20 directores que hacen peliculas visualmente maravillosas

El cine es una forma de arte que combina diversas disciplinas y una buena película no es necesariamente una película que se ve bien. Pero no se puede negar que el cine es ante todo un medio visual y hacer que tus peliculas sean hermosas nunca puede ser algo malo.

A continuación encontrarán veinte directores que han hecho varias piezas de trabajo visualmente hermosas. Algunos de ellos tienen estilos visuales muy distintos, mientras que otros parecen variar el aspecto de sus películas de manera significativa, manteniéndose siempre visualmente impresionante. Y algunas de estas películas son obras maestras, mientras que otras son de muy poco éxito.

Nota: en este lista se hace una enumeración pero uno no es mejor que otro por estar mas abajo o mas arriba.

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Danny Boyle por Trainspotting; Sunshine; 127 horas; Slumdog Millionaire.

Mientras que "Shallow Grave" y "Trainspotting", son sin duda los mejores trabajos de Boyle, que marcaron su propio estilo de cámara, no fue hasta más tarde en su carrera que sus películas comenzaron a tener un aspecto visual verdaderamente notable.

"The Beach" fue filmada por Darius Khondji, un director de fotografía que aparecerá más adelante en esta lista, que baño al film con un exuberante color y un estilo visual energético. Slumdog Millionaire fue igual de llamativa visualmente, filmada por Anthony Dod Mantle, quien otra vez colaboraría mas adelante con Boyle en "127 hours", dos films visualmente espectaculares, a pesar del hecho de que la segunda fue filmada mayormente en un solo lugar.

Pero quizás la mejor película visualmente impactante de Boyle es el Sci-Fi thriller "Sunshine". Una película frustrante, que tiene unas sublimes primeros dos actos y un tercero en el que la historia se desmorona, que no prohíbe afirmar que se trata de una de las películas más espectaculares y elegantes de Ciencia Ficción jamás rodadas. Su fotografía, los efectos especiales y el diseño de producción se combinan para crear algo verdaderamente único. Si tan sólo Boyle hubiese combinado la narración de historias y la frescura de sus primeras obras con la mirada de sus películas posteriores, podríamos tener algo verdaderamente especial.

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Pedro Almodóvar por Mujeres al borde de un ataque de nervios; La piel que habito; Todo sobre mi madre; Hable con ella.

Si hay una palabra para describir las películas de Almodóvar sería: coloridas. Su extravagante estética pop-art ya estaba presente en sus trabajos anteriores, pero en realidad llegó a la vanguardia con su primer éxito mundial "Mujeres al borde de un ataque de nervios". Una película tan colorida que podría ser fácilmente confundida con una pintura de Mondriaan, un surrealista español gay que se caracterizaba por pintar formas geométricas coloridas.

Junto con su socio, el director de fotografía José Luis Alcaine, su colaborador frecuente en otras películas, como "¡Átame!" y el otro notable ejemplo "La piel que habito" (que pienso es una de sus mejores peliculas), el dúo logró hacer que los colores salten de la pantalla para quemar tus retinas, aumentando en gran medida la sensibilidad surrealista de la obra de Almodóvar.

Pero no solo colores hacen que un director posea un gran talento visual. Su llamativa imaginaría también se destaca claramente. Un buen ejemplo de esto es la parodia del cine mudo y la secuencia de la fantasía surrealista en la que un hombre se mete en la vagina de una mujer en "Hable con ella", uno de los mejores de Almodóvar. No es de extrañar que ha sido comparado con el último gran maestro surrealista Luis Buñuel. Las imágenes no se ponen mucho más extravagante que esto.

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Guillermo Del Toro por El espinazo del diablo; Blade II; Hellboy; El laberinto del fauno.

La habilidad de Guillermo Del Toro para lograr imágenes realmente impresionantes estuvo allí desde el principio. Sus primeros films españoles tempranos, "Cronos" y "El espinazo del diablo", mostraban su talento para llenar el cuadro con una notable imaginaría, pero no fue hasta que se fue a los Estados y sus presupuestos y estatura crecieron para que lleguemos a ver de lo que el hombre era realmente capaz.

Sus adaptaciones de cómics, "Blade II" y las dos películas de "Hellboy", muestran una clara comprensión de su material y lograron impresionar, con el fantástico diseño de producción y la utilización clara del color y la luz, pero su mayor logro ha sido su producción española "El laberinto del fauno", llevando lo visual mas allá de lo que nunca había llegado. El inquietante cuento espeluznante para adultos se ha convertido en un punto de referencia gracias a su gran imaginaría de pesadilla y a el mundo fantástico creado.

Su director de fotografía ha sido siempre Guillermo Navarro, desde el "Espinazo del diablo", con la excepción de "Blade II". La pasión de Del Toro para diseñar imágenes maravillosas también se ha exportado a las muchas películas que ha producido y no es de extrañar que fue contratado inicialmente para dirigir la trilogía del Hobbit, antes de tener que retirarse debido a problemas de agenda. Hubiera sido muy interesante ver los resultados.

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Andy & Lana Wachowski por Matrix; Speed Racer; Cloud Atlas.

Mientras que la calidad general de la trilogía de "Matrix" es cuestionable (todos sabemos que la primera fue increíble, mientras que las secuelas eran bastante difícil de digerir), el estilo visual de las tres películas, sin duda no lo es. Pioneras en el uso de efectos especiales (¿Que no se puede olvidar los efectos del tiempo bala?), con una paleta de colores con variedades del verde y un diseño de producción original, completan un paquete excepcional.

Los hermanos Wachowski siguieron su éxito con "Speed Racer", una película verdaderamente horrible, que sin embargo era un espectáculo visual de primer orden, que hacía confundir al espectador ya que al ser una pelicula horrible, su estilo visual era muy disfrutable con eso colores brillantes y exagerados. La película podría haber sido un desastre en muchos niveles sin ayuda de un poco de droga .

Bajando un poco los cambios, "Cloud Atlas" resultó ser otro proyecto ambicioso, pero imperfecto aunque una vez más ofreció efectos especiales de última generación y deleite visual. Su último film "Jupiter Ascending" es por lejos su peor pelicula gracias a muchísimas variantes, de lo que únicamente se salva gracias a su poderío visual.

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Dario Argento por Animal Trilogy; Profondo rosso; Suspiria; Inferno.

Dario Argento es el maestro del género conocido como Giallo, la palabra italiana para el color amarillo. No es de extrañar entonces que sus películas de terror Giallo son extremadamente coloridas (en realidad, los dos tienen nada que ver unos con otros, el término Giallo simplemente hace referencia al color de la edición de bolsillo de color amarillo, portadas de novelas de misterio, que inspiraron tanto al género de nombre y temática).

Las películas de Argento son un espectáculo para la vista. Ya había dirigido su "Animal Trilogy" a principios de los años setenta, que eran piezas altamente estilizadas, pero no fue hasta que regresó luego de un paréntesis de algunos años del género Giallo, con su obra más audaz "Profondo rosso" (Rojo oscuro), siendo a menudo citado como la mejor película Giallo jamás hecha. Tenía un tremendo impacto en las películas de terror y slasher, aunque ninguno de ellos jamás pudieron mirar este colorido de nuevo.

Siguió con "Suspiria", donde increíblemente logró subir el volumen del color aún más alto. Un verdadero asalto a las retinas, "Suspiria" podría describirse como una obra surrealista con imágenes de pesadilla y no simplemente como una pelicula de terror. Es visualmente extravagante. Después de "Suspiria" llegó "Inferno", un semi-secuela de "Suspiria". Aunque sin llegar nunca a la altura de sus dos obras maestras anteriores, la película todavía deja una impresión visual duradera y también es de destacar ya que marcó una colaboración con Mario Bava, otro director italiano con un ojo visual agudo, que es el siguiente en la lista.

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Mario Bava por Sei donne per l'assassino; Terrore nello spazio; Diabolik.

A pesar de que Dario Argento se convirtió en el maestro de Giallo, fue Mario Bava quien parecía haberle enseñado todos los trucos rudimentarios. Con sus fuertes sensibilidades visuales, no es ninguna sorpresa que Bava solía ser un pintor y director de fotografía antes de cumplir su talento para dirigir.

Seis años antes de que Argento creara su primera Giallo, Bava ya estaba llevando a cabo "Sei donne per l'assassino" (Seis mujeres para el asesino), un modelo a seguir para todas las películas Giallo, incluyendo una paleta de colores increíblemente exuberante y suntuosa. Pero a diferencia de Argento, Bava no sólo se adhieren al Giallo, también trasmite sus efectos visuales sorprendentes prorrogados a otros géneros, incluso cuando él se enfrentó a limitaciones presupuestarias severas.

Otras de sus producciones, "Terrore nello spazio" es una película de culto de serie b y ciencia ficción. Mucho de esto tiene que ver con el diseño escandaloso de producción y el uso de colores primarios (más el hecho de que todo el concepto de vampiros en el espacio se presta muy bien a la sensibilidad de una pelicula de serie b, por supuesto).

Aún más sorprendente es "Diabolik", una adaptación del cómic súper cursi con un diseño muy friki y psicodélico y un color caramelo muy sesentero único. Bava hizo muchas películas de serie B muy llamativas visualmente durante su larga carrera, pero estas tres películas proporcionan un gran punto de partida y ejemplifican sus imágenes escandalosas perfectamente.

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Zack Snyder por 300; Sucker Punch; Watchmen.

La calidad de las películas de Zack Snyder es a menudo cuestionable, pero no hay duda en la mente de nadie de que el hombre sabe cómo crear unos efectos visuales sorprendentes. Su remake de "Dawn of the Dead " tenía buena pinta pero fueron sus siguientes tres películas las que lograron algunas opciones estéticas realmente impresionantes. "300", "Watchmen" y "Sucker Punch" fueron todas rodadas por Snyder y su director de fotografía Larry Fong, quien perfectamente tradució la estética del cómic a la pantalla en los tres casos.

Estas películas son ante todo imágenes visuales con un estilo superficialmente atractivo y entretenido, pero intelectualmente poco exigente, especialmente 300 y Sucker Punch. El contenido está relegado a un segundo plano gracias a la bravura visual que claramente siempre toma protagonismo. Watchmen sin embargo, que todavía sufre de algunos de estos problemas, era muy impresionante, y con un nivel visual muy alto, que logra muy bien adaptarse a la gran pantalla desde la novela gráfica de Alan Moore. Se puede argumentar que se trataba de un trabajo imposible desde el primer momento, pero Snyder dio su todo y rara vez se tiene una adaptación del cómic tan impresionante en la pantalla grande.

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Darren Aronofsky por Pi; Requiem for a Dream; Black Swan; The Fountain.

Parece que le gustan las pesadillas a Darren Aronofsky y sabe muy bien como trasmitirlas a la gran pantalla.

Aunque su debut "Pi" era una impresionante pelicula de bajo presupuesto, rodada íntegramente en grano crudo de 16 mm en blanco y negro, fue "Requiem for a Dream" que realmente mostró la sensibilidad visual de Aronofsky. Una verdadera fiebre visceral y sueño por la droga, la película re-unió a Aronofsky con su socio, el director de fotografía Matthew Libatique, quien rueda todas las películas del director con la excepción de "The Wrestler".

Su siguiente película, "The Fountain", era aún más ambiciosa, y se describe mejor como un poema visual ya que carece de una narrativa clara y sirve como una toma impresionista en temas existenciales. Aranofsky usó la macro-fotografía y diversos motivos visuales para explorar sus temas de la mortalidad y el amor. "The Fountain" es claramente una pieza subestimada e infravalorada. Un verdadero poema visual, una película visualmente impresionante y que debe ser vista por cualquier persona que se interese en efectos visuales magníficos o en la narración visual.

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Gaspar Noé por Seul contre tous; Irréversible; Enter The Void.

Gaspar Noé es un loco Argentino radicado en Francia, y es el único que ha dirigido tres largometrajes hasta ahora (sin contar su última pelicula "Love" que se estrenará pronto). Todas son obras contienen una intensa imaginaría visual y estilística, y no se puede negar que sus películas se han convertido gradualmente más y más grandiosas cuando se trata de bravura visual pura.

"Seul contre tous" contenía su parte justa de engaño cinematográfico, incluyendo tarjetas de título, cortes abruptos y carros rápidos, todo ello enmarcado en una paleta de color rojo profundo, pero con su primer película de éxito internacional "Irréversible" toma las cosas a un nivel superior al contar una historia en reversa con planos secuencias larguísimos, con el uso de una cámara frenética que se estabiliza a veces en medio de cada toma larga, agregando efectos especiales realmente inquietantes.

Pero fue su última película hasta la fecha, "Enter The Void", una verdadera hazaña con un esplendor visual hipnótico. Una película que cambia desde una pura fotografía POV a una perspectiva de la cámara que se cierne sobre una brillante noche de Tokio bañada en Neón. Cada toma en esta película tiene su parte de CGI y el resultado es una película diferente a cualquier otra antes o después de ella. La temática de Noé obviamente no es para cualquiera pero cuando se trata de brillantez técnica, es difícil de superar "Enter The Void". Una pieza única y alucinante del cine visual.

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Jean-Pierre Jeunet por Delicatessen; City of Lost Children; Amelie.

Dos de las películas que son ejemplos claros dignos de mención en esta lista se hicieron realidad por el dúo de directores Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro. Hicieron un montón de cortos juntos, pero se separaron después de dos largometrajes y en base a su producción, Jeunet fue el cineasta con más talento (Jeunet ya era un director de comerciales cuando los dos se encontraron, mientras que Caro era un diseñador).

"Delicatessen" y "City of Lost Children" irrumpieron en la escena a principios y a mediados de los noventa e introdujeron el par al mundo, así como a su director de fotografía, Darius Khondji, que ha sido mencionado en esta lista antes y quien ha acumulado un impresionante curriculum. Ambas películas tuvieron un aspecto muy característico, siendo el primero una fábula de oro teñida de ensueño post-apocalíptica, mientras que el segundo era un cuento de hadas para adultos que contenía un poco de fantasía oscura: dos mundos altamente imaginativos y fantásticos con un diseño de producción muy singular y distinto.

Amelie fue el mayor éxito internacional de Jeunet, que es relativamente muy distinta a sus obras anteriores, pero no nos engañemos, todavía es una fantasía muy estilizada en el que París se representa como alguna ciudad colorida, con una sensación casi de cuento de hadas. Tan eficaz fue la película en la toma del barrio de Montmartre, que en la vida real aumentó el turismo de esa zona, que realmente no es tan colorida como en el film.

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Tim Burton por Beetlejuice; Edward Scissorhands; Alice in Wonderland; Big Fish; Corpse Bride;The Nightmare Before Christmas; Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street.

Tim Burton ha logrado encontrar el éxito con una larga serie de películas, a menudo extrañas y siempre visualmente impresionantes. Mientras que la calidad general de sus películas en los últimos años ha sido cada vez más y más discutible, su exceso visual sólo ha crecido.

Cada una de sus películas han sido claramente góticas, empezando de "Pee-wee's Big Adventure", "Beetlejuice" y por supuesto "Batman", pero fue su primera colaboración de muchas con Johnny Depp, "Edward Scissorhands", que en realidad mostró primero su estética cursi. Una película única, que ejemplifica perfectamente las marcas visuales góticas de Burton.

De allí en adelante, Burton nos ha proporcionado una amplia gama de paraísos fantásticos de grandeza cada vez más visual, especialmente en términos de diseño de producción y dirección de arte. Tanto "Sleepy Hollow" y "Alice in Wonderland" son los principales ejemplos de esto y también hay que señalar los diversos esfuerzos de stop-motion que Burton ha dirigido o producido en los últimos años. Un director que encarna claramente "estilo sobre la sustancia", la mayoría de las películas de Burton han ido muy bien en la taquilla y se puede fácilmente haber visto como la versión corriente principal de Terry Gilliam, quien, al igual que Burton, comenzó su carrera en la animación.

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Terry Gilliam por Brazil; Twelve Monkeys; The Meaning of Life; Fear and Loathing in Las Vegas.

Mientras que Terry Gilliam comenzó en publicidad en los Estados Unidos, fueron sus animaciones para el programa de televisión para niños en el Reino Unido lo que lo llevó al éxito. A partir de ahí empezó a hacer las animaciones para los de "Monty Python’s Flying Circus" y pronto se encontró dirigiendo el primer largometraje de la Python.

Inmediatamente después se aventuró en reinos fantásticos con "Time Bandits", pero no fue hasta que en su película de 1985 "Brazil", donde la gente realmente comenzó a notar su trabajo. Altamente imaginativo y rozando la psicodelia, la película fue una hazaña de imágenes e ideas. Algunas personas criticaron por irse demasiado por la ramas, pero no hay duda de que se trataba de un verdadero espectáculo visual.

Lo mismo se aplica a la próxima película de Gilliam, "The Adventures of Baron Munchausen", una película que se describe mejor como un espectáculo de puro exceso de ensueño visual, con un gran presupuesto y una taquilla muy pobre, lo que causó a Gilliam contenerse un poco más de aquí en adelante.

Sin embargo, esto no significa que el hombre bajo su nivel visual, como se ve en "Fear and Loathing in Las Vegas". La historia basada en el libro de Hunter S. Thompson fue sin duda la mejor representación cinematográfica de alucinaciones de drogas alguna vez puestas a la pantalla. Pudo haber habido mundos fantásticos, pero el viaje psicodélico hipnótico que aquí se presenta es nada menos que asombrosa en un nivel puramente visual. Mientras Gilliam ha tenido más dificultades para encontrar el éxito financiero de Tim Burton, estos dos hombres pueden de alguna manera ser visto como las dos caras de la misma moneda en el cine fantástico moderno.

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Baz Luhrmann por Strictly Ballroom; Romeo + Juliet; The Meaning of Life; Moulin Rouge!; The Great Gatsby.

A partir de su primer largometraje, "Strictly Ballroom", era claramente evidente que a Baz Luhrmann le gustaban sus imágenes coloridas y cursis. Pero no muchas personas habrían predicho que a partir de esta pequeña producción australiana, que hizo elogios Garner en Cannes, encontraría inmediatamente éxito mundial con su siguiente película, "Romeo + Juliet". Asombroso vestuario y el diseño de producción, edición cinética y una paleta de color llamativa, contribuyeron a un estilo visual muy original y extravagante para esta reinterpretación post-moderna del cuento clásico.

Él continuó su éxito con todos los mismos ingredientes y añadió algunas fantásticas escenografías para el aún más cursi "Moulin Rouge!", otro verdadero espectáculo visual en todos los sentidos. Después de hacer "Australia", que fue generalmente criticada, Luhrmann regresó con todos los elementos que hicieron sus anteriores películas un éxito, otra reinterpretación de un clásico cuento, "The Great Gatsby", añadiendo 3D en el proceso.

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Zhang Yimou por Red Sorghum; Raise the Red Lantern; Ying xiong; Man cheng jin dai huang jin jia.

"Red Sorghum", el debut en la dirección de Zhang Yimou, anunciaba la llegada de un director que era un maestro de la utilización del color, pero fue su segundo largometraje "Ju Dou", que salió a por todas y le ganó un amplio reconocimiento internacional. Yimou utiliza el entorno para llenar la pantalla con una explosión de colores suntuosos y estilo visual voluptuosa.

Siguió con "Da hong deng long gao gao gua" (Raise the Red Lantern), otra película que deslumbró con su combinación de colores exuberantes y gran estilo visual, por lo que el director era un favorito de los amantes del arte de principios de los noventa.

Zhang Yimou se reinvento con "Ying xiong" (Héroe), una mezcla entre fantasía de arte marcial, en la cual se desatacaba un virtuosismo visual deslumbrante, disparado por el increíble Christopher Doyle, otro cineasta que ha colaborado con más de un director en esta lista. La película se convirtió en una sensación en todo el mundo y fue seguido por dos de menor éxito, pero sin embargo igualmente impresionantes obras: "Shi mian mai fu" (La casa de las dagas voladoras) y "Man cheng jin dai huang jin jia" (La maldición de la flor dorada).

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Jean Cocteau por The Blood of a Poet; Beauty and the Beast; Orphee.

Si alguna vez hubo un director que puede ser etiquetado como un verdadero poeta visual, tendría que ser Jean Cocteau. Como era de esperar, el hombre en realidad era un poeta, diseñador, pintor y artista, básicamente, todos los aspectos antes de que él incluso comenzó a dirigir.

Todas sus películas tienen una calidad asombrosa hipnagógicas y parecen flotar fuera de la pantalla. Su primera película inspirada en el mito de Orfeo, "The Blood of a Poet", examina el proceso creativo y la relación del poeta a la muerte en un sueño, en la frontera de manera puramente surrealista. Pero fue su siguiente película, "Beauty and the Beast", era verdaderamente una maravilla visual de principio a fin. Lleno de imágenes románticas, impresionantes efectos especiales para el tiempo y un fantástico vestuario con una perfecta escenografía. La película es una representación visual impresionante del cuento de hadas bien conocido y sigue siendo la mejor interpretación de la historia jamás filmada.

Cuatro años más tarde el director volvería al mito de Orfeo, una vez más con "Orphee", su obra maestra surrealista de ensueño, rodada en fotografía quebradiza en blanco y negro. Un verdadero poema visual si alguna vez hubo uno, la película fue otra obra maestra etérea y surrealista, que casi constituye un género en sí mismo, ya que casi no hay otras películas que usted podría comparar esta película con (aparte de otras obras de Cocteau tal vez).

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Stanley Kubrick por 2001: A Space Odyssey; Barry Lyndon; Eyes Wide Shut.

Uno de los más reconocidos cineastas por lejos, Stanley Kubrick era mucho más que visualmente dotado. Sin embargo, él hizo algunas de las más impresionantes películas que buscan jamás se ha hecho, sobre todo la famosa "2001: A Space Odyssey", que es un ejemplo perfecto de la narrativa visual. A partir de una secuencia de 25 minutos sin diálogo, el cual representa la evolución temprana de la humanidad y termina en una continuidad cinematográfica infame que une un hueso de una nave espacial que une a millones de años de evolución, la película es pura bravura visual innovadora en referente a sus efectos especiales, con una fotografía impresionante, que posee una imaginaría visual ambiciosa, especialmente el espacio exterior.

No menos impresionante es sin embargo "Barry Lyndon", una película de época, que a menudo se parece más a las pinturas de la época moderna que una imagen en movimiento que representan y para el que Kubrick había desarrollado lentes especiales con el fin de rodar escenas con velas sólo para el bien de la autenticidad. También se puede añadir el increíble vestuario y escenografía, dirección de arte y lugares magníficos, que resultan en el drama mas impresionante jamás filmado.

La última película de Kubrick, "Eyes Wide Shut" fue filmada con una temperatura de color caliente, con un abundante uso del Steadycam y un diseño de producción exuberante, la película se reproduce a la perfección como un sueño febril de vigilia. Una vez más, Kubrick se negó a utilizar iluminación de estudio y las únicas fuentes de luz utilizadas fueron las visibles en las fotos. Kubrick lamentablemente murió una semana después de completar el film, haciendo de este el último deleite visual que nos dejó.

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David Lean por The Bridge on the River Kwai; Lawrence of Arabia; Dr. Zhivago.

El maestro de la película épica, si alguna vez hubo uno, tiene que ser David Lean. Después de haber hecho grandes películas mucho antes, Lean se fue a toda marcha visual desde 1957 a 1965 cuando dirigió tres películas épicas consecutivas de verdadera grandeza visual: "The Bridge on the River Kwai", "Lawrence of Arabia" y "Dr. Zhivago".

Sus películas han sido relativamente pequeñas hasta que comenzó en 1957 a gran escala con una co-produccion llamada: "The Bridge on the River Kwai", mayormente rodada en Sri Lanka. La película fue rodada en Cinemascope con un magnífico Technicolor- En cuanto a su parte épica quedó muy chica frente a "Lawrence of Arabia", una película que prácticamente se ha convertido en sinónimo de la palabra épica.

Una de las últimas películas que se rodó en 70mm, "Lawrence of Arabia", tiene algunas de las cosas mas impresionantes que se pueden plasmar en un film, por lo que el paisaje del desierto cobra vida como ninguna película ha conseguido nunca hacer. Lean fue capaz de esperar horas para conseguir las condiciones de iluminación perfectas y para lograr que la temperatura sea tan caliente como creíble.

Siguiente sería "Dr. Zhivago", otra épica a gran escala. Lo que Lean hizo por los paisajes de nieve y el invierno fue lo mismo que había hecho por la arena y desiertos en "Lawrence...".

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Wong Kar-Wai por Chungking Express; In The Mood for Love; The Grandmaster.

Posiblemente el mayor autor proveniente de Hong Kong. Las películas de Wong Kar-Wai priorizan claramente el estado de ánimo y el estilo más estricto de la narración. Pero cuando se es capaz de hacer peliculas tan hermosas, elegantes y con humores cambiantes, la narrativa no parece ser el punto.

Mientras "Days of Being Wild" marcó la pauta, en 1994 "Chungking Express" catapulta a Wong a la fama. A menudo referida como una de las mejores películas de Hong Kong que jamás se han hecho, la película presenta la ciudad como un paisaje urbano melancólico con luces de neón, que perfectamente complementa las sueltas líneas de la historia romántica a tratar. Defendido por Quentin Tarantino, la película firmemente reintrodujo el cine de Hong Kong en Occidente como algo más que un heroico derramamiento de sangre, películas de artes marciales y comedias tontas.

Seis años más tarde, el dúo de Kar-Wai y el director de fotografía Christopher Doyle volvió con el suntuoso "In The Mood for Love", presentando Hong Kong de una manera increíblemente nostálgica. Mientras toma el calor y la humedad tangible en la pantalla, se las arreglaron para hacer que todos los aspectos de la ciudad se vean exuberantes y su uso de primeros planos y con poca luz funcionan causando un efecto hipnótico sorprendente.

La última película de Wong Kar-Wai fue "The Grandmaster", una biografía de Ip Man, el mentor de Bruce Lee, quien ha sido una figura muy popular en las películas de Hong Kong en los últimos tiempos, pero al más puro estilo Kar-Wai convirtió la película en un pieza de humor elíptica con impresionantes imágenes visuales que pueda prevalecer sobre los hechos históricos. Quizás no sea la película históricamente más exacta sobre Ip Man, pero es sin duda la más impresionante.

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Terrence Malick por Days of Heaven; The Thin Red Line; The Tree of Life.

Lo primero es lo primero: básicamente cada película dirigida por Terrence Malick fácilmente podrían enumerarse como un ejemplo notable de una pieza visual impresionante del cine.

Uno de los más grandes directores en salir de la "Hollywood New Wave" . La primera película de Malick, "Badlands", era una maravilla visual inmediata pero logro superarse cinco años después con "Days of Heaven", una película casi en su totalidad filmada durante la "hora mágica", una hora antes de la puesta del sol, cuando la luz se pone tan especial y cálida con un resplandor dorado. La película es una pieza visual impresionante con una iluminación etérea y una sensibilidad poética que todavía se yergue como una de las películas más bellamente filmadas nunca.

Malick procedió a tomar un hiato de veinte años, pero cuando regresó en 1998, su maestría detrás de la cámara no había disminuido un poco. "The Thin Red Line" se benefició enormemente al contrastar el horror de la guerra con paisajes casi celestiales bañados en luz magnífico.

En 2011, "The Tree of Life", su proyecto más ambicioso, abordó posiblemente el tema más grande de todos: el significado de la vida humana y nuestro lugar en el universo. La pelicula contituyó la representación visual personal de crecer en la pequeña ciudad de Estados Unidos en los años cincuenta. Lo que realmente se destaca es como Malick logra representar de una manera verdaderamente de ensueño, dando cada escena la sensación de ser un recuerdo medio olvidado . Maravilloso y precioso, todas las películas de Malick son delicias visuales.

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Ron Fricke por Chronos; Baraka; Samsara ; Koyaanisqatsi.

¿Es esto una salida fácil porque Ron Fricke hace documentales sin narrativa verbal en vez de peliculas narrativas? No no no. Si alguna vez has visto "Chronos", Baraka, "Samsara" o incluso "Koyaanisqatsi", del cual Fricke era el director de fotografía , sabes que este hombre ha rodado las imágenes más impresionantes que jamás se hayan adornado en la pantalla sin los beneficios añadidos de la narrativa, ajuste y diseño de vestuario y sin el uso de los efectos especiales de producción, a pesar de que es considerado un maestro de fotografía time-lapse, que por supuesto es un efecto en la cámara.

Esta es una lista de directores talentosos en lo visual y si hay una cosa y sólo una cosa que Ron Fricke es, es visualmente dotado. No es de extrañar que todas sus películas han sido rodadas en formatos especiales. "Chronos" fue filmado para los cines IMAX y Fricke diseñó una cámara de 65mm por encargo para las secuencias de time-lapse con un sistema de control de movimiento muy complejo, que usaría para todos sus siguientes producciones. "Baraka" sin embargo recibió una fotografía en plena 70mm, un formato que no se había utilizado en el cine desde 1971. La película también sería la primera película en ser restaurada en resolución 8K digital. Su último largometraje, "Samsara", también se rodó en 70 y 65 mm, pero trasladado a 4K digital para la post-producción.

Las películas de Ron Fricke son´un esplendor visual sin diluir, puro, en su máxima expresión, viajes mentales sin drogas. Si nunca viste ninguna de estas películas, por favor hazte un favor y mirala. No te arrepentirás.

Mencion especial para: Bergman, Tarkovsky, Wes Anderson,
David Lynch, Orson Welles, Fincher, Tarantino y Nolan.