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Hacer una película no es nada sencillo, mucho menos teniendo en cuenta los parámetros y las presiones de los grandes estudios. Sumemos problemas climatológicos, directores conflictivos que no se apegan a los presupuestos ni tiempos de filmación, y el resultado es bastante caótico. Ojo, la película puede ser un suceso y un clásico que perdure en el tiempo, pero en un punto, las nefastas crónicas de su rodaje se convierten en algo más divertido y reproducido que la trama en sí. Nos ponemos un poco amarillistas y repasamos estas diez filmaciones un tanto pesadillescas para los involucrados. 10 Escuadrón Suicida (Suicide Squad, David Ayer, 2016) Se sabe que la fallida, pero exitosa, película del DCEU estuvo cargada de desacuerdos entre el director y el estudio, pero también de extraños comportamientos en el set, incluidos los regalos que Jared Leto les hizo a sus compañeros (una carta y un montón de balas para Will Smith, o la ratita de Margot Robbie), y el hecho de que nunca se salió del personaje a lo largo de la producción. Alentado por el director, Jai Courtney experimentó con hongos varios y no pudo evitar las alucinaciones. Ayer también obligó a Viola Davis a maltratar e insultar al pobre de Joel Kinnaman durante la primera reunión de sus personajes, algo que hizo bastante mella en el actor, pero también en la actriz que sufrió palpitaciones al corazón y hasta llegó a perder momentáneamente la audición de su oído izquierdo porque no paraba de escuchar el golpeteo. Estas son sólo algunas de las locuras por las que tuvo que atravesar el elenco, bastante al pedo, si tenemos en cuenta el resultados de la película. 9 Waterworld (Kevin Reynold, 1995) Es sabido que la película post-apocalíptica de Kevin Reynold casi arruina la carrera de Kevin Costner (¿?). Además de un fracaso estrepitoso en la taquilla (costó 175 millones y apenas recaudó 264 en todo el mundo), tuvo que afrontar unos cuantos inconvenientes durante la filmación, comenzando por el hecho de que las actrices Jeanne Tripplehorn y la joven Tina Majorino, casi se ahogan en el océano. La película arrancó con un presupuesto de 65 millones y cuatro meses de rodaje, pero pronto triplicó esos números y se extendió a lo largo de ocho meses quedando demasiado cerca de la fecha de estreno en julio de 1995. Un set se hundió completamente; casi todos los miembros del elenco y del equipo técnico se enfermaron por tanto mareo y el ataque constante de aguas vivas; el doble de Costner sufrió un accidente casi fatal; y el director se fue dando un portazo en medio de la producción, tras pelearse con el actor y los productores que no compartían sus visiones creativas. 8 El Renacido (The Revenant, Alejandro González Iñárritu, 2015) Todo se vale en la guerra, el amor… y el arte, a la hora de ganar algunos premios. Suponemos que al director mexicano no le importan los galardones (¿?), per sí la autenticidad y la intensidad de sus historias. Por eso mismo, defiende cada uno de sus métodos, y el calvario por el que hizo pasar a sus actores y al equipo de producción a la hora de filmar “El Renacido”, para algunos, la peor experiencia de sus carreras. Iñárritu se excedió en el tiempo de rodaje y el presupuesto. El clima siempre fue un factor determinante y problemático: a veces demasiado crudo, y cuando no lo era suficiente, la producción se vio obligada a viajar hasta nuestro Sur para culminar las escenas necesarias. Hubo desertores entre sus filas, y algunos aseguran que una de las secuencias más complicadas se salió de control, y uno de los personajes terminó siendo arrastrado por el suelo duro y frío de Calgary totalmente desnudo, casi sin ninguna preparación previa. Eso sí, el realizador se preocupó por los genitales del joven que, a pesar de su versión, sufrió bastante durante el proceso. No te preocupes Leo, a vos nadie te va a sacar el Oscar. 7 El Resplandor (The Shining, Stanley Kubrick, 1980) Stanley Kubrick es famoso por su meticulosidad y detallismo, lo que implica, a veces, insistir en una misma toma hasta el hartazgo. Estas manías se trasladaron (y exacerbaron) durante la filmación de la famosa adaptación de Stephen King, un proyecto que, de entrada, no lo entusiasmaba demasiado. Así, un rodaje planeado para 17 semanas se convirtió en un calvario de 14 meses, unos 200 días de trabajo y, según se dice, unas 120 repeticiones por toma. A la pobre Shelley Duvall le tocó la peor parte, hasta llegó a repetir 127 veces una misma escena. Pero eso no fue lo peor por lo que tuvo que atravesar la actriz que terminó, literalmente aterrada, y no precisamente de su marido ficticio. El director quería resaltar la vulnerabilidad y el carácter sumiso del personaje, una relación de poderío que logró más credibilidad al presionarla al límite y humillarla frente a todos sus compañeros. 6 Yo Amo Huckabees (I Heart Huckabees, David O. Russell, 2004) La reputación de David O. Russell lo precede, pero hasta el rodaje de “Yo Amo Huckabees” (I Heart Huckabees, 2004) no había mostrado del todo la hilacha. En el momento de la producción no se supo nada, pero años después se filtraron un par de videos detrás de cámara que mostraban las terribles discusiones que se originaron en el set entre el director y la actriz Lily Tomlin. Gritos, gestos obscenos, intercambio de insultos ante la atónita mirada del resto del elenco que no se quiso involucrar. Las tensiones se hicieron notar durante la filmación, Tomblin criticaba constantemente el estilo del realizador y este llegó a ponerse violento y desparramar todo lo que había a su alrededor. No sería la última vez… ni la primera. Muchos afirman haber visto a Russell amenazar físicamente a Christopher Nolan cuando supo que el ingles andaba tanteando a su estrella, Jude Law, para “El Gran Truco” (The Prestige, 2006). 5 Guerra Mundial Z (World War Z, Marc Forster, 2013) Mientras esperamos a que se decidan por la secuela, recordemos que la producción de la adaptación de la novela de Max Brooks estuvo plagada de altibajos. Gran parte del rodaje se llevó a cabo sin un guión definitivo, después llegaron las reescrituras de Damon Lindelof, y los consecuentes reshoots, entre otros problemitas. Parece que fue Brad Pitt quien se dio cuenta de las inconsistencias de la historia y de un final un tanto abrupto que no tenía mucho sentido, y propuso a Lindelof para tratar de arreglar las cosas. Cuando Marc Evans, presidente de producción de Paramount, vio el primer corte de la película, enseguida pensó: “El final no funciona. Creo que tenemos que volver a filmar todo”. El resultado final no fue tan desastroso, y hasta se convirtió en uno de los éxitos del año. 4 Bailarina en la Oscuridad (Dancer in the Dark, Lars von Trier, 2000) Según las sabias palabras de un allegado a la producción de la película: “Cuando dos personalidades fuertes se reúnen, los enfrentamientos son inevitables”. Igual, parece que la tensa relación entre el director Lars von Trier y la cantante Björk, fue un poco más allá de un par de “encontronazos” en el set, ya que la islandesa juró no volver a trabajar en una producción tras la experiencia de su debut cinematográfico. Los conflictos alcanzaron su punto más alto cuando la chica (según dicen) se arrancó la blusa que llevaba puesta, y que no quería usar durante una escena, y hasta llegó a comerse pedacitos de la misma antes de salir en estampido del escenario. Finalmente, actriz y director quedaron conformes con el resultado final de la película, pero no mantienen la mejor de las amistades. 3 Fitzcarraldo (Werner Herzog, 1982) La historia de “Fitzcarraldo” (1982) es la mejor analogía de su filmación. La producción de la película fue un verdadero calvario desde la logística y las extrañas iniciativas del director que se autoproclamó “Conquistador de lo inútil”. Como al alemán no le gusta trabajar en estudios, y mucho menos usar efectos especiales, demandó que un barco real fuera acarreado a través de una montaña (también verdadera) atravesando la selva amazónica, pero este no fue el único problema. Entre retrasos, y actores que tuvieron que abandonar el rodaje (Jason Robards y Mick Jagger), hay que sumar la creciente tensión que se produjo entre Werner Herzog y su estrella Klaus Kinski. Parece que el actor tenía ataques de ira, exigencias y quejas de todo tipo, incluyendo la calidad de la comida. La actitud de Kinski llegó a molestar tanto, que el jefe de los nativos que oficiaban de extras le ofreció a Herzog, con toda seriedad, matarlo en su nombre. El realizador tuvo que declinar la oferta ya que necesitaba a Klaus para terminar el rodaje. 2 Titanic (James Cameron, 1997) No te convertís en el “rey del mundo” y ganás 11 Oscars sin algunas dificultades por el camino. El rodaje de “Titanic” no fue un jardín de rosas, y necesitó de la colaboración (y los millones) de dos grandes estudios para cumplir el sueño y las demandas técnicas del director. Cameron y su equipo se fueron hasta Baja California (México), donde construyeron un tanque de agua gigantesco y un set de iguales proporciones. James quería cuidar la atención a los detalles, algo que incrementó ampliamente el presupuesto… un gastadero de plata que pronto se salió de control. La construcción del barquito también retrasó los tiempos; en un punto tuvieron que reemplazar al director de fotografía; varios actores se enfermaron durante la producción; pero lo peor, era el temperamento de Cameron, que mantenía a todos bastante alertas (por no decir asustados). Al final, ya no importó las penurias de Kate Winslet durante el rodaje, o el hecho de que el director casi se va a las manos con uno de los productores; la película sigue siendo uno de los éxitos más grandes de la historia, sin importar lo mal que lo pasaron. 1 Apocalipsis Now (Apocalypse Now, Francis Ford Coppola, 1979) Se pueden escribir varios libros sobre todas las dificultades que tuvo que afrontar Francis Ford Coppola a la hora del rodaje de “Apocalipsis Now” (Apocalypse Now, 1979). Entre ellas, la partida de Harvey Keitel, originalmente casteado para el papel del capitán Benjamin L. Willard. Tras filmar durante dos semanas, Keitel fue despedido por Coppola ya que éste consideraba que el actor no estaba a la altura del personaje, y así fue reemplazado por Martin Sheen, lo que contribuyó al retraso de la filmación que se extendería alrededor de dos años (originalmente pautado para 14 semanas). Las locaciones en Filipinas no ayudaron para nada, entre desastres varios, un clima y una logística que no estaban preparados para darle la bienvenida a Hollywood. Un tifón le puso alto a la producción, aunque parte del equipo técnico se amotinó y decidió no volver al trabajo. Por otro lado, parece que las drogas no faltaron en el set, ni las partuzas entre los miembros del staff; y hasta se rumoreó que utilizaban cadáveres para darle a la historia un poco más de autenticidad. Tampoco ayudó el sobrepeso de Marlon Brando, a quien Coppola imaginaba (al menos a su coronel Kurtz) como a un guerrero poderoso que, al menos, se sabía sus diálogos.

2Cellos (estilizado 2CELLOS) es un dúo de violonchelo formado por los violonchelistas Luka Šulić y Stjepan Hauser. Firmaron con Sony Masterworks en 2011, después de que fueran descubiertos en YouTube gracias a un vídeo musical con su versión en violonchelo de "Smooth Criminal" de Michael Jackson. Šulić, nacido en Maribor, Eslovenia, y Hauser, de Pula, Croacia, se encontraron en una clase maestra en Croacia cuando aún eran adolescentes. Šulić —el más joven de los dos por un año— y Hauser ingresaron juntos la Academia de Música en Zagreb, y ambos viajaron a estudiar en Viena. Después Šulić entró en la Royal Academy of Music de Londres, mientras Hauser atendió en la Royal Northern College of Music en Manchester.El dúo salto a la fama después de su versión de "Smooth Criminal" se volviera un éxito en YouTube, recibiendo sobre tres millones de reproducciones en las dos primeras semanas y más de ocho millones en total actualmente. La creación del vídeo musical fue empujada por las dificultades financieras de los violonchelistas, a pesar de su éxito musical en el Reino Unido. El dúo se reunió en Pula, donde uno de los amigos de Hauser, un director, les propuso que intentaran en el mercado de música pop creando un vídeo de "Smooth Criminal". El vídeo, originalmente publicado el 20 de enero de 2011,muestra a Šulić y Hauser enfrentados solos en un gran salón blanco, tocando la melodía de Jackson. De hecho, antes que fueran compañeros, los dos violonchelistas a veces se consideraban rivales, compitiendo entre ellos en concursos musicales 2Cellos actualmente tiene un contrato con el sello Sony Masterworks y finalizaron la grabación de su primer álbum en mayo de 2011, que llevara el nombre de Menart Records en Croacia. Lanzado el 19 de julio de 2011, el álbum incluye versionados de canciones de U2, Guns N' Roses, Nine Inch Nails, Sting, Coldplay, Nirvana, Muse, y Kings of Leon. Hauser señalo a la Repubblica que el álbum también llevaría una versión de violonchelo de "Human Nature" de Michael Jackson. El dúo señalo que ellos eligieron canciones que pudieran ser adaptadas en versiones reproducibles con solo dos violonchelos. En anticipación al lanzamiento, 2Cellos lanzó su segundo single "Welcome to the Jungle," una versión de la canción Welcome to the Jungle del mismo nombre de Guns N' Roses. Como resultado del éxito de 2Cellos, el cantante inglés Elton John se puso en contacto con el dúo para realizar juntos su gira de verano, que empezó en Cardiff el 8 de junio de 2011. John, quien llamó personalmente a Šulić, señaló que vio el vídeo de "Smooth Criminal" y quiso que 2Cellos participara en su gira por treinta ciudades. Los dos que antes se habían presentado en el episodio del 25 de abril de 2011 de The Ellen DeGeneres Show,6 como también en Perez TV de Perez Hilton días antes de eso.2Cellos también se presentó el 25 de julio de 2011 en el iTunes Festival 2011 en Londres. El dúo interpretó "Smooth Criminal" en la tercera temporada de la serie de televisión Glee. El episodio en el que ellos aparecen, llamado "Michael", salió al aire originalmente el 31 de enero de 2012 (en Hispanoamérica se estrenó el 16 de febrero de 2012). La escena donde tocan "Smooth Criminal" fue similar al video original de 2Cellos. Aunque las dos versiones grabadas son principalmente canciones de rock, Šulić y Hauser dijeron que ellos igual participarían con orquestas y que no abandonarían tocar música clásica. Los violonchelistas dijeron que, algún día, les gustaría ir en una gira tanto con una orquesta clásica como una contemporánea. uno de sus propósitos es llevar la música clásica a los amantes del rock y el rock a los amantes de la música clásica. link: https://www.youtube.com/watch?v=DbFao4M2_os link: https://www.youtube.com/watch?v=cpjPQdH44IM link: https://www.youtube.com/watch?v=A7b79B9Y7XA link: https://www.youtube.com/watch?v=x8yymm3DtVA link: https://www.youtube.com/watch?v=3V7EugoweM4

HOY,6 DE FEBRERO,ES EL CUMPLEAÑOS DE (PARA MI),EL MEJOR POKEMON LEGENDARIO DE TODOS,EL GRAN Y QUERIDO MEWTWO. Mewtwo es un Pokémon artificial legendario de tipo psíquico introducido en la primera generación. Es creado por el Team/Equipo Rocket a partir del ADN de Mew. A partir de la sexta generación puede megaevolucionar en Mega-Mewtwo X o en Mega-Mewtwo Y, convirtiéndose en el Pokémon con las estadísticas de combate sumadas más altas. Su nombre, Mewtwo, proviene del Pokémon Mew y de Two (Dos en inglés) por lo que su nombre significa Mew Dos, dando a entender que Mewtwo es un "clon" de Mew, es decir, un segundo Mew. También fonéticamente puede ser algo similar la palabra en inglés mutante (myūtanto). Mewtwo es el resultado de las ambiciones de los seres humanos en la creación de una reproducción genéticamente realzada (o mejorada) de Mew. Es uno de los primeros Pokémon creados por la ciencia. Los científicos que lo crearon soñaron con crear al Pokémon más fuerte del mundo. Se considera único, debido al hecho de que solo uno fue genéticamente creado. En la P16 se revela la creación de otro Mewtwo, llevada a cabo por unos científicos desconocidos, el cual tiene la capacidad de megaevolucionar por sí mismo. Mewtwo es una criatura con una postura humanoide pero con muchos rasgos físicos felinos. El cuerpo de Mewtwo es grisáceo con el vientre púrpura, que se extiende hasta su larga cola, también púrpura. Mewtwo tiene tres dedos en cada mano con una especie de almohadillas, como las de los animales cuadrúpedos. Tiene ojos púrpuras y dos protuberancias cortas en la cabeza que pudieran ser sus oídos. Uno de los rasgos más notables de Mewtwo es el tubo que se extiende desde el hueso occipital de su cráneo hasta su espina dorsal. Esto es, probablemente, una médula espinal secundaria, una pequeña expansión del sistema nervioso, o un conducto de irrigación sanguínea alternativo, teniendo así una cantidad aumentada de sangre y transmisión sensorial al cerebro, aumentando sus poderes psíquicos. Mewtwo es muy inteligente, mucho más que la mayoría de los humanos, pues en la película rescató la tecnología de clonación de sus creadores para construir máquinas capaces de clonar otros Pokémon, pudiendo así crear su propio ejército. Mewtwo es sumamente hábil con sus poderes psíquicos: éste puede volar mediante la levitación, comunicarse telepáticamente, reflejar ataques como hiperrayo, bloquear las habilidades especiales de los demás Pokémon y tomar el mando de la mente de otra criatura viva mediante hipnosis. En el manga Pocket Monsters Special, Mewtwo pelea con una experta combinación de psicoonda y una cuchara gigantesca hecha de energía psíquica. En el videojuego, Mewtwo es un ser incapaz de controlar sus poderes en la etapa más temprana de su vida, con lo cual se vuelve muy agresivo y destruye por accidente el laboratorio en el que nació en Isla Canela. Corre a refugiarse a la parte más recóndita de Cueva Celeste, donde solo hay Pokémon fuertes y no podrá volver a hacerle daño a nadie jamás. Mewtwo, al ser un Pokémon creado genéticamente, no tiene ningún hábitat natural. Sin embargo, se sabe que en los videojuegos su guarida se encuentra en la tercera planta de la Cueva Celeste en Pokémon Rojo Fuego y Verde Hoja. También, en el anime, Mewtwo ha sido visto vagando por una ciudad grande de noche. Generalmente, le gusta estar solo, como en la profundidad de una cueva. MITO Y LUGAR DE CREACION La Mansión Pokémon de Kanto es un caserón abandonado localizado en Isla Canela y del que se han apropiado diversos Pokémon de tipo fuego y de tipo veneno. También hay ladrones que buscan reliquias en la mansión. Tiene un aspecto deteriorado y cuenta con botones ocultos que abren puertas escondidas. Aquí es donde se encuentra la llave que se necesita para entrar en el Gimnasio Pokémon de Isla Canela, cuyo líder es Blaine. En esta mansión se encuentran unos diarios, que tienen escritos datos que los científicos del Team Rocket (según la película) recopilaron sobre una civilización que construyó un templo, el descubrimiento de Mew, y el origen de Mewtwo. Estas son las páginas que se pueden leer del diario, que hablan del origen de Mewtwo. « Diario: 5 de julio. Guyana, Suramérica. Un nuevo tipo de POKéMON fue descubierto en el interior de la selva. ». « Diario: 10 de julio. Hemos llamado a este nuevo POKéMON, MEW. ». « Diario: 6 de febrero. MEW dio a luz. Llamamos al pequeño: MEWTWO. ». « Diario: 1 de septiembre. MEWTWO es demasiado poderoso. No hemos sabido contener sus malos instintos. ».

La muerte es un proceso terminal que consiste en la extinción del proceso homeostático de un ser vivo y, por ende, concluye con el fin de la vida. El proceso de fallecimiento -aunque está totalmente definido en algunas de sus fases desde un punto de vista neurofisiológico, bioquímico y médico-, aún no es del todo comprendido en su conjunto desde el punto de vista termodinámico y neurológico, y existen discrepancias científicas al respecto. Adicionalmente no se ha definido científicamente en qué parte del proceso está el umbral en que se pasa de la vida a la muerte. Muerte en biología y medicina La muerte se puede definir como un evento obtenido como resultado de la incapacidad orgánica de sostener la homeostasis. Dada la degradación del ácido desoxirribonucleico (ADN) contenido en los núcleos celulares, la réplica de las células se hace cada vez más costosa. Desde el punto de vista médico es el cese global de funciones sistémicas en especial de las funciones bioeléctricas cerebrales, y por ende de las neuronales. En el siglo XX la muerte se definía como el cese de la actividad cardíaca (ausencia de pulso), ausencia de reflejos y de la respiración visible, con estas estimaciones muchas personas fueron inhumadas estando en estado de vida latente o afectadas por periodos de catalepsia. Posteriormente, gracias a los avances tecnológicos y al mejor conocimiento de la actividad del cerebro, la muerte pasó a definirse con un electroencefalograma en el que se acusa la ausencia de actividad bioeléctrica en parte del cerebro. Aún esto demostró ser insuficiente más tarde ya que eventos posteriores demostraron que este proceso en algunos casos muy excepcionales podía ser reversible, como era en el caso de los ahogados y dados por fallecidos en aguas al borde del punto de congelación. La muerte en la sociedad humana La concepción de la muerte como fin o como tránsito, su creencia en una vida después de la muerte, en el Juicio Final, actúan como condicionantes para la actuación de los individuos en un sentido u otro. La idea de inmortalidad y la creencia en el Más allá aparecen de una forma u otra en prácticamente todas las sociedades y momentos históricos. Usualmente se deja al arbitrio de los individuos, en el marco de los conceptos dados por su sociedad, la decisión de creer o no creer y en qué creer exactamente. La esperanza de vida en el entorno social determina la presencia en la vida de los individuos de la muerte, y su relación con ella. Su presencia en el arte es constante, siendo uno de los elementos dramáticos a los que más se recurre tanto en el teatro, como en el cine o en novelas y relatos.

Con el verano tan cerca, el Servicio Meteorológico Nacional armó una lista con las 10 ciudades mas calurosas del pais. El top 10 esta compuesto por... 1 Orán, Salta con 38.4 ºC y 28 % de humedad. Tiene una superficie de 11.892 km² y limita al norte con los departamentos de Santa Victoria, Iruya y San Martín y la república de Bolivia, al este con el departamento de Rivadavia, al sur con el de Anta y al oeste con la provincia de Jujuy. 2 Roque Saenz Peña, Chaco con 37.4 ºC y 36 % de humedad Presidencia Roque Sáenz Peña -o simplemente Sáenz Peña- es la segunda ciudad más poblada de la provincia del Chaco, Argentina. Es la cabecera del departamento Comandante Fernández. En la provincia suele designársela como La Termal, por las aguas termales que constituyen uno de sus principales atractivos turísticos. En el año 2001 contaba con 76 794 habitantes. Sus coordenadas geográficas son 26º 47' 27" S, 60º 26' 29" O, a una altitud de 90,00 metros sobre el nivel del mar y a 177 kilómetros de la capital de provincia, Resistencia. 3 Formosa, Formosa con 37.0 ºC y 39 % de humedad La ciudad de Formosa es la ciudad capital de la Provincia homónima y capital también del Departamento Formosa. Se encuentra ubicada en el margen derecho del río Paraguay, a aproximadamente 850 km de Rosario, 1200 km de la ciudad de Buenos Aires. Es el centro político, administrativo y cultural más importante de la provincia, como así también la ciudad más poblada de la misma. Es sede de la Universidad Nacional de Formosa, sub-sede de la Universidad de la Cuenca del Plata, de la Universidad Católica de Salta, de institutos terciarios de formación docente y profesional. Tiene museos, teatros, centros culturales y recreativos, estadios deportivos, amplias avenidas arboladas y grandes plazas y parques. 4 Juuy, Jujuy con 37.0 ºC de máxima y una humedad del 24 % San Salvador de Jujuy es una ciudad del noroeste de Argentina, capital de la provincia de Jujuy. Se encuentra ubicada en el sur de la provincia, en la confluencia de los ríos Grande y Xibi Xibi (Río Chico). Tiene una población de 265.249 habitantes (INDEC, 2010), y es llamada afectuosamente «La Tacita de Plata». 5 Posadas, Misiones con 35.1 ºC y 41 % de humedad <3 <3 <3 Posadas es una ciudad de Argentina, capital de la provincia de Misiones y cabecera del departamento Capital. Se ubica sobre la margen izquierda del río Paraná, al sudoeste de la provincia y en el noroeste del departamento Capital. Es la ciudad más poblada de Misiones y su centro administrativo, comercial y cultural. En sus comienzos se forjó alrededor del puerto sobre el río Paraná, y su crecimiento tardó en concretarse por ser una de las últimas zonas del territorio argentino en poblarse. Sin embargo, actualmente es una de las ciudades con más actividad y crecimiento de toda la región NEA. Su influencia se extiende hasta la vecina ciudad de Garupá, con la que conforma el Gran Posadas. El puente San Roque González de Santa Cruz, tendido sobre el río Paraná la une a su vecina ciudad de Encarnación, en la República del Paraguay. 6 Iguazú, Misiones con 33.6 ºC y una humedad del 46 % Puerto Iguazú es una ciudad de la provincia de Misiones, en el extremo nordeste de la Argentina. Esta localidad se encuentra situada a 17 km de las cataratas del Iguazú, una de las Siete maravillas naturales del mundo. La actividad turística, centrada en estas cataratas, es su principal motor económico, aunque también se destaca el comercio internacional al estar unida con la ciudad brasileña de Foz do Iguaçu a través del puente internacional Tancredo Neves, el cual une las rutas Nacional 12 y la BR-469. Forma parte de la zona conocida como la Triple Frontera, en donde contacta la soberanía argentina con la del Brasil —Foz do Iguaçu—, y con la soberanía del Paraguay —Ciudad del Este—. 7 La Rioja, La Rioja con 33.0 ºC de máxima y 38 % de humedad La Rioja es la ciudad capital de la provincia de La Rioja en Argentina. Se encuentra ubicada al centro-este de la provincia, en el departamento Capital, cabecera de La Rioja. Está servida por el Aeropuerto Capitán Vicente Almandos Amonacid (Códigos IRJ/SANL) con vuelos a Buenos Aires y Catamarca. 8 Corrientes, Corrientes donde la temperatura máxima alcanza los 32.5 ºC con un 62 % de humedad Corrientes (en guaraní: «Taragüí») es una ciudad del noreste de Argentina, capital de la provincia homónima. Está situada en una curva a orillas del Río Paraná, distante 50 km aguas abajo de la confluencia con el Río Paraguay, a aproximadamente 1150 km aguas arriba de su desembocadura en el Río de la Plata. Junto a los poblados aledaños ubicados a decena de kilómetros conforman el aglomerado urbano Gran Corrientes. 9 Santiago del Estero, Santiago del Estero con 32.0 ºC de máxima y una humedad del 50 % Santiago del Estero es una ciudad del norte de Argentina, capital de la provincia homónima, y la más antigua ciudad del país, tomando como referencia las que aún se mantienen en pie. Se encuentra en una amplia llanura, sobre la orilla derecha del río Dulce. Población: 230.614 habitantes que, unidos a los de su área metropolitana, que incluye a la ciudad de La Banda, ascienden a 327.974 (2001). 10 Chilecito, La Rioja con 31.9 ºC de temperatura y un 34 % de humedad. Chilecito es la segunda ciudad más importante de la provincia de La Rioja, Argentina, cabecera del departamento homónimo. Se encuentra situada en el Valle Antinaco - Los Colorados, encerrado por los cordones de la sierra de Velasco al este y la sierra de Famatina al oeste..

Sir Ian Murray McKellen, CH, CBE (n. Burnley, Lancashire; 25 de mayo de 1939), es un actor británico de teatro y cine, nominado al Óscar en dos ocasiones y ganador de los premios Globo de Oro y Tony. Su labor ha abarcado géneros de Shakespeare y moderno teatro popular a la fantasía y ciencia ficción. Sus papeles más conocidos han sido en obras de teatro de Shakespeare o en películas de gran éxito, como las trilogías de X-Men, El Señor de los Anillos, El hobbit y en el polémico fenómeno mundial El código Da Vinci. Es abiertamente gay y un conocido activista en favor de los derechos de los homosexuales, siendo uno de los miembros fundadores de Stonewall, una de las organizaciones de derechos LGBT más influyentes del Reino Unido, de la cual sigue siendo un portavoz destacado. En 1991, la reina Isabel II de Inglaterra le nombró Caballero del Imperio Británico. Aunque nació en Burnley, McKellen pasó la mayor parte de su infancia en la localidad de Wigan, acudiendo más tarde a la Bolton School. Sus cuatro primeros años de vida transcurrieron bajo la amenaza de los bombardeos nazis de la Segunda Guerra Mundial, que según sus propias declaraciones, tuvieron un fuerte impacto psicológico en él. Estudió en la Bolton School, en el área metropolitana de Mánchester, y más tarde terminó sus estudios de interpretación en la Universidad de Cambridge. La familia McKellen profesaba una fuertemente arraigada fe cristiana, aunque no excesivamente puritana. Su madre (Margery Lois) falleció teniendo él 12 años y su padre (Denis Murray) se volvió a casar. Éste falleció cuando Ian contaba con 24 años, tras lo cual siguió manteniendo una buena relación con su madrastra, a la que confesó su homosexualidad. Según las palabras de McKellen, la viuda de su padre se mostró más contenta que disgustada, ya que sabía que Ian había dejado de mentir sobre su orientación sexual. Comenzó una relación con su primer compañero sentimental, Brian Taylor, en 1964, con quien vivió en Londres hasta 1972, cuando la relación terminó. En 1978 conoció al hombre con el que tendría su segunda relación seria en el Festival de Edimburgo. Su nombre era Sean Mathias, también actor, y tuvieron una relación algo agitada. Sus discusiones parecían tener muchas veces su raíz en la, por alguna razón, menos aclamada carrera de Mathias, que achacaba su poco éxito a su relación con Ian McKellen; aun así, también reconocía que él había intentado ayudarle siempre. Esta relación duró 10 años. Hizo su debut en la ciudad inglesa de Coventry en 1961. Su debut en West End, el equivalente londinense al Broadway neoyorquino, fue tres años más tarde. Cuando ya era conocido en el teatro inglés, hizo algunas apariciones en televisión y cine. Pero el papel que realmente le dio la fama fue su caracterización de Eduardo II de Inglaterra, en la obra Edward II, del autor del siglo XVI Christopher Marlowe. En 1972, cofundó junto a su amigo Edward Petherbridge la Actors Company, lo que le convirtió, a los ojos de los actores de su país, en algo parecido a un portavoz oficial. Entre los años 1974 y 1978, creció considerablemente su reputación como actor, al ingresar en la Royal Shakespeare Company. Allí protagonizó obras como Romeo y Julieta, Macbeth y El alquimista, escrita por Ben Jonson. Más tarde, en 1979, protagonizó en Broadway, en la Ciudad de Nueva York, la obra Bent (cuya traducción podría ser gay), que hablaba de la persecución de los homosexuales en la Alemania Nazi. McKellen todavía no había hecho pública su orientación sexual, por lo que dudó en principio si aceptar o no el papel. Finalmente, Sean Mathias, su pareja por entonces, le instó a que lo hiciese. Años más tarde (1990), McKellen volvió a protagonizar esa obra, esta vez en Londres, y tuvo una pequeña actuación en su adaptación al cine en 1997; en ambas ocasiones actuó bajo la dirección del susodicho Sean Mathias, ya tras haber hecho pública su homosexualidad. Broadway le brindó una nueva oportunidad de éxito al conseguir el papel del músico del Clasicismo Antonio Salieri, en la obra Amadeus (que comenzó en 1980), la cual trataba sobre la vida de Wolfgang Amadeus Mozart. Gracias a este papel consiguió un Premio Tony, uno de los más prestigiosos del teatro estadounidense. Otros trabajos suyos en los Estados Unidos le dieron a conocer parcialmente en ese país, donde la mayoría de la gente aún no había oído hablar de él. Así, en 1982 participó en la televisión estadounidense, interpretando a una persona con problemas mentales en Walter. Otras de sus apariciones teatrales de relevancia fueron en Ricardo III (1969), Hamlet (1970), Las tres hermanas (1978), Otelo (1989), Tío Vania (1992), El enemigo del pueblo (1998), Rey Lear (2008), Esperando a Godot (2009) etc. McKellen ha trabajado en el cine durante toda su carrera como actor desde 1966. Sin embargo, fue en los años 1990 cuando sus apariciones comenzaron a ser más reseñables y significativas, con participaciones en proyectos que consiguieron éxito mundial, incluyendo películas como Sacerdote del amor (Christopher Miles, 1981), Walter (Stephen Frears, 1982), The Keep (Michael Mann, 1983), Plenty (Fred Schepisi, 1985) y Cold Comfort Farm (John Schlesinger, 1995). Su carrera siguió en cualquier caso supeditada a las más de 250 obras de teatro en las que ha actuado a lo largo de casi cincuenta años. Una de ellas, Ricardo III de William Shakespeare, se estrenó en el National Theatre de Londres, fue de gira por Europa y Estados Unidos y la adaptó al cine el propio McKellen, que ganó por este papel el premio Félix al mejor actor europeo del año en 1996 y una nominación al Globo de Oro. La película fue dirigida por Richard Loncraine. En 1993, McKellen interpretó un papel secundario en Seis grados de separación, donde trabajó junto a Donald Sutherland, Will Smith y Stockard Channing; pero su salto al panorama internacional fue cuando interpretó al director de Frankenstein, James Whale, en la película Dioses y monstruos, por la que fue nominado al Óscar al mejor actor. En 2000 aceptó trabajar en la trilogía de El Señor de los Anillos, interpretando al mago Gandalf, papel por el que también recibió una nominación al Óscar al mejor actor de reparto. En 2011 volvió a rodar como el mago Gandalf en las películas de Peter Jackson basadas en El hobbit. Durante unos años trabajó en el cine en películas como la trilogía de X-Men, de Bryan Singer (con quien ya había participado unos años antes en Apt Pupil) y Brett Ratner, basado en las famosas historietas del mismo título, interpretando al famoso villano Magneto; también en El código Da Vinci (2006) de Ron Howard, basada en el libro de Dan Brown, interpretando a Leigh Teabing, un hábil y obsesionado historiador. Tras la muerte del actor irlandés Richard Harris, se le ofreció el papel de Albus Dumbledore en la serie de películas de Harry Potter, pero lo rechazó ya que no quería mezclar su papel de Gandalf con el de Dumbledore, por lo que el papel pasó al actor Michael Gambon. En 2006, el Festival Internacional de Cine de Berlín le entregó un Oso de oro honorífico por toda su carrera. En 2009 se le concedió el Premio Donostia, premio a toda la carrera concedido en el ámbito del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. La homosexualidad de Ian McKellen nunca fue un secreto en el mundo del teatro y del cine, pero no fue hasta 1988 cuando el gran público se enteró de su propia voz. En la era de Margaret Thatcher, se debatía en el Parlamento Británico una controvertida enmienda que prohibía, entre otras cosas, hablar de homosexualidad en las escuelas, conocida popularmente como el Artículo 28. Él se manifestó como gay en un programa de radio de la BBC, durante un debate que mantenía con un periodista conservador. Curiosamente, apenas dos años más tarde, Thatcher le nombró caballero (sir). Según relata Ian McKellen, recibió la llamada telefónica en la que le comunicaban el nombramiento cuando estaba viendo, en directo, cómo la baronesa abandonaba el 10 de Downing Street. "Fue una de sus últimas decisiones". McKellen ha continuado con su activismo a favor de los derechos de los homosexuales. Participa en varias organizaciones británicas que realizan esfuerzos en ese campo, tales como Stonewall (de la cual es cofundador), History Month, o The Albert Kennedy Trust. link: https://www.youtube.com/watch?v=jKh2f9toeXE link: https://www.youtube.com/watch?v=4LDdyafsR7g link: https://www.youtube.com/watch?v=LDZTGTjnhBE link: https://www.youtube.com/watch?v=KyQ2wzBI0zQ link: https://www.youtube.com/watch?v=wAr1nLcmqeQ link: https://www.youtube.com/watch?v=Hp2yBfSwoUI link: https://www.youtube.com/watch?v=LdfkkncYDbs link: https://www.youtube.com/watch?v=c_cWyd_z6Pc link: https://www.youtube.com/watch?v=QceiuT-p3rU

Richard Paul Rick Astley (nacido en Newton-le-Willows, Merseyside, Lancashire, el 6 de febrero de 1966) es un cantante de música pop inglés. Que alcanzó su mayor éxito musical durante la década de 1980. En 1985, Astley era el cantante de un grupo de soul llamado FBI, cuando fue visto por el productor musical Pete Waterman quien le convenció de mudarse a Londres para trabajar en sus estudios de PWL. Bajo la tutela del trío de productores Stock Aitken y Waterman, Astley aprendió todo el proceso de grabación en estudio lo que le sirvió como preparación para el lanzamiento de su carrera. Durante mucho tiempo la gente pensó que Rick Astley era africano-británico negro y que el que salía en los videos se limitaba a hacer doblaje de sus canciones. Su hermano Mark Astley ayudó a refutar estas afirmaciones. Su primer sencillo fue la poco conocida "When You Gonna" atribuida a Rick & Lisa, pero su primer éxito fue "Never Gonna Give You Up," de 1987, el cual se convirtió en un éxito inmediato y llegó a ser el sencillo más vendido en el Reino Unido ese año. El álbum Whenever You Need Somebody que contenía la canción también llegó al número uno en el Reino Unido y el 12 de marzo de 1988 llegó al número uno de las listas norteamericanas junto con un segundo número uno por la canción "Together Forever." A finales de la década de los ochenta Astley se separó de Stock Aitken Waterman y lanzó el álbum "Free" que tuvo un moderado éxito en especial por el sencillo de 1991 "Cry For Help". En ese mismo año la RIAA certificó el álbum Whenever You Need Somebody con dos millones de copias vendidas. El total de ventas de Rick Astley se encuentra cerca de los 40 millones de copias incluyendo todos sus álbumes y todos sus singles. Su siguiente álbum llamado Body & Soul lanzado en 1993 fue prácticamente ignorado excepto el sencillo "Hopelessly" que fue número 4 en listas de Adulto Contemporáneo en Reino Unido y 31 en Estados Unidos en la lista Top 40 Mainstream. En el año 2001, publicó el ábum "Keep It Turned On", en el cual se decanta por sonidos más tecno y discotequeros. En 2005 lanzó el álbum Portrait con versiones de canciones clásicas de soul y a principios de 2006, Astley se retiró inesperadamente en el último momento de aparecer en el espectáculo de la BBC Just the Two of Us después de haberse comprometido con la serie. Esto puede haber sido causado porque su pareja Lene Bausager estaba nominada para los premios Oscar por el "Mejor Corto de Acción" por su película "Cashback", de la cual él mismo es compositor de la banda sonora. La canción Never Gonna Give You Up, fue tomada como una de las más mediáticas bromas de internet, cobrando el ya conocido nombre de Rickroll. La broma consiste en anunciar algún enlace o contenido extremadamente interesante, y una vez pulsado aparecía en algún momento el videoclip de la canción (en ocasiones también el de Together Forever). El origen de esta broma viene directamente del gigantesco imageboard de humor absurdo 4chan, donde alcanzó rápidamente la fama. Esta broma apareció en un programa de Vh1 como una de Las 40 bromas más pesadas. El portal de vídeos YouTube, en el April Fools' Day del año 2008, vinculó todos los vídeos que aparecía en portada como "Interesantes" al videoclip de Never Gonna Give You Up. A su vez, el mismo Rick Astley hizo su propio Rickroll apareciendo por sorpresa en el desfile del Día de acción de gracias del 2008 en Nueva York. Cabe decir que el Rickroll ha resucitado la memoria del cantante, devolviendo la fama y permitiéndose volver a actuar después de estar bastantes años en el olvido.

DEJA CARGAR EL POST,MIENTRAS TANTO TE DEJO UNOS TEMITAS PARA AMBIENTAR La música de Brasil es un vivo reflejo de la diversidad cultural de este país, con influencias indígenas, africanas y europeas. Además de la samba y la bossa nova, famosas en todo el mundo, hay varios géneros paradigmáticos que identifican la música brasileña. Como todas las expresiones de la cultura brasileña, la música de Brasil es una mezcla de muy diversas influencias, gestando a lo largo de su historia una gran variedad de ritmos regionales. Tradiciones musicales de Europa, ritmos africanos y estilos indígenas se han hibridado desde la época de la colonia para conformar un panorama de sonidos único en el mundo. La historia de la música de Brasil= se integra de dos corrientes: una tradición escrita y erudita, de raíz europea, y otra no escrita, popular, producto de la aculturación entre las músicas europeas, africanas e indígenas. Las fusiones genuinas entre diversos estilos y géneros han devenido en el crisol de ritmos brasileños que conviven en la actualidad, con el samba y la bossa nova como estandartes nacionales. Al conjunto de ritmos típicos de Brasil se le conoce como MPB, “Música Popular Brasileña”. El samba es un género musical surgido en Brasil, de raíces africanas, considerado el estilo musical nacional. Es una de las principales manifestaciones de la cultura popular brasileña, y un símbolo de la identidad nacional Las raíces del samba se remontan a África, principalmente Angola, donde la danza samba fue su predecesora. El nombre samba probablemente viene de esta centenaria música de estilo ritual. En América Latina y Brasil se utiliza como masculino (el samba), mientras que en España se utiliza como femenino (la samba). El samba no debe confundirse con la zamba (género musical completamente distinto, de Argentina, donde se pronuncia /la samba/). El samba se desarrolló como una forma distintiva de música en los inicios del siglo XX en Río de Janeiro (entonces capital del Brasil), bajo la fuerte influencia de los inmigrantes africanos del estado brasileño de Bahia. El título "escuela de samba" ("escola de samba" se originó durante el periodo de formación de este género. "Pelo Telefone" (1917), de Donga y Mauro Almeida, es generalmente considerada la primera grabación de samba. Su gran éxito trajo al nuevo género fuera de las favelas. Quién creó la música es inseguro, pero probablemente fue obra del grupo alrededor de Tia Ciata, entre ellos Pixinguinha y João da Bahiana. En los años treinta, un grupo de músicos liderados por Ismael Silva fundó la primera escuela de samba, Deixa Falar, en el barrio de Estácio de Sá. Ellos transformaron el género musical para que encajara mejor en el desfile del carnaval. En esta década, la radio difundió la popularidad del género por todo el país, y con el apoyo del presidente Getúlio Vargas, se convirtió en la música oficial del Brasil. En los años siguientes, el samba tomó muchísimas direcciones. Desde la elegante samba-canción (samba-canção) hasta las orquestas de batería que acompañaban el desfile del carnaval. Uno de estos nuevos estilos fue la bossa nova, hecho en un principio por gente de origen europeo de clase media. La bossa nova ganó popularidad mundial a través de los trabajos de João Gilberto y Antônio Carlos Jobim, entre otros, y llegó a Norteamérica con los álbumes de Gilberto junto al saxofonista de jazz estadounidense Stan Getz, y la banda sonora de Jobim de la película Black Orpheus (Orfeo negro) en 1959. En la década de 1960, el Brasil se dividió políticamente con la llegada de un dictador militar, y los músicos izquierdistas de bossa nova empezaron a prestar atención a la música hecha en las favelas. Muchos artistas populares fueron descubiertos en este período. Nombres como Cartola, Nelson Cavaquinho, Velha Guarda da Portela, Zé Keti, y Clementina de Jesus grabaron sus primeros álbumes. En los '70, el samba volvió a las ondas radiales con compositores y cantantes como Martinho da Vila, Clara Nunes y Beth Carvalho. En el inicio de la década de los '80, después de haber eclipsado su popularidad con la llegada de la música disco y el rock brasileño, el samba reapareció en el medio con un movimiento musical creado en los suburbios de Río de Janeiro. Era el pagode, un samba renovada, con nuevos instrumentos - como el banjo y el tantan - y un nuevo lenguaje que reflejaba el modo de hablar de mucha gente en ese entonces. Los artistas más populares fueron Zeca Pagodinho, Almir Guineto, Grupo Fundo de Quintal, Jorge Aragão y Jovelina Pérola Negra. El samba es extremadamente popular en Japón, especialmente en sus formas más tradicionales; tanto que algunos sambistas como Nelson Sargento, Monarco, y Wilson Moreira han grabado específicamente para el mercado japonés y empleado mucho tiempo en giras en este país. Hoy en día, el samba aún es uno de los géneros musicales más populares de Brasil. Algunos de los instrumentos mas usados son Mi favorito Subgeneros del Samba Pagode Ésta es la forma más difundida de samba en el Brasil. Empezó como un movimiento en los años 80, cuando tres nuevos instrumentos fueron introducidos con el Grupo Fundo de Quintal y otros en Cacique de Ramos: el tantan -un surdo más dinámico-, un banjo pequeño (con las mismas dimensiones y tonalidad que el cavaquinho) y el repique de mão (sonido manual). Usualmente es cantado por un solista, acompañado del cavaquinho, el violão y al menos un pandero. El pagode es cantado en la mayoría de las fiestas y las reuniones informales, siendo universalmente encontrado en bares y cafés al aire libre. Las letras son juguetonas, usualmente sobre enganches amorosos o algún asunto divertido. Algunos artistas famosos de pagode son el Grupo Fundo de Quintal, Grupo Pixote, Jeito Moleque, Sorriso Maroto, Jorge Aragão, Almir Guineto, Zeca Pagodinho, Seba Pastelero y Revelação. Neopagode Esta es una manifestación más nueva del pagode, no muy bien vista por los sambistas más serios. Se considera que empezó a ganar fuerza en Bahia Se hizo muy popular entre las clases bajas y algo popular entre las clases medias urbanas. Famosos artistas de neopagode son É o Tchan, Terra Samba. La bossa nova es un género musical de la música popular brasileña derivado del samba y con una fuerte influencia de jazz. En los inicios, el término se usó para designar una nueva manera de cantar y tocar el samba y vino a ser una “reformulación estética” dentro del moderno samba urbano carioca . Basándose en una instrumentación simple y un elegante manejo de las disonancias, desarrolló un lenguaje propio con un íntimo lirismo . Surgió a finales de los años cincuenta gracias a músicos como João Gilberto, Tom Jobim, Vinícius de Moraes y otros jóvenes cantores y compositores de clase media de la zona sur de Rio de Janeiro. Con el pasar de los años, la bossa nova se convirtió en uno de los movimentos más influentes de la historia de la música popular brasileña llegando a alcanzar proyección mundial. Algunos ejemplos fundamentales de Bossa lo constituyen canciones como “Garota de Ipanema” (La chica de Ipanema) y Chega de saudade compuestas ambas por Vinícius de Moraes y Antônio Carlos Jobim. Brega es un género musical popular brasileño. El término, originalmente considerado de carácter peyorativo y discriminatorio, fue siendo incorporado y asumido, perdiendo gradualmente con el tiempo este significado. Históricamente, los mayores cantantes del legítimo género brega están en el nordeste brasileño, siendo el pernambucano Reginaldo Rossi y el cearense Falcão dos de sus mayores representantes en la actualidad; el último sigue una línea de brega humorístico. Eventualmente, aún se confunde el brega con otros ritmos que poseen en común con él la característica del romanticismo excesivo, como el pagode que, sin embargo, no conserva las características propias del auténtico brega. La lambada es un ritmo creado en Brasil y un baile surgido en Pará, Brasil, en la década de 1970. Tiene como base el carimbó y la guitarrada e influencias de la cumbia y el merengue. El término "Lambada" proviene de una palabra portuguesa usada en Brasil que describe el movimiento de un látigo. Este movimiento ondulatorio y suelto es imitado por los cuerpos de los bailarines. La ambigüedad oscura de esta figura, es una de las cosas que distingue a la Lambada de otros bailes. La lambada adquirió fama mundial tras el éxito del grupo musical Kaoma titulado "Chorando se foi", en 1989. Esta fue una versión en ritmo lambada de la canción Llorando se fue, del grupo boliviano Los Kjarkas. Ciranda es un tipo de danza y música de Pernambuco. Es originaria de la región del Nordeste de Brasil, para ser más preciso de Itamaracá. Se cree que fue creada por las mujeres de los pescadores que cantaban y bailaban esperando que volvieran del mar. Se caracteriza por la formación de una gran ronda, generalmente en las playas y en las plazas, donde los integrantes bailan al son de un ritmo lento y repetido. El forró es un género musical (y una danza) brasileña que tiene sus orígenes en Europa. El forró es especialmente popular en las ciudades de Caruaru y Campina Grande, donde es símbolo de la Fiesta de San Juan, y en las capitales Fortaleza, Natal, Recife y Alagoas son promovidas como grandes fiestas y duran toda la noche. El forró también es el nombre dado a estas fiestas. El Forró es un conjunto de varios estilos musicales, y no de uno solo. Entre varios ritmos diferentes que son comúnmente identificados como Forró, se destacan el "Baião", el "Coco", el "Rojão", la "Quadrilha", el "Xaxado", el "Xote", y "Forro Dos Cumpadre". El frevo es un ritmo surgido en Pernambuco, estado del nordeste de Brasil, derivado de la marcha y del maxixé. Surgido en la ciudad de Recife a finales del siglo XIX, el frevo se caracteriza por un ritmo acelerado. Se ejecuta profusamente durante el carnaval pernambucano. En un comienzo eran frecuentes los conflictos entre blocos de frevo, donde se llevaban capoeiristas para intimidar a los blocos rivales. Incluso las sombrillas coloridas que son características de este baile se iniciaron como mecanismos de amenaza y/o defensa. De la mezcla del capoeira y el ritmo del frevo nace el Passo, danza del frevo que en la actualidad cuenta con más de 120 pasos catalogados (aunque según Nascimento do Passo, existen tantos pasos como pernambucanos vivos). La danza del frevo puede ser de dos formas. Una es la danza libre de la multitud, que ejecuta algunos pasos al son de la música interpretada por los blocos. La otra es el frevo complejo, ejecutado por bailarines más experimentados y que comprende una vestimenta especial y el uso de sombrillas. El frevo se ha desarrollado como música para el carnaval, en muchos casos basado en melodías simples destinadas al baile de las multitudes. La música gana vida acompañada del baile eufórico de la multitud, o de las acrobacias de los bailarines. Todo esto es potenciado por las características propias del carnaval pernambucano, que combina elementos de los carnavales ibéricos y centroeuropeos con elementos propios de la cultura negra africana e incluso indígena autóctona, configurando un espacio rico en multiculturalidad. Musicalmente, se trata de un ritmo que combina raíces africanas en las percusiones y los ritmos, con sonidos propios de las marchas europeas, la polka y ciertas reminiscencias de mambo y el jazz de Big Band. Durante el Carnaval de Recife y Olinda del año 2007 se celebraron y homenajearon los 100 años del frevo. El frevo fue declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la Unesco el 6 de diciembre de 2012. La Música Sertaneja o Sertanejo es un estilo musical que tuvo sus orígenes en el campo de Brasil en la década de 1920. El Sertanejo es actualmente el estilo de música más popular en Brasil, sin duda más que el samba, en la mayoría de los estados de dicho país (especialmente São Paulo, Minas Gerais, Goiás, Paraná y Mato Grosso do Sul); a pesar de que la samba sigue siendo muy popular en el estado de Río de Janeiro. Las canciones de Sertanejo han sido desde la década de 1990 el género musical más difundido en la radios brasileñas, siempre encabezando las listas de música de ese país. Además, desde 2000 hasta 2003 y desde 2009 en adelante, los álbumes de música sertaneja han tenido una categoría específica en el Grammy Latino. La mayoría de los intérpretes de la música sertaneja consisten en dúos conformados casi siempre por hermanos y por lo general actuando uno de ellos como vocalista. Los hombres han dominado tradicionalmente este estilo musical, aunque recientemente algunas mujeres (destacándose Paula Fernandes y Maria Cecília) también han logrado el éxito dentro del citado género. Un nuevo subgénero, llamado sertanejo universitario se ha desarrollado desde mediados de la década de 2000 en adelante en el estado de Mato Grosso do Sul, que consiste en un estilo más reducido y acústico, orientado hacia un preponderante destaque de las guitarras y ha crecido en forma masiva llegando a ser muy popular entre la juventud brasileña. Música popular brasilera o Música popular brasileña(en portugués: música popular brasileira) es un género musical brasileño. Para identificarlo también se utiliza el acrónimo MPB. Apreciado principalmente por la clase media urbana de Brasil, la MPB surgió a partir de 1966, con la segunda generación de la Bossa Nova. Posteriormente, la MPB pasó a incorporar elementos de procedencias varias como el rock y la samba, de la música pop y del samba, teniendo artistas famosos como Maria Beth"nia, Gilberto Gil, Chico Buarque y otros. A finales de la década de 1990 la mezcla de la música latina influenciada por el reggae y el samba. A pesar de incorporar varios géneros musicales, la MPB no debe ser confundida con la música de Brasil, ya que ésta abarca diversos géneros de la música nacional brasileña, como el baião, la bossa nova, el choro, el frevo, la samba rock, el forró, la samba-reggae y la propia MPB. El Tropicalismo, Tropicália o Movimiento Tropicalista fue un movimiento musical brasileño de intención renovadora, desarrollado a finales de los años 60. El movimiento debe su nombre a Caetano Veloso y supone la fusión de elementos de la bossa-nova, el rock'n roll, psicodelia, la música tradicional de Bahía y el fado portugués. A su vez Caetano lo tomó de una instalación y desarrollo conceptual llamado Tropicalia de Hélio Oiticica, un artista de vanguardia de ideas anarquistas. Éste había creado estas instalaciones en 1967, donde se englobaban el cine, las artes plásticas, el teatro y la música y que incitaba a los brasileños a renovarse en todos los campos, eso en plena dictadura militar. El Tropicalia, pierde su espíritu contestario y renovador, para convertirse en Tropicalismo y ser un nuevo producto comercial y objeto de deseo reivindicado por la moda pero sin contenido, Hélio Oiticica abandona en 1970 para seguir con su carrera en Estados Unidos. El álbum colectivo Tropicália ou Panis et Circensis puede considerarse el manifiesto de este movimiento. Sus representantes más significativos son Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa, Os Mutantes, Tom Zé, Nara Leão y Rogério Duprat, así como los poetas Torquato Neto y José Capinan. Aunque logró poco éxito comercial fuera del Brasil, el tropicalismo ha influido a importantes músicos como David Byrne, Beck Hansen, Kurt Cobain y Devendra Banhart. En 1998, Beck lanzó el álbum Mutations que incluye el sencillo Tropicalia, homenaje a este tipo de música. LES DEJO UNOS VIDEITOS MAS

Kim Dotcom (nacido Kim Schmitz en Kiel, Alemania, el 21 de enero de 1974), conocido como Kimble por sus amigos, es un empresario e informático finlandés-alemán, fundador del sitio web Megaupload y de otros sitios asociados. Antes de hacerse empresario, fue condenado por fraude con tarjetas de crédito, piratería informática, abuso de información y malversación. En 1998, Schmitz fue condenado a una sentencia probatoria de dos años por fraude informático y manejo de bienes robados. Según un informe de News & Record, había negociado con números de tarjetas telefónicas robadas que compró a hackers en Estados Unidos En 1994, Schmitz fundó una empresa de seguridad informática llamada DataProtect.En 1999, DataProtect e ingenieros de IVM presentaron el "Megacar", una versión del Mercedes Benz que combinó 16 módulos GSM para proporcionar acceso a Internet móvil de banda ancha. En 2000, Schmitz vendió el 80 por ciento de las partes de DataProtect " a TÜV Rheinland ". En 2001, TÜV DataProtect quebró En 2001, Schmitz compró acciones por valor de 375.000 dólares de la empresa casi quebrada LetsBuyIt.com y posteriormente anunció su intención de invertir 50 millones de euros en la empresa. Sin que nadie lo supiese, Schmitz no tenía los fondos disponibles para invertir dinero, pero el anuncio causó que el valor de las acciones de LetsBuyIt.com aumentaran casi un 300%. Schmitz vendió rápidamente sus acciones, sacando con ello un beneficio de 1,5 millones de dólares. Schmitz también había obtenido un crédito en descubierto de 280.000 euros de Monkey AG, empresa para la cual Schmitz había trabajado como Presidente del Consejo. Los fondos debían ser pagados a Kimvestor AG. Por consiguiente, tanto Monkey AG como Kimvestor quebraron. En enero de 2002, Schmitz fue detenido en Bangkok, Tailandia, deportado a Alemania, y condenado a una sentencia probatoria de un año y ocho meses, y una multa de 100.000 euros, reconociendo su caso como el caso de abuso de información más grande en Alemania entonces. Schmitz también se declaró culpable a la malversación en noviembre de 2003 y recibió una sentencia de dos años de prueba. El 21 de marzo del año 2005 fundó en Hong Kong el sitio de alojamiento virtual Megaupload, que años más tarde se convertiría en uno de los sitios más destacados del mundo en esa categoría, y pionero para otros sitios que funcionaban de una forma parecida. Megaupload ayudó a que DotCom amasara una gran fortuna, ya que el sitio operaba con el modelo freemium, en la cual los usuarios casuales podían descargar, los registrados podían subir archivos y descargar, mientras que los usuarios premium no tenían límites de velocidad a la hora de descargar, ni de Megabytes descargados por día ni de minutos de streaming de video. A estos últimos usuarios se les cobraba una cuota fija, permitiéndoles compartir cualquier tipo de contenido en diversos formatos, ofreciendo para ello servicios distintos dentro del mismo portal, tales como Archivos, Video, o Fotos. El 19 de Enero tiene pensado realizar el estreno de la continuación de megaupload, con un servicio nuevo basado en la encriptación de los datos que suban los usuarios a los servidores en Mega El servidor ya funciona en todo el mundo. En diciembre de 2011 Megaupload publicó un video de música promocional. Su nombre fue Megaupload Song y fue interpretado por diversos artistas. Universal Music Group (UMG), procedió a demandarlo por esto y solicitó a YouTube eliminar el video. No obstante Kim Dotcom respondió a las mismas alegando que eran falsas. UMG argumentó tener un contrato de exclusividad con YouTube. Este les confería la capacidad de eliminar cualquier video que tuviera relación con sus artistas. Todo esto fue desmentido por el sitio de vídeos que volvió a permitir que la canción estuviera disponible. El 20 de enero de 2012 la policía de Nueva Zelanda lo puso bajo custodia. Se lo acusó de violar la ley de propiedad intelectual a través de su portal Megaupload. Dotcom fue encarcelado junto con 5 de sus empleados. Todos los dominios de la empresa Megaworld -entre ellas Megaupload- fueron cerrados. El 22 de Febrero fue liberado bajo fianza. Se le impuso la condición de no alejarse más de 80 Km de su residencia. Tiene prohibido el acceso a Internet. El 1 de marzo el periodista John Campbell de "Campbell en vivo" lo entrevistó. En este reportaje Dotcom proporcionó algunos aspectos de su defensa. Este último explicó entre varias cosas, la imposibilidad de controlar todo el contenido que circula por su sitio. Además Estados Unidos tiene leyes de privacidad tales como la Ley de Privacidad de Comunicación Electrónica. Esta prohíbe a los administradores de los sitios Web indagar en la información de sus usuarios. La causa todavía se encuentra en proceso judicial.

"Shine on You Crazy Diamond" es una composición épica de nueve partes de Pink Floyd cuyas letras fueron escritas por Roger Waters, como tributo al miembro fundador de la banda Syd Barrett, y música compuesta por Waters, Richard Wright, y David Gilmour. Fue tocada por primera vez en el tour de 1974, y grabada para el álbum conceptual de 1975 Wish You Were Here. La canción fue hecha con la intención de que durara todo un lado del disco como "Atom Heart Mother" y "Echoes", pero resulto más larga de lo que un solo lado del vinilo permitiría, por lo que fue separada en dos partes al principio y al final del álbum. Es la canción más larga del grupo (juntando sus dos partes) hasta el momento, durando 26:11, seguida de Atom Heart Mother del álbum Atom Heart Mother, de 23:42, y de Echoes del álbum Meddle, que dura 23:34. El nombre de la canción hace referencia a Syd Barrett: Shine on You crazy Diamond. link: http://www.youtube.com/watch?v=8UXircX3VdM Sucedieron dos cosas muy extrañas durante la grabación del álbum Wish You Were Here, ambas involucrando a la canción "Shine on You Crazy Diamond". Según David Gilmour y Nick Mason de Pink Floyd, en el episodio Wish You Were Here de In the Studio with Redbeard, la banda grabó una toma satisfactoria, pero gracias a una nueva consola instalada en Abbey Road (estudios), un eco excesivo de los otros instrumentos sobre la batería hicieron que la banda lo re-grabara. Nick Mason dijo: "Con la invención de 16 pistas y la cinta de dos pulgadas se creía por mucho tiempo que habría problemas editando una cinta tan grande. Consecuentemente cuando tocábamos estas piezas, lo hacíamos de principio a fin. Especialmente Roger y yo, por tocar la sección rítmica, lo que seria colocado primero, esto era (riendo entre dientes) un trabajo bastante difícil porque todo tenía que estar bien". link: http://www.youtube.com/watch?v=BLKiMbC6s2k En el otro incidente, un hombre fornido y con la cabeza y las cejas completamente afeitadas, vistiendo una chaqueta blanca, zapatos blancos y llevando consigo una bolsa de plástico en las manos entró al estudio mientras la banda grababa "Shine On You Crazy Diamond", aunque Nick Mason ha declarado que no esta del todo seguro si fue en la grabación de esta canción en particular en la que el hombre entró al estudio. La banda no lo pudo reconocer por un tiempo, cuando de repente uno de ellos se dio cuenta de que era Syd Barrett. Para ese momento, Barrett había ganado mucho peso (cuando le preguntaron, él contestó: "He estado comiendo mucho, he comido muchas chuletas de cerdo" y había afeitado todo su pelo, incluso sus cejas, y su ausencia durante cinco años hizo que sus ex-compañeros se tomaran un tiempo en identificarlo. Finalmente, se dieron cuenta de quién era y Roger Waters estaba tan apenado que se quebró en llanto. Aparentemente, cuando tocaban "shine on You Crazy Diamond", Barrett se paró y dijo: "Bueno, ¿cuándo me pongo mi guitarra?" El tecladista Rick Wright dijo: "Y por supuesto, él no llevaba una guitarra consigo y le dijimos, 'lo sentimos, Syd, ya grabamos las guitarras'". link: http://www.youtube.com/watch?v=bT7bbgsyzKc Cuando le preguntaron qué pensaba sobre Shine on You Crazy Diamond, Barrett dijo que sonaba "un poco vieja". Él fue recibido con entusiasmo por la banda pero, posteriormente, se fue durante la improvisada fiesta por la boda de David Gilmour (que coincidió con ese día). Esa fue la última vez que el resto de la banda lo vio. Coincidentemente, años despúes durante la producción de el filme de Alan Parker, "The Wall", dicho suceso se ve reflejado evidentemente. El personaje principal, Pink (una clara alusión a Syd Barrett), gradualmente pierde la noción de la realidad, causandole un estado depresivo y desinteresado; justamente de la misma manera en la que Syd perdió el juicio y su estabilidad. Al punto del colapso emocional, Pink pierde la cordura completamente hasta el punto en el que se rasura el cuero cabelludo y las cejas completamente. El suceso durante la grabación de "Shine On you Crazy Diamond" fue tan determinante que posteriormente se vio reflejado durante otros projectos de la banda Britanica. Durante estas escenas en el filme, "Comfortably Numb" era interpretada, una canción que claramente hace alusión a el abuso de estupefacientes que Syd, y otros integrantes de la banda, frecuentaban. Por otro lado Rick Wright comentaría: "Fui al estudio en Abbey Road, Roger estaba sentado, mezclando en la consola y yo vi a este gran tipo calvo sentado detrás de Roger y no pensé nada de él, en aquellos días era normal que personas extrañas vagabundearan en las sesiones. Entonces Roger dijo, '¿Sabes quién es este tipo?, ¿lo sabes? Es Syd'. Eso fue un gran shock, porque yo no lo había visto en seis años". link: http://www.youtube.com/watch?v=waSUoY_i34c Parte I (Wright, Waters, Gilmour; :00 – 3:56) comienza con una intro en fade de un pad de sintetizador denso creado con EMS VCS 3, una ARP Solina, un órgano Hammond y el sonido de dedos mojados recorriendo el filo de copas de vino con diferentes cantidades de agua (reciclado de un proyecto anterior conocido como Household Objects). Seguido por pasajes de un lastimero Minimoog y un largo solo de guitarra tocado por David Gilmour en una Fender Stratocaster usando una suave distorsión y Reverberación. La armonía cambia de Sol menor a Re menor en el minuto 2:26, después cambia a Do menor, y de nuevo a Sol menor. Esto se repite, y la parte termina con el pad de sintetizador en fade. Parte II (Gilmour, Waters, Wright; 3:55 – 6:28) Empieza con un Riff (Si-bemol, Fa, Sol (a tercera menor bajo el Si-bemol), Mi) repetido a través de casi toda la sección. Esto lleva la armonía a Do mayor (En comparación con el uso de Do menor en la parte I), y esto se debe a que la última nota es Mi (y no Mi-bemol). La transformación de menor a mayor se nota, y hace que este tema, en este contexto, demuestre su "brillo". En esta parte también se incluye un segundo solo de guitarra de Gilmour. Nick Mason empieza la batería luego de la cuarta repetición del tema de cuatro notas, que es el punto donde los riff cambian el tiempo. Parte III (Waters, Gilmour, Wright; 6:29 – 8:43) Empieza con un solo de sintetizador Minimoog de Richard Wright. Esta parte incluye un tercer solo de guitarra de David Gilmour al estilo blues. Cuando fue tocado en el tour Animals , Gilmour agregó distorsión a la guitarra para este solo. Parte IV (Gilmour, Wright, Waters; 8:44 – 11:10) Roger Waters es el cantante principal y David Gilmour, Richard Wright y voces femeninas de fondo cantando la armonía. Parte V (Waters, 11:10 – 13:30) tiene dos guitarras repitiendo un riff por cerca de un minuto. un saxofón barítono sobrepasando los sonidos, tocado por Dick Parry. termina cuando los saxofones cambian de un saxofón barítono a un saxofón tenor. luego, el tiempo cambia de 6/8 al común (4/4) dando la sensación de que el tiempo acelera el saxofón, y suelta a la guitarra y la batería y abre a un solo de saxofón tenor acompañado por un sonido de ARP String de un teclado sintetizador y un riff arpegiado en guitarra que va en fade hasta transformarse en telón. Un ronquido como el de una máquina aparece en fade in y se une con "Welcome to the Machine". link: http://www.youtube.com/watch?v=DG4OMNR5vD4 Parte VI (Wright, Waters, Gilmour; :00 – 4:55) Comienza con fuerte viento que viene de la canción anterior "Wish You Were Here". Mientras el viento se va en fade, David Gilmour entra con el bajo. Roger Waters incluye otro bajo en un continuo patrón de riff. Después Rick Wright entra tocando un sintetizador ARP string y luego de unos compases, varias partes de guitarra rítmica (Gilmour tocará la parte rítmica usando su Fender Stratocaster negra antes de cambiar a la lap steel guitar para el solo en presentaciones en vivo de 1974 a 1977. Parte VII (Waters, Gilmour, Wright; 4:56 - 5:59) contiene las secciones vocales, casi idéntica a la parte IV(a través de la mitad de la duración de la parte) antes de unirse con la parte VIII. Parte VIII (Gilmour, Wright, Waters; 6:00 – 8:59) Empieza con Roger Waters tocando una segunda guitarra eléctrica por un riff agudo mientras Gilmour toca un riff arpegiado que une la parte VII con la VIII. Una clara progresión de ritmos por casi dos minutos que luego se irán lentamente en fade mientras una sola nota de teclado entra cerca del minuto 9. Parte IX (Wright, 9:00 – 12:22) Tocada en un tiempo de cuatro por cuatro. En una entrevista David Gilmour describió la parte IX como "una lenta 4/4 marcha fúnebre... un elogio musical para Syd". La batería suena en la mitad de esta parte y el teclado toca el minuto final antes de desvanecerse, se puede escuchar una pequeña parte de la melodía de See Emily Play" (12:07), una de las canciones escritas por Syd Barrett en Pink Floyd. link: http://www.youtube.com/watch?v=GKWtDf3MX9c