Stallin

The Beatles - La Historia Detras De «Revolution» Hola a todos los taringueros. Esta vez regreso para traerles la historia de una de las canciones mas emblemáticas y tal vez la canción mas política del the Beatles, Revolution la cual fue lanzada a mediados de 1968 junto a hey jude. Este tema tiene tres versiones muy distintas una de la otra la cuales también estaremos hablando. Bueno espero que les guste mi aporte. Origen de la canción En la primavera de 1968, el mundo parecía no tener descanso. Por un lado, surgían un sinnúmero de manifestaciones en contra de la guerra de Vietnam; por otro, la urss y los ee. uu. se encontraban al borde de la tercera guerra mundial, acababa de ocurrir el asesinato de Martin Luther King y, en las principales ciudades del mundo, estudiantes eran sometidos por rebelarse en contra del gobierno. En México, hubo revueltas de estudiantes de la UNAM ese año, el 2 de octubre, esa revuelta se conoce como la Matanza de Tlatelolco . En Alemania, las tensiones académicas pudieron poner en peligro el equilibrio de los bloques oriental y occidental. También era la época de la Primavera de Praga. En Inglaterra, existieron distintas revueltas organizadas por estudiantes, comenzando en la prestigiosa Escuela de Economía de Londres. La Universidad de Birmingham fue ocupada por un grupo de estudiantes en enero. El mes siguiente, ocurrió lo mismo en Leicester. El 17 de marzo, 25 000 personas se manifestaron en Grosvenor Square contra la Embajada de los Estados Unidos, un evento en el que Mick Jagger, líder de The Rolling Stones, participó. Al mismo tiempo, el movimiento de mayo de 1968 nacia en Francia. En fin, el mundo estaba hecho una revolución y The Beatles vieron la oportunidad perfecta para afinar sus guitarras y hablar sobre esos temas. A pesar de que la canción «Revolution» surgió en un momento de efervescencia política y social, su concepción sucedió lejos de todo esto. John Lennon escribió y compuso la canción en Rishikesh, India, durante un viaje de meditación con los demás beatles a finales del invierno de 1967. Su retiro no hizo que se aislara del todo, mucho menos de noticias de carácter mundial. Así que Lennon aprovechó la oportunidad para hacer una canción que comunicara al mundo lo que él pensaba acerca de las revoluciones. "Revolution" es la primera canción abiertamente política de The Beatles. De hecho, Brian Epstein, manager de la banda, siempre había estado en contra de que se manifestaran políticamente, una prohibición que se extendió a las letras de las canciones. Cuando Epstein murió el 27 de agosto 1967, sin duda precipitó las cosas, porque, como dijo John Lennon en 1970: "Quise decir lo que pensaba de la revolución. Sentí que era hora de hablar, era hora de por fin responder a las preguntas sobre la guerra de Vietnam" «En una de las últimas giras me dije: “Voy a responder a la guerra. No podemos ignorarla.” Yo definitivamente quería que The Beatles dijeran algo acerca de la guerra.» John Lennon El hecho de que surgieran nuevos paradigmas y formas de pensamiento que explicaran y dieran solución a todos los problemas que aquejaban al mundo de ese entonces, llevó a John a cuestionarse sobre el sentido de los movimientos juveniles y a confrontarse con todos aquellos que se hacían llamar «revolucionarios», haciéndoles ver los errores en los que estaban cayendo mediante las diversas formas de tratar de cambiar al mundo. Las Sesiones De Grabación Al regresar del retiro espiritual de Rishikesh en el ashram del Maharishi Mahesh Yogi, The Beatles se reunieron en la casa del guitarrista George Harrison en Esher, Surrey, para ensayar y reproducir las cintas (demos) de las canciones compuestas en la India. "Revolution 1" fue la primera canción grabada para el White Album. A partir del 30 de mayo de 1968, comenzaron las grabaciones en los estudios de EMI en Abbey Road, y John Lennon comenzó a trabajar en el título de la canción. Durante las próximas sesiones de grabación en los estudios EMI, dieciocho tomas de "Revolution" fueron grabadas en un periodo en que se crearon otras canciones como "Hey Bulldog". La última toma consintió en un largo jam de más de 10 minutos, cuando John Lennon llegó a la conclusión diciendo: (Bueno, he tenido suficiente!). Estas pistas grabadas,sirvieron como base para crear dos canciones del álbum: "Revolution 1" y "Revolution 9". la grabación de la pista que finalmente se convirtió en revolution 1 tenia a John Lennon y George Harrison en la guitarra acústica, Paul McCartney en el piano, Ringo Starr a la batería. Después se agregaron distintos overdubs que consistían en la voz de Lennon, el bajo de McCartney, los coros de Harrison y McCartney, y el "waoum shoobidoo wap" en los coros. La sesión del 4 de junio 1968 sería memorable. John Lennon, que quería que su voz sonara diferente,por eso grabo nuevamente su voz pero esta vez totalmente tumbado en el piso(era la unica forma en la que lograria sacar un sonido totalmente relajado)ademas alargó su voz utilizando tecnología del estudio. McCartney y Harrison participaron activamente en la cancion, poniendo un coro en la voz de falsete en la que repetía "mama, papa, mama, papa". se añadieron instrumentos de percusion, un órgano, un largo solo de guitarra de Harrison, diversas modificaciones de la voz y dos bucles de sonido, creando de esa manera la toma 20 de la canción. A pesar de todo, nada de este material sería y sólo los primeros 4 minutos de la toma 20 fueron utilizados para hacer "Revolution 1" del White Album, mientras que el resto sería recuperado por John Lennon y Yoko Ono para crear "Revolution 9". «Count me out if it’s for violence. Don’t expect me on the barricades, unless it’s with flowers.» / «No cuenten conmigo si de violencia se trata. No me esperen en las barricadas, a menos que sea con flores.» John Lennon "Revolution 1", que termina en fade-out, fue terminada el 21 de junio de 1968, aunque Paul McCartney no colaboró en esta última grabación debido a que se encontraba en los Estados Unidos. La duración de la canción fue reducida y se incluyó la sección de vientos, cuatro trombones y dos trompetas. George Harrison añadió una última parte de la guitarra eléctrica para así dar por terminada la canción en la toma 22. Ese mismo día John Lennon grabó la famosa frase "number nine, number nine" para "Revolution 9", canción en la que ya estaba trabajado en los días anteriores con Yoko Ono en los estudios EMI. La versión titulada «Revolution 1» —la más calmada—, se eligió para ser parte del álbum The Beatles —mejor conocido como «White Album»— en noviembre de 1968, ya que se acercaba más al sonido de la banda en ese momento, lo cual no le agradó en absoluto a John. Él había sugerido que «Revolution 1» fuera el single que promocionara tanto al nuevo disco como a la nueva marca discográfica de The Beatles —Apple Records—, pero los otros miembros del grupo y el productor, George Martin, sintieron que por ser muy tranquila no captaría la atención del público. Versión Final de "Revolution 1" link: http://www.youtube.com/watch?v=JHu-JF8iBMI Revolution Lennon se dedicó a modificar su canción varias veces, con el propósito de que Paul pudiera ver lo que él estaba tratando de transmitir, pues él creía que la verdadera revolución era la que ocurría en la mente y no en las calles. Según John, el mundo cambiaría para bien, siempre y cuando el cambio viniera desde adentro, en vez de hacerlo por medio de la violencia. Es por ello que, entre la versión original y la versión rock, hay un cambio en la letra: mientras que en la primera dice «count me in», en la segunda versión cambia a «count me out», haciendo referencia al lado violento de las revoluciones y dando a ambas letras distintos sentidos y significados. En esta nueva producción de revolution presenta a ringo starr en la bateria, un par de guitarras con fuzz,distorsionadas, en el centro amortiguado por un limitador de McCartney se arrastra tras la burlona voz de lennon que se persigue a si misma con una espontaneidad ruda y descuidada que se convierte en un acierto por si misma. You say you want a revolution . Well you know. We all want to change the world . You tell me that it’s evolution . Well you know . We all want to change the world . But when you talk about destruction , don’t you know you can count me out? Don’t you know it’s gonna be alright ? Alright, alright. Aquí un raro Demo de Revolution.. link: http://www.youtube.com/watch?v=utulKt_ub2I Luego de varias semanas y de lanzar dos sencillos más, Lennon se apresuró a modificar su canción y experimentó en los estudios Abbey Road con sonidos distorsionados y volúmenes exorbitantes, con la intención de que el tema expresara lo que trataba de decir. El 9 de julio de 1968, después del remake de «Ob-La-Di, Ob-La-Da», The Beatles iniciaron los arreglos musicales de «Revolution». La canción fue, por fin, terminada, grabada y lanzada el 26 de agosto en los ee. uu y en el Reino Unido el 30 del mismo mes como parte del lp Hey Jude, en el b-side del disco La forma musical es un rock simple y de progresión con acordes de rollo, pero de elementos altamente procesados y enfoque hiperbólico distinguido en casi toda la pista. El sonido de "Revolution" es a menudo citado como presagio del heavy metal. Revolution 9 "Revolution 9" es un collage sonoro que apareció junto con "Revolution 1" en el White Album. No se puede tratar como una canción ya que es una mezcla de más de cien sonidos que Lennon y su pareja Yoko Ono elaboraron. Se trata de un tema principalmente experimental y concreto. De todas las canciones del grupo que pertenecieron a un álbum, esta es la más larga con una duración de 8:22. Así como "Revolution" estuvo inspirada por los disturbios parisinos de mayo de 1968, "Revolution 9" expresaba la captura de la violencia de una revolución futura. Con sus ocho minutos y veintiún segundos, es la canción más larga del álbum, como también la canción más larga que los Beatles lanzaran oficialmente. Entender "Revolution 9" es irracional, ya que no tiene interpretación posible. Sin embargo, sabemos de dónde han salido varios de los sonidos: Después de una introducción con un piano tomado de una canción no terminada de Paul McCartney, puede escucharse la voz de John Lennon repitiendo las palabras "number nine". Esta frase va perdiendo y ganando intensidad como un motif. Después, el caos: tonadas al revés, gritos, repeticiones, sonidos de animales, y muchos más bucles de cintas. Como algunas partes de "Revolution 9" son partes de otras canciones (hay pedazos de Sibelius o de Beethoven, por ejemplo), la pieza puede verse como un temprano ejemplo de muestreo. Otros elementos acústicos perceptibles son varios fragmentos aparentemente de diálogos sentido, art trouvé, sonidos en reversa, y hasta coros de fútbol americano. El corte fue grabado de manera similar a las cintas de Tomorrow Never Knows, con gente dándole vueltas a bucles de cintas con lápices por los 3 estudios de Abbey Road. John las mezcló en directo, y posteriormente añadió con George líneas muy extrañas como "the watusi", "the twist", "economically viable", "financial imbalance", etc. La inclusión del tema en el álbum, fue causa de varias discusiones entre Lennon y McCartney, sin embargo al final el tema se incluyó, y es parte de su discografía. Estos son algunos de los sonidos mas reconocibles en el collage: .Voz diciendo Number Nine, de la fonoteca de Abbey Road. (Es la más perceptible) .Un coro con violines al revés. .Mellotron Mark al revés (Lennon) .Gritos diciendo "Ride! Ride! Ride!" .Gritos de mujer, llantos de bebés .Extracto de la orquesta de "A Day In The Life" .Madera tronando como fuego .George Martin diciendo "Geoff, put the red light on" repetido y con mucho eco. .Voz de mujer diciendo "Baby, it's not that……if you become naked..." "…in balance, the watusi, the twist…" "Take this brother, may serve you well" Version Final de Revolution 9 link: http://www.youtube.com/watch?v=fs_LHpiYUF0 Lanzamiento y recepción Revolution en su versión eléctrica seria lanzada como single promocional de lo que seria al álbum blanco, junto a Hey jude el 26 de agosto en los Estados Unidos y en el Reino Unido el 30 del mismo mes. el single alcanzo el puesto numero 12 en los charts americanos.En el Reino Unido alcanzo el top 10 mientras que en países como Australia,Canada,Nueva Zelanda alcanzaba el primer lugar de las listas. "Revolution", más adelante apareció en el 1970 EE.UU. álbum recopilatorio Hey Jude.Fue la primera vez que la canción apareció en estéreo. Lennon tiempo después en una entrevista de 1974 diría que que no le gustaba la mezcla estero de la canción y que la versión mono era una grabación mas pesada y que era su favorita. La canción fue lanzada en otras compilaciones, incluyendo 1967-1970 y Past Masters . Fue remezclado para el año 2006 para el album Love. Entre los críticos de música más respetados como David Marsh que incluyo a "revolución" en su libro de 1989 "los 1001 sencillos mas grandes de todos los tiempos" , lo describió como una "joya", con una "rock and roll feroz con fuzz y distorsión" y un "gruñido" vocal de lennon. El Escritor musical de Allmusic, Richie Unterberger a llamado a "Revolution" uno de los "una de las grandes y furiosas canciones de rock " de la carrera de the beatles con "desafiantes y ardientes letras", donde oyes de inmediato el primer golpe antes de que Lennon entra en el primer verso". Políticamente, el lanzamiento de "Revolution" provocó una respuesta inmediata de la Nueva Izquierda y la contracultura en prensa mundial:La revista "Murallas" califico la canción como una "traición", y la New Left Review . dijo que la canción era "un grito pequeño burgués lamentable del miedo".estas declaraciones contrastaron con otras las cuales dijeran que "Revolución", fue una canción inspirada en Street Fighting Man "de los Rolling Stones la cual tambien trata sobre hechos similares y liberados de la misma época: ". fue percibido como más apoyo a su causa por otros sectores de la izquierda los cuales elogiaron a los Beatles para rechazar el radicalismo y la defensa del "idealismo pacifista". Datos curiosos sobre «Revolution» A pesar de que el título de la canción es «Revolution», la palabra sólo se escucha una vez. En 1987, la canción fue utilizada en un comercial de la marca Nike, siendo la primera vez que una versión original de la banda era escuchada en televisión. Los fans se volvieron locos y culparon a Michael Jackson —dueño de la mayoría de las canciones de The Beatles— y a Yoko Ono por haberlo permitido. El comercial no duró mucho tiempo al aire. El sonido sucio de la guitarra fue creado al conectarla directamente a la tarjeta de audio. Sonaba tan distorsionado que muchos de los que compraron el single, intentaban regresarlo a las tiendas pensando que estaba defectuoso. John Lennon quería que su voz tuviera un sonido inusual, por lo que la grabó acostado en el estudio. El famoso grito al principio de la canción fue logrado con una doble grabación. Varios artistas y bandas se han encargado de hacer sus propios covers de la canción de The Beatles: Mötley Crüe, Mercy Me, Big Time Rush, Jim Sturgess —para la película Across the Universe (2007)—, The Head Shop y Stone Temple Pilots. Finalmente La Canción... link: http://www.youtube.com/watch?v=tH9zG28GQEg You say you want a revolution well, you know we all want to change the world you tell me that it's evolution well, you know we all want to change the world but when you talk about destruction don't you know that you can count me out don't you know it's gonna be all right all right, all right You say you got a real solution well, you know we'd all love to see the plan you ask me for a contribution well, you know we're doing what we can but when you want money for people with minds that hate all i can tell is brother you have to wait don't you know it's gonna be all right all right, all right ah Ah, ah, ah, ah, ah... You say you'll change the constitution well, you know we all want to change your head you tell me it's the institution well, you know you better free you mind instead but if you go carrying pictures of chairman mao you ain't going to make it with anyone anyhow don't you know it's gonna be all right all right, all right all right, all right, all right all right, all right, all right Bueno espero que les haya agradado mi post, de esta gran canción. Si quieren pueden visitar mis demás post de el rock clasico. http://www.taringa.net/posts/info/15717598/La-Historia-Detras-de-_Like-A-Rolling-Stone_.html http://www.taringa.net/posts/info/15637470/La-Historia-De-Strawberry-Fields-Forever.html http://www.taringa.net/posts/info/15892805/La-Historia-de-Come-Together.html http://www.taringa.net/posts/musica/16412286/Bandas-De-Los-60-s-Que-tal-Vez-No-Conocias.html http://www.taringa.net/posts/info/16908380/Las-Guitarras-de-Jimi-Hendrix.html http://www.taringa.net/posts/info/16498476/Las-historias-nunca-antes-reveladas-de-Los-Beatles.html ¿te Gustan Mis Aportes De Musica y Descargas? @Stallin

Las 20 Mejores portadas de la revista 'Rolling Stone' ¿te Gustan Mis Aportes De Musica y Descargas? @Stallin Hola que tal taringueros. esta vez les traigo un interesante ranking que nos muestra las 20 portadas mas famosas de la historia de la revista rolling Stone. en estas portadas veremos desde john lennon hasta bono pasando por michael jackson. bueno espero que les guste mi post. 20. Rolling Bono Bono, el líder de U2, en una portada del año 2006 19. Rolling homer Tercera portada del número dedicado a los Simpson, con Homer tomando el lugar de Bruce Springsteen. 18. Rolling simpsons Otra de las portadas, esta vez recreando el 'Abbey Road'. 17. Rolling bart En noviembre de 2002, 'Rolling Stone' sacó una edición con tres portadas diferentes de 'Los Simpsons'. Una de ellas, recordando al legendario álbum de Nirvana 16. 11 de Septimebre Número especial de la revista por el 11-S. 15. Rolling clinton La política también ha ocupado un espacio importante en 'Rolling Stone'. El presidente de EEUU Bill Clinton en la portada del número de diciembre de 1993. 14. Rolling janet Una atrevida Janeth Jackson posó así para los fotógrafos de 'Rolling Stone' en septiembre de 1993. 13. Nirvana Kurt Cobain y su banda en la portada del número de abril de 1992 12. Rolling arnold Antes de ser gobernador de California, Arnold Schwarzenegger fue actor. Con el 'look' de 'Terminator', la revista le llamó 'El jefazo'. 11. Madonna ]En junio de 1991, 'Rolling Stone' dedicó la portada a Madonna, que entonces, como ahora, era la reina del pop. 10. Jim morrison En septiembre de 1981, 'Rolling Stone' titulaba: 'Jim Morrison; es caliente, es sexy, y está muerto' 9. John y Yoko John Lennon y Yoko Ono en una de las portadas más famosas de la historia, en el número de enero de 1981. 8. Elvis Presley Elvis Presley, en el número de septiembre de 1977. 7. Paul McCartney Paul McCartney lideraba en junio de 1976 al grupo The Wings y puso esta cara de niño malo en la portada de la revista, que además incluye una entrevista con la periodista italiana Oriana Fallaci. 6. Marlon Brando Un Marlon Brando en plena cúspide de su carrera posó para los fotógrafos de la 'Rolling Stone' en mayo de 1976. 5. David Bowie David Bowie en la portada de 'Rolling Stone' de febrero de 1976. 4. Rolling Stones Los Rolling Stones se preparan para su gira de 1975 y la revista del mismo nombre les dedicó la portada de julio de se año. 3. Alice Cooper Era marzo de 1972 y Alice Cooper era el rey del rock. 2. Michael Jackson Un irreconocible Michael Jackson, en este número de abril de 1971, que incuye un reportaje del legendario periodista Hunter S. Thompson. 1. John Lennon La mítica revista 'Rolling Stone' celebra un millas de ediciones. El protagonista de su primer número fue John Lennon. El ex Beatle ocupó esta otra portada, en enero de 1971. Bueno espero que les haya agradado mi post, espero su opinion y por no olviden seguirme. nos vemos.

Las mejores portadas del rock: The Beatles, “Yesterday and today” “Las tiendas se negaban a vender el álbum debido a su macabra cubierta, y eso a pesar de que se habían borrado con aerógrafo las manchas de sangre en las batas blancas de The Beatles” La portada más macabra de los Beatles se editó para Estados Unidos, pero allí molestó y fue censurada. Esta es su historia. Fotografía: Robert Whitaker. Fecha de edición: 20 de junio de 1966. Discográfica: Capitol. En la primavera de 1966, el sello norteamericano de The Beatles quiso poner en circulación otro de aquellos discos batiburrillo en los que combinaban distintas canciones de los álbumes oficiales del grupo con la intención de rentabilizar su gira por aquel país de aquel mismo año. “Yesterday and today” se convirtió así en el noveno álbum editado por Capitol Records para aquel mercado en junio de 1966. En el disco aparecieron seis canciones provenientes de los álbumes británicos “Help!” y “Rubber soul”, las cuales no habían sido publicadas aún allí en ningún álbum: ‘Act naturally’ y ‘Yesterday’ del primero, y ‘Drive my car’, ‘Nowhere man’, ‘If I needed someone’ y ‘What goes on’ del segundo. Se incluyó también el single de doble cara A ‘Day tripper’ / ‘We can work it out’ y tres canciones de su siguiente disco, “Revolver” (‘I’m only sleeping’, ‘Doctor Robert’ y ‘And your bird can sing’) en sus mezclas duofónicas (falso estéreo). En aquellos días The Beatles estaba trabajando en su nuevo álbum, “Revolver”. Al ser incluidas tres de sus canciones en “Yesterday and today”, su próximo disco en los Estados Unidos quedaba también hipotecado, ya que no se podrían volver a editar. De hecho, “Revolver” en su versión norteamericana fue el único disco de The Beatles que cuenta con más canciones de George Harrison que de John Lennon. Esta manera de construir (o destruir) sus discos en Estados Unidos molestaba especialmente al grupo desde sus inicios, ya que invertían mucho tiempo en preparar su secuenciación, pero tampoco hacían gran cosa para evitarlo al tratarse del mayor mercado mundial, que les reportaba ingresos sustanciales. Preferían dejar hacer a su compañía en aquel país. Desde 1964, al grupo lo acompañaba habitualmente el fotógrafo Robert Whitaker, nacido en Harpenden, Hertfordshire, Inglaterra, pero que se había trasladado a Melbourne en 1961 para estudiar en su Universidad. En aquella ciudad había acompañado un día a un amigo periodista para hacerle una entrevista a Brian Epstein, el mánager de The Beatles. Cuando Epstein vio las fotografías que Whitaker le había tomado, le pidió que pasase a ser el fotógrafo del grupo en sus siguientes giras entre 1964 y 1966. Su fotografía más recordada es la que hizo el 25 de marzo de 1966 en el número 1 de The Vale, King’s Road, del barrio de Chelsea en Londres. En aquella ocasión, The Beatles acudieron al estudio del fotógrafo convocados para una sesión con la intención de tomar alguna imagen que pudiera servir para la portada o las imágenes de promoción de su siguiente single, ‘Rain’ / ‘Paperback writer’. La banda y su fotógrafo estaban decididos a crear algo distinto a las habituales fotos promocionales. Aquella sesión de Whitaker estuvo influida por las imágenes del artista y fotógrafo surrealista de origen polaco Hans Bellmer, en especial por su obra “La muñeca” (1933) [en la foto], simulacro de una mujer en un tamaño casi real de 1,40 cm, hecha de papel y pegamento. Sus imágenes de muñecas desmembradas aparecieron en 1936 en la revista “Minotaure” bajo el título “Variaciones sobre el montaje de una menor articulada” y, al año siguiente, en su libro “Die Puppe”. Whitaker también ha citado en alguna ocasión al surrealista Meret Oppenheim como otra influencia importante y, en particular, su más famosa creación “Le Déjeuner en fourrure” (Juego de desayuno de piel) (1936) [en la foto], una creación inquietante en la que cubrió una taza, un plato y una cuchara enteramente en piel. El título lo había sacado de André Bretón y parodiaba el famoso cuadro de Manet “Desayuno en la hierba”. En aquella sesión de fotos con The Beatles, Whitaker pretendía elaborar un tríptico que tituló “Una aventura sonámbula”. “Pensé en Moisés bajando del Monte Sinaí con los Diez Mandamientos. Se cruza con gente adorando al becerro de oro. Por todo el mundo había visto como a The Beatles se les idolatraba como ídolos, como dioses, aunque para mí no eran más que gente normal. Esta emoción que los fans ponían en ellos me hizo preguntarme adónde se encaminaba el cristianismo”. En la primera de sus imágenes aparecía el grupo frente a una chica (la secretaria del estudio) que está de espaldas a la cámara apoyándose en sus rodillas. Ella simula estar adorándolos al tiempo que permanece unida a ellos por una tira de salchichas. La intención de Whitaker era incluirla después dentro de la barriga de una embarazada, intentando representar con la ristra el cordón umbilical que habían traído a la vida a los cuatro componentes del grupo, exactamente como el resto de seres humanos. La segunda imagen del tríptico mostraba a George Harrison clavando varias puntas en la cabeza de Lennon. Whitaker pensaba añadirle un bloque de madera en el lugar del rostro de Lennon cuando la retocase posteriormente y ponerle un fondo azul con el mar y el cielo en un sentido invertido. Con ello, según su autor, quería dejar claro que The Beatles eran tan relevantes como ese trozo de madera. Además, tomó una serie de fotografías del grupo vestidos con batas de carnicero para la tercera parte del tríptico, con George de pie detrás de un banco en el que se encontraban sentados sus tres compañeros. Los componentes del cuarteto aparecían cubiertos con trozos de carne sanguinolenta prestados por un carnicero que Whitaker conocía desde la escuela, Robert Sandford. En la imagen aparecían también muñecas de plástico compradas en una fábrica de Chiswick, desmembradas, decapitadas y con marcas de quemaduras de cigarrillos, así como ojos de cristal y dientes falsos. Es la que se conoce como fotografía del “carnicero”, probablemente la más famosa que se le hizo al cuarteto durante su trayectoria. En un principio, estaba destinada a la contraportada del disco para mostrar que el grupo “era de carne y hueso”. Whitaker pretendía rodear a los cuatro componentes de un fondo dorado y revestirlos con halos y joyas para asimilarlos a iconos religiosos. Conviene recordar que pocas semanas antes Lennon había pronunciado su frase “The Beatles somos más populares que Jesucristo”. Hubo otras dos fotografías más. La cuarta mostraba a John Lennon sosteniendo una caja abierta con el número 2.000.000 escrito en ella en la parte inferior, colocada alrededor de la cabeza de Ringo para simbolizar que el baterista de The Beatles no era más que otro de los dos mil millones de miembros de la raza humana. También tomó otra imagen, la quinta, de George con su cabeza en una jaula, con la que pretendía representar al grupo como ídolos enjaulados y, también, hacer referencia a su canción ‘And your bird can’t sing’. El grupo le siguió el juego en todo momento, ya que estaban cansados de las sesiones de fotos al uso, y el concepto era más que compatible con su propio y habitual humor negro. John Lennon lo corroboró años después: “Para entonces las sesiones eran un infierno, tenías que aparentar normalidad y no estabas nada motivado. Aquel fotógrafo trajo esas muñecas, los trozos de carne y las batas de médico, y consiguió meternos en la historia. Era así como nos sentíamos. No me gusta que me encasillen siempre en el mismo papel, y entonces se nos consideraba una especie de ángeles. Quería demostrar que éramos conscientes de la vida”. A Paul McCartney también le convencía: “Ya había hecho cosas parecidas en otras ocasiones. Recuerdo que una vez Dezo Hoffmann trajo algo de polietileno y nos fotografió mientras lo destruíamos. En las fotos debía parecer que lo estábamos rompiendo todo, pero para nosotros era más que una idea para una sesión. Lo mismo se puede decir da la portada del ‘carnicero’: nos gustó, nos pareció original y escandaloso, pero no vimos todas las connotaciones que tenía”. Ringo Starr coincidía en la apreciación: “La portada nos pareció estupenda, porque éramos unos chicos buenos así que pensamos: ‘Hagamos una locura’. Lo gracioso es que como censuraron la portada y la cubrieron, todo el mundo se puso a despegar el papel de encima con vapor, la convirtieron en un objeto de colección muy codiciado del que siento no tener ningún ejemplar, porque en aquellos tiempos jamás pensamos que sería mejor conservarlo”. Por el contrario, George Harrison no participaba del entusiasmo generalizado: “Me pareció de mal gusto y una tontería. Todos hicimos estupideces pesando que era genial o interesante, cuando en realidad se trataba de algo tonto o ingenuo, y aquella fue una de las veces. De nuevo me encontré en una de esas situaciones en las que te ves obligado a cooperar porque formas parte de una unidad”. Aquellas imágenes no fueron pensadas para ser utilizadas en la cubierta del álbum. Sin embargo, The Beatles quedaron bastante contentos con las fotos de la sesión y emplearon algunas con fines promocionales. Por ejemplo, en un anuncio de su siguiente single, ‘Paperback Writer’, que apareció en la página 2 del semanario musical británico “New Musical Express” en su edición del 3 de junio de 1966, así como en sendos anuncios en las revistas “Disc” y “Music Echo” al día siguiente. También ocuparía, esta vez en color, la portada de la revista “Disc” del 11 de junio 1966. Por último, las imágenes se pueden ver en las manos de Paul McCartney en fotografías que se hicieron mientras se rodaban los vídeos de ‘Rain’ y ‘Paperback writer’. Nadie en el Reino Unido se quejó en ningún momento de su contenido. En los Estados Unidos, Capitol había preparado un diseño para la portada con otra fotografía de Whitaker en la que aparecían George y Ringo de pie alrededor de un baúl de equipaje, con John sentado encima de él y Paul dentro. Capitol envió la carátula al manager de The Beatles, Brian Epstein, pero cuando este se la mostró a sus representados, John, que acababa de volver a ver las fotos del “carnicero”, decidió que quería usar una de esas en su lugar. El resto de la banda lo apoyó. En más de una ocasión se ha mantenido que la elección de esta foto era una diatriba del grupo contra la política de Capitol de “masacrar” sus discos en Norteamérica con relación a su versión inglesa, pero parece difícil que existiera tal intención ya que el cuarteto no tenía ni idea de lo que iba a hacer cuando se presentó a la sesión de fotos. Más veraz parece la opinión de que con esa imagen The Beatles querían criticar la guerra de Vietnam. Seguramente no lo habían pensado en un principio, pero al ver la imagen la asociación de ideas fue fácil. Lennon lo dejó claro en una conferencia de prensa de aquel año: “La portada es tan relevante como Vietnam. Si el público puede aceptar algo tan cruel como la guerra, entonces pueden asimilar esta portada”. McCartney lo ratificó a continuación: “Es nuestro comentario sobre la guerra”. Se preparó entonces la foto de portada como The Beatles deseaba, a pesar de que el departamento de ventas de la discográfica Capitol protestó enérgicamente. El 15 de junio se enviaron ejemplares a pinchadiscos y medios de comunicación, llegando algunas copias a venderse durante un día en algunas zonas muy concretas de Estados Unidos. La respuesta inmediata fue negativa: las tiendas se negaban a vender el álbum debido a su macabra cubierta, y eso a pesar de que se habían borrado con aerógrafo las manchas de sangre en las batas blancas de The Beatles. Capitol optó por dar marcha atrás en lo que se dio en llamar Operation Retrieve (Operación Retirada). Curiosamente, ni el grupo ni su manager Brian Epstein reclamaron seguir adelante con la portada que habían elegido. La razón estriba en que Epstein había contactado con otras discográficas para la distribución de los discos de The Beatles en Estados Unidos, ya que el contrato con Capitol vencía en poco tiempo. Los sellos pensaban que la fiebre Beatles ya había pasado y, por lo tanto, no consiguió mejores condiciones, así que tuvieron que aceptar el cambio de portada sin rechistar. El Presidente de Capitol, Alan W. Livingston, remitió inmediatamente una carta a todos aquellos a los que se les había enviado alguna copia del disco con la intención de recuperarlas: “La portada original, creada en Inglaterra, pretendía ser un sátira ‘pop artística’. Sin embargo, un muestreo con población de los Estados Unidos indica que el diseño se malinterpreta. Por esta razón, y para evitar cualquier posible controversia o daño inmerecido a la reputación o imagen de The Beatles, Capitol ha decidido retirar el LP y sustituirlo por un diseño aceptable para todos”. Los empleados de Capitol pasaron el fin de semana del 18 y 19 de junio sacando los discos de las portadas para enviarlos de nuevo a la fábrica y que fuesen incorporados a las nuevas carpetas. Aquella primera edición constaba de unas 750.000 copias. Después de destruir numerosas cubiertas, a un empleado de Capitol se le ocurrió que se podía ahorrar dinero pegando la nueva portada sobre la vieja. La foto del baúl, conocida como “trunk cover” (“la portada del baúl”) y que Whitaker había hecho de prisa y sin ningún interés, fue entonces recuperada y pegada por encima; mientras, la fábrica también iba preparando nuevas carpetas. Por lo tanto, cuando el disco llegó a las tiendas había una única portada en dos tipos de carpetas: la reutilizada y la nueva. Buena parte de los seguidores de The Beatles, al enterarse de aquella historia, intentaron despegar sin éxito la cubierta de sus discos para poder ver la portada ofensiva, pero por lo general terminaron destruyendo su cubierta. Desde entonces, tanto la primera como la segunda versión han venido cotizando al alza en el mercado de coleccionismo. Incluso hubo una versión estéreo de ambos lanzamientos, más rara aún que la mono, y que se valora todavía más. En 1987, el hijo del antiguo Presidente de Capitol Records, Peter Livingston, puso a la venta 24 copias (5 en estéreo, 19 en mono) de la primera edición, pertenecientes a la colección privada de su padre que este había sacado del almacén antes de que fueran destruidas. Estos discos se pudieron comprar por primera vez en una convención de The Beatles en el Hotel Marriott de Los Ángeles, el fin de semana de Acción de Gracias de 1987. Hoy en día son las piezas más codiciadas, con valores que pueden superar los 30.000 euros. Por su parte, Robert Whitaker siguió trabajando con el grupo en su última gira mundial de 1966 y tomó también las imágenes utilizadas para la portada del álbum “Revolver”. Sus fotografías con The Beatles aparecieron compiladas en varios libros, como “The unseen Beatles” (The Beatles inéditos), “The Beatles in Japan” (The Beatles en Japón) o “Eight days a week” (Ocho días a la semana). “Yesterday and today”, debido a la controversia suscitada por la portada y a la Operación Retirada, fue el único disco de The Beatles que hizo perder dinero a la compañía Capitol. El fotógrafo siempre lo tuvo claro: “Por supuesto que la gente no lo pilló. ¿Cómo podrían hacerlo? No era más que una pequeña pieza de un gran puzle, pero yo estoy muy orgulloso de la foto. Todavía causa polémica. Usar una cámara es como crear con un cincel o un pincel. Son solo ideas y, francamente, se puede leer en ello cualquier idea que se te ocurra”. Por suerte, nadie le hizo caso a John Lennon, quien aseguró en su momento que había tenido otro concepto más interesante, según él, para aquella carátula. “Mi idea original para la portada era incluso mejor: decapitar a Paul… aunque él no lo habría aceptado”. link: http://www.youtube.com/watch?v=9uRFSdQOi5Y ¿te Gustan Mis Aportes De Música? @Stallin

El día que Jimi Hendrix mato a Dios link: https://www.youtube.com/watch?v=iA4-SQARXZs link: https://www.youtube.com/watch?v=becWr0vc6cA Corría el año de 1966 y Cream, banda inglesa conformada por Jack Bruce, Ginger Baker y Eric Clapton, ya demostraba ser una de las mejores bandas de rock de la historia: Ginger Baker era considerado el mejor baterista de jazz del mundo, Jack Bruce el mejor bajista de blues del mundo y Eric Clapton simplemente era considerado un “Dios” al tocar la guitarra. En septiembre de ese año, pero al otro lado del mundo, en Nueva York, Estados Unidos, Chas Chandler, ex bajista de la banda británica The Animals, se había convertido en representante de diversos artistas. Una noche acudió a un club neoyorkino y descubrió a un tipo “medio gro y medio irlandés”, Jimi Hendrix, un joven que tocaba sólo en bares del Greenwich Village, una área residencial en el lado oeste de Manhattan en Nueva York, y quien a pesar de no ganar mucho dinero, ya había logrado la aprobación del público al obtener un gran número de seguidores. Cuando el staff, los productores y gente allegada a Cream se percató de que la petición de subir a tocar con la banda era enserio, se preguntaron quién era el americano que quería subir a tocar con los que, hasta entonces, eran los dioses de la música. Bruce cuenta que lo invitaron al escenario para que interpretara “Killing Floor”, una de las canciones preferidas de Clapton por la dificultad que tenía; dicen que fue sencillamente impresionante: Hendrix tocaba como nadie había visto, maniobraba su instrumento en la espalda, con los dientes… y la gente se entregó ante aquel tipo, Hendrix la tocó con excesiva facilidad. Al ver su presentación, cuentan que Clapton simplemente dejó de tocar, bajó su guitarra y abandonó el escenario; rendido, permaneció alucinado con los brazos caídos al ver como Hendrix interpretaba uno de los temas que consideraba de los más complicados; incluso cuentan que lo vieron nervioso detrás del escenario, en trance por lo que acababa de ver. Chandler afirma que al salir tras el guitarrista para saber si necesitaba algo, lo vio sentado tratando de prender un cigarro con las manos temblorosas, entonces Clapton lo miró a los ojos y dijo: “¿Realmente es así de bueno?”. Hendrix simplemente estaba alegre por haber tocado en una jam session con tres de los mejores músicos de la historia; historia en la que Jimi empezaba oficialmente su carrera, la que terminó con su muerte, cuatro años mas tarde. Pero a pesar de lo fugaz que resultó su paso por las notas de la música, aquel día lo recordarían como en el que Hendrix mató a Dios, Eric Clapton. link: http://www.youtube.com/watch?v=DdFgMla0pjA

Cream, el Primer Supergrupo de la Historia de el Rock Estuvieron juntos sólo dos años, pero dejaron una huella imborrable en la historia de la música. Estamos hablando de los Cream, el primer súper grupo de la historia del rock, que conseguiría reunir en sus filas a la crema (de ahí el nombre) de la escena británica en forma de trío, algo bastante inaudito por aquella época. A finales de 1966, el idolatrado guitarrista Eric Clapton dejaba a los Bluesbreakers de John Mayall para unirse al bajista Jack Bruce y al batería Ginger Baker en un nuevo proyecto. Bruce, tras pasar también por los Bluesbreakers, formaba parte de los Manfred Mann; mientras que Baker tocaba con la Graham Bond Organisation (banda por la que también se había dejado caer Bruce). Así pues, Cream contaba con unos instrumentistas de lujo, forjados en los combos de R&B más puristas de la época, con lo que era lógico esperar unos resultados excelentes. Y las expectativas no se verían defraudadas... En diciembre del 66 aparecía Fresh Cream, un LP centrado básicamente en el blues que tanto apasionaba a Clapton. Versiones de clásicos como "Spoonful" o "Rollin' And Tumblin'" dejaban constancia de las raíces blueseras del grupo, mientras que temazos propios como "I Feel Free" (toda una joya de la segunda mitad de los 60) o "I'm So Glad" dejaban claro que Clapton y compañía iban a dar mucha guerra. Fresh Cream alcanzaría el Top 10 británico, y conseguiría aunar los gustos del gran público y de la siempre estricta crítica. El siguiente álbum de la banda, Disraeli Gears, apareció en noviembre del 67 para arrasar en el mercado (Top 5 en los Estados Unidos). "Sunshine Of Your Love", con su inolvidable riff de guitarra, se convertiría en el hit más destacable del genial LP, que confirmaría a los Cream como uno de los mejores grupos del momento. "Strange Brew", "Dance The Night Hawai" o "Tales Of Brave Ulisses" también alcanzarían una gran popularidad gracias al impagable virtuosismo de Clapton, Baker y Bruce. Wheels Of Fire, álbum aparecido en junio de 1968, escaló hasta lo más alto de las listas yanquis para satisfacción de Clapton y compañía. Se trataba de un doble LP que contenía material grabado tanto en estudio como en vivo, intentando captar toda la complejidad de los directos de la banda, donde la improvisación cobraba un protagonismo inusitado hasta entonces. "White Room", "Born Under A Bad Sign" o la versión en directo de "Crossroads" son algunos de los temas más remarcables de este trabajo. Los Cream estaban en el Olimpo del rock, al lado de los Beatles y Hendrix, con lo que el anuncio de su separación a finales de 1968 cayó como un jarro de agua fría entre el público y la prensa. Los tres componentes del grupo habían decidido poner punto y final a su corta trayectoria para buscar nuevos caminos por separado. El 26 de noviembre del 68 la banda tocaría por última vez en el Royal Albert Hall londinense. Ya en 1969, cuando la separación ya se había consumado, apareció Goodbye, un LP mitad estudio y mitad directo. "Badge", composición de Eric Clapton y George Harrison, sería uno de los puntos álgidos de un álbum bastante discretito (eso sí, número 2 en las listas). Clapton sería el más afortunado en su trayectoria post-Cream. Tras pasar por el súper grupo Blind Faith (con Baker de nuevo), formaría en 1970 Derek & the Dominos. Posteriormente, iniciaría una carrera en solitario trufada de éxitos. Sin embargo, pocos de sus seguidores olvidarían que Cream había marcado un antes y un después en la historia del rock, gracias a su nuevo concepto musical basado en la unión del blues-rock y la improvisación más jazzística. Aqui Eric Clapton nos muestra el sonido de su Gibson SG link: https://www.youtube.com/watch?v=p4vxOoSS5RY Ginger Baker y su estilo Jazzistico de tocar la bateria. link: https://www.youtube.com/watch?v=pT0TIi0r9WA Jack Bruce el bajista link: https://www.youtube.com/watch?v=Fx6SlGQWGlQ Canciones Recomendadas de Cream Sunshine of Your Love link: https://www.youtube.com/watch?v=0Nnl1LhJj78 White Room link: https://www.youtube.com/watch?v=kmjmlb7vpBU Crossroads link: https://www.youtube.com/watch?v=becWr0vc6cA I Feel Free link: https://www.youtube.com/watch?v=Qb_Uu0eTNWk Tales Of Brave Ulysses link: https://www.youtube.com/watch?v=1n2NeLxV8zs i'm so glad link: https://www.youtube.com/watch?v=L3GIQ86eu6c Bagde link: https://www.youtube.com/watch?v=ObefcUdeuPs Swlabr link: https://www.youtube.com/watch?v=ngIxuGOVGeQ Wrapping Paper link: https://www.youtube.com/watch?v=4jpI7RbN4qY Those Were the Days link: https://www.youtube.com/watch?v=zofyj090Exw

The Beatles - Versiones Alternativas o Raras de sus Canciones Hola que tal de nuevo taringueros. Esta vez les traigo una serie de versiones alternativas, raras o demos de algunas canciones de The Beatles. En estas versiones se puede apreciar mejor el gran trabajo que realizaban en el estudio de grabación la banda inglesa.Bueno espero que les guste mi post, saludos. Hello Goodbye link: http://www.youtube.com/watch?v=ru1viCojDAM Una gran toma instrumental hecha en la sesiones de grabación que haría parte de la banda sonora de magical Mystery tour. Se puede apreciar el maravilloso sonido de el piano de McCartney y el ritmo de la potente batería de ringo. Hey Jude link: http://www.youtube.com/watch?v=PvnWoKeQSwc Una de las primeras versiones grabadas de Hey Jude en 1968 y luego después publicada en el álbum Anthology, una tomas mas corta de la canción pero una de mis favoritas. Yer Blues link: http://www.youtube.com/watch?v=L0uXuVdJJqs Canción escrita por John Lennon en la india y grabada en abbey road en 1968 para el Album Blanco. Esta versión es mucha mas blusera grabada con solo la voz de John y su guitarra acústica, gran versión. The One After 909 link: http://www.youtube.com/watch?v=WZZ1OOB1-Tk Otra muy rara pero buena toma de esta canción en su version rockanrolera hecha en 1963, años después esta rareza seria publicada en el anthology. The Fool On The Hill link: http://www.youtube.com/watch?v=bChIf9YqU60 Una de mis versiones favoritas de The Fool On The Hill, cancion tambien grabada para la pelicula de Magical Mystery tour de 1967, en esta version podemos escuchar la voz de Paul y este tocando el piano. Old Brown Shoe link: http://www.youtube.com/watch?v=R8WWKGNwPCM Canción compuesta por George Harrison en 1969 ,en estas primeras tomas podemos oír a Harrison tocando el piano y cantando. Una muy buena versión. Back In The U.S.S.R link: http://www.youtube.com/watch?v=h15XWqQQBbs Paul McCartney acompañado de una guitarra acústica graba este tranquilo demo de lo que después se convertiría en un frenético rock & roll, esta canción al igual que la gran mayoría de los temas fueron compuestos en la india. A Day In The Life link: http://www.youtube.com/watch?v=uYE0nX60fqc Una de las numerosas tomas grabadas de A Day In The Life, en esta version podemos escuchar mejor la guitarra acústica y el piano los cuales son los que llevan el ritmo. Strawberry Fields Forever link: http://www.youtube.com/watch?v=QXchWCXWj64 Una versión alternativa de esta gran canción lanzada en el album anthology de 1996, en esta toma podemos apreciar la guitarra tocada por John Lennon y un slide guitar que en la version final no se escuchan. Because link: http://www.youtube.com/watch?v=p1SD7y0cSsY Una versión totalmente a Capella publicada en el álbum Anthology, en esta toma se pueda apreciar mejor las excelentes armonías vocales de Lennon,Harrison y McCartney. Here Comes The Sun link: http://www.youtube.com/watch?v=o9Ahfw1MX5s tal vez esta versión les suene casi igual a la original de el álbum Abbey Road pero hacia la mitad de la canción podemos oír un solo de guitarra hecho por el mismo George Harrison y que recientemente fue descubierto por George martin. Helter Skelter link: http://www.youtube.com/watch?v=YWJS5mPIOxM Una versión mas lenta y mas extensa que la original, en esta grabación podemos notar la influencia blues rock de bandas como Cream y Jimi Hendrix Experienced. Una joya. Tomorrow Never Knows link: http://www.youtube.com/watch?v=RaF4GGAvf3I Para esta canción Lennon queria que sonase su voz duplicada, bueno este fue una de las primeras grabaciones que lograba esto que luego perfeccionaría para la toma final de la canción que haría parte de Revolver. este uno de los primero experimentos psicodelicos que harían the Beatles And Your Bird Can Sing link: http://www.youtube.com/watch?v=hXl9g_lO4Ls Una versión con un ritmo y una velocidad muy diferente a la original, en esta toma se oyen a Lennon y a Paul interpretandola mientras Harrison hace los solos de guitarra. Cancion compuesta por John Lennon con mucha influencia de el LSD.. 12 Bar Original link: http://www.youtube.com/watch?v=I0iApf-p0AM Esta canción instrumental muy blusera fue grabada en 1965 y es una de las pocos temas que fueron escritos por todos los miembros de la banda. esta rareza también seria publicada muchos años después en el álbum Anthology. ¿te Gustan Mis Aportes De Música? @Stallin

La Historia De Strawberry Fields Forever Hola a todos los taringueros y rockeros, esta vez haré un post dedicado a una de las mejores canciones de la historia y de the beatles, como nació,como se elaboro y cual fue el legado de esta gran canción.advierto que mi post no es otra repost ni un copia y pega de wikipedia,me tome el tiempo para escribir de acuerdo con mis conocimientos sobre los beatles sus canciones, bueno espero que les agrade. Inicios Hacia Finales de 1966, despues de terminar su ultima gira, y grabar su mas reciente album, revolver, los 4 beatles se tomaron un tiempo para descansar y recargar energias para el siguiente año. John Lennon se encontraba descansando en Londres, cuando fue invitado por su amigo el director de cine Richard Lester a interpretar el papel protagonista en la película "Cómo gané la guerra" ("How I won the war". Es una parodia de las películas de guerra, en la que un inepto mando y su tropa de soldados inadaptados reciben la orden de construir un campo de criquet en pleno desierto norteafricano tras la líneas enemigas.Esta pelicula fue grabada en Almeria,España, entre los meses de septiembre y noviembre de 1966. link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=logjz5y2Ots En aquel momento The Beatles comenzaban a estar en lo más alto de su carrera y la vida de los cuatro de Liverpool era todo menos tranquila. Sus fans les agobiaban, no podían salir a la calle ya que causaban histerismo especialmente entre sus seguidoras. Además, acababa de finalizar la que fue la última gira que realizaron The Beatles, con momentos de mucha tensión como cuando Lennon declaró que eran más famosos que Jesucristo y recibieron las airadas críticas de los sectores norteamericanos más conservadores o el affaire en el aeropuerto de Manila en el que fueron maltratados por la policía de Imelda Marcos al acusarles de que la habían desairado. En la costa almeriense podía caminar tranquilamente por la orilla de la playa embebido en sus pensamientos o de la mano de su entonces esposa Cynthia, que llegó dos semanas después. Aquella estancia en Almería cambió por completo a Lennon. No solo en su aspecto, al cortarse el pelo o al adoptar las gafas redondas del protagonista de la película, que le acompañarían durante el resto de su vida y convertiría en símbolo de la paz, sino en la forma de plantearse la vida al verse afectado por profundas crisis de identidad ocasionadas por el consumo de elevadas dosis de LSD. No sólo podía andar a sus anchas por las tranquilas playas de Almería, sino que por primera vez estaba alejado del resto de The Beatles, trabajando él solo en una película en un lugar que le era extraño. Comenzó el rodaje con mucha ilusión pero pronto se dio cuenta de que la interpretación no era lo suyo, centrándose en una melodía y unos versos que le rondaban por la cabeza y que no terminaba de encajar. Así pasó las horas de descanso entre rodaje y rodaje esbozando la que sería una de las canciones más reconocidas de la historia del rock: "Strawberry fields forever". Antecedentes y composición Strawberry Field (no «Fields») era el nombre de un orfanato del Ejército de Salvación, cerca de la casa de John Lennon en Woolton, un suburbio de Liverpool. Lennon y sus amigos de la infancia Pete Shotton, Nigel Whalley, e Ivan Vaughan solían jugar en el jardín arbolado que se encontraba detrás de la casa. Una de las aventuras de la infancia de Lennon era sobre una fiesta de jardín celebrada cada verano en Calderstones Park (localizado a un costado de la casa del Ejército de Salvación) cada año, donde una banda del Ejército tocaba. La tía de Lennon, Mimi Smith recordó: «Tan pronto como podíamos oír a la banda del Ejército de Salvación comenzar a tocar, John saltaba arriba y abajo gritando, "Mimi, vamos. Llegaremos tarde"». "Strawberry fields forever" contiene un cargado componente esotérico, misterioso, con un punto surrealista. A ello pudo contribuir la estancia, tras los rodajes en Carboneras, Cabo de Gata o Tabernas, en la casa Santa Isabel de Almería. A ella se trasladaron para celebrar el 26 cumpleaños de John Lennon el 9 de octubre, ya que al llegar su esposa Cynthia y Ringo Starr ya no cabían en la que ocupaban hasta entonces. Cynthia Lennon declaró años después que era una casa llena de misterio en la que las cosas se movían, se oían ruidos extraños y se encendían y apagaban las luces. Recordaba especialmente la imagen de una virgen en el rellano de la escalera. La casa, un palacete del siglo XIX con un gran jardín y piscina desde la que se divisa la bahía de Almería estuvo abandonada hasta que fue rescatada por el Ayuntamiento de la ciudad. En este palacete John Lennon grabó la primera toma de la canción acompañado de una guitarra acústica. Únicamente tenía en aquel momento una estrofa: "There's no one on my wavelength / I mean, it's either too high or too low / That is you can't you know tune in but it's all right / I mean it's not too bad". Lennon y sus invitados dejaron la casa el 6 de noviembre tras una trifulca con los propietarios, se fueron a Madrid en tren y de allí a Londres en avión. Mientras tanto, McCartney hacía el camino Londres-España en coche para darle una sorpresa a su colega, pero se desvió hacia Málaga y, al enterarse de que Lennon ya estaba de vuelta en el Reino Unido, regresó él también. En suma, las seis semanas del beatle en la costa almeriense dejaron una pésima película, un bronceado mal llevado, la primera vez que Lennon usó los espejuelos de la Seguridad Social británica (una exigencia del guión) que se convertirían en imagen de marca, bastante aburrimiento y "el oro entre tanto carbón". Una canción compuesta en soledad en la playa de San Miguel y grabada en un magnetofón portátil en almeria. Aqui una de las primeras demos de john: link: http://www.youtube.com/watch?v=hobkFHJTut4 De Regreso a Londres.. El 9 de noviembre, dos días después de llegar a Londres, Lennon fue a visitar la exposición que tenía en cartel la Indica Gallery, entre cuyos fundadores estaba McCartney. Exhibía cuadros “no terminados” de una tal Yoko Ono. No soy el primero en hacerme estas preguntas: ¿y si McCartney hubiese pasado de Málaga y llegado a tiempo para encontrarse con Lennon en el cortijo? , ¿y si los dos músicos decidiesen quedarse unos días más en aquellos arenales donde casi nadie les molestaba?, ¿y si grabasen más canciones en el magnetofón?, ¿y si el destino hubiese dejado plantada a la mujer que arruinó los campos de fresas para siempre?. Grabación En total, Strawberry Fields Forever, llevo mas de 46 horas en cinco semanas,desde finales de noviembre de 1966, hasta finales de enero de 1967,Para que tengan una idea de lo que eso significa, ¿saben cuánto demoró grabar Please please me, el primer disco de los Beatles? Diez horas. Diez horas para grabar un álbum entero, contra 45 horas de grabación en cinco semanas para una sóla canción. Las sesiones comenzaron en noviembre de 1966 en los estudios Abbey Road en Londres.cuando john lennon toco la cancion a geoge martin y al resto de los beatles, con una guitarra acustica.Despues de oirla, Martin, quedo fasinado con la tranquila letra de la cancion, entonces decidieron hacer un primer ensayo con john en la guitarra acustica, paul en el bajo, george en la guitarra electrica,y ringo en la bateria, segun declaraciones de martin, la cancion empezo a sonar fuerte, ya no era una tranquila del principio, sino que termino sonando como una cancion heavy rock. Durante las primeras grabaciones en noviembre y diciembre, la primera toma que quedó empezaba con la parte que dice Living is easy... en lugar del estribillo Let me take you down... Sin embargo, unos días más tarde, la mezclaron de diferente manera y cambiaron el orden para que la canción empiece como la conocemos hoy. Así todo, John seguía disconforme con el resultado final y le pidió a George Martin que grabe e incluya unas trompetas y cellos. Pero a Lennon tampoco le gustó demasiado y se grabó un nuevo track con nuevos instrumentos: guitarras, piano, sitar, y sonidos de percusión grabados al revés. El resultado dejó conforme a John. Tan es así que como no se decidía cuál de las dos versiones finales le gustaba más, le encomendó a Martin la tarea de unir y mezclarlas... Y atención a lo que viene, porque a partir de que lean lo siguiente ya no van a volver a escuchar Strawberry Fields Forever de la misma manera. Resulta que las dos versiones que John quería que Martin uniera y mezclara estaban en diferentes tonos y tempos. Por un lado estaba el track que habían grabado los cuatros beatles, y por el otro, la versión orquestral con los cellos, pianos, etc. Cuando Martin le comunicó esto a John, recibió de respuesta: You can fix it, George. Tu lo puedes arreglar. Así fue que Martin, junto con Emerick (ingeniero de grabación de los Beatles), y la ayuda de un par de tijeras y con dos caseteras hicieron el injerto. ¿Cómo lo lograron? Compensaron la diferencia de tonos subiendo la velocidad de la 1era toma, y bajando la de la segunda. El cambio ocurre exactamente a los 59 segundos de la canción, que es cuando entra la orquesta, que no está en la 1era toma. Préstenle atención y se van a dar cuenta del cambio y cada vez que la escuchen, ahora van a hacerlo de otra manera. La magia ocurre, como dije, en el segundo 00:59, cuando John dice let me take you down, couse I'm –corte– y la parte que dice going to..., ya es la otra versión. El truco salió bien, y la voz de Lennon, luego de los cambios en la velocidad quedó como él quería que quede en un principio, con una onda nasal. Poco antes de su muerte en 1980 John declaró que en realidad nunca quedó conforme con el resultado final de la canción, que estaba mal grabada y le echó la culpa a McCartney por "sabotear de manera inconsciente la grabación". George Martin contó en una entrevista, que John lo había llamado un par de meses antes de su asesinato diciendole que le habría gustado re-grabar todas las canciones de los Beatles. Sorprendido, Martin le preguntó "¿Strawberry Fields también?" Y Lennon le respondió "¡Especialmente Strawberry Fields!". Otro dato curioso de las sesiones de grabación:Hacia el final de la canción se escuchan unas palabras de fondo. Para alimentar el rumor de la muerte de McCartney, se dijo que lo que murmuraba John era I buried Paul –yo enterré a Paul- pero después se supo que lo que en realidad pronunciaba era Cranberry sauce –salsa de arándano-, otro de los sinsentidos de John. Brian Wilson, el lider,compositor y genio errante de los Beach Boys, en medio de la crisis por componer y terminar el album Smile, dijo en una entrevista, que luego de escuchar Strawberry Fieds Forever, abandonó todos los intentos por competir con los Beatles... Originalmente, se pensó que «Strawberry Fields Forever» se incluiría en el álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band , pero en su lugar se lanzó en febrero de 1967 como un sencillo doble lado A con la canción de McCartney «Penny Lane». «Strawberry Fields Forever» alcanzó el número ocho en los Estados Unidos, con varios críticos describiéndola como una de las mejores grabaciones del grupo. Es una de las obras que definió el rock psicodélico y ha sido versionada por muchos otros artistas. La canción después fue incluida en el LP estadounidense Magical Mystery Tour. El memorial de Strawberry Fields, en Central Park de la ciudad de Nueva York (cerca del lugar del asesinato de Lennon en el edificio de apartamentos The Dakota) fue nombrado en honor de la canción. Aqui me encontré un video interesante donde muestra la evolucion de la cancion durante las sesiones de la cancion link: http://www.youtube.com/watch?v=QS6wswlJCB4 El Video La película promocional de Strawberry Fields Forever fue filmada el 30 y 31 de enero de 1967, en Knole Park en Sevenoaks. Fue dirigida por el director sueco de televisión Peter Goldman. Goldman era amigo de Klaus Voormann, que recomendó a Peter al grupo. La película cuenta con efectos de reproducción de vídeo al revés, animación stop motion, el salto entre una escena de día y la misma escena de noche, y los cuatro Beatles tocando y después pintando una especie de piano. El video de «Strawberry Fields Forever», junto con el de «Penny Lane», fue seleccionado por el MoMA de Nueva York como dos de los videos musicales más influyentes de la década de 1960. Ambos fueron emitidos originalmente en los Estados Unidos el 25 de febrero 1967, en el programa de variedades The Hollywood Palace, con el actor Van Johnson como anfitrión. Una caricatura basada en la canción fue el último episodio producido para la serie animada de televisión The Beatles. Para terminar, La Canción ... link: http://www.youtube.com/watch?v=JzcZttcpYFQ Letra: Let me take you down, 'cause i'm going to strawberry fields nothing is real and nothing to get hung about strawberry fields forever Living is easy with eyes closed misunderstanding all you see it's getting hard to be someone, but it all works out it doesn't matter much to me Let me take you down, 'cause i'm going to strawberry fields nothing is real and nothing to get hung about strawberry fields forever No one, i think, is in my tree i mean, it must be high or low that is, you can't, you know, tune in, but it's alright that is, i think it's not too bad Let me take you down, 'cause i'm going to strawberry fields nothing is real and nothing to get hung about strawberry fields forever Always, no, sometimes, think it's me but, you know, i know when it's a dream i think, er, no, i mean, er, yes, but it's all wrong that is, i think i disagree Let me take you down, 'cause i'm going to strawberry fields nothing is real and nothing to get hung about strawberry fields forever strawberry fields forever strawberry fields forever (cranberry sauce Bueno, espero que le haya gustado mi post sobre esta gran cancion. NI tampoco olviden seguirme @Stallin

La Historia de Come Together Hola que tal a todos los tringueros,esta vez les traigo la tercera parte de canciones icónicas y su historia. Para esta parte, decidí regresar a the Beatles, para hablarles de otra de sus grandes canciones, la cual es come together, que fue lanzada en 1969, y es una de las canciones mas famosas del cuarteto de Liverpool. Bueno espero que les agrade mi post igual o mas que las 2 primeras partes de mi especial. Origen De La Canción Durante febrero y marzo 1969, tras las tensas y tortuosas grabaciones del álbum get back(let it be) John y los demás Beatles decidieron tomar otros rumbos temporalmente, Paul se casaria con Linda Eatsman en New York y terminaría de supervisar las remezclas del material del proyecto get back, George colaboraba con Eric clapton en su canción badge de cream y ringo se encontraba grabando algunas películas en estados unidos. En los meses venideros, lennon también estaría activo sin sus compañeros de grupos, primero se casaria con yoko ono en Gibraltar. Además lennon se había convertido en activista político, y en protesta hacia el apoyo de Inglaterra hacia estados unidos a la guerra de Vietnam, devoveria su medalla de miembro de la Orden del Imperio Británico a la Reina, aunque esto no tuvo efecto en su condición de miembro de la orden. Entre los meses de marzo y junio, Lennon empezó a escribir algunos de sus primeros temas en solitario como «Give Peace a Chance» (ampliamente adoptado como himno contra la guerra de Vietnam en 1969),«Cold Turkey» (documentando su síndrome de abstinencia a la heroína)69 ) e «Instant Karma!». Pero otra canción que también estaba escribiendo la reservo para campaña gubernamental de Timothy Leary, en California en contra deRonald Reagan. Leary era un psicólogo líder del movimiento político y cultural hippie, anti guerra en Vietnam e impulsor de la legalización de las drogas, en especial de la mariguana y el LSD. El eslogan de su campaña fue “come together, join the party” (“vamos juntos, unámonos a la fiesta/al partido (político)”). El 1° de junio de 1969, Leary se une a John Lennon y a Yōko Ono en su Montreal Bed-In y Lennon subsecuentemente escribe una canción para su campaña, llamada “Come Together”. La campaña de leary,terminaria abruptamente poco antes de las elecciones, cuando Leary fue enviado a prisión por posesión de marihuana De Vuelta A Los Estudios Antes de que los 4 beatles se volvieran a reunir para la grabación del álbum abbey road, lennon y yoko ono sufrirían un accidente de transito, el cual los dejaba con una importante convalecencia. Lennon regresaría hasta el 9 de junio de 1969 para tocar la guitarra en Maxwell Silver Hammer de Paul McCartney, la cual seria si primera contribución en abbey road. Durante la quincena siguiente, lennon no parece que hiciera otra cosa, sin haber terminado ninguna canción nueva desde the ballad of John and yoko en abril. En cambio, destino la mayor parte de sus energías a hacer instalar una cama en le estudio para que su mujer, herida mas gravemente en el accidente de trafico en escocia, pudiera supervisar las grabaciones u prestarle ayuda moral.( le pusieron un micrófono en la almohada para que pudiera intervenir si tenia algo que decir.) Finalmente, se saco las telarañas jugueteando con un viejo tema de chuck Berry “you can’t catch me” y dejo insensatamente parte de la letra e Berry (here come old flat top) en la canción. Con su titulo político-sexual, come together constituye la ultima adhesión de lennon a la contracultura estando todavía en el grupo. Con una letra exhortativa y dogmática al mejor estilo de sus primeras canciones posteriores a the Beatles, dirige una riada de lenguaje pretencioso y apenas inteligible a los violentos antagonismos de un mundo poco ilustrado, implicando que el lenguaje desplegados en tales enfrentamientos es una trampa y una prisión en potencia. Recogida posteriormente por las feministas separatistas ( con el argumento de que la trampa y la prisión eran creaciones masculinas.), esta idea era un tema candente de la política alternativa a finales de 1969. Grabación Poco antes de entrar a grabar come together, John cambiaria el estilo y la letra de la canción. También durante las sesiones, lennon pidió a mccartney un fraseo en piano, el cual después de terminado le gusto a John, algo raro para macca que John le diera un cumplido. Esto lo dijo paul en una entrevista de 1984: "... Siempre que John nos dirigía un elogio a alguno de nosotros lo recibíamos como algo realmente maravilloso, porque no solía hacerlo. Unas miguitas, unos restos, eran muy de agradecer. Con 'Come Together', por ejemplo, quería que el fraseo de piano fuera muy espeso y cargado. Así lo toqué y le gustó mucho, lo cual me gustó mucho a mí también". Aquí otra intervención sobre come together esta vez del ingeniero de sonido Geoff Emerick,: "En la grabación final sólo se oye la palabra 'shoot!'. La nota del bajo cae justo encima del 'me'". Esta es una de las primeras tomas grabadas por los beatles de come together: En esta toma, podemos escuchar a el nuevo sonido que john queria para su cancion, un ritmo poco comun influenciado por el blues rock de jimi hendrix y cream,combinado con el estilo casi inconfundible de the beatles. Sugiriendo influencias como el supergrupo cream, y mas lejanamente la de the band, en la canción, un blues en re que cambia en el estribillo ala relativa menor, adopta el nuevo estilo norteamericano “relajado” o “espaciado”, en el que el ritmo perezoso y la aproximación de baja intensidad ofrecían una nueva alternativa proletaria al artificio psicodélico dela clase media. Las drogas asociadas en este caso eran la cocaína y la heroína. Había inplicido un estado metal pasivo y observador,perfectamente capturado en el tono blanco del solo de guitarra doblada de lennon y los brillantemente idiomáticos bajo ypiano de mccartney,especialmente en el impase de dos compases maravillosamente equilibrado, que lleva al solo. Una mezcla ligeramente oscura completa este dibujo sonoro nada habitual en los Beatles. Composición Y Análisis De La Canción La canción comienza con el bajo de Mcartney entrelazado con un redoble de timbales de Ringo, a su vez en las dos primeras notas del bajo se puede oir a Lennon pronunciando las palabras “shoot me” (dispárame), hecho que alimentará las teorías conspiratorias en torno a la persona de John. Después de esta pequeña parte que actúa como prólogo de la canción comienza un rock and roll en “Re”. El ritmo responde a una actitud pasota y chulesca, con una batería que marca muy bien los compases junto a la guitarra y el bajo; se puede observar la relación de esta actitud con la primera parte de la letra. Un detalle curiosos es como en cada frase se acaba con el principio de la siguiente, es decir, se pronuncia el incio de la frase que va a entrar en el final de la anterior: "Here come old flattop he come" -> "groving up slowly he got" -> "joo-joo eyeball he one"...: Here come old flattop he come grooving up slowly He got joo-joo eyeball he one holy roller He got hair down to his knee Got to be a joker he just do what he please ---------- Aquí viene cubierto con su gorra, contonéandose despacio, Tiene los ojos lagañosos como un santón, Tiene el cabello largo hasta las rodillas, Debe ser un bromista, sólo hace lo que se le da la gana. De nuevo tenemos la repetición de la primera parte, la cual actúa descansando el tema y sirve como nueva introducción a la parte siguiente, de nuevo un rock and roll en “Re”. Eesta parte entran los coros de Lennon remarcando ciertas palabras. Unos coros con una voz muy fluctuante que dotan al tema de una cierta ironía que se puede observar en el carácter mismo de la canción: He wear no shoeshine he got toe-jam football He got monkey finger he shoot coca-cola He say "I know you, you know me" One thing I can tell you is you got to be free --------- No usa brillo en los zapatos, tiene los pies amoratados, Tiene unos extraños dedos y maldice a Coca-Cola. Dice: "Te conozco, y tú me conoces a mí, Una cosa les quiero decir y es que deben ser libre, Es por fin cuando llegamos al estribillo. Como se ha mencionado a continuación la canción fue escrita por Lennon a modo de campaña política. Nótese que el estribillo responde claramente a un eslogan político y la forma en la que cambia a Sim, La y finalmente Sol. Podríamos aislar dicha parte y usarlo como eslogan de cualquier político hoy en día, una melodía sencilla que incita a la unión a una ideología política: Come together right now over me -------- Únanse ahora mismo a mi. De nuevo la estructura se repite de nuevo; parte inicial para introducir la siguiente estrofa y de nuevo la letra que continua con su carácter irónico con la diferencia magistral por parte de los Beatles de que ahora solo tenemos una estrofa con una parte, a diferencia de la inicial que tenía dos partes cantadas: He bag production he got walrus gumboot He got Ono sideboard he one spinal cracker He got feet down below his knee Hold you in his armchair you can feel his disease -------- Arrea con lo que pilla, tiene botas de morsa, Tiene un aparador a lo Ono, y puede romperte el espinazo. Sus pies remolonean bajo sus rodillas, Si lo ves en su sillón, podrás sentir su desgracia, De nuevo el estribillo, una parte de enlace como la inicial pero que solo se repite 2 veces en vez de 4 como en todos los casos anteriores. A continuación y con mas intensidad tenemos dos solos; el primero de ellos con el teclado ejecutado por Billy Preston (conocido como el 5º Beatle) y posteriormente un solo a dueto de Harrison y Lennon con 2 guitarras armonizadas. Para enlazar con la siguiente estrofa en vez de utilizar la parte de enlace que está practicando en toda la canción se puede ver como se crea el enlace dejando solo al teclado de Preston. De nuevo otra estrofa cantada con los coros modulados de Lennon. Nunca he sido partidario de una interpretación objetiva de las letras pero nótese como cuando pronuncia la palabra “muddy water” se produce una semejanza fónica con la palabra “marijuana”; es una apreciación personal y podría estar relacionada con la temática de la canción: He roller-coaster he got early warning He got muddy water he one mojo filter He say "One and one and one is three" Got to be good-looking 'cause he's so hard to see -------- Es una montaña rusa, tiene aviso previo, Tiene agua turbia, es un filtro seco, Y dice: "Uno y uno y uno es tres" Debe ser de lindo aspecto porque es muy difícil verlo, De nuevo estribillo con una parte de enlace idéntica a la primera y posteriormente la entrada del solo. El solo se alterna con la repetición de forma insistente del “Come Together”, que sigue respondiendo a la estructura de eslogan político. El solo a simple vista parece una sencilla creación respondiendo a la escala pentatónica, pero cuando se desmembra se puede comprobar la aparición de precisos “bends” en diferentes posiciones, conjugados con una magistral elección de notas. Finalmente nótese como la última frase y la primera coinciden, creando una atractiva simetría musical. El solo, junto a la repetición de “Come Together” es la mejor forma de cerrar el tema que va desapareciendo con un suave fade-out Lanzamiento Y Recepción Come together seria lanzada junto a Something como single del álbum abbey road a principios de octubre de 1969. Desde el momento que fue lanzado el single, entre la prensa musical se generaría una especia de competencia entre something y come together, y cual de las dos llegaría primero a la cima de los listados musicales, pero finalmente come together llegaría al numero 1, en la cual estaría durante 16 semanas en los listados a ambos lados del Atlántico. Por un tiempo,come together seria censurada por la BBC, alegando de que la canción hacia promoción la coca cola, ademas de que supuestamente hacia referencia a la cocaína. Recibida con entusiasmo en los campus universitarios y los círculos underground, come together es la cancion clave del cambio de década, la que aísla un momento esencial en le que la recién llegada generación del mundo libre rechazaba la sabiduría, el conocimiento, la ética y el comportamiento establecidos en favor del relativismo inspirado por las drogas que ha minado los fundamentos intelectuales de la cultura occidental. Finalmente La Canción... Letra Here come old flattop he come grooving up slowly He got joo-joo eyeball he one holy roller He got hair down to his knee Got to be a joker he just do what he please He wear no shoeshine he got toe-jam football He got monkey finger he shoot coca-cola He say "I know you, you know me" One thing I can tell you is you got to be free Come together right now over me He bag production he got walrus gumboot He got Ono sideboard he one spinal cracker He got feet down below his knee Hold you in his armchair you can feel his disease Come together right now over me He roller-coaster he got early warning He got muddy water he one mojo filter He say "One and one and one is three" Got to be good-looking 'cause he's so hard to see Come together right now over me Bueno espero que les haya agradado mi post, de esta gran canción. Si quieren pueden visitar mis demás post que hacen parte de mi especial de canciones iconicas en el rock. NI tampoco olviden seguirme @Stallin

The Beatles Eran Rock Y te Explico Por Que Hola de nuevo a todos los taringueros. Esta vez regresa para hacer un post explicando mis razones personales por la cual creo que los Beatles fueron una banda de rock, muy variado, y en algunos casos sencillo o bien elaborado,con guitarras eléctricas o con citares y órganos, pero a final de cuentas, rock. Las razones son muchas para sustentarlo así que espero que les guste mi post y por favor opinen. Primero Por Que Decidí Hacer este Post? La idea de hacer este post nacio cuando hace unas semanas vi un post poco objetivo y poco explicativo en el cual supuestamente pregonaban que los beatles eran pop http://www.taringa.net/posts/info/16206795/Los-Beatles-eran-Pop.html ) . Pues estas razones que da este post, son muy blandas y poco creibles, con todo respeto. despues de esta introduccion, ahora si comenzemos.... [1. John Lennon Invento El Efecto de Feddback Los Beatles y John Lennon para ser exactos,fueron los primeros en descubrir tal vez accidentalmente, el efecto de retroalimentación o feedback que años mas tarde seria común escuchar en jimi hendrix,the who,led zepellin,cream entre otros. Fue durante las sessiones de la BBC en 1964 cuando Lennon accidentalmente recostó su guitarra en su ampli. Al apoyar una de las guitarras acústicas en el suelo se produjo al vibrar las cuerdas al aire un sonido parecido al que acabó apareciendo en el disco. Posteriormente el sonido fue conseguido haciendo sonar la sexta cuerda al aire, y progresivamente subiendo el volumen de su amplificador Vox. "I Feel Fine" es considerado como uno de los ejemplos más tempranos del uso de feedback 2. Primer Album Conceptual Del Rock - Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band Los Beatles fueron pioneros en llevar su música y en especial el rock a otro nivel, primero con su álbum de 1966, revolver, el cual ya mostraba las ambiciones creativas de la banda de Liverpool, y después con su obra magna de 1967 la cual recreaba una orquesta del sargento pimienta creada por Lennon y McCartney. “We’re Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band / We hope you will enjoy the show”. De esta manera The Beatles presentaban su octavo álbum de estudio en menos de cuatro años, con una media de dos o tres cada doce meses. Una frecuencia abrumadora que provocó, al producirse un año de diferencia entre Revolver (1966, Parlophone) y Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967, Parlophone), la generación de rumores de todo tipo, sobre todo los agoreros que decían que los británicos estaban a punto de separarse. 3. Los Riff De Guitarra Mas Famosos De La Historia Los Beatles no solo son conocidos por sus grandes letras sino que tambien por sus riff de guitarra ya que George Harrison y John Lennon eran grandes admiradores de dos pioneros de los de los riffs en el rock; Chuck Berry y Carl Perkins, los cuales influyeron mucho en la manera de tocar la guitarra en los beatles y en sus grandes riffs como day tripper,helter skelter,get back,come together,paperback writter,revolution,taxman,i feel fine entre otros. Para los que dicen que the beatles eran poco guitarreros, aquí les dejo sus grandes riffs guitarreros.... link: http://www.youtube.com/watch?v=VKB-w179PIQ link: http://www.youtube.com/watch?v=23wgzA1dbzA link: http://www.youtube.com/watch?v=sH3TvSxT288 link: http://www.youtube.com/watch?v=lCNqHIKJ4wk link: http://www.youtube.com/watch?v=QWuXmfgXVxY link: http://www.youtube.com/watch?v=N8LZGQ4MkvQ link: http://www.youtube.com/watch?v=cBFANonCPpk link: http://www.youtube.com/watch?v=8EwHnCDJljo link: http://www.youtube.com/watch?v=QHRMX9Brq0s link: http://www.youtube.com/watch?v=Oyu5sFzWLk8 link: http://www.youtube.com/watch?v=PlDdcCzKjsc link: http://www.youtube.com/watch?v=GlpMs_R3P6U 4. Innovaron El Sonido De La Guitarra Siguiendo con el punto anterior, los beatles, en especial George Harrison fue uno de los primeros guitarristas en innovar el sonido de su guitarra gracias a que en 1964 adquirió una rickenbacker de 12 cuerdas, la cual producía un sonido mas cristalino y diferente a sonido rockanrolero que se oía en esa época. fue en el albun a hard days night donde se oyo por primera vez el sonido que revolucionaria la musica de los 4 de liverpool. Mas tarde en 1966 con la aparicion de Eric Clapton, Jeff Beck,Pete townshend y Jimi hendrix los cuales empezarían a producir un sonido mas pesado y distorsionado en sus guitarras, Harrison se veria influenciado por estos y empezaría a aplicarlo en su forma de tocar ademas de que compraría un Gibson SG la cual cambiaría de nuevo el sonido beatle ,y esto se veria reflejada esta influencia en canciones como rain, paperback Writter,she said,she said,and your bird can sing,taxman, durante la época de el álbum revolver. también durante la época de 1967, George experimentaría en el estudio con su guitarra, añadiendo multiples efectos con reversa , doblar el sonido, ademas de incorporar distintos pedales de efectos. 4. La Versatilidad En Sus Letras A principios de los 60s,ningún artista o grupo tuvo la genialidad de revolucionar la forma de escribir canciones que tuvieron the beatles;compusieron desde canciones de amor ordinario hasta letras conceptuales que evocaban pasajes de otra dimensión. Letras como tomorrow never knows, strawberry fields forever,eleanor rygby,in my life entre otras fueron las que influenciaron posteriormente importantes bandas como pink floyd o queen, y muchas otras que han reconocido la influencia compositora de the beatles. 5. A Pesar De Su Versatilidad En Estilos, La Base De the Beatles Era El Rock&Roll No se puede negar que los Beatles probaron gran variedad de estilos que van desde música indu, pasando por música clásica,el folk incluso alcanzaron a tocar hard rock y blues. tampoco se puede negar que the beatles tocar pop cuando este no estaba definido como un gerero como tal. pero a pesar de su versatilidad y sus experimentaciones con otros estilos, el genero base de los beatles siempre fue e rock&roll, la música que los cautivo en su adolescencia y la cual siguieron tocando de sus inicios como grupo hasta sus carreras solistas. 6. La Gran Influencia De Sus Albumes Y no podíamos dejar de lado la importante influencia que dejaron obras cumbres que lograron los Beatles en menos 8 años desde que grabaron su primera canción. Albumes como abbey road el cual mostraba una unión de blues lisérgico con rock sinfónico los cuales serian desarrollados por distintas bandas durante los siguientes años, Sgt pepper's lonely hearts club band marco un antes y un después en la música y que seria una de las pioneras en álbumes conceptuales o operas rock. Rubber soul también causaría gran repercusión a mediados de los 60s, ya que fusionaba elementos del rock con el folk de bob dylan. Mientras revolver seria el cambio al cual los beatles apuntaban gracias a la influencia de las drogas y pionero en canciones con letra surrealistas las cuales serian desarrolladas posteriormente por bandas de rock progresivo. 7. Fueron Pioneros en Experimentar con Otros Instrumentos En El Rock Los Beatles fueron uno de los grandes precursores en introducir otros instrumentos poco comunes como el citar indu,el órgano,guitarras españolas, violines, instrumentos de viento, en el rock.desde 1964, probaron gran variedad de instrumentos que durante esa época no se utilizaban en la música occidental y se convirtieron en punto de partida para gran cantidad de grupos posteriores que siguieron los pasos de los Beatles. Gracias a esto, no necesariamente el rock tenia que ser guitarrero para que fuese rock. aquí unos ejemplos: link: http://www.youtube.com/watch?v=ljnv3KGtcyI link: http://www.youtube.com/watch?v=PxxGVjLNpek link: http://www.youtube.com/watch?v=MF90rX43VpE link: http://www.youtube.com/watch?v=-LOgMWbDGPA link: http://www.youtube.com/watch?v=yDl0qPfkSRw link: http://www.youtube.com/watch?v=HTXyoPVOUso Bueno espero que les haya agradado mi post, espero su opinion y por no olviden seguirme. nos vemos. ¿te Gustan Mis Aportes De Musica y Descargas? @Stallin

Las Guitarras Que Cambiaron El Mundo - Sígueme si te gusta mis aportes - @Stallin Hola que tal de nuevo a todos los taringueros seguidores del rock. Esta vez les traigo una gran colección de de muy buena información y imágenes de las guitarras que mas influyeron y cambiaron la forma de ver el instrumento no solo por su diseño si por quienes la tocaron. Espero que les guste mi post. Éstas son algunas de las guitarras más legendarias de la historia, las Tizonas de los dioses de las seis cuerdas rockeras Gibson ES 355 - Chuck Berry Aunque al principio tocaba otras guitarras, desde que Gibson la puso a la venta, en 1958, Berry ha usado una ES 355, normalmente en color rojo cereza (o una de sus primas, la 335 o la 345), para desarrollar el estilo que luego imitarían Keith Richards o John Lennon. Vista la estatura de su leyenda y que otros artistas como Jimmy Page, BB King o Dave Grohl tienen su propio modelo signature de Gibson, lo normal sería que Berry también lo tuviera (hay hasta un grupo de Facebook que lo pide), pero se dice que el dinero que pide el pesetero de Chuck por que el instrumento lleve su nombre es excesivo. 1958 Gretsch G5810 - Bo Diddley Bo Diddley creó esta guitarra rectangular, construida por Gretsch a petición suya, en 1958, (aunque Diddley llevaba desde los 17 años haciéndose guitarras con formas inusuales). Decía que le resultaba más cómoda y le permitía moverse mejor por el escenario, y la “caja de puros”, como fue bautizada, le diferenció y se convirtió en una de sus marcas personales, tanto como el ritmo que lleva su nombre y que sería imitado por docenas de artistas. 1953 Fender Telecaster “Micawber” - Keith Richards Tiene mérito destacar entre las alrededor de 3.000 guitarras que Richards ha ido coleccionando a lo largo de su vida, pero esta Telecaster, bautizada Micawber en homenaje a un personaje de la novela David Copperfield, de Dickens, es la más conocida de todas, la que el Stone lleva usando de manera ininterrumpida desde 1971, en la grabación del Exile on Main Street. Tiene la muy particular afinación que le gusta a Keith, además de sólo cinco cuerdas, otra de las manías del guitarrista. Gibson ES-355 “Lucille” - B.B King En 1949, una pelea por una mujer originó un incendio en el garito donde tocaba BB King, quien arriesgó la vida por rescatar a su guitarra. Luego averiguó que la muchacha en disputa se llamaba Lucille, nombre con el que desde entonces ha bautizado a todas sus guitarras. Desde 1980 Gibson le fabrica una ES-355 a medida, siempre en negro. “Parece que le guste que le acaricien y jueguen con ella”, escribió King en las notas de su disco Lucille (1968): “Lucille sólo quiere tocar blues/ Lucille es real, cuando la toco es como si escuchara sus palabras/ Y, por supuesto, la escucho llorar”. Además de ese álbum, BB King le ha dedicado al menos dos canciones a su guitarra favorita. 1956 Fender Stratocaster ‘Brownie’ - Eric Clapton La Brownie de Clapton dio el contrapunto a la Les Paul de Duane Allman en la grabación del disco de Derek and the Dominoes Layla and other assorted love songs, pero además posaba junto a su dueño en la portada del primer disco en solitario, homónimo, del guitarrista. Comprada en Londres en 1967, cuando aún militaba en Cream, la subastó en 1999 para conseguir fondos con destino a Crossroads, el centro de rehabilitación para alcohólicos y toxicómanos que él mismo había fundado. Sacó casi medio millón de dólares. Ahora se puede ver en el Experience Music Project de Seattle, junto a otras históricas Strato como la de Jimi Hendrix. 1959 Gibson Les Paul Standard “Number 1” - Jimmy Page Comprada a Joe Walsh, de los Eagles, por 1.200 dólares en 1969, es la guitarra que define a Jimmy Page, que hasta entonces usaba Fender Telecaster. “Joe me la trajo cuando tocamos en el Fillmore de San Francisco”, contó Page años después: “Insistió en que se la comprara, y tenía razón”. En 1973 compró otra igual, la Number 2, para no dañar la primera cuando, por ejemplo, la tocaba con un arco de violín interpretando Dazed and confused. Page ha comentado que le han llegado a ofrecer un millón de libras por la Number 1. En 2005 Gibson la replicó -incluyendo las modificaciones que Page le hizo a lo largo de los años- en una edición limitada. 1957 Gretsch Duo Jet - George Harrison “Fue mi primera guitarra americana de verdad. Y te diré que, aunque era de segunda mano, la cuidé muchísimo. Estaba muy orgulloso de tenerla”, dijo George Harrison sobre esta guitarra, comprada en Liverpool con 18 años a un marinero reconvertido en taxista, quien a su vez la había comprado en Nueva York. Fue la guitarra que le acompañó a Hamburgo, en la etapa de The Cavern y con la que grabó Please please me, el primer disco de los Beatles. Harrison pasó a otras guitarras a partir de 1963 y le regaló esta a su amigo Klaus Voorman (diseñador de la portada de Revolver), pero en 1989 la recuperó para la portada de su álbum en solitario Cloud nine. 1957 Gibson Les Paul Goldtop - Duane Allman Allman no tenía un particular apego por este instrumento, con el que grabó Layla, junto a Eric Clapton, y los dos primeros álbumes de los Allman Brothers: tras acabar el segundo, se la cambió a un colega por otra. Con el paso de los años, ha vuelto a Macon, Georgia, ciudad de los Allman, en cuyo museo se puede ver temporalmente. Su actual dueño la compró en 1977 por 475 dólares, lo que costaba entonces ese modelo de Gibson con 20 años de antigüedad, aunque no hubiera pertenecido a Allman. Vamos, una ganga. 1964 Airline Res-O-Glas - Jack White En los 60, con la expansión del rock, se comenzaron a fabricar en EE UU guitarras baratas como esta Airline, producida por la compañía Valco en fibra de vidrio y vendida por catálogo o en grandes almacenes. Duraron poco tiempo y nunca tuvieron el prestigio de sus compañeras de madera, pero con los años algunos tipos listos como Jack White han sabido ver la calidad de modelos como éste, el Jetson, también llamado JB Hutto por el bluesman que la usó durante años. Actualmente han vuelto a fabricarse y se venden por partes, para que cada cual se monte en casa el modelo como le plazca. 1968 Fender Stratocaster - Jimi Hendrix La Stratocaster alcanzó categoría de icono con la actuación de Hendrix en Wooodstock (1969), cuando interpretó el himno estadounidense. Tras la muerte de Hendrix en 1970 se la quedó su batería, Mitch Mitchell, que 20 años después la llevó a un taller de Fender para que fuera reparada (tenía óxido y quemaduras, pues Hendrix colocaba sus pitillos en la sexta cuerda) y así poder subastarla. Mitchell sacó 200.000 libras (250.000 euros), aunque tres años después alguien pagó 1,3 millones de dólares (un millón de euros). Luego, Paul Allen, fundador de Microsoft, pagó una cifra no revelada para exponerla en el Experience Music Project de Seattle, ciudad natal del guitarrista. Bueno amigo espero que les haya agradado mi humilde post por favor comenten si les gusto. SALUDOS DE SU AMIGO STALLIN