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EL SER PORTEÑO Criticados, envidiados y hasta odiados, pero jamás desapercibidos, los porteños algo tienen que tener para despertar tantos sentimientos encontrados. ¿Qué significa ser habitante de la Ciudad? Ser porteño es estar maldito. Cualquiera que haya nacido bajo las nubes de smog, que haya aprendido a contar enumerando edificios, que se alarme cuando no suena aunque sea un bocinazo durante todo el día, sabrá de lo que aquí se habla. Buenos Aires es el hábitat de cada porteño, y como tal, moldea el ritmo y la forma de ser. Define el lenguaje, los modos, los tiempos, la cadencia, la personalidad. Y en una Ciudad cosmopolita, creada a partir de inmigrantes y culturas diversas, casi antagónicas, el cóctel resultante sólo puede ser explosivo y muy particular. "El origen de la denominación "porteño" para los habitantes de la ciudad de Buenos Aires se relaciona con el puerto, que estaba ubicado en ese territorio, por donde todas las mercancías del interior del país tenían que pasar para ser exportadas. La urbe, que en un principio no repartía las ganancias de la aduana, era por ello mismo rica en recursos y su población elitista y gustosa del estilo de vida de otros centros cosmopolitas como Nueva York y Francia" explica académicamente Julieta, una estudiante de Ciencias de la comunicación social de la UBA, con 24 años de porteña, residente del barrio de San Cristobal. Lo porteño, lo del puerto, lo que viene de los barcos, es sin duda lo que conforma el temperamento tan diferente y particular de los habitantes de la Ciudad. Cada porteño está conformado por un gran mosaico de inmigrantes, barcos y distancias, que hace a su personalidad y que es diferente incluso del resto del país. Esto lleva muchas veces a que el porteño sea condenado por sus propios compatriotas. Ser porteño no es fácil, esa es la verdad. El espíritu de la gente de Buenos Aires viene cargado del ánimo extranjero, de sentirse ajeno a esta tierra, de desarraigo y de una pesada nostalgia. Los años conformaron un espíritu porteño fuerte, resistente, combativo, y a la vez triste y melancólico. Eso lleva a la extraña contradicción de poder estar contentos dentro de la tristeza. "Ser porteño es vivir en constantes contradicciones" afirma Melina, una joven periodista de Caballito. "Es una eterna relación de amor odio con la Ciudad, con su gente, con sus espacios. Es detestar el tránsito en hora pico o subirse a un medio de transporte público en pleno verano, pero extrañarlo cuando no se está en Buenos Aires, porque esas son algunas de las pequeñas delicias que hacen a la vida citadina". El ying y el yang es un símbolo constante en la vida dentro de Buenos Aires. Melina agrega: "sin dudas uno de los grandes placeres de ser porteño es salir un domingo a la tarde y encontrar alguna actividad para hacer, sentarse en una mesa en la vereda a merendar o en una plaza a disfrutar de un buen libro al aire libre, sin que nadie te moleste, porque ser porteño es también un poco estar cada uno en su planeta". La autoalienación también es propia de las personas de Capital Federal, que muy rara vez pierden tiempo en charlas con desconocidos en plena vereda, como sucede en otras ciudades grandes como Rosario o Córdoba. El porteño siempre se cree único, por lo que le cuesta bajarse de su ego e interactuar con los demás. "Un porteño, por sobre todo, se identifica en la diversidad, porque a pesar de que digan que somos todos iguales, lo cierto es que cada porteño es un mundo. Y por qué no, sentirse un poco halagado cuando alguien de afuera te dice "no parecés porteña, con vos se puede hablar" coemnta Melina y concluye al decir: "nací en Buenos Aires y aquí pasé toda mi vida, no sé cómo sería no ser porteña, pero, estoy segura, que si me dieran a elegir, me quedo con esta identidad". El porteño logra descubrirse a sí mismo cuando abandona su tan amada (y odiada) Ciudad. Es ahí cuando su nostalgia se potencia y comienza a enaltecerla, por el sólo hecho de extrañarla, llegando a un chauvinismo megalómano que resulta difícil de digerir para cualquiera. Mirella se define como "muy porteña, pero de esas a las que le gusta la vida de ciudad, el quilombo del centro, la variedad de actividades culturales, educativas y recreativas, el ritmo cotidiano más agitado, tener todo al alcance". Por razones de la vida, actualmente reside en el sur del país y el cambio se tolera, pero se siente. "Estoy viviendo en el sur hace unos meses y creía que no me iban a integrar tan fácil siendo porteña, pero afortunadamente tuve una aceptación muy buena, será que no tengo el perfil de porteña desagradable, engreída. Una de las mayores ventajas donde vivo ahora es, sin duda, la facilidad de trasladarse de un lado a otro, el tráfico no existe (a diferencia de la tortura que es en la Ciudad) y cualquier lugar te queda a pocos minutos de distancia. También las posibilidades de trabajo y desarrollo personal son mejores en el sur. La desventaja es la falta de lugares para hacer cursos, oferta gastronómica, bares, teatro, cine, esas cosas que en Buenos Aires abundan y que realmente se extrañan". ¿Qué es lo mejor que tiene Buenos Aires? Mirta Bondar, otra habitante citadina, no duda: "el espíritu barrial que todavía conservan algunas zonas de la Ciudad. Recuerdo que cuando era chica vivía en Flores y me la pasaba en la calle. Creo que si bien hoy en día esa situación ha cambiado, un poco por temores, otro poco porque los barrios se fueron "comercializando", en muchos -los menos céntricos- continúa esa tradición de que los chicos salgan a jugar a la vereda, de los más grandes sentados en la puerta de las casa a tomando mate y charlando con los vecinos". Sin embargo, la nostalgia siempre presente en el ADN de la Ciudad vuelve a atacar cuando Mirta dice "hay cosas que se fueron perdiendo y lo lamento. Los almacenes tradicionales son algo de lo que más extraño, aunque supongo que en la actualidad, al lado de un supermercado, el clásico comercio nos parece obsoleto". La autocrítica también tiene lugar en el relato de Mirta: "lo que menos me gusta de los porteños es el poco cuidado por lo nuestro, el desprecio por los espacios comunes, la destrucción porque sí. Imagino que el día en que aprendamos a querer lo que nos pertenece vamos a vivir en una ciudad mejor". Pero la autocrítica no sirve sino se atiende a la crítica externa. Andrea, una joven de Chilecito, provincia de La Rioja, comenta sus impresiones como provinciana en la gran ciudad. "Siempre consideré a los porteños como creídos, agrandados. La mayoría tiene en su cabeza que por ser de la Ciudad y tener Shopping, cine, edificios, el obelisco, y demás cosas, son mejores que los de las provincias". La honestidad brutal de la muchacha continúa, implacable. Ahora es el turno de juzgar a los ciudadanos de Buenos Aires cuando visitan otras regiones del país. "Siempre que los porteños tienen la oportunidad de ir a una provincia, empieza la comparación malsana: acá hay un solo boliche, una sola pizzería. En Buenos Aires hay como doscientas, aparte de delivery, cientos de boliches, bares, Mc Donalds, el Parque de la Costa". ¿Cómo la pasa, entonces, una persona del interior en la Ciudad, rodeada de porteños en su salsa? "Las ventajas que veo es que hay muchos más lugares para salir, más opciones, más ofertas laborales. Las diversas universidades, que te permiten poder elegir qué estudiar, con diversas ofertas" detalla Andrea, pero agrega de inmediato "por el otro lado, está la inseguridad, la locura de la gente, la falta de solidaridad, el lío en el tránsito, las distancias y la poca amabilidad de la gente". Entonces, en definitiva, ¿qué es ser porteño? Nadie lo sabe a ciencia cierta, ni podrá saberlo nunca. Lo porteño se siente, se lleva adentro. Es un don innato o un cáncer congénito e irremediable, según cómo quiera mirarse. Sea como sea, es un estado y una forma de vida única. ¿Cómo dice? ¿le parece una afirmación exagerada y ególatra? Usted disculpe, está escrita por un porteño. FUENTE

De Floggers a Rochos: la involución de las especies Los floggers no desaparecieron, solo mutaron en una nueva tribu urbana: los Rochos. Más cercanos al look marginal que al glamoroso, combinan lo cheto y lo cumbiero. La tribu urbana de los floggers se caracterizó por su evidente fugacidad. Era claro que esos peinados, esas ropas de colores chillones y esos enormes anteojos pasarían de moda más temprano que tarde, en especial si se tiene en cuenta la rapidez con la que los adolescentes se aburren de todo. ¿Y qué fue de ellos? ¿Se convirtieron en jóvenes normales, en laburantes o universitarios, en "personas de bien", como diría la abuela? Algunos. Muchos otros optaron por "cambiarse de bando" y adoptar la estética y modismos de la tribu urbana de las clases bajas: los cumbieros. Así fue como los floggers se cortaron sus melenas y flequillos y adoptaron ese corte "casquito" engominado que popularizó el intérprete de cumbia villera conocido como El Polaco. También guardaron en el fondo del placard sus coloridas vestimentas y se enfundaron en equipos Adidas de la selección argentina, gorras con visera, zapatillas Nike con resortes y detalles en plateado y plagaron su cara con piercings fosforescentes. Un look radicalmente distinto, aunque no menos desagradable. Finalmente, adoptaron el nombre de "Rochos", es decir, Choros, al revés. Este intento de acercarse a las clases populares los llevó también a adoptar e intentar utilizar lenguajes y códigos que no les pertenecen. Dejaron de decir "ahre" cada dos palabras y lo reemplazaron por el "eh, guachín", además de comenzar a utilizar términos como "gato", "amigo", "llantas" (para referirse a las zapatillas), "piola" y demás palabras propias de la jerga cumbiera. En cuanto a la música, obviamente incorporaron la cumbia villera de grupos como El Polaco, Nestor en bloque, McCaco y La Champion Liga (ninguno de estos nombres es broma, así se llaman en realidad) a su tan amada música tecno, ritmos que hacen sonar a todo volumen desde sus celulares, obligando a los transeúntes a escucharlos de prepo. Lamentablemente, la actitud frívola propia de los floggers fue reemplazada por la insolencia prepotente y agresiva típica de los cumbieros, perfilando un comportamiento algo más violento. En resumidas cuentas, los Rochos son jóvenes de acomodada posición que intentan, por pura moda, emular la vida y apariencia de los cumbieros, lo cual incluye los modos violentos y delictivos generalmente usuales de estos grupos. Sin dudas, un cambio de varios pasos para atrás para jóvenes que hace unos años, sólo se dedicaban a peinarse y bailar. FUENTE

Buenas, taringueros. Comparto con ustedes una nota que escribí acerca de los 30 años de la casi-guerra con Chile, debido a la disputa por las islas del canal Beagle. La nota fue publicada en un diario digital, abajo está la fuente. LA GUERRA FANTASMA DEL BEAGLE Los recuerdos de lo que nunca pasó son los más difíciles de olvidar. Bastó con que la sombra de la guerra cubriera perversamente a Chile y Argentina, enfrentados por la soberanía de las islas Picton, Nueva y Lenox, ubicadas al sur del canal Beagle, para que el temor cobrara tal fuerza, que aún hoy, treinta años después, todavía se recuerda el miedo y los lamentos a cuenta de lo que hubiese sido un enfrentamiento de proporciones demasiado altas. El conflicto bélico fue una respuesta que no llegó a concretarse ante una discusión que ambos países mantuvieron durante 115 años. Si bien en 1881 se firmó el Tratado de Límites entre Chile y Argentina, los desacuerdos cartográficos continuaron. Para 1970, ambos países aceptaron someter el desacuerdo al arbitraje del Reino Unido. Siete años después, la Reina Isabel II dio a conocer el Laudo arbitral, declarando las islas en disputa pertenecientes a Chile. Los nacionalistas argentinos, representados por la Junta Militar encabezada por el presidente de facto Jorge Rafael Videla, nulificaron este dictamen y comenzaron una inquietante movilización militar bajo el nombre de Operación Soberanía, que pretendía lograr por la fuerza lo que no pudieron lograr con la diplomacia. ¿Qué sentido tenía llegar a un conflicto armado por unos pedazos de tierra desiertos sin mayor relevancia, recursos o posición? Las respuestas se superponen, pero del lado argentino era innegable la intención de propaganda y legitimación pretendida por el gobierno dictatorial. Todos los desplazamientos militares y los ejercicios de oscurecimiento llevados a cabo por el ejército argentino fueron ostentosamente visibles, para inflar el patriotismo (y en cierta medida, el temor) de la población. Un recurso que volverían a utilizar poco tiempo después cuando intentaron recuperar las Islas Malvinas, con los nefastos resultados por todos conocidos. En Chile la situación fue diferente. A pesar de estar también bajo una dictadura militar, comandada por el general Augusto Pinochet, el gobierno puso paños fríos todo el tiempo y realizó los desplazamientos de noche para no alarmar a la gente. “El conflicto por el Beagle se dio cuando las diferencias entre el Ejército y la Armada se acentuaban a causa de que el jefe de la Armada, el almirante Emilio Massera, comenzó a elaborar un proyecto político propio. Quería ser Presidente y las otras fuerzas no estaban de acuerdo” explica Camilo Alves, destacado periodista quien cubrió desde el sur argentino la acción del gobierno militar, incluyendo la guerra de Malvinas. “Yo trabajaba en un diario patagónico, “La Opinión Austral”, de Río Gallegos. En pleno conflicto el diario levantó una información del periódico chileno “La Prensa Austral” de Punta Arenas, que anticipaba la posibilidad de una solución pacífica al conflicto. El jefe de la Brigada que había sido creada poco antes en Río Gallegos, llamó al director del diario y le recriminó que al levantar esa noticia, si no se lograba la paz, se esperanzaba a la gente con algo que luego le bajaría la moral y, en el caso de alcanzar la vía pacífica, el pueblo pensaría que el dato les llegó desde Chile y que fueron ellos quienes la consiguieron”. La primera víctima de la guerra es la verdad. Un cúmulo de contradicciones, realidades ficcionalizadas, mentiras dichas a medias, marchas y contramarchas, delirios chauvinistas y batallas de egos en el centro del poder. Es difícil imaginar una peor situación para iniciar un conflicto armado de estas magnitudes. Lo que es claro es que, al movilizar las tropas, en lo último que pensaron los altos mandos fue en la seguridad de la población civil. Alves relata lo siguiente:“En una charla con un grupo de periodistas, un comodoro a cargo de una base aérea en la Patagonia nos contó que la idea que tenían ellos sobre un eventual conflicto armado con Chile era que los chilenos tomarían Tierra del Fuego porque tenían superioridad naval, que las batallas por tierra serían muchas y cruentas a lo largo de la frontera y que, finalmente, la Fuerza Aérea la resolvería a favor de la Argentina. En ningún momento se habló de la población civil. Cuando me animé a preguntarle por ese aspecto, me respondió que la Patagonia podía soportar por largo tiempo el conflicto porque había ovejas suficientes para alimentar a la población. De los otros aspectos que tienen que ver con la guerra, como la infraestructura sanitaria y las otras eventuales consecuencias para los civiles, no habló y nadie se atrevió a preguntarle, aunque quedó claro que, como había ocurrido hasta entonces y se comprobó trágicamente años después durante la guerra de las Malvinas, la seguridad de la población civil no fue parte de sus hipótesis de conflicto”. A pesar del patriotismo que se quería imponer en la población mediante estas bravatas militares, lo cierto es que ambos pueblos no sólo no estaban de acuerdo con iniciar el conflicto armado sino que tenían un sentimiento de fraternal respaldo. En la Patagonia, a pesar de que el concepto de patria está mucho más arraigado que en otros puntos del país, la buena vecindad y convivencia entre chilenos y argentinos es parte de su realidad. El clima y las limitaciones de la región obligaron a chilenos y argentinos a solidarizarse a ambos lados de la frontera. Son muchos los casos de parturientas chilenas que tuvieron sus hijos en la Argentina, o viceversa, por el simple hecho de que en la zona donde vivían, el hospital del país vecino estaba en mejores condiciones de atenderla que el propio. Aún así, la guerra estuvo al borde de suceder. La flota marina argentina ya estaba en marcha en formación hacia el sur. Sólo cuatro horas antes del momento cero, el Papa Juan Pablo II envía un mensaje diciendo que ha aceptado actuar como mediador y que ambos países retiren las tropas inmediatamente. Mas tarde llegaría su emisario, el Cardenal Samoré y todo el conflicto se zanjaría definitivamente en 1984 con la firma del tratado de paz y amistad que dejó finalmente las islas en posesión de Chile pero que daba a Argentina acceso a aguas al sur. El nuevo presidente argentino tras el retorno a la democracia, Raúl Alfonsín, se propuso terminar con los conflictos con todos los países limítrofes, pero se enfrentaba a la oposición peronista en el Congreso. Alfonsín recurrió a la opinión pública y llamó a un plebiscito, en la que la aceptación de la mediación papal fue abrumadora, quedando demostrado una vez más que ninguno de los dos pueblos en ningún momento deseó iniciar una guerra. Aunque los legisladores no estaban obligados a someterse al resultado de la consulta, debido a su masiva aceptación, aprobaron el tratado de paz. Podría decirse que ambas naciones fueron vencedoras, ya que la única guerra que se gana es la que se evita. Pero el temor inducido a ambos lados de la cordillera permanecerá fijo en la memoria colectiva, tal vez para bien, ya que siempre nos recordará lo cerca que estuvimos de caer en un fratricidio masivo. FUENTE

10 cosas que no sabías (ni te interesaban) sobre la cinta scotch. 1- La cinta Scotch se llama así porque en la década del ‘30 el adjetivo “scotch” (escocés) se utilizaba peyorativamente como sinónimo de tacaño, por la fama de avaros que tenían los inmigrantes de Escocia en Estados Unidos. 2- Durante el primer año de su lanzamiento, en 1930, las ventas de cinta Scotch sólo alcanzaron los 33 dólares pero sus fabricantes no se desanimaron y buscaron nuevas estrategias para comercializarla. 3- La cinta Scotch fue pensada originalmente para distribuir en bancos y bibliotecas que necesitaban remendar billetes y libros. Al ver que la mayoría de los empleados la utilizaba con otros fines como encuadernar, fijar carteles o hacer manualidades, decidieron que podría venderse al público masivo. 4- Durante la Gran Depresión, la cinta Scotch se utilizó para prolongar la vida útil de los artículos del hogar y la empresa que la fabricaba logró ser una de las más rentables de Estados Unidos a pesar de la crisis. 5- Durante la Segunda Guerra Mundial, toda la producción de cinta adhesiva se orientó a la guerra y se utilizó para sellar y etiquetar suministros bélicos para los soldados. 6- Tras conocer la cinta adhesiva al llegar a los Estados Unidos, el pintor Mondrian utilizó la cinta-papel como guía para sus pinturas, como por ejemplo en Victory Boogie Woogie. Gracias a este uso, en 2008 un estudio pudo reconstruir las diferentes etapas en las que fue pintada la obra, gracias a los restos de cinta encontrados en su superficie. 7- Si no fuera por el éxito de la cinta Scotch, nunca se hubieran inventado la cinta de video o el casette, que fueron creadas con la misma lógica de enrollado y por la misma empresa (3M). 8- En 1978, el programa de televisión Saturday Night Live bromeó con la popularidad de la cinta Scotch y realizó una parodia sobre una tienda que vendía solamente cinta Scotch. 9- En el año 2004, la cinta Scotch fue nombrada “Obra Maestra Humilde” por el MoMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York) 10- Hoy en día se comercializan en el mundo 900 variedades de cinta Scotch y más de 6 mil millones de kilómetros de cinta Scotch, lo suficiente para rodear la Tierra 165 veces.

EL CONDE INMORTAL El Conde de Saint Germain es uno de los personajes más fascinantes de la historia universal. Oscar Wilde debe haberse inspirado en él para definir a su célebre Dorian Gray, ya que este misterioso noble se mueve por los hilos de la historia de manera tan constante como misteriosa. Descrito como cortesano, aventurero, inventor, alquimista, pianista, violinista y compositor aficionado, aunque mejor conocido como una figura recurrente en varias historias de temática ocultista. Algunos señalan que en realidad su sobrenombre en francés proviene del sobrenombre en latín que él mismo adoptó: Sanctus Germanus, que significa "Santo Hermano". Nadie sabe a ciencia cierta cuándo y dónde nació, aunque algunos dicen que nació el 26 de mayo de 1696 en un castillo de los Montes Cárpatos, hijo del último rey de Transilvania, Ferenz II Rakoczy, y de su primera esposa, Teleky. Se anunció oficialmente su muerte el 27 de febrero de 1784 en Silesia, Prusia, aunque se dijo que luego fue avistado en 1789 en Francia. Es así como este aristócrata tuvo muchas muertes, muchos misterios y pocas certezas. Algunos, incluso, consideran que todavía sigue vivo. Hacia finales del año 1745, Londres fue asaltada por la «fiebre de los espías». Fue el año en que el joven pretendiente, príncipe Carlos Eduardo Estuardo, desencadenó su rebelión de los jacobitas en un intento de recuperar el trono británico para su padre. A pesar de que la causa jacobita había sido derrotada, se temía que los conspiradores jacobitas y sus simpatizantes franceses pudiesen estar ocultándose en Londres. Uno de los sospechosos fue arrestado en noviembre y acusado de estar en posesión de cartas que apoyaban a los Estuardo. Muy indignado, sostuvo que aquella correspondencia le había sido «endosada» y, sorprendentemente, se le creyó y fue liberado. Comentando el caso en una carta dirigida a sir Horace Mann, Horace Walpole escribió: «El otro día detuvieron a un hombre extraño que se hace llamar conde de Saint-Germain. Ha estado aquí estos dos años, pero no dice a nadie quién es ni de dónde viene. Admite sin embargo que éste no es su verdadero nombre. Canta y toca el violín magníficamente, está loco y no es muy sensato». El comentario de Walpole es despiadado pero describe con gran acierto a uno de los personajes más extraños de la alta sociedad del siglo XVIII. Por su parte, el conde Warnstedt lo tildó de «charlatán, loco, atolondrado, pretencioso y timador», y su último mecenas, el príncipe Carlos de Hesse-Cassel, consideraba «quizás uno de los más importantes sabios que haya existido jamás». El primero de los escasos datos históricos acerca del conde de Saint-Germain se remonta aproximadamente a 1740; un elegante hombre de unos 30 años comenzó a frecuentar los ambientes vieneses de moda. Su vestimenta llamó la atención en aquella época de moda colorista y fantasiosa, puesto que normalmente vestía de negro, con la única excepción de vaporosos cuellos y puños de lino blanco. La sobriedad de su vestimenta, sin embargo, contrastaba notablemente con el brillo de los diamantes que llevaba en los dedos, en la faltriquera del reloj, en la cajita de rapé y en la hebilla de los zapatos. Según informaciones posteriores, también llevaba puñados de diamantes sueltos en los bolsillos en lugar de dinero. Se desconocía el origen de su fortuna, su nacionalidad y si tenía esposa e hijos. Era un hombre muy educado, elegante y noble. Hablaba a la perfección francés, inglés, italiano, chino, árabe y sánscrito. También tenía vastos conocimientos sobre política, artes, ciencias, poesía, medicina, química, música y pintura. No permanecía mucho tiempo en un lugar y viajaba constantemente por toda Europa, cuando se cansaba iba al Tíbet, África o Turquía. Su aspecto era de permanente y radiante juventud. Además era ambidiestro. En Viena conoció al mariscal francés de Belle Isle, que había resultado seriamente herido durante una campaña en Alemania y estaba muy enfermo. No se sabe cuál era la naturaleza de su enfermedad, pero según el mariscal fue el conde de Saint-Germain quien le curó. Como agradecimiento se lo llevó a Francia poniendo a su disposición unos apartamentos y un laboratorio bien equipado. Los hechos fundamentales de la vida del conde después de su llegada a París sí son bien conocidos, pero son los detalles que ignoramos los que confieren a su vida un misterio permanente. La leyenda empieza poco después de la llegada del conde a París. Según las memorias del pseudónimo «Condesa de B...», tituladas Chroniques de l'oeil de boeuf, una noche el conde acudió a una fiesta organizada por la anciana condesa Von Georgy, cuyo difunto marido había sido embajador en Venecia por los años 1670. Al oír que anunciaban al conde, la condesa dijo que recordaba el nombre de cuando ella estuvo en Venecia. ¿Acaso el padre del conde estuvo allí por aquella época? No, contestó el conde, él mismo había estado allí, y se acordaba muy bien de la condesa: una hermosa y joven muchacha. Imposible, replicó la condesa. El hombre que ella conoció entonces tenía por lo menos 45 años, aproximadamente la misma edad que el conde tenía en aquel momento. «Madame», dijo el conde sonriendo, «yo soy muy viejo». «Pero entonces usted debe tener casi 100 años», exclamó la condesa. «No es del todo imposible», replicó el conde, exponiendo algunos detalles que convencieron a la condesa, la cual exclamó: «Me ha convencido. Es usted un hombre sumamente extraordinario, un demonio». «¡Por el amor de Dios!», exclamó el conde con voz de trueno. «¡No pronuncie estos nombres!» Le sobrevino un temblor o calambre por todos los miembros del cuerpo, y abandonó la sala inmediatamente. Muchas historias parecidas circularon (y fueron creídas) en los ambientes de moda franceses durante los primeros años en que el conde fue famoso. Afirmaba, por ejemplo, que había conocido íntimamente a la Sagrada Familia, que había asistido a las fiestas de las bodas de Caná, y que «siempre supo que Cristo tendría un mal final». Sintió particular admiración por Ana, madre de la Virgen María, y había propuesto personalmente su canonización en el primer Concilio de Nicea en el año 325. En París el conde fascinó muy pronto al aburrido Luis XV y a su favorita, Madame de Pompadour. Quizás nunca se sepa la verdad acerca de sus dos años de estancia en Inglaterra antes de su arresto en 1745, pero es muy posible que se le hubiese confiado una misión secreta. A su regreso a Francia realizó para el rey varias gestiones políticas delicadas. En 1760 el rey Luis envió al conde de Saint-Germain a La Haya como representante personal, con la misión de negociar un préstamo con Austria para ayudar a financiar la Guerra de los Siete Años contra Inglaterra. Mientras estaba en Holanda el conde se enfrentó con su antiguo amigo Casanova, también embajador en La Haya, quien se esforzó, sin éxito, por desacreditarle en público. Sin embargo Saint-Germain se ganó también un enemigo más poderoso. El duque de Choiseul, ministro de Asuntos Exteriores del rey Luis, descubrió que el conde había hecho sondeos con la intención de firmar la paz entre Inglaterra y Francia. El conde tuvo que escapar, primero a Inglaterra y luego a Holanda. Durante dos o tres años vivió en Holanda bajo el nombre de conde de Surmont, dedicándose a recoger dinero para construir laboratorios en los que fabricaba pinturas y colorantes, tratando además de perfeccionar las técnicas de la alquimia, «el ennoblecimiento de los metales». Al parecer tuvo éxito, puesto que desapareció de Holanda con 100.000 florines aunque sólo para reaparecer en Bélgica, esta vez haciéndose llamar marqués de Montserrat. Allí, en Tournai, puso en marcha otro laboratorio antes de desaparecer de nuevo. Después de su exilio de Francia, el conde de Saint-Germain fue a la corte de Catalina la Grande de Rusia, donde pronto conquistó una buena posición como diplomático, adoptando el título de «general Welldone». En este punto podría haberse establecido en Rusia y llevar una vida honorable y provechosa, pero después de la derrota de los turcos en Chesmé (1770) decidió partir. Hacia el final de su carrera pretendía ser un francmasón de alta graduación. En 1774, apareció en Nuremberg, intentando obtener fondos de Carlos Alejandro, margrave de Brandenburgo, para instalar otro laboratorio. Esta vez pretendió ser el príncipe Rákóczy, miembro de una familia de tres hermanos de Transilvania. Al principio el margrave estaba impresionado, especialmente cuando el conde Orlov visitó Nuremberg con ocasión de una visita de estado y abrazó al «príncipe» efusivamente. Sin embargo, al hacer comprobaciones, el margrave descubrió la identidad de Saint-Germain. El conde no intentó nunca desmentir la acusación, pero consideró prudente emigrar, cosa que hizo en 1776. Aunque el duque de Choiseul afirmaba que Saint-Germain había trabajado como agente doble para Federico el Grande, una carta de Saint-Germain a éste pidiéndole su mecenazgo no obtuvo respuesta. Sin perder los ánimos, el conde se trasladó a Leipzig, presentándose ante el príncipe Federico Augusto de Brunswick como francmasón de cuarto grado. Esta acción fue muy arriesgada, puesto que Federico Augusto era Gran Maestre de las Logias Masónicas Prusianas, pero al conde de Saint-Germain pocos podían comparársele como embustero y embaucador: por regla general sus historias de fondo soportaban un escrutinio detallado. Esta vez, sin embargo, no consiguió su propósito. El príncipe declaró que no era un masón, a lo que el conde replicó sin mucha vehemencia que sí lo era, pero que había olvidado todos los signos secretos (acá se puso boludo, el conde). En 1779, el conde de Saint-Germain fue a la última residencia que se le conoció, en Eckenförde (Schleswig), Alemania. Ya era un hombre viejo (probablemente de sesenta y tantos años), aunque como es natural pretendía ser mucho más viejo. Parte de su encanto superficial había desaparecido, y al principio no logró impresionar mucho al príncipe Carlos de Hesse-Cassel, pero muy pronto éste quedó cautivado, al igual que sus predecesores. Por esta época Saint-Germain, que según todos los indicios se había mostrado muy insolente respecto a la Iglesia Católica, tenía ideas marcadamente místicas. Al príncipe Carlos le dijo lo siguiente: «Sé la antorcha del mundo. Si tu luz es únicamente la de un planeta, no serás nada a la vista de Dios. Reservo para ti un esplendor para el que la gloria del Sol es una sombra. Guiarás el camino de las estrellas, y los que gobiernen los Imperios deberán ser guiados por ti». Documentos de París muestran que el conde de Saint-Germain murió el 27 de febrero de 1784 en la residencia del príncipe Carlos, en Eckenförde. Fue enterrado allí, y su último mecenas le erigió un monumento funerario con la inscripción: «Aquel que se hacía llamar conde de Saint-Germain y Welldone, y del que no hay otras informaciones, ha sido enterrado en esta iglesia». ¿Estaba muerto de verdad el conde? Hay pruebas de que se apareció a un cierto número de personas durante los años comprendidos entre 1784 y 1820; algunos ocultistas creen que todavía está vivo. El misterio ha sobrevivido y se ha hecho más profundo durante los dos siglos transcurridos desde su supuesta muerte. Algunas hazañas del misterioso conde: * Fue uno de los principales incentivadores del movimiento de los rosacruces. Incluso hay quien afirma que es el propio Christian Rosenkreuz. * Se ha llegado a asegurar que fue el filósofo y científico inglés Francis Bacon y que participó en las investigaciones de genios como Leonardo da Vinci o Galileo Galilei. * Cedió los mapas secretos a Colón que le facilitaron la navegación y el posterior descubrimiento de América. * Inspiró a Adam Weishaupt en la creación de los Iluminados de Baviera y siguió de cerca sus movimientos al introducirse en la Masonería. * Saint Germain habría participado en la independencia de las colonias inglesas de América propiciando la fundación de Estados Unidos y los paises latinoamericanos. Fuentes:

Hacete el fino y educado, vos que sos una bestia Primera parte: Empilcharse bien ¡Amigo Taringuero! Es bien sabido que la mayoría de los entes que pululan por este sitio distan de tener un gran conocimiento de cómo manejarse en circunstancias sociales, sobre todo cuando se requiere un cierto nivel de formalidad. Esta gente, por vaya a saber uno que designios del destino, acude a reuniones sofisticadas y queda como el cuatro de copas al exclamar “WTF!” cuando ve llegar a la horrible suegra del anfitrión, dice “Fail” a las carcajadas cuando alguien vuelca su copa de vino o ante cualquier chascarrillo de los comensales tuerce la boca, mira hacia ambos lados y grita “EEEEEEEEEEEEEEEEEHHHHHHH!!!!!”. ¡Pero no todo está perdido! Con esta guía vas a evitar el ridículo y lograrás ascender en la escala social. Satisfacción garantizada o te devuelvo tu ordinariez. En esta oportunidad, nos enfocaremos en lo previo a salir: arreglarse y vestirse. Cortarse el pelo: Si sos de los que todavía se hace la raya al costado con el peine como te enseñó tu mamá en tercer grado, es hora de actualizarte. Un buen corte de pelo siempre te favorece. No tengas vergüenza de ir a la peluquería y ojear el catálogo o caer con una foto de un corte que te guste de algún actor o músico. Es más fácil que tratar de explicarle al peluquero cómo querés que te corte y terminar con cualquier cosa en la zabiola. Obviamente, tenés que estar atento a tu tipo de cabello. Si tenés rulos o bucles no intentes un corte de pelo lacio y viceversa. “¡Pero Taringa es metalera y yo tengo el pelo largo!”. Ok, no hace falta que pierdas tu adorada melena, pero asegurate de que el largo no sobrepase los hombros. Peinándote para atrás, con gel y el pelo atado, podés ser elegante y melenudo al mismo tiempo. Negocio redondo. Si se te está cayendo el pelo, la solución es muy simple: asumilo y rapate. No vas a engañar a nadie haciéndote flequillos sospechosos o esa raya al costado que sale desde la oreja. Con esos malabares vas a quedar ridículo, con la bocha afeitada no. El aburrido corte raya al costado. Una buena opción para los que tienen rulos (la cara de bala no está incluída) El pelo largo permitido El dolape rapado y con onda Afeitarse: Así como las minas mejoran (o disimulan) su cara con maquillaje, vos podés hacer lo mismo con tu vello facial. Si tenés una cara redonda y gordita, una barba de bordes prolijos le dará un efecto adelgazante. Eso sí, olvidate de los bigotes y las patillas. No importa que seas fan de Frank Zappa, los 70 ya se fueron y no queda bien andar por ahí con un look Village People. La barba candado o la chivita son alternativas seguras, siempre y cuando te tomes el trabajo de mantenerlas cortas y prolijas. Siempre conviene afeitarse después de ducharse, porque los poros están abiertos. Candado clásico y corto Chivita Vestirse: Muy bien, ya estás limpito y acicalado. Ahora a vestirse. “Má, alcanzame los jeans y la remera de Ac/Dc o de Boca”. ¡NO! Ya estás grande y no vas a un recital o a la cancha todo el tiempo. Es importante vestirse de acuerdo a la edad y la situación. No hay nada más trágico que un tipo de 40 años vestido como un skater o un reggaetonero. Seguramente vos no tenés tantos años, pero es bueno darte cuenta que hay cosas que ya no queda bien usar. Un error común y muy grande es pensar que vestir elegante es calzarse un traje. Eso no queda bien en todos los ámbitos, al igual que el jean y la remera de fútbol o rockera. Para hacerla fácil, acá va una lista de lo que no hay que usar jamás, en ninguna circunstancia: Buzos con nombres de Universidades extranjeras a las que nunca fuiste (ni vas a ir) Chalecos de colores Pulóver con motivos navideños Cualquier tipo de prenda “nevada” Corbata con camisa de manga corta (“¡Pero así le hace Godinez!”, diría Homero Simpson. Ya saben la respuesta a esa exclamación) Zapatos con medias de toalla Minishorts Jeans pinzados o con botamanga Ropa sin planchar Sombreros de Cowboy (sí, me vas a decir que nadie usa eso, pero yo en una sola noche vi tres. Así que ya sabés) Vos no sos Bono, así que olvidate de usar algo así. ¡Ni a un modelo le queda bien este pulover! Después hay otros detalles que la mayoría desconoce, pero que llaman la atención. Por ejemplo, tus zapatos y tu cinturón deben hacer juego (lo más seguro es usar negro con negro) y no hay que ponerse cualquier zapato o cualquier cinturón. El cinto con tachas o de correa que usas con tus amados jeans o bermudas camufladas no sirve para un pantalón de vestir. Un cinto común te va a servir siempre. Respecto al reloj (sí, todavía se usa el reloj. No mires la hora en el celular), uno de malla metálica es lo mejor, ya que queda bien con cualquier ropa. Los relojes deportivos se usan sólo en ocasiones deportivas. Lo mismo va para las billeteras. Sacar esa cosa fluorescente que compraste en el subte de tu fino pantalón a la hora de pagar es un bochorno. Una de cuero marrón oscuro o negra es perfecta. Si no te querés romper el bocho, acá va una lista de cosas que siempre tenés que tener en el placard para salvarte de cualquier situación: Tres remeras negras y tres remeras blancas lisas, sin estampados. Dos pares de jeans diferentes Un pantalón de corderoy negro o marrón oscuro. Un traje oscuro Un saco corto, de cuero o gamuza. ¡Ojo! Un saco, no una campera Dos pulóveres de escote redondo Dos pares de pantalones de vestir oscuros, rectos y sin pinzas. Tres camisas de vestir de un solo color (una de ellas blanca) Dos pares de zapatos negros y clásicos. Quedan bien con pantalones y jeans. No tienen que llamar la atención, pero, por sobre todo, deben ser cómodos. No te fijes en que sean caros o baratos, sino cómodos. Las zapatillas están permitidas en ámbitos informales, pero cuidado, no usés las que llevás al gimnasio. Esas costosas Nike con resortes y colores plateados sirven sólo para entrenar o si sos un delincuente de poca monta. Para situaciones no deportivas, un lindo par de zapatillas de gamuza de Puma, Adidas, o Diesel son geniales. Una cosa más. El saco del ambo que se usa en la oficina no se puede usar con un jean en ocasiones más informales. Para eso están los sacos de corderoy, pana o gamuza. Zapatos clásicos y negros que te salvan siempre Zapatillas elegantes "¡Eh, amego! Altas llantas". Éstas sólo en el gimnasio, por favor Los colores de la ropa: un detalle que varios pasan por alto es que no a todo el mundo le queda bien cualquier color en su vestimenta. La piel es el factor fundamental a la hora de elegir la coloración de una prenda, más allá de que los colores hablan sutilmente. Lo más seguro es ir a los tonos neutros y oscuros. Los colores chillones, estridentes y desagradables son para gente chillona, estridente y desagradable. Para que te sea más fácil, acá va una pequeña lista de colores y lo que transmiten: Rojo: Fuerte y apasionado. Por eso, siempre es bueno usar algo rojo en una situación romántica. Pero nada de aparecer como el Chapulín Colorado. Usá rojos oscuros y opacos y de manera moderada. En reuniones profesionales o de negocios, una corbata roja transmite audacia y confianza. Azul: Tranquilo y amigable. El azul oscuro indica convicción y el claro, simpatía. Si querés hacer sociales, ponete algo azul. Verde: el verde brillante o muy claro no le queda bien a nadie, pero el oscuro es una buena alternativa al azul. Una buena opción para situaciones informales. Amarillo: queda horripilante en la mayoría de los hombres. No, no es alegre ni divertido, es horrible. No uses nada amarillo, por favor. Violeta:Está bueno, pero en pequeñas dosis. Es agradable en corbatas o camisas (nunca en corbatas Y camisas), pero demasiado violeta es eso, demasiado. Naranja: El tono ocre queda bien en personas de tez y cabellos oscuros, siempre que no sea fuerte y chillón. Si sos pálido, olvidate. Marrón: Muy masculino, un color que tenés que tener, ya que le queda bien a la mayoría de los hombres. Lo mejor son los marrones oscuros, sobre todo si tenés la tez muy blanca. Gris: Al igual que el marrón, los tonos oscuros son lo mejor, ya que los claros hacen que parezcas insulso y aburrido. Es una buena alternativa al negro para trajes y pulóveres. Negro: El gran comodín que todo hombre debe tener. El negro sugiere poder, confianza, algo de misterio y, aparte, queda bien con cualquier otro color y es adecuado para cualquier situación. Esto no significa que debás andar por ahí como un darkie, pero una prenda negra siempre te va a favorecer, no importa tu tono de piel o pelo. El traje es para la oficina, un casamiento o un velorio. El perfecto look casual ¡Buenísimo, varón! Ya estás listo para ir a esa fiesta, cumpleaños o cena con tus suegros. O casi, porque más importante que vestir bien es saber cómo comportarse. Pero eso quedará para el próximo post. ¡Mucha suerte! FUENTE: Es un trabajo propio en base a mi experiencia y algunos consejos de Michael Flocker.

El Shudō (衆道, shudō?) fue una tradición japonesa de homosexualidad estructurada prevalente en la sociedad samurai desde su periodo medieval hasta el fin del siglo 19. la palabra, es una abreviatura del termino wakashudō (若衆道), "El Camino del Joven Hombre" o mejor dicho, "La Vía del Joven (若 waka) Hombre (衆 shū)". El término "dō" (道) se relaciona con la palabra china tao, considerada como una estructurada disciplina y cuerpo del conocimiento así como “un camino para despertar”. En la pareja, el de mayor edad era conocido como el nenja (念者), y el joven era conocido como wakashū (若衆). Orígenes El término shudō aparece por primera vez en el siglo XVII; es precedido por la tradición homosexual japonesa entre bonzos y acólitos, conocida como chigo. El legendario y supuesto fundador de este tipo de relaciones en Japón es Kūkai, también conocido como Kōbō Daishi, el fundador de la escuela Shingon, del cual se dice trajo consigo los conocimientos el amor masculino junto con los conocimientos del Shingon. El Monte Koya, donde el monasterio de Kobo Daishi se encuentra hoy, fue un sinónimo de amor masculino hasta el final del período pre-moderno. A pesar de la atribución del amor masculino a Kūkai, las raíces reales de de la homosexualidad en el Japón se remonta a algunos de los primeros textos en japonés tales como el Kojiki (古事记, Kojiki?) y el Nihon Shoki (日本书纪, Nihon Shoki?). Aspectos Culturales Las enseñanzas de Shudō entró en la tradición literaria y se pueden encontrar en obras como el Hagakure (叶隠, Hagakure?) y en otros manuales samuráis. El Shudō, en su aspectos pedagógicos, marciales y aristocráticos, está muy análogo a la antigua tradición griega. La práctica se llevó a cabo en alta estima, y fue alentada, especialmente dentro de la clase samurai. Se consideró que era beneficioso para la juventud, enseñándoles la virtud, la honestidad y el aprecio de la belleza. Su valor se contrasta con el amor de la mujer, que es culpa de feminización de los hombres. Gran parte de la historia y la literatura de ficción de la época elogió la belleza y valor de los jóvenes fieles al Shudō. El historiador moderno Jun'ichi Iwata elaboró una lista de 457 títulos de este tipo los de los siglos 17 y 18 siglos. Con el aumento en el poder y la influencia de los comerciantes, los aspectos de la práctica de Shudō fueron adoptadas por las clases medias, y las expresiones homoeróticas en Japón comenzaron a estar más estrechamente asociada con los agentes de viaje kabuki conocido como tobiko (飞子), "chicos mosca", que trabajaban como prostitutas. En el periodo Edo (1600-1868), actores de Kabuki (conocido como onnagata durante la reproducción de roles femeninos), a menudo ejercían la prostitución fuera de la escena. Los Kagema eran chongos que trabajaban en burdeles especializados llamado "kagemajaya" (阴间茶屋: casas de té kagema). Ambos kagema, kabuki y actores muy solicitado por el sofisticado del día, que a menudo practica danshoku / nanshoku, de sexo masculino o el amor. A partir de la restauración Meiji y el aumento de la influencia occidental, el cristianismo comenzó a influir en la cultura, dando lugar a un rápido declive del sancionadas prácticas homoeróticas a finales del 1800. fuente

Antes del Blu-ray, antes del DVD, antes del VCD, incluso antes que los CD de música, existió un disco láser que ya incluía una gran calidad de imágen, sonido, material extra y diversos canales de audio. Este disco, a lo largo de su historia, tuvo diversos nombres, pero el definitivo resultó ser, por supuesto, el más simple: LaserDisc. Este dispositivo salió a la venta en nada menos que... ¡1978!. Sí, así es, mientras Argentina salía campeón del mundo, la música disco estaba en apogeo, y la consola más potente era la Coleco Telstar, la gente de Phillips unió esfuerzos con la Music Corporation of America (MCA, hoy en día Universal) y lanzó este disco óptico revolucionario, muy adelantado a su tiempo. Comercializado inicialmente como Discovision, la tecnología fue licenciada y vendida como Reflective Optical Videodisc, Laser Videodisc, Laservision, Disco-Vision, DiscoVision, y MCA DiscoVision hasta que Pioneer Electronics tomó la posta, compró la participación mayoritaria en el formato y lo comercializó como LaserDisc en la segunda mitad de los 80. - ¿Y, Lindsay Lohan? ¿Qué te parece la película que te compró Papi? - Me parece que en unos años serán mucho más chicas, versátiles, con imágenes más nítidas y hasta se van a poder grabar. - No hablés boludeces, borrega. El primer título Laserdisc comercializado en EEUU fue Tiburón (Jaws) en 1978. Los dos últimos fueron Sleepy Hollow y Bringing out the Death en 2000, por la Paramount. En Japón se lanzaron una docena más de títulos hasta finales de 2001. En este país fue donde el LaserDisc pegó más fuerte, pudiendo encontrarse películas relativamente nuevas en este formato, como Star Wars: Episode I. En Estados Unidos tuvo algo de éxito también, no así en Europa, donde jamás se le dio bola, salvo en el caso de Inglaterra, que lo usó para aburridos fines educativos, como enciclopedias y documentales. Contratapa del Laserdisc de Tiburón, donde se anuncian las caracteríticas especiales y material extra del formato. LaserDisc de Star Wars: Episode I, editado solamente en Japón, uno de los paises que le dio bola hasta hace poco a este formato. Con cierto parecido a un CD de audio pero del tamaño de un LP de vinilo, los Laserdisc, dedicados a películas, medían 30 cm de diámetro, y estaban formados por dos discos de aluminio de una sola cara adheridos con cola. El Laserdisc es un formato analógico, a diferencia del CD o del DVD moderno que son formatos digitales. Ambos formatos poseen hendiduras y regiones formando la estructura del disco. Sobre un CD o DVD estas marcas significan números binarios. En un Laserdisc, se utiliza una modulación de frecuencia obteniendo una onda portadora que es codificada mediante modulación por anchura de pulsos, para crear las hendiduras y regiones. Los Laserdisc poseen acceso aleatorio similar al de los CD y DVD. El tamaño más común del Laserdisc era de 30 centímetros (12 pulgadas), diámetro que permitía 30 minutos por cara en formato CAV o 60 minutos en formato CLV. También existían Laserdisc de 18 centímetros que permitían 20 minutos por cara (CLV); estos discos fueron usados para vídeos musicales. También hubo Laserdisc de 12 centímetros (5 pulgadas), igual que un CD de audio. LaserDisc al lado de un DVD. ¿Por qué el Laserdisc nunca llegó a más? Tenía severas desventajas: Los discos eran de 30 cm. de diámetro, pesados, voluminosos, más fáciles de dañar al manejarlos que los casetes de VHS. Además no tenían capacidad de grabación. Pero la principal desventaja era que, al igual que los discos de vinilo, la duración de reproducción estaba limitada a 30 o 60 minutos por lado. Después de que el equipo reprodujese una cara, el disco debía ser sacado y volteado para seguir viendo la película, y muchas películas requerían dos discos o más. Muchos reproductores, especialmente unidades fabricadas después de la segunda mitad de los ochenta, podían cambiar de cara automáticamente rotando el lector óptico al otro lado del disco. Si la película estaba grabada en más de 2 caras (es decir, más de un disco), el cambio entre discos se debía hacer manualmente, una actividad tediosa e irritante a la hora de sentarse a disfrutar de un film. A pesar de la calidad de imagen, la gente prefería usar cintas VHS, que a lo sumo tenían que rebobinar un rato, pero podían disfrutar de la película de corrido. Un reproductor de LaserDisc. Algunos también reproducían CDs, VCDs e incluso, con el correr de los años, DVDs. A continuación unos videos mostrando los LaserDisc en acción. link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=UENiw3f-ihA link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=FscFhgEGONA link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=W4ewZS7fAw0 Una publicidad japonesa de 1991 promocionando un reproductor Pioneer de LaserDisc: link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=sJ0cVBrxij4 Actualmente, uno puede hacerse de un reproductor de Laserdisc (usado, por supuesto) en Argentina por unos $500, mientras que las películas rondan los $40. Un costoso gasto sólo para coleccionistas. Este es un escrito propio elaborado en base a las siguientes fuentes Wikipedia Laserdisc Archive

El grupo hemo es un grupo prostético que forma parte de diversas proteínas, entre las que destaca la hemoglobina, presente en los eritrocitos de la sangre, donde su función principal es la de almacenar y transportar oxígeno molecular de los pulmones hacia los tejidos y dióxido de carbono desde los tejidos periféricos hacia los pulmones. Los grupos hemo son los responsables del color rojo de la sangre. Estructura química El grupo hemo contiene hierro y un anillo de porfirina; es un tetrapirrol cíclico, el tetrapirrol está compuesto por 4 cadenas de pirrol enlazadas a un anillo, en el centro de este anillo se encuentra el átomo de hierro. Características El grupo hemo está formado por el ligando cuadridentado de protoporfirina IX y un átomo hierro ferroso. El grupo hemo es una estructura plana. Tiene propiedades apolares, aunque también tiene cargas negativas, por lo que tiene también un extremo polar. Es por tanto insoluble en agua, por lo que evita el contacto con la misma. Por ello el grupo hemo se localiza entre las estructuras terciarias de las cadenas polipeptídicas y se sitúa en un bolsillo hidrofóbico. La parte polar queda hacia el exterior. Se forman unas ochenta uniones hidrofóbicas entre el grupo hemo y la estructura terciaria de las cadenas polipeptídicas. Son esos enlaces los que mantienen el grupo hemo en su sitio. En la parte central del grupo hemo se encuentra el átomo de hierro, metal de transición que puede formar hasta seis enlaces. Forma cuatro enlaces con las cadenas polipépticas; el quinto es un enlace coordinado con el nitrógeno de una histidina, siendo este enlace perpendicular hacia arriba, y otro enlace con el oxígeno, siendo éste perpendicular hacia abajo. Este último enlace tiene que ser débil, ya que la hemoglobina es un transportador de oxígeno que tiene que captar y liberar el oxígeno fácilmente.

Las letras que Enrique Bunbury ha escrito para Héroes del Silencio siempre tuvieron una carga poética muy marcada. Personalmente, considero a Bunbury no sólo un gran cantante sino un excelente poeta y filósofo. Pero el hombre tiene influencias, por supuesto, y eso vamos a desentrañar en este post. Empecemos por: CHARLES BAUDELAIRE(1821-1868): Era un poeta, ensayista y novelista francés. Nacido en Paris es precursor del simbolismo, del impresionismo y uno de los máximos representantes del decadentismo. También se define como poeta maldito, en su creación literaria se refleja una extensa y dolorosa complejidad moral. “Las flores del mal” contiene la practica totalidad de su poesía, destacable por la estratégica colocación de los poemas, que trazan un hilo argumental. “La fanfarlo”, “Los paraísos artificiales” son sus principales obras en novela y “El vino y el hachis” entre otros ensayos. No hay ninguna canción en especial en la que se refleje su influencia, sino mas bien en toda la creación musical de Héroes, en especial desde Senderos de Traición, pero incluyendo también muchas canciones de “Mar Adentro”. La Decadencia : Al igual que Héroes, Baudelaire piensa que la vida es una constante decadencia, de ahí que se le atribuya el epíteto “decadentista” (La Decadencia: “La decadencia esta prohibida en tu mente, la caída pierde altura por momentos). Avalancha / Spleen: También se filtra en Héroes el “spleen” baudeleriano, es decir, el tedio de la vida, recogido por canciones de Héroes como Avalancha (“Necesitamos el valioso tiempo, que abandona sin saber que cojones hacer con el”). Flor Venenosa – Opio – El Camino del Exceso / Paraísos Artificiales: Baudelaire tiene una curiosa relación con todas las drogas, desde el vino hasta el hachis pasando por el opio. En principio, como Héroes, lo relata con toda fidelidad, como el buen conocedor de las drogas, pero finalmente lo desprecia, en el caso de Baudelaire lo condena desde el punto de vista moral. Algo parecido pasa con Héroes, que si bien las añora y justifica (Opio – “Si el aceite de incienso nos servirá de consuelo”), por otra parte les causan mal (El camino del exceso -”Quemamos con malas artes el espíritu del vino, y no va a regresar, no va a regresar”) Entre 2 tierras – No mas lagrimas … / Dandysmo: El desprecio por los demás o mitificación de uno mismo en contraposición a la estupidez ajena es algo permanente en toda la creación de Héroes, en casi todas las canciones hay personas estúpidas dignas de nuestras descalificaciones (Despertar – “Como puedo olvidar a alguien que un día me quiso ayudar si no se perdonar el daño que has hecho a mi alrededor” / Nuestros Nombres – “… no ignoramos nuestros excesos, pero tu sola presencia me enferma y me vacía y con un grito de esperanza te digo adiós”) WILLIAM BLAKE: Escritor, poeta, grabador y visionario inglés. Destacan sus “Proverbs of Hell”, en su obra, que solio ilustrar frecuentemente. También escribió “Las bodas del Cielo y el Infierno”, “Milton”, “Jerusalén”, y sus “Cantos de la Inocencia” y posteriores “Cantos de la Experiencia”. Fue un visionario, que padeció visiones con Jesús, los Apóstoles y profetas desde los 8 años. Muy revisado en la actualidad, por su carácter Anarquista, narciso e individualista, cristiano con el Amor como Dios, pero un amor altruista y nada reciproco-complaciente. Una buena frase de William Blake es la que aparece en el trabajo “El casamiento del cielo y el infierno” en el que dice haber visitado el reino de las tinieblas y anotado los proverbios que los demonios acostumbran a decir entre si, uno de ellos es este: “Nunca sabrás lo que es suficiente si no te permites saber lo que es mas que suficiente” El Camino del exceso: El nombre de William Blake aparece en El Camino del Exceso de Héroes del Silencio, principalmente por la famosa frase célebre del poeta inglés: El camino del exceso nos dirige hacia la torre de la sabiduría. Lo cual por supuesto lleva toda una filosofía detrás. Avalancha – Deshacer el Mundo – Los placeres de la Pobreza / Anarquismo: A partir de El Espíritu del Vino, y sobre todo de Avalancha, donde comienzan las inquietudes políticas de Héroes, y se empieza a plasmar claramente el carácter anarquista y antisistema de Héroes: (Los placeres de la pobreza: “Los placeres de la pobreza han vencido a mi burlada revolución” / Deshacer el mundo: “Hay que empezar despacio a Deshacer el Mundo.”). La Chispa Adecuada – Desmitificación del amor: La verdad es que esto no necesita mucha aclaración, la desmitificación del amor (el amor convencional que Blake definiría como reciproco-complaciente), simplemente siendo un tema que no merece canciones, o cuando lo hace es para desmitificarlo, es suficiente explicación. OSCAR WILDE: Escritor ingles, 1854 – 1900, de gran renombre tanto en su época como en la actualidad. Dotado de una gran sensibilidad y sentido del humor, muchas de sus escritos han pasado como obras maestras. En cuanto a novelas destacan “El retrato de Dorian Gray“, “El fantasma de Canterville”, “El crimen de Lord Arthur Savile”, entre otras, muchos relatos cortos, poemas en prosa, y sus obras de teatro mas celebres fueron “La importancia de llamarse Ernesto”, “Salome”, “El abanico de lady Windermere”… y otras. La influencia mas clara se encuentra en el nombre de Bunbury, sacado de la obra de teatro “La importancia de llamarse Ernesto”. Bunbury es un personajes ficticio inventado por uno de los protagonistas (concretamente Algernoon) como excusa perfecta para no acudir a determinados actos sociales y quedar bien, por extensión es algo para hacer otras cosas que de otra forma no se podrian hacer. Otra influencia pero concerniente mas a Bunbury en solitario y no en Hds se da en la canción “Salomé”, la cual esta íntegramente basada en la obra de teatro del mismo nombre de Oscar Wilde, y en la cual Bunbury parece interpretar el papel de Herodes. Esta basada a su vez esta obra de teatro en el pasaje de la Biblia en el cual Salomé, hija de Herodoto, esposa de Herodes (por tanto hijastra de Herodes, que mató a su hermano para casarse con Herodoto y obtener el reino), Salomé convence a Herodes para que le corte la cabeza y se la entregue en bandeja de plata. A cambio, Salomé debe bailar para Herodes. JORGE MANRIQUE: En una de las “Coplas a la muerte de mi padre”, de Jorge Manrique, expresa que “todo tiempo pasado fue mejor”. En la canción Rueda, fortuna!, se expresa lo mismo en el POST, “ya nada es como antes, o eso al menos quisiera!”, y sin embargo antes en esa misma canción se pregunta “¿Acaso no todo tiempo futuro será mucho mejor?”. GENERACION DEL 27: Quizás sea demasiado pero Bunbury siempre tuvo una clara pasión e inclinación por la generación del 27, y el Surrealismo quizás se entremezcle en algunas canciones de Héroes, sobre todo en los primeros discos, en “Primeros Tiempos”, y sobre todo en “Mar Adentro” se denota este tipo de letras, con estructura confusa, y simbología propia de los sueños y de otros estados de conciencia. También hay que denotar las letras de El Espíritu del Vino en general, creadas muy en “El Camino del Exceso”, bajo quizás el efecto de alguna droga (como ellos mismos declaran en el video de Rarezas), lo cual les proporciona metáforas muy complejas y muy distantes de la verdad que ocultan desde el punto de vista de un oyente normal. Es quizás el surrealismo llevado al límite. ANTONIO MACHADO: Uno de los genios del 98 también fue una de las lecturas favoritas de Bunbury. En la canción Alicia encontramos muchas y muy variadas influencias, la mas importante quizás sea la frase “Hoy es siempre todavía”, al parecer de una poesía de Machado probablemente de su obra “Soledades”. Esperamos poder ampliar este dato. También hay evidentes influencias en esta canción de Lewis Carroll, y su cuento Alicia en el país de las Maravillas, y de la Mitología Griega Clasica, Teseo, el minotauro y su laberinto. Aunque esto es de Bunbury en solitario también considero que es de importancia para quien quiera seguir la evolución literaria y artística del letrista de Héroes del Silencio. MARIO BENEDETTI: Al parecer, la frase “Las cosas más triviales se vuelven fundamentales”, de la canción “Opio” de Avalancha, pertenece a Mario Benedetti, concretamente al poema “Todavía”. También, según nuestros amigos conocedores de la obra de Benedetti, hay muchas más frases sueltas en las canciones de Héroes, sobre todo en el disco de “Avalancha”, que se aproximan a otras de Benedetti, como: “Las larvas del odio se vuelven adultas”, “Entre siempre jamás… el rumbo del mundo oscila…”, “La laguna de la ausencia”, “amanecí con los puños bien cerrados”,…. ALEJANDRO CASONA: Es uno de los principales escritores de Teatro del siglo XX. Asturiano, nacido en Besulio (1903-1965), su verdadero nombre es Alejandro Rodríguez. Es uno de los mejores en cuanto a teatro “serio”, estrenó más de 15 obras entre España y Sudamérica, en su mayor parte con un notable éxito. Sus temas suelen ser recurrentes, la necesidad de el ensueño en contraposición de la sucia realidad, la lucha de ambos, el amor como salvación, etc… Destacan entre sus obras “La Sirena Varada” (premio municipal de Madrid 1934, y primera obra de Casona), “Nuestra Natacha”, “La Dama del Alba”, “Los árboles mueren de pie”… “La Sirena Varada” es en sí, la síntesis de la obra de Teatro de Alejandro Casona. En la obra, el protagonista se recluye en una casa con sus amigos para fundar una república donde reine la sinrazón, lejos del mundo donde impera el sentido común. Es decir, la imaginación al poder. Entonces se cruza en su vida “Sirena”, el personaje más enigmático de la obra y a la vez encantador, que viene expresamente a declararle su amor al protagonista, a dedicarle una canción de sirena… Se enamora de ella y posteriormente necesita la verdad para amarla, y allí es cuando se produce el enfrentamiento en el interior de “Sirena” entre la horrible realidad, la verdad más dura, y los sueños que creó, en los que era una sirena, para salvarse. A esta parte le vendría al dedillo la frase “Sirena vuelve al mar varada por la realidad”, porque la sirena duda entre seguir siendo sirena o aceptar la realidad. En esencia esta es una obra magnífica, y la canción me parece un bello tributo a una gran obra. FUENTE