Gabriel29

Las Primas Las Primas es una agrupación musical femenina creada en el año 1985 en Argentina sobre una idea del productor Oscar Beis que luego unido al productor Carlos Gallego que fuera recomendado por Oscar Belaich directivo de Canal 9 que realizaran esa union para desarrollar el grupo . Fue muy popular en los años 86 con su primer Long Play Las Primas que incluian los temas Los Nenes con los Nenes y Saca la Mano Antonio destacándose las letras picarescas y la música pegadiza y popular de sus canciones, algunas con coautorias de Carlos Gallego, en otras Oscar Beis si bien los dos temas éxitos son temas mexicanos que el grupo realizó una versión a su estilo. En el primer Long Play en su reverso se puede leer las autorias de los temas y agradecimientos a Horacio Martinez, Oscar Beis, Mariano Baravino y Carlos Gallego. Además tenían una vestimenta colorida vestimenta que Oscar Beis encargo al diseñador Daniel Falcon, basado en cambiarles el look que tenían en la portada del Long Play que era más sexy dado que el grupo había pegado en los niños, le pareció mas oportuno enviar a confeccionar una ropa más común para que cualquier chica se pueda identificar y colorida tomando como ejemplo los colores de las calesitas de los parques para los niños que transmiten alegría. También fue idea del coreógrafo Miguel Fioroni que cada una tuviera una personalidad en el tono del cabello y así es como Liliana fue pelirroja, Mariana castaña, Monica, morocha, Daniela rubia y Josefina castaña clara. Este primer Long Play fue grabado en los Estudios del sello discográfico CBS teniendo a cargo la producción musical Horacio Martinez por CBS ( productor de Virus, Los Gatos , etc ) los arreglos musicales y vocales a cargo de Mariano Baravino. La parte coreografica estaba a cargo del coreógrafo Miguel Fioroni. Ese Long Play fue grabado en los estudios de CBS en esa época en la calle Paraguay y Montevideo de Capital en el mes de Enero del 86 y fue lanzado el 13 de Febrero de 1986 en contra de todos los pronósticos de éxitos ya que en aquella época no se lanzaba un disco en esas fechas se aguardaba los meses de Abril / Mayo sino corría riesgos de ser un fracaso. A la semana de su salida vendió 100.000 unidades haciéndose acredoras al Disco de Oro , a los 20 días siguientes el Disco Platino y Doble Platino por más de 150.000 y 300.000 unidades vendidas que fuera entregado en el programa Finalísima del Humor en Canal 9 por directivos de la cia disquera. La semana del día del niño el disco vendió más de 50.000 Long Play. Así de apoco fue convirtiéndose en Long Play más vendido en Argentina por mucho años. Alcanzando la cifra record de 1.000.000 de unidades ese año. Nota de color hasta Mario Pergolini llegó a pasar el tema Los Nenes con los Nenes en la Rock and Pop en aquella época. El conjunto fue originariamente un quinteto pero a finales de 1986 se trasformó en un cuarteto, con el alejamiento de una de sus integrantes Liliana Beis quien interpretaba el Piripi pi y el uno de los productores Oscar Beis. Allí queda como único responsable del grupo regitrándolas a su nombre el otro productor Carlos Gallego Historia La agrupación fue creada en el año 1985, su fama y éxito surgió repentinamente a los 15 días de la grabación de su primer disco tras participaciones del grupo en los programas Sábados de la Bondad y Finalísima del Humor que conducía el animador Leonardo Simmons por Canal 9. Durante un año fueron artistas exclusivas de este canal de TV, participando en distitos programas del mismo, entre ellos Feliz Domingo con la conducción de Silvio Soldán, y fueron parte del elenco estable del exitoso envío humorístico de actores uruguayos Híperhumor. Ese primer año 1986, en el mes de Junio a los pocos meses del lanzamiento del grupo, viajan a Mexico acompañadas por uno de los productores Oscar Beis y gente de Televisa Mario Lecuona, para presentarse en varios programas de esa cadena y fetivales junto a celebridades como Maria Luisa Guel, Tina Turner, Dony Osmon, Viky Car, etc debido al gran éxito que ya tenían en ese pais. Televisa en conjunto con CBS les ofrece rodar un clip en formato película con actores y extras del tema Mi Papá está muy enojado, el cual funcionaba muy bien allí. Participaban de El Show de Johnny Allon en el viejo Canal 2 de La Plata y en La Chispa de mi gente de Quique Dappiaggi. Luego fueron exclusivas de La noche del Domingo con Gerardo Sofovich quien las llevó a Canal 13. El grupo llegó a tener un programa de TV propio junto al Topo Gigio, el cual se tituló La Hora del Topo Gigio, personaje con el que hicieron un espectáculo infantil en las vacaciones de invierno de 1987 en el Teatro Tabarís Las Primas del Topo Gigio. El grupo participó en dos películas junto a los humoristas Alberto Olmedo y Jorge Porcel, primeramente en Rambito y Rambón, primera misión el genial dúo cómico las parodió y luego en Los colimbas al ataque se destacaron con el musical Quiero una alegría. Posteriormente trabajaron en la película infantil Las locuras del extraterrestre junto a Emilio Disi y Javier Portales. En el año 1988 protagonizaron la publicidad de Lotería Chaqueña, adaptando su canción Sacatelá, invitando al público a perseguir el Gordo de Navidad con un pegadizo gingle: "SA-CA-TE LA CHA-QUE-ÑA". En los primeros años de la década del 90 participaron en numerosos programas de televisión como Hola Susana con Susana Giménez,La Movida del Verano con Juan Alberto Mateyko, El show de Xuxa, A la playa con Gasalla, Mesa de Noticias entre otros. Llegando incluso a tener en el año 1990 una participación en un capítulo de la telenovela Amándote II, protagonizada por Arnaldo André y Lupita Ferrer. Actuaban también frecuentemente en el veraniego Ritmo de la playa con Riki Maravilla. Después de 1993 el éxito del grupo comienza a disminuir, continuando hasta el año 1995 cuando se disuelve. Cuatro años después, en 1999, la agrupación se arma nuevamente, pasando prácticamente desapercibida. Hasta su reaparición nuevamente en el año 2009, continuando hasta la actualidad. En esta nueva etapa y a pesar de su presentación en numerosos programas de TV, no ha logrado hasta el momento repetir el éxito de los años 80 y principios de los 90 de los cuales sí se han convertido en ícono. Integrantes y composicion del grupo. En su etapa originaria como quinteto el grupo estuvo integrado por Mariana Colombatti, Mónica Garimaldi, Josephina Stella, Daniela Mori y Liliana Beis. Un año después de su creación con la partida de Liliana Beis, Las Primas paso a ser un cuarteto. Posterior a 1993, antes de su primera disolución, hubo un momento en que el grupo fue trío y después volvió a ser quinteto por un tiempo. Las agrupación se caracterizó por la inestabilidad y gran rotación de sus integrantes. De las originales la que más permaneció en el grupo fue Mónica Garimaldi, quien se mantuvo hasta el año 1993, quién luego intentó suerte como co-conductora y quedando la agrupación muy identificada con ella. Tras la partida de las integrantes originales, estas fueron siendo remplazadas por nuevas integrantes, como Fabiola Alonso (esposa del humorista Miguel Ángel Cherutti), Lilit Ramírez, Verónica Álvarez Fuentes, Liana Maurich, María Gabriela Rubil, Karina Ranni, Claudia Salminis, María de las Nieves Pi de la Serna, María Fernanda Rubil, Fabiana Donato, Natalia Cahiza, Claudia Bastón (Miss Argentina y Primera Princesa en Miss Universo), Andrea Sabbadín y Verónica Testa entre muchas otras. La agrupación actual está integrada por Pamela Mediotte bailarina y coreógrafa, fue Reina Provincial del Carnaval, Reina Nacional de la Miel y Princesa de Miss Argentina, Laura Martin, Betsy Daniel bailarina y cantante y Denise Cerrone, la actual esposa de Omar Suarez. Discografía - 1985 “Las Primas” - 1986 “Dame una alegría” - 1987 “Más divertidas que nunca” - 1988 “Somos terribles” - 1989 “Invencibles” junto a Ricky Maravilla. - 1990 “Haceme zaza-zaza” - 1991 “De Fiesta” - 1993 “Ponete El Sombrero” - 1999 “Las Primas RE…MIX” - 2009 “Las Primas" Temas musicales Las Primas hicieron famosos temas musicales como Saca la mano Antonio, Los Nenes con los Nenes, Antonio se fue a la Guerra, Tocame el Piripipi, Quiero una alegría, El gitano picarón, La culpa de todos los males, Haceme zaza-zaza, Por ese negrito. También cantaron temas populares como El Negro no puede, La Bamba, Los hermanos Pinzones, Que te la pongo, entre otros... Otros grupos Las Primas y agrupaciones similares Existió en España una agrupación paralela pero llamada Las Viudas y en México otra agrupación, sí denominada Las Primas simultáneamente a la de Argentina, debido al gran éxito que esta tuvo. En el verano del 2005 se creó una con el mismo nombre en España, que se hizo famosa con el tema Bambú-Bambú, el cual fue cortina del programa de televisión Crónicas marcianas. Las Primas marcaron un estilo musical que ha sido imitado por otras agrupaciones. Siguiendo este estilo surgieron en Argentina entre mediado y fines de los años 80 diferentes agrupaciones con características similares, como fueron Las Amazonas, Las Secretarias, Las Guerreras (posteriormente llamado Nanci y Las Guerreras) , Las Gatitas (grupo que formaba parte del programa de TV Las gatitas y ratones de Porcel) y Las Colegialas entre otros. Sólo Las Angeles de Smith fueron sus precursoras, pero no consiguieron tanto destaque como Las Primas.

Registrate y eliminá la publicidad! Con nadie Una figura delgada, parada en la esquina, con la boca abierta como si estuviera gritando, muda. Yo lo miraba, mientras caminaba por la vereda de enfrente. No se le veían los ojos, la sombra de la gorra se los tapaba. Seguí caminando, y en cada esquina había un pibe parado, gritando silenciosamente. En mi vereda, en dirección opuesta a mí se acercó corriendo una señora grandota, de unos sesenta años, llorando y tapándose los oídos. Simplemente nos cruzamos. Seguramente no sospechó que la describiría en un cuento, no lo hizo, al igual que yo nunca pude imaginar que terminaría sordo, parado en una esquina, gritando silenciosamente, tratando desesperadamente de poder comunicarme con nadie. Gabriel Fara

El cíclope - Odilon Redon Delimitar El legado de la sangre y del acribillado. La costumbre de limitar al amor, de cortarle las cabezas a las palabras, para que les creciera óxido. La incapacidad para delimitar, con líneas punteadas alambrados y cronómetros, la distancia y duración, que tiene el abrazo antes de coagularse. En cajas Se enciman capas de manos por centenares y las salvan por última vez para aferrarse al ruedo de las polleras sobre el suelo que me vió caer cuando aprendí a caminar Hallazgo Me encontré abrazando tu cuerpo y deseando plácidos despertares. Me encontré en una encrucijada contemplando las mañanas los mañanas. Me encontré libre. Mano Un circuito cerrado me impide accionar. dejando el barro seco, que cargué en los lugares comunes, dejándote flores, con pétalos en lugar de dedos, que me agarran la mano, con fuerza y no te veo nunca más. Con suelo La densidad de ese dolor, medida en centímetros cúbicos. Hombres que se paran sobre los cadáveres de sus madres, hombres cuya desmesura florece como el fuego, arrastrando opiniones y conejos por el suelo; dejando al descubierto mis manos, desnudas, milagrosamente incorruptas. Gabriel Fara

Marc Chagall Biografía Marc Chagall nace en Vitebks el 7 de Julio de 1887, en el seno de una modesta y numerosa familia judía. Tras un breve aprendizaje con el maestro Jehuda Pen y una estancia en San Petersburgo en la escuela Svantseva, Chagall recibe una bolsa de estudios del mecenas Vinaver que le ofrece la posibilidad de viajar a París. Corre el año 1910. A su llegada a esta ciudad le impresiona todo, la luz, el color, el aire que respira y sobre todo la libertad. En su vocabulario aparecen dos nuevos términos lumière-libertè y couleur-amour, la unión de ambos constituye la estructura básica de su pintura. "En una naturaleza, en un elemento natural, en un espacio que no es más que un cielo en el que todas las formas retozan completamente libres y gráciles como si fuesen pequeñas criaturas, se emana un color tan fuerte y tan hermoso que parece sobrenatural". Esto es lo que según Chagall significan las expresiones lumière-liberte y colour-amour. Otro término de imprenta chagalliana es chemie, química, el secreto del color, el aura de la magia, los colores que dan vida al cuadro, los que le dan alma. En el París de principios de siglo dos corrientes destacan por su singularidad, el fauvismo y el cubismo. Chagall no se adhiere a ninguna de estas tendencias, aunque su obra en esta etapa se ve influenciada por ambas. Ya en la ciudad de la luz se instala en un pequeño estudio de la Ruche y entabla amistad con lo más florido de la Bohème, Cendrars, Apollinaire, Modigliani, Delaunay. Los cuadros de este periodo rebosan de recuerdos, su tan añorada niñez cobra un protagonismo absoluto. Como el mismo Chagall reconoce, la infancia es un río en el que le gusta sumergirse, y al hacerlo nos descubre un universo mágico lleno de isbas, lámparas de petróleo, vacas, samovares, velas y violinistas como su tío Neuch que aparece en muchos de sus cuadros; otrora elementos reales y cercanos, y ahora personajes de sus coloridos cuentos. "En una naturaleza, en un elemento natural, en un espacio que no es más que un cielo en el que todas las formas retozan completamente libres y gráciles como si fuesen pequeñas criaturas, se emana un color tan fuerte y tan hermoso que parece sobrenatural". En Chagall se aprecia un sentimiento de indiferencia, de pérdida de respeto por la realidad, una rebelión en contra de sus leyes, el producto de todo esto es un universo en el que la fantasía ocupa el primer lugar. Su deseo es desordenar, modificar la realidad, dispersarla en todas direcciones. En Rusia, el asno y los otros y Yo y el pueblo se refleja esa pasional y fantástica relación entre él y sus orígenes, se percibe el olor a salitre de los arenques, se oyen los rezos de la sinagoga y una naturaleza llena de nieve y flores aparece en todo su esplendor. Sus recuerdos se convierten en leyenda, en fábula y conservan el mismo tono con el que Chagall escribe sus memorias, Ma vie 1931. El reencuentro con la patria le llena de vigor, de fuerza, de energía y de amor. En 1915 se casa con Bella Rosenfeld y de esa unión nace una niña, Ida. Es esta la época en la que Bella y Chagall volarán por los tejados, sobre la ciudad, y harán de su amor uno de los motivos principales de su obra. De este periodo son cuadros como El cumpleaños, El paseo, o Sobre la ciudad. Volar, el amor y la música constituyen los motivos principales de la obra chagalliana: los tres guardan una relación muy estrecha, los tres hacen salir al individuo de su estado normal. Pero no todo es amor, también hay guerra, a la que sucederá una revolución, la de 1917. Con los nuevos tiempos Chagall crece en prestigio y asume el cargo de Comisario de Bellas Artes en Vitebks y funda asímismo la Academia de Bellas Artes. El aire fresco de la Revolución se ve truncado con la llegada al poder de Stalin, quien establece un orden muy estricto en todos los ámbitos de la vida, incluido el artístico; al que otrora se le alababa, se le preguntaba entonces por qué sus vacas eran verdes. Cesado de su cargo se traslada a Moscú donde se ocupa del diseño de decorados y trajes para el Teatro Judío Kamerny. En 1922 abandona definitivamente su amada Rusia y se refugia temporalmente en Berlín, donde ya en 1914 había realizado su primera exposición en la Galería “Der Sturm”. La ciudad de los talentos, París, le espera en 1923. Este hervidero de artistas y nuevas tendencias le recibe de nuevo con los brazos abiertos y le hace sentirse como en un segundo Vitebks. En este nuevo contexto Chagall desarrollará algo tan esencial de su existencia como el humor. Chagall es un genio divertido, burlesco, cómico, al igual que su paisano Gogol, para quien ilustrará por encargo de Ambroise Vollard las Almas muertas. A éstas les sucederán las ilustraciones de las Fábulas de La Fontaine y la Biblia. Son los años del surrealismo, del ensalzamiento de los procesos mentales, del desprecio del orden social y se proclama a viva voz la libertad del individuo. Chagall comparte estos ideales, su arte, sin embargo, discurre por otros derroteros. Durante estos años su obra se inspira más que nunca en el amor que siente por Bella y nuevos elementos empezarán a hacerse omnipresentes: las ventanas y la Tour Eiffel. Ida en la ventana. Los recién casados de la Tour Eiffel y París a través de mi ventana son muestra de ello. Durante los últimos diez años de su periodo parisino emprende numerosos viajes, a Palestina, Holanda, Italia, Polonia y España. De estos dos últimos países le sobrecogen los cuadros del Greco y la situación cada vez más trágica de los judíos en Polonia. Esta época se caracteriza por un cambio en su forma de pintar, se vuelve más serio, más sólido. Sus cuadros adquieren un tono más dramático. Es la época de Bella de verde, de La gente del circo, cuadro que se transformará en Alrededor de ella a la muerte de su amada y de La crucifixión blanca. El color pierde su transparencia, se vuelve más denso, con más fuerza. En los treinta soplan vientos de guerra y es en estos años cuando Chagall pinta su cuadro Revolución, toda una explosión de la iconografía chagalliana, de su mundo interior. Los motivos siguen siendo los mismos, sin embargo, aparecen cambiados. En él se entremezclan elementos ya típicos como enamorados sobre el tejado con hombres armados enarbolando una bandera roja y una imagen del todo llamativa: Lenin boca abajo apoyándose en un solo brazo sobre una mesa donde está sentado un anciano judío con la Thora. Este cuadro también sufrirá una transformación. Se convertirá en tres: Revolución, Resistencia y Liberación. Estalla la Segunda Guerra Mundial y Chagall se desplaza a Gordes, donde vivirá unos años de tranquilidad y felicidad con su mujer antes de su exilio a Nueva York. Los cuadros de esta nueva etapa neoyorquina adoptan un nuevo cariz. En su nueva creación asumen protagonismo las crucifixiones y los incendios, reflejo de una época muy dura para su pueblo, el judío: Crucifixión amarilla, Los crucificados. También diseñará los decorados y trajes del ballet Aleko. Un ballet donde reencontrará a dos grandes rusos, Tchaikovski y Pushkin y no será la última vez, ya que tiempo después se encargará de los decorados del Pájaro de fuego de Stravinski. Tras la muerte de Bella sus cuadros se convierten en lloros de su alma, apoderada en ese momento por una gran tristeza, por una gran melancolía. Autorretrato con reloj de pared y Notturno. En agosto de 1948 regresa a Francia para hacer una exposición retrospectiva de toda su obra, a la que le seguirán exposiciones en Ámsterdam, Londres, Zurich, Berna y Venecia, donde será galardonado con el Primer Premio de Grabado. En 1952 se casa con Valentina Brodsky (Vava) y emprende un viaje a Grecia, donde iniciará la ilustración de Dafne y Cloe para el editor Tériade. A partir de 1956 su arte adopta una dimensión monumental, sus inquietudes artísticas le hacen probar otras disciplinas tales como la escultura, la cerámica o las vidrieras, ejemplos de estas últimas son las de Reims, las de Metz en Basilea y las del Medical Center en Jerusalem. De su periodo más tardío cabe destacar Mensaje bíblico, una serie de óleos pintados en las postrimerías de su carrera que nos recuerdan a grandes del barroco como Tintoretto. Muere en Saint-Paul-de Vence en 1985. "Todos los colores son los amigos de sus vecinos y los amantes de sus opuestos". Marc Chagall Obra: Fuente http://www.literaberinto.com/pintura/marchagall.htm

TANTO SOÑÉ CONTIGO Tanto soñé contigo que pierdes tu realidad. ¿Todavía hay tiempo para alcanzar ese cuerpo vivo y besar sobre esa boca el nacimiento de la voz que quiero? Tanto soñé contigo que mis brazos habituados a cruzarse sobre mi pecho cuando abrazan tu sombra, quizá ya no podrían adaptarse al contorno de tu cuerpo. Y frente a la existencia real de aquello que me obsesiona y me gobierna desde hace días y años, seguramente me transformaré en sombra. Oh balances sentimentales. Tanto soñé contigo que seguramente ya no podré despertar. Duermo de pie, con mi cuerpo que se ofrece a todas las apariencias de la vida y del amor y tú, la única que cuenta ahora para mí, más difícil me resultará tocar tu frente y tus labios que los primeros labios y la primera frente que encuentre. Tanto soñé contigo, tanto caminé, hablé, me tendí al lado de tu fantasma que ya no me resta sino ser fantasma entre los fantasmas, y cien veces más sombra que la sombra que siempre pasea alegremente por el cuadrante solar de tu vida. Robert Desnos Collage por Florencia Potenzo y Gabriel Fara

EL GUERNICA Nombre: Guernica Autor: Pablo Ruiz Picasso Fecha: 1937 Técnica: Óleo sobre lienzo Medidas: 349,3 x 776,6 cm. Ubicación: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid Estudio: A lo largo de este breve estudio, no pretendemos aportar ningún dato nuevo sobre una de las obras más importantes y conocidas del recién extinto siglo XX, y mucho menos, diremos algo que no se haya mencionado anteriormente, y seguramente con mucho más acierto, sobre su genial autor. Nuestras pretensiones son otras, están mucho más ligadas al goce, al disfrute del espectador con la obra de arte. Se ha derramado mucha tinta en vano, intentando descifrar lo más absurdo y anecdótico de esta obra, como de tantas otras. Especulaciones tales como qué significa el caballo o el toro, en las que nos detendremos en su justa medida un poco más a delante, han sido en ocasiones el eje fundamental de muchos escritos. Muy mala tiene que ser una obra para que requiera de una comentario de esta índole previo a su apreciación y este no es el caso de Guernica de Picasso, aunque sí, porqué no decirlo, de otras muchas obras del arte del siglo XX que ha seguido erróneamente la senda abierta por Picasso. Guernica es una metáfora inigualable del horror producido por el hombre, que no requiere mayor explicación que su contemplación. No por ello queremos insinuar que no sea necesario un correcto análisis, pues de ello nos ocupamos en estas líneas. Sin más datos, que los extraídos visualmente ante este grandioso, a la vez que grandísimo lienzo, el espectador percibe lo principal, pero no puede pasar de aquí, su conocimiento se queda en la superficie y el disfrute por lo tanto se reduce notablemente. Palabras de Pablo Picasso: Para contemplar el Guernica en su plenitud, es fundamental conocer bien el marco histórico y cultural en el que se inserta. Aunque esta idea no puede cegarnos y mucho menos debemos dejarnos engañar por la más simplista de todas las interpretaciones, la que se fundamenta en la temática. Pues una obra de arte, en este caso un pintura, es considerada buena por el modo en que está resuelta, es decir, por el grado de maestría con que ha sido pintada. El tema es secundario y en muchos casos, no pasará de ser un mero pretexto, para que el pintor desarrolle su creatividad. Por tanto, debe quedar claro que no es posible tomar el tema como base de todo significado artístico, haciéndolo así solo podremos “entender” las obras cuyo tema esté dentro de nuestro bagaje cultural, lo cual es tristemente restrictivo. Basta para demostrar estas palabras un simple ejemplo: tal vez, una de las obras más conocidas del arte occidental sea La Cena, de Leonardo da Vinci, trabajo que fue realizado por el genial pintor renacentista entre 1495 y 1497. La interpretación de esta obra parece única, pero no es así. Prescindiendo de todos los conocimientos sobre la religión católica, con una mirada limpia, se puede llegar a la conclusión que Leonardo ha pintado a un grupo de hippies o vagabundos, con melenas y barbas, que sentados en una larga mesa ya han terminado de comer y, por lo visto, deben haber bebido demasiado porque están discutiendo entre ellos, como se aprecia en sus gestos y muecas. Tal vez, el origen de esta pequeña trifulca resida en que no se ponen de acuerdo en quien va a pagar la comida, o tal vez, y esto parece aún más acertado, el personaje central acaba de anunciar que uno de los presentes no a puesto su parte del dinero, lo que naturalmente ha originado el estupor general y ha creado un clima un tanto incómodo. Todo el mundo quiere comprender la pintura. ¿Por qué no intentan comprender el canto de los pájaros? ¿Por qué a la gente le gusta una noche, un flor, todas las cosas que rodean al hombre sin tratar de comprenderlas? En el caso de la pintura, en cambio, se quiere comprender. Que comprendan sobre todo que el artista obra por necesidad (...) Quienes intentan interpretar un cuadro, casi siempre se equivocan. Pablo Picasso, 1935. Sin más dilaciones, hecha esta breve introducción, vamos a adentrarnos en el universo de Picasso. La obra objeto de nuestro estudio, Guernica, fue pintada por Pablo Ruiz Picasso (1881-1973), en 1937. El título de esta obra alude a un episodio concreto de la Guerra Civil española: el bombardeo de la población vasca de Guernica, que tuvo lugar el 26 de abril de 1937. Cuarenta y tres bombarderos y cazas alemanes de la Legión Cóndor y algunos italianos, al servicio de los nacionales, arrasan la ciudad vasca de Guernica. En este momento, España estaba inmersa en la Guerra Civil, iniciada un año antes, el 18 de julio de 1936, cuando las tropas nacionales se sublevaron contra el gobierno republicano. Mientras tanto, Europa, a grandes rasgos, tras haber sufrido las consecuencias de la depresión económica mundial y dividida por el fascismo, se preparaba para el inminente estallido de la Segunda Guerra Mundial. Se ha especulado mucho sobre si Guernica fue o no, un cuadro encargado por el Gobierno republicano a Picasso. Está claro que Guernica es fruto de un encargo, pero es necesario aclarar varios puntos al respecto que han inducido varias veces a error. En 1937 se celebra en París la Exposición Universal, para los republicanos era vital que el Gobierno español estuviera bien representado, de modo que le piden a Picasso que haga algo para el pabellón español, un pabellón que tenía, evidentemente, un marcado carácter propagandístico de la república [1]. Picasso se comprometió a pintar una gran obra para este cometido, una pintura que ocupara una pared entera del pabellón español, pero en ningún momento se comprometió a pintar Guernica, entre otras cosas porque el bombardeo sobre la citada ciudad vasca no se había producido todavía. Sin embargo, el artista español sufrió una parálisis creativa que le impidió llevar a cabo dicho encargo durante unos meses. Las causas pudieron ser varias, en primer lugar, el marcado carácter propagandístico que le exigían para la obra, le maniataba mucho; por otro lado, estaba atravesando una crisis sentimental bastante profunda. Hay que recordar que en este momento, que se conozca, Picasso estaba casado con su primera mujer Olga Koklova, vivía con Marie-Thérése Walter con la que tenía una hija y, desde 1936, Dora Maar era su amante oficial [2]. Pablo Picasso salió de su aparente atolladero creativo y vital el 26 de abril de 1937. Por fin encontró el tema que estaba buscando, el atroz bombardeo le permitiría materializar perfectamente ese encargo del Gobierno republicano. Esta idea es importante, Picasso inmortalizó con esta obra el nombre de Guernica, simplemente porque su destrucción le inspiró ese enorme, a la par que genial, cartel propagandístico en contra del fascismo. Picasso era consciente que esta obra debía ser contemplada no sólo por entendidos del arte, sino, y principalmente, por todo tipo de personas que visitaran el pabellón español. Por tanto, el mensaje debía ser perfectamente claro, y que mejor modo para ello, que partir para la creación de una masacre de resonancia internacional como la de Guernica. No queremos insinuar con esto, que Picasso no sintiera una gran repulsión por lo acontecido, ya que la rabia y la indignación del artista queda visiblemente palpables sobre el lienzo objeto de nuestro estudio, pero es igualmente evidente, que este fatal hecho se amoldaba a la perfección al encargo que había recibido. Fue un episodio gratuitamente cruento, no había razones aparentes que justificaran el ataque de una pequeña ciudad como aquella, sin especial valor militar, poblada entonces casi exclusivamente por mujeres, niños y ancianos, ya que los hombres se encontraban en el frente. El bombardeo de esta ciudad vasca duró tres horas y cuarto, desde las cuatro y media de la tarde hasta las ocho menos cuarto. Durante las cuales, una poderosa flota de aviones consistente en tres modelos alemanes, bombarderos Junkers y Heinkel y cazas Heinkel, no cesó de descargar sobre la ciudad bombas de quinientos kilos, a demás de un número de proyectiles incendiarios de aluminio, que se ha calculado en más de mil. Mientras tanto, como relató un corresponsal del Times de Londres llamado Steer, los cazas volaban rasantes ametrallando a las personas que huían de la ciudad para refugiarse en el campo. Toda Guernica quedo inmediatamente en llamas y cualquier rastro de vida, tanto humano como animal, fue aniquilado brutalmente. Pero estos hechos que ahora narramos y que se encuentran perfectamente documentos, no siempre fueron contados así. Confirmando una vez más aquella sentencia de Esquilo que dice La primera baja en la guerra es la verdad, se acusó durante mucho tiempo desde el bando nacional, y posteriormente con el franquismo, de haber sido los propios vascos los que incendiaron su ciudad con latas de gasolina. A pesar de las pruebas, de los testigos internacionales y de las confesiones por parte de los alemanes (juicio de Nuremberg), en España se sostuvo durante años la tesis de la autodestrucción. El primero de mayo de 1937 París vivió una fiesta del trabajo marcada por el rechazo vehemente de la destrucción de Guernica [3] y por una fervorosa oposición al franquismo. Ese mismo día Picasso encontró su tema y se pudo a trabajar en él de un modo febril. Durante los siguientes diez días hizo numerosos bocetos de lo que podría ser el cuadro en su conjunto, así como de diversos elementos y personajes del mismo. El día 11 de mayo, Picasso, comenzó a trabajar sobre el soporte definitivo. Se trataba, como ya hemos apuntado, de una tela de 349 x 776 centímetros, instalada en un taller especial que Dora Maar había buscado para este propósito. Era tan inusualmente grande el tamaño del cuadro que ocupaba por completo toda la altura de la pared, y aún tenía que inclinarse un poco para que cupiese entre el suelo y las vigas del techo. Esta circunstancia y el hecho de que estuviera destinada a adherirse al muro del pabellón de la República Española forzaron al artista a ejecutarlo con un material que ofreciera una superficie sin brillos, por eso eligió una pintura vinílica Ripolin mate, de tipo industrial. El cuadro, que lo concluyó el 4 de junio de 1937, está pintado en blanco y negro, con una variadísima gama de grises y algunos toques azulados casi imperceptibles. Un error muy común a la hora de enfrentarse al análisis de una obra de arte, es confundir la interpretación del arte con especulaciones acerca de la psicología del artista, y describir la obra como un retrato de los deseos y conflictos privados de su autor. Focalizando generalmente todas esas especulaciones, diríamos mejor, invenciones, en aspectos sexuales, cuanto más truculentos y enfermizos mejor. Ya que la vida sentimental de Picasso, de sobra conocida, fue de gran actividad y por ello muy propicia a este tipo de inventiva, hemos creído oportuno hacer esta advertencia. Por otra parte, la otra versión de este disparate historiográfico, tanto o más común que el anterior, consiste en dar a la vida privada del artista, a través de los amigos, conocidos y familiares que aparecen en sus obras, un valor desorbitado. Valor que eclipsa cualquier otro tipo de análisis, que tampoco estamos indicando que deba ser meramente formalista, y que convierte a la obra en cuestión, en un culebrón de media tarde. Picassso, como cualquier artista, pinta lo que tiene a mano, sea un hijo suyo, su mujer, su amante, su perro o una pera. Pero esta elección, por mucho que le pese a los románticos del arte, no pasan de ser un mero vehículo, un pretexto para la creación. La composición está distribuida a modo de tríptico, ocupando un caballo agonizante el panel central. En total el cuadro reproduce seis seres humanos y tres animales. Picasso encuadra los grupos en dispositivos triangulares, de los cuales, el más importante es el central. En la parte superior de este triángulo, un poco desplazada a la izquierda, aparece una especie de tulipa en perspectiva en cuyo centro, Picasso situó una bombilla eléctrica. La base del triángulo central está señalada por el cuerpo caído del guerrero muerto, un cuerpo desmembrado, descuartizado, que se convierte en un símbolo visual de la matanza. El brazo de la derecha, que acaba también sosteniendo una flor, agarra la empuñadura de una espada rota, mientras el otro brazo acaba en una mano fuerte y callosa, con poderosos surcos cruzados. Entre esas líneas puede reconocerse el dibujo de una estrella de cinco puntas. Esa flor, que puede ser interpretada como una pequeña luz de esperanza dentro un panorama tan visiblemente descorazonador, también, por el contrario, puede que no signifique nada especial. Siendo una reminiscencia, un resto, de la primitiva escena desarrollada en el exterior, en la que la flor brotaba al lado de una cabeza femenina yacente. La cabeza del guerrero fue redondeada, como si fuera un canto rodado. Cabezas cortadas ha habido muchas en la historia del arte, pertenecientes casi siempre a mártires inocentes, pero no suelen tener los ojos desmesuradamente abiertos como ocurre aquí. Observemos que la forma de este elemento no es casual: las órbitas oculares del toro y del guerrero, pertenecientes a entes masculinos, son óvalos con los extremos apuntados; los de las mujeres de ambos laterales con forma de lágrima, pertenecen a otro grupo, que es el preferido por Picasso para expresar el extremado sufrimiento femenino; los ojos de las dos hembras restantes y los de la yegua están constituidos por un círculo con un punto central, representan más bien una dolorida sorpresa. La mujer que entra en la escena por la derecha tiene el trasero al descubierto, existe una divertida anécdota entorno a esta figura, que nos ayudará un poco más a advertir, que los discursos grandilocuentes entorno a una obra de arte parten de críticos e historiadores, pero pocas veces del propio autor. El significado de la figura nos lo proporciona un curioso testimonio aportado por Henry Moore, contando una visita al taller donde se pintaba esta obra maestra: “Todavía faltaba bastante para que Guernica estuviese terminado (...) ¿Recuerda a la mujer que llega corriendo desde la cabina de la derecha con una mano levantada delante de ella? Bien, Picasso nos dijo que allí faltaba algo, se marchó, cogió un rollo de papel y lo pegó en la mano de la mujer, como para decir que había sido sorprendida en el cuarto de baño cuando cayeron las bombas. Así era él. Por supuesto estaba tremendamente conmovido por España y sin embargo podía tratarlo como una broma”. Sobre esta curiosa figura se sitúa la mujer que entra por la ventana sosteniendo con su brazo una lámpara, una figura que irrumpe en la estancia por la ventana, de un modo surrealista, mirando la escena horrorizada e iluminando la estancia con su quinqué. Según algunos autores, podría tratarse de una especie de alegoría fantasmagórica de la república española, según nuestra opinión, no se trataría de ninguna alegoría, sino más bien de una simplificación de una figura que huye horrorizada del bombardeo, con un semblante descompuesto, con una mirada ausente, casi en estado de shock. A su derecha, se sitúa la mujer que cae envuelta en llamas, con los brazos en alto. Las mujeres, hacen de Guernica la imagen de una humanidad inocente e indefensa convertida en víctima. La madre con el niño muerto, fue un asunto muy mimado por el pintor, que realizó numerosísimas variaciones en dibujos preparatorios. El común denominador de todos estos trabajos es el rostro desgarrado de la mujer que llora, superando mucho en su patetismo a las tradicionales imágenes españolas de la Virgen Dolorosa. Junto a los ojos, el otro componente esencial para la expresión del dolor, es la boca desmesuradamente abierta, de la que sobresale una lengua afilada. Una lengua como la de la yegua, una imagen extrema que nos trasporta, inevitablemente, a los caballos destripados por el asta de un toro, de esas corridas a las que tanto le gustaba asistir a Picasso. Deudoras, por otra parte, de esas tardes de finales del XIX, en las que acudía junto a su padre, José Ruiz Blasco, a la Malagueta, la plaza de toros de Málaga. Se ha hablado poco de la importancia que tuvo en Picasso su padre, y sobre todo la importancia que tuvo para Picasso el haber nacido en un hogar de artistas, un olvido un tanto injusto. En la pintura mural en la que estoy trabajando, y que titularé Guernica, y en todas mis últimas obras expreso claramente mi repulsión hacia la casta militar, que ha sumido a España en un océano de dolor y muerte. Pablo Picasso, 1937. Una vez realizado este pequeño recorrido por los aspectos más generales de la interpretación, debemos ahora adentrarnos en un estadio más. Sirviéndonos de las fotografias de Dora Maar, se puede reproducir el proceso creativo de esta magnifica obra, llegando a interpretaciones muy distintas a la que se puede hacer partiendo del trabajo definitivo. Corroborando la idea que cada uno de los elementos que lo componen no forman un equilibrio complejo e indisoluble, sino que han sido el fruto de numerosos retoques y correcciones, lógicos, por otra parte, dentro de cualquier proceso creativo. Por tanto, no pueden ser analizados como si se tratara de verdades absolutas, ya que ningún elemento que conforma Guernica significa nada extraído del conjunto. Lo primero que nos llama la atención al contrastar el trabajo definitivo con las fotografías tomadas durante el proceso de la obra, es la ubicación espacial de la escena. Guernica, la obra definitiva, se desarrolla en un interior, iluminado principalmente por la luz artificial, pudiendo ser perfectamente una escena nocturna. En origen, la escena era en el exterior, en plena calle, con un hermoso y esférico sol, como ocurrió realmente la tarde del bombardeo. La figura femenina fantasmagórica que parece entrar por una ventana, realmente está saliendo por una ventana de su hogar, candil en mano, una casa en llamas situada al fondo a la derecha. El caballo, o yegua, y el toro, también han experimentado notables transformaciones. La yegua no aparece con esa expresión de dolor, que anteriormente hemos analizando, como si la acabaran de atravesar con una lanza; en un principio, se recogía agonizante sobre si misma, torturada por el dolor, efecto de una herida previa que le estaba consumiendo la vida. El toro, también a sufrido varias modificaciones a lo largo del proceso, la más seria afectó a su ubicación, pues en un principio estaba dispuesto con el cuerpo en la dirección contraria, sobrepasando el extremo de su rabo el candil que aparece en el centro de la composición. Con estas dos figuras han surgido muchos problemas interpretativos. Algunos autores, consideran al toro la alegoría de la muerte, que vuelve la cabeza sin importarle el dolor. Por el contrario, otros textos lo consideran el tótem peninsular, una imagen heroica del pueblo español. En correlación, también se interpreta el caballo como alegoría del bien o del mal, así algunos lo consideran la imagen de la España fascista, que pisotea al guerrero, mientras otros ven en esta figura animal la imagen del dolor y la agonía del indefenso pueblo español. Picasso ha dado la razón a todos, permitió a Jerome Seckler que en su nombre dijera que el caballo representaba al pueblo español y el toro la brutalidad, pero en otra ocasión, sin embargo, ante la pregunta de si el caballo representaba al franquismo, respondió que había que ser ciego, tonto o crítico para no verlo. Las interpretaciones son todas válidas y ninguna realmente verdadera, cada espectador puede sacar sus propias conclusiones. Para nosotros, el caballo es, visiblemente, un ser que sufre, como las mujeres de esta obra, es una consecuencia de la barbarie, del bombardeo, de una masacre en la que murieron personas y animales, es una víctima. El toro sin embargo, posee una lectura algo más compleja. En la composición primitiva, contrarresta el peso de la casa en llamas, es un elemento dentro de la composición muy importante, ya que la equilibra. Posteriormente pierde parte de esta función, aunque sigue siendo importante estructuralmente. Su lectura, pasa por la más simple y evidente, representa a un toro, un animal típico y emblemático de España, un reclamo que servirá a los espectadores del Pabellón Español para situar rápidamente esa masacre en nuestro país. De todos modos, en un cuadro tan meditadamente propagandístico de la situación de España, y que además había sido encargado a Picasso -el artista español más conocido del momento-, tenia que surgir, inevitablemente, por algún sitio este mito ibérico, que por otra parte, tanto iba con la imagen pública que el pintor daba de si mismo. El guerrero es otro de los elementos que ha sufrido mayor número de modificaciones, en un principio se encontraba, sin desmembrar, con los pies en dirección a la izquierda, y con un puño alzado, puño que recogerá posteriormente un manojo de espigas enmarcadas por ese radiante sol, cuya simbología es fácil de discernir, y cuyo espacio posteriormente, ocuparía la cabeza de la yegua, el hecho que apareciera completo, sin descuartizar, desmonta muchas de las teorías que afirman que se trata de una escultura despedazada. Detenemos aquí este análisis descriptivo, para no hacer tan pesada esta lectura, y remitimos, para quien este interesado en profundizar en el estudio de esta obra, a la bibliografía que aportamos al final del documento. Siempre se ha dicho que Guernica es como “un grito en la pared”, un enorme cartel que nos pega un fuerte bofetón. No resulta difícil encontrar, entre el gran número de visitantes del Reina Sofia que se amontonan alrededor de Guernica, a alguno un tanto emocionado mientras contempla esta obra. Gran culpa de este éxito comunicativo se lo debe a que fue creado recurriendo al lenguaje cubista, que era el más radical de los varios modos de expresión utilizados por este artista tan versátil, vivificado por las deformaciones de las poéticas surrealistas. De ningún otro modo, habría podido condensar tanto en tan poco, esa es la magia del arte del siglo XX. No representa tan sólo el bombardeo de Guernica, sobrepasa esas circunstancias, presenta la tragedia de la guerra, el desafortunado devenir del ser humano. La información sobre hechos concretos es prácticamente inexistente, pero la intensidad del horror y la violencia se respiran al primer golpe de vista, es un cuadro muy perturbador, donde todos son víctimas, tanto hombres como animales. Picasso denuncia la primera gran masacre de civiles de la época contemporánea, un triste precedente que tendrá sonoros imitadores, pocos años después, en la Segunda Guerra Mundial, y que llega hasta nuestros días en pleno vigor. Tras la clausura del Pabellón, Guernica se expuso en Noruega e Inglaterra antes de llegar a Nueva York. A fines de 1939, formó parte de la gran exposición Picasso: forty Years of his Art en el MOMA, concretamente desde el 15 de noviembre de 1939 hasta el 7 de enero de 1940. La derrota de la República española, a quien el artista había donado el cuadro, lo mantuvo en préstamo hasta que pudo volver a España, en 1981 [4], certificando el final de la época que lo vio nacer. Notas: [1]: La asociación entre Picasso y la república no es nueva, el gobierno republicano buscó desde el principio de la guerra la colaboración y el apoyo moral del artista español más conocido internacionalmente. Picasso, de hecho, fue nombrado director del Museo del Prado por el Gobierno republicano en septiembre de 1936, aunque nunca llegó a tomar posesión efectiva de este cargo, por el devenir del conflicto. También conviene recordar, que la Guerra Civil española era considerada como una manifestación del belicismo y la agresividad fascista y nacionalsocialista, a los que, por parte de la izquierda intelectual y política, se oponía una ideología pacifista y social. Guernica no era sólo un testimonio del bombardeo, ni siquiera de la Guerra Civil española, era también un alegato contra la guerra, contra la barbarie y todos los desastres que conlleva la sinrazón. Por otra parte, siguiendo con el tema político, indisoluble a esta obra, Picasso es el maestro indiscutible de todo lo que Hitler teme del arte moderno, él es el creador de lo que los nazis llaman “el arte degenerado” (kunstbolchevismus). A modo de anécdota, se cuenta que un día la Gestapo fue a indagar en la casa de Picasso. Durante este registro un oficial nazi, al ver sobre la mesa una foto del Guernica, le preguntó al artista español: “ha sido usted quien ha hecho esto?” “¡No, ustedes!”, respondió Picasso. [2]: Precisamente Dora Maar, una inteligente fotógrafa de izquierdas, a la que le debemos una interesantísima serie de fotografías, que nos permiten seguir minuciosamente el proceso creativo de Guernica, le encontró a Picasso el lugar idóneo para realizar este proyecto, una hermosa casa del siglo XVII en el número 7 de la rue des Grands-Agustins, en pleno corazón de París. [3]: RAMIREZ, Juan Antonio.: Guernica. La Historia y el mito, en proceso. Electa, Madrid, 1999. pp.38-41. [4]: Exactamente el 10 de septiembre de 1981, se instala en el Museo del Prado de Madrid, hasta que en 1992 se traslada definitivamente al Museo de Arte Reina Sofía. Fuente: http://www.homines.com/arte_xx/guernica/index.htm Un análisis en 3d del cuadro. link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=eKVCov-XFXw

El arte como rehén del sistema capitalista. La crisis en la representación de la realidad planteada por Walter Benjamin nos dice que el arte ya no tiene la función de reproducir la realidad, sino de mostrarnos la visión fragmentaria y relativa que un artista tiene de ella. La obra está rodeada de una "aura mágica" por su irreproductibilidad, irónicamente, debido a que la masividad que adquieren las reproducciones de las obras de arte elevan increíblemente el valor monetario de los originales. Entonces los posimpresionistas como Cezzanne, Van Gogh, Picasso, etc. son rescatados como paradigmas del artista que representa su mundo. Paralelamente, el dadaísta Marcel Duchamp instaló una polémica que continúa hasta hoy; para hacer arte contemporáneo, sólo son necesarios dos factores: el artista y la presentación; así, la re-presentación, el resultado del filtro que supone la individualidad del artista, sería otro factor prescindible del modelo "premoderno". El arte después de Duchamp suele ser considerado como postmoderno; se habla de pastiche, del final de las vanguardias, de la muerte de las utopías y del fin de la historia. El arte amplió voluntariamente sus fronteras a lugares insospechados, pero aún no salió del lugar en el que se encuentra cómodo, secuestrado por el sistema capitalista desde su surgimiento: el mercado. Los artistas contemporáneos ponen todo su esfuerzo en impactar con sus obras, llevándolas a cruzar todos los límites posibles, pero siempre dentro del mercado del arte. Cualquier movimiento que se dé fuera del mercado es fagocitado, legitimado y también controlado desde los campos de poder; quizás por eso se haga hincapié en la muerte de las ideologías: para los grupos hegemónicos negar todo tipo de pensamiento opuesto al sistema es una forma de evitar que surjan movimientos revolucionarios. Con algunas excepciones, el arte postdadaísta se abocó a producir vanguardias, intencionadamente, calculadamente. Vanguardias demasiado específicas como para ser consideradas seriamente. La sucesión de movimientos, aunque intrascendentes, llevó a que se decrete el final de las vanguardias y a que, supuestamente, todo pueda ser considerado arte. "Todo lo que está dentro del mercado del arte está legitimado, el resto no existe", suena demasiado parecido al historiador nortemaricano Francis Fukuyama anunciando el "fin de la historia" en 1992 tras la caída de la Unión Soviética a modo de festejo, de triunfo final del sistema capitalista. Pero como advierte Jacques Derrida, "nunca una celebración fue tan oscura, amenazada y amenazadora". Estamos ante un sistema político-económico del que el arte forma parte, un sistema que es consciente de que no le queda mucho tiempo de existencia, aunque se niegue a reconocerlo. La manera que tiene de perpetuarse es negando los valores de la modernidad que pisoteó aunque sin despegarse del "aura" que Benjamin describió, que sigue siendo el sostén del mercado del arte. Gabriel Fara

Un hombre y una mujer ¿Quién ha de ser? Un hombre y una mujer Tirso de Molina Si un hombre y una mujer atraviesan calles que nadie ve sino ellos, calles populares que van a dar al atardecer, al aire, con un fondo de paisaje nuevo y antiguo más parecido a una música que a un paisaje; si un hombre y una mujer hacen salir árboles a su paso, y dejan encendidas las paredes, y hacen volver las caras como atraídas por un toque de trompeta o por un desfile multicolor de saltimbanquis; si cuando un hombre y una mujer atraviesan se detiene la conversación del barrio, se refrenan los sillones sobre la acera, caen los llaveros de las esquinas, las respiraciones fatigadas se hacen suspiros: ¿es que el amor cruza tan pocas veces que verlo es motivo de extrañeza, de sobresalto, de asombro, de nostalgia, como oír hablar un idioma que acaso alguna vez se ha sabido y del que apenas quedan en las bocas murmullos y ruinas de murmullos? Reseña biográfica Poeta cubano nacido en La Habana en 1930. Se licenció en Filosofía y Letras y luego se doctoró en La Sorbona y en la Universidad de Londres. Fue invitado por la Universidad de Yale para ofrecer un curso sobre Literatura hispanoamericana y dictó conferencias sobre Literatura hispanoamericana en las universidades de Praga y Bratislava. Además de haber ocupado algunos cargos políticos, ha dirigido las publicaciones Nueva Revista Cubana 1959-60 y Casa de las Américas desde 1965. Obtuvo el Premio Nacional de Poesía por su libro «Patrias» en 1951, el Premio Latinoamericano de Poesía Rubén Darío, el Premio Internacional de Poesía Nikola Vaptsarov de Bulgaria, el Premio Internacional de Poesía Pérez Bonalde, de Argentina, el Premio de la Crítica Literaria por «Aquí» en 1996 y la Medalla oficial de las Artes y las Letras, otorgada en Francia, en 1998. De su obra poética también merecen destacarse: «Vuelta de la antigua esperanza», «Con las mismas manos», «Buena suerte viviendo» y «Qué veremos arder».

GACELA DEL AMOR IMPREVISTO Nadie comprendía el perfume de la oscura magnolia de tu vientre. Nadie sabía que martirizabas un colibrí de amor entre los dientes. Mil caballitos persas se dormían en la plaza con luna de tu frente, mientras que yo enlazaba cuatro noches tu cintura, enemiga de la nieve. Entre yeso y jazmines, tu mirada era un pálido ramo de simientes. Yo busqué, para darte, por mi pecho las letras de marfil que dicen siempre, siempre, siempre: jardín de mi agonía, tu cuerpo fugitivo para siempre, la sangre de tus venas en mi boca, tu boca ya sin luz para mi muerte. Federico García Lorca

"Mucho" es finalmente el nombre elegido para nuevo disco de Babasónicos que aparecerá entre abril y mayo. Éste mes estará rotando el primer corte de difusión. Reportaje a adrian Dárgelos y Mariano Roger A un mes del fallecimiento de Gabo, ¿cuáles son las sensaciones? Adrián: Nunca pensamos que Gabo se vaya a morir. Nos sorprendió. Nosotros creíamos que se iba a curar. Lo que si intuíamos es que quizás no iba a tocar más, o no iba a salir de gira con nosotros. No lo veíamos como para poder asumir ese nivel de compromiso que tenemos en una gira, esto es, dormir tres horas, levantarte, hacer otro show, viajar permanentemente. Mariano: A un mes de lo que pasó es difícil tener un punto de referencia, de cómo la desaparición de Gabo puede afectar el futuro nuestro. Lo increíble es que vino al estudio todos los días de Diciembre, grabó todo el disco, y estaba bien; inclusive hizo junto a Diego Tuñon un trabajo intermedio de edición que se llama tracking, donde se limpian los tracks y se eligen ciertas tomas. Y después pasó lo que pasó. Hasta un día antes de su muerte estaba trabajando. Excepto algunos coros, algunas voces y arreglos menores, el 80% lo grabamos con Gabo. ¿De qué manera afectó a la banda el tema de la salud de Gabo en el proceso previo de producción del disco? Adrian: Nosotros empezamos a componer el disco a mediados de septiembre, mas o menos. Después vino toda la etapa de ensayos que fue bastante extensa: Septiembre, Octubre y Noviembre. Al principio no teníamos ningún bajista porque Gabo estaba internado y a Carca lo estaban operando. Ensayamos un mes sin bajista y se recuperaron los dos a la vez, mas o menos a mediados de Octubre. Ahí empezamos a trabajar con ellos dos. Tocaba un rato uno, un rato otro. Después de veinte años ensayando con bajista, hacerlo sin bajista fue raro. Pero ni el pesimismo ni la incertidumbre nos vencieron. Mariano: Cuando grabamos hablamos mucho con el y también con Carca de esta situación. El disco iba a armándose a ese ritmo, además de que nosotros componemos en los ensayos. Los primeros demos los grabamos con Gabo y la segunda serie, ya con Carca. Adrián: Hacer un disco en medio de este clima generó una sensación de incertidumbre, no de desazón. Habíamos esperado el máximo a que él se cure, sino hubiésemos grabado el disco en Marzo del año pasado, probablemente. Dejamos pasar seis meses porque suponíamos que en este lapso el se iba a curar, pero eso no sucedió. Hicimos el disco sabiendo que era el momento. Habíamos parado de tocar en Agosto y con mas tiempo a disposición y paciencia, pensábamos que era más fácil hacerlo con este cuadro de vicisitudes. “Anoche” lo fuimos haciendo en medio de giras y shows, pero era otra dinámica, ya que el problema con la enfermedad de Gabo era otro. Fue uno de los procesos más largos el de la concepción de este disco, ¿Por qué? Mariano: El proceso general desde que empezamos hasta que se termine va a ser el mas largo de nuestra historia ya que teníamos tiempo. En total van a ser unos siete meses si es que el disco sale en Mayo. En los anteriores el proceso tardaba menos, tal vez eran cuatro meses. Pero no solo por lo de Gabo sucedió esto, también teníamos más tiempo para dedicarnos a ensayar. Además el año pasado salieron la música de la película Las mantenidas, el DVD Luces. Prácticamente desde mediados del año pasado se lo dedicamos al disco nuevo. Adrián: Realmente lo hicimos con tanto tiempo de margen, porque al no saber el derrotero de la enfermedad de Gabo, y viendo que Carca también se operaba, tuvimos que manejar esos tiempos. Pero mientras ellos estuvieron con sus respectivos asuntos médicos, nosotros seguimos ensayando. Mariano: Lo que pasa también es que el proceso de giras de cada disco es cada vez más extenso. Desde “Jessico” hasta “Anoche”, nuestras giras son más largas. Y esto sumado a la contingencia de la salud de Gabo, hizo que terminemos teniendo un espacio de casi dos años y medio entre la salida de Anoche y el que se viene ahora. Para componer “Anoche” se recluyeron en las sierras de Córdoba, ¿por qué para este la decisión fue concebirlo íntegramente en Buenos Aires? Mariano: La verdad es que siempre tratamos de diferenciarnos en cada proceso para no repetir los patrones. Cada disco tiene una cosa novedosa con respecto a los anteriores. La novedad de este es que ensayamos en Buenos Aires durante mucho tiempo, cosa que no habíamos hecho tanto antes. Además no estábamos en condiciones de llevarnos a ningún bajista y eso también tuvo que ver. ¿Esto se deja ver en el disco?¿ Ejerce influencia de alguna manera? Mariano: No se si influye en la obra final, en como son las canciones, en como es el disco. Sí lo hace en cosas que no se ven en él, en nuestra vida cotidiana. Una cosa es estar 15 días en Córdoba, en el campo, dedicándonos exclusivamente a eso, y otra cosa es ensayar acá en Buenos Aires, donde vas a la sala de ensayo y volvés a tu casa. El estar recluídos hace que te concentres totalmente en la obra, que te enfoques mas en lo que estás haciendo, y capaz que en menos días lográs sacar adelante las cosas. Pero el resultado de la obra creo que es el mismo. Llegamos al mismo lugar por otro camino. Desde el lunes 11 están en la capital de Inglaterra los tres Diegos: Uma, Tuñón y “Panza” Castellanos mezclando lo grabado en Buenos Aires en los estudios Panda y Circo Beat. La semana pasada se sumaron Adrián y Mariano. El lugar elegido para la mezcla es el Dairy, un prestigioso estudio ubicado en Brixton, barrio del sur de Londres. Como ya lo hiciera con Anoche, el encargado de mezclar la nueva obra de la banda es Phil Brown, quién está trabajando junto a Gustavo Iglesias, responsable de grabar a la banda desde Dopádromo. El disco, aun sin nombre, estaría saliendo a mediados del mes de Mayo. Por ahora, tampoco está decidido cuantas canciones de las 18 grabadas en Buenos Aires finalmente se incluirán en él. ¿Cuáles son las expectativas que tienen con el disco? Adrián: Creo que es una bomba. Para mi el disco es buenísimo. No es muy parecido a los discos anteriores. Estoy casi seguro de que es el mejor que hicimos, sumado también a todas estas particularidades ya sabidas que lo hacen único. Calculo que es nuestra obra más despampanante y la vamos a vivir con un humor que tiene que ver con la pérdida que tenemos, y cómo nos planteamos esa perdida ante el mundo nosotros. ¿Se puede adelantar algo? Mariano: La verdad es que hasta que no lo mezclemos no tendremos mucha referencia. El proceso de ensayo y grabación siempre es caótico y no nos brinda muchas perspectivas a nivel global de la obra. Todo lo que venimos pensando sobre tal o cual canción se nos revela en el proceso de mezcla. Sí, por ejemplo, puedo decir que hay formas nuevas de canción, algo que nunca hicimos. De todas maneras, tratamos de no repetirnos, de evitar caminos ya recorridos. Adrián: Musicalmente siento que es más rápido, que tiene un beat más rápido que los anteriores. No hay tantos lentos. Va a ser un disco con muy poco tema lento, a comparación de los últimos. A mi me pone bastante feliz el disco, es bueno como sucesor de los tres anteriores que eran discos con mucho carisma. Había que dar un paso mas. Después de este disco, nos retiramos de este formato porque ya no se puede superar mas. ¿Y las letras, Adrián? Son muy diferentes a las de los discos anteriores. Aparecen otros personajes que son narrados desde una primera persona muy particular, donde los narradores tienen unos poderes mas allá de lo humano. Las letras transmiten cosas muy simples, sentimientos que uno pueda tener, pero a la vez, el personaje que encarnan no puede ser real, tiene mas atributos que lo real. Son más fantásticos. Fuente: http://www.babasonicos.com/