JakeSully1

- WELCOME TO THE MACHINE - Ya seas un un fan de toda la vida de Floyd, un amante del buen rock o alguien que quiere saber un poco mas ...este es tu post , repasa un poco de info o amplia un poco tu cultura general. Si realmente te interesa vas a ver que no es pesado de leer toda la info. - The Wall - No es secreto para nadie que Pink Floyd es una banda de culto.Es una afirmación necia, aunque unamayoría popularice hasta la exasperación Another Brick in The Wall, como si fuera la única canción que hubiera hecho el grupo. Más que un buen rock progre, diálogos perdidos entre las notas o las extravagantes mezclas de sintetizador, las letras compuestas por Roger Waters (sin ignorar las de Barrett y Gilmour) vienen cargadas con mensajes y simbolismos en vez del rock escandaloso y sin sentido como lo fue el glam ochentero. Son canciones salidas de su propia vida, la de sus amigos, conocidos y la realidad su país en hegemónica decadencia que se escuchan en carne viva. Tras más de diez años activos, luego la separación de Barrett por problemas de drogas la creatividad de la banda iba homogenizada por el posesivo Waters. Entonces en 1979 producirían el álbum The Wall, el cual sería interpretado en vivo en una forma muy particular. En 1982 evolucionaría en una película en donde el control creativo sería disputado entre su director Alan Parker, el animador Gerald Scarfe y como no, el propio Waters quien también controló el puesto de compositor y guionista en una película en que la música misma era la historia. Antes de verse en cine, el álbum de Pink Floyd derivó en un espectáculo teatral en sus conciertos, en los cuales destacan (además de la música) las sugestivas imágenes dibujadas por Scarfe que posteriormente se emplearían en la película. Plink Floyd The Wall (1982) se centra en la atormentada vida de Pinky (Bob Geldof), un rockstar aparentemente exitoso el cual no puede huir de los traumas de su pasado. Imágenes intercaladas de una infancia miserable que va entre el sadismo de profesores de escuela, una madre sobre protectora, el miedo que irradiaba la II Guerra Mundial en la que moriría su padre. Pinky crecería tratando de hacer una vida propia, pero fracasa en sus relaciones personales.Sucumbiendo entre su débil éxito por el aislamiento y la locura, con todos los fantasmas que le acarrean. Se cierra en su propio muro del cual no logra salir. El infeliz niño interior continúa deambulando sin rumbo en su pasado y futuro, llegando incluso a encontrarse a sí mismo irreconocible. Tras un sublime solo de guitarra de David Gilmour, Pinky se alza como un demente facista en un desesperado intento de destruir todo. Hay varias referencias interesantes en cuanto a Pinky entorno a la vida de los integrantes de Pink Floyd, en especial a Waters y Barrett. El padre de Waters, Eric Fletcher Waters fue un soldado de infantería que murió en la II Guerra Mundial en territorio italiano. Fue acontecimiento que marcó para siempre al integrante de Pink Floyd, que con las canciones When The Tigers Broke Free y The Fletcher Memorial Home haría un tributo a su padre. Por su lado mucho del cambio por el que pasa el personaje de Geldof es inspirado de la vida de Syd Barrett, quien luego de separarse la banda nos e volvería a saber de él y no volvería a ser el mismo. Muchos otros datos se pueden ver en los documentales Pink Floyd - Behind the Wall y Pink Floyd & Syd Barrett - Legends, que pueden encontrar en Youtube. - Animals - De la discografía de Pink Floyd da para hacer de sobra libros o documentales. Sin tratar de hilar muy fino en el tema vamos a referirnos a un álbum anterior al comentado atrás. Dentro de lo comercial Animals no tendría el mismo efecto que tuvieron Dark Side of the Moon o The Wall. Pero los melómanos de la banda lo ponen en un pedestal bastante alto. El disco en sí es inspirado en el libro Rebelión en la Granja de George Orwell. Una crítica fuerte al socialismo stalinista en el que se vió atrapado la Unión Soviética, luego de la Revolución Rusa. A lo que alude la célebre frase de "todos los animales somos iguales, pero unos más iguales que otros". Una acusación fuerte a las hipócritas y totalitarias políticas de Josef Stalin, algo que igual se vería reflejado en otro libro de Orwell; 1984. En Animals Pink Floyd divide a los humanos entre cerdos, perros y ovejas; los cerdos mantienen el control político,los perros aplican implacablemente las leyes y las ovejas se limitan a vivir explotadas por cerdos y canes. Si hay una película que abarque el pesimista mundo de Animals (sacado de Rebelión en la Granja) es el último trabajo de Alfonso Cuarón: Children of Men (Niños de los Hombres, 2006). La temática del disco trata de una sociedad en la que sus individuos velan por si mismos para salvarse, mientras son perseguidos sin respiro o misericordia entre de apretones de manos a puñaladas por la espalda. Todo un caos mientras que a distancia y en un lugar seguro políticos o moralistas hablan de hipócritas soluciones. La película del mexicano va por ahí, impactando desde el comienzo con el tema de la infertilidad humana y el desequilibrio que ocaciona. Es una distopía orwelliana hecha realidad, en la que las mujeres ya no pueden tener hijos y el gobierno está como un Gran Hermano que vigila todo. A esto surge la resistencia de los Peces, que aún salida del idealismo olvidado llega a tener más bien una tendencia tan violenta y cruel como el autoritarismo al que dicen luchar. El bien y el mal terminar por irse en una cloaca, pues como lo vemos hoy solo se trata de poder y en extender la espiral de violencia. En Children of Men se pueden encontrar notables referencias de Animals y la banda misma, en cuanto a concepto artístico se refiere. Las personas están bien totemizadas por sus animales pinkflonianos. Vemos a Algie bien encuadrado con el dueño del Arca de Artes (Danny Huston), policías secundados por fieros perros e inmigrantes escabuyéndose entre rebaños de ovejas. Y la más curiosa de todas la del policía Syd, en la que un Peter Mullan memorable interpreta a un personaje desquiciado y adicto a las drogas. No es pura coincidencia como lo leí por ahí. Destaca una memorable escena en particular en donde el personaje viaja (al compás de la música de King Crimson)en un lujoso Rolls-Royce por las moralmente devastadas calles de Londres, pasando por puestos de control hasta llegar al Battersea Power Station; embelmático edificio que junto con el cerdo volador Algie sirvieron de portada al disco Animals. La antigua planta de energía aloja en la película todas las piezas de arte sobrevivientes a ese caotico futuro,como el Guernica de Picasso que grita en silencio de fondo a los impasibles personajes de Children of Men. El edificio es el símbolo a un posible futuro caótico por el que Gran Bretaña, vaticinado tanto por Orwell, Waters y muchas otras mentes descorazonadas. No por algo se vuelve a ver en la versión filmica de 1984. - LA BIBLIOGRAFIA ESTA EN T! ES SOLO BUSCARLA - - Roger Waters vs Margaret Tatcher - The Final Cut fue el último disco de la banda antes de la salida Waters de Pink Floyd. Aunque por el arduo trabajo del músico hay quienes se atreven a decir que fue su primer álbum en solitario. Es inspirado bastante en los conflictivos años ochenta, tanto para Inglaterra como para el mundo. El miedo y el cinismo a una guerra nuclear, ocasionado por el armamento desenfrenado de las potencias mundiales encabezadas por Estados Unidos y la Unión Soviética. La Guerra de las Malvinas, la que para Waters es un insulto a la memoria de su padre y que además fue catapulta de simpatía para Margaret Tatcher; que como Primera Ministra comenzaba aplicar politicas impopulares en su país. El disco derivó en un cortometraje, en el cual Waters escenifica cuatro canciones de su trabajo: The Post War Dream,The Final Cut, The Flecther Memorial Home y Not Now John. Posiblemente muy pocos sepan de él, a continuación su versión subtitulada en español. - 1ª Parte - - 2ª Parte - - GRACIAS POR PASAR - FUENTE

La primera vez que escuché el término fue en un capítulo de la serie "The Big Bang Theory", cuando Howard le comenta a Leonard que él ha creado un "nerdvana", a propósito de la construcción de un mundo propio alrededor de los comics. El "nerd", representa al personaje inteligente con lo académico o laboral, pero quien no tiene la suficiente inteligencia emocional o social para triunfar en otras áreas de la vida (social, pareja, familia). Muchas películas y series que se hicieron famosas contaban en sus repartos con algún personaje de este tipo: el que era el hazmerreír de muchos pero que se reivindicaba por sus pocas pero brillantísimas acciones. El término nerd se empezó a usar en los años 1970, inspirado por el filósofo Timothy Charles Paul, que usó la palabra para describir un estereotipo de persona inteligente con reducidas habilidades sociales que suele ser objeto de burla. El concepto del nerd fue explotado en la comedia Revenge of the Nerds (1984), dirigida por Jeff Kanew. En los años 90, el término nerd desarrolló connotaciones positivas dentro de las esferas sociales conectadas con los ordenadores e Internet, entre otros campos. En este contexto, nerd define a personas expertas en cuestiones técnicas que están orgullosas de ello, ya que su condición puede potenciar su éxito en el sector informático, científico, cultural y artístico. Al nerd se le pinta como un joven torpe, tímido y muy sabio que usa anteojos de gruesa montura negra (generalmente del estilo de la década del 60) que necesita usar gafas por haber quedado corto de vista de tanto leer" En los 90´s. La serie de TV "Seinfeld" empezó a romper algunos paradigmas en cuanto a "sitcoms" se refiere y empezó a mostrar otra cara de la sociedad estadounidense poco mostrada en TV. Uno de esos paradigmas es el de los "perdedores" como minoría o como una raza aparte. Programas como "Los Simpsons" también ayudaron a que esto ocurriera. Ya no más familias, grupos o parejas idílicas. La verdad sale a relucir (parecían decirnos): todos, en el fondo, no somos más que perdedores tratando de maquillar lo que somos. En "Seinfeld", los cuatro personajes protagonistas eran -a su manera- consumados perdedores. O, sí se quiere, personas comúnes y corrientes, con vidas normales, sin mayores sobresaltos que los hechos pequeños de la vida cotidiana. Recordamos que el propio Jerry Seinfeld solía decir que el programa era un "show about nothing". De repente, los nerds (o su versión moderna, los geeks), losers, cerebritos, dejaron de ser minoría. Y no sólo fue un asunto numérico. Lo nerd pasó a ser cool y comenzó a explotarse un filón de negocios hasta entonces desconocido. ¿Quién no se impresionó cuando escuchó por primera vez a Susan Boyle con su magistral voz pero con un terrible y desaliñado aspecto en el Britain´s Got Talent? Susan Boyle recorrió el planeta en cuestión de días, gracias a su prodigioso talento y a internet. Hoy es un fenómeno mundial, tanto así, que un día se dió el lujo de cambiarle la agenda al presidente Barack Obama, quien quería escucharla cantar. Basta ver programas como el mencionado "The Big Bang Theory"; o "Glee", para darnos cuenta de que lo cool ahora suena/ huele/ se ve/ parece nerd y es de lo más normal. Ambas series representan el climax de esa tendencia. The Big Bang Theory trata de cuatro jóvenes amigos, todos muy inteligentes, todos con una vida social bastante precaria pero divertida. En algún momento en la serie, plantean como slogan: "smart is the new sexy". Glee es mucho más explícita en su intención de promover el mundo de lo "loser", dentro de una historia llena de casi todos los personajes estereotipos del mundo juvenil. La música (a través de viejos pero remozados temas y la magia del karaoke) es el elemento unificador de la serie, el pegamento que da coherencia y relevancia al mundo de esta nueva raza de "perdedores-ganadores". Es un cambio cultural casi imperceptible pero interesante: un paso más dentro de la apertura y tolerancia hacia las minorías. Pero más allá, es la naturalización de la diferencia. Ya el "nerd" no es más el héroe solitario y atormentado que de repente se vuelve popular, aunque siga siendo extraño. El nuevo héroe sabe muchas cosas, no siempre se viste bien, es tímido y torpe, le cuesta socializar, pero ya no necesita integrarse al mundo, no le interesa... es el mundo que quiere y necesita integrarse a él. Esa es la vuelta de tuerca que se está dando en el imaginario popular. O al menos, es una de las tantas lecturas que puede darse a este fenómeno del entretenimiento masivo. El arquetipo evolucionó hacia allá, conservando sus aspectos esenciales. Quizás, ahora sí se consumó la verdadera Venganza de los Nerds, anunciada tempranamente en los 80´s. - GRACIAS X PASAR - Editado y resumido de la : FUENTE

CYBORGS El término lo crearon Manfred E. Clynes y Nathan S. Kline en 1960 para referirse a un ser humano mejorado que podría sobrevivir en entornos extraterrestres. Llegaron a esa idea después de pensar sobre la necesidad de una relación más íntima entre los humanos y las máquinas en un momento en que empezaba a trazarse la nueva frontera representada por la exploración del espacio. Diseñador de instrumentación fisiológica y de sistemas de procesamiento de datos, Clynes era el director científico del Laboratorio de simulación dinámica de Rockland State Hospital, en Nueva York. ALGUNAS DEFINICIONES: - Cyborg:La palabra cyborg se forma a partir de las palabras inglesas cyber (netics) y organism (organismo cibernético) y se utiliza para designar una criatura medio orgánica y medio mecánica, generalmente con la intención de mejorar las capacidades del organismo utilizando tecnología artificial. - Robot:Un robot es un dispositivo electrónico generalmente mecánico, que desempeña tareas automáticamente, ya sea de acuerdo a supervisión humana directa, a través de un programa predefinido o siguiendo un conjunto de reglas generales, utilizando técnicas de inteligencia artificial. Generalmente estas tareas reemplazan, asemejan o extienden el trabajo humano, como ensamble en líneas de manufactura, manipulación de objetos pesados o peligrosos, trabajo en el espacio, etc. - Androide: Androide es el nombre que se le da a un robot antropomorfo que además de imitar la apariencia humana, imita algunos aspectos de su conducta de manera autónoma. - Inteligencia Artificial: Se define la inteligencia artificial (IA) como aquella inteligencia exhibida por artefactos creados por humanos (es decir, artificiales). A menudo se aplica a las computadoras. El nombre también se usa para referirse al campo de la investigación científica que intenta acercarse a la creación de tales sistemas. Aunque la IA está rodeada de bastante ciencia-ficción, se trata de una rama de la Informática, que trata sobre comportamientos inteligentes, aprendizaje y adaptación en máquinas. - Las leyes de la robótica de Isaac Asimov : - Un robot no debe dañar a un ser humano o, por su inacción, dejar que un ser humano sufra daño. - Un robot debe obedecer las órdenes que le son dadas por un ser humano, excepto si estas órdenes entran en conflicto con la Primera Ley. - Un robot debe proteger su propia existencia, hasta donde esta protección no entre en conflicto con la Primera o la Segunda Ley Los ingenieros David Woods (Universidad Estatal de Ohio) y Robin Murphy (Universidad de Texas A&M) han actualizado las leyes para cubrir las lagunas que las de Asimov tienen, para ello agregaron también la ley cero, la cual dice: Ley Cero: Un robot no puede hacer daño a la Humanidad o, por inacción, permitir que la Humanidad sufra daño. Las nuevas leyes proponen lo siguiente: - Un humano no puede emplear un robot sin conocer las normas legales y profesionales de seguridad y ética robot del sistema de funcionamiento humano-robot (ósea no puedes tener un hijo con un robot, recuerden The Second Renaissance). - Un robot debe responder a los seres humanos de manera apropiada a sus funciones (Ver video). - Un robot debe estar dotado de suficiente autonomía para proteger su propia existencia siempre y cuando no entre en conflicto con las leyes anteriores. David Woods menciona que: La nueva primera ley asume que los seres humanos emplean robots. La segunda supone que los robots tiene una habilidad limitados para comprender las órdenes humanas y al última es la más compleja: “El robot tiene que tener cierta autonomía para actuar y reaccionar en una situación real. Es necesario que tome decisiones para protegerse a sí mismo, así como también transferir el control a los seres humanos cuando sea apropiado” VIDEO DIVERTIDO En el video podemos ver como la viejita que iba a pedirle ayuda al robot para cruzar la calle, luego una chica que a hacer ejercicio quiere adelantar tiempo usando la “hiper velocidad” y un tipo muy pedante que destrata a todo el mundo cae por error en un máquina del tiempo. --- CYBORGS - ROBOTS - ANDROIDES - I.A --- En el cine , en la tv , en los comics, etc... - El hombre nuclear - 1973 - - T.C. Data - 1987 - Star Trek - - Cable - 1990 - Marvel/X-men - - Hall 9000 - 1968 - 2001 odisea del espacio - - Darth Vader - 1977 - - Motoko Kusanagi - 1995 - The ghost in the shell - - Twiki - 1979 - Buck Rogers - - Cyrax,Sektor,Smoke - 1995 - Mortal kombat 3 - - Andrew Martin - 1999 - El hombre del bicentenario - - Terminator - 1984 - - Roy Batty - 1982 - Blade Runner - 7 de 9 - 1995 - Star Trek: Voyager - - Robocop - 1987 - - Sr. Frio - 1959 - - Ash - 1979 - Alien - - Inspector Gadget - 1983 - - Rachael - 1982 - Blade Runner - - Androide Nº18 - 1989 - Dragon Ball Z - - Robotina - 1962 - Los super sonicos - - Maria - 1927 - Metropolis - - Wopr - 1983 - Juegos de guerra - - N.G.Evangelion - 1995 - - Johnny 5 - 1986 - Corto circuito - - R2D2, C3PO - 1977 - - Sonny - 2004 - Yo, robot - - Matrix - 1999 - - Skynet - 1984 - Terminator - - Bishop - 1986 - Aliens - - Gort - 1951 - El dia que la tierra se detuvo - - T. X - 2003 - Terminator 3 - - General Grievous - 2005 - Star wars episodio 3 - - Astroboy - 1952 - - Robby - 1956 - Planeta Prohibido - - T.1000 - 1991 - Terminator 2 - - Abc Robot - 1995 - Judge Dredd - - Annalee Call - 1997 - Alien 4 - - Lost in space - 1965 - - Lost in space - 1998 - - Bender - 1999 - Futurama - Quedaron algunos personajes afuera pero creo que estan los mas conocidos. Las fechas que figuran con el nombre del personaje pueden no ser las postas en algunos casos. GRACIAS POR PASAR Fuente 1 Fuente 2 Fuente 3 [/font]

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La Segunda Guerra Mundial fue el escenario en el que se probaron nuevas armas como la bomba atómica o los primeros cazas a reacción; pero además la propaganda jugó también un papel clave en todos los bandos enfrentados en la contienda. La propaganda fue un catalizador para captar reclutas, financiación y para cimentar el desprecio al enemigo, un esfuerzo que, aunque poco conocido, en el bando Aliado fue desempeñado por el Pato Donald, los Looney Tunes, Popeye o Superman. Los que hayan visto la película "Captain America: First Avenger" recordarán las escenas en las que Steve Rogers, o mejor dicho, el Capitán América forma parte de un espectáculo musical propagandístico que tiene como objetivo incentivar la compra de bonos de guerra entre la población estadounidense (algo que también quedó retratado en la película Flags of Our Fathers de Clint Eastwood). Durante cualquier período bélico, la propaganda siempre ha sido un arma importante que, bien utilizada, puede servir para conseguir apoyos entre la población, incentivar el alistamiento u obtener financiación económica. Durante la Segunda Guerra Mundial, la propaganda fue utilizada de manera masiva por la Alemania de Hitler, por la Unión Soviética y por los Aliados cada uno con sus propios resultados pero con un objetivo común: ganarse a la opinión pública. La propaganda fue más allá de los "formatos oficiales" y la tradicional cartelería o los discursos abrieron paso a todo tipo de formatos y, por ejemplo, en el bando de los Aliados tanto el cómic como los dibujos animados también se utilizaron con fines propagandísticos. Hoy en día sería complicado asociar el nombre de Walt Disney al de la Segunda Guerra Mundial puesto que, a primera vista, nos parecería mezclar agua y aceite. Sin embargo, de la factoría Disney salieron un buen número de cortos de animación que parodiaban el régimen Nazi, pedían la compra de bonos de guerra o intentaban generar miedo y animadversión hacia Alemania. Disney no fue la única en colaborar con este tipo de propaganda y, por ejemplo, la Warner Bros. también puso a trabajar a los Looney Tunes al servicio del esfuerzo Aliado e, incluso, Superman también dedicó sus esfuerzos a luchar contra los Japoneses durante la Segunda Guerra Mundial. Education For Death retrata el régimen nazi y cómo éste convierte y moldea a las juventudes para hacerlos unos fanáticos del régimen Los tres cerditos con el estallido de la guerra, Disney decidió retomar este clásico cuento para revisarlo en 1941, el famoso lobo feroz terminó militando en las filas nazis y aparece con un brazalete con una esvástica. De hecho, el lobo espeta unos gritos que, en cierta medida, recuerdan mucho a los discursos propagandísticos de Hitler Der Fuehrer's Face tenía como objetivo mostrar la represión y el adoctrinamiento del régimen nazi, el Pato Donald como protagonista de "un sueño" en el que vivía bajo el yugo del régimen nazi y estaba esclavizado en una de sus líneas de producción de armamento. Afortunadamente para el personaje, todo resulta ser un mal sueño. El Pato Lucas fue uno de los personajes que se convirtió en un comando que se infiltraba tras las líneas enemigas y en Daffy The Commando, ataviado con un caso similar al de las tropas británicas, el protagonista de la historia siembra el caos en un fortín alemán. Bugs Bunny también estuvo inmerso en las tareas de propaganda durante la Segunda Guerra Mundial y en un cortometraje encargado por el Departamento del Tesoro de Estados Unidos solicitó a los estadounidenses que comprasen bonos de guerra. En Nips the Nips, Bugs Bunny acaba en una isla del Pacífico que está repleta de japoneses bastante belicosos a los que se enfrentará y, como no, acabará venciendo y expulsando de la isla, una historia muy curiosa que refleja la tarea de Estados Unidos en el frente del Pacífico: En Japoteurs (1942), Superman se enfrenta a una red de espías japoneses que intentan secuestrar un bombardero de Estados Unidos con el objetivo de llevarlo a Japón para su estudio y, quizás, copiarlo o mejorarlo. Los bombarderos se convirtieron en una pieza clave de las fuerzas armadas de Estados Unidos y, por tanto, no podían caer manos enemigas... afortunadamente Superman salvó la situación Además de usar a Superman, Paramount Pictures también utilizó a otro "personaje estrella" dentro de las películas de propaganda y Popeye, por ejemplo, también participaría en la Segunda Guerra Mundial dirigiendo un convoy que llevaba suministros a Gran Bretaña a través de las rutas del Atlántico que eran vigiladas por los submarinos de Alemania. Un curioso episodio que se tituló Spinach Fer Britain: Hoy en día la propaganda sigue existiendo y podemos encontrar ejemplos en películas de cine (que intentan fomentar el alistamiento en el ejército) o películas de animación que intentan adoctrinar a la población. Quizás el contexto y la situación geopolítica haya cambiado desde la Segunda Guerra Mundial hasta nuestros días pero la propaganda sigue siendo un arma que se sigue utilizando.

A camino entre la ciencia ficción y el género fantástico aunque siempre dentro de la comedia, Ghostbusters pertenece a ese pequeño conjunto de películas como los Goonies, ET, Back to the Future o Stand By Me que se guardaran para siempre en nuestra cabeza. A diferencia del cine que se suele hacer hoy, tildado bajo la etiqueta de "comercial", en la década de los 80 surgió como en ninguna otra la comedia fantástica. Lo que hoy es un concepto descarado en el que tanto actores como guión parecen prefabricados en comedias infantiles, hace más de dos décadas conformaban un estilo de hacer cine que encandiló a jóvenes y adultos. Ghostbusters es sin duda una de ellas. Desde la actuación brutal de Murray o Weaver hasta el maravilloso clásico que nos dejó Ray Parker como canción principal, todo en la película respira ese aire de imaginación que se vivía en esa época. Y es que el humor, la música o el guión de esta película logró que el filme pasara de un simple entretenimiento para los más pequeños a un clásico y referente del género. Los efectos especiales, tan importantes para una obra así, a día de hoy están algo desfasados, pero incluso eso la hace especial al volver a verla. Ghostbusters se estrenó en 1984. Hace casi tres décadas desde que Ivan Reitman filmara una obra que con el tiempo se ha convertido en parte de la cultura popular de nuestros tiempos y sus personajes en iconos En 2009 Herve Attia realizo este gran video con más de 10 minutos de las localizaciones por donde pasaron los personajes: ¿Cómo sería Ghostbusters realizada en 1954? Un par de años luego de la película saldria esta serie animada que si bien se llama "Ghostbusters" no tendria nada que ver con la pelicula ni sus personajes. Dicha serie llegaria a ser vista en el rio de la plata en su momento. Como contra partida al poco tiempo saldria otra serie animada titulada para que quedara bien en claro de que cazafantasmas se trataba con en titulo : " Los verdaderos Cazafantasmas". En este caso si esta vinculada a la pelicula y a su mundo. Muy buena vale la pena agregar, bueno al menos asi la recuerdo. Trailer de los Ghostbusters pero al estilo Inception (*) Para que nos hagamos una idea de las dudas que surgieron en producción a la hora de escoger a estos "parapsicólogos" tres nombres. El papel de Peter Venkman fue escrito originalmente para John Belushi, el de Louis Tully para John Candy y el de Winston para Eddie Murphy. (*) De hecho, la glotonería de Pegajoso es un homenaje al gran Belushi. (*) Leyendas del rodaje dicen que el famoso fantasma verde que capturan en el hotel fue apodado por el equipo de rodaje como "Oniohead". El motivo, el olor que desprendía tan fuerte (*) En el 2008 Sony Picture cedió la licencia a PNY, compañía de memorias USB, para comercializar la película en un pendrive de 2 GB. El precio, 29 libras (sólo se comercializó en el Reino Unido). (*) El coche del equipo, el ECTO-1, podríamos situarlo casi en la misma lista de iconos que el Delorian. Se trataba realmente de un Cadillac Miller-Meteor, un modelo limusina/ambulancia. El equipo de producción retocó este modelo que data de 1959 y le añadió el inconfundible logo. No sólo eso, en el 2007 se puso a subasta en eBay el modelo de la película que estaba en poder de Universal Studios. Su precio de salida, 45.000 dólares. (*) El logo del fantasma, es uno de los más reconocidos en el mundo, junto con el logo de Coca-Cola o Superman. (*) La película tuvo tanto éxito que se hicieron cientos de productos derivados de la misma. Además de la secuela que se rodó con los mismos protagonistas en 1989 aunque no tuvo el mismo exito de taquilla. Entre las razones muchos alegan que la mas importante fue su pesimo guion. Tambien hubieron videojuegos, juegos de rol, de mesa, figuras de acción, cómics o incluso una novela (*) El muñequito de los marshmallows en un principio iba a salir del agua, justo al lado de la estatua de la libertad, para mostrar su tamaño. Pero la escena fue muy difícil de rodar y se desechó. (*) - Abril , 2013 - Dan Aykroyd ha sido el que más ha influido para que se haga "Ghostbusters 3". A pesar de algunos problemas con el guion, que el estudio no estaba muy interesado y que Bill Murray no quiere volver a interpretar su papel, Aykroyd sigue siendo muy optimista en cuanto a la realización de la película. "Me siento re-alentado y re-invigorado tras leer algunas páginas del guion", ha dicho recientemente. "Esperamos que la mitad del guion esté listo muy pronto. La película estará en preproducción en otoño y comenzará a rodarse el año que viene". Aykroyd continuó diciendo que el guion está basado en varias teorías científicas que "abren otra dimensión dejando que algo horrible entre". Y añade: "Estoy más animado que nunca. Ya parece real. Tenemos a un nuevo y avispado escritor, Ivan Reitman está a bordo, Harold Ramis está a bordo, yo estoy a bordo. Y si le puedo echar la red a Billy Murray y traerlo también, sería genial, si decide unirse"

Hablar de Back to the Future se podría hacer eterno. Seguramente y al igual que a muchos de vosotros, forma una parte muy especial de mi vida. Quizá se trató de la primera película que me hizo realmente soñar y comenzar a imaginarme cómo sería eso de volver al pasado o adelantarme y llegar al futuro antes que nadie De la misma forma, hay tantas anécdotas, tantas escenas y tantos momentos que dejó la obra de Robert Zemeckis que me voy a centrar en un sólo elemento, quizá el elemento clave, el famoso y espectacular coche con el que viajar en el tiempo: el DeLorean, para más señas el modelo DMC-12, cuya réplica forma parte de la historia del cine. Hace dos año se cumplió el 25 aniversario del primer viaje en el tiempo a través del De Lorean. Una trilogía épica para muchos de nosotros que comenzaba con una primera parte cuya sinopsis decía así: El adolescente Marty McFly es amigo de Doc, un científico al que todos toman por loco. Cuando Doc crea una máquina para viajar en el tiempo, un error fortuito hace que Marty llegue a 1955, año en el que sus futuros padres aún no se habían conocido. Después de impedir su primer encuentro, deberá conseguir que se conozcan y se casen; de lo contrario, su existencia no sería posible. Esa máquina de viajar en el tiempo, aún hoy cuando la veo, sigue siendo para un servidor un objeto de deseo, no sé si es por devoción al filme o si realmente el auto me hubiese gustado fuera de la película, pero más de una vez he intentado averiguar cómo y por cuánto dinero podría conseguir una réplica del mismo, una herramienta perfecta para viajar en el tiempo, y el tiempo, justamente, nos ha dejado mil y una anécdotas de esta maravillosa cinta: * En la vida real, el nombre, en contra de como se suele escribir, va separado (De Lorean). Así lo atestiguan los documentos de De Lorean Motor Company y la misma chapa del parachoques. * Su fabricación tuvo lugar entre 1981 y 1982 por la fábrica De Lorean Motor Company. El modelo DMC-12 fue el único coche que fabricaron y se caracterizaba por sus puertas traseras en ala y su carrocería metálica. Tras dos años fabricándose, la compañía cerró al declararse en quiebra tras el arresto de John DeLorean por tráfico de drogas. * Se calcula que en esos dos años se construyeron alrededor de 8.500 modelos, este hecho y la propia trilogía, convirtieron a este coche deportivo en un objeto de culto, tanto para los coleccionistas como para los fans de la película, alcanzando actualmente cifras astronómicas si lo comparamos al precio de su lanzamiento en la década de los 80 (alrededor de 12.000 dólares). * En un principio, los primero borradores de la película situaban a la máquina del tiempo como una nevera y a la coca-cola como elemento que hacía posible los viajes. Finalmente se modificó al carecer de movilidad y por el peligro que podría llevar a los niños a meterse en las neveras para viajar en el tiempo. * Los mismos borradores cambiaron en el último momento la matrícula, de NOTIME a OUTATIME. * Durante la película se utilizaron hasta siete réplicas del DMC-12. * El año pasado se subastó una réplica exacta del Delorean de la película propiedad de Bob Gale, productor de la película, a través de la casa Profiles valorado en 80.000 y 100.000 dólares. * Existe una página oficial para construirte tu propio DeLorean a medida (sin condensador de fluzo, claro). * En un bosque de Estados Unidos un DeLorean abandonado. Este fue el estado en el que estaba: * El 26 de octubre del 2010, a la 1:05 AM se cumplieron 25 años del primer viaje temporal. El perro de Doc, Einstein, fue el viajero. * El condensador de fluzo del DeLorean DMC-12 no es más que un error de traducción al traducir al doblaje español desde su versión original flux capacitor, confundiéndolo por condensador de flujo. * Cómo no, detrás de la película ha existido toda una campaña de merchandising. Fotos, muñecos, réplicas en miniatura… cualquiera cosa se convertía en objeto de culto. Como muestra, hace relativamente poco tiempo el Delorean se convirtió en un fantástico disco duro de 500GB. * El DeLorean se “multiplica” en el mismo espacio temporal. En el año 1955 hay hasta 4 (el que lleva a Marty hasta 1985, el que está escondido en la mina desde 1885, el que lleva a Doc y a Marty al 1985 alternativo y el que lleva a Biff de vuelta de 2015). * Un error de traducción (o eso parece) de Bob Gale y Robert Zemeckis en la escritura de los diálogos acaba con una traducción de lo más “curiosa”. Para que el DeLorean viaje en el tiempo necesita producir una descarga de 1 “jigowatt”. A lo largo de todos estos años han sido muchas las apariciones que ha tenido el coche y las míticas escenas de la película. Desde los Simpsons hasta un bar de Chicago, estos han sido algunos de los lugares donde se nos mostraba el DeLorean en todo su esplendor: Hace dos años con motivo del 25 aniversario de la primera parte de la trilogía se realizo un video que emulaba al realizado en los 80, con una réplica exacta con Michael J. Fox 25 años después. El siguiente video los compara a pantalla partida. El mitico auto está siendo completamente restaurado con Bob Gale como director principal del proyecto. Su futuro: pasará a formar parte como pieza de museo en los estudios de Universal. El vídeo ha sido lanzado hace unas horas en la página de Facebook creada para los fans. En él podemos ver cómo se avanza en el proceso de restauración de uno de los coches utilizados en el clásico de los 80. Un equipo dirigido por Bab Gale, quien produjo y co-escribió la trilogía. Se trata de una restauración completa, pieza por pieza desmontada y restaurada en su lugar de origen, incluso la mítica matrícula y el condensador de flujo de 1.21 gigawatt. Cada una de las partes está siendo limpiada, catalogada y en algunos casos reparada a su estado original. Además, se le instalará un sistema basado en Arduino para segurarse de que las funciones del Delorean funcionen correctamente. Una restauración épica cuyo final será una exposición permanente en un pabellón de los estudios de Universal. - Gracias por pasar y no se olviden de votar -

Desde hace tiempo muchos de nosotros sabemos que la trilogía dirigida por los hermanos Wachowski tiene muchos "parecidos" con distintas peliculas que salieron antes de la matrix original. Pero hasta hace poco no conocia la informacion que voy a compartir ahora la cual me lleva a cuestionar un poco mas el merito real que tuvieron los hermanos a la hora de sacar su trilogía, al menos desde sus origenes y posterior guion. No la aplanadora que fueron sus efectos y accion. No me mal interpreten, la primera me gusto mucho, las secuelas mal o bien entretienen y nada de lo que pueda leer va hacer cambiar eso pero si pretendo que muchos mas conozcan las raices de este fenomeno de taquilla que ataco a finales de los 90´s. Los casos mas conocidos y reconocidos de donde se tomaron cosas "prestadas" son de las películas "Dark City" y "The Ghost in the shell". Tambien estan las constantes aluciones al libro "Alica en el pais de las maravillas" donde los personajes se ajustan a la perfeccion a los de la pelicula. Por otro lado existe la clara semejanza entre Matrix con la "alegoria de la caverna" de Platon. Mas info en la imagen. Pero el ejemplo central que quiero compartir con uds es el caso que al menos para mi era desconocido hasta hace poco. Hablo del comic "Los ivisibles" el cual fue abiertamente plagiado en beneficio de de Neo y cia. Pero vamos a las pruebas para afirmar todo esto. - OBVIAMENTE HAY SPOILERS - - ¿ La conversacion con el oraculo en reloaded ? - - Los agentes - - ¿ La vision del elegido ? - - ¿La conexion a matrix? - - Me suena al final de revolutions - - Detalles de como funciona la matrix - - La prueba del salto - - ¿ Despertando ? - - El elegido - - Bienvenido al mundo real , Neo - - Dando ideas - - Siempre la eleccion - - PARECIDOS - * El aspecto de King Mob y Morfeo es más que parecido excepto por el color de piel. * La aparición de un mesías, el elegido que puede hacer que las cosas cambien. * El elegido puede sanar solamente con la imposición de sus manos. * El elegido quiere aprender artes marciales. * La escena del interrogatrio de Morfeo. * La prueba en la instrucción de salto de Neo de edificio a edificio, aunque en este caso es un salto de fe hacia el vacío. * El concepto de que existe una realidad por encima de la evidente donde no todo es lo que parece, donde la gente es controlada por fuerzas que se escapan a su alcance. * Los invisibles pueden "viajar" a través del espacio dejando sus cuerpos en un estado de coma. * Los protagonistas, una vez que consiguen despertar de la realidad, tras un largo entrenamiento, obtienen cierto tipo de poderes. * Los enemigos pueden poseer el cuerpo de cualquier mortal. - DIFERENCIAS - * La trama no gira alrededor de Neo, donde en el cómic es un pre-adolescente rubio punk londinense. * Los invisibles son un grupo de rebeldes que luchan contra el sistema pero no es una ciudad oculta bajo tierra en el mundo real. * El enfoque de cómic es principalmente psicodélico, vandálico, humorístico, mientras que en la película es oscuro, seudofilosófico, serio y lleno de escenas de artes marciales. * Los agentes no van entrajados, sino incluso en algunos casos van con el traje de un equipo de hípica. * Los enemigos no se sabe muy bien que son, si aliénigenas, demonios o seres de otra dimensión. * Al avanzar la historia se le da cierta importancia al viaje en el tiempo. Agradecimiento especial para @elsacrilegicosacristan y @CALI_DOSO que colaboraron en este post.

Si tuviésemos la capacidad de volver atrás en el tiempo seguramente muchos coincidiríamos en subsanar antiguos errores de nuestra vida. Desgraciadamente la teoría es imposible a día de hoy, y es quizá por esta razón por lo que la película que hoy tratamos sea una obra de culto universal. Recordando el mito de Sísifo y la filosofía del absurdo y basado en el libro The Gay Science de Nietzsche, en 1993 se escribió un guión mágico bajo una simple premisa: ¿qué haríamos si todos los días fueran el mismo día? Ese año el director Harold Ramis estrenaba en los cines Groundhog Day. Con un Bill Murray espectacular en el papel de meteorólogo frustrado y pesimista, el filme es una de esas obras que uno acaba recordando toda su vida. Posiblemente porque mientras vemos al personaje de Phil nos podemos imaginar a cada uno de nosotros en la misma situación. ¿Qué haríamos? ¿cómo actuaríamos ante la repetición del tiempo? Sus errores o aciertos durante el metraje son parte de nuestra condición humana, reflejo de lo que el ser humano podría o no hacer en esas circunstancias. Phil elige todas las opciones que uno pueda plantearse: desde el suicidio hasta el intento de enamorar a otra persona o incluso vivir al límite… y lo hace con el trabajo brillante del actor y un guión sumamente cuidado. - MINI GALERIA - - CURIOSIDADES - Una película que podemos volver a ver una y mil veces sin perder un ápice de frescura. Ramis estrenaría la obra en 1993, hace 19 años, y con ella perduraría en el tiempo una obra atemporal (y tanto) que se sitúa como una de las mejores comedias de todos los tiempos. Una cinta brutal cuya sinopsis comenzaba así… Phil, el hombre del tiempo de una cadena de televisión, es enviado un año más a Punxsutawney, a cubrir la información del festival del Día de la Marmota. En el viaje de regreso, Phil y su equipo se ven sorprendidos por una tormenta que les obliga a regresar a la pequeña ciudad. A la mañana siguiente, al despertarse, comprueba atónito que comienza otra vez el Día de la Marmota… * La película ha tenido un gran reconocimiento en el tiempo llegando a ser considerada por Premiere como una de las 50 mejores comedias de todos los tiempos. * La marmota de la película llegó a morder a Murray hasta dos veces durante el rodaje. * En el guión preliminar, Phil asesinaba a la marmota. Finalmente se desechó la idea. * La película se filmó en Woodstock (Illinois) y para el recuerdo quedará una placa que dice "Bill Murray caminó aquí" en el lugar donde el actor pisaba un charco cada día. * En cambio, los interiores de la habitación de Murray se filmaron en un almacén vacío en Cary (Illinois). * Antes de darle el papel a Murray, Ramis pensó en John Travolta, Steve Martin y Chevy Chase. * Junto a estos actores,el que estaba mejor colocado era Tom Hanks aunque el director luego diría que era "demasiado bueno". * El director comenzaría a trabajar en la idea del filme después de leer Entrevista con el vampiro, a su juicio: "una inspiración que me hizo plantearme lo que sería vivir para siempre". La otra fuente de "inspiración" sería el libro de Nietzsche The Gay Science. * El restaurante Clocks es ahora un Starbucks. * Ramis ha explicado que la idea original de la cinta era vivir el 2 de febrero por unos 10.000 años. Finalmente cree que Phil vivió el mismo día 10 años. * Tanto Ramis como Murray han sido mariscales de honor en la celebración del Dïa de la Marmota en Punxsatawney. * El poema francés que recita Phil en el restaurante alemán se basaba en las letras de Jacques Brel en Bachelor´s Dance. * ¿Qué pasaría si juntamos todas las escenas del encuentro con Ned?... - ESTO ES TODO , SALUDOS -

- INTRODUCCION - No resulta fácil presentar una película sobre viajes en el tiempo y el apocalipsis de la humanidad sin sugerir confusos argumentos o paradojas, pero si ésta se dota de la simplicidad y coherencia que Terry Gilliam supo aplicar, todo se convierte en un concepto mucho más cómodo y atractivo. Las obras de Terry Gilliam suelen parecer confusas como Brazil o paranoicas como Panico y locura en las Vegas, pero algo raro sucede aquí, pese a tener todos los ingredientes para un combinado explosivo, consigue de forma inteligente mostrar una historia consistente y robusta. El guionista David Peoples se adjudicaba una vez más otro rotundo éxito, teniendo en su haber los guiones de Blade Runner y Unforgiven entre otras. Menudo currículum, seguro que a éste no le ponen mala cara en las entrevistas de trabajo. Inspirado en el extraño corto “La jetée” de Chris Marker su meritorio texto cargado de inteligencia hace lo que pocos se toman en serio que es no tomar al público por imbécil. - " LA JETEE " SUBTITULADA - - DE QUE VA LA PELICULA - La película nos descubría un futuro distópico marcado por comunidades que vivían bajo tierra asoladas por una epidemia mortal. Una sinopsis que daba pie a la construcción de un viaje al pasado para reconstruir el futuro. Un papel principal que recayó en Bruce Willis dándole uno de los mejores trabajos de su carrera. Junto a Willis cabe destacar el brillante papel de Brad Pitt como enfermo mental (que a su vez le valió la nominación al óscar). Un viaje surrealista por la lucidez y la locura, los sueños y la realidad, a través del personaje de James Cole. A todos nos resulta lejano un hipotético cataclismo que prácticamente elimine a los humanos de la faz de la tierra, pero no tanto si ese apocalipsis pudiese provocarlo el hombre y digamos de manera intencionada. Ahí radica parte del éxito, todo sucede en la actualidad, proyectando nuestros miedos e inseguridades maquilladas en los noticiarios para hacernos ver que los causantes no serían ni invasores extraterrestres ni desastres naturales, sino ese fanático amargado o esos lobbys sin escrúpulos que sólo piensan en el dinero y el poder. Gilliam nos ofrece una película hipnótica, una fábula futurista que por momentos pareciera un ensayo a la locura a través de los viajes en el tiempo. * Antes que Willis se pensó en Nick Nolte para el papel de James Cole y en Jeff Bridges para el de Goines. * Además, junto a La Jetée existen claras referencias a Hitchcock e incluso un guiño a El Detective Cantante de Dennis Potter (en la escena donde Cole despierta en una camilla donde los científicos del futuro cantan en coro). * La cinta costó 29,5 millones de dólares y recaudó 168,4 millones de dólares. * Las escenas del manicomio se rodaron en la Penitenciaría de Filadelfia. * El director utilizó la misma estética de Brazil (1985) empleando lentes de Fresnel. * En la escena en la que Cole y Railly se están disfrazando en el cine están emitiendo un ciclo de Hitchcock (Vértigo y Los Pájaros). * El Ejército de los Doce Monos está inspirado en un pasaje de la novela de L. Frank Baum, The Magic of Oz. * Tras ser estrenada, Brad Pitt diría que no quedó satisfecho con su actuación. Creía que al personaje de Goines le faltó ser más siniestro. * Gilliam tenía miedo de que Pitt no fuera capaz de sacar el discurso nervioso y rápido que requería su personaje. Acabó enviándole un entrenador de voz. * El revolver que tiene Cole al final de la película es un Cavalry Model, el mismo utilizado por los confederados en la Guerra Civil Americana. * Todas las imágenes que se ven haciendo experimentos con animales son de la película La Amenaza de Andrómeda, de Robert Wise (1971). * Fue nominada a dos Oscars, mejor actor de reparto y vestuario. * Willis dijo que esta fue la segunda película en la que decidió participar nada más leer el guión. La primera fue "Pulp Fiction". - ESTO ES TODO, SALUDOS -