, que casi constituye un género en sí mismo, ya que casi no hay otras películas que usted podría comparar esta película con (aparte de otras obras de Cocteau tal vez). | 5 | Stanley Kubrick por 2001: A Space Odyssey; Barry Lyndon; Eyes Wide Shut. Uno de los más reconocidos cineastas por lejos, Stanley Kubrick era mucho más que visualmente dotado. Sin embargo, él hizo algunas de las más impresionantes películas que buscan jamás se ha hecho, sobre todo la famosa "2001: A Space Odyssey", que es un ejemplo perfecto de la narrativa visual. A partir de una secuencia de 25 minutos sin diálogo, el cual representa la evolución temprana de la humanidad y termina en una continuidad cinematográfica infame que une un hueso de una nave espacial que une a millones de años de evolución, la película es pura bravura visual innovadora en referente a sus efectos especiales, con una fotografía impresionante, que posee una imaginaría visual ambiciosa, especialmente el espacio exterior. No menos impresionante es sin embargo "Barry Lyndon", una película de época, que a menudo se parece más a las pinturas de la época moderna que una imagen en movimiento que representan y para el que Kubrick había desarrollado lentes especiales con el fin de rodar escenas con velas sólo para el bien de la autenticidad. También se puede añadir el increíble vestuario y escenografía, dirección de arte y lugares magníficos, que resultan en el drama mas impresionante jamás filmado. La última película de Kubrick, "Eyes Wide Shut" fue filmada con una temperatura de color caliente, con un abundante uso del Steadycam y un diseño de producción exuberante, la película se reproduce a la perfección como un sueño febril de vigilia. Una vez más, Kubrick se negó a utilizar iluminación de estudio y las únicas fuentes de luz utilizadas fueron las visibles en las fotos. Kubrick lamentablemente murió una semana después de completar el film, haciendo de este el último deleite visual que nos dejó. | 4 | David Lean por The Bridge on the River Kwai; Lawrence of Arabia; Dr. Zhivago. El maestro de la película épica, si alguna vez hubo uno, tiene que ser David Lean. Después de haber hecho grandes películas mucho antes, Lean se fue a toda marcha visual desde 1957 a 1965 cuando dirigió tres películas épicas consecutivas de verdadera grandeza visual: "The Bridge on the River Kwai", "Lawrence of Arabia" y "Dr. Zhivago". Sus películas han sido relativamente pequeñas hasta que comenzó en 1957 a gran escala con una co-produccion llamada: "The Bridge on the River Kwai", mayormente rodada en Sri Lanka. La película fue rodada en Cinemascope con un magnífico Technicolor- En cuanto a su parte épica quedó muy chica frente a "Lawrence of Arabia", una película que prácticamente se ha convertido en sinónimo de la palabra épica. Una de las últimas películas que se rodó en 70mm, "Lawrence of Arabia", tiene algunas de las cosas mas impresionantes que se pueden plasmar en un film, por lo que el paisaje del desierto cobra vida como ninguna película ha conseguido nunca hacer. Lean fue capaz de esperar horas para conseguir las condiciones de iluminación perfectas y para lograr que la temperatura sea tan caliente como creíble. Siguiente sería "Dr. Zhivago", otra épica a gran escala. Lo que Lean hizo por los paisajes de nieve y el invierno fue lo mismo que había hecho por la arena y desiertos en "Lawrence...". | 3 | Wong Kar-Wai por Chungking Express; In The Mood for Love; The Grandmaster. Posiblemente el mayor autor proveniente de Hong Kong. Las películas de Wong Kar-Wai priorizan claramente el estado de ánimo y el estilo más estricto de la narración. Pero cuando se es capaz de hacer peliculas tan hermosas, elegantes y con humores cambiantes, la narrativa no parece ser el punto. Mientras "Days of Being Wild" marcó la pauta, en 1994 "Chungking Express" catapulta a Wong a la fama. A menudo referida como una de las mejores películas de Hong Kong que jamás se han hecho, la película presenta la ciudad como un paisaje urbano melancólico con luces de neón, que perfectamente complementa las sueltas líneas de la historia romántica a tratar. Defendido por Quentin Tarantino, la película firmemente reintrodujo el cine de Hong Kong en Occidente como algo más que un heroico derramamiento de sangre, películas de artes marciales y comedias tontas. Seis años más tarde, el dúo de Kar-Wai y el director de fotografía Christopher Doyle volvió con el suntuoso "In The Mood for Love", presentando Hong Kong de una manera increíblemente nostálgica. Mientras toma el calor y la humedad tangible en la pantalla, se las arreglaron para hacer que todos los aspectos de la ciudad se vean exuberantes y su uso de primeros planos y con poca luz funcionan causando un efecto hipnótico sorprendente. La última película de Wong Kar-Wai fue "The Grandmaster", una biografía de Ip Man, el mentor de Bruce Lee, quien ha sido una figura muy popular en las películas de Hong Kong en los últimos tiempos, pero al más puro estilo Kar-Wai convirtió la película en un pieza de humor elíptica con impresionantes imágenes visuales que pueda prevalecer sobre los hechos históricos. Quizás no sea la película históricamente más exacta sobre Ip Man, pero es sin duda la más impresionante. | 2 | Terrence Malick por Days of Heaven; The Thin Red Line; The Tree of Life. Lo primero es lo primero: básicamente cada película dirigida por Terrence Malick fácilmente podrían enumerarse como un ejemplo notable de una pieza visual impresionante del cine. Uno de los más grandes directores en salir de la "Hollywood New Wave" . La primera película de Malick, "Badlands", era una maravilla visual inmediata pero logro superarse cinco años después con "Days of Heaven", una película casi en su totalidad filmada durante la "hora mágica", una hora antes de la puesta del sol, cuando la luz se pone tan especial y cálida con un resplandor dorado. La película es una pieza visual impresionante con una iluminación etérea y una sensibilidad poética que todavía se yergue como una de las películas más bellamente filmadas nunca. Malick procedió a tomar un hiato de veinte años, pero cuando regresó en 1998, su maestría detrás de la cámara no había disminuido un poco. "The Thin Red Line" se benefició enormemente al contrastar el horror de la guerra con paisajes casi celestiales bañados en luz magnífico. En 2011, "The Tree of Life", su proyecto más ambicioso, abordó posiblemente el tema más grande de todos: el significado de la vida humana y nuestro lugar en el universo. La pelicula contituyó la representación visual personal de crecer en la pequeña ciudad de Estados Unidos en los años cincuenta. Lo que realmente se destaca es como Malick logra representar de una manera verdaderamente de ensueño, dando cada escena la sensación de ser un recuerdo medio olvidado . Maravilloso y precioso, todas las películas de Malick son delicias visuales. | 1 | Ron Fricke por Chronos; Baraka; Samsara ; Koyaanisqatsi. ¿Es esto una salida fácil porque Ron Fricke hace documentales sin narrativa verbal en vez de peliculas narrativas? No no no. Si alguna vez has visto "Chronos", Baraka, "Samsara" o incluso "Koyaanisqatsi", del cual Fricke era el director de fotografía , sabes que este hombre ha rodado las imágenes más impresionantes que jamás se hayan adornado en la pantalla sin los beneficios añadidos de la narrativa, ajuste y diseño de vestuario y sin el uso de los efectos especiales de producción, a pesar de que es considerado un maestro de fotografía time-lapse, que por supuesto es un efecto en la cámara. Esta es una lista de directores talentosos en lo visual y si hay una cosa y sólo una cosa que Ron Fricke es, es visualmente dotado. No es de extrañar que todas sus películas han sido rodadas en formatos especiales. "Chronos" fue filmado para los cines IMAX y Fricke diseñó una cámara de 65mm por encargo para las secuencias de time-lapse con un sistema de control de movimiento muy complejo, que usaría para todos sus siguientes producciones. "Baraka" sin embargo recibió una fotografía en plena 70mm, un formato que no se había utilizado en el cine desde 1971. La película también sería la primera película en ser restaurada en resolución 8K digital. Su último largometraje, "Samsara", también se rodó en 70 y 65 mm, pero trasladado a 4K digital para la post-producción. Las películas de Ron Fricke son´un esplendor visual sin diluir, puro, en su máxima expresión, viajes mentales sin drogas. Si nunca viste ninguna de estas películas, por favor hazte un favor y mirala. No te arrepentirás. Mencion especial para: Bergman, Tarkovsky, Wes Anderson, David Lynch, Orson Welles, Fincher, Tarantino y Nolan.

Los juegos de estrategia son una parte vital en la herencia de la PC. Desde estrategia en tiempo real o por turnos, la fuerza de este género reside casi siempre en escenarios masivos únicos, en los cuales podemos crear imperios, controlar zonas espaciales y comandar ejércitos de cientos de personas. | 20 | Endless Legend "Endless Legend" es , lamentablemente, uno de los juegos menos conocidos del año pasado, ya que realmente es un muy buen juego. Eclipsado en su momento por el lanzamiento de "Civilization: Beyond Earth", "Endless Legend" es sin duda el mejor juego en el género desde Civ 4. Es profundo y diverso, con fascinantes facciones asimétricas, sub-razas, héroes interesantes, misiones para descubrir, y más. Gráficamente es hermoso también. | 19 | Neptune's Pride Neptune's Pride es, en gran medida, un experimento social hecho juego de estrategia, en la que debemos luchar contra otros por el control del sistema solar. Las reglas son simples: debes actualizar tus estrellas y llegar a construir naves, y luego desplegarlas para robar más estrellas. La guerra se desarrolla lentamente en tiempo real a lo largo de una semana o mas, y puede arruinar un poco su vida durante ese período. El conjunto de reglas es simple pero elegante, deja mucho espacio para hacer y romper alianzas, y antes de que te des cuenta tu amigo se levanta a las 3 am para realizar ataques furtivos mientras duermes. | 18 | Command & Conquer: Red Alert "Red Alert" es, posiblemente, el que menos estrategia tiene de los juegos de esta lista. ¿Vos fuiste el que primero construyó un centro de tecnología y envió 25 tanques a la base del enemigo antes de que éste pudiera hacerlo? Felicitaciones, ganaste la batalla. En cierto modo, la falta de equilibrio es parte del atractivo de este, el mejor de la serie Command & Conquer. El caos de sus batallas, en la tierra, el aire y en el mar, aseguraban unas largas horas de diversión. | 17 | XCOM: Enemy Within Al simplificar la fórmula del XCOM original, Firaxis dirige el juego a una linea mas directa, convirtiéndolo en un juego de acción en donde se debe realmente preocupar por el equipo. "XCOM: Enemy Within" está por encima de otros juegos de estrategia, en donde la toma de decisiones es muy importante. | 16 | Galactic Civilizations 2 Si alguna vez has querido conquistar el espacio con un ejército de naves personalizables, este es el juego de estrategia para vos. Es inteligente, con una IA casi perfecta. Es un juego inmenso que puede tardar semanas en completarse. Hay que equilibrar el poder económico, tecnológico, diplomático, cultural y militar para forjar alianzas, combatir guerras y dominar la galaxia. Con reminiscencias de los juegos "Civilization", se diferencia por ser más grande y profundo. | 15 | Civilization IV Para esta versión del juego de dominio mundial de Sid Meier, Firaxis construyó un nuevo motor desde cero. Fue el primer juego de la serie en usar imágenes en 3D, y cuenta con la inconfundible voz de Leonard Nimoy. Entre una amplia gama de mejoras, se observa una inteligente y agresiva IA. También es notable por ser el primer juego de Civilization en hacer el modding más fácil, lo que ha dado lugar a algunas increíbles expansiones creadas por los jugadores. Quizás sea el mejor de la serie. | 14 | Homeworld Si hablamos de sus mecánicas, "Homeworld" es un juego de estrategia fenomenal, de los primeros en separar con éxito la estrategia en tiempo real de la estrategia normal. Es más que eso, es un juego con un ambiente y un diseño de sonido hermoso. | 13 | Supreme Commander Sólo "Total War" puede competir con la inmensidad de las batallas en tiempo real de "Supreme Commander". Hasta el día de hoy es estimulante recorrer todo el mapa con el mouse y dar órdenes a otra unidad a kilómetros de distancia. Cuando los ejércitos colisionan, podemos ver un show maravillo. Es uno de los pocos juegos de estrategia en tiempo real en el que podemos combatir por aire, suelo y combate naval en encuentros individuales. Pero SupCom va aún más allá, con la artillería de largo alcance, artefactos explosivos nucleares y los robots experimentales megalíticos. | 12 | StarCraft 2: Wings of Liberty Además de ser el juego de estrategia competitivo por excelencia de la última década, "StarCraft II" merece el crédito por tener una gran campaña para un solo jugador. "Heart of the Swarm" es un buen ejemplo de esto, pero "Wings of Liberty" fue el verdadero comienzo: una aventura creativa, que mezcla una fórmula familiar en cada etapa. | 11 | Warcraft III Mas conocido hoy en día por ser el punto de origen de todo el género MOBA, "Warcraft III" también es un juego de estrategia creativo, ambicioso en su propio derecho, que llevó el género más allá de pequeños sprites anónimos y creó un reino de fantasía cinematográfica único. La inclusión de pioneros elementos de RPG en forma de héroes y monstruos neutrales, este juego ofrece un grado de profundidad muy grande y una historia que, si bien es muy simple, se ejecuta perfectamente. | 10 | Rome: Total War La transición de "Rome: Total War" al pleno 3D marca un antes y un después, dándole una complejidad única. El original se presentaba muy simple y convincente en referencia a la guerra antigua y lo hacía fenomenalmente. Este Rome es una gran introducción a una de las épocas más interesantes de la historia militar, y permanece vivo hasta el día de hoy. | 9 | Warhammer 40,000: Dawn of War II Era tentador poner el excelente primer "Dawn of War "en la lista, pero este le gana por mucho. Esta secuela experimental, que sustituyó a las unidades enormes por un puñado de hijos de puta del espacio con un toque de hard-rock, cada uno con un conjunto de habilidades asesinas. En el combate, basado en la microgestión, se puede controlar desde marines espaciales hasta francotiradores, para eliminar enormes hordas de Orcos. El modo Last Stand cooperativo también es realmente inmenso. | 8 | Sins of a Solar Empire "Sins of a Solar Empire" captura las mejores virtudes de la estrategia 4X para que funcione dentro de un marco RTS. Es un juego sobre los imperios espaciales que abarcan toda la galaxia, que se elevan o caen, y, en particular, sobre el momento en que las grandes naves espaciales de esos imperios surgen del hiperespacio. La diplomacia es una opción también, por supuesto, también tenemos naves espaciales gigantes en nuestro poder. | 7 | Crusader Kings II "Crusader Kings II" es un juego de estrategia política a toda regla. Se trata sobre controlar con quien se va a casar tu sobrina, hasta ser líder de grandes ejércitos en la batalla. Cada personaje esta muy bien simulado, y cada uno tiene sus metas y deseos. Es complejo -se puede culpar al sistema feudal por eso- y ofrece una historia dramática a nivel personal. Sus simulación abarca muchas situaciones tensas y anima a hacer cosas terribles para retener el poder. Puedes hasta ejecutar a un bebé recién nacido para que su hermana mayor y más inteligente pueda reinar en su lugar. Los tiempos feudales fueron tiempos violentos. | 6 | DEFCON El mapa azul de DEFCON es el escenario perfecto para una historia de horror sobre la Guerra Fría y el brote de la guerra nuclear. En primer lugar, gestionaremos las reservas, los misiles, algunos submarinos nucleares y controlaremos contramedidas para prepararnos para el Armagedon. Esta fase de organización es un reto estratégico interesante, pero DEFCON es más eficaz cuando los misiles vuelan. Podemos hacer explotar lugares y saber el número de víctimas, ir destruyendo ciudades inmensas alredor del mundo. Una vez que el polvo se asienta, la victoria es un mero tecnicismo. Es una juego de pesadilla, y muy brillante gracias a su modo multijugador. | 5 | Frozen Synapse El truco de "Frozen Synapse" es que ambas partes tomen su turno al mismo tiempo. No estas simplemente planeando los movimientos de tu propio escuadrón de cybersoldiers, sino también estas precediendo los de tu oponente. Antes de comenzar, se obtiene una vista previa de su turno teórico, el cual te permite intentar algunos movimientos audaces. | 4 | Xenonauts Sus profundos sistemas estratégicos y de combate basados en turnos, hacen a "Xenonauts" un triunfo a pesar de ser un reboot. Si sos un viejo fan de la saga X-COM, olvídate de bajartelo de vuelta y ponete al día con los gráficos: jugar Xenonauts es la mejor manera de revivir esos días de gloria con un sistema mucho mas profundo. Y si eres nuevo en X-COM, este juego te permitirá explorar las raíces clásicas de la serie. | 3 | Unity of Command El experto en juegos de estrategia, Tim Stone lo describió como un juego de guerra "fresco y agradable", alabando la convincente y desafiante IA. Tendrás que utilizar tácticas de batalla realmente inteligentes para vencer a estos generales computarizados. La interfaz sencilla elimina la barrera habitual que la mayoría de los juegos de guerra tienen, pero hay mecánicas profundas ocultas para descubrir a medida que se aprende los entresijos de sus sistemas. | 2 | Rise of Nations Age of Empires nos dio la oportunidad de abarcar siglos de progreso militar en batallas de media hora, pero Rise of Nations lo hace mejor, y elegantemente introduce elementos de los juegos de estrategia por turnos como Civ. Cuando las fronteras se chocan, diferentes razas emergen y tratan de sobresalir tecnológicamente, en medio de una inmensa guerra. | 1 | Age of Empires II "Age of Empires" es uno de esos pocos juegos que han hecho historia en el mundo de los videojuegos. El combinar estrategia en tiempo real con una interfaz agradable para el usuario y unos soberbios gráficos (para su época) lo convirtieron en un numero 1.

Hasta el momento, 2015 ha sido un año de mucho trabajo y esta lista propone mirar algunas de las mejores películas del 2015 hasta la fecha. Ex Machina "Ex Machina" es un thriller de ciencia ficción británico del guionista Alex Garland, que a la vez hace su debut como director. El solitario presidente de una empresa de alta tecnología (Oscar Isaac) recluta a un programador de computadoras, joven y brillante (Domhnall Gleeson), a fin de evaluar su creación, Ava (Alicia Vikander), la inteligencia artificial más avanzada jamás concebida. Los dos hombres no se dan cuenta de que Ava tiene planes propios. Garland trato de mantener el presupuesto tan pequeño como sea posible. No hubo efectos especiales o pantallas verdes durante la filmación, ya que todos estos efectos fueron creados en post-producción. Ex Machina fue estrenada en enero en el Reino Unido, y después se estrenó en Estados Unidos en el Festival South by Southwest Film el 10 de abril de 2015. En el sitio web Rotten Tomatoes la película ha recibido una calificación de 91% sobre la base de 174 opiniones. La película se basa más en las ideas y visualmente es impresionante y atractiva. It Follows Esta película de terror estrenada en el Festival de Cine de Cannes de 2014, se ha destacado principalmente por su estilo minimalista y por su director David Robert Mitchell. La trama sigue a una joven que es perseguida por una entidad sobrenatural después de un encuentro sexual. La película tuvo un estreno limitado en Marzo de 2015 y recibió un entreno más amplio poco después. Un elemento impactante e importante de esta pelicula se desprende de la gran cantidad de interpretaciones relativas a "eso" y a el simbolismo de la película. Algunos han interpretado la película como una parábola sobre el SIDA u otras enfermedades de transmisión sexual, un estudio sobre la revolución sexual, o una historia sobre las ansiedades primitivas sobre la intimidad y el sexo. La película también explora los aspectos existenciales de la muerte y como la gente trata de evitar o posponer lo inevitable. La película ha tenido gran éxito de crítica con la mayoría de los elogios reservado para Mitchell, cuyo estilo ha sido aclamado como refrescante y progresivo. La película es inteligente, original y aterradora. Mad Max: Fury Road La cuarta película de la franquicia Mad Max estrenada treinta años después que la última, esta dirigida por George Miller, el mismo director que ha comandado la serie desde sus inicios. La película cuenta con Tom Hardy en el papel principal, con Charlize Theron, Nicholas Hoult, y Hugh Keays-Byrne completando el elenco. Situado en un entorno desolado donde el agua y la gasolina escasean, Mad Max une fuerzas con Imperator Furiosa (Theron) para huir de líder del culto Immortan Joe (Keays-Byrne) en la búsqueda de su ejército. Después de estar en producción de forma intermitente durante casi una década, la película tuvo su estreno mundial en el teatro chino TCL, el 7 de mayo de 2015. La película comenzó su presentación en mas salas una semana más tarde y se presentó fuera de competición en la edición número 68ª del Festival de Cannes. Los críticos elogiaron la película por sus actuaciones, su guión, las secuencias de acción, la acrobacias, y la dirección. Mad Max: Fury Road actualmente tiene una calificación de 98% en Rotten Tomatoes y ha vuelto a la franquicia a la conciencia del público. La película va más allá del género de acción normal y el éxito global hizo que ya se hayan anunciado secuelas. What We Do in the Shadows Recomendada ya en mi anterior post, esta película de Nueva Zelanda fue un éxito en el Festival de Cine de Sundance, en enero. La película está dirigida y escrita por Taika Waititi y Jemaine Clement, que aparecen en la película. El film trata sobre un grupo de vampiros que viven juntos en Wellington. Después de su estreno en el Festival de Cine de Sundance, la película recibió un lanzamiento limitado en todo Estados Unidos en marzo de 2015. La historia sigue a tres vampiros que tratan de hacer frente a las complejidades de la vida moderna y le enseñan a un hipster, recién convertido a vampiro, algunas ventajas de ser un miembro de los muertos vivientes. Lo mas importante de la pelicula quizás sea su elevado factor humorístico, gracias a los gags y a las interpretaciones. El film cuenta actualmente con una puntuación de 96% en Rotten Tomatoes. Me and Earl and the Dying Girl Estrenada en el Festival de Cine de Sundance con una ovación de pie, "Me and Earl and the Dying Girl" fue uno de los mayores éxitos del Festival de este año. Ganó el Gran Premio del Jurado en su categoría como mejor drama y el Premio del Público por mejor drama de EEUU. Basada en la novela del mismo nombre de Jesse Andrews, quien también escribió el guión, cuenta la historia de Greg, un estudiante de secundaria de Pittsburgh que se hace amigo de su compañera Rachel, que tiene leucemia. Greg y su amigo Earl hacen películas de bajo presupuesto en su tiempo libre y deciden hacer una película sobre Rachel. La película fue adquirida por Fox Searchlight Pictures después de Sundance por $ 12 millones y tendrá un estreno limitado en Estados Unidos el 12 de junio de 2015. Kingsman: The Secret Service Basado en el cómic The Secret Service, "Kingsman: The Secret Service" ha sido un éxito sorpresivo durante la primera mitad del año. Protagonizada Taron Egerton junto a Samuel L. Jackson, Colin Firth y Michael Caine, Kingsman cuenta la historia de Gary "Eggsy" Unwin (Egerton), cuyo padre estuvo involucrado en una organización secreta de espionaje. Unwin vive al sur de Londres y parece que pronto tendrá una vida tras las rejas. El agente Harry Hart (Firth) reconoce el potencial del muchacho y lo recluta para entrenar en un programa secreto. Mientras tanto, Richmond Valentine (Jackson) pone en marcha un plan diabólico para evitar el cambio climático, inaugurando una serie de asesinatos en todo el mundo. Recaudando más de 400 millones dólares en todo el mundo durante su estreno en cines, la película ha obtenido críticas positivas de los críticos. La pelicula ha sobresalido por su gran estilo y diversión. Inside out Pocas películas animadas contemporáneas son tan interesantes, divertidas, ingeniosas y difíciles de explicar como esta. Por varias razones se ha perdido el interés por presentarle al público propuestas que abordan conceptos más allá de “personaje feliz parte del Punto A, pasa por un par de contratiempos, y llega al Punto B más feliz que en el momento en que partió”, quizás el principal motivo es que nos hemos convertido en espectadores holgazanes que no queremos ir más lejos de lo que indica la lógica y terminamos por tachar lo que no entendemos de “fumado” o “pretencioso”. Inside out apela por aquellos escenarios delirantes que algún día nos dio Dumbo o Alicia en el país de las Maravillas donde estamos muy lejos de vivir en un mundo de color de rosa y terminamos inmersos en un lugar que pareciera no tener sentido y que precisamente representa la mente de los personajes, un sitio oscuro y a priori incomprensible. Inside out es una película que pueden disfrutar los niños, pero por supuesto estamos hablando de un filme que el público adulto va a apreciar más, es una de esas cintas que no deben quedarse en el simple visionado superficial, tiene mucha madera de la cual cortar y es una madera de extraordinaria calidad. Intensa Mente no tiene la mejor animación de Pixar, ni los mejores diseños, pero es el concepto más interesante hasta ahora, es la clase de películas que probablemente terminen por valorarse con el tiempo. Socios por accidente 2 Gracias al excelente trabajo humorístico de Jose María Listorti, esta peliBUENO NO MENTIRA SIGAMOS. Paddington Muy entretenido film que combina la animación con los personajes reales. Lo mejor que se puede decir de ella es que se puede ver perfectamente en familia ya que padres e hijos disfrutan por igual. No aburre nada al no haber tiempos muertos y al estar sucediendo todo el rato situaciones irregulares, sí, pero bastante disfrutables y casi siempre divertidas. A veces son gags muy ñoños pero en líneas generales es muy amena. Además, tiene algunos toques precisos y preciosos, inventivas visuales que le dan un indudable encanto y hasta emociona un poco, aunque el humor y la aventura prima sobre todo lo demás. Bien Hugh Bonneville y la siempre magnífica Sally Hawkins, y con una Nicoke Kidman que ya comienza a repetirse en algunos papeles parecidos. En definitiva, bonita película, con una preciosa fotografía y eficaz banda sonora. Calvary La historia de Calvary es sencilla: Un día el padre James Lavelle está en el confesionario como suele ser su costumbre, esperando a que uno de los feligreses se acerque y cuente sus culpas en busca de consejos y el perdón divino. En eso el padre escucha una confesión muy extraña, llena de odio y sarcasmo sobre un evento muy oscuro del pasado de dicho feligrés, al final de la "confesión", el mismo le asegura que va a matarlo y le da una semana al padre para que resuelva sus asuntos pendientes. Así inicia Calvary y de aquí en mas veremos a nuestro protagonista en su día a día de esta semana clave en su vida así como también sus charlas y visitas a los pobladores que acuden a la iglesia. Aunque prácticamente es de 2014, fue estrenada en casi todo el mundo en 2015, la película utiliza unos diálogos cargados de sarcasmo y humor negro aunque en esta ocasión ambos elementos están mas dosificados pero empleados con mucha inteligencia, la suficiente como para hacer resaltar algunas observaciones brutales y hasta crueles sobre lo que es la maldad y la hipocresía de la gente que irónicamente resultan ser los propios feligreses que vienen a la iglesia buscando la expiación de sus pecados. Este énfasis sobre la hipocresía que hace la cinta deja muchas sensaciones al espectador, en especial la de querer mandar todo al demonio y de que tratar de salvar las almas de los demás es una misión prácticamente imposible y sumamente desalentadora, desgastante, frustrante y decepcionante. Pocos son los personajes que arrojan algo de luz en esta historia que está llena de oscuridad. Brendan Gleeson esta estupendo y demuestra su talento camaleónico a la hora de interpretar diversos roles y el elenco también cumple muy bien. Es una película muy reflexiva y emotiva a pesar de su humor negro a la vez que es un gran análisis sobre la naturaleza oscura del ser humano. Una grata sorpresa del cine irlandés. Pride La historia va sobre un grupo de gays y lesbianas que apoyan la huelga de unos mineros en el Reino Unido de Margaret Thatcher, una comunidad galesa anclada en el pasado sin contacto alguno con los nuevos tiempos, cargada de estereotipos y dividida a la hora de aceptar ayuda de una minoría, la homosexual y el maravilloso choque entre ambas. Un punto de partida rico y un desarrollo divertido, emotivo y que sabe tocar cada una de las piezas a las que juega. La acción desde el minuto 1 nos sitúa en el espacio y tiempo y nos va dibujando unos personajes ricos, con los que perfectamente podía construirse una serie. Unos pocos matices para entender a cada uno de ellos, para amarlos u odiarlos, para reflexionar junto a ellos. No obstante, es una película llevadera, entretenida, que camina firme en todo momento y sabe la dirección a la que va, que va in crescendo y que tiene en su reparto uno de sus mayores virtudes. Una película que sabe transmitir optimismo, que lo hace y que no deja indiferente. Una película que no hay que dejar de ver. La patota La flamante remake del clásico de Daniel Tinayre , realizado en 1960, justifica la actualización de su propuesta, que incorpora la actualidad de su propio tiempo y a su vez interpela hasta qué punto nos hemos desacostumbrado a los dilemas éticos y su consecuente dialéctica para defender ideas y consecuencias. La película arranca con un largo plano secuencia que registra una descarnada discusión que enfrenta dos puntos de vista opuestos. El relato abre con un áspero diálogo entre la joven Paulina (Fonzi), recién recibida de abogada, y su padre, un juez de notoria trayectoria (Oscar Martínez) que espera de ella la continuación de una carrera en el ámbito del derecho, donde se le abren todas las puertas. Sin embargo, la joven ya tiene una decisión tomada al respecto: abandonar su especialización y regresar a Misiones, su tierra natal, para integrarse en un proyecto docente con jóvenes estudiantes de zonas marginales. Su padre se opone a esta decisión, pero Paulina decide seguir adelante. Ya en zona semirrural, con los aserraderos que permanentemente reciben árboles extraídos de una selva cada vez menos verde, Paulina y sus ideales chocan con la realidad: la diferencia de idioma y de clase social son apenas el inicio de una tarea ardua que se complicará cuando un grupo de jóvenes jornaleros la confunden con una prostituta y es víctima de una emboscada y agresión sexual. La película de Mitre toca puntos sensibles por el trasfondo del tema abarcado que no ocupa el primer plano pero cuenta y mucho. Santiago Mitre realiza un juego de temporalidades que también estaban en la película original: interrumpir y volver sobre el tiempo narrado, con el fin de retomar el hecho conflictivo desde diferentes ángulos. Este recurso refleja la complejidad del caso y permite diferenciar móviles y motivaciones. La nueva versión se hace eco de los debates políticos contemporáneos y las distintas reacciones ante un hecho de violencia de género, con su posterior reclamo de justicia, generando posiciones encontradas. Al respecto, el film opera contra la idea de venganza que tan opuestamente canaliza otro film argentino reciente como Relatos Salvajes. Es que “La patota” no sólo es una película política sino también una propuesta desconcertante, que puede dejar perplejo al espectador a la luz del irritado sentimiento social del ojo por ojo y diente por diente. El planteo central es ante todo un conflicto ético, distante por igual del puro misticismo y del melodrama. La película se torna cada vez más inquietante y desafiante de la mano de su protagonista. Plantea las ansias de cambio social, poniendo el cuerpo y la voluntad transformadora. Del otro lado, se acentúan las normas que conservan y legitiman. En la diferencia de posturas ideológicas se centra el relato. Cuando la heroína se convierte en víctima, como lo remarca su padre juez, todos esperan una justicia equiparada al castigo. Sabemos que Paulina no cree en la justicia institucionalizada, que desconfía de su capacidad, porque “no busca la verdad sino culpables” -afirma- y en la expectativa acerca de si su convicción permanecerá irreductible, se sostiene el suspenso. Con un tema sólido, buenas actuaciones y una estética que llena los ojos de buen cine, “La patota” se mira sin respiro hasta desembocar en un largo plano final memorable y sin palabras, que refuerza ese punto de vista que avanza de frente y nos enfrenta, con la fuerza de las convicciones. Otro post que pueden interesarte:

True Crime (Crimen real) es un importante género en el cine, muy probablemente debido a que los héroes y los villanos son evidentes. Aunque sin un buen manejo del guión, estas películas pueden fácilmente ser planas. El guionista tiene que tener una larga lista de hechos y acontecimientos cronológicos y de ellos forma un conflicto dramático convincente, mientras que (esperemos) se mantiene fiel a la esencia de la verdadera historia. Por lo general, los escritores tienden a apegarse demasiado a los hechos que drenan con ello toda la vida y la espontaneidad del drama, o se posicionan demasiado lejos de los hechos para crear una pelicula totalmente Hollywoodense. Estas son 20 grandes películas que logran un buen balance entre la realidad y la ficción. | 20 | Catch Me If You Can (2002) La pelicula: Steven Spielberg no es un cineasta conocido por películas de crimen, sin embargo se destaca por la historia de Frank Abagnale Jr. (Leonardo Dicaprio), un adolescente fugitivo convertido en estafador y falsificador. ¿Por qué es genial?: El juego del gato y el ratón entre Abagnale y el hombre del FBI Carl Hanratty (Tom Hanks), le queda muy bien a Spielberg. Él crea una película divertida, alrededor de la tierna historia de un niño perdido en busca de un padre. | 19 | Stander (2003) La pelicula: La fascinante historia real de Andre Stander (Thomas Jane), un policía sudafricano que se convirtió en ladrón de bancos. ¿Por qué es genial?: Jane brilla como el anti-héroe Stander, que, harto de la injusticia que ve a su alrededor, usa su conocimiento como un oficial de policía para burlar a la policía y robar bancos con disfraces elaborados. Stander llega a ciertos límites que pueden llevarlo a la propia autodestrucción. | 18 | Donnie Brasco (1997) La película: Con una discreta actuación de Johnny Depp, Donnie Brasco cuenta la historia de Joseph D. Pistone, un agente del FBI que se hace pasar por mafioso para infiltrarse en la mafia, adoptando el nombre de Donnie Brasco. ¿Por qué es genial?: Se puede ver como Brasco, a medida que pasa el tiempo, se infiltra cada vez mas en la mafia, asimilándose entre los gansters. Es un examen profundo del verdadero significado de la lealtad. | 17 | The French Connection (1971) La pelicula: La increíble historia real de dos policías de Nueva York, Jimmy Doyle y Buddy Russo, en la cual tropiezan con traficantes de drogas con una 'Conexión francesa', fue el primer gran éxito de William Friedkin y Gene Hackman, quienes ganaron el Oscar como Mejor Director y Mejor Actor, respectivamente. ¿Por qué es genial?: La persecución de coches es épica y el final sombrío. Es un pelicula galardonada por la critica, mas que nada por su realismo sobre los policías de Nuevas York. | 16 | The Untouchables (1987) La película: "The Untouchables" cuenta la clásica historia de Eliot Ness y su misión de derrocar al 'intocable' Al Capone. Además cuenta con la gran dirección de Brian De Palma y un guión de David Mamet. ¿Por qué es genial?: Si bien puede ser menos fiel a los verdaderos acontecimientos que inspiraron a la pelicula, lo compensa con la acción y el suspenso, sobre todo con la secuencia de Union Station y el personaje de Sean Connery. | 15 | Capote (2005) La película: En base a los hechos que rodearon a la redacción del trabajo seminal de Truman Capote "Cold Blood", "Capote" da una idea de quien es el hombre detrás de las palabras. ¿Por qué es genial?: Tres palabras: Philip Seymour Hoffman. Se transformó para el papel perdiendo 40 libras y adoptando los gestos afeminados. Su brillante trabajo dio sus frutos cuando se llevó a casa el Oscar al Mejor Actor. | 14 | The Insider (1999) La película: Michael Mann, un director conocido por sus dramas altamente detallados del crimen, batea un home run con "The Insider", la historia de Jeffrey Wigand, un investigador químico que sopla el silbato en las grandes tabacaleras, arriesgando su vida en el proceso. ¿Por qué es genial?: Russell Crowe desaparece en el papel de Wigand bajando un par de kilos y luciendo el pelo blanco. Además la capacidad de Michael Mann logra tomar un juego de moralidad intelectual y convertirlo en un thriller intenso. | 13 | Dead Man Walking (1995) La película: Basada en otro libro de no ficción escrito por la hermana Helen Prejean sobre la relación de una monja con un preso en el corredor de la muerte y sus intentos de obtener el perdón para su ejecución a cambio de cadena perpetua. ¿Por qué es genial?: el excelente trabojo de Sean Penn como Matthew Poncelet, el prisionero condenado a muerte, es razón suficiente. | 12 | The Snowtown Murders (2011) La película: La verdadera historia del asesino en serie más famoso de Australia, John Bunting, que se alista a sus amigos y Jamie, el hijo de dieciséis años de edad de su nueva novia, para matar a personas acusadas de abusadores de menores. La historia es contada desde el punto de vista de Jamie, un niño impresionable y con problemas. Bunting es la única influencia positiva en su vida por lo que es aún más alarmante cuando su verdadera naturaleza se revela. ¿Por qué es genial?: La película es tan brutal y espeluznante que juega más como una película de terror que una película delito y el hecho de que es una historia real hace que sea aún más aterradora. | 11 | Chopper (2000) La película: "Chopper" se basa en el libro "From the Inside" escrita por este mismo, Mark "Chopper" Read, contando la historia de su vida criminal y hazañas violentas dentro y fuera de la prisión. ¿Por qué es genial?: Es la primera película de Andrew Dominick, quien tiene otra película en la lista, y que cuenta con una interpretación memorable por Eric Bana como el loco, paranoico y hambriento de fama, Chopper. | 10 | Dog Day Afternoon (1975) La película: La verdadera historia cuando sobre un atraco a un banco fallido en Nueva York, que se convirtió en una situación de rehenes, en una tarde abrasadora de 1970. Sonny Wortzik (Al Pacino) y su estúpido compañero Sal (John Cazale), roban el banco para pagar una operación de cambio de sexo para el amante masculino de Sonny. ¿Por qué es genial?: la capacidad de Sidney Lumet para mantener la historia y que no se convierta en algo ridículo, adentradose en territorios impensados. | 9 | The Wolf of Wall Street (2013) La película: Basada en la autobiografía de Jordan Belfort, la película sigue su ascenso y caída como corredor de bolsa, hambriento de dinero, mujeres, cocaína y más dinero. ¿Por qué es genial?: Esta gran pelicula de Scorsese se convierte en un examen sobre nuestra codicia y el deseo de exceso. | 8 | Bronson (2008) La película: Este film de Nicolas Winding Refn esta basado en la historia real del prisionero más famoso de Gran Bretaña: Bronson, quien fue sentenciado originalmente a 7 años por robar una oficina de correos y terminó pasando 30 años en régimen de aislamiento debido a su comportamiento violento. ¿Por qué es genial?: Tom Hardy rompe la pantalla como Bronson. | 7 | The General (1998) La película: La verdadera historia del criminal de Dublín, Martin Cahill alias 'El General', quien realizó varios robos audaces a principios de 1980. ¿Por qué es genial?: Brendan Gleeson se roba el show en el papel protagonista. | 6 | Prince of the City (1981) La película: Otra película de Sidney Lumet, "Prince of the City" se basa en el libro del mismo nombre de Robert Daley, que habla sobre la corrupción generalizada dentro de la policía de Nueva York, en particular en la División de Narcóticos, y de Robert Leuci, un detective que se adelantó y incriminó otros oficiales . ¿Por qué es genial?: el estilo imperceptible de Lumet hace que no se haga una pelicula repetitiva y Treat Williams da su mejor actuación hasta la fecha. | 5 | Badlands (1973) La película: la primera y quizás mejor película de Terence Malick, "Badlands" se basa libremente en la matanza de Charles Starkweather y Caril Ann Fugate en Nebraska y Wyoming durante la década de 1950. ¿Por qué es genial?: Malick encuentra el justo equilibrio entre el diálogo y la creación de imágenes, para una narrativa bastante rica que inspira al pensamiento. | 4 | The Assassination of Jesse James by The Coward Robert Ford (2007) La película: la segunda película de Andrew Dominick, basada en la novela de Ron Hansen, en relación con los últimos meses de la vida de Jesse James y la de su asesino, Robert Ford. ¿Por qué es genial?: Aparte de la exuberante fotografía, la película es una meditación sobre la fama y como perderla. | 3 | Zodiac (2007) La película: David Fincher adapta el libro de 1986, el cual detalla el tiempo de Robert Graysmith como dibujante para el diario San Francisco Chronicle durante los asesinatos del zodiaco, su obsesión con el caso y la posterior investigación de aficionado. ¿Por qué es genial?: Fincher logra mantenerse increíblemente fiel a los verdaderos hechos del caso, mientras que elabora una película convincente. | 2 | Vengeance is Mine (1973) La película: Shohei Imamura adapta el libro "Vengeance is Mine" de Ryuzo Saki, que cuenta la historia de un verdadero asesino en serie, Akira Nishiguchi. ¿Por qué es genial?: La película muestra a un asesino en serie salvaje e imprevisible (interpretado perfectamente por Ken Ogata), la antítesis de la sociedad honorable Japón, que luego poco a poco revela que su violencia es la naturaleza que subyacente de toda la cultura. | 1 | Goodfellas (1990) La película: quizás sea la película más famosa Scorsese y una elección natural para esta lista, "Goodfellas" es un muestra brillante del día a día en la vida de Henry Hill, un soldado de la mafia. ¿Por qué es genial?: Scorsese recrea minuciosamente el aspecto y el sonido de Nueva York en los años 50, 60 y 70, con un impecable diseño de producción, para mostrar el mundo que Hill y sus asociados vivían, la brutalidad inquebrantable con la que despachan amigos y enemigos por igual y el mundo del falso glamour, el humor negro y la auto-glorificación que estos mafiosos se dan a sí mismos. 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HBO es el famoso canal de pago estadounidense, hogar de series tan famosas como 'True Detective' o 'Game of thrones'. En este post están todas sus series y lo más destacado de ellas. | 50 | 'Dream On' (1990-1996) LO MEJOR: Es una de las primeras series destacadas de HBO. LO PEOR: Salvo por las licencias con el lenguaje, los desnudos y el uso de clips de otras series y programas de televisión, no era muy distinta a las sitcoms de la época. | 49 | 'Oz' (1997-2003) LO MEJOR: El primer gran drama de HBO, razón por la que estamos hablando hoy de sus series. LO PEOR: Su peculiar estilo de narración no siempre facilita la inmersión en la serie. | 48 | 'Six Feet Under' ('A dos metros bajo tierra', 2001-2005) LO MEJOR: Un gran estudio sobre la mortalidad. LO PEOR: Demasiado deprimente según qué casos. | 47 | 'The Corner' (2000) LO MEJOR: Es el primer paseo de David Simon por HBO. LO PEOR: Es solo un paseo de seis episodios. | 46 | 'The Sopranos' (1999-2007) LO MEJOR: Tony Soprano, quizás el personaje más relevante de la televisión. LO PEOR: La única pega que se le puede poner es que te daba hambre. | 45 | 'Sex and the City' ('Sexo en Nueva York', 1998-2004) LO MEJOR: Samantha Jones. LO PEOR: Alguien pensó que hacer dos películas posteriores era buena idea. | 44 | 'The Wire' (2002-2008) LO MEJOR: Obra maestra. LO PEOR: Compararla con cualquier otra serie. | 43 | 'Angels in America' (2003) LO MEJOR: Creativa, ingeniosa, minuciosa, profunda y poética. LO PEOR: Para muchos, funcionaba mejor como obra de teatro que como miniserie. | 42 | 'Band of Brothers' (2001) LO MEJOR: Posiblemente fue la primera vez que se dijo aquello de "cine hecho televisión". LO PEOR: Es triste. Muy triste. | 41 | 'Extras' (2005-2007) LO MEJOR: El humor británico y las estrellas invitadas. LO PEOR: Gervais y Merchant en (otra) comedia sobre la frustración. | 40 | 'Deadwood' (2004-2006) LO MEJOR: Los grandes diálogos, obra de Milch. LO PEOR: Casi nadie la recuerda. | 39 | 'Carnivàle' (2003-2005) LO MEJOR: Posiblemente es la serie más original de la HBO. LO PEOR: Brutalmente cancelada. | 38 | 'Rome' (2005-2007) LO MEJOR: La impresionante producción. LO PEOR: El comienzo es bastante lento. | 37 | 'The Comeback' (2005, 2014-) LO MEJOR: Valerie Cherish. LO PEOR: Lo infravalorada que está. | 36 | 'Big Love' (2006-2011) LO MEJOR: Nicki Grant (Chloë Sevigny). LO PEOR: Bill Henrickson es repugnante. | 35 | 'Entourage' (2004-2011) LO MEJOR: Ari Gold. LO PEOR: Saber que nunca tendrás tu séquito. | 34 | 'True Blood' (2008-2014) LO MEJOR: Perfecta para palomiteros. LO PEOR: Peca de ser demasiado mamarracha en muchas ocasiones. | 33 | 'Curb Your Enthusiasm' (2000-2011) LO MEJOR: Cheryl Hines. LO PEOR: Para muchos puede ser demasiado incómoda. | 32 | 'John Adams' (2008) LO MEJOR: La factura. LO PEOR: El patriotismo. | 31 | 'Flight of the Conchords' (2007-2009) LO MEJOR: Definición de hipster. LO PEOR: Sabía que era demasiado alternativa para sobrevivir, incluso en HBO. | 30 | 'Generation Kill' (2008) LO MEJOR: Es un trabajo de David Simon y su equipo, con todo lo que ello implica. LO PEOR: A algunos les resultó bastante pedante. | 29 | 'The No. 1 Ladies' Detective Agency' (2008-2009) LO MEJOR: El trasfondo reivindicativo. LO PEOR: El desarrollo de los personajes no fue demasiado creíble. | 28 | 'In Treatment' (2008-2010) LO MEJOR: El paseo de emociones. LO PEOR: El pesimismo que cargaba la consulta de Paul Weston. | 27 | 'Hung' (2009-2011) LO MEJOR: No apta para menores. LO PEOR: La única razón para verla era el morbo ocasional que prometía (y que no siempre cumplía). | 26 | 'Mildred Pierce' (2011) LO MEJOR: Kate Winslet, demoledora. LO PEOR: Se toma su calma para llegar a la acción. | 25 | 'Eastbound & Down' (2009-2013) LO MEJOR: Kenny Powers. LO PEOR: Está demasiado orientada a su nicho, y era bastante repugnante en algunos momentos. | 24 | 'Bored to Death' (2009-2011) LO MEJOR: Un gran reparto. LO PEOR: El guión deja mucho que desear en numerosas ocasiones. | 23 | 'How to Make it in America' (2010-2011) LO MEJOR: El triunfo de la juventud. LO PEOR: En ocasiones, se notaba sus intentos por emular 'Entourage'. | 22 | 'Enlightened' (2011-2013) LO MEJOR: Su original propuesta. LO PEOR: Es demasiado histérica. | 21 | 'Life's Too Short' (2012-2013) LO MEJOR: Si alguien tenía la incógnita de saber cómo es la vida de una persona pequeña en Hollywood, esta es su serie. LO PEOR: Bebe demasiado de los trabajos anteriores de Merchant y Gervais. | 20 | 'Luck' (2011-2012) LO MEJOR: Supuso el (breve) regreso de Milch a HBO. LO PEOR: La polémica de los caballos. | 19 | 'The Newsroom' (2012-2014) LO MEJOR: La oda al periodismo. LO PEOR: Da la sensación de que te están llamando tonto en todo momento. | 18 | 'Boardwalk Empire' (2010-2014) LO MEJOR: Un lujo de serie. LO PEOR: Requiere mucha paciencia. | 17 | 'Veep' (2012-) LO MEJOR: Es graciosa porque nos recuerda a los políticos de hoy en día. LO PEOR: Es doloroso verla por la misma razón. | 16 | 'Getting On' (2013-) LO MEJOR: El desternillante trío protagonista. LO PEOR: Siempre habrá un listo que diga que es un remake. | 15 | 'Treme' (2010-2013) LO MEJOR: Su facilidad para trasladarnos a Nueva Orleans. LO PEOR: Enorme complejidad y difícil asimilación de tramas. | 14 | 'Silicon Valley' (2014-) LO MEJOR: Te hace sentir un friki más. LO PEOR: Necesita urgentemente cambiar su dinámica. | 13 | 'John from Cincinnati' (2007) LO MEJOR: Supuestamente es de David Milch (pero no le preguntes por ella, que igual se enfada). LO PEOR: Posiblemente, la única serie de HBO de la última década que se ha definido como "mala" sin apenas discusión. | 12 | 'True Detective' (2014-) LO MEJOR: Su intención de cambiar la televisión. LO PEOR: Puede pecar de ser demasiado ambiciosa. | 11 | 'Ja'mie: Private School Girl' (2013) LO MEJOR: Ja'mie King. LO PEOR: Que no hicieran más episodios (eso sí, podemos ver al mismo personaje en otra serie anterior, 'Summer Heights High'). | 10 | 'Game of Thrones' ('Juego de Tronos, 2011-) LO MEJOR: Prácticamente todo. LO PEOR: Las guerras de los lectores contra los no lectores. | 9 | 'Hello Ladies' (2013-2014) LO MEJOR: Merchant en solitario es más divertido. LO PEOR: Solo duró una temporada. | 8 | 'Doll & Em' (2013-) LO MEJOR: Técnicamente no es de HBO (solo la ha comprado). LO PEOR: Posiblemente sea el dúo cómico menos afortunado de la televisión. | 7 | 'Looking' (2014-2015) LO MEJOR: Su frescura. LO PEOR: Acabó cayendo en los estereotipos que pretendía evitar. | 6 | 'Girls' (2012-) LO MEJOR: Lena Dunham sabe dónde atacar. LO PEOR: No es la voz de una generación. | 5 | 'The Leftovers' (2014-) LO MEJOR: Los "culpables remanentes". LO PEOR: Demasiadas vueltas para lo que quiere contar. | 4 | 'Togetherness' (2014-) LO MEJOR: El realismo. LO PEOR: Otra familia disfuncional. | 3 | 'Olive Kitteridge' (2014) LO MEJOR: Brutalmente honesta. LO PEOR: En ocasiones cuesta conciliar su humor negro con lo deprimente del relato. | 2 | 'Ballers' (2015-) LO MEJOR: Para fans de Dwayne Johnson y (en menor medida) de 'Entourage'. LO PEOR: No aporta nada. | 1 | 'The Brink' (2015-) LO MEJOR: Un reparto que salva a la serie del desastre. LO PEOR: Para ver a incompetentes en puestos de mando se prefiere ver 'Veep'. Otro post que pueden interesarte:

Si estas re bajon por el partido de ayer, si te da paja ver en todos los canales las votaciones de hoy, si estas harto de leer mas post sobre messi o si te aburrís todos los domingos porque, como siempre, son un bodrio, te tiro un par de buenas pelis que podes ver (hasta le pongo puntitos para que no tengas que leer). "Mommy" (Xavier Dolan, 2014) En "Mommy", Diane "Die" Despres, una madre viuda con carácter, decide educar ella misma a su hijo adolescente Steve, que padece ADHD y que puede llegar a resultar violento. Kyla, la vecina de enfrente de su casa, le ofrece su ayuda a Die. La relación entre los tres se hará cada vez más estrecha, surgiendo preguntas sobre el misterio de su vida. Una de las mejores peliculas del 2014, un drama con tintes cómicos que resulta entretenido todo el tiempo y a la vez destila en todo momento un buen cine, bien ejecutado, con una fotografía exquisita (ese aspecto 4:3 le da un toque distinto), una narrativa que nunca se cae y por sobre todo unos personajes que sobresalen de la pantalla, por su estructura y su actuación. Mommy es de esas peliculas que salen de la nada y terminan siendo una joya que perdura. 9.5/10 "Contact" (Robert Zemeckis, 1997) A la hora de recomendar peliculas es difícil conseguir un punto medio en donde al espectador general pueda agradar. El gusto es independiente de cada persona, y mas el gusto por el cine. Les voy a recomendar y contar un poco sobre "Contact", una peli de Ciencia Ficción dirigida por Robert Zemeckis (si, el que dirigió la trilogía de Volver al Futuro), que cuenta la historia de Eleanor Arroway, una analista de ondas de radio, que un día detecta una señal desconocida proveniente del espacio. Allí comienza una travesía por descubrir que son esas señales. El suspenso que mantiene la peli es lo que mas me mantuvo intrigado casi todo el metraje, sumando una narrativa excelente. En si la pelicula tiende a ser una peli mas lenta que de acción. No hay batallas espaciales o explosiones por todos lados. Aquí se debate la creencia de dioses, la perdida de la fe, el sentido de la vida y la duda sobre la vida mas allá de nuestro planeta. Sin dudas una peli entretenida y muy completa, que no decae casi nunca y contenta a casi cualquier espectador. 8.5/10 "Song of the Sea" (Tomm Moore, 2014) Después de la desaparición de su madre, Ben y Saoirse son enviados a vivir con su abuela a la ciudad. Cuando deciden volver a su casa junto al mar, su viaje se convierte en una carrera contra el tiempo a medida que se internan en un mundo que Ben sólo conoce a través de las leyendas que le narraba su madre. "Song of the Sea" es una pelicula de animación fresca, distinta y emotiva, que contiene una trama un tanto mas compleja que las cintas de animación habituales y destila un apartado artístico bellísimo. Tiene un ritmo distinto a las peliculas de animación habituales, de hecho su trama es tan inteligente que puede tranquilamente ser una historia para chicos y adultos, sin dejar de ser parte de una categoría o de otra. Entretenida, divertida y triste, esta joya de la animación es, sin duda, de lo mejor que he visto en este rubro. 8/10 "Confessions" (Tetsuya Nakashima, 2010) "Confessions" es un thriller japones cargado de suspenso (el cual ya había hablado en mi post sobre peliculas orientales), que cuenta la historia de una profesora que se despide de sus alumnos y, además de anunciarles que deja la escuela, les confiesa que su hija de cuatro años que, aparentemente, murió ahogada en la piscina de la escuela, fue en realidad asesinada por dos estudiantes de esa misma clase. También les hace saber que ya ha puesto en marcha su venganza contra ellos. Además de ser entretenida y tener una narrativa muy perfecta, tiene muchos giros argumentales y además desarrolla una historia mas compleja de lo que aparenta ser. 9/10 "Blue is the Warmest Color" (Abdellatif Kechiche, 2013) "C.R.A.Z.Y." (Jean-Marc Vallée, 2005) "Mysterious skin" (Gregg Araki, 2004) "Out in the dark" (Michael Mayer, 2012) Acá voy a hacer un poco de trampa y voy a recomendar un par de pelis que tratan un tema específico: la homosexualidad, no de manera superficial, sino con una profundidad y puntos de vistas distintos y variados. "Blue is the Warmest Color" quizás sea la que mas trata implícitamente el hecho de la madurez y la homofobia con una mirada mas sexual. "C.R.A.Z.Y." es la que mas me gusta ya que trata muchos temas además de la homosexualidad. Apunta mas que nada a la situación intrínseca de un adolescente y retrata de manera perfecta lo que es la adolescencia y las relaciones familiares. "Mysterious skin" es quizás muy perturbadora ya que mete en medio muchos temas que de los que nunca se hablan comúnmente (como el abuso sexual), y lo hace de una manera cruda. De todas es la que mas me atrapó la historia y el personaje principal. Y la última, "Out in the dark", adhiere a la historia de amor entre dos hombres las diferencias religiosas, lo que la hace muy interesante. Indie Game: The Movie (Lisanne Pajot, James Swirsky, 2012) Indie Game: The Movie nos cuenta principalmente dos historias en paralelo sobre desarrolladores de juegos indie. Además de mostrarnos como es tal desarrollo, nos sumerge en la historia personal de cada uno, las dificultades que lleva crear un juego con poco dinero, gente y lo arraigado que se torna la creación de juegos para ellos. La recomiendo mucho, mas que nada porque es quizás uno de los mejores documentales sobre videojuegos que existen, es muy completo y además trata temas menos superficiales y se interioriza mucho en los sentimientos de nuestros protagonistas. 8.5/10 “What We Do in the Shadows” (Jemaine Clement, Taika Waititi, 2014) Un equipo de cineastas que elaboran un documental siguiendo el día a día de cuatro vampiros que comparten una casa en Wellington, Nueva Zelanda. “What We Do in the Shadows” (2014) es una pelicula comedia/horror que singularmente recomiendo. Es quizás única en su estilo. Parodia de una manera perfecta al cine de vampiros, se ríe de si misma y a la vez nos cuenta una historia simple y entretenida. La película trascurre la cotidianidad de la vida de un vampiro y lo toma de una manera muy realista. De tal forma que toma todos los clichés de una pelicula de vampiros y se ríe de esos mismos. Es un sketch tras sketch, un sin fin de chistes inteligentes con escenas que te hacen reír todo el tiempo que al final logra hacerte enamorar de cada personaje. 9/10 "Two Days One Night" (Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne, 2014) Sandra sufre una crisis nerviosa y decide tomarse un tiempo libre en su trabajo. Durante su ausencia, sus compañeros de trabajo se dan cuenta de que son capaces de cubrir sus turnos de trabajo por horas ligeramente más largas y la gestión propone un bono de €1.000 a todo el personal si están de acuerdo para hacer a Sandra redundante. Ella tiene que visitar cada uno de ellos en el transcurso de un fin de semana de persuadirlos para rechazar la bonificación monetaria. Entretenida e inteligente, "Two Days One Night" nos mete de lleno en la angustiante lucha de Sandra por recuperar su trabajo, en un filme con un gran dote de realismo y una narrativa cuasi perfecta, a pesar de lo simplista de la premisa. Marion Cotillard inunda la pantalla de miles de sentimientos, nos trasmite llanamente la dureza de su situación. El resto se ilumina gracias a las varias situaciones que debe atravesar, cada persona que debe visitar. Quizás le falte un poco mas de fuerza en algunos de los tantos encuentros que la protagonista debe realizar, y además el cierre no es tan bueno como podría llegar a esperar. 7.5/10 "Coherence" (James Ward Byrkit, 2013) Para terminar este post le dejo una pelicula muy interesante que nos dejó este 2014: "Coherence" En Finlandia, en 1923, el paso de un cometa hizo que los habitantes de un pueblo quedaran completamente desorientados; incluso una mujer llegó a llamar a la policía denunciando que el hombre que estaba en su casa no era su marido. Décadas más tarde, un grupo de amigos recuerda este caso mientras cenan, brindan y se preparan para ver pasar un cometa. La historia es simple pero funciona, engancha y mantiene un gran suspenso hasta el final. 8/10 Otro post que pueden interesarte:

Próximamente tendremos en los cines el remake estadounidense de nuestro film nacional "El Secreto de sus Ojos" y gracias a ellos pensé que en buscar algunos de los mejores remakes de la historia. Las remakes de películas, en especial las de Hollywood, tienen una mala reputación por ser películas baratas y descuidadas, realizadas para aprovechar el éxito de la original. Mientras que, por desgracia esto sea cierto para la mayoría de estas películas, muchos directores logran revivir la trama de una película de éxito y poner un nuevo giro en un clásico del cine. Este tipo de proyecto presenta un desafío único para los directores que son empujados a permanecer fiel a la fuente, pero al mismo tiempo para tratar de transmitir la trama de diferentes maneras. Los remakes no son exclusivos de cualquier género: el drama, la comedia, la acción e incluso el terror aparece en esta lista. Algunos de estos remakes comienzan como proyectos personales de directores que admiran las obras de cineastas del pasado y tratan de rendir homenaje al imitar su estilo. Otros comienzan por directores viendo más potencial en las películas clásicas, a veces causando a sus propios directores a rehacer la pelicula. Muchos otros remakes son simplemente rehechos para captar un público más amplio, por lo general de un país extranjero a los Estados Unidos. La siguiente lista ofrece remakes de películas de todos los géneros y épocas que muestran las variaciones con las que los directores se acercan al desafío. | 20 | Insomnia (Christopher Nolan, 2002) "Insomnia" es un thriller sueco estupendo de 1997 y también la tercera película de Christopher Nolan, quien logra hacer un remake lleno de misterio. Al Pacino interpreta al detective Will Dormer de la policía de Los Ángeles que viaja hasta Alaska por su viejo amigo, para ayudar con un asesinato. De vuelta en Los Ángeles, Domer está siendo investigado por asuntos internos debido a su mal manejo de la evidencia en un caso anterior y su pareja está testificando en contra de él. (Esto puede tener un poco de spoilers) En media de la persecución del sospechoso de asesinato en Alaska, Dormer accidentalmente dispara y mata a su compañero. A continuación, tiene que tratar de atrapar al asesino mientras se somete al insomnio debido a la culpa. (Fin de spoilers) Liderados por un gran elenco que incluye a Robin Williams y Hilary Swank, la película es una historia eficaz, de crimen, lleno de desordenes psicológicos y de acción. Aunque no es tan alucinante como muchas de las películas de Nolan, es un thriller muy pulido y emocionante, lleno de giros, con una hermosa fotografía, tensa y con un buen uso de Alaska como locación. La nueva versión de Nolan logra capturar la emoción de la original, distinguiéndose por ser una pelicula notable. | 19 | Let Me In (Matt Reeves, 2010) "Let me in" es un remake de la sueca "Let the Right One In" de 2008, y también es una de las películas de terror de mayor audiencia del siglo 21 hasta el momento, importante en el género de vampiros. El primer cambio notorio es el de su locación, siendo el de la remake en Nuevo México. (Esto puede tener un poco de spoilers) La historia sigue a un joven estudiante de secundaria llamado Owen, un chico muy poco popular y descuidado por sus padres que se están divorciando. Él se hace amigo de una chica nueva llamada Abby, interpretada por Chloe Moretz, que se muda al departamento siguiente al del de Owen. Éste da cuenta de que Abby tiene algunas peculiaridades inusuales, y el espectador pronto se entera de que Abby es un vampiro y su padre tiene que salir a menudo, a matar a la gente y el drenaje de la sangre para que pueda sobrevivir. (Fin de spoilers) Este cuento, hermoso y sangriento sobre la amistad y el sacrificio, es mucho más que una película de terror. Aborda diversos temas de la moral y de la muerte y actúa como un resumen de la adolescencia y la venida de la adultez. La yuxtaposición entre la violencia brutal y la relación de los dos niños a la vez es, al mismo tiempo, inquietante y pacífica. Aunque algunos han comentado que la nueva versión fue en gran medida innecesaria debido a la similitud en el tiempo y la trama, "Let Me In" sigue siendo indiscutiblemente una película de vampiros bien construida y emocionante, con mucha mayor profundidad que la mayoría de las películas de terror modernas. | 18 | Dirty Rotten Scoundrels (Frank Oz, 1988) Michael Caine rompió cabezas junto a Steve Martin en esta comedia sobre dos estafadores de mujeres adineradas, cuyo objetivo es enamorarlas y sacarles una importante suma de dinero bajo pretexto de ser utilizado en causas nobles u otros fines de semejante naturaleza. Basado en la película de 1964 "Bedtime Story" con Marlon Brando y David Niven, que contó con una trama muy similar, pero con poco menos éxito que la nueva versión, gracias a la falta de experiencia en la comedia de Brando. Frank Oz dirige esta tonta y a la vez inteligente y entretenida comedia clásica, una de las películas más divertidas en las carreras de todos los protagonistas. | 17 | Dawn of the Dead (Zack Snyder, 2004) El remake de Zack Snyder, del clásico de terror de George A. Romero, ayudó a desovar la locura zombie de esta década, junto con la serie de juegos de "Resident Evil", "Shaun of the Dead" de Edgar Wright. y "28 Days Later" de Danny Boyle. La trama sigue a un grupo de humanos en un pequeño pueblo de Wisconsin que tiene que unirse cuando se produce un brote de zombis. Se ven obligados a defenderse de la horda, resguardándose en el interior de un mega centro comercial. Sin embargo, pronto se dan cuenta de que necesitan escapar de allí. El debut como director de Snyder mantiene la misma trama que la original de Romero, pero ofrece más escenas de acción que de terror. La película cuenta con muchas secuencias de acción sangrientas e intensas, contra hordas interminables de muertos vivientes. Sin embargo hay elementos de terror, especialmente en las escenas finales. Muy influyente en las peliculas de acción y terror zombie, "Dawn of the Dead" es una película emocionante y sangrienta. | 16 | Dracula (Francis Ford Coppola, 1992) La novela de Bram Stoker se ha adaptado en innumerables películas a través del tiempo, en las que algunas la trama no tiene mucho que ver y en la que la gran mayoría su calidad es muy pobre. Francis Ford Coppola volvió al texto original y adaptado de cerca la historia, con un gran respeto y una gran atención por la legitimidad. Gary Oldman interpreta al Conde Drácula quien conoce al abogado Jonathan Harker, interpretado por Keanu Reeves, y luego viaja a Inglaterra para seducir a su novia. Cuando Drácula comienza a causar terror y violencia, Harker debe formar equipo con el profesor Van Helsing, interpretado por Anthony Hopkins, para detenerlo. Debido a que la película de Coppola fue muy fiel a la novela en comparación a otras adaptaciones cinematográficas anteriores, la atmósfera fue más ominosa y menos centrada en el típico Jump-Scare. El ritmo lento de la película también ofreció mucho más tiempo para desarrollar sus personajes. El elenco excepcional también le suma un nivel a la historia, siendo habitual el uso de actores desconocidos en anteriores adaptaciones. Siendo un enfoque revolucionario para un cuento de terror, Drácula es una recreación hermosa y aterradora del legendario personaje. | 15 | True Grit (Ethan and Joel Coen, 2010) Los Coen elevaron el género Western y lo revitalizaron en una de sus obras más pulidas y emocionantes de la década. Jeff Bridges, protagonista de este remake y del clásico de 1969, juega a ser Rooster Cogburn, un legendario personaje que además de ser alcohólico trabaja como alguacil. Cogburn es contratado por una joven para perseguir y matar a los asesinos de su padre. Acompañado por un Texas Ranger, interpretado por Matt Damon, el grupo se embarca en una aventura emocionante y sangrienta. Mientras que de los Coen no toman riesgos mayores con el remake, manteniendo intactos el espíritu y los temas del film original, la película no se siente rancia o inútil. Con la ayuda de un elenco brillante incluyendo a Josh Brolin y Hailee Steinfeld, así como los mencionados anteriormente, la película se destaca por su contenido a la misma altura que la original. Aunque la personalidad única de los Coen no es tan fuerte en esta película como en sus otros films, su artesanía se exhibe en toda la pelicula. "True Grit" es una de las mejores películas occidentales modernas, con una excelente actuación y una hermosa fotografía de Roger Deakins. | 14 | The Man Who Knew Too Much (Alfred Hitchcock, 1956) La primer película de esta lista que fue rehecha por el mismo director que creó el original: una versión actualizada de la película de Hitchcock del mismo nombre. Jimmy Stewart y Doris Day encarnan a una pareja americana rica que está de vacaciones con su hijo en Marruecos. Una vez allí, se encuentran con un misterioso hombre llamado Louis Bernard cuyo comportamiento perturba a los estadounidenses. Después de ser testigos de un asesinato sorprendente, se ven enredados en una red internacional de asesinato y corrupción. Hitchcock rehízo su película debido a su descontento con la ejecución de la trama. La mejora entre la primer película y la que se nombra en esta lista es ciertamente impresionante. Digamos que la primera versión es la obra de un aficionado con talento y la segunda fue hecha por un profesional. Las tramas son, en su mayor parte, las mismas pero mas pulidas. | 13 | 3:10 to Yuma (James Mangold, 2007) Esta nueva versión del clásico occidental de 1957 del mismo nombre, protagonizada por Glenn Ford, basada en un relato corto de Elmore Leonard, es la historia de un criminal poderoso y violento. Con la esperanza de conseguir una recompensa que le permita evitar la ruina de su rancho, Dan Evans (Christian Bale) decide colaborar en el traslado del peligroso forajido Ben Wade (Russell Crowe) hasta un pueblo, donde deberán coger el tren de las 3:10 para llegar a la prisión de Yuma. Remake del film de 1957 de Delmer Daves. Muchos temas importantes se abordan en este brutal y complejo film occidental, tales como lazos familiares, el sentido del honor, la supervivencia y la moral en el Sur después de la guerra. La película también es salvaje y emocionante, con matices y eventos muy oscuros. "3:10 to Yuma" es un relato fascinante sobre la traición y la desesperación. | 12 | Invasion of the Body Snatchers (Philip Kaufman, 1978) Espeluznante thriller de ciencia ficción de Philip Kaufman, que fue adaptado a partir del clásico de culto de 1956 y es uno de los primeros ejemplos de cómo un remake puede superar la calidad del original. Situada en San Francisco, la vida pacífica de los ciudadanos es interrumpida cuando unas formas de vida extraterrestres caen del cielo. Donald Sutherland y sus amigos descubren que estas formas de vida están haciendo dobles de toda la gente en la ciudad y realidad la sustitución cuando duermen, dejando copias sin emociones en su lugar. Cuando más y más personas se sustituyen, nadie sigue siendo digno de confianza. Esta peculiar mezcla de misterio y ciencia ficción, una película torpe, extraña y aterradora que supera a la película original, tanto técnica como en la creación de un ambiente de tensión. Con un excelente reparto, incluyendo a Brooke Adams, Jeff Goldblum y Leonard Nimoy, "Invasion of the Body Snatchers" es una nueva versión muy interesante, de una historia única de ciencia-ficción. | 11 | Cape Fear (Martin Scorsese, 1991) Scorsese trasladó el clásico thriller de 1962 hacia la actualidad. Nick Nolte con el papel de Gregory Peck como el abogado Sam Bowden y Robert De Niro sustituyendo a Robert Mitchum encarnando al perturbado criminal Max Cady. Cuando Cady es liberado de la cárcel, persigue y atormenta a Bowden que intencionalmente retuvo evidencia que habría permitido la absolución de Cady. En medio del asecho a Bowden y su familia, Cady rompe continuamente el espíritu del abogado, llevándolo a realizar acciones desesperadas. Hacerle honor a las actuaciones de Peck y Mitchum no era tarea fácil, pero Scorsese logró llevar a cabo representaciones poderosas, especialmente la de De Niro, cuya interpretación de loco citador de partes de la biblia es verdaderamente aterradora. Llena de inquietante violencia, la película es cuidadosamente construida a partir del aumento de la tensión y la emoción, hasta llegar a una conclusión legendaria. "Cape Fear" puede no ser la obra más importante de Scorsese, pero si es una de las películas más intensas y escalofriantes de la época. | 10 | Nosferatu the Vampyre (Werner Herzog, 1979) Reimaginando la clásica película de terror muda de FW Murnau, Herzog combina ambos elementos: los de la novela de Bram Stoker y los de la película anterior, basándose más a las escenas legendarias de Murnau. Klaus Kinski, el actor fetiche de Herzog, asume el papel del conde Drácula, que es interpretado por Max Schreck en la original. La trama es, en esencia, la misma que la mayoría de las adaptaciones de "Drácula", incluyendo la película de Coppola que se ha mencionado anteriormente, donde el conde viaja a la ciudad para perseguir a Lucy Harker y Jonathan y Van Helsing le deben parar. Herzog considera al Nosferatu original como la pelicula más grande de Alemania que jamás se ha hecho y se mantuvo fiel a lo crepy de la original. Kinski encarno muy bien a su personaje, a diferencia del suave Drácula interpretado por Gary Oldman en la película de Coppola, con una representación grotesca y deliciosamente aterradora. La película, en general, se centra más en la construcción de la tensión en los terribles momentos de la original, lo que le hace dar una sensación de fidelidad con respecto a la novela de Stoker. El Nosferatu de Herzog es una recreación escalofriante y magistral, una de las películas de terror más importantes de la historia. | 9 | Scarface (Brian De Palma, 1983) Siendo una de las películas de gángsters más icónicas de todos los tiempos, el film de De Palma es un reboot de la película de Howard Hawks, protagonizada por Paul Muni. Mientras que la original se basó en ascenso de Al Capone al poder en el mundo del crimen de Chicago, el reboot toma la trama y lo mueve a Miami. Al Pacino interpreta al inmigrante cubano Tony Montana que se muda a Miami y consigue adentrarse rápidamente en la industria de la droga. Se eleva rápidamente en el escalafón y toma el cargo de un capo malicioso. Cuando el poder se le sube a la cabeza, pierde el equilibrio y la lucha por mantener el control de su imperio. Cuando salió por primera vez, "Scarface" fue una de las películas más polémicas de la época, con violencia gratuita y lenguaje soez, balanceándose entre ser una basura de pelicula y una obra maestra brutal. Gracias a la gran actuación de Al Pacino y su guión dinámico, la película logró ser extremadamente memorable. "Say hello to my little friend!" se ha convertido en una de las frases mas icónicas de la historia del cine. Scarface logra modernizar la película sin dejar de transmitir los mensajes sociales de la original y hacer una impresión duradera de manera similar al género gángster. | 8 | The Departed (Martin Scorsese, 2006) Esta emocionante película sobre la delincuencia y la corrupción, es un remake de la película de Hong Kong "Infernal Affairs" y es una de las adaptaciones más sencillas de esta lista. Aunque a veces esta estrategia de rehacer un film puede ser aburrida o sin inspiración, Scorsese nos muestra que no siempre es el caso. Esta película de gángsters se plantea un juego del gato y el ratón entre un informante de la policía infiltrado en la mafia y un informante de la mafia infiltrado en la policía, intentando descubrir uno la identidad del otro. Scorsese, gracias a su violencia creativa y brutal, logra dar vida a la película y le imbuye un americanismo definitivo, lográndose separarse a sí mismo como un clásico independiente, convirtiéndola en una de las peliculas mas importantes de Scorsese. El extremadamente talentoso elenco de actores es también una característica definitoria que causó inmenso éxito a la película, incluyendo a Jack Nicholson, Matt Damon, Leonardo DiCaprio, Mark Wahlberg y muchos otros. Muy potente y muy tensa, "The Departed" es una de las más grandes películas de gángsters modernas y la prueba de la increíble visión de Scorsese. | 7 | Ocean’s Eleven (Steven Soderbergh, 2001) El director independiente Steven Soderbergh trae el clásico "Ocean’s 11" (1960) hasta nuestros días con un nuevo elenco. George Clooney interpreta a Daniel Ocean, un estafador recientemente liberado de la cárcel. Pronto se encuentra con su socio en el crimen Rusty, interpretado por Brad Pitt, y planean un nuevo atraco. Sus objetivos son los gigantescos casinos de Las Vegas, por lo que necesitan reunir un gran equipo de once personas con el fin de terminar el trabajo. Estos incluyen actores, conductores, acróbatas y un experto en demoliciones. El impresionante elenco que también está protagonizado por Matt Damon, Julia Roberts, Elliot Gould, Andy García y muchos otros, es el núcleo que contiene esta película y lo que la hace genial. La historia en sí es básica y entretiene gracias a las escenas de robo, las bromas y la química entre los criminales es lo que mas le suma al film. Su comedia improvisada y el diálogo la convierten en una película de robo tremendamente divertida, incluso superando al "Rat Pack". "Ocean’s Eleven" no es una pelicula muy importante, pero si es un remake muy entretenido que muestra los beneficios de llevar más allá al trabajo original.. | 6 | The Magnificent Seven (John Sturges, 1960) "The Magnificent Seven " es un relato del salvaje oeste que se asemeja mucho a "Seven Samurai" de Akira Kurosawa. La película se centra en un pequeño pueblo mexicano que es constantemente asaltado por el bandido Calvera, interpretado por Eli Wallach. Hartos de tratar con Calvera, los líderes del pueblo van a una ciudad más grande para comprar suministros y luchar contra los bandidos, pero en vez de eso terminan contratando a siete pistoleros cualificados para protegerlos. Estos protectores, interpretados por muchos grandes actores como Yul Brynner, Steve McQueen y Charles Bronson, terminan uniéndose a los ciudadanos de la ciudad e incluso comienzan a enseñarles a defenderse por sí mismos. Este emocionante film fue uno de los primeros grandes remakes internacionales en Hollywood y demostró a todo el mundo el éxito que podría suponer un remake. El tremendo elenco también ayudó a ganar popularidad, aumentando el protagonismo de Kurosawa en la cultura americana. Otro aspecto notable de esta película fue su gran banda sonora realizada por el célebre compositor Elmer Bernstein, que le suma un grando enorme de emocion al film. Uno de los westerns más referenciados y emblemáticos de la historia del cine, "The Magnificent Seven" es una tremenda e icónica pelicula del cine estadounidense. | 5 | Ali: Fear Eats the Soul (Rainer Werner Fassbinder, 1974) Esta obra maestra de cine alemán dirigida por Rainer Werner Fassbinder puede ser la versión nueva menos obvia en esta lista y también una de los más similares a su original. La película se basa en la magnífica historia de amor de "All That Heaven Allows". Sirk (director de la pelicula original) siempre fue uno de los grandes influyentes de Fassbinder y decidió rehacer el clásico, añadiendole algunas variables a la trama. Alí es un marroquí de unos 30 años y Emmi una viuda de 60 años que se gana la vida limpiando. Ambos se conocen y una inusual amistad surge entre los dos dando paso al romance. Emmi y Alí deciden casarse, desencadenado violentas reacciones en sus círculos sociales. La historia de amantes controvertidos no es en absoluto nueva, pero bajo la dirección de Fassbinder la película transmite un mensaje increíblemente poderoso. Utilizando un color y encuadre casi perfecto, Fassbinder se las arregla para mostrar la pureza del amor entre la pareja y al mismo tiempo muestra cómo la sociedad impone a la fuerza las normas. Una obra maestra de estilo y emoción, "Ali: Fear Eats the Soul" es un increíble y conmovedora, que recorre varios temas sobre la sociedad. | 4 | The Fly (David Cronenberg, 1986) Cronenberg, uno de los maestros mas importantes del body-terror, realiza una de la peliculas mas grotescas de la historia, basada en la divertida película de serie-b y terror protagonizada por Vincent Price. En esta ocasión Cronenberg le añade sus propios giros de tuerca. Jeff Goldblum interpreta a Seth Brundle, un científico joven y brillante que está trabajando en un dispositivo de teletransportación. Este comienza una relación con la hermosa periodista Verónica, interpretada por Geena Davis. Una noche Brundle se emborracha y pone a prueba el propio dispositivo de teletransporte y por error una mosca entra en la cámara durante el proceso. En la película original, esto dio lugar a una mosca con la cabeza de un hombre, pero Cronenberg crea una historia desagradable en la que Brundle va perdiendo poco a poco su mente y para transformarse en un híbrido humano-mosca. Obra maestra de ciencia ficción y terror, el film de Cronenberg es un cuento muy perturbador, que analiza la condición humana y su relación con la tecnología. Jeff Goldblum dio un rendimiento fantástico y la pelicula logró ganar un premio de la Academia por sus asqueantes efectos de maquillaje. "The Fly" es un excelente ejemplo de cómo rehacer un film para actualizar su importancia y mejorar su pertinencia. | 3 | The Thing (John Carpenter, 1982) Este clásico thriller de ciencia-ficción está basado en la película de 1950 "The Thing From Another World", así como "Who Goes There?”, una novela de John W. Campbell Jr. Kurt Russell interpreta a Macready, un piloto de helicóptero que para en una estación de investigación en la Antartida. Cuando un perro misterioso aparece, perseguido por investigadores noruegos de una base cercana, los estadounidenses lo capturan y lo enjaulan junto a otros animales. El perro no es lo que parece y el terror se esparse por toda la base. Al igual que en otra película de esta lista "Invasion of the Body Snatchers ", el terror de esta película viene de no ser capaz de distinguir quien es un amigo y quien es un enemigo debido a que "The Thing" (La cosa) podría ser cualquier persona/objeto. MacReady debe ser extremadamente cauteloso para tratar de matar a la bestia. La película de Carpenter también es notable por los increíbles y temibles efectos especiales de las monstruosas creaciones de las personas habitadas por "La cosa". Una historia de horror aterradora, así como una emocionante película de acción y ciencia ficción, "The Thing" convierte un cuento en un clásico inolvidable de muchos géneros. | 2 | Floating Weeds (Yasujiro Ozu, 1959) Como Hitchcock, el cineasta japonés también rehizo una película suya. La película original "A Story of Floating Weeds" realizada en 1934, era en blanco y negro y muda, por lo que Ozu quería rehacerla con mayor experiencia y tecnología porque le gustaba muchisimo la historia. La historia sigue a Komajuro, interpretado por el actor de teatro Ganjiro Nakamura, cuyo grupo Kabuki llega a una pequeña ciudad costera. En la ciudad vive la antigua novia de Komajuro con la que tuvo un hijo muchos años antes. No dejan que el niño sepa que Komajuro es el padre y en lugar de eso le dicen que es su tio, porque quieren que el niño cresca para ser más que un actor. La actual novia de Komajuro se enoja ya que el niño le da mucha atención al padre y se las arregla para crear un distanciamiento entre ellos. Mientras Ozu hace poco para cambiar la trama, implementa un uso del color impresionante. Una de las pocas películas de color que Ozu ha hecho, que muestra gran inspiración por su cinematografía. Gracias a su dirección, junto a las brillantes actuaciones, "Floating Weeds" se convierte en una historia muy emotiva y conmovedora a la par con sus otras obras maestras. | 1 | A Fistful of Dollars (Sergio Leone, 1964) La última película de esta lista es otro remake de una película de Kurosawa, en este caso la película "Yojimbo". El film de Leone es el primero en su "Dollars Trilogy", que también incluye "For a Few Dollars More" y "The Good, The Bad and the Ugly", todas protagonizadas por Clint Eastwood, quien encarna a un jinete misterioso sin nombre. La trama sigue a Eastwood y como él vaga en una ciudad que se divide entre dos familias enfrentadas que luchan por el control de la ciudad. Mucho más hábil que cualquier otro pistolero en la ciudad, "El hombre sin nombre" manipula ambas familias y cambia continuamente lados con el fin de hacer más dinero. Pronto ambos se ponen inquietos y la situación se vuelve violenta. La pelicula de Leone popularizó lo que se conocería como el "Spaghetti Western", un subgénero italiano, conocido por una cinematografía inmensa y una constante violencia sangrienta. La película también promovió la carrera de Eastwood, ya que éste era relativamente desconocido en el momento. Con impresionantes efectos visuales y una trama emocionante, la película se convirtió en una sensación internacional, aclamada como un nuevo capítulo prometedor en el género del western. Aunque sería difícil decir que "A Fistful of Dollars" es en realidad superior a la película en la que se basa, la relocalización ingeniosa y el esfuerzo por mantener la alta intensidad, logró crear una experiencia visual nueva y única. Mencion especial para: 12 monos, The Ring, King Kong. Otro post que pueden interesarte: