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Registrate y eliminá la publicidad! LA ERA DE ACUARIO Introducción Muchos habrán podido notar que en su interior están sucediendo una serie de cambios sin tener muy clara la razón del porqué les sucede. La llegada de la Era de Acuario en el planeta Tierra está provocando cambios internos tanto al mismo planeta como a todos y cada uno de los Seres que la habitan con la única y exclusiva misión de “acoplarnos” y “adaptarnos” a la nueva vibración que la Era de Acuario provoca… A continuación se explican determinados “síntomas” que indican sin duda alguna un cambio energético y espiritual en el Ser Humano que hace que se esté adaptando poco a poco a un cambio profundo hacia su despertar, su ascensión vibracional y su espiritualidad. Es importante ser conscientes de que aunque nuestro proceso evolutivo está acelerándose rápidamente, junto con las nuevas energías elevadas, todos estamos experimentando estos cambios a nuestra propia manera y en nuestro propio tiempo, de acuerdo a quien somos y en concordancia con nuestro código y el pacto divino que todos y cada uno de nosotros hicimos en el momento de nacer y que tiene un objetivo único e intransferible para conseguir evolucionar. Además, hablando en general, nuestro proceso de ascensión se relaciona con como dejamos fluir nuestra vida y nuestra energía para toda barrera, todo bloqueo y todo tabú pueda ser transmutado automáticamente al purificarnos, incorporando más luz dentro de nosotros mismos. Algunos de estos síntomas que puede notar el Ser en su cambio interior son: Sentir como si estuvieras en una olla de presión o en una intensa energía: Recuerda que estás ajustando tu materia y todos tus campos energéticos a una vibración más alta. Un sentimiento de desorientación: no saber en donde estás; sensación de sentirse fuera de lugar. Estás abandonando poco a poco el convivir en la Tercera Dimensión física y terrenal para adentrarte a la Cuarta Dimensión, dimensión del Amor, la percepción y la Intuición. Achaques y dolores inusuales a través de diferentes partes de tu cuerpo: Estás purificándote y liberando la energía bloqueada de la 3a dimensión, mientras te diriges a una dimensión de existencia más alta. Despertarse en la noche entre las 2:00 y las 4:00 a. m: Durante este período corto de la noche, el Cosmos se abre y muchos son despertados para que puedan orar, pedir e incluso conectar con las energías Divinas e incluso con su Guía de Luz. Pérdida de la memoria: Una gran profusión de pérdida de la memoria a corto plazo. Estás en más de una dimensión a la vez, y regresar y avanzar es parte de la transición (estás experimentando una "desconexión”). También, tu pasado es parte de lo Viejo, y lo Viejo se ha ido para siempre ya que el pasado no existe. ¡Estar en el Ahora es el sistema del nuevo Mundo y el único espacio tiempo real! “Ver” y “escuchar” cosas: En el proceso de cambio vibracional los canales espirituales se alinean e incluso se abren y dependiendo del don de cada Ser es posible que seas mucho más sensible y receptivo a otras realidades paralelas. (Es importante descartar cualquier enfermedad mental primero claro está). Pérdida de identidad: Tratas de acceder a tu Esencia verdadera y eso hace que te sientas en tu interior diferente ya que tienes acceso al recuerdo de tu identidad Divina tendiendo por tanto una consciencia mucho más abierta y descartando el “papel” de esta obra de teatro llamada Vida. Periodos de sueño profundo: Estás descansando de todo, aclimatándote e integrándote y es muy normal que tu cuerpo etérico necesite “visitar” con mucha más frecuencia los Planos Espirituales Superiores para aclimatarse al cambio. Sensibilidad aumentada a tu entorno: Multitudes, ruido, comidas, televisión, otras voces humanas y diversos estímulos son apenas tolerables. Tú también te abrumas fácilmente y te sientes fácilmente sobreestimulado. Estás sintonizándote y todo exceso de energías y de masas serán evitadas de forma natural. Esto es temporal. Sientes como si no estuvieras haciendo nada: Estás en un periodo de descanso, “reconectándote” y haciendo un descanso a nivel interior y puedes pasar una etapa sin ganas de hacer cursos, leer, salir, etc ya que tu verdadera necesidad es interior. Mientras esto ocurre disfrutas de ti mismo, de las pequeñas cosas de la vida y no te agobies. Una intolerancia a las cosas de baja vibración (de la 3ª Dimensión) reflejada en conversaciones, actitudes, estructuras sociales, modalidades sanadores, etc: Ellos te hacen sentir “enfermo” interiormente ya que los chismorreos, comentarios aberrantes o las críticas ya forman parte de una vibración que no va contigo. Estás en una vibración más alta y tus energías no aceptan esos ambientes. Una repentina desaparición de amigos, actividades, hábitos, trabajos y residencies: Estás evolucionando más allá de lo que solías ser y debido a la Ley de la Afinidad, aquello que parecía que antes era coherente contigo ahora deja de serlo ya que el Alma necesita de otras energías y ambientes para seguir su expansión y el cambio será mejor y más positivo Días de fatiga extrema: Tu cuerpo está perdiendo densidad y atravesando una intensa reestructuración y por lo tanto a veces el dormir y el comer se convierten en tareas importantes para elevar la vibración. Una necesidad de comer más a menudo porque sientes ataques de disminución de azúcar: Estás requiriendo una enorme cantidad de combustible en este proceso de ascensión. El aumento de peso, con la incapacidad de perderlo, no importa lo que hagas, es una de las experiencias típicas. Confía en que tu cuerpo sabe lo que está haciendo ya que aunque nos olvidemos muy a menudo, la naturaleza es sabia. Experimentar bajadas y subidas emocionales: reír, llorar. Nuestras emociones están siendo nuestra salida para liberar, y estamos liberando mucho. Querer ir a Casa, como si todo hubiera TERMINADO y tú no pertenecieras más a este lugar: Estamos regresando a la Fuente. Todo se terminó. (Pero muchos de nosotros estamos quedándonos para ayudar y establecer la Era de Acuario en la Humanidad. Sentir que te estás volviendo loco, o que debes estar desarrollando una enfermedad mental o algo así: Estás experimentando varias dimensiones y una gran apertura rápidamente. Mucho está ahora disponible para ti. Sólo que no lo has usado. Tu percepción ha sido incrementada y tus barreras se han ido. Esto pasará y eventualmente te sentirás en Casa, como nunca antes lo sentiste, el Hogar ahora está aquí. Ansiedad y pánico: Tu ego está perdiendo mucho de si mismo y tiene miedo. También tu sistema está sobrecargado. Te están pasando cosas que no puedes entender. Estás liberando patrones de comportamiento de una vibración baja, los desarrollaste para sobrevivir en 3a dimensión. Esto te puede hacer sentir vulnerable e impotente. Estos patrones y comportamientos que estás perdiendo no son necesarios en los reinos superiores. Después de este tránsito todo pasará y sentirás mucho amor, seguridad y unidad. ¡Sólo espera! Depresión: El mundo exterior puede no estar en alineación con el nueva vibración que has experimentado y puedes llegar a sentirte “que no formas parte de este mundo”. También estás liberando energías viejas y negativas y estás “viendo” a través de ellas. ¡Aguanta! Sueños vívidos, salvajes y algunas veces violentos: Estás liberando muchas, muchas vidas de energía vibracional baja y eso puede manifestarse en sueños negativos e incluso hermosos y reales. Sudores nocturnos y bochornos: Tu cuerpo está “calentándose” mientras quema los residuos. Tú has creado esta situación que parece tu peor pesadilla, con los “peores” aspectos de ti: Tu alma te está guiando hacia un “estirón” en aspectos de ti mismo donde tenías carencias, o a "suavizar" aspectos donde tenías sobreabundancia. Tu energía se está balanceando a sí misma. Este es TU viaje, y tu alma no tendría que elevarse si no estuvieras listo. Tú eres el que encuentra la manera de salir y lo harás. Después de tantos cambios y de tantas dudas que se han podido aclarar, te darás cuenta que no se debe temer a nada ya que todo cambio genera ansiedad por dejar los hábitos viejos y que “creemos” válidos aunque cuando ya vibras con la energía de la Nueva Era, te sentirás agradecido por la experiencia de ser una persona diferente. Link:http://www.haciaeldespertar.org/era.htm Símbolos de la Era de Acuario Desde el tiempo en que el hombre comió del Árbol del Conocimiento, no ha podido ver la existencia del ÚNICO que está detrás de todas las cosas. Algunos símbolos demuestran -a través de la geometría y las matemáticas- la existencia de un creador único que existe dentro de todas las cosas. La Cábala habla del Árbol de la Vida, como la llave al universo entero y a todas las dimensiones de la creación. En estos símbolos, se puede ver la personificación del creador en todas las cosas. El ciclo de la creación está también personificado en el Árbol de l Vida, y el resto de los diseños geométricos dispersos a través del mundo y que nos da el " ADN cósmico". Los diseños de la Semilla de la Vida, la Flor De la Vida y la Fruta de la Vida han existido en el Judaísmo durante muchas generaciones y pueden ser encontrados en sinagogas antiguas y en antiguos libros de rezo; aunque durante los años su significado ha sido olvidado. Pendiente del árbol de la vida Pendiente Semilla de la Vida Pendiente Flor de la Vida Link: http://www.ka-gold-jewelry.com/spanish/p-articles/age-of-aquarius.php EL ORIGEN DE LA ERA DE ACUARIO Cómo sabemos todo el mundo habla de que vamos a entrar en una nueva era llamada de Acuario con sus consiguientes cambios, pero ¿Cuándo va a ocurrir? , ¿A ocurrido ya?.- Esas son las principales preguntas cuyas respuestas son de lo mas variadas y diferentes, se confunden profecías con previsiones astrológicas, y lo más importante es que no hay acuerdo cronológico.- Otros se preguntan ¿dónde sale eso de las eras?.- Ciertamente corresponde a la astrología dar la respuesta a esas preguntas, si bien para ello exponga nuevas dudas. Todos hemos oído que la tierra tiene dos movimientos, uno de traslación en torno al Sol que nos aporta la sucesión de estaciones y años, y otro de rotación que la Tierra efectúa sobre su eje produciendo la sucesión del día y la noche, pero además existen nueve movimientos más considerados de menor importancia, por ser más lentos a escala temporal. Entre estos movimientos hay uno análogo al trompo, traza al mismo tiempo en el espacio un cono de revolución en forma de embudo, por lo que hay un desplazamiento del polo a través de las estrellas, apuntando a diferentes estrellas según el tiempo transcurrido.- Este movimiento describe un circulo que tarda en completarse actualmente 25.780 años aproximadamente y va disminuyendo progresivamente.- Por lo tanto, el ecuador terrestre y el ecuador celeste que es una proyección del primero sobre la esfera celeste, siguen este movimiento polar al que se encuentran vinculados, por lo que hay un desplazamiento del plano ecuatorial por el plano de la ecléctica, al punto de intersección de ambos planos se le llama punto vernal, y este punto tiene una velocidad en retroceso de 50” por año, por lo que tarda en dar La vuelta sobre la ecléctica unos 25.780 años aproximadamente. A este movimiento se le llama de precesión de los equinoccios. Si dividimos 25.780 por doce, los signos del zodiaco, tendremos el número de años de cada era, que será de 2148 años aproximadamente.- Existe gran disparidad de criterios en cuanto al momento en que coincidió el punto vernal con el primer punto de Aries, las observaciones realizadas por los astrólogos de la antigüedad resultan insuficientes para poder establecer de forma aproximada el inicio de la era de Piscis y por lo tanto tampoco la de Acuario, algunos de los trabajos realizados en este tema establecen el inicio de la era de Piscis entre el siglo III antes de Cristo y el IV, pero los más convincentes la sitúan unos años antes del nacimiento de Cristo, si tomamos el inicio de Piscis en el año cero de nuestra era encontraremos que el cambio de la Era de Piscis a La de Acuario se sitúa en el año 2.148, pero si damos un orbe de influencia de unos 300 años antes para la era que nace, y otros 300 años para la que finaliza, seria bastante lógico, pues seria el equivalente a más o menos 4 grados, orbe que en la práctica de la astrología no es excesivo.- Por lo que sabemos ningún cambio de era se produce de golpe y repente, todo necesita un tiempo para realizarse, probablemente la de acuario sea una de las más rápidas y bruscas, por las características básicas del propio signo. Al parecer un clima determinado precede al cambio de era, en este caso debemos tener en cuenta el cambio de clima estará posiblemente determinado por las características de Acuario y su opuesto Leo, el regente de Leo es el Sol, estamos conociendo unos máximos de actividad solar poco habituales, los cuales están modificando el clima al cual estabamos acostumbrados, también seria importante reseñar los cambios producidos en la atmósfera, efecto invernadero, el ozono, etc. En los cuales el signo de Acuario tiene una importante influencia, y en particular sobre el ciclo del dióxido de carbono. Si tenemos en cuenta los 300 años de orbe se puede decir que la influencia de la era de acuario sé esta haciendo notar con cierta intensidad desde 1848 aproximadamente, pero dadas las características de acuario, está influencia se darán a intervalos, a golpes, algo similar a la emisión de un pulsar, pero de intervalos de tiempo mucho más amplios, el propio símbolo de Acuario ya nos indica que su influencia es recibida algo similar a las olas de la playa, primero una y después otra, y así sucesivamente, y cuando una de estas influencia inicia su movimiento de retroceso al igual que las olas, otra ola viene y da un fuerte golpe fundiéndose ambas y volviéndose nuevamente a la playa. Por ello Acuario es un signo de movimiento y se encarga de los cambios en nuestra evolución. Así pues vamos a ver en que momentos se dan estas olas de influencia acuariana. La primera oleada de influencia acuariana se hace notar entre 1.781 y 1.782, descubriéndose en marzo de 1.781 el planeta Urano al cual se le asigno la regente de acuario. Un año más tarde se descubre el Volframio que se utilizo posteriormente para la fabricación de filamentos eléctricos. En 1.783 los hermanos Montgolfier realizan pruebas con globos aerostáticos ante la academia de ciencias francesa, años más tarde esta primera influencia tendría como resultado la revolución francesa. Anteriormente acuario ya había dado pequeños avisos con la invención del pararrayos por Franklin en 1.752, por el cual el hombre intenta dominar la energía eléctrica de naturaleza esencialmente uraniana, y más tarde la independencia de EEUU. La segunda oleada se da en 1.869 y 1.875, dando como resultado el dominio de la naturaleza para producir energía eléctrica, el industrial e ingeniero Aristide Bergés, produce energía eléctrica procedente del agua. Vemos que el hombre en un principio utiliza su talento para no ser destruido por este tipo de energía que se encuentra en la naturaleza, y más tarde utiliza a la naturaleza para poder producir energía eléctrica cuando ve que la puede dominar y utilizarla en su propio beneficio. La tercera oleada importante aparece sobre 1.900, aparece el globo dirigible o Zeppelin, Henric Becquer él descubre la radiactividad al haber manejado sales de Uranio junto a una placa fotográfica, y descubrir posteriormente que ésta se hallaba impresionada, al mismo tiempo Max Planck establece la teoría de los cuantos. Es el inicio de la era atómica, y vemos otra vez que el hombre intenta manejar un tipo de energía que se encuentra en la naturaleza de forma inofensiva pero que su utilización y uso pueden hacerla peligrosa. La destrucción del átomo muchos astrólogos lo consideran como un proceso plutoniano, pero la energía liberada es de naturaleza uraniana. Otra oleada de influencia a la que sé a dado mucha importancia es la que se dio en la década de los sesenta, teniendo como momento importante el 4 de febrero de 1.962, cuando se formo una gran conjunción de planetas en acuario, en esta estuvieron los 5 planetas de la antigüedad y ambas luminarias, Urano, Neptuno y Plutón se encontraban en Leo, Escorpio y Virgo respectivamente. Un año antes los rusos mandan el primer vuelo tripulado al espacio, prácticamente se inicia a partir de ahora la carrera espacial. También se da la crisis de los misiles al apoyar Moscú a Cuba con el envío de armas nucleares. De todas maneras es de suponer que este stellium tenga una influencia más intensa a nivel individual que colectivo. La otra ola de influencia se dará en la década de los 90, teniendo su momento el 1 de Febrero de 1.993, cuando Urano planeta regente de la era entrante forme conjunción en Capricornio con Neptuno regente de Piscis cuya era termina. Dado el carácter de esta conjunción sus efectos pueden hacerse notar muchos años antes y después, incluso veinte o más años, ambos planetas estarán al mismo tiempo en el signo de acuario. Pero realmente el cambio de eras se verá reforzado por la conjunción de Urano y Neptuno en acuario, planeta entrante y saliente, en el 2.63 momento muy próximo al del cambio de era, es de suponer importantes acontecimientos y avances en los campos de la astronomía, las comunicaciones, la informática, la medicina, las ciencias en general, y en particular los vuelos espaciales donde las fronteras del espacio cambiarán iniciándose seguramente un proceso de colonización. En esta era es de suponer que se tienda a la individualización, se quiera más independencia y autonomía, menos control y se pretenda una descentralización de los poderes. Cosa que seguramente comenzaremos a experimentar con la conjunción de Urano-Neptuno del 93, donde vemos una tendencia fuerte de independencia y modernismo, dónde las masas se libraran de los yugos de las dictaduras tanto de derechas como de izquierdas, pues esta conjunción tiene mucho que ver con los movimientos revolucionarios llevados a cabo por las masas de una forma imprevisible. Habrá importantes modificaciones en las fronteras de las naciones, cosa muy propia de la conjunción, especialmente tendrá un gran efecto en China, pues esta conjunción se forma en un punto muy importante del tema de este país, y ambos planetas en su transito posterior probablemente desencadenarán en una revolución, importantes emigraciones, cambios en las fronteras, y por desgracia todo ello tiende a realizarse en un clima de violencia. En cuanto a las eras desde el punto de vista de la astrología tienen una gran importancia, aunque sus efectos al encuadrarse en grandes espacios de tiempo son algo difíciles de ver, si es cierto que la esencia básica del signo correspondiente a la era se percibe, así como la del signo opuesto. Otro de los acontecimientos que se darán probablemente en esta década bajo la influencia de la conjunción Urano-Neptuno. Es la explotación clandestina de los recursos de la Antártida, es muy posible que en torno a la Antártida se originen diversos trastornos políticos. La alteración del clima afectará a este enorme continente, desprendiendo grandes cantidades de agua en forma de icebergs. Los océanos pueden experimentar importantes cambios en sus caudales y corrientes marinas, y nuestros científicos realizan importantes descubrimientos en las profundidades marinas. La colonización de la Antártida se prevé muy próxima, lo cual será muy perjudicial para el clima. Mucho de lo que la era de Piscis había ocultado ira reapareciendo con esta nueva era, en especial el conocimiento esotérico, sociedades que hasta ahora se habían mantenido en secreto, acuerdos políticos, se descubrirán nuevos hallazgos arqueológicos que aclaren algo sobre la evolución del hombre. Los sentimientos de humanidad, fraternidad, altruismo, desinterés que se le atribuyen a acuario, sólo lo experimentaran los individuos más evolucionados, por lo demás, Acuario va muy a la suya, y ello es lo que probablemente ocurra con la mayoría de la humanidad, metida de lleno en una carrera por el dominio económico y tecnológico. Es muy posible que a escala mundial exista un clima de paz entre las grandes potencias, pero la violencia se desarrollara en numerosos puntos de la tierra, pues las revoluciones, los movimientos independentista, y la persecución de determinados pueblos y razas se llevarán a cabo de forma violenta. El nuevo paradigma se establecerá con fuerza sobre el año 2.100 en los dos siglos anteriores las bases del nuevo paradigma se verán distorsionadas a causa de las fuerzas del antiguo paradigma que se resisten al cambio, es normal que mucha gente que tenga cierto poder y control sobre los demás no quiera perderlo, pero si ese control y poder va en detrimento de una mayoría lo lógico será que la mayoría quiera cambiar y vivir según las nuevas necesidades. Parece evidente que estamos en una época de cambios, la propia evolución y desarrollo social nos lleva a un proceso irreversible en que las viejas costumbres que determinan pautas sociales y creencias en la sociedad están siendo profundamente cuestionadas. Al Parecer hay un factor que es la locomotora de este cambio, se trata de la tecnología, y un logro como que todo el mundo pueda estar comunicado, se ha creado una red de comunicaciones que nos lleva a conocer lo que pasa en cualquier parte del mundo, estamos conectados a un nivel global, por lo que somos conscientes de que cualquier cosa que ocurra en un punto del planeta nos afecta pudiendo modificar de forma directa o indirecta nuestras vidas. Antes, los descubrimientos científicos pasaban desapercibidos para la mayoría de la gente, hoy día tenemos información sobre las investigaciones y descubrimientos de temas que nos afectan. Tenemos acceso< creencia y religiones de otros pueblos y culturas, antes uno estaba aislado y la información era parcial, Ahora tenemos mucha información, quizá tanta que llega a confundirnos, y si antes se ocultaba ahora se manipula, o sea se distorsiona. Todos estos cambio responden a las influencias de los signos de Piscis y Acuario, pasamos de una época desde los sentimental y lo colectivo era parte integrante de la conducta hacia lo mental e individual. Si Piscis simboliza el sacrificio Acuario representa la libertad, como todos sabemos la libertad también exige fuertes sacrificios y renuncias. Por ello este cambio de modelo de vida puede parecer caótico, inestable e inservible, pero hemos de darnos cuenta que ello no es más ni menos que una fase de un proceso dentro de la dinámica evolutiva de la humanidad. Hoy día se tiene muy claro que tenemos una concepción del mundo dependiendo del punto de observación que tengamos, nuestra visión del mundo dependen enteramente de las ideas preconcebidas que tengamos y de las herramientas que tenemos para obtener dicha visión. Ahora veremos las características propias que definen al antiguo y al nuevo paradigma según diferentes campos de actividad social. En primer lugar veremos la ciencia, que ha sido la que más ha influido en el antiguo paradigma, pues ella ha sido la que ha creado la estructura sobre a la cual otras disciplinas se han ido incorporando. Link: http://www.esoterismo.net/profecias/eraacuario.html Índigo ¿Los seres de la Era de Acuario? En los albores de la Era de Acuario es posible que estemos siendo testigos del nacimiento de un nuevo tipo de ser humano y no nos estemos dando cuenta de ello. Al igual que con el nacimiento de esta nueva Era, las personas que defienden la tesis que establece que para que un planeta entero cambie debe cambiar su base, y por la tanto el Gran Plan de Dios para la Tierra incluye sustituir por completo al hombre alterando genéticamente una o mas generaciones, no saben definir bien cuando este fenómeno empezó a darse. Hay quienes dicen que la Era de Acuario se inició en 1948 luego de finalizada la segunda guerra mundial, otros que lo hizo en 1962 y algunos que aún no ha comenzado si no que estamos en un momento de transición entre las dos Eras (Piscis – Acuario). De la misma forma hay quienes dicen que el nuevo tipo de ser humano empezó a nacer en los 70, otros lo ubican en los 80 pero todos coinciden en que es desde los 90 en adelante que se está dando el mayor el número de nacimiento de ellos, seres cuya responsabilidad primordial es la de lograr la armonización de los pares opuestos: hombre y mujer, materia y espíritu, razón e intuición, oriente y occidente, etc., que promete la nueva Era Cada Era se ha destacado porque los hechos relevantes en el curso de su realización se caracterizan por corresponder con el símbolo y los planetas que la representan. De esa forma tenemos que en la Era de Tauro, el Toro fue el símbolo de los Ritos Sagrados, los pueblos antiguos le rindieron honores y tributos. Culminada la Era de Tauro, Moisés dio a su pueblo una Ley Ritual basada en sacrificios de carneros y corderos, símbolo del signo zodiacal de Aries. En la Era de Piscis, los astrólogos de la época o magos de oriente, escrutando la bóveda celeste, observaron la gran conjunción de los diversos planetas reunidos como una fulgurante estrella en la Constelación de Piscis, y de ahí dedujeron que había llegado a la Tierra una representación humana de EL Cristo. El Salvador del mundo llamó pescadores a sus apóstoles, multiplicó los peces, las iniciales de las palabras de su nombre y de su Misión forman un anagrama que en griego significa pez, es el pez que representa al signo de Piscis. Llama la atención que aquellos que creen en un nuevo tipo de seres humanos los hayan identificado con el nombre de Índigo, que es el color que corresponde a Acuario, mas ellos no lo hicieron por eso sino porque es ese el color de su Aura. Además, como veremos mas adelante, las características asociadas a las personas Índigo corresponden al comportamiento de los seres de un mundo en el cual la Era de Acuario se ha consolidado y ha marcado la finalización de una forma de pensar y de vivir para dar paso a otra muy diferente en la cual Urano, regente de la era y de la técnica moderna, simboliza, entre otras, a la intuición en equilibrio a la creación por la prolífera generación de ideas. Y Saturno que le acompaña, simboliza la exaltación de la Sabiduría, no como el conocimiento represivo de la domesticación del hombre por el aprendizaje atávico que lo esclaviza, sino como el camino liberador que lo acerca al Sendero en el cual el hombre se hace Uno con Dios. Las características de un Niño Índigo Desde su infancia, los que pudieran ser integrantes de esta nueva “raza” tienen características que los distinguen de los niños a los cuales estamos habituados y que los convierten en un motivo de asombro o preocupación para las personas responsables de su educación, ya que su comportamiento requiere de atención especial, por lo que la mayor parte de las investigaciones se ha centrado en esta etapa y cuando se toca el tema, se habla generalmente de Niños Índigo. Un Niño Índigo tiene características físicas particulares, con un gran potencial de activación de cuatro códigos más en el ADN lo cual los dota de un claro fortalecimiento del sistema inmunológico según estudios realizados en la universidad de California (UCLA); su hígado es mas resistente, son mas delgados de lo normal, con ojos grandes, tienen el lóbulo frontal ligeramente abultado, desarrollan habilidad para escribir y actuar con ambas manos o tienen una tendencia a ser zurdos, comen poco, tienen un coeficiente intelectual superior a 120 y son muy activos. En la actualidad se ha logrado estudiar un grupo importante de niños que clasifican dentro de la categoría Índigo y de este estudio se concluye que, por lo general, su patrón de comportamiento responde a lo siguiente: • No son tímidos a la hora de expresar lo que necesitan. • No se amedrentan con facilidad y con ellos no valen las amenazas • Tienen altamente desarrollados los cinco sentidos • Tienen gran sensibilidad • Se distraen fácilmente o tiene bajo poder de concentración cuando el asunto ya fue procesado por ellos o no les interesa. • Se resisten a la autoridad si ésta no está democráticamente orientada • Simplemente no harán ciertas cosas; por ejemplo: esperar en una fila es muy difícil para ellos. • Prefieren formas particulares de aprendizaje –para la lectura y las matemáticas en especial. • Pueden frustrarse fácilmente porque tienen grandes ideas pero pocos recursos o personas dispuestas a ayudarle a realizarlas • Con frecuencia ellos encuentran mejores formas de hacer las cosas, tanto en casa como en la escuela, lo que los hace parecer rebeldes y hasta inconformes con cualquier sistema • Aprende a un nivel exploratorio, y se resisten a memorizar mecánicamente o a ser meros oyentes. • No duran mucho tiempo sentados a menos que estén absorto en un tema de su interés. • Son muy compasivos y tiene muchos miedos, tales como a la muerte y a la pérdida de sus seres queridos. • Exigen mucha atención y sienten que la vida es demasiado valiosa para dejarla pasar. Quieren que las cosas sucedan y con frecuencia fuerzan una situación a fin de obtener lo deseado. • No pueden entender por qué las personas operan en modalidades no basadas en el amor. Son extremadamente resistentes y hábiles para ayudar a niños necesitados aunque su ayuda a menudo sea rechazada. En la juventud pueden tener problemas de adaptación con otros niños. • Tienen energía en exceso por lo cual a menudo son diagnosticados con desórdenes de atención (ADD – Attention Deficit Disorder) o alguna forma de hiperactividad. Los Niños Índigo además del patrón de comportamiento señalado anteriormente comparten cada una de las características que se enumeran a continuación. Se han clasificado en cuatro tipos diferentes, dependiendo de cuales de estas características se presentan con mayor intensidad, para ayudar a quienes los guían a que dirijan su crecimiento de forma armónica y desarrollen sus aptitudes sin trabas: 1. El humanista: el primero es el Índigo humanista que está destinado a trabajar con las masas. Pueden ser los médicos, abogados, profesores, comerciantes, ejecutivos y políticos del mañana. Son muy hiperactivos y extremadamente sociables. Hablan con todo el mundo, siempre en forma muy, pero muy amigable. Son torpes en sus movimientos y ademanes. Algunas veces se estrellarán contra una pared porque olvidaron poner los frenos, no saben cómo jugar con un juguete, pero le sacarán todas las partes que contengan y probablemente después no lo vuelvan a tocar. Son del tipo de persona al que hay que recordarles las cosas permanentemente, porque a menudo se olvidan de las órdenes simples y se distraen. Son lectores asiduos. 2. El conceptual: Los Índigos conceptuales están más interesados en proyectos que en personas. Probablemente serán los ingenieros, arquitectos, diseñadores, astronautas, pilotos y militares del mañana. No son torpes, por el contrario, son niños muy atléticos. Son controladores y la persona que más tratan de controlar es a su madre si son niños, y a su padre si son niñas. Este tipo de Índigo tiene tendencia a la adicción, especialmente a drogas durante la adolescencia, por lo cual sus padres deben vigilar estrechamente sus patrones de comportamiento. 3. El artista: El Índigo artista es mucho más sensible y su cuerpo a menudo es más pequeño, aunque eso no es una regla general. Está más inclinado hacia el arte, es muy creativo y puede que se convierta en el profesor o el artista del mañana. Sea lo que sea a lo que se dedique, siempre estará orientado hacia el lado creativo. Dentro del campo de la medicina, será cirujano o investigador. En el campo de las artes, será el creador. Entre los 4 y los 10 años, muestra una marcada tendencia a involucrarse en hasta 15 actividades creativas diferentes, le dedicará 5 minutos a cada una y luego la abandonará. 4. El interdimensional: El Índigo interdimensional es mucho más grande que los demás índigos, desde el punto de vista de la estatura. Entre el primero y el segundo año ya no le podrá decir nada. Ellos dirán: "Yo ya lo sé" o "Yo puedo hacer eso", o "Déjame sólo". Son ellos quienes traerán nuevas filosofías y espiritualidad a este mundo, pero si no se mantienen en la línea correcta pueden llegar a convertirse en bravucones y jactanciosos. Aquellos que han tenido experiencias cercanas con estos niños, afirman que vinieron al mundo con una gran carga de habilidades síquicas, siendo la intuición una de ellas, dejan que la intuición guíe sus acciones, dándole mas importancia a lo que dicta la voz del alma que a la aprobación externa. Expresan un trato con seres de otras dimensiones y se sienten cómodos conversando sobre temas relacionados con poderes extrasensoriales. Denotan capacidades en este aspecto en particular. De estas experiencias se ha concluido además, que responden positivamente al proceso de enseñanza basado en las Siete Leyes Espirituales. 1.- La ley de la potencialidad pura: Todo es posible 2.- La ley del dar: Si desea obtener algo da eso mismo 3.- La ley del Karma: Cada elección determina el futuro 4.- La ley del menor esfuerzo: No te resistas sigue la corriente 5.- La ley de la intención y el deseo: Cada vez que deseas o esperas algo siembras una semilla 6.- La ley del desapego: Todos somos transeúntes, disfruta el viaje. 7.- La ley del Dharma: Estás aquí por una razón He tenido contacto con personas que creen ser Índigo o cuyos hijos concuerdan en mas de un 70% con las características arriba señaladas y llama la atención que la mayor preocupación de esas personas es el como aprovechar al máximo su potencialidad, ya que declaran serias dificultades para manejar las situaciones que con ellos se presentan. Describen su situación como una experiencia que oscila entre lo maravilloso y lo terrible. Conociendo las peculiaridades y el patrón de comportamiento que se asocian a los niños Índigo y que fueron presentados en esta parte, resta determinar cómo la Astrología, puede contribuir en el estudio del comportamiento del ser humano de la Era de Acuario. Link: http://horoscopia.venezuela.com/lectura.html

¿De dónde viene el nombre "Alemania"? Probablemente muchas veces te has preguntado de dónde viene la palabra “Alemania” y por qué se llama de tan diferente manera en varios idiomas. Aquí te damos algunos tips para entender el origen de esta palabra. El nombre “Alemania” con el que se designa a nuestro país en español y de forma similar en lenguas latinas y árabes, proviene de los “Alamanes”, en el sudoeste de la Alemania actual, parte de Suiza y Austria. “Alamanes” quiere decir “Todos los hombres” (hoy diríamos “Todas las personas”) de acuerdo con el historiador romano de principios de la era cristiana Asinius Quadratus, y se refiere al conjunto de tribus de la zona, que eran los suevos (hoy suabos), los bucinobantes, los brisigavi, los hermundures (hermiones), los jutungos, lentienses, semmones, cuados y teutones. El vocablo “alamanes” para referirse a la unión de estas diferentes etnias se adoptó dado que para los romanos era necesario agrupar a las etnias de bárbaros germánicos, que avanzaban en el siglo III ocupando territorio del imperio, en un sólo nombre. Existen además otros dos grandes grupos: los sajones y los francos, que hasta el día de hoy gustan de llamarse así. Nuestro uso del nombre de la actual República Federal, Alemania, tuvo que pasar por Francia antes: L’Allemagne, que sirvió y sirve hasta hoy para denominar a la zona de procedencia de los germanos, que penetraron en la Galia en los albores de esta era. Si surfeas un poco por la red, e ingresas en algún buscador la palabra “Alemannisch”, te podrás dar cuenta de que no es un mal chiste para explicar cómo se dice "alemán" en alemán: se trata del dialecto germánico hablado por tres pueblos de la antigua Alemania Superior: los suavos, los alsacianos y la zona germanoparlante de Suiza. Podrás distinguirlos porque no pronuncian la “R” de forma gutural como la mayoría de los alemanes, sino de manera más similar a la nuestra en español, como cuando decimos “herrero” o “Rapuncel”. Un dato interesante: los suavos llegaron por el siglo IV al norte de Portugal y de España, quedándose en esa zona. ¿Cómo puede tener un mismo país tantos nombres? Ahora, existen también otros nombres para nuestro país: Germany (en inglés), Deutschland (en alemán), Tyskland (en danés, sueco y noruego), Niemcy (en polaco), etc. Germany y Deutschland son los que más escuchamos. Veamos de qué se tratan: “Germania”, de donde viene "Germany",era el nombre con el que los romanos denominaban a toda la zona detrás de los Alpes. Se hablaba en ese tiempo de una Germania Magna, desconocida e indefinible por el Imperio Romano, trascendiendo geográficamente con mucho a las fronteras de la actual Alemania. Los límites de la “Germania Magna” eran desconocidos para los romanos. Aparte, se encontraban la Germania Inferior y la Germania Superior. Germania Inferior era una pequeña región el centro-oeste de la actual Alemania, cuya capital era Colonia Claudia Ara Agrippinensium (hoy la ciudad de Colonia o Köln). La Germania Superior, similarmente pequeña en tamaño, se encontraba un poco más hacia el sudeste, en parte de lo que hoy es el estado federal Baden-Württemberg, en la frontera con Francia, aparte de la Suiza de habla alemana. Ambas eran posesiones del Imperio Romano, como lo eran la Galia (parte de la actual Francia) y el sur de la isla mayor de Gran Bretaña -con el nombre antiguo de Britannia- donde sólo habitaban celtas. “Deutschland”, que se compone de la raíz „Deutsch“ (“Alemán”) y la palabra „Land“ (“Tierra”/País”). Quiere decir “Tierra alemana”. La raíz “Deutsch”, que también se usa para llamar al idioma alemán proviene de la palabra “Tutsch” o “Teütsch”, en referencia aparentemente al nombre de la tribu de los teutones, de acuerdo con el diccionario de los Hermanos Grimm. La denominación aparece en los siglos XII y XIII. Las diferentes versiones de este antiguo nombre son “Dûtisklant”, “Teütsches Land”, “Teutischland” y eran usadas por igual en diferentes textos literarios e históricos. Entre estos nombres ya se usaba el actual, “Deutschland”. Si tratáramos de explicar todos los orígenes, significados posibles, acepciones y derivaciones del nombre de Alemania, nos podríamos pasar mucho tiempo. Sin embargo, acá van un par de fotos que ilustran un poco de lo que te hemos contado. Dentro de ellas hay una pintura del siglo XIX, uno de los intentos nacionalistas por darle una identidad visual al país, a través de la creación de una mujer con su nombre: la heroína “Germania” de Phillip Veit, la concreción de aquel refrán que dice que una imagen puede valer más que mil palabras. CAI, 3. Julio. 2007 Centro aleman de información para Latinoamérica Hispanoparlante Link <a href='http://b.t.net.ar/www/delivery/ck.php?n=a2afc290&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE' target='_blank'><img src='http://b.t.net.ar/www/delivery/avw.php?zoneid=58&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE&amp;n=a2afc290' border='0' alt='' /></a>

Registrate y eliminá la publicidad! Supersticiones Populares Cruzar los dedos Cuando se formula un deseo, se dice una mentira o se encuentra uno ante un peligro, es costumbre cruzarlos dedos, concretamente el mayor sobre el índice. El gesto, que evoca una cruz, conjura la mala suerte y aleja las influencias maléficas, según los supersticiosos. Desde los primeros tiempos del cristianismo se creía que, replegando el pulgar bajo los otros dedos, se alejaba a los fantasmas y malos espíritus, o bien haciendo esa operación con las dos manos y dejando que el pulgar asome entre el índice, dedo consagrado a Júpiter, y el mayor, dedo del pecado dedicado a Saturno. No obstante, algunos autores piensan que, aunque el simbolismo de la santa cruz en este gesto resulta obvio, el origen primero es mucho más primitivo que la cruz cristiana y se remonta a los más antiguos tiempos paganos. La suerte de la pata de conejo La extraña tradición de llevar una pata de conejo en el bolsillo para atraer la suerte no nace de este animal, sino de la liebre. En las regiones medievales de Europa existía la creencia de que las brujas se transformaban en liebres para sorber la leche de las mujeres que habían dado a luz. ¿Pero cómo nace esta creencia? Antiguamente, las cabras, vacas, cerdos, liebres y otros animales de granja entraban libremente en la casa de sus amos, ya que la familia aprovechaba su calor corporal para protegerse del frío invernal. Los campesinos criaban liebres para comérselas y las cuidaban con esmero y cariño. De hecho, por ejemplo, los antiguos britanos pensaban que estos animales eran criaturas mágicas que incluso había que evitar ingerir. Algunos tratados de la época mencionan que las mujeres embarazadas y durante la época de lactancia acostumbraban a sentarse en un rincón del hogar y ponerse en el regazo uno de estos nobles animales para que las calentara. A cambio, dejaban que la liebre tomara de su pecho. La tradición popular; como ya se ha mencionado, aseveraba que durante la caza de brujas, éstas se transformaban en liebres y se colaban en las casas de los campesinos para salvarse del peligro. Incluso había una manera de reconocer el engaño: si la liebre, una vez atrapada, resultaba diftcil de despellejar o cocinar, entonces la bruja se había transformado en animal antes de morir.La idea de que la pata de liebre trae buena suerte nació de la primitiva creencia de que los huesos de sus patas curan la gota y otros reumatismos, así como los calambres. Pero, para ser eficaz, el hueso debía tener una articulación intacta. Por sei tan parecidos, la liebre y e] conejo se unieron como frute de las supersticiones relativas a sus virtudes mágicas. Poner la mano delante de la boca al bostezar El gesto actual de taparse la boca cuando bostezamos no obedece sencillamente a la intención de guardar las formas, esconder la dentadura o el deseo de no difundir los gérmenes, sino que tiene un significado más profundo. En el libro Superstitions oÍ Ireland, de Sperenza Wilde se puede leer que hacer la señal de la cruz delante de la boca al bostezar impedía que el diablo se introdujese en el cuerpo y estableciera en él su morada. Es por esta razón por lo que las madres cerraban la boca del bebé o hacían la señal de la cruz delante de ella cuando lo veían bostezar. De esta costumbre ancestral deriva el gesto actual de taparse la boca. Levantarse con el pie derecho La tradición dice que, para que el día no se tuerza, hay que apoyar en primer lugar el pie derecho. La respuesta a esta costumbre podría hallarse en el mundo de los pescadores. Durante el siglo XIX, ningún pescador en su sano juicio subía a bordo por babor, es decir, el costado izquierdo del barco, aunque resultara incómodo hacerlo por estribor. Parece ser que la superstición nace de la noción de que cualquier cosa zurda era antinatural una idea que se basa en que la mayoría de los seres humanos son diestros. Por regla general, todo k que se refiere a la derecha es calificado de favorable por los supersticiosos, quizás alentados por la tradición bíblica, que dice que la derecha conesponde al camine del Paraíso y es la posición en la que están sentados los elegidos por Dios. La izquierda representa el reverso de la moneda. Los romanos, por ejemplo, hacían presagios observando el vuelo de los pájaros: los que lo hacían hacia este lado eran de mal agüero. De hecho, en latín, izquierda se dice sinester, que dio origen al adjetivo siniestro. Miedo a las sombras Antiguamente, la gente crédula buscaba en las sombras que proyectaban los troncos que ardían en la chimenea la imagen de una silueta humana sin cabeza. Esto significaba que la persona que la proyectara moriría antes de la próxima víspera de Navidad. Éste era el plazo para los cristianos, pero en épocas anteriores se utilizaron otras fechas celestiales o estacionales. No cabe duda de que las sombras ocupan una parte importante de los miedos relacionados con el cuerpo, ya que su presencia o ausencia, como le sucedía al personaje de ficción Peter Pan, estaba relacionada originariamente con creencias religiosas y paganas. Las interpretaciones más antiguas del cuerpo y el alma afirmaban que la segunda podía, bajo determinadas circunstancias, abandonar la envoltura carnal y alejarse de camino a la otra vida. Para las culturas más primitivas, el alma estaba conectada a las sombras, cuando no eran la misma cosa. Una de las circunstancias en las que la persona podía perder el alma sucedía cuando un vampiro se acercaba por detrás y clavaba la sombra de la víctima en la pared. De este modo, el ente maligno tomaba posesión del cuerpo. La sombra de los difuntos también había que protegerla de posibles infortunios. En la Europa medieval existía la creencia de que, si una persona moría por la noche y su espíritu —o lo que es lo mismo, su sombra— se alejaba, podía correr peligro de que cruzara por una extensión de agua -un río, un lago- y no pudiera llegar a la otra vida. En este caso, la sombra volvía al cuerpo de su dueño y se convertía en un muerto ambulante, una variedad de vampiro. De ahí nació la costumbre de algunos de tapar los barriles que contienen agua de lluvia y afán de ciertos pueblos por construir puentes. Tocar madera Durante muchos siglo antes del cristianismo, lo pueblos célticos de Europa rendían culto a los árboles por considerarlos los templo de la santidad y la principal presentación de los dioses era la Tierra. El árbol servía com medio para enviar la dolencia, o el mal a la tierra. También se recurría a este vegetal s la mala suerte visitaba a m hombre bajo la forma de demonios o si iba a librarse una batalla. En estos y otros casos el sacerdote druida celebraba una serie de ritos y ensalmos en las llamadas enramadas sagradas, lugares que equivalía a las modernas iglesias. Hay, además, quien dice que las supersticiones referentes a la madera también nacen del material con el que está hecha la cruz de Jesús Resultado de estas creencias es nuestra costumbre de tocar madera como signo di la buena suerte, ya que ésta atrapa al espíritu maligno lo hace caer a tierra. Abrir el paraguas dentro de casa Ningún supersticioso tendría jamás la osadía de abrir un paraguas dentro de una casa. El origen de este temor se remonta a la época en que los reyes orientales y africanos lo usaban sólo a modo de sombrilla para protegerse de los rayos solares. Debido a su conexión con el astro rey y porque también su forma simboliza el disco solar, abrirlo en un lugar sombreado, fuera de los dominios del Sol, era considerado un sacrilegio. Es probable que la superstición se reforzara cuando los paraguas llegaron a Europa y empezaron a ser empleados casi exclusivamente por los sacerdotes en los oficios de los difuntos, sin otro fin que protegerse de las inclemencias del tiempo. Las siete vidas del gato La excepcional resistencia y fortaleza del gato, capaz di salir indemne de situaciones en las que otros animales perecerían con toda seguridad, llevó ala idea de que este felino tenía más de una vida. No hay duda de que sus hábitos nocturnos, sus ojos refulgentes en la oscuridad, su sobresaliente agilidad y su pose majestuosa contribuyeron a que nuestros antepasados sintieran una especial admiración, e incluso veneración, por este animal. Se cuenta que, por ejemplo, Mahoma se cortó la manga de su vestimenta para no perturbar el sueño de su gato que dormía sobre ella. El profeta veía en él “una criatura digna del mayor respeto y de un tratamiento afectuoso”. La razón de que a los gatos se les otorgue popularmente hasta siete vidas tiene posiblemente un origen esotérico. Existen muchas culturas para las que los números poseen una significación concreta. En nuestro caso, el siete fue considerado en la Antigüedad un número de la buena suerte, ya que era una trinidad de trinidades” y, por lo tanto, adecuado para el felino. Vestir de negro en los funerales La antiquísima costumbre de vestir de negro en los funerales, muy extendida en toda la cultura occidental, pretende significar una manifestación de respeto hacia el difunto. Sin embargo, la procedencia de esta tradición no está tan clara. Distintos estudios antropológicos coinciden en señalar como su posible origen el miedo ancestral de los vivos a ser poseídos por los espíritus de los muertos. Así, en los ritos funerarios los hombres primitivos pintarían sus cuerpos de negro para impedir, al quedar camuflados, que el alma del fallecido encontrara un nuevo cuerpo donde asentarse. Esta hipótesis es corroborada por el hecho de que los habitantes de ciertas tribus africanas cubran su piel con cenizas blancas en los funerales, escondiendo así el color negro de su epidermis a la vista de los espíritus. Algo parecido sucede también en la India, donde tradicionalmente el color del luto es blanco, en contraposición a la tez morena de sus habitantes. Romper un espejo Las supersticiones relativas al espejo se cuentan entre las más citadas en todo el Occidente cristiano, quizás por su uso adivinatorio. La catoptromancia, es decir, el arte de adivinar por el espejo, procede de Persia y, aunque tuvo un relativo éxito durante la antigua Grecia y la Edad Media, fue duramente perseguida por la Iglesia. Es probable, sin embargo, que estas supersticiones obedezcan a la idea de que nuestro reflejo es otra versión del original y, si causamos desperfectos en el espejo, nos hacemos daño a nosotros mismos. Así, dañar el espejo es hacer lo mismo con el alma, y aquí es donde entra la superstición de que la rotura de un espejo trae mala suerte durante siete años. Este período se debe a la creencia de que el cuerpo experimenta un cambio en la constitución fisiológica cada siete años. La herradura colgada en la puerta Procedente de Italia, la creencia de que las herraduras atraen la buena suerte era muy tenida en cuenta por la gente de los pueblos. Clavada o colgada en una puerta, este objeto atraería las energías del cielo. La herradura simboliza la fuerza del caballo y su enorme utilidad, al menos en tiempos pasados, en las labores del campo yen las guerras. Vuelta al lado derecho y en posición horizontal representa la C, inicial de Cristo. Derramar la sal Mala suerte, si esto le ocurre al manipular el salero, a menos que se apresure a tomar una pizca y arrojarla por encima del hombro izquierdo “directamente a la cara del diablo”. Porque éste es el sitio desde el que Pedro Botero, es decir, el diablo, espera paciente a que nuestra naturaleza pecadora renuncie al alma para siempre. La sal arrojada no tiene otro fin que cegarlo temporalmente, para que el espíritu tenga tiempo de volver a quedar afianzado por la buena suerte. Desde la Grecia antigua, la sal ha tenido un gran poder simbólico: procede de la Madre Tierra, del mar; las lágrimas y la saliva son saladas, y conserva, condimenta y enriquece los alimentos. Tirar de las orejas como felicitación La oreja es objeto de numerosos simbolismos entre las civilizaciones orientales y africanas: representa desde la inteligencia cósmica del mito hindú de Vaishvánara, hasta la sexualidad para las tribus dogon y bambara, de Malí. Curiosamente, entre los chinos, las orejas largas son signo de sabiduría e inmortalidad. Se dice que las orejas de Lao-tse medían unos 17 centímetros. Se apodaba, además, orejas largas. Muy probablemente, nosotros hemos heredado de alguna forma esta costumbre supersticiosa. Tirando de las orejas, manifestamos el deseo de que la persona felicitada tenga larga vida y adquiera cada vez mayor sabiduría. Decir Salud al estornudar Los egipcios y griegos veían en el estornudo un augurio. Así, era bueno estornudar por la tarde, mientras que hacerlo al levantarse de la cama o de la mesa podía ser nefasto. Aquel que había estornudado al nacer era te nido por dichoso. El estornudo hacia la izquierda era un signo de mal agüero, pero di bueno, hacia la derecha. Er todos los casos, los griegos exclamaban ¡Vivid! y ¡Que Zeus te conserve! Por su parte, los romanos empleaban la expresión, ¡Salve!, ante tal circunstancia; y serían los primeros cristianos quienes sustituyeron la invocación a dioses paganos por el suyo. Se dice que durante la epidemia de peste que hubo en Roma en el año 591, bajo el pontificado de Gregorio 1, lo afectados morían estornudan do, y que de tal circunstancia proviene el ¡Dios te bendigas que más tarde se simplificar diciendo ¡Salud!, ¡Jesús! o ex presiones semejantes. Aversión al amarillo Es superstición entre los actores, sobre todo de teatro, no salir a escena con ropa amarilla, ya que puede conducir al fracaso o a cosas aún peores La razón de este miedo escénico reside en el dramaturgo y actor francés Jean-Baptiste Poquelin (1622-1673), llamado Moliére. En febrero de 1673, Moliére estrenó el ballet-comedia El enfermo imaginario, que toma por blanco de su sátira a los médicos. Pocos días después del estreno, en plena representación, el dramaturgo se sintió indispuesto, y murió unas horas más tarde en su domicilio. En la representación, Moliére vestía ropas de color amarillo. El gato negro En el mundo del misticismo, los gatos son portadores de un poder mágico infinitamente superior al del hombre. Con toda probabilidad, esta antigua creencia deriva de la adoración a la diosa egipcia Bubastis, que tenía forma de gato. Los egipcios estaban convencidos de que los gatos poseían alma, y prueba de ello son los restos momificados de estos felinos, que se cuentan por miles, hallados en las excavaciones arqueológicas. En la Edad Media, las brujas convirtieron al gato negro en un elemento imprescindible para efectuar sus rituales y hechizos. Hoy en día, los supersticiosos temen al gato negro que se cruza en su camino. Este hecho representa con claridad el conflicto que existía entre la Iglesia, la cruz y las prácticas paganas de la brujería. Pasar por debajo de una escalera Esta y otras supersticiones asociadas a las escaleras están relacionadas con el miedo al patíbulo. Antiguamente, debido a la gran altura que éste solía tener, había que usar una escalera de mano para colocar la soga en la posición correcta, así como para retirar después el cadáver del condenado. Cualquiera que pasara por debajo de la escalera corría el peligro de encontrarse con el muerto. De ahí viene la superstición. Viernes 13 Desde tiempos remotos, el número 13 ha sido fatídico, debido principalmente a la muerte violenta que sufrieron varios dioses decimoterceros de la Antigüedad y, ¡cómo no!, a la suerte del decimotercer invitado en la Última Cena de Jesús. Por otro lado, el viernes adquirió en el mundo sajón su reputación de día nefasto, debido a la muerte de Jesús. Obviamente, la coincidencia del número 13 y del día viernes no puede ser de peor agüero. Colocar flores en las tumbas En la actualidad, se adornan las sepulturas con flores como muestra de afecto, pero la intención original no era otra que la de proporcionar algo vivo con el fin de dar felicidad. La corona circular, colocada sobre la tumba o la puerta principal del cementerio, encerraba simbólicamente el espíritu y le impedía volver. fuenteortal Planeta sedna <a href='http://b.t.net.ar/www/delivery/ck.php?n=a2afc290&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE' target='_blank'><img src='http://b.t.net.ar/www/delivery/avw.php?zoneid=58&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE&amp;n=a2afc290' border='0' alt='' /></a>

Registrate y eliminá la publicidad! Premios Nobel Argentinos Dr. Carlos Saavedra Lamas. Premio Nobel de la Paz 1936 Intervención en el conflicto boliviano-paraguayo. (1878-1959), político y jurista argentino. Nacido en Buenos Aires, estudió Derecho y fue catedrático en las universidades de La Plata y Buenos Aires. Fue ministro de Justicia e Instrucción Pública y de Relaciones Exteriores. Decidido a que su país desempeñara un papel importante en cuestiones internacionales, su participación fue decisiva en las negociaciones que pusieron fin en 1935 a la guerra del Chaco. En reconocimiento a su actuación, se le concedió el Premio Nobel de la Paz al año siguiente. De regreso a su labor docente, fue rector de la Universidad de Buenos Aires y presidente de la Academia de Derecho y Ciencias Sociales. Murió en 1959 en Buenos Aires. Dr. Bernardo A. Houssay. Premio Nobel de Medicina y Fisiología 1947 Metabolismo de Azúcares. Houssay nació en Buenos Aires, en cuya universidad se licenció en farmacia en 1904. Obtuvo el título de medicina en 1911. Fue nombrado catedrático de fisiología de la Facultad de Medicina de Buenos Aires en 1919, donde comenzaron sus fructíferas investigaciones. Los antecedentes de sus investigaciones se iniciaron con el descubrimiento de la insulina (la hormona ausente en los pacientes de diabetes), y el hecho de que quienes sufren acromegalia tienen tanto una glándula pituitaria hiperactiva como tendencia a padecer diabetes mellitus. Las investigaciones de Houssay llevarían a desvelar el papel que desempeñan las hormonas pituitarias en la regulación de los niveles de azúcar, o glucosa, en la sangre. Comenzó extirpando fragmentos de glándula pituitaria en perros de laboratorio, y descubrió que sin el lóbulo anterior de la glándula, los animales se volvían más sensibles a la insulina. Por contraste, cuando se les inyectaba un extracto del lóbulo anterior, esa sensibilidad decrecía. Más aún, si a un animal que padecía diabetes se le administraban grandes dosis del extracto, su estado empeoraba y si se administraban grandes dosis a animales sanos, era posible inducir en ellos la enfermedad. La razón de esto era que el nivel de azúcar en sangre aumentaba. Sus experimentos le llevaron a dos conclusiones. En primer lugar, el lóbulo anterior de la pituitaria desempeña un papel importante en la metabolización de los carbohidratos contenidos en la sangre, oponiéndose a la acción de la insulina; en segundo lugar, es posible controlar el metabolismo al equilibrar con mucho cuidado diferentes hormonas. Houssay fue presidente de la Sociedad Argentina de Biología y de la Academia Nacional de Medicina de Buenos Aires. No obstante, su abierta oposición al nazismo, que apoyaba el gobierno argentino, llevó al presidente Juan Domingo Perón a destituirle de su cargo universitario. Con la ayuda de la Fundación Rockefeller, fundó su propio instituto privado, el Instituto de Biología y Medicina Experimental, y fue nombrado catedrático Hitchcock de fisiología de la Universidad de California en 1948. Tras el exilio de Perón en 1955, Houssay fue invitado a ocupar de nuevo su antiguo cargo. Dr. Luis Federico Leloir. Premio Nobel de Química 1970 Nucleotidoazucares y biosíntesis de hidratos de carbono. (1906-1987), bioquímico argentino. Nacido en París de padres argentinos, Leloir vivió y trabajó en Buenos Aires la mayor parte de su vida. Se graduó en Medicina en 1932 en la Universidad de Buenos Aires después de haber trabajado como asistente en el Instituto de Fisiología de esta universidad. Trabajó en Inglaterra y EEUU y regresó en 1937 a Argentina, donde fijó su residencia definitivamente en Buenos Aires. En esta ciudad, en 1945, ocupó el cargo de director del nuevo Instituto de Investigación Bioquímica. A pesar de que el equipo y las condiciones del laboratorio, en la década de 1940 y a principios de la década de 1950, estaban consideradas como muy precarias, Leloir realizó con éxito experimentos que revelaban las rutas químicas en la síntesis de azúcares en levaduras. Esto resultó ser muy importante, porque rutas similares podían darse en una gran variedad de otros procesos bioquímicos, tales como la formación de paredes celulares en bacterias, la formación de polisacáridos y quitina (la sustancia que forma el exoesqueleto de invertebrados), e incluso la síntesis de glicoproteínas (un complejo de hidratos de carbono y proteínas) en mamíferos. La genialidad de Leloir fue su habilidad para utilizar principios científicos básicos y establecer de forma muy cuidada experimentos, sin la ayuda de un costoso y complejo equipo y descubrir así nueva información acerca de los procesos químicos en sistemas vivos. El trabajo de Leloir sobre el metabolismo de glúcidos abrió el camino para muchos descubrimientos sobre cómo las células adquieren energía. Adolfo Pérez Ezquivel. Premio Nobel de la Paz 1980 Defensor de los Derechos Humanos. (1931- ), artista y líder pacifista argentino. Nació en Buenos Aires. Estudió arquitectura y fue profesor de escultura en la Universidad de La Plata. Obtuvo varios premios en reconocimiento a su labor artística en 1942 y 1956. Se unió a un movimiento de seguidores de Mahatma Gandhi en 1971. Fundó el periódico Paz y Justicia en 1973, dando origen a un movimiento de igual nombre, que se extendió por todo el continente americano y del que fue secretario en 1974. Expulsado de Ecuador en 1976, estuvo encarcelado en Argentina de 1977 a 1978 y en libertad vigilada hasta 1979. Se le concedió el Premio Nobel de la Paz en 1980 por su lucha en defensa de los derechos humanos. Posteriormente, fue miembro del comité ejecutivo de la Asamblea Permanente de los Derechos Humanos. Dr. César Milstein. Premio Nobel de Medicina y Farmacología 1984 Desarrollo de anticuerpos monoclonales. (1927-2002), inmunólogo argentino nacionalizado británico que compartió, en 1984, el Premio Nobel de Fisiología y Medicina con Niels Kai Jerne y Georges J. F. Köhler, por sus investigaciones sobre el sistema inmunológico y por el desarrollo, en colaboración con éste último, de la tecnología de producción de los anticuerpos monoclonales. Nació el 8 de octubre de 1927 en Bahía Blanca. Estudió en la Universidad de Buenos Aires, doctorándose en Química en 1957. Después, obtuvo una beca para ampliar sus estudios en Cambridge. En 1961 regresó a Argentina y se incorporó al Instituto Nacional de Microbiología Malbrán de Buenos Aires. En 1963 se trasladó al Reino Unido y trabajó en el Laboratorio de Biología Molecular del Medical Research Council de la Universidad de Cambridge. En 1983 se convirtió en director de la División de Química de Proteínas y Ácidos Nucleicos de dicha Universidad. Milstein falleció en Cambridge el 24 de marzo de 2002. Fuente de Información: Enciclopedia EncartaCorbis/Library of Congress © 1993-2003 Microsoft Corporation Alfred Nobel y la creación de los premios Los Nobel son conocidos en la historia de las ciencias como una familia sueca de notables químicos e inventores. Olof Nobel desde principios del siglo XVIII se destacó como tal, además de haber sido un influyente profesor en la Universidad de Upsala. Su nieto, Inmanuel Nobel, fue tan famoso como su abuelo y su genio creador en el campo de la química, principalmente en la rama de los explosivos, fue heredado con creces por sus descendientes. Figura Del matrimonio de Inmanuel con Andrietta Ahlsell nacieron cuatro hijos varones: Robert y Ludwig, destacados colaboradores de su padre; Alfred, que inmortalizó el apellido con sus grandes aportes en el campo de la química de los explosivos y Emil, que murió siendo estudiante universitario, víctima de una explosión en el laboratorio familiar como consecuencia de las experiencias que realizaba. El tercero de los hermanos, Alfred Bernhard Nobel, nació en Estocolmo capital de Suecia, el 21 de octubre de 1833. Aunque recibió su educación en Rusia y estudió ingeniería en los Estados Unidos de América junto al famoso ingeniero John Ericson, su profunda formación científica en todo lo referente a explosivos la alcanzó con su trabajo junto al padre. Joven aún, Inmanuel Nobel, con toda la familia emigró a San Petersburgo, Rusia, donde fundó primero un establecimiento destinado a la fabricación de torpedos y después, sucesivamente, un astillero, una fundición de hierro y fábricas de armas, en los que laboraron intensamente, junto al progenitor, los tres hijos mayores. Alfred, que unía a su genio creador en la química, una especial habilidad para los grandes negocios, cuando aún no había cumplido las tres décadas de vida, fundó por su propia cuenta, en 1862, una fábrica de nitroglicerina en Estocolmo y tres años después otras dos, en Winterviken y Kummel del Elba, llegando a ser esta última una de las más importantes de Europa. Se dedicó desde entonces a realizar, paciente y temerariamente, estudios sobre la nitroglicerina con el propósito de atenuar su sensibilidad que hacía imposible su uso en forma pura. La nitroglicerina que es el más importante de los éteres nítricos de la glicerina, también denominado trinitrina, había sido descubierta en 1846 por el químico y médico italiano Ascanio Sobrero, quien la llamó piroglicerina y advirtió la extrema peligrosidad de su uso comercial. En 1854 Williamson estableció su composición química, lo que facilitó que años más tarde, con un completo dominio de su estructura, Nobel pudiera ensayar con diversas sustancias para conocer, cuales podían atenuar su gran sensibilidad. Después de un arduo proceso de experimentación, en el que estuvo a punto de no continuar los estudios emprendidos debido a una violenta explosión en 1864 que destruyó sus laboratorios y corrió gran peligro su vida, notó que la tierra de infusorios o trípoli ofrecía la propiedad de ser muy absorbente respecto de la nitroglicerina, pues retenía en sus poros hasta el 82 por ciento de dicha sustancia lo que daba paso a una nueva mezcla, que continuaba siendo un gran explosivo, pero que hacía menos peligroso su manejo. Corría el año 1867 y Nobel acababa de descubrir la dinamita, con lo que hacía posible el uso industrial de la nitroglicerina y se convertía en el genuino creador de la moderna pirotecnia. Muy pronto hizo multiplicar los establecimientos dedicados a esta industria, de proyecciones incalculables, e introdujo la dinamita en toda Europa y en los Estados Unidos. En 1873 fijó su laboratorio en Saint-Sevrán, cerca de París y fue entonces que creó la gelatina explosiva, llamada también gelatina de Nobel, consistente en una mezcla de nitroglicerina y nitrocelulosa. Todos estos logros no agotaron su genio. En 1880 obtuvo la patente de un freno automático y de una caldera antiexplosiva, más tarde perfeccionó la concentración de ácido sulfúrico y de aparatos vaporizadores y congeladores. Junto a esa labor, encaminó sus esfuerzos en hallar medios modernos que permitieran la refinación del hierro de fundición. De extraordinaria importancia fue su método para la destilación contínua del petróleo, aportado en 1884, con el que estableció los fundamentos de la industria petrolera rusa, cuya ventajosa explotación constituyó una de las bases de su inmensa fortuna personal. Su último gran aporte lo sería la llamada pólvora sin humo o balistita, de la que recibió patente de invención en 1888, precursora de la cordita, materia explosiva lograda por los químicos ingleses Frederick Abel y Jacob Dewar. En todos estos trabajos fueron constantes colaboradores sus hermanos Robert y Ludwig. En 1891 trasladó su laboratorio a San Remo, en la Riviera italiana, cerca de los Alpes. En 1894 compró la fundición de Bofors por dos millones y medio de coronas suecas con lo que completó su legendario capital y ensanchó la vieja mansión familiar en Estocolmo, donde pasaba los veranos. Durante los inviernos permanecía en su refugio de San Remo, cerca de donde vivía Bertha Kinsky, baronesa de von Suttner, renombrada escritora austríaca, único amor conocido en su productiva vida de sabio solitario. Allí sorprendió la muerte el 10 de diciembre de 1896 al hombre, que según frase feliz del ensayista Austin Tower, escribió su historia mojando, valientemente, su pluma en nitroglicerina.1 Los últimos años de su vida los pasó Alfred Nobel atormentado por la idea de que su obra científica había contribuido a que las guerras fueran cada vez más destructoras y sangrientas, por ello, un año antes de su fallecimiento, el 27 de noviembre de 1895, otorgó testamento en el que creaba la llamada Fundación Nobel (Nobelstiftelsen) en los siguientes términos: "Se dispondrá como sigue de todo el remanente de la fortuna realizable que deje al morir: el capital, realizado en valores seguros por mis testamentarios, constituirá un fondo cuyo interés se distribuirá anualmente como recompensa a los que, durante el año anterior, hubieran prestado a la humanidad los mayores servicios. El total se dividirá en cinco partes iguales, que se concederán: una a quien, en el ramo de las Ciencias Físicas, haya hecho el descubrimiento o invento mas importante; otra a quien lo haya hecho en Química o introducido en ella el mejor perfeccionamiento; la tercera al autor del más importante descubrimiento en Fisiología o Medicina; la cuarta al que haya producido la obra literaria más notable en el sentido del idealismo; por último, la quinta parte a quien haya laborado más y mejor en la obra de la fraternidad de los pueblos, a favor de la supresión o reducción de los ejércitos permanentes, y en pro de la formación y propagación de Congresos de la Paz. Los premios serán otorgados: los de Física y Química por la Academia Sueca de Ciencias; el de Fisiología o Medicina por el Instituto Carolino de Estocolmo; el de Literatura, por la Academia de Estocolmo; el de la obra de la Paz, por una comisión de cinco individuos que elegirá el Storthing noruego*. Es mi voluntad expresa que en la concesión de los premios no se tenga en cuenta la nacionalidad, de manera que los obtengan los más dignos, sean o no escandinavos."2 Veinte días después de su muerte, el 30 de diciembre de 1896, el documento era abierto con todas las formalidades de la ley y algo más de treinta millones de coronas suecas fueron destinadas a la creación de la Fundación y los réditos de ese capital habrían de ser entregados anualmente, a partir de 1901 en forma de los cinco premios dispuestos, a los que se agregaría muchos años después, en 1969, un sexto destinado a la mejor obra de investigación en el campo de la Economía, creado por el Banco Nacional de Suecia, que es quien lo paga y otorgado por la Academia Sueca de Ciencias. Las instituciones encargadas de adjudicarlos nombraron desde su creación comités compuestos de tres a cinco de sus miembros, llamados Comités de los Premios Nobel, para dictaminar acerca de las concesiones. El importe de los mismos ha sido muy variable en el tiempo de acuerdo con los réditos anuales de la Fundación. Los premios pueden ser compartidos hasta por tres personas o quedar vacantes y en el de la Paz, pueden ser galardonadas instituciones, como lo han sido, entre otras: el Instituto de Derecho Internacional de la Universidad de Gante; el Comité de la Cruz Roja (Ginebra) y la Oficina Internacional Nansen para refugiados (Ginebra). Las candidaturas a los premios deben ser presentadas por escrito, con la hoja de sus servicios por personalidades capacitadas para ello a juicio de la Fundación, "sin que se tomen en cuenta recomendaciones personales". Para hacer las propuestas están autorizados, en la actualidad en Física y Química: "Los miembros suecos y extranjeros de la Real Academia de Ciencias de Estocolmo (Kungl-Vetenskapsakademien), los miembros de los Comités Nobel para los premios de Física y Química; los hombres de ciencias que hayan obtenido el premio Nobel de la Academia de Ciencias; los catedráticos de física y química de las Universidades de Upsala, Lund, Oslo, Copenhague y Helsingfors (Helsinki), del Instituto Carolino y de la Real Universidad Técnica de Estocolmo; los catedráticos libres de estas ciencias que ejerzan permanentemente sus actividades en la Universidad de Estocolmo, catedráticos y catedráticos libres corres-ponsales de seis Universidades y Academias como mínimo, designados por la Academia de Ciencias con objeto de compartir convenientemente la labor con otros países y sus cátedras, y finalmente los hombres de ciencia que, por sus condiciones especiales, sean invitados a ello por la Academia".3 En Fisiología o Medicina: "Los miembros del claustro de profesores del Real Instituto Médico-quirúrgico Carolino (Kugl-Karolinska Institutet) de Estocolmo; los miembros de la sección de medicina de la Real Academia Sueca de Ciencias; las personas que sean poseedoras del premio Nobel de Medicina; los miembros de las Facultades de Medicina de las Universidades de Upsala, Lund, Oslo, Copenhague y Helsingfors (Helsinki); los miembros de seis Facultades de Medicina, por lo menos, designados por el claustro de profesores con objeto de compartir convenientemente la tarea con otros países y sus cátedras, y aquellos hombres de ciencia que sean requeridos para ello por el Instituto Carolino".3 En Literatura: "Los miembros de la Academia Sueca y de las Academias análogas francesa y española; los miembros de las instituciones y sociedades literarias que tengan categoría de Academias, y los profesores universitarios de estética, literatura e historia".3 Y en la obra de la Paz: "Los miembros actuales y anteriores del Comité Nobel del Parlamento noruego; los asesores nombrados por el Instituto Nobel noruego; los miembros de los cuerpos legislativos nacionales y de los gobiernos de los diferentes países; los miembros de la Asociación Interparlamentaria; los del Tribunal Internacional de La Haya; los del Comité de la Oficina Internacional Permanente de la Paz; los miembros y socios del Instituto de Derecho Internacional de París; los catedráticos de Universidad que desempeñen cátedras de derecho, historia y filosofía y las personas que hayan obtenido el premio Nobel de la Paz.4 Los premios se entregan cada 10 de diciembre, conmemoración de la muerte de Nobel, en los locales de las instituciones que los otorgan. Las primeras ceremonias se realizaron el 10 de diciembre de 1901, año inicial del siglo XX y les fueron entregados, el de Ciencias Físicas a Wilhem K. Röntgen, de Alemania, por su descubrimiento de los rayos X, llamados también rayos de Röntgen; el de Ciencias Químicas a Jacobus H. vant Hoff, de Holanda, por sus grandes aportes a los fundamentos de la estereoquímica y la teoría de la presión osmótica; el de Fisiología o Medicina a Emil A. von Behring, de Alemania, por sus descubrimientos de los sueros antidiftérico y antitetánico, éste último en colaboración con el sabio japonés Shibasaburo Kitasato; el de Literatura a René F. A. Sully-Prudhomme, de Francia, poeta, ensayista y pensador por su obra total y el de la Paz a Jean Henri Dunant, de Suiza, por la fundación de la Cruz Roja Internacional y a Frédéric Passy, de Francia, por la fundación, con otros, de la Liga Internacional de la Paz y la Sociedad Francesa de Arbitraje entre Naciones. Cuatro años más tarde, el 10 de diciembre de 1905, en el Storthing o Parlamento noruego, en Oslo, el presidente del Comité del Premio Nobel de la Paz entregaba el galardón a Bertha Kinsky, baronesa de von Suttner, por su novela "¡Abajo las armas!"; sus importantes trabajos en favor de la paz entre los pueblos y la fundación de la Sociedad Alemana de la Paz, quizá la persona que mas influyó en el ánimo del sabio sueco para la instauración de dicho premio. 1 Tower A. Nobel. Col. Celebridades. Madrid. Ed. Dólar. 1951: 160. * El Storthing o Parlamento noruego se divide en dos cámaras: el Lagting (cuarta parte de los representantes) y el Odelsting (tres cuartas partes restantes). En la actualidad tiene 165 miembros. (G.D.G.). 2 Montaner y Simón , eds. Diccionario Enciclopédico Hispano- Americano. Barcelona. 1910; 27: 1310-1311. 3 Salvaggio S. La fundación Nobel. En: Salvaggio S. Diccionario Biográfico de Premios Nobel. Buenos Aires. Ed. Claridad S. A. 1949: 12. 4 Salvaggio S. La Fundación Nobel. En: Salvaggio S. Diccionario Biográfico de Premios Nobel. Buenos Aires. Ed. Claridad. S. A. 1949: 12-13. Fuentehttp://www.bvs.sld.cu/revistas/his/vol_2_99/his03299.htm Diplomático argentino candidato al Premio Nobel de la Paz El embajador Miguel Ángel Espeche Gil fue nominado al Premio Nobel de la Paz 2008. l Comité Noruego del Premio Nobel oficializó, entre las miles de nominaciones que se presentaron, la candidatura del embajador Miguel Ángel Espeche Gil al Premio Nobel de la Paz 2008. Ya había sido candidato a dicho galardón mundial el año 2002. Se trataría del uno de los dos ciudadanos argentinos integrante de la lista de candidatos del presente año. La otra postulación corresponde a Patricia Pèrez, de la Organización Mundial de Mujeres Viviendo con Sida. En esta oportunidad varias entidades efectuaron la nominación de Espeche Gil. Entre las de la Argentina figuran la Federación Argentina de Colegios de Abogados y la Asociación de Defensores del Pueblo de la República Argentina. En la anterior lo hicieron la Universidad Católica de La Plata, la Central Latinoamericana de Trabajadores con sede en Caracas y la Central Mundial del Trabajo de Bruselas. El candidato es el autor de la denominada “Doctrina Espeche” iniciativa destinada a llevar el problema de la Deuda Externa de los países del tercer mundo a la Corte Internacional de Justicia de La Haya mediante un pedido de opinión consultiva que formule la Asamblea General de las Naciones Unidas Su prédica en pos de la adopción de esa iniciativa en defensa de los países deudores se inició en 1984 y ha tenido significativos apoyos de entidades religiosas académicas y políticas en distintos países. En los medios académicos se considera que la propuesta de Espeche reviste singular valor para las ciencias jurídicas ya que propone el tratamiento del problema en la órbita del Derecho Internacional Público. El drama argentino de su Deuda Externa, es compartido por muchos países en desarrollo desde la década de los setenta. Espeche sostiene que el enorme peso de las deudas externas que tuvo su orígen en el alza unilateral de las tasas de interés dispuesta en forma unilateral por la banca acreedora es ilícito ya que vulnera principios generales del derecho entre los que se cuenta la condena a la usura. En los hechos, los desembolsos efectuados desde entonces por los países deudores ,en especial la Argentina, en concepto de pago de intereses, superan varias veces los montos originales de las deudas. Lamentablemente los medios jurídicos propuestos para defender la posición de los deudores no han sido instrumentados hasta ahora por los países en esa situación la que se agrava de hora en hora por la acumulación de intereses impagos reclamados que se agregan implacablemente a los montos de capital por anatocismo. Por eso es que la deuda continúa creciendo exponencialmente no obstante los cuantiosos pagos ya efectuados a los supuestos acreedores. La deuda externa como injusticia flagrante que condena a la miseria a los pueblos de los países deudores es considerada una amenaza a la Paz Internacional . La paz se vulnera cuando se vulnera la Justicia y ello sucede cuando se continúa reclamando una deuda, reciclada con planes Brady y megacanjes, que en rigor de verdad ya ha sido saldada con creces varias veces. Cabe recordar que el célebre economista John Maynard Keynes atribuyó a la inmensa deuda impuesta a Alemania después de la primera guerra mundial haber sido una de las causas del surgimiento del nazismo y de la Segunda Guerra Mundial. Estas han sido algunas de las consideraciones esgrimidas por las entidades que presentaron la nominación del embajador Espeche para el Premio Nobel de la Paz.. .Entre las entidades que propician la puesta en práctica de la “Doctrina Espeche “ se encuentra la Federación Luterana Mundial la que le ha encomendado al embajador Espeche que presida el Simposio Mundial que esa Iglesia realizará en Oslo, Noruega, el próximo mes de octubre sobre los aspectos jurídicos de la deuda externa. En la oportunidad se considerará además la decisión del presidente Rafael Correa del Ecuador de realizar una auditoría general de la deuda externa de ese país, investigación que está arrojando pruebas reveladores de innumerables ilícitos que generaron la deuda que se pretende cobrar al Ecuador y que son sorprendentemente similares a los que generaron gran parte de la deuda externa argentina probados en la sentencia recaída en la “Causa Olmos”. Publicado el ( Viernes, 12 de Septiembre de 2008 ) http://www.momarandu.com/amanoticias.php?a=7&b=1&c=83014 <a href='http://b.t.net.ar/www/delivery/ck.php?n=a2afc290&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE' target='_blank'><img src='http://b.t.net.ar/www/delivery/avw.php?zoneid=58&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE&amp;n=a2afc290' border='0' alt='' /></a>

Escritores Argentinos Breves Biografias: De algunos escritores que hicieron historia en la literatura Argentina Almafurete Pedro Bonifacio Palacios nació en San Justo, provincia de Buenos Aires (Argentina) el 13 de mayo de 1854. De familia muy humilde, amante de la pintura. Escribió con el pseudónimo de Almafuerte. Se dedicó a la enseñanza en la provincia de Buenos Aires, a pesar de no tener título habilitante (lo que le costó a la larga su puesto), durante el gobierno de Sarmiento y por sus poemas contragobernantes fue destituido de su trabajo. A pesar de estos inconvenientes gozaba de gran reputación gracias a sus textos publicados en los diarios. Trabajó para el diario el "Pueblo". También fue bibliotecario y Traductor de la Dirección General de Estadísticas de la misma Provincia. No quiso aceptar ningún empleo público, ya que el mismo criticaba duramente a quienes vivían a expensas de los impuestos de la gente. Muy venerado por la juventud, recibió del Congreso Nacional una pensión vitalicia, por su trabajo. Pero no llegó a cobrarla, ya que el fin de su vida lo alcanzó antes. Falleció el 28 de Febrero de 1917 en la ciudad de La Plata, provincia de Buenos Aires. Sus composiciones, que reciben el nombre de milongas, son de un tono predicativo. Evangélicas (1915) fue la obra más representativa de su estilo. Obras principales: Lamentaciones (1906), Poesías (1917), Nuevas Poesías (1918), Milongas clásicas, Sonetos medicinales y Dios te salve. Discursos (1919), Todas publicas luego de su muerte en el año 1917 en Buenos Aires. Rafael Alberto Arrieta [ 1889-1968 ] Rafael Alberto Arrieta nació en Rauch (provincia de Buenos Aires) en 1889, y murió en la Capital Federal, en 1968. Fue profesor universitario; presidió el P.E.N. Club argentino y la Academia Argentina de Letras, y formó parte de otras instituciones donde se destacó como propulsor de actividades culturales y literarias. Su obra escrita comprende verso y prosa. Arrieta se inicia como poeta cuando se apaga el modernismo. De 1910 data Alma y momento, al que siguen otros libros de poemas. Sus trabajos de investigador y crítico son numerosos y, entre ellos se destacan, Bibliópolis (1933); Florencio Balcarce (1939); Don Gregorio Beéche y los bibliógrafos americanistas de Chile y del Plata (1941); Centuria porteña (1944); La literatura argentina y sus vínculos con España (1948). Otros libros en prosa armonizan el saber, la reminiscencia y el lirismo, como El encantamiento de las sombras (1926) y La ciudad del bosque Roberto Art [ 1900-1942 ] Roberto Arlt nació en Buenos Aires en 1900 y murió en la misma ciudad, en 1942. Se inició en el periodismo, observó con interés y agudeza tipos y rasgos urbanos que reflejó en sus populares Aguafuertes porteñas, publicadas en el diario "El Mundo" y más tarde recogidas en volumen, y dejó en su obra literaria un vivo testimonio de su angustia frente al destino humano. Sus novelas (El juguete rabioso, 1926; Los siete locos, 1929; Los lanzallamas, 1931; El amor brujo, 1932), los cuentos de El jorobadito (1933) y El criador de gorilas (1936), sus piezas de teatro (300 millones, 1932; Saverio el cruel, 1936); El fabricante de fantasmas, 1936; Africa, 1938; La isla desierta, 1938; La fiesta del hierro, 1940, y alguna más) integran un conjunto fuerte y original, que se ha afirmado con el tiempo y le ha asegurado a su autor un lugar de primer orden entre los escritores argentinos. Enrique Banchs [ 1888-1968 ] Enrique Banchs nació en Buenos Aires, en 1888, y murió, en la misma ciudad, en 1968. A principios de siglo aparecieron sus cuatro únicos libros de poemas: Las Barcas (1907); El Libro de los Elogios (1908); El Cascabel del Halcón (1909), y La Urna (1911). Su fama de gran poeta de nuestras letras, en ellos sustentada, se acrecentó con los años, y hasta adquirió cierto carácter legendario, mientras el escritor no sólo se resistía a reeditar sus obras sino que se mantenía en un silencio apenas interrumpido por la publicación de algunos esporádicos textos en verso y en prosa, Sin embargo, no se apartó de sus colegas ni de la vida literaria. Actuó en la Sociedad Argentina de Escritores, de la que fue presidente, y en la Academia Argentina de Letras, institución que en 1973 editó su Obra Poética. Vicente Barbieri [ 1903-1956 ] Vicente Barbieri nació en Alberti (Buenos Aires), en 1903, y murió en la Capital Federal, en 1956. En 1939 se inició con Fábula del corazón y al año siguiente dio a conocer Arbol total. Su tono evocativo y elegíaco lo identifica con la llamada generación del 40. Corazón del Oeste (1941), Anillo de sal (1946); El bailarín (1953) son algunos títulos de la obra poética de este autor, que evocó su niñez en El río distante (1945) y ahondó en sí mismo en Desenlace de Endimión (1951). Se estrenó (póstuma) una obra teatral suya: Facundo en la ciudadela (1956). La prosa de este poeta reúne las condiciones de lirismo que caracterizó a los escritores de aquella década. Es destacable el tono nostálgico con que evoca experiencias y momentos vividos entrañablemente. Adolfo Bioy Casares [ 1914-1999 ] Nació, vivió y murió en Buenos Aires. A diferencia de otros escritores contemporáneos, Bioy Casares no necesitó exiliarse en ninguno de los períodos más duros de la historia argentina, quizás por provenir de una familia burguesa acomodada, que le permitió dedicarse exclusivamente a su literatura. Hijo de un padre que había incursionado en las letras, desde pequeño Bioy tuvo contacto con los grandes clásicos de la literatura universal, a lo que le sumó un pasaporte atiborrado de viajes a Europa que le fueron confiriendo un estilo definido, tanto en su obra como en su vida, convirtiéndolo en un verdadero dandy. Su primera publicación fue Prólogo, que escribió a los 15 años y logró publicar gracias al pago de la edición, por parte de su padre. En 1932, en casa de Victoria Ocampo, conoce a Jorge Luis Borges, quien se convertiría en un inseparable amigo y con quien escribirían páginas magistrales. "Éramos muy amigos con Borges - cuenta Bioy en una entrevista - nunca nos dábamos textos para que el otro los viera, pero cada vez que uno de nosotros había inventado una historia que podía ser un cuento o una novela, se la contaba al otro. Siempre es agradable que a uno le cuenten cuentos". En 1934 conoce a Silvina Ocampo, quien año después se convertiría en su esposa. Ese mismo año abandona sus estudios de filosofía y letras y comienza a publicar sus primeras novelas. A partir de entonces el prestigio de Bioy Casares es cada vez mayor, ayudado por una excelente prosa que dibuja o bien ingeniosas historias donde el amor es un tema recurrente, o bien intrigantes policiales plagados de guiños. Se suceden Tormento o la vida múltiple de Juan Ruteno (1935), La estatua casera (1936), Luis Greve, muerto (1937); su obra cumbre, La invención de Morel (1940), Plan de evasión (1945), La trama celeste (1948), El sueño de los héroes (1954), El lado de la sombra (1962), Diario de la guerra del cerdo (1969), El héroe de las mujeres (1978), y otros trabajos individuales y en colaboración con Borges. Muchas de sus obras fueron llevadas al cine. En 1991 recibe en Alcalá de Henares el Premio Miguel de Cervantes, coronando un trabajo de amplio reconocimiento internacional. Bioy Casares murió en Buenos Aires, a los 84 años, luego de una serie de complicaciones ocasionadas por su avanzada edad. Poco tiempo antes había expresado uno de sus últimos deseos: "No me gusta nada la idea de morir. Si pudiera vivir quinientos años aceptaría y pediría: ¿'no puede darme unos más?'." Jorge Luís Borges [ 1899-1986 ] Nació en Buenos Aires el 24 de agosto de 1899 y murió en Ginebra (Suiza) el 14 de junio de 1986. Bilingüe desde su infancia, aprenderá el inglés antes que el castellano ya que su abuela materna de origen británico le enseñara el idioma. En 1914, viajó con la familia a Europa. Se instalaron en Ginebra donde Borges escribió algunos poemas en francés mientras estudiaba el bachillerato (1914-1918). En 1921 los Borges regresaron a Buenos Aires. El joven Jorge Luis redescubre su Buenos Aires y comienza a escribir poemas, publicando su primer libro, Fervor de Buenos Aires (1923). A partir de 1924, publicará algunas revistas literarias y con dos libros más, Luna de enfrente e Inquisiciones, ya en 1925 es conceptuado como un destacado dentro de la más joven vanguardia (trayendo ideas del Ultraismo español). Escribe cuentos y poemas sobre el suburbio porteño, sobre el tango, sobre peleas de guapos; ejemplo de esto es Hombre de la Esquina Rosada. También empezará a escribir sobre la narrativa fantástica o mágica, hasta transformarse en uno de los mayores escritores del siglo XX en este terreno literario. Sus obras son: en poesía; Fervor de Buenos Aires (1923), Luna de enfrente (1925), Cuaderno San Martín (1929), Poemas (1923-1943), El hacedor (1960) , Para las seis cuerdas (1967), El otro, el mismo (1969) , Elogio de la sombra (1969), El oro de los tigres (1972), La rosa profunda (1975), Obra poética (1923-1976), La moneda de hierro (1976), Historia de la noche (1976), La cifra (1981), Los conjurados (1985) Ensayos; Inquisiciones (1925), El tamaño de mi esperanza (1926), El idioma de los argentinos (1928), Evaristo Carriego (1930), Discusión (1932), Historia de la eternidad (1936), Aspectos de la poesía gauchesca (1950), Otras inquisiciones (1952), El congreso (1971), Libro de sueños (1976) Cuentos; El jardín de senderos que se bifurcan (1941), Ficciones (1944), El Aleph (1949), La muerte y la brújula (1951), El informe Brodie (1970), El libro de arena (1975) No clasificados; Historia universal de la infamia (1935), El libro de los seres imaginarios (1968), Atlas (1985) Con A. Bioy Casares; Seis problemas para don Isidro Parodi (1942), Un modelo para la muerte (1946), Dos fantasías memorables (1946), Los orilleros (1955). Guión cinematográfico. El paraíso de los creyentes (1955). Guión cinematográfico. Nuevos cuentos de Bustos Domecq (1977). Con otros autores; Antiguas literaturas germánicas (México, 1951), El "Martín Fierro"(1953), Leopoldo Lugones (1955), La hermana Eloísa (1955), Manual de zoología fantástica. Miguel Cané [ 1851-1905 ] Miguel Cané nació en 1851 en la ciudad de Montevideo - Uruguay (donde sus padres vivían exiliados) y murió en Buenos Aires en 1905. Fue un característico representante de la "generación del 80": político, viajero, diplomático, periodista, autor de artículos y crónicas sobre temas muy diversos, que, reunidos, integraron libros tales como En viaje (1884), Charlas literarias (1885), Notas e impresiones (1901), Prosa ligera (1903), cuyos títulos son exacta expresión del tono que en ellos predomina. Lugar aparte ocupa la deliciosa Juvenilia (1882), recuerdos de sus años de estudiante en el Colegio Nacional de Buenos Aires. Juvenilia es sin duda uno de los textos fundamentales de Cané, y de la literatura rioplatense. No sólo nos acerca a su historia personal sino que dibuja el paisaje interior y exterior de los estudiantes de aquella época de finales del siglo XIX. Arturo Capdevila [ 1889-1967 ] Arturo Capdevila nació en Córdoba, en 1889, y murió en Buenos Aires, en 1967. Poeta, autor dramático, narrador, escribió incansablemente sobre temas históricos, literarios y científicos. En 1922 se radica en la Capital Federal donde ejerció la docencia y desplegó una gran actividad en instituciones y academias. Es uno de los escritores más prolíficos de las letras argentinas. Entre sus obras se destacan: en poesía: Jardines solos (1911); Velpámene (1912); El poema de Nenúfar (1915); El libro de la noche (1917); en teatro: La Sulamita (1916); El amor de Schahrazada (1918); Zincalí (1927); en novela: Arbaces, maestro de amor (1945); sus evocaciones en: Córdoba del recuerdo (1923); algunos cuentos como: La ciudad de los sueños (1925); escritos sobre temas idiomáticos: Babel y el castellano (1928); temas históricos: Las invasiones inglesas (1938), Historia de Dorrego (1949), El hombre de Guayaquil (1950); Nueva imagen de Juan Manuel de Rosas (1945), sobre literatura: Rubén Darío, "un bardo rei" (1946); Alfonsina: época, dolor y obra de la poetisa Alfonsina Storni (1948). Haroldo Conti [ 1925 ](desaparecido durante la dictadura) Haroldo Conti nació en Chacabuco, provincia de Buenos Aires, en 1925. Ganó con su cuento La causa, una de las menciones del concurso de la revista Life en español de 1960. Como piloto civil recorrió el Delta del Paraná, escenario de su conocida novela Sudeste, premiada por Fabril Editora en 1962. A esa obra siguieron Todos los veranos, (1965), cuentos; Alrededor de la jaula, (1966), novela; Con otra gente, (1967), cuentos, y En vida, (1971), novela. Lo poético de la prosa de Conti proviene de su contención y justo equilibrio en el uso de las palabras, ceñidas con parquedad a la descripción o desarrollo de la escena. Esa contención, equidistante y sugerente a la vez, le da tensión, es decir, "temperatura" poética. Sus temas fundamentales, la soledad y el destino individual, encuentran así adecuado marco expresivo, hondamente lírico. Julio Cortázar [ 1914-1984 ] Hijo de argentinos, nació en Bruselas (Bélgica), por lo que el idioma francés fue parte de él, y lo haría pronunciar la 'erre' casi como un "ge", en español Estudió inglés y alemán, y gracias a ello se ganó la vida haciendo algunos trabajos de traducciones. Aficionado al buen jazz y al boxeo como espectador, la trompeta fue su instrumento más querido después de la máquina de escribir. Cortázar vivió en Argentina hasta 1951, donde trabajó como maestro. Pero la llegada del peronismo al poder, en 1945, complicaría la vida del escritor que, hasta entonces, no se mostraba involucrado en ningún tipo de causas sociales. Aunque los años lo harían acercarse claramente a los ideales del socialismo, sería criticado por algunos de un intelectualismo utópico para lo que pasaba en la Latinoamérica de los 60. En noviembre de 1951 una beca del gobierno francés le da la oportunidad de viajar a París por un año, pero su estadía se extendería mucho más tiempo, hasta su muerte en 1984. Allí publicaría Bestiario, su primer libro de cuentos, y al que le sucederían, entre otros, Final del Juego (1956), Las armas secretas (1959), su primer novela: Los premios (1960), Historias de Cronopios y de Famas (1962), Rayuela (1963), Todos los fuegos el fuego, La vuelta al día en ochenta mundos (1967), Modelo para armar (1968), Ultimo round (1969), El libro del Manuel (1973), Un tal Lucas (1979), Queremos tanto a Glenda (1980) y Deshoras (1982). Murió en París el 12 de febrero de 1984, sus restos descansan en el cementerio de Montparnasse. Juan Carlos Dávalos [ 1887-1959 ] Juan Carlos Dávalos nació en la villa de San Lorenzo, Salta, en 1887, y murió en la capital de esa provincia, en 1959. Se desempeñó como profesor y residió constantemente en su provincia, a cuya historia y a cuya geografía le dedicó libros como Los gauchos (1928); Los buscadores de oro, Los valles de Cachi y Molinos (1937); Salta, su alma y sus paisajes (1947). Fue una figura popular y prestigiosa en Salta, de donde su fama irradió a todo el país, sobre todo gracias a su obra de poeta y narrador. La primera va desde De mi vida y de mi tierra (1914) hasta su Antología poética (1952) y sus póstumos Ultimos versos (1961), en tanto que entre las narraciones El viento blanco, (1922), ha contribuido apreciablemente a señalar a Dávalos como uno de nuestros mejores cuentistas. Así lo ratifican Relatos lugareños (1930) y Cuentos y relatos del Norte Argentino (1946). Juan Pablo Echagüe [ 1877-1950 ] Juan Pablo Echagüe nació en San Juan, en 1877, y murió en Buenos Aires, en 1950. En las primeras décadas del siglo afirmó su prestigio de crítico dramático. Difundió en el ambiente teatral el seudónimo de Jean Paul, con el cual firmaba las crónicas que luego reunió en varios volúmenes: Puntos de vista (1905); Teatro argentino (Impresiones de teatro) (1917); Una época del teatro argentino (1926); etc. Trató también temas literarios e históricos: Letras francesas, 1930; Monteagudo: una vida meteórica, 1942; y exaltó su tierra natal en libros como Paisajes y figuras de San Juan (1933); Por donde corre el Zonda (fantasmagorías) (1938); Tierra de huarpes (1945); y en su novela Hechizo de la montaña (1945). Ángel de Estrada [ 1872-1923 ] Ángel de Estrada nació en Buenos Aires en 1872 y falleció en la nave que lo conducía de regreso a la capital argentina, frente a Río de Janeiro, en 1923. Se inició como poeta con Ensayos (1889), pero sus mejores libros los escribió en prosa, una prosa característica del modernismo, rica en sensaciones e imágenes. Fue un viajero incansable, admirador de Francia, de la Italia renacentista, de la Grecia y la Roma clásicas. Testimonio de su "alma nómade" (título de una de sus colecciones de poemas) y de su amor por aquellas civilizaciones son sus libros de viajes, llenos de eruditas y emocionadas evocaciones, como en El color y la piedra (1900); en Formas y espíritus (1902); en Calidoscopio (1911); en Las tres gracias (1916). Es autor asimismo de tres novelas: Redención (1906); La ilusión (1910) y El triunfo de las rosas (1918). Baldomero Fernández Moreno [ 1886-1950 ] Fernández Moreno nació en 1886, en Buenos Aires, donde murió en 1950. Entre 1892 y 1899 vivió con su familia en España y al regresar a la Argentina se graduó de médico y ejerció poco tiempo su profesión en el interior. Perteneciente a la generación posterior al modernismo, Fernández Moreno (éste fue su nombre literario) descolló como poeta de lo cotidiano, de las cosas sencillas, todo ello expresado en versos directos y armoniosos, de raíz hispánica. Las iniciales del misal (su primer libro, en 1915), Versos de Negrita (1920), El hogar en el campo (1923), Aldea española (1925), El hijo (1926), Seguidillas (1936), Antología (1941), son algunos de los títulos que integran su obra poética. En prosa escribió La patria desconocida (1943) y otras páginas no recogidas aún totalmente en volumen. En textos como Quiosco o Guía caprichosa de Buenos Aires, sin ajustarse a las leyes del verso, que fue su expresión literaria más característica, Fernández Moreno logra encerrar en pequeños cuadros, la sugestión de la poesía más comunicativa. Alberto Gerchunoff [ 1883-1949 ] Alberto Gerchunoff nació en la aldea rusa de Proskuroff en 1883, y murió en Buenos Aires en 1949. Con su familia se instaló primero en la colonia judía de Moisés Ville, en Santa Fe, y luego en la colonia Rajil, en Entre Ríos, cerca de Villaguay, donde pasó su infancia y donde fue labrador y boyero. En 1895 se trasladó a Buenos Aires y a principios de siglo se inició en el periodismo. En él se desempeñó hasta su muerte, sobre todo como redactor del diario "La Nación". Escribió libros de ensayos (La jofaina maravillosa, notas sobre "El Quijote" es uno de los más celebrados) y libros de narraciones, entre ellos Los gauchos judíos, publicado en 1910, como homenaje al Centenario de la Revolución de Mayo, estampas y relatos aparecidos con anterioridad en "La Nación", en los que evoca su niñez entrerriana. Juan Carlos Ghiano [ 1920 ] Juan Carlos Ghiano nació en Nogoyá (Entre Ríos), en 1920. Profesor universitario, crítico, narrador, autor teatral, poeta. Se inicia como narrador con Extraños huéspedes (1947), de donde hemos tomado los dos fragmentos incluidos aquí, y al que siguieron otros cinco libros de este carácter. Para el teatro ha escrito numerosas obras, la más celebrada de las cuales es Narcisa Garay, mujer para llorar, estrenada en 1959. Su obra de crítico es vasta y esclaracedora, en libros como Temas y aptitudes (1949); Constantes de la literatura argentina (1953); Lugones escritor (1955); Poesía argentina del siglo XX (1957); Ricardo Güiraldes (1961). Eduardo González Lanuza [ 1900 ] Eduardo González Lanuza nació en Santander (España), en 1900, pero vive en la Argentina desde 1909. Aquí se graduó de químico y escribió sus libros. Fue uno de los animadores del movimiento ultraísta, que Jorge Luis Borges trajo de España, y con él, y varios jóvenes más, fundó "Prisma" y la primera "Proa" y colaboró en la famosa revista "Martín Fierro". Luego de sus obras ultraístas -Prismas, poemas, 1924; Aquelarre, narraciones, 1927; y Treinta i tantos poemas, 1932-; La degollación de los inocentes (1938) señala su adhesión a la tradición poética clásica, y en esa línea sigue con Transitable cristal (1943) y Oda a la alegría y otros poemas (1949), uno de sus libros mejores, a los que se suman nuevos poemas, ensayo Joaquín V. González [ 1863-1923 ] Joaquín V. González nació en Nonogasta (provincia de La Rioja), en 1863, y murió en Buenos Aires, en 1923. Diputado, senador, gobernador de su provincia, ministro. Se desempeñó como profesor, fundó la Universidad Nacional de La Plata, de la cual fue presidente durante doce años. Escribió sobre temas jurídicos, políticos, educativos y literarios. Sus Obras Completas, edición ordenada por el Congreso Nacional, abarcan veinticinco tomos. Entre sus libros no específicamente literarios se destacan Manual de la Constitución Argentina (1897) y El juicio del siglo (1913). Buen conocedor de diversas literaturas, sobre todo de la española, la francesa, la italiana y la inglesa, se interesó también por poetas orientales como Kabir y Omar Khayyam, a quienes tradujo. El amor a su tierra se ha expresado en libros como La tradición nacional (1888), Historias (1900), Fábulas nativas (1924), y de modo particular en la obra más famosa, su canto a La Rioja contenido en Mis Montañas, publicada en 1893. Paul Grousaac [ 1848-1929 ] Paul Groussac nació en Toulouse (Francia), en 1848, y murió en Buenos Aires, en 1929. Llegó a nuestro país en 1866, a los dieciocho años, por el azar de un viaje con propósito de conocer lejanas tierras. Cuatro años después se desempeña como profesor y va conquistando autoridad, primero en Tucumán y luego en Buenos Aires, donde, en 1885, es designado director de la Biblioteca Nacional. Sus estudios históricos y literarios constituyen lo más valioso de su obra, que se completa con una novela, narraciones, poemas y un drama: La divisa punzó. El muchacho francés que desembarcó en Buenos Aires sin saber el español, se convirtió, en su nueva patria, en un prosista de primer orden. Santiago de Liniers, Mendoza y Garay, Del Plata al Niágara, El viaje intelectual, Los que pasaban, se cuentan entre sus libros mejores, en los que el rigor de la investigación y la lucidez de las observaciones brillan en una prosa precisa, concisa y límpida, notable en nuestras letras. Carlos Guido y Spano [ 1827-1918 ] Carlos Guido y Spano nació en Buenos Aires en 1827 y falleció en la misma ciudad en 1918. Escribió Hojas al viento y Ecos lejanos, algunos de cuyos poemas lo señalaron como un precursor del modernismo, el renovador movimiento literario que triunfó a fines de siglo XIX con Rubén Darío, admirador del poeta argentino. Fue, según dice Ricardo Rojas en Los Modernos, el primer artista verdadero de nuestras letras. Si bien su fama es mayor como poeta, Guido y Spano dejó una considerable y muy variada obra en prosa, según puede apreciarse en las páginas de Ráfagas, (1879) recopilación de textos sobre diversos temas. Ricardo Güiraldes [ 1886-1927 ] Ricardo Güiraldes nació en Buenos Aires, en 1886, y murió en París, en 1927. Su juventud transcurrió entre la estancia paterna en San Antonio de Areco y Buenos Aires. A partir de 1910 a esos dos ámbitos se sumaron París y los que le depararon sus viajes. En París despertó su vocación literaria y en contacto con el medio literario, se sintió atraído por las experiencias de vanguardia, que más tarde lo identificaron con el grupo reunido en tomo de la revista "Martín Fierro", y que el escritor incorporó a sus primeras obras: El cencerro de cristal y Cuentos de muerte y sangre (ambas de 1915), seguidas por Raucho y Rosaura (ambas de 1917) y Xaimaca (1923). En 1926 publicó su obra maestra, Don Segundo Sombra, en la cual la nostalgia del campo bonaerense de la niñez y la asimilación de las novedades expresivas de la literatura más avanzada, coinciden en una creaci6n de auténtica originalidad. De modo póstumo se edita: Pampa (1954). Norah Lange [ 1906-1972 ] Norah Lange nació en Buenos Aires, en 1906, y murió en la misma ciudad, en 1972. En sus comienzos literarios colaboró en revistas de tendencia ultraísta, como "Prisma", "Proa" y "Martín Fierro". Su obra comprende libros de poemas: La calle de la tarde, (1925), con prólogo de Jorge Luis Borges; Los días y las noches, (1926); y El rumbo de la rosa, (1930); y libros en prosa: Voz de la vida, (1927), novela; 45 días y 30 marineros, (1933), novela; Cuademos de infancia, (1937); Discursos, (1942); Antes que mueran, (1944); Personas en la sala, (1950), novela, y Los dos retratos, (1956), novela. Pedro Miguel Obligado [ 1892-1967 ] Pedro Miguel Obligado nació en Buenos Aires, en 1892, y murió en la misma ciudad, en 1967. Profesor, ensayista, conferenciante, guionista y, sobre todo: poeta de raíz hondamente romántica. En 1918 publicó Gris; y luego, El ala de sombra (1921); El hilo de oro (1924); La isla de los cantos (1931); Melancolía (1945), título que define el tono de este poeta, según lo señaló Lugones al darle su espaldarazo con motivo de la publicación de El hilo de oro. En 1959 apareció Los Altares y en 1971, póstumo, El Andén, que recoge sus últimos poemas. Es autor de poemas en prosa, reunidos en El canto perdido (1925). Olga Orozco [ 1920 ] Olga Orozco nació en Toay (provincia de La Pampa), en 1920. Se inicia con Desde lejos (1946), en el cual descubre sus afinidades con el surrealismo. Otro libro de poemas, Las muertes (1952) la afirma en una madurez lírica que sus obras siguientes, Los juegos peligrosos (1962) y Museo salvaje (1975), enriquecen con temas originales y nuevos enfoques. En esta producción ascendente se destacan sus trabajos en prosa, como La oscuridad es otro sol (1967). Roberto J. Payró] [ 1867-1928 ] Roberto J. Payró nació en Mercedes (provincia de Buenos Aires), en 1867, y murió en Lomas de Zamora, en la misma provincia, en 1928. Periodista de noble vocación social y patriótica, durante toda su vida, esos rasgos distinguieron también al dramaturgo (Sobre las ruinas, 1904; Marco Severi, 1905), y al narrador, autor de novelas y cuentos (El casamiento de Laucha, 1906; Pago Chico, 1908; Divertidas aventuras del nieto de Juan Moreira, 1910, considerada su obra más importante, y otros libros posteriores). Fustigó con humor pero con severidad los males argentinos, sobre todo las rapiñas del "pícaro" y del hombre sin escrúpulos. La labor del periodista se aprecia en las crónicas de La Australia argentina (la Patagonia), 1898, y En Las Tierras de Inti (Catamarca), 1909. Alejandra Pizarnik [ nació el 29/04/36 - falleció el 25/09/72 ] Alejandra Pizarnik nació en Buenos Aires, en 1936, y puso fin a su vida en 1972, en la misma ciudad. Dentro de la corriente surrealista, con aportes de otras escuelas de vanguardia posteriores a ese movimiento, se impuso con personalidad bien definida. Luego de su iniciación con Las aventuras perdidas, en 1955; publicó Arbol de Diana (1962); Los trabajos y las noches (1 965), y Extracción de la piedra de la locura (1968). De El infierno musical (1971) descollan varias composiciones de sugerente hermetismo. Alejandra Pizarnik se destacó también como una inteligente y fina ensayista. Horacio Quiroga [ 1878-1937 ] Horacio Quiroga nació en Salto (Uruguay), en 1878, y se quitó la vida en Buenos Aires, en 1937. En Montevideo fundó el primer cenáculo modernista uruguayo, movimiento literario cuyos rasgos caracterizan en primer libro: Los arrecifes de coral (1901). En 1902 se instaló en la Argentina, donde escribió y publicó la mayor parte de su obra. De 1903 data su primer viaje a Misiones, en compañía de Lugones, donde descubrió la selva, ámbito fundamental de sus relatos, y al cual volverá en varias ocasiones. A partir de Cuentos de amor, de locura y de muerte (1917), los libros de Quiroga revelan su vigorosa originalidad. Cuentos de la selva (1918), Anaconda (1921), Los desterrados (1926), Más allá (1935), el último en vida del autor, son algunos de los títulos sobresalientes de su obra. Ricardo Rojas [ 1882-1957 ] Ricardo Rojas nació en Tucumán, en 1882, y murió en Buenos Aires, en 1957. En 1899 se radicó en la Capital Federal, donde desplegó una actividad intelectual múltiple e intensa como profesor universitario y como escritor, enderezada ante todo a ahondar en lo nacional. De esa intención fundamental surgen sus libros más notables: El país de la selva (1908), con mitos, leyendas y reminiscencias de Santiago del Estero, donde transcurrió su adolescencia; La restauración nacionalista (1909), donde expone su credo; Historia de la literatura argentina (1917-1921), obra de gran concepción, no superada aún, como empresa individual; Eurindia (1924); El Santo de la Espada (1933), biografía de San Martín; El Profeta de la Pampa (1945), biografía de Sarmiento. Escribió poemas (La victoria del hombre, 1903, es su primer libro) y algunos dramas como Elelín (1929); Ollantay (1939); La Salamanca (1943). Sus obras completas comprenden más de treinta volúmenes. Ernesto Sábato Nació en Rojas, Provincia de Buenos Aires en 1911. De joven militó en el Partido Comunista. Su caso es atípico ya que estudió Física en la Universidad de la Plata y en París, llegando a trabajar en el laboratorio Curie, en 1938. En Francia conoció a un grupo de surrealistas y comenzó a inclinarse hacia una postura crítica de la realidad del ser humano más cercana a la filosofía que a la ciencia dura. Se doctoró en Física entre 1940 y 1945, trabajó en la Universidad de la Plata, pero la Segunda Guerra Mundial lo llevó a dedicarse de llenó a la literatura para lanzar iluminadas críticas hacía el rumbo que la ciencia marcaba. Su primer libro de ensayos, Uno y el universo (1945), es un buen ejemplo. Colaboró con la revista Sur y se vinculó con Silvina y Victoria Ocampo, Borges y Bioy Casares acontecimiento que terminó por acercarlo definitivamente a la literatura. Su primera novela fue El túnel (1948). Luego vendrían sus Ensayos más notables: Hombres y Engranajes (1951), Heterodoxias (1953), El otro rostro del peronismo (1956) y la novela que lo recortaría como uno de los escritores contemporáneos más importantes: Sobre Héroes y Tumbas (1961). Su tercera novela, Abaddón el exterminador: llegaría en 1974. Fue elegido presidente de la Comisión Nacional sobre Desaparición de Personas (CONADEP), que culminó con la publicación de Nunca más (1984) donde se narran y testimonian las atrocidades cometidas por la dictadura militar que mantuvo el poder en Argentina desde 1976 hasta 1983. Sus últimas publicaciones hasta el momento fueron: Antes del fin (1998) y La Resistencia (2000) Marcos Sastre [ 1809- 1 887 ] Marcos Sastre nació en Montevideo, en 1809, y murió en Buenos Aires, en 1887. Escritor, educador, periodista, pintor. Vivió en Concepción del Uruguay, en la provincia de Entre Ríos, estudió en Córdoba y en Buenos Aires. En nuestro país realizó todo su obra. Fue propietario de la Librería Argentina, en Buenos Aires, donde funcionó el célebre Salón Literario de 1837, sitio de reunión de los jóvenes más cultos y patriotas de entonces. Ocupó diversos cargos relacionados con la educación. De 1848 data su libro más conocido, El Tempe Argentino, sobre el Delta del Paraná. Otras obras de Marcos Sastre son Anagnosia (1849), dedicado a la enseñanza de las primeras letras; Ortografía completa (1854), Lecciones de gramática (1857), Alfonsina Storni [ 1892-1938 ] Alfonsina Storni nació en 1892, en Sala Capriasca (Cantón Tesino), en Suiza, y se quitó la vida en Mar del Plata, en 1938. Sus padres, que se habían establecido con anterioridad en la provincia de San Juan, regresaron con la niña. Alfonsina se graduó de maestra rural. En 1913, se trasladó a Buenos Aires, donde tres años después, publicó su primer libro: La inquietud del rosal. La enseñanza fue su ocupación habitual. El dulce daño (1918); Irremediablemente (1919); Languidez (1920); Ocre (1925); Mundo de siete pozos (1934); Mascarilla y trébol: círculos imantados (1938), integran la obra poética de la escritora, que se completa con obras de teatro y Poemas de amor (1926), prosa poética. De ellos dijo la autora: "Estos poemas son simples frases de estados de amor, escritos en pocos días hace ya algún tiempo. No es pues tan pequeño volumen obra literaria ni lo pretende. Apenas si se atreve a ser una de las tantas lágrimas caídas de los ojos humanos". Raúl González Tuñón [ 1905 - 1974 ] Raúl González Tuñón nació en Buenos Aires, en 1905, y murió en la misma ciudad, en 1974. Poeta, periodista, viajero. A partir de 1922 comienza a publicar sus primeros versos en revistas de la época: "Inicial", "Proa", "Martín Fierro". Compartió con el grupo de Florida, los experimentos formales, y con el de Boedo, la preocupación social, que fue acentuándose con el tiempo. Entre sus libros se cuentan: El violín del diablo (1926), el inicial; Miércoles de ceniza (1928), en los que se animan tipos y parajes suburbanos; La calle del agujero en la media (1930), revelación poética de París; El otro lado de la Estrella; Todos bailan, poemas de Juancito Caminador (ambos en 1934); La rosa blindada (1936), poesía política, al que siguen otros del mismo carácter; Primer canto argentino (1945); Todos los hombres del mundo son hermanos (1954); A la sombra de los barrios amados (1957); Demanda contra el olvido (1963). Rodolfo J. Walsh [ 1927 - 1977 ] Nació en 1927 en Choele-Choel, provincia de Río Negro. Fue escritor, periodista, traductor y asesor de colecciones. Viajó a través de su profesión por el mundo y realizó proyectos periodísticos de gran importancia en la América latina de los 60-70. Su obra recorre especialmente el género policial, periodístico y testimonial, con admirables obras como Operación Masacre y ¿Quién mató a Rosendo? Walsh fue una mezcla increíble de periodista comprometido y excelente narrador. Su compromiso revolucionario y su afilada pluma lo llevó a escribir notas periodísticas antológicas. El 25 de marzo de 1977 un grupo especializado en tareas militares emboscó a Rodolfo Walsh en Buenos Aires con el objetivo de aprehenderlo vivo. Walsh, se resistió y fue asesinado. Su cuerpo nunca apareció. El día anterior había escrito: la Carta Abierta a la Junta Militar. Algunas de sus obras: Diez cuentos policiales (1953), Variaciones en rojo (1953), Antología del cuento extraño (1956), Operación Masacre (1957), La granada (1965, teatro), La batalla (1965, teatro), Los oficios terrestres (1965), Un kilo de oro (1967), ¿Quién mató a Rosendo? (1969), Un oscuro día de justicia (1973), El caso Satanovsky (1973), Los oficios terrestres (1986), Cuento para tahúres y otros relatos policiales (1987), Ese hombre y otros papeles personales (1995) Fuentes:http://www.canaltrans.com/literatura/biografias.html <a href='http://b.t.net.ar/www/delivery/ck.php?n=a2afc290&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE' target='_blank'><img src='http://b.t.net.ar/www/delivery/avw.php?zoneid=58&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE&amp;n=a2afc290' border='0' alt='' /></a>

Registrate y eliminá la publicidad! Cultura Argentina Leyendas y Refranes Leyendas y Creencias Populares La palabra leyenda se usa para significar narraciones tradicionales que no son interpretadas como ficción, sino que se suponen verdaderas. Se trata de relatos de fenómenos o hechos históricos de origen anónimo, tradicional y popular, que han sido transmitidos por vía oral, aun cuando haya existido la recopilación escrita posterior. Narran sucesos que se tienen por ocurridos alguna vez en tiempos remotos e inciertos y que explican el origen de elementos de la naturaleza (generalmente a través de una metamorfosis o transformación) y que sustentan creencias y costumbres de una determinada cultura. El Cóndor El cóndor no siempre usó la golilla que lleva tan elegantemente en el cuello. Se acostumbró a su uso después de haber sido derrotado, luego de una vergonzosa lucha contra un diminuto rival. Cuenta la leyenda que don Cóndor había bajado al valle en ocasión de unas "chinganas" que se celebraban con motivo de Semana Santa. En uno de los tantos bodegones instalados cerca de una plaza, conoció a un compadrito charlatán y pendenciero, muy famoso en el pago por su apodo de "Chusclín". Se trataba nada menos que de un vulgar chingolo. Luego de una entretenida charla, en la que don Cóndor y Chusclín alardeaban de pendencieras hazañas y famosas "chupaderas" (en Cuyo "chupar" significa beber vino), como fin de la conversación, formularon entre sí una singular apuesta. Se desafiaron a beber vino: el que "chupara" más sin "curarse" (embriagarse), ganaría la apuesta y el perdedor pagaría el vino consumido y la "vuelta " para todos. Tanto don Cóndor como Chusclín empinaron sus respectivas damajuanas y así se inició la puja. Don Cóndor de buena fe trataba de agotar el líquido "de una sentada", sin reparar que Chusclín arrojaba al suelo cada sorbo que bebía sin que su rival lo notara. Como don Cóndor no estaba tan acostumbrado al vino como Chusclín, pronto empezó a sentir dolor de cabeza y para atenuarlo se ató un pañuelo, a modo de vincha. Al advertir el juego de su contrincante, lo increpó y se le fue encima. Chusclín, veterano peleador, lo esperó sereno y confiado. Poco duró la pelea porque el chingolo con un certero golpe hizo sangrar la nariz de su antagonista, quien sólo atinó a defenderse. En el entrevero, el pañuelo que don Cóndor tenía atado a la cabeza se le cayó y desde entonces allí lo lleva. El Zonda En la región del noroeste argentino es conocida esta vieja leyenda, cuyo protagonista es Gilanco, un indio altivo y dominante, caudillo de su tribu y temido por su gran valor. Era considerado el mejor cazador y por ello despertó varias veces las iras de Llastay y de la Pachamama, quienes le recriminaron la matanza despiadada de aves y guanacos. Cierto día la Pachamama le anunció el castigo. Para que escarmentara, envió al zonda, un viento cálido y seco, que incendió los campos y dejó yermas las tierras entonces fértiles. A causa de la soberbia de Gilanco, dicen las consejas, el zonda arruina las tierras del Calchaquí, se cuela por entre las piedras de la pirca y las quinchas de los ranchos. Los nativos le temen y se santiguan creyendo que es el alma del cacique condenado a vagar en forma de viento. Así su espíritu llega a contarles su castigo e implorar perdón por sus pecados. La Difunta Correa En el transcurso del año 1835, un criollo de apellido Bustos fue reclutado en una leva para las montoneras de Facundo Quiroga y llevado por la fuerza a La Rioja. Su mujer, María Antonia Deolinda Correa, desesperada porque su esposo iba enfermo, tomó a su hijo y siguió las huellas de la montonera. Cuenta la leyenda que luego de mucho andar y cuando estaba ya al borde de sus fuerzas, sedienta y agotada, se dejó caer en la cima de un pequeño cerro. Unos arrieros que pasaron luego por la zona, al ver animales de carroña que por allí revoloteaban, se acercaron al lugar y encontraron a la madre muerta y al niño aún con vida, amamantándose de sus pechos. Recogieron al pequeño y dieron sepultura a la madre en las proximidades del cementerio Vallecito, en la cuesta de la sierra Pie de Palo. Al conocerse la historia, comenzó la peregrinación de lugareños hasta la tumba de la "difunta Correa". Con el tiempo se levantó un oratorio en el que la gente acercaba ofrendas, práctica que continúa hasta nuestros días. La Flor del Ceibo Anahí era la india más fea de la tribu guaraní, pero su voz tenía la más bella de las sonoridades. Su humilde choza estaba a orillas del inquieto Paraná. Habiendo caído prisionera en una de las frecuentes incursiones de sus indios, fue condenada una noche a morir en la hoguera, por haber dado muerte al centinela que la vigilaba. La horrible sentencia se cumplió y cuando las llamas habían comenzado a quemar su cuerpo, algo extraño se notó en él. Los verdugos huyeron espantados, pues la delicada figura y el árbol al que había sido atada se agitaban como nunca antes habían visto. A la mañana siguiente, los indios no hallaron rastro alguno de la muchacha en la hoguera; sin embargo, notaron que en el lugar se erguía un inmenso árbol de flores purpurinas. Habían nacido el ceibo y su flor, que encarnaba a la india y a su tribu. Es la flor triste y solitaria de la veneración –ha dicho alguien– y en su forma viva palpita una oculta ternura. El alma de Anahí, la reina fea de la dulce voz, anida en la flor del ceibo. La Luz Mala Algunos investigadores del folklore nos hablan de fuegos fatuos a los que el indígena consideraba manifestaciones de ultratumba. Lo cierto es que cuando en el camino aparece uno de estos fuegos, el sendero deja de ser transitado por largo tiempo. Los criollos por lo general, los llaman luz mala. Son reales y obedecen a varios fenómenos naturales: pueden ser emanaciones de metano, comunes en terrenos pantanosos como la región de la Provincia de Buenos Aires, cerca de la Bahía de Samborombón. Otras veces son producidos por gases de la descomposición de sustancias orgánicas, sobre todo grasas, enterradas muy cerca de la superficie e incluso por la fosforescencia de las sales de calcio de esqueletos de animales esparcidos en el campo, comúnmente llamados osamentas. En los dos primeros casos, la luminosidad es tenue e intermitente, oscilando o trasladándose de un punto a otro, impulsada por la más leve brisa. En el último caso, concurren varios factores, como el agotamiento visual, el miedo, la falta de puntos de referencia en la oscuridad y la imaginación, que hacen que el observador la vea moverse. Estos desplazamientos, virtuales o reales, hacen que la "luz mala" sea atribuida a "almas en pena", que por ese medio manifiestan su deseo de vincularse a un ser vivo que les sirva de compañía. Según la tradición, tales almas vagan errantes porque sus pecados no les permiten entrar al cielo (aunque tampoco son tan graves como para merecer el infierno). Según la creencia, buscan esa compañía hasta que algún familiar realiza algún acto que las redime. La Leyenda del Ñandú Hace muchos, muchísimos años, habitaba en tierras mendocinas una tribu de indígenas muy buenos, hospitalarios y trabajadores. Vivían en paz hasta que un buen día se enteraron de que del otro lado de la cordillera y desde el norte de la región se les acercaban aborígenes guerreros muy bravíos. Pronto los invasores los rodearon y entonces los nativos decidieron pedir ayuda a un pueblo amigo que vivía en el este. Sin embargo, para llevar la noticia era necesario pasar a través del cerco de los enemigos y nadie se animaba a hacerlo. Finalmente un muchacho de veinte años, fuerte y ágil, que se había casado con una joven de su tribu hacía apenas un mes, se presentó ante su jefe, resuelto a todo. Se ofreció a intentar la aventura y después de recibir una cariñosa despedida de los suyos, partió muy de madrugada en compañía de su esposa. Marchando con el incansable trotecito indígena, marido y mujer no encontraron sino hasta el segundo día, las avanzadas enemigas. Sin separarse ni por un momento y confiados en sus ágiles piernas, corrieron, saltaron, evitaron los lazos y boleadoras que los invasores les lanzaban. Perseguidos cada vez más de cerca por los feroces guerreros, continuaron la carrera, hacia el naciente. Y cuando parecía que ya iban a ser atrapados, comenzaron a sentirse más livianos; de pronto se transformaron. Las piernas se hicieron más delgadas, los brazos se convirtieron en alas, el cuerpo se les cubrió de plumas. Los rasgos humanos de los dos jóvenes desaparecieron para dar lugar a las esbeltas formas de dos aves de gran tamaño: quedaron convertidos en lo que, con el tiempo, se llamó ñandú. A toda velocidad, dejando muy atrás a sus perseguidores, llegaron a la tribu de sus aliados. Éstos, alertados, tomaron sus armas y se pusieron en marcha rápidamente. Así sorprendieron a los invasores y los obligaron a regresar a sus tierras. De este modo cuenta la leyenda que fue como apareció el ñandú sobre la tierra. La Pacha Mama Para los quechuas es la Madre Tierra, deidad máxima de los cerreros peruanos, bolivianos, y del Noroeste Argentino. Pacha es universo, mundo, tiempo, lugar, mientras que Mama es madre. Se trata de una divinidad femenina que produce, que engendra. Su morada está en el Cerro Blanco (o Cerro Nevado de Cachi) y se cuenta que en la cumbre existe un lago que rodea a una isla habitada por un toro de astas doradas que al bramar emite por la boca nubes de tormenta. En la región del NOA, su fiesta se celebra el 1º de agosto. Ese día los pobladores que participan del ritual entierran cerca de sus viviendas una olla de barro con comida cocida. También colocan coca, alcohol, vino, cigarros y chicha para "carar" (alimentar) a la diosa. Ese mismo día –sostienen sus fieles – hay que ponerse unos cordones de hilo blanco y negro confeccionados con lana de llama, hilada hacia la izquierda. Tales cordeles se atan en cuello, tobillos y muñecas para evitar el castigo de la Pacha Mama Los Ríos Pilcomayo y Bermejo Cuenta la leyenda que, una vez que terminó la creación, Tupá (Dios) confió a Guarán la administración del Gran Chaco, que se extendía más allá de la selva. Y Guarán comenzó la tarea. Cuidó de la fauna y de la flora, de la tierra, de los ríos y de los montes. Y también gobernó sabiamente a su pueblo, logrando una verdadera civilización. Guarán tuvo dos hijos: Tuvichavé, el mayor, que era impetuoso, nervioso y decidido, y Michivevá, el menor, más reposado, tranquilo y pacífico. Antes de morir Guarán entregó a sus vástagos el manejo de los asuntos del Gran Chaco. Fue entones cuando comenzaron las peleas entre los dos hermanos, ya que ambos tenían opiniones diferentes respecto de cómo administrar los bienes de la región. Un día se les apareció el genio del mal, Añá, quien les aconsejó que compitieran entre sí para resolver las cuestiones que los enfrentaban. Tuvichavé y Michivevá, cegados por sus diferencias, decidieron hacerle caso. Subieron a los cerros que lindaban con el Gran Chaco, y, para disputar su hegemonía sobre la región, acordaron realizar diversas pruebas de destreza, resistencia y habilidad, especialmente en el manejo de las flechas. En una de esas tentativas, Michivevá lanzó una flecha contra un árbol que servía de blanco. Pero Añá hizo de las suyas: la desvió, y logró que la saeta penetrara exactamente en el corazón de Tuvichavé. Al instante la sangre brotó a borbotones y comenzó a bajar por los cerros, llegó hasta el Chaco, se internó en su territorio y formó un río de color rojo: el "I–phytá" (Bermejo). Al darse cuenta de lo que había hecho como consecuencia de ese inútil enfrentamiento, Michivevá comenzó a deshacerse en lágrimas. Y lloró tanto, que sus lágrimas corrieron tras el río de sangre de su hermano. Así se formó el Pilcomayo, siempre a la par del Bermejo. Y el Gran Chaco quedó sin jefe. Pero siguió prosperando bajo el cuidado de la naturaleza; enmarañado, impenetrable, surcado por el río de aguas rojas, nacido de la sangre del corazón de Tuvichavé Puente del Inca Cuenta la leyenda que hace muchísimos años, el heredero del trono del imperio inca se debatía entre la vida y la muerte, siendo víctima de una extraña y misteriosa enfermedad. Las plegarias, rezos y recursos de los hechiceros nada lograban y se desesperaban por no poder devolverle la salud. El pueblo amaba intensa y entrañablemente a su príncipe, invocaba a sus dioses y realizaba sacrificios en su honor. Fueron convocados los más grandes sabios del reino, quienes afirmaron que sólo podría sanarlo el maravilloso poder del agua de una vertiente, ubicada en una lejana comarca. Los habitantes partieron en numerosa caravana, vencieron infinidad de dificultades, marcharon durante meses en que veían agotadas sus fuerzas, y un día se detuvieron ante una profunda quebrada, en cuyo fondo corrían las aguas de un río tempestuoso. En el lado opuesto, estaba el codiciado manantial, pero... ¿cómo hacer para llegar a ese inaccesible lugar? Meditaron durante mucho tiempo, tratando de buscar una forma de arribar hasta las milagrosas aguas, pero todo fue en vano. Cuando ya la desesperación los dominaba, aconteció un hecho extraordinario: de pronto se oscureció el cielo, tembló el piso granítico y vieron caer, desde las altas cimas, enormes moles de piedra que producían un estrépito aterrador. Pasado el estruendo y más calmados los ánimos, los indígenas divisaron asombrados, un puente que les permitía llegar sin dificultades hasta la fuente maravillosa. Transportaron hacia ella al príncipe, quien bebió de sus aguas y muy pronto recuperó la salud. La omnipotencia del dios Inti, el sol, y de Mama–Quilla, la luna, habían realizado el milagro. Así surgió, según la leyenda, ese arco monumental de piedra que recibió el nombre de Puente del Inca, que se levanta custodiado por el Aconcagua, rodeado por la imponente belleza de los Andes. Comidas típicas La cocina argentina es el resultado de una sabrosa síntesis, producto del aporte de los platos europeos pertenecientes a las distintas corrientes migratorias, sazonados y combinados con alimentos propios del suelo nativo. Forman parte de la gastronomía criolla el asado con cuero, el locro, la carbonada, la humita, el mote, el tamal, la chanfaina, las empanadas, el chipá, la mazamorra, el dulce de leche, el arrope, la yema quemada, el quesillo de cabra con miel de caña y una deliciosa variedad de dulces regionales. La infusión característica es el mate –compartido con sus vecinos latinoamericanos del Sur– preferentemente “verde” o “cimarrón” (amargo), con sus variantes: dulce, cocido, de leche y “tereré”. Las bebidas tradicionales, en tanto, son el vino patero, la aloja y la chicha (estas últimas en las provincias del Noroeste). EL MATE Una infusión Argentina El Mate funciona como estimulante del sistema nervioso, La yerba, cuyo nombre científico es «Ilex paraguariensis», es un arbusto cuyo cultivo se halla muy extendido en Paraguay, Brasil, Argentina y Uruguay, y hoy en día ha dado cimiento a una industria que es fuente de riqueza nacional. Del arbusto de la yerba mate, sólo es aprovechable hoja, a la que se somete a un proceso tostado y secado antes de ser envasada y vendida. Estos procedimientos son que dan lugar a la aparición de las sustancias aromáticas que caracterizan a estas hojas. Como Preparar un buen Mate: La manera habitual de preparar el mate re¬quiere utensilios especiales un recipien¬te, hecho ahuecando una calabaza , y la bombilla. Para preparar la infusión se coloca en el reci¬piente la bombilla y se llena con yerba mate hasta casi el tope del recipiente, después se echa un chorro de agua fría y se deja que se asiente la yerba. Se vacía el recipiente de agua dejando la yerba y lentamente se echa agua que esté en su primer hervor, haciendo que el agua ca¬liente extraiga en pocos minutos el sabor. Al aspirar por la bombilla, sale un líquido verdoso y amargo, cuyo sabor algunos corrigen agregando azúcar o hierbas aromáticas. De esta manera, volviendo a echar agua, la operación se repite muchas veces, has¬ta lo la yerba esta "lavada" , lo que significa que ha perdido sus matices y sabor. La historia del uso de la yerba mate Esta se remonta a época muy anterior a la conquista de América. Los indios guaraníes salían prepa¬rar la yerba para su consumo y eran grandes bebedores de mate, solamente que no lo hacían como nosotros, sino que utilizaban agua fría y además mezclaban la yerba con otras hierbas aromáticas. Los conquistadores aprendieron bien pronto a conocer las propiedades estimulantes del mate e hicieron de él una de sus bebidas predilectas. Con el mate suplantaban las bebidas regionales a que estaban acostumbrados en Europa, y, además, lo modificaron al prepararlo como infusión, con agua caliente, y al agregarle azúcar. El mate amargo, tal como lo bebían los indígenas, está, sin embargo, muy arraigado entre los campesinos, mientras que los hombres de las ciudades y especialmente los extranjeros, lo prefieren dulce o aromatizado con un pequeño agregado de café o especias olorosas. En la Argentina, en el Paraguay y en Uruguay, es típico de la gente beber mate, la familia se reúne a una hora determinada para beber el mate, y estas reuniones. Como la hora del te en Inglaterra. También es usual en la Argentina ingerir el mate de la manera que se prepara un te, en taza, lo que se denomina mate cocido,y se le puede agregar lechey azúcar para suavizar el amargo sabor. Las Propiedades del Mate: El mate, como ya hemos mencionado, funciona como un estimulante del sistema nervioso. Su acción es análoga a la del Café o el Te, ayuda a la digestión y a la actividad cerebral. Su gran valor energético es la abundancia en Vitamina C. Contiene Alcaloides y Mateina (Cafeína). Danzas El Candombe: La palabra candombe aparece por primera vez en una crónica del escritor Isidoro de María (1808–1829). Su génesis se remonta hacia fines del siglo XVIII en el Uruguay y en Argentina, con su característico tamboril y sus personajes prototípicos. Originalmente concebida como pantomima de la coronación de los reyes congos, imitando en la vestimenta y en ciertas figuras coreográficas, las costumbres de los reyes blancos, aunó elementos de la religión bantú y la católica. En una etapa inicial se enriqueció con figuras de contradanza, cuadrilla y otros elementos coreográficos asimilados hábilmente de la cultura blanca. En la ciudad de Buenos Aires, los barrios de San Telmo, Monserrat, La Concepción y Santa Lucía, congregaban multitudes al compás de su ritmo. Fue decreciendo paralelamente con la extinción de la raza negra, diezmada por las guerras y epidemias, y con el caudal inmigratorio que desplazó a los morenos del servicio doméstico, de los oficios artesanales y también de los puestos callejeros. El Carnavalito Pertenece al grupo de las grandes danzas colectivas, es jovial, se ejecuta alegremente a modo de juego inocente y familiar. Se bailó en América desde antes del descubrimiento; ha perdurado y hoy sigue practicándose en la región del NOA, especialmente en el centro y norte de Salta y Jujuy. Los bailarines suelen moverse en torno a los músicos o en hilera. Una mujer o un hombre con un pañuelo (a veces un banderín con cintas) en la mano se encarga de dirigir a los demás. Todos cantan la misma copla o entrecruzan improvisaciones. Los danzantes forman filas del brazo o de la mano, también lo hacen los niños y hasta los lactantes sujetos a la espalda de las madres. Las figuras son sencillas: apenas la rueda, la doble rueda, la hilera de itinerario libre y algunas pocas más. Es común el trote, que consiste en una larga fila que forman los bailarines de a dos, tomándose del brazo. El Chamamé Es una modalidad musical y coreográfica con epicentro en la Provincia de Corrientes, muy extendida también a las de Chaco, Formosa, Misiones y norte de Entre Ríos. El sur de Misiones y parte del este de Formosa participan de su vigencia, aunque comparten preferencias con la polka y las especies secundarias emparentadas (galopa, guarania, etc.). En su origen se integraron los rasgos culturales del guaraní y del español. Según el célebre compositor Antonio Tarragó Ros: “En el Archivo de Indias, en España, hay documentación que demuestra que nuestra música ya existía cuando llegaron las misiones jesuíticas a Yapeyú. Los jesuitas instalaron en esa zona la fabricación más grande de instrumentos musicales del Río de la Plata y se cree que el acordeón nos llegó con ellos, para suplantar al órgano en la liturgia. Lo cierto es que al chamamé le vino bien por la escala diatónica y así se fue incorporando. En la época de la colonia las damas de la sociedad aprendían a bailarlo con maestros indios". Consiste en una danza en la que los cuerpos de las parejas se estrechan entre sí, plena de gracia y fino erotismo. El Cielito Se trata de una danza criolla de pareja suelta y pertenece a la generación de las graves como el pericón. Su coreografía adopta modalidades propias de los bailes picarescos y alegres, como los castañeteos y los movimientos ingeniosos. El Cuando Consiste en una danza cortesana bailada desde principios del siglo XIX, tanto en los ambientes rurales, como en los salones patricios o aristocráticos. Su difusión alcanzó las regiones de Cuyo, Centro y Sur. De pareja suelta e independiente, con aire de minué y de gato, combina en su coreografía múltiples pasos: grave simple (iniciado con pie derecho), pasos naturales y paso básico (iniciado con pie izquierdo). El Ecuador Se trata de una danza en pareja suelta e independiente de gran caudal expresivo, en la que sus integrantes simulan esconderse uno del otro. Se bailó desde el año 1820 hasta fines del siglo XIX. Fue practicada en las regiones de Cuyo, Tucumán, La Rioja, Catamarca, Santiago del Estero, Salta y probablemente en Buenos Aires. El gato Es una danza criolla alegre que puede ser ejecutada por una o dos parejas. Se bailó en nuestro país desde antes de 1820 y nos llegó posiblemente desde el Perú, extendiéndose en la campaña hasta la Provincia de Córdoba y luego hacia todo el país. Bailado por todas las clases sociales, representa un discreto juego amoroso donde el caballero simula cortejar a la dama y, persiguiéndola, trata de conquistarla; luce para ella las mejores figuras en sus zapateos, realizando a veces increíbles piruetas hasta obtener su correspondencia en la coronación final. Se convirtió, sin lugar a dudas, en el más popular de los bailes de la llanura, al igual que el malambo, y se lo conoció también con otros nombres como: "gato mis–mis", "mis–mis" o "perdiz”. Era raro antaño, que el gaucho no supiese rasguear un poco la guitarra y entonar las coplas del "gato" o los repetidos acordes del "malambo", motivo por el cual devino en uno de los bailes más elegidos. El malambo El malambo nació en las soledades pampeanas, allá por el año 1600. Dentro de nuestros bailes, es una excepción el que carezca de letra. Las guitarras acompañan esta danza ejecutada únicamente por hombres. El bailarín se luce en el zapateo, la cepillada (roce de la planta del pie contra el piso), el repique (golpe con el taco y la espuela) o los floreos. Sus pies apenas tocan el suelo. Las evoluciones del bailarín, cruzando las piernas, zapateando enérgicamente o haciendo dibujos con boleadoras y lazos son sorprendentes. El malambo, dentro de los bailes tradicionales, equivale a la "payada de contrapunto” en el canto: un verdadero torneo de habilidad gauchesca. En dichas competencias no hay límite de competidores, de a uno van exponiendo sus "mudanzas" y gana quien mejor realiza la mayor variedad de figuras. Una especie singular consiste la modalidad “A devolver figuras”, en la que sólo compiten dos hombres, los cuales están obligados a retrucar indefinidamente la figura que les propone el contrincante, cuyo lugar de inicio está determinado por sorteo. Cuando uno de los dos no puede devolver la mudanza de su adversario se da por terminada la competencia. Actualmente, el malambo reconoce dos estilos: el sureño (Provincia de Buenos Aires y la región pampeana) y el norteño. En el primero, las figuras son suaves, el bailarín muestra ingenio y habilidad, dejando a un lado la rudeza. El segundo, en cambio, se caracteriza por un compendio de destreza, brío, y agilidad. El pericón Se trata de un baile típico muy elegante de la llanura pampeana. En el pasado, recibió el nombre de "baile de cuatro", en razón de ser ése el mínimo de parejas necesarias y porque la coreografía de la danza primitiva se componía de sólo cuatro figuras llamadas, por su orden: demanda o espejo, postrera o alegre, cadena y cielo. A cada una de ellas corresponden varios movimientos distintos, que se ejecutan de acuerdo con las órdenes que dan, según el caso, el cantor o el "bastonero" –especie de director– y siguiendo el ritmo de vals lento o sobrepaso, característico de todos los pericones. El "bastonero" debe ser elegido con sumo cuidado, ya que de su ingenio depende, en gran parte, el éxito del baile. Uno de los agregados relativamente recientes es el "pabellón", donde los bailarines tomados del brazo forman un círculo y cada pareja al compás de la música, con las manos libres, extiende un pañuelo por encima de las cabezas, intercalándose los colores azul y blanco de la bandera argentina. El remédio Consiste en una danza de pareja suelta o independiente que, al igual que la zamba o la arunguita, emplea el pañuelo como accesorio fundamental. Hay documentación confiable que da cuenta de que se bailó en el noroeste, centro y sur del país, desde medidos de siglo XIX. El tango Es el célebre baile rioplatense difundido internacionalmente, de parejas enlazadas, forma musical binaria y compás de dos por cuatro. Surgió en los suburbios de la ciudad de Buenos Aires a fines del siglo XIX, en pleno proceso de transformación en una gran urbe. La convivencia de inmigrantes, negros y gauchos que llegaban al puerto luego de quedarse sin trabajo en el ejército o como consecuencia de la instauración de los grandes latifundios, hicieron del tango un producto cultural único en el mundo. En su origen las canciones eran solamente instrumentales, ejecutadas por tríos de guitarra, violín y flauta, a cuyos compases las parejas bailaban enlazadas. Más tarde incorporó el bandoneón – instrumento procedente de Alemania–, que le daría su sonido característico. En sus primeros años de vida era ejecutado y bailado en prostíbulos, razón por la cual sus primeras letras fueron de contenido vulgar y chabacano. Los grandes poetas con sus letras que evocan el amor frustrado y el arrabal que fue, entrarían en escena en la segunda década del siglo XX, a partir de “Mi noche Triste” de Pascual Contursi, tema que describe los sentimientos de un hombre abandonado por su mujer, grabado por Gardel en 1917 y que dio origen a lo que más tarde se denominó “tango– canción”. El triunfo El triunfo es una danza criolla de pareja suelta que se bailó en todo el campo argentino y también en el Perú. Es un placer ver el movimiento vivaz de los bailarines. La arunguita Consiste en un baile de pareja suelta e independiente que usa el pañuelo como accesorio principal. Se la encuentra registrada exclusivamente en la Provincia de Santiago del Estero, desde 1859 hasta fines del siglo XIX. La calandria Danza de pareja suelta e independiente, tuvo alguna preponderancia en las Provincias de San Luis, Santa Fe y Córdoba. Hay testimonios y registros de ella principalmente en la provincia puntana que datan de 1840. La chacarera La chacarera es una danza alegre y pícara. Su origen no es preciso, pero se le adjudica como cuna de nacimiento la Provincia de Santiago del Estero, desde donde se difundió a lo largo del país. Es de ritmo vivo, alegre, apicarado por su galante juego pantomímico. Se baila en parejas sueltas y el zapateo es constante. Hay de ella una variante, llamada chacarera doble. La cueca Hermana de la zamba, de su homónima chilena, de la marinera peruana y de otras danzas similares, hijas todas de la zamacueca del Alto Perú (o de ella derivadas), la cueca es una de los bailes que más arraigo tuvo en Argentina, en cuyas regiones cuyana y norteña aún conserva vigencia. Ingresó a nuestro país por dos vías: primeramente por la Provincia de Mendoza, desde donde se difundió al resto del país y derivó en la cueca argentina o cuequita (para distinguirla de la chilena). Posteriormente, la cueca marinera (como se la denominó en Perú) entró desde Bolivia y hoy se la conoce como cueca norteña. Cabe señalar que esta danza fue proclamada en 1979 baile nacional oficial de Chile. La huella Consiste en una danza de galanteo, pícara, de pareja suelta e independiente. Hay registros fidedignos de ella en la campaña bonaerense desde el año 1900, aunque se la bailó en diferentes regiones de nuestro país. La mediacaña La mediacaña es una danza criolla, galante y alegre, que se baila de pareja suelta e independiente, de movimiento lento–vivo y de carácter cortesano. La milonga La milonga "campera" es ligera, pero no tanto como la urbana, se interpreta con guitarra y no tiene coreografía. En cuanto al aspecto estrictamente musical, se la vincula directamente con la habanera y el tango, aunque tiene un ritmo mucho más rápido que éste y sus letras suelen ser picarescas. Jorge Luis Borges la prefería por la ausencia de melancolía, rasgo tan característico del tango y compuso incluso su “Milonga para Francisco Chiclana" en la que evoca a un corajudo cuchillero de tal nombre. La milonga, entendida como lugar en el que se baila indistintamente tango y milonga, suele ser el salón de un club o cualquier otro local destinado a ese fin. Hombres y mujeres se sientan a unas mesas colocadas alrededor de la "pista" y la invitación a bailar obedece a una regla estricta: el hombre desde cierta distancia "cabecea" a la mujer, es decir, le hace una señal inclinando la cabeza, y ella acepta o rechaza el convite, en este caso, también con la cabeza. Las mujeres "milongueras" han sido objeto de dedicatoria de varios tangos, cuyas letras suelen aludir a un pasado humilde y a un presente en el que la frecuentación de las milongas de lujo les permite relacionarse con hombres adinerados (los "bacanes", vínculo que sugiere un modo de prostitución. La pátria Danza de pareja suelta e independiente, se bailó originalmente en las Provincias de Buenos Aires y Santiago del Estero. Lleva como accesorio un pañuelo. La zamba Es la danza amatoria por excelencia. El hombre festeja a la mujer con ternura y ella acepta, aunque lo esquiva coquetamente. Luego de enamorarla, llega el triunfo del varón, quien la corona poniéndole el pañuelo, como abrazándola. Nos viene de la zamacueca (Lima–Perú) y de la cueca chilena. Tomó su nombre de la antigua danza peruana homónima, no así su coreografía. Al acriollarse incorporó el pañuelo – como una extensión de la mano – que juega un rol importante, ya que a través de él los bailarines expresan estados de ánimo, sugerencias y deseos. Su baile en pareja suelta e independiente se popularizó en casi todo el país. Fuente: www.argentina.gov.ar Saludos Buziana2 <a href='http://b.t.net.ar/www/delivery/ck.php?n=a2afc290&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE' target='_blank'><img src='http://b.t.net.ar/www/delivery/avw.php?zoneid=58&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE&amp;n=a2afc290' border='0' alt='' /></a>

Cultura Argentina festividades Enero 1ª semana Fiesta Nacional de la Cereza Los Antiguos (Provincia de Santa Cruz). La localidad es considerada la capital provincial de dicho fruto, ya que posee un microclima particular que favorece su cultivo. La celebración incluye exposiciones artesanales, degustaciones, números musicales variados y elección de la reina. Feria de Artesanos Nacionales Reconquista (Provincia de Santa Fe). En esta localidad del Departamento de General Obligado, se congregan los artesanos de todo el país, con exposición de trabajos en diversos materiales: cuero, madera, yute, hilo, cerámica, etc. Fiesta Nacional del Chamamé Corrientes (Provincia de Corrientes) Durante cuatro noches, los más destacados músicos nacionales y de la región se lucen en el Anfiteatro Mario del Tránsito Cocomarola de la capital provincial para celebrar su música y su danza, al calor de guitarras, acordeones y el vibrante sapucay. 2ª semana Fiesta Nacional de la Doma y el Folklore Jesús María (Provincia de Córdoba). Es un festejo ya tradicional que se realiza en el Anfiteatro Municipal en horario nocturno y que incluye jineteadas y exhibición de destrezas criollas. Los espectáculos musicales se basan en la actuación de destacados solistas y conjuntos del folklore nacional, en los que no faltan los deliciosos contrapuntos de payadores de todo el país Festival Nacional del Malambo Laborde (Provincia de Córdoba) Es esencialmente una instancia de competencia, en la que un jurado especializado evalúa a los participantes según un estricto reglamento que exige fundamentalmente el respeto por la tradición. Cada noche, junto a las competencias, tiene lugar la actuación de artistas consagrados de la música folklórica y de delegaciones extranjeras provenientes de Paraguay, Uruguay, Brasil, Bolivia y Chile. Festival Nacional de la Esquila Río Mayo (Provincia del Chubut). La celebración convoca a los trabajadores más especializados para concursar por el mejor tiempo de esquila, sin dañar al animal. Se organiza también una gran jineteada con categorías de gurupa surera, crina limpia y doma con bastos y encimera. Se presentan grupos de danzas folclóricas. La fiesta se cierra con la elección de las Reinas del Vellón y de la Esquila, un desfile de delegaciones gauchas y un gran baile popular. Segunda quincena Fiesta Nacional de Reinas Nacionales Carlos Pellegrini (Provincia de Santa Fe) Organizada desde el año 1985 por el Club Americano M y S, con el auspicio de la comuna de Carlos Pellegrini, la fiesta reúne a más de 40 delegaciones representativas de diversos festejos con sus respectivas reinas, para entre todas elegir a la Reina Nacional de las Reinas Nacionales. Última semana Fiesta Nacional de la Jineteada y Folklore Diamante (Entre Ríos) Es una verdadera demostración de destrezas criollas: doma, jineteada y pialada, que se acompañan con muestras de artesanías y degustación de comidas típicas. Cierra con un festival folklórico, en las barrancas del río Paraná, con la participación de destacados artistas nacionales. Fiesta Nacional del Lago Federación (Provincia de Entre Ríos) Tiene como escenario el embalse de Salto Grande, donde se llevan a cabo actividades deportivas, espectáculos artísticos, culturales y la elección de la reina Fiesta Nacional del Lino Lucas González (Provincia de Entre Ríos) Es uno de los festejos que tiene su origen en la actividad económica de la Provincia de Entre Ríos, primera productora nacional de lino oleaginoso. El evento congrega a técnicos y productores del sector, un colorido festival folklórico y la elección de la reina. Fiesta Nacional de la Cebada Cervecera Puán (Buenos Aires) Se inicia con una misa de campaña y el almuerzo oficial que cuenta con la presencia de reinas de fiestas nacionales. El festejo contempla la realización de fogones y actividades culturales y deportivas. No faltan los espectáculos musicales y de destreza nativa y la muestra y concurso de productos. Fiesta Nacional del Mar Mar del Plata (Provincia de Buenos Aires) Se realiza en el balneario Las Toscas. Incluye espectáculos artísticos, festivales musicales y elección de la reina. Todo el mês Festival Nacional del Folklore Cosquín (Provincia de Córdoba) En la última semana tiene lugar el Festival Mayor en la tradicional Plaza “Próspero Molina”, con la actuación de las más destacadas figuras del folklore y la música popular argentina. Previamente, desde comienzos del mes, se lleva a cabo el “Pre–Cosquín”, selección de nuevos valores de la música y la danza nacionales. La festividad es acompañada por pintorescas peñas y fogones, debates, conferencias, exposiciones de manualistas y la ya consagrada Feria de Artesanías y Arte Popular "Augusto Raúl Cortazar". Febrero 1ª semana Fiesta Nacional del Trekking El Chaltén (Provincia de Santa Cruz) La celebración incluye mútiples actividades: maratón por postas desde la Laguna del Desierto; bicicleteada de 15 Km. a Bahía Túnel para varias categorías; competencia de trekking por equipos en el Parque Nacional Los Glaciares; torneo de escalada en roca; actividades hípicas; trekkatlón individual de 7 Km. en categorías femenina y masculina desde la Laguna Torre; concurso de hacheros; juegos recreativos para niños y adultos. Concluye con un festival musical con la actuación de artistas locales y regionales, baile y entrega de premios. Fiesta Nacional de la Familia Piamontesa Luque (Provincia de Córdoba) Es sin dudas un tributo a la inmigración y colonización agrícola. Predominan en estos festejos las actividades recreativas con patio de comidas y un festival musical que incluye varios géneros: cuarteto, tango, folklore y rock. 1ª quincena Fiesta Nacional de la Tonada Tunuyán (Provincia de Mendoza) Es considerada como la máxima expresión del folklore cuyano. Ofrece un concurso de autores y compositores de tonadas que se realiza en el Anfiteatro Municipal, con la asistencia de 80.000 espectadores. [b]Fiesta Nacional del Tren a Vapor[/b] El Maitén (Provincia de Chubut) La festividad, muy entrañable en toda la región, incluye actividades culturales, artísticas y deportivas. Culmina con la elección de la reina. Fiesta Nacional del Trigo Leones (Provincia de Córdoba) Se trata fundamentalmente de una exposición agrícola, industrial y comercial, acompañada por jornadas de conferencias, foros y debates. Las actividades contemplan también el desfile de carrozas y maquinarias. Fiesta Nacional del Valle del Sol Merlo (Provincia de San Luis) La celebración consiste en un festival de música folklórica, con exposición de artesanías y productos puntanos. Cada edición es apadrinada por alguna figura destacada del folklore nacional. Desde 1992 se concede el “Premio Sol de Oro" a distintas personalidades destacadas de la cultura regional. 2ª quincena Fiesta Nacional del Tabaco Goya (Provincia de Corrientes) En esta localidad, emplazada sobre la margen izquierda del Río Paraná, se lleva a cabo este festejo con la presencia de autoridades nacionales y provinciales, bailes populares y elección de la reina. Fiesta Nacional del Aguardiente Tres Puentes (Provincia de Catamarca) Se trata de un cúmulo de actividades que involucra un espectáculo folklórico y artístico, degustación de comidas y bebidas regionales y una destacada exposición artesanal. Fiesta Nacional de la Frutihorticultura Colonia Caroya (Provincia de Córdoba) En el marco del festejo tiene lugar la exposición agro–industrial con muestra de productos propios de la región. Cierra con un siempre logrado festival artístico y elección de la reina. Fiesta Nacional del Sol San Juan (Provincia de San Juan) La celebración incluye una feria gastronómica y agroindustrial, exposición de artesanías y productos regionales, desfile de carruajes alegóricos, un gran espectáculo central de coreografía, luz, color y sonido, con la coronación de la Reina Nacional del Sol y fuegos artificiales a la hora del cierre. 3ª semana Fiesta Nacional del Olivo Cruz del Eje (Provincia de Córdoba) Consiste en un verdadero homenaje de la región productora de aceitunas al hombre de campo. Incluye exposiciones, conferencias, ferias artesanales y actividades deportivas. Los bailes populares y la elección de la reina completan la agenda de esta celebración Última semana Fiesta Nacional del Cemento Olavarría (Provincia de Buenos Aires) La localidad ha sido bautizada como la “ciudad del trabajo” ya que en ella se levantan las fabricas de cemento más grandes de América Latina, con más de medio centenar de establecimientos productores de cal, dolomita, arcilla, piedra granítica, fábricas de cerámica y materiales refractarios. La fiesta incluye exhibiciones de la producción local, bailes populares y elección de la reina. Fiesta Nacional Encuentro Folklórico de la Sierra Tandil (Provincia de Buenos Aires) La celebración se basa en un festival artístico con la participación de distintas figuras destacadas del folklore argentino. Fiesta Capital Nacional del Carnaval Corrientes Capital (Provincia de Corrientes) Los festejos de Momo contemplan el desfile y la competencia de comparsas del interior de la provincia y de la ciudad capital, con la participación de conjuntos de otras provincias y de países vecinos. A la celebración en las calles se le agrega la realización del show de comparsas en el Anfiteatro “Mario del Tránsito Cocomarolla”, con argumentos, trajes y coreografías diseñados especialmente para tal fin. Culmina con la elección de la reina y la entrega de premios a las comparsas participantes Fiesta Nacional del Salmón Camarones (Provincia de Chubut) La celebración prevé la realización de diversos torneos de pesca, exhibiciones náuticas y la degustación del tradicional chupín y el clásico asado. Cierra con números musicales de relevancia y la elección de la reina. Fiesta Nacional de la Artesanía Colón (Provincia de Entre Ríos) Se trata de un homenaje al artesano expresado en este encuentro de todos los cultores del arte folklórico del país, que incluye exposiciones, espectáculos culturales, artísticos y deportivos. Fiesta Nacional del Chamamé del Norte Entrerriano Federal (Entre Ríos) Consiste en un festival folklórico tradicional, con la participación de conjuntos de todo el Litoral. No faltan las jineteadas, las pollas de potrillos y una muestra artesanal de relevancia. Fiesta Nacional de Pesca Variada de Rio La Rioja Capital (Provincia de La Rioja) Esta celebración resalta los valores folklóricos tradicionales del carnaval traducido en la chaya riojana. Se festeja cantando vidalas y bebiendo aloja espumante. Los chayeros recorren las calles y le ponen término a la fiesta arrojándose almidón y danzando bailes populares. Además del espectáculo folklórico, se hacen presentes la poesía, la artesanía, la danza y la gastronomía típicas. Fiesta Nacional del Peón Viñador Villa Unión (Provincia de La Rioja) Desde el año 1996, este festejo provincial adquiere dimensiones nacionales. Incluye bailes folklóricos, espectáculos y cateo de vinos propios de la región. Fiesta Nacional del Te Campo Viera (Provincia de Misiones) Consiste en una celebración en homenaje al esfuerzo de los productores y a las bondades de la naturaleza. Incluye la realización de un festival folklórico, exposición comercial, agroindustrial, cultural y artesanal. Fiesta Nacional de la Manzana General Roca (Provincia de Río Negro) Los festejos se inician con la celebración litúrgica de bendición de los frutos. Ya en pleno desarrollo, tienen lugar diversas manifestaciones culturales, espectáculos artísticos y competencias deportivas. Culmina con un vistoso desfile de carrozas y la elección de la reina. Fiesta Nacional del Golfo Azul Las Grutas (Provincia de Río Negro) La nota peculiar de esta celebración la constituyen los certámenes náuticos. Además de las actividades deportivas, hay lugar para disfrutar de la gastronomía que incluye la "salmonada", consistente en el armado de fogones a lo largo de la calle peatonal, donde se sirven y degustan salmón y otros frutos de mar. Fiesta Nacional de la Pachamama Amaicha del Valle (Provincia de Tucumán) El culto a la madre tierra es una de las manifestaciones más importantes del folklore tucumano, de origen místico–pagano. Se celebra con un festival folklórico, concursos de destrezas criollas, venta de comidas, bebidas y artesanías típicas de la región. El momento más esperado de la celebración es la elección de la Pachamama –la mujer más anciana del lugar–, la que desfila con un séquito compuesto por el "pujllay" o diablo, el "llajtay" o padre, y la "alhajita" o joven más hermosa, acompañados por el lastimero joy–joy (canto ancestral de las chayeras). Fiesta Nacional del Queso Tafí del Valle (Provincia de Tucumán) Se trata de una importante exposición agroindustrial, acompañada también por muestras artesanales. Un evento destacado es la realización del festival folklórico y las destrezas criollas. La celebración ofrece dos mundos dentro del mismo festival: el sector de los lugareños, donde se brindan comidas típicas de los valles, guitarrean orquestas locales y se oye a menudo el joy–joy. Por otro lado, en la zona de veraneantes, se ofrecen productos regionales del Norte Argentino. Marzo 1ª quincena Fiesta Nacional de la Vendimia Ciudad de Mendoza (Provincia de Mendoza) Es una celebración tradicional de larga data en el país. Comienza en realidad a fines de febrero, con los actos de apertura de carácter religioso con la bendición de la nieve, el agua y los frutos. Ya en pleno desarrollo, el festejo incluye la vía blanca de las reinas (paseo de las reinas departamentales en carrozas alegóricas por las principales avenidas de la ciudad), concierto de música popular y serenata nocturna al aire libre, el carrusel vendimial por la mañana, el desfile de carrozas con comparsas y estampas de la historia provincial, el festival folklórico, la elección de la reina y el espectáculo de luz y sonido en el anfiteatro Frank Romero Day, al pie del Cerro de la Gloria. 2ª semana Fiesta Nacional Semana de Santos Veja Gral. Lavalle (Provincia de Buenos Aires) Es el valioso y merecido homenaje al legendario payador de los Pagos del Tuyú, inmortalizado en nuestra literatura por la pluma de don Hilario Ascasubi. La celebración incluye exposiciones, un festival folklórico con cantores y destacados payadores locales y regionales. Se complementa con espectáculos de destreza nativa, desfile de jinetes y un buen asado criollo. Última semana Fiesta Nacional Semana Fallera Marplatense Mar del Plata (Provincia de Buenos Aires) Los festejos incluyen bailes valencianos, concurso de paellas, cabalgata del Ninot, quema de figuras de papel y cartón de más de 5 metros de altura y show artístico en la Plaza Colón, con la participación de la colectividad valenciana. Culmina con un desfile de carrozas por las calles céntricas con la posterior elección de la "fallera mayor" y de la "fallera infantil". Fiesta Nacional de la Manzanilla Pehuajó (Provincia de Buenos Aires) A lo largo de una semana se llevan a cabo los festejos que incluyen exposiciones, bailes populares y espectáculos. Un atractivo especial para el público infantil son las actividades organizadas en torno a la figura de la tortuga Manuelita. Fiesta Nacional del Deporte Náutico Tigre (Provincia de Buenos Aires) La localidad es la cuna del remo argentino y ofrece, por las características especiales de su naturaleza, el lugar adecuado para la realización de este festejo, donde se conjugan todas las variantes del deporte náutico: wakeboard, ski acuático, kayakismo y remo Fiesta Nacional del Pacu Esquina (Provincia de Corrientes) El rasgo distintivo de estos festejos lo constituye la pesca deportiva del pacú con el posterior y divertido remate de las piezas. Acompañan el festival folklórico, la elección de la reina y la entrega de trofeos a los pescadores. Fiesta Nacional de la Manzana General Roca (Provincia de Río Negro) En este encuentro se celebra la producción de uno de los frutos más importantes de la economía valletana y cuenta con recitales de artistas locales y nacionales de diversos géneros (folklore, tango, rock, blues), cenas de gala, desfile de carrozas y bailes populares. Fiesta Nacional del Tomate y la Producción Lamarque (Provincia de Río Negro) Esta festividad honra a la producción y al trabajo fecundo con fFestivales artísticos, competencias deportivas y desfile de carrozas. Fiesta Nacional de la Trucha Bariloche (Provincia de Río Negro) Es un acontecimiento turístico–deportivo de trascendencia internacional, que incluye pesca, competencias, juegos, actividades recreativas y gastronómicas, exposiciones artesanales y shows musicales con prestigiosos artistas Fiesta Nacional de la Guitarra Dolores (Provincia de Buenos Aires) Es el sentido homenaje al maestro Abel Fleury en la plazoleta que lleva su nombre. Contempla la realización de un ya tradicional certamen de poesías sobre temas gauchescos que son la delicia de lugareños e interesados en la temática. Se complementa con espectáculos folklóricos de cantantes locales y regionales, exposiciones de artistas plásticos, una feria artesanal y comercial, la gran jineteada con bastos y encimera y el desfile de centros tradicionalistas. Culmina con la elección de la reina y fuegos artificiales. Abril 1ª quincena Fiesta Nacional de la Masa Vienesa Villa General Belgrano (Provincia de Córdoba) Esta celebración es un verdadero homenaje a la inmigración sajona. Consta de actividades de degustación de repostería alemana y austríaca. Incluye la realización de un festival artístico y conciertos de música sacra. Fiesta Nacional de la Alfalfa San Basilio (Provincia de Córdoba) El festejo incluye exposición y muestreo de semillas y plantas, charlas técnicas a cargo de especialistas del agro, actos culturales, recitales populares y la elección de la reina. Mayo 1ª quincena Fiesta Nacional de la Ganadería de Zonas Áridas General Alvear (Provincia de Mendoza) El festejo se lleva a cabo conjuntamente con la Fiesta Provincial del Ternero Mendocino. Se trata de una celebración que congrega a público de todo el país. A las exposiciones, remates y ferias ganaderas, se suma la actividad artesanal y folklórica, a través de espectáculos artísticos, muestra de destrezas criollas y elección de la reina Fiesta Nacional del Algodón Presidencia Roque Sáenz Peña (Provincia de Chaco) Chaco se ha caracterizado por ser una de las provincias argentinas con mayor producción algodonera, lo que ha dado lugar a la realización de esta fiesta, en la que se brinda un merecido homenaje a los agricultores. Este festejo se complementa con la muestra Feri – Chaco: exposición agroindustrial comercial, cultural y artesanal, de carácter internacional. Culmina con la elección de la reina 2ª quincena [b]Fiesta Nacional de la Olivicultura[/b] Aimogasta (Provincia de La Rioja) Los festejos están basados en la exposición de productos propios de esta rama de la actividad económica y comercial, a la que acompañan espectáculos folklóricos y bailes populares. Fiesta Nacional de la Avicultura Belén de Escobar (Provincia de Buenos Aires). Comienza con la ceremonia de encendido del fuego de los isleños argentinos en la isla Martín García. Y el posterior traslado de antorchas a cargo de atletas. Tiene lugar luego el desfile cívico–militar a orillas del río Paraná, con la participación de centros tradicionalistas, colectividades y escuelas isleñas. Complementan la festividad los fogones, la exposición de artesanías y de productos regionales, las competencias deportivas y un espectáculo musical. Concluye con el desfile de embarcaciones ornamentadas y carrozas acuáticas y con la elección de la reina Junio 1ª quincena Fiesta Nacional del Folklore Suizo San Jerónimo Norte (Provincia de Santa Fe) Este evento es organizado por la comuna y la Asociación Mutual Helvetia de la localidad. Incluye una caravana musical de apertura, degustación de chocolates, desfile tradicional, muestra de artesanos locales de vestimenta y accesorios, shows musicales y elección de la reina. Fiesta Nacional de la Noche más Larga del Año Ushuaia (Provincia de Tierra del Fuego) Acorde con su ubicación austral, en la ciudad se organiza un colorido festival con bajada de antorchas y recitales musicales, que se complementa con actividades recreativas y culturales. La celebración representa el lanzamiento de la temporada turística invernal. Última semana Fiesta Nacional de la Miel – Expo Miel Azul (Provincia de Buenos Aires) Los festejos se articulan en torno a una muy completa exposición comercial e industrial, de maquinarias y de productos derivados de la apicultura. Está acompañada de charlas técnicas a cargo de profesionales de distintos organismos nacionales e internacionales. Cierra con una cena, espectáculo folklórico y elección de la reina. Julio 1ª semana Fiesta Nacional de la Colonización San José (Provincia de Entre Ríos) Es una celebración en homenaje a los primeros pobladores que posibilitaron el asentamiento y el desarrollo de la costa del río Uruguay, con desfiles alegóricos, exposiciones, concursos, festivales y muestras artesanales. 2ª quincena Fiesta Nacional e Internacional del Poncho San Fernando del Valle de Catamarca (Provincia de Catamarca) En torno a esta prenda tan característica de la indumentaria criolla, se levanta la exposición artesanal, comercial e industrial, la que se acompaña de un festival folklórico, actos culturales, comidas típicas, peñas y fogones. Culmina con la elección de la reina. Fiesta Argentina de la Bagna Cauda Humberto I (Provincia de Santa Fe) La actividad central consiste en la degustación de la bagna cauda, comida piamontesa preparada en cazuelas, cuya base es una salsa de crema de leche, ajo, anchoa y otros condimentos que realzan su fuerte sabor; se le agregan hortalizas, gallina hervida, trozos de pan y de embutidos. Se sirve a alta temperatura y se la mantiene caliente en braseros de carbón. Complementan la actividad gastronómica un festival musical y un baile popular. Última semana 1ª quincena Fiesta Nacional del Zapallo Ceres (Provincia de Santa Fe) La ceremonia inaugural cuenta con la presencia de autoridades locales, provinciales y nacionales, a las que se suman las reinas consagradas y las candidatas de cada nueva edición. Además de exposiciones, espectáculos de danzas folklóricas y el tradicional desfile, se lleva a cabo una cena show con la elección de la soberana Fiesta Nacional del Montañés San Martín de los Andes (Provincia de Neuquén) Uno de los atractivos de estos festejos es la realización de la "marcha del montañés". Se suman, sin embargo, los espectáculos artísticos con la participación de músicos locales y de la región, un festival de música nativa; concurso de hacheros; competencias de esquí en el cerro Chapelco, de kayaks y mountain–bike. Cierra con el brillo de la elección de la reina. 2ª quincena Fiesta Nacional del Dorado Paso de la Patria (Provincia de Corrientes) El festejo incluye la presencia de numerosos turistas y deportistas del país y del exterior. Las competencias y torneos, que duran varios días, se complementan con pruebas náuticas, espectáculos artísticos y folclóricos y, como acto final, la elección de la Reina Nacional del Dorado. Fiesta Nacional de la Nieve San Carlos de Bariloche (Provincia de Río Negro) Es una fiesta ya tradicional en el país que cuenta con actividades en el Cerro Catedral y en la ciudad. Algunas de ellas son: bajada del pabellón nacional y de antorchas en el Cerro Catedral, competencias de esquí y triatlón de la nieve, concurso de hacheros, carreras del periodista y de mozos, fiesta del chocolate, fuegos de artificio, desfile náutico y de carrozas. Su cierre incluye conciertos corales, exposiciones, espectáculos musicales y elección de la reina. Fiesta Nacional de Escultura en Nieve Las Cotorras (Provincia de Tierra del Fuego) Este festejo adquiere el carácter de encuentro anual de escultores que practican esta modalidad artística sobre bloques de nieve, generando impactantes figuras. La atracción principal es el concurso provincial de esculturas sobre nieve. Septiembre 1ª semana Fiesta Nacional del Inmigrante Oberá (Provincia de Misiones) Es realmente una celebración que hace honor al lema de “Argentina, crisol de razas”, ya que catorce colectividades presentan sus casas típicas, comidas, trajes, música, bailes y artesanías. 1ª quincena Fiesta Nacional del Salame Quintero Mercedes (Provincia de Buenos Aires) La elaboración del salame quintero es una actividad artesanal que Mercedes tuvo desde sus orígenes, cuyo secreto hombres y mujeres supieron transmitir para que no se perdiera. Organizada por una comisión de festejos, junto a la Municipalidad de Mercedes, la festividad incluye una recorrida para conocer la ciudad y una tarde de campo con espectáculos folklóricos y elección de la Reina del Chacinado Quintero. Fiesta Nacional de la Agricultura Esperanza (Provincia de Santa Fe) Es una conmemoración del nacimiento de la primera colonia agrícola del país, ocurrido en 1856. En la localidad, patria del celebrado José Pedroni, tienen lugar seminarios y debates de actualización tecnológica, una exposición de maquinarias y numerosos actos artísticos y culturales. 17 al 22 Fiesta Nacional de los Estudiantes San Salvador de Jujuy (Provincia de Jujuy) "Jujuy, Capital Nacional de la Primavera y la Juventud" y "Juntos en Jujuy" son los lemas de esta fiesta que reúne a representantes juveniles de todo el país. Las coloridas calles de la ciudad y la algarabía e ingenio de los estudiantes que ornamentan carrozas y carruajes con flores y luces, enmarcan los desfiles, los bailes y los espectáculos musicales. Culmina con la elección de la reina 21 Fiesta Nacional de la Primavera Monte Hermoso (Provincia de Buenos Aires) Es ya una festividad tradicional en la costa conocida bajo el nombre de “Estudiantina”. En ella se concentran actividades culturales y deportivas. Incluye desfile de carrozas, elección de la reina y números musicales con la presencia de importantes artistas nacionales. 2ª quincena Fiesta Nacional del Esqui Esquel – La Hoya (Provincia de Chubut) Esta festividad aprovecha la belleza natural del paisaje. Se basa en competencias de esquí en distintas especialidades, conjuntamente con espectáculos artísticos y shows musicales, a los que se suman concursos típicos alpinos y la posterior elección de la reina. 4ª semana Fiesta Nacional del Ave de Raza Rauch (Provincia de Buenos Aires) El evento comprende espectáculos artísticos, culturales y deportivos. Es de especial interés la realización de la exposición de avicultura, microemprendimientos y comercio. Otras atracciones son la muestra de artesanías, las parrillas populares y el concurso de vidrieras. Cierra con un desfile central y la elección de la reina. Desde el 28 Fiesta Nacional de la Flor Escobar (Provincia de Buenos Aires) La celebración se centra en la exposición de flores, plantas, parques y jardines. Se complementa con el desfile de carrozas florales y la elección y coronación de las reinas nacionales del capullo y de la flor. Para el cierre se organiza el show de color, música y efectos especiales. Octubre 1ª semana Fiesta Nacional de la Cerveza – Oktoberfest Villa General Belgrano (Provincia de Córdoba) Colorido festejo con la participación de orquestas tirolesas y bávaras, conjuntos de danzas folklóricas y bailes representativos de distintos países, con trajes regionales. Consta también de una degustación de comidas típicas y cerveza y una exposición de artesanías. Cierra con la elección de la reina. 1ª quincena Fiesta Nacional de la Raza en el Mar Villa Gesell (Provincia de Buenos Aires) Es una festividad que rescata las raíces culturales hispanoamericanas. En su marco, tienen lugar el campeonato argentino de safari, una maratón en distintas categorías, un torneo de pesca, una carrera de galgos y un concurso del perro mestizo. Incluye asimismo un tradicional desfile de carrozas de las distintas colectividades, una destacada feria artesanal y un show gastronómico con paella gigante. Culmina con un espectáculo musical y la elección de la reina. Fiesta Nacional de la Ordeñadora El Trébol (Provincia de Santa Fe) La celebración, que se realiza cada dos años, consiste en una exposición industrial y comercial, en la que se establecen mesas de intercambio de conocimientos y debates. Se complementa con actividades culturales y artísticas en el Club Atlético Trebolense. Fiesta Nacional del Maní Hernando (Provincia de Córdoba) Se conmemora en esta circunstancia la recolección del maní, principal producción agrícola de la región. Tienen lugar en ella espectáculos folklóricos y bailes populares; simposios y reuniones de capacitación; desfile de carrozas, muestra de maquinaria agrícola y elección de la reina. Fiesta Nacional del Alfajor Cordobés La Falda (Provincia de Córdoba) La gastronomía cordobesa adquiere renombre por la mixtura de las diferentes tradiciones. A los alimentos autóctonos desarrollados en la gastronomía criolla, se le suman las singulares tradiciones centroeuropeas, relacionadas con la repostería y chocolatería que los inmigrantes incorporaron desde su país de origen. La fiesta contempla la exposición de productos artesanales, bailes populares y la actuación de conjuntos folklóricos. Fiesta Nacional de la Soja Arequito (Provincia de Santa Fe) El festejo se centra en la muestra comercial e industrial, por ser la principal zona sojera del país. Durante su desarrollo se llevan a cabo seminarios técnicos, un festival folklórico y espectáculos artísticos. Fiesta Nacional de los Productores de Miel San Jorge (Provincia de Santa Fe) Organizada por la entidad Mutual y Social "La Emilia", conjuntamente con el municipio local y el gobierno provincial, el festejo incluye una exposición comercial de microemprendimientos, de artesanías, recitales musicales y bailes populares 2ª quincena Fiesta Nacional de la Ganadería Rufino (Provincia de Santa Fe) Denominada "capital de la ganadería“, Rufino es el centro de una vasta región agrícola–ganadera, con grandes estancias e importantes cabañas productoras de calidad. Esta fiesta organizada por la Sociedad Rural local, incluye la exposición de los mejores ejemplares, con posteriores competencias deportivas, números musicales, fogones y elección de la reina. Fiesta Nacional del Oro Dulce Casilda (Provincia de Santa Fe) Organizada por el Club Atlético Aprendices Casildenses, la actividad festiva incluye una feria de artesanos sobre la calle principal, exposición de productores apícolas y charlas didácticas para estudiantes primarios. Culmina con un espectáculo nocturno con la participación de artistas locales y regionales, desfile de reinas provinciales y nacionales y elección y coronación de la soberana. Fiesta Nacional del Fútbol Infantil Sunchales (Provincia de Santa Fe) Organizada por el Club Atlético Unión de Sunchales, participan también localidades vecinas como Tacural y Ataliva. Consiste en una serie de competencias centradas en el fútbol infantil y otras disciplinas amateurs, en las que intervienen delegaciones deportivas de distintos puntos del país. Las escuelas locales ceden sus instalaciones de nivel primario y especial para destinarlas a cubrir las necesidades de alojamiento. Fiesta Nacional de la Caña de Azúcar Aguilares (Provincia de Tucumán) La caña de azúcar fue siempre la industria más representativa de la provincia de Tucumán. Esta festividad atrae a gran cantidad de público por lo destacado de su agenda artística, que incluye artesanías, danzas nativas, platos típicos y números musicales Noviembre 1ª quincena Fiesta Nacional de la Yerba Mate Apóstoles (Provincia de Misiones) La celebración se centra en la presentación de la Expo–Yerba, exposición agro–industrial, en la que tienen lugar jornadas de actualización tecnológica. Acompañando a la muestra, se realiza un festival con la actuación de conjuntos nacionales e internacionales, desfile de carrozas, competencias deportivas, bailes y elección de la reina Fiesta Nacional de la Frutilla Coronda (Provincia de Santa Fe) Se basa en la exposición de productos y la realización de seminarios técnicos sobre explotación industrial y comercial. Se llevan a cabo también espectáculos artísticos y culturales. Fiesta Nacional de las Artesanías Criollas Cañada Rosquín (Provincia de Santa Fe) Organizada por el Centro Tradicionalista "La Carreta", esta festividad tiene como actividad central la exposición de artesanías nativas en cuero, lana, plata y alpaca. Se complementa con juegos de raigambre criolla, exhibición de destrezas y la actuación de conjuntos folklóricos. Fiesta Nacional del Arroz San Salvador (Provincia de Entre Ríos) Se desarrolla en el principal centro arrocero y con mayor capacidad de industrialización de la provincia. Consta de exposiciones y jornadas técnicas relacionadas con la faz agro–industrial del arroz, a las que se suman los festivales y bailes populares Fiesta Nacional del Caballo San Cristóbal (Provincia de Santa Fe) Desde tiempos de la conquista española, el caballo está ligado al país, a su historia, al desarrollo agrícola y ganadero y a la faz deportiva. Exposición de razas, desfiles, partidos de pato y concursos hípicos. Fiesta Nacional del Maíz Chacabuco (Provincia de Buenos Aires) Muestra de maquinarias, charlas y conferencias sobre temas técnicos. Espectáculos artísticos y elección de la reina. Fiesta Nacional Encuentro de Colectividades Rosario (Provincia de Santa Fe) Homenaje al aporte de las distintas colectividades extranjeras radicadas en Rosario. Muestras artesanales, talleres literarios, filmaciones y publicaciones. Festivales, desfiles y encuentros musicales populares de los diferentes pueblos representados por su colectividad. 2ª quincena Fiesta Nacional de la Corvina Rubia Mar de Ajó (Provincia de Buenos Aires) La festividad incluye un certamen de pesca variada, desde la costa y en embarcaciones. Se complementa con desfile de instituciones, espectáculos deportivos y elección de la reina. Fiesta Nacional de la Música del Litoral Posadas (Provincia de Misiones) Gran espectáculo folklórico donde se presentan figuras de la música litoraleña; tiene lugar en el Anfiteatro Manuel Antonio Ramírez. Fiesta Nacional del Girasol Carlos Casares (Provincia de Buenos Aires) La celebración se basa en una exposición agro–industrial que incluye la muestra de productos y la realización de espectáculos artísticos y culturales. Cierra con la elección de la reina. Fiesta Nacional del Limón Tafí Viejo (Provincia de Tucumán) Inaugurada en 1970, la celebración se realiza en el Club Villa Mitre. Tiene una duración de tres jornadas y en su festival nocturno resaltan las figuras más importantes del folklore argentino. Cabe señalar que en Tafí Viejo se desarrolla la citricultura con tecnología de avanzada, lo que hace de Tucumán uno de los mayores productores de limón a nivel mundial. Fiesta Nacional del Sorgo Simoca (Provincia de Tucumán) Se trata de una atracción turística de relevancia que consiste en la exposición y desfile de carruajes, acompañados de exposiciones artesanales, música y bailes populares. Fiesta Nacional del Vino Torrontés Cafayate (Provincia de Salta) El Torrontés es un vino de óptima calidad que se produce en la "ruta del vino" de los Valles Calchaquíes, donde se encuentran bodegas y viñedos, como la Antigua Bodega La Banda de 1857. Durante la fiesta se realizan degustaciones de vinos salteños y de la gastronomía regional. Se llevan a cabo concursos de empanadas artesanales y un festival folklórico. Diciembre 1ª semana Fiesta Nacional de la Calle Angosta Villa Mercedes (Provincia de San Luis) La Calle Angosta se ha constituido en un símbolo de identificación para Villa Mercedes. A partir de la cueca de Alfonso y Zavala se ha gestado un espacio singular y trascendente, motivo de esta fiesta que expresa el afecto a la música nacional y en particular a la música cuyana. Incluye un festival folklórico, peñas, feria artesanal, encuentros deportivos y culturales. Fiesta Nacional de la Citricultura Concordia (Provincia de Entre Ríos) Se efectúan visitas a plantaciones y establecimientos industriales, reuniones técnicas, espectáculos artísticos, desfile de carrozas con motivos alegóricos a la producción, espectáculo con fuegos de artificio y elección posterior de la reina.] Fiesta Nacional del Carbón Río Turbio (Provincia de Santa Cruz) Fiesta popular en honor a Santa Bárbara, patrona de los mineros. Los festejos incluyen visitas al interior de la mina de carbón. 1ª quincena Fiesta Nacional del Gaucho General Madariaga (Provincia de Buenos Aires) La fiesta incluye un gran espectáculo de destreza criolla, un festival folklórico y el desfile de jinetes, carrozas y hasta de autos antiguos. Se organiza también un fogón popular con degustación de comidas típicas y una feria artesanal en la que se exhibe una gran variedad de productos. Culmina con la elección de la "flor del pago". Fiesta Nacional del Sol y la Familia San Bernardo (Provincia de Buenos Aires) El festejo comienza con un desfile de las instituciones involucradas y la bendición de las aguas. Posteriormente se lleva a cabo un encuentro de la danza, el canto y el color. Se cierra con un festival artístico, un asado popular y la elección de la reina. Fiesta Nacional de la Leche Totoras (Provincia de Santa Fe) Se centra en la muestra de productos lácteos, la exposición de maquinaria de la industria lechera y la realización de seminarios, conferencias y concursos referidos a la actividad Fiesta Nacional de Santa Lucía Santa Lucía (Provincia de San Juan) Comienza con una procesión y misa. Se inaugura luego la exposición agroindustrial, con degustación de platos y venta de productos tradicionales. Cierra con un festival que tiene amplia participación de artistas locales. 2ª quincena Fiesta Nacional del Durazno Mercedes (Provincia de Buenos Aires) La celebración incluye la exposición y venta de duraznos y de productos regionales. Se realiza luego la elección de los mejores frutos, con entrega de premios a los productores. Culmina con espectáculos artísticos y la elección de la reina Todo el mês Fiesta Nacional de la Navidad Cordillerana San Martín de los Andes (Provincia de Neuquén) Incluye a lo largo del mes: realización del rosario viviente; festival gastronómico internacional; visita de Papá Noel; pesebre viviente; concursos de vidrieras y jardines adornados con motivos navideños; fiesta del lago con fuegos artificiales y baile popular; bienvenida del año nuevo con espectáculos musicales y visita de los Reyes Magos en la Plaza Sarmiento. juegos La Maroma Es un juego en el que se demuestra la destreza del gaucho para montar a caballo. Para comenzar, se encierran los potros sin domar en un corral. Se coloca una barra a una altura proporcionada en la única entrada del mismo, por la que sólo hay espacio para que pase un caballo. Un hombre se ubica sobre la barra con las piernas abiertas y salta sobre el lomo del animal que pasa a galope. El objetivo es que se sostenga en pelo, sin silla, asegurando sus espuelas sobre la barriga del potro. La Payada Consiste fundamentalmente en un juego de destreza verbal e intelectual. Se trata de una disputa argumentativa, acompañada con guitarra en que los contrincantes establecen un tema y se van alternando con el canto de manera improvisada. Gana aquel que resiste con mayor gracia y maestría. En la campaña era frecuente que durara varias horas y hay testimonios que dan cuenta de algunos contrapuntos que llegaron a extenderse por una jornada. El Juego de Cañas Es uno de los juegos gauchos más antiguos, de origen español. Consiste en que los jinetes deben imaginar cargas de combate y por ende, escapar, hacer círculos, semicírculos, ya sea en grupos o en hileras. Se inicia cuando el primer jugador pasa frente al bando contrario, de donde sale un adversario en su persecución y bolea simbólicamente a su caballo (con boleadoras hechas de material inofensivo); el boleado debe entrar al bando opuesto y permanecer allí. Un tercero sale entonces en persecución del que arrojó las bolas y a su vez le bolea su caballo, debiendo éste ingresar al grupo enemigo. El juego termina cuando los hombres de un bando están en el de los contrarios y éstos se mantienen en el propio. El Pato Cuenta la tradición que esta diversión criolla nació, como su nombre lo indica, a raíz de una disputa entre paisanos por un pato de verdad, generándose el clásico tironeo para arrebatárselo unos a otros. Actualmente el juego consiste en que 2 equipos de 4 jinetes cada uno deben introducir una pelota blanca, envuelta en cuero y con seis manijas, dentro de un arco de 2,70 metros de alto con una red de 1 metro de circunferencia en la punta. La cancha debe tener un largo máximo de 220 metros y mínimo de 180, por un ancho de 90 (máximo) u 80(mínimo). Los caballos pueden ser de cualquier alzada. La Taba Se trata en realidad de un juego de origen griego, introducido en nuestro país por los españoles. Se difundió muy pronto entre el paisanaje cuando los hombres se reunían en la pulpería en momentos de descanso o en reunión de cuadreras. La taba es un hueso de la pata de los animales, con un lado cóncavo y el otro plano. La cancha se delimita por un par de rayas en la tierra, separadas algunos metros entre sí. El juego consiste en arrojar el hueso desde atrás de una de esas rayas, debiendo caer más allá de la otra. Si el lado cóncavo queda hacia arriba se gana: eso implica "suerte"; si queda hacia abajo se pierde. Suele ir acompañado de apuestas realizadas por participantes y espectadores El Truco Se trata de un juego de naipes en el que pueden participar 2 ó más jugadores (por lo general, se busca que el número de jugadores sea par) en el que priman la suerte y la habilidad. Su nombre deriva justamente de su metodología, ya que se puede mentir o engañar al adversario, como en el póker, para hacerlo desistir de una apuesta. Se juega con barajas españolas de 48 cartas, de cuyo mazo completo se retiran todas las barajas correspondientes a los números 8 y 9, quedando así reducido a un total de 40 cartas. Tiene una escala propia de valores que reconoce en primer término al as de espadas, seguido por el de bastos. La Carrera de Sillas Es otro de los juegos típicos de nuestro campo y se realiza generalmente en el marco de una jineteada. Consiste en la reunión de varios jinetes que forman una rueda alrededor de varias sillas, siempre una menos que la cantidad de participantes. Al comenzar la música comienza también la vuelta alrededor de los asientos; al interrumpirse aquélla, los jinetes deben desmontar rápidamente y sentarse, quedando fuera del juego el que no consiguió su silla. Así, descalificando al paisano que queda de pie y quitando un asiento por vuelta, el juego continúa hasta que quede un único ganador. Este entretenimiento tiene su versión urbana, obviamente sin caballos. La Carrera de Sortija Este juego es otra diversión criolla traída por los conquistadores españoles y ha perdurado hasta nuestros días. Consiste en pasar a caballo bajo un marco de madera del que pende, apenas atada, una sortija. A toda carrera del animal cada jinete debe retirar la sortija enganchándola con un palito. Si lo logra, recibe un premio y el aplauso festivo de la concurrencia. La Cogoteada Se practicaba antaño en la campiña. Consistía en un rudo pasatiempo entre dos jinetes que, previo desafío, arrancaban a escape luego de pasar sus brazos por la nuca o parte posterior de sus cuellos. A toda furia, se esforzaban por derribarse recíprocamente del caballo, resultando vencedor aquél que conseguía tumbar al adversario Mitos Urbanos La Dama de la Vela Cuentan los habitantes de la ciudad de Corrientes que en el edificio de la Escuela Normal “Juan Pujol”, una antigua construcción señorial, suele verse por las noches una bella joven, hermosamente vestida con un largo traje de encaje blanco y una capa de pana roja, recorriendo los pisos y escaleras de mármol con una vela encendida en la mano. Ante las primeras luces del alba, la misteriosa criatura se desvanece La Dama Vestida de Negro En San Gregorio, localidad cercana a Venado Tuerto, Provincia de Santa Fe, sus pobladores relatan que una mañana de cerrada llovizna, un abastecedor del frigorífico Maru de Rufino encontró en la ruta 14 a una mujer vestida de negro que hacía el tradicional gesto de autostop. La llevó hasta la ciudad y cuando la dama se bajó, tras agradecerle por haberla acercado hasta escasa media cuadra de su casa, le dijo su nombre: Nancy Núñez. Poco después, el hombre se enteró de que Nancy Núñez había fallecido un año y medio atrás en un extraño accidente, cuando la avioneta que piloteaba su marido había perdido una de sus ruedas impactando en el auto que ella conducía, lo que le había causado la muerte instantáneamente. El sorprendido abastecedor descubrió también que el lugar en donde había parado para levantar a la mujer, entre Cristophersen y San Gregorio, era exactamente el sitio donde había ocurrido la tragedia que poco antes había conmocionado a la localidad. Otros testimonios dan cuenta de la misma aparición, en la misma ruta, a la altura del lugar del accidente. La Dama Vestida de Blanco En distintas ciudades de la Argentina circula este relato, con algunas variantes mínimas, que tiene como protagonista a un joven que concurre a una fiesta, baile o lugar de diversión nocturno. Allí conoce a una bella muchacha de vestido blanco a la que invita a bailar y de la que se enamora instantáneamente. A cierta hora de la noche se ofrece a acompañarla hasta su casa y le presta su abrigo para protegerla del frío. Al día siguiente, el muchacho vuelve a la casa de la joven con intención de verla nuevamente y es atendido por los padres de ella, quienes con sorpresa y estupor le informan que la muchacha ha muerto uno o dos años antes. El enamorado no entra en razones, motivo por el cual los afligidos progenitores lo llevan hasta el cementerio con el propósito de que, al ver la tumba, el muchacho se convenza de la verdad de sus dichos. Al llegar a la tumba, la estupefacción estalla en los tres, al descubrir que sobre la lápida descansa el abrigo que el muchacho le había prestado a la joven la noche anterior. La Dama del Cementerio Un caso parecido es aquél que cuenta que un hombre quedó encerrado en el cementerio al terminar el horario de visitas. Inquieto comenzó a dar vueltas por el lugar en busca del sereno para que le abriera la puerta. No lo encontró pero advirtió que frente a una tumba estaba una mujer de pie (según las variantes del relato, puede tratarse de una niña, una adolescente o una mujer adulta). El hombre se le acercó entonces y le contó su situación, alegrándose de ver a alguien más por allí. La mujer le respondió que a ella le había ocurrido lo mismo y que no se preocupara, ya que conocía un lugar desde donde podrían salir. Con la dama como guía, el sujeto la siguió entre las lápidas, hasta que ella se detuvo indicándole una de las paredes perimetrales del cementerio. Al comprobar que no había ninguna puerta, el hombre le preguntó cómo hacer para salir por ese lugar inaccesible. –Así– le respondió la mujer mientras atravesaba el muro. El Perro Extraño Cuentan en el barrio de La Boca, en la ciudad de Buenos Aires, que hace muchísimos años dos ancianos encontraron un perro abandonado. Sintieron lástima por el animalito que, pese a su aspecto extraño, los miraba con ojos de mucha ternura. Le dieron de comer y lo asearon, incorporándolo a la vida familiar. Cierta vez el perro presentó síntomas de decaimiento y lo llevaron al veterinario para que lo atendiese. El facultativo, tras revisarlo, no pudo encontrar las palabras adecuadas para decirles a los afligidos amos que lo que habían recogido no era un tierno ejemplar de raza canina sino una enorme rata. Romeo y Julieta Criollos Cuenta la tradición que la aristocrática familia Anchorena vivía en el actual Palacio San Martín con más de 150 sirvientes. Hacia 1920 sus miembros decidieron construir la iglesia del Santísimo Sacramento como futuro sepulcro familiar. Quiso el destino que uno de los Anchorena se enamorara perdidamente de Corina Kavanagh, una joven de familia adinerada, aunque no patricia. El romance no tuvo la aprobación de los padres del muchacho y finalmente los novios tuvieron que separarse. Corina entonces pergeñó una particular venganza, no de sangre, pero sí estética. Ordenó levantar en San Martín y Florida un edificio cuyo único requisito fue que le impidiera a la familia Anchorena la vista a la iglesia mencionada desde su soberbio palacio. Aún hoy pesa la “maldición” arquitectónica, ya que el edificio Kavanagh sigue obstaculizando la visión del templo católico. El Vampiro de Flores Tiene como protagonista a Belek, un enano que llegó a Buenos Aires con el Circo de los Zares proveniente de la zona de los Cárpatos. Al igual que el conde Drácula, Belek fue expulsado luego de que Boris Loff, el dueño del circo, junto a dos testigos: la Mujer Barbuda y el Hombre Bala, lo encontraran prendido al cuello de una mona integrante de la troupe circense. Pero el mito, apenas comienza aquí. El verdadero horror se desató cuando Belek se refugió en una casa abandonada del Bajo Flores y comenzaron a desaparecer misteriosamente todos los gatos del barrio. El relato cuenta que los vecinos protegieron sus casas con ristras de ajo mientras portaban crucifijos por las calles, por temor a ser atacados. Una noche de invierno, cerca de la estación Flores, los hombres del barrio lograron cazar al vampiro con una improvisada red, fabricada con la malla de un arco de fútbol, pero éste se les escapó furtivamente. Algunos aseguran que aún vive en el cementerio de Flores y sale de tanto en tanto a producir estragos entre los desprevenidos transeúntes. Los Mitos del Transporte Urbano Varios son los mitos que circulan en distintas ciudades del país en torno a los medios de transporte, los que por su naturaleza móvil y por la extensión de sus recorridos, constituyen escenarios propicios para la construcción y circulación de relatos. La que se Murió de Amor Este mito tiene raíces en la historia del país. Cuenta la tradición que cuando la joven Felicitas Guerrero se casó en 1862 con Martín de Álzaga, un hombre mayor y acaudalado, era una de las mujeres más bellas de la sociedad porteña. Al año siguiente de la boda y tras perder a su único hijo, Felicitas quedó viuda con apenas 26 años. A su hermosura sumaba el hecho de ser una de las fortunas más grandes de la Ciudad de Buenos Aires, lo que la convirtió en objeto de admiración y requerimiento de muchos pretendientes. Entre ellos estaba el celoso Enrique Ocampo, a quien la viuda rechazó sin miramientos. Quiso el destino que el enamorado descubriera que la causa de tal rechazo era la preferencia de Felicitas por el estanciero Samuel Sáenz Valiente. Enfermo de rabia, Ocampo mató a la muchacha con un disparo en la espalda y al instante se suicidó. Los Guerrero mandaron construir, en homenaje a su hija, una capilla ubicada en la calle Isabel La Católica, entre Brandsen y Pinzón. Los vecinos del lugar sostienen que cada 30 de enero, fecha de la muerte de Felicitas, aparece su fantasma con el torso ensangrentado, vagando errante durante toda la noche hasta el amanecer. Es frecuente –agregan– que muchas mujeres se encomienden a ella para encontrar un gran amor o para conservar el que ya tienen. La Criatura Acechante Cuentan los vecinos de Ciudadela, Provincia de Buenos Aires, que cierta noche un colectivo de la –por entonces– línea 237 pasaba en su habitual recorrido por la Avenida Alvear. Al llegar a la altura del Cementerio Israelita, uno de los pocos pasajeros que viajaban a esas horas, vio una nube blanca que provenía del camposanto y que se acercaba hacia el vehículo. Cuanto más se aproximaba, se definían y perfilaban nítidamente sus rasgos de mujer. Durante un breve lapso, la extraña criatura acompañó el paso del transporte, flotando a la par, hasta que finalmente se desvaneció ni bien el colectivo abandonó la zona del cementerio. El Accidente del Chofer Cuenta el relato que una noche en Rosario, Provincia de Santa Fe, frente al cementerio "El Salvador", un chofer de colectivo de la línea 114 iba conduciendo el vehículo medio dormido, luego de una jornada de intensa labor. De pronto, una chica se le atravesó en la calle, cruzando de manera imprudente. El hombre intentó clavar los frenos, pero fue inútil: la muchacha fue arrollada. Asustado por lo sucedido y presa de la desesperación, el conductor decidió huir. Luego de varios minutos de escape a toda velocidad y sin detenerse en las paradas establecidas, vio por el gran espejo retrovisor que la víctima estaba sentada en el ultimo asiento del colectivo, mirándolo fijamente y llorando Los Fantasmas del Subte Varias historias circulan en torno a los subterráneos de la ciudad de Buenos Aires, que tienen como escenario principal las estaciones de la línea A, la primera de la red inaugurada en 1913, que actualmente une Plaza de Mayo con Primera Junta. Una de ellas cuenta que un antiguo operario de la estación Sáenz Peña concurrió a los sanitarios en horas de servicio y encontró en ellos a un hombre degollado sobre un charco de sangre. De inmediato el atribulado empleado dio el alerta al personal de seguridad de la estación, quien acudió rápidamente a inspeccionar el lugar, encontrando el sitio en perfectas condiciones y sin ningún rastro de violencia. El veredicto fue unánime: se trataba de una alucinación. Al día siguiente, volvió a repetirse la situación, aunque el protagonista fue esta vez otro empleado. Durante largo tiempo, muchos fueron los trabajadores que afirmaban haber visto al degollado en el baño de esa estación. Otra historia de aparecidos tiene como escenario el tramo comprendido entre las estaciones Alberti y Pasco, aunque su figura central esta vez es una extraña mujer en traje de novia. Cuentan los dichos que se trata del fantasma de una joven a la que su prometido abandonó ante el altar, circunstancia por la cual la muchacha habría salido intempestivamente de la iglesia y se habría arrojado a las vías del tren. Otra versión, más romántica aún, señala que la ceremonia del casamiento se realizó pero al tratarse de una unión concertada por los padres de los novios, la muchacha prefirió suicidarse al salir de la iglesia antes de contrariar su propia voluntad. El Hombre sin Ojos Relatan algunos habitantes que hace tiempo solía verse a un hombre sin párpados deambular por los vagones de la línea de ferrocarril Mitre. Numerosos testimonios daban cuenta de que siempre subía o bajaba del tren en la Estación Coghlan. Sobre su aspecto circulaban distintas explicaciones. Según algunos, se trataba del alma de un muerto que se había suicidado arrojándose a las vías. Según otros, era un hombre de la zona que al momento de morir padecía una terrible infección ocular. Más allá de estas discrepancias, todavía muchos vecinos del lugar buscan en el andén los ojos del hombre sin párpados, a los que se le atribuyen poderes mágicos. www.argentina.gov.ar Link de la parte I: Link Premios Nobeles Argentinos Saludos Buziana2 <a href='http://b.t.net.ar/www/delivery/ck.php?n=a2afc290&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE' target='_blank'><img src='http://b.t.net.ar/www/delivery/avw.php?zoneid=58&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE&amp;n=a2afc290' border='0' alt='' /></a>

Registrate y eliminá la publicidad! Cultura Argentina Cine Orígenes del Cine Nacional El 18 de julio de 1896 en el Teatro Odeón de Buenos Aires tuvo lugar la primera exhibición cinematográfica en nuestro país, mediante el uso de la tecnología de los hermanos Lumière, y al año siguiente comenzó la importación de cámaras francesas. Entre los primeros aficionados se destacó Eugène Py, quien se convirtió en el primer realizador y camarógrafo con el corto La Bandera Argentina, donde se aprecia la enseña patria flameando en el mástil de la Plaza de Mayo. Por su parte, el médico Alejandro Posadas filmó, con afán documental, varias de sus intervenciones quirúrgicas. Con el arribo del siglo XX se inauguraron las primeras salas y aparecieron los noticieros, entre los que se destacó El Viaje de Campos Salles a Buenos Aires en el que junto al mandatario brasileño aparecían Julio A. Roca y Bartolomé Mitre. En estos años, las temáticas se limitaron a reflejar eventos sociales, paisajes, desfiles militares y grandes sepelios. En estos rubros se destacaron La Revista de la Escuadra Argentina de 1901 y las exequias de Mitre en 1906. En 1907 se produjeron los primeros ensayos de cine sonoro en los que la imagen era acoplada a un registro fonográfico. El primer realizador de ficción fue Mario Gallo y su primera película fue El Fusilamiento de Dorrego en 1909. Tras esta producción siguió una serie de trabajos de carácter histórico como La Revolución de Mayo, primer filme de ficción con actores profesionales, y La Batalla de Maipú. En esa línea, Julio Raúl Alsina produjo Facundo Quiroga y Cielo Centenario, síntesis de los actos realizados durante los festejos de los cien años de la Revolución de Mayo. Una figura de relieve en el campo del documental fue Federico Valle, creador de Film Revista Valle, un noticiero semanal que apareció entre 1916 y 1931. Los Primeros Largometrajes En 1914, Enrique García Velloso filmó el primer largometraje nacional: Amalia. El séptimo arte ganaba espacios y al año siguiente llegó el primer gran éxito de recaudación: Nobleza Gaucha, de Humberto Cairo. En 1917 Federico Valle produjo el primer largometraje de animación del mundo: El Apóstol, una sátira de Hipólito Yrigoyen realizada por Quirino Cristiani, y un año más tarde dirigió Una Noche de Gala en el Colón, caricatura de las celebridades de la época, representadas a través de marionetas. En este período, la temática oscilaba entre melodramas, policiales, cintas cómicas y temas de campo. Se llevaron a cabo más de doscientas películas, entre las que descollaron las de Agustín Ferreyra, director volcado a la temática tanguera mediante la apelación a los asuntos suburbanos y camperos en una estética en la que confluían el tango, el sainete y las pecadoras redimidas. Entre sus títulos se destaca Muñequitas Porteñas (1931), el primer film sonoro y hablado por sincronización fonográfica rodado en la Argentina. La Gran Expansión Tras algunas experimentaciones inconclusas, la recién fundada Argentina Sono Film, produjo Tango en 1933. Esta "cabalgata musical" dirigida por Luis Moglia Barth con Azucena Maizani, Luis Sandrini, Libertad Lamarque, Mercedes Simone, Tita Merello, Pepe Arias y Juan Sarcione, fue la primer producción sonora integral estrenada en nuestro país. Ese mismo año, la compañía Lumilton estrenó el trabajo de Enrique Susini Los Tres Berretines, en la que aparecían retratados el tango, el fútbol y el cine en el marco de una familia, con la intervención de Luis Sandrini (a esa altura, la estrella del cine nacional) acompañado por Luis Arata y Aníbal Troilo –entre otros–. Estas películas hicieron que el séptimo arte adquiriese cada vez más popularidad y se integrase a la vida cotidiana de los espectadores. A la vez, las mencionadas empresas contaban con estudios propios y producían una treintena de películas anuales, que eran exportadas a toda Latinoamérica. Los principales realizadores de esta etapa fueron Manuel Romero (La Vida es un Tango, La Muchacha del Circo, Fuera de la Ley), Mario Soffici (Prisioneros de la Tierra), Leopoldo Torres Ríos (La vuelta al Nido, Aquello que Amamos), Luis César Amadori (Dios se lo Pague, Almafuerte, Hay que Educar a Niní) y Francisco Mugica (Así es la Vida; Los Martes, Orquídeas). Otros directores que comenzaron su andadura en esta época fueron Carlos Hugo Christensen (Safo, El Ángel Desnudo), Lucas Demare (La Guerra Gaucha, Su Mejor Alumno), Daniel Tinayre (Bajo la Santa Federación, Mateo), Manuel Romero (Noches de Buenos Aires, Los Muchachos de Antes no Usaban Gomina) y Alberto de Zavalía (Dama de Compañía, Rosa de América). En ese contexto también se multiplicaron las comedias livianas y melodramas especialmente dirigidos a las “damas y damitas”, público femenino que colmaba las salas. Los '40 vieron el surgimiento de la cooperativa Artistas Argentinos Asociados, donde se agrupó gran parte de la industria. En la extensa filmografía de esta etapa, se destaca especialmente el film de Lucas Demare La Guerra Gaucha (1942), un relato de gran calidad en términos de epopeya. Sin embargo, la segunda guerra mundial perjudicó notablemente la importación de materia prima, lo que motivó la creciente intervención del Estado en la asignación de créditos y distribución de película virgen. Pese a muchas dificultades, la cinematografía nacional siguió adelante. Hugo del Carril se convierte en la figura destacada de esos años(Las Aguas Bajan Turbias, La Quintrala, Más Allá del Olvido). La Creación del Instituto de Cine En 1957 se promulgó la Ley de Cine y se creó el Instituto Nacional de Cinematografía (INC), antecesor del actual Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA). En estos años se afirmaron directores como Leopoldo Torre Nilsson (La Casa del Ángel, La Mano en la Trampa) o la dupla compuesta por Fernando Ayala y Héctor Olivera (El jefe, El candidato), que abrieron camino a la llamada generación del '60, directores independientes que actuaban por fuera del sistema de estudios. Algunos nombres de este período son Simón Feldman (El Negoción), José Martínez Suárez (Dar la Cara), René Mugica (El Hombre de la Esquina Rosada), Lautaro Murúa (Shunko) y Manuel Antín (La Cifra Impar). Por otros caminos, Fernando Birri impulsó el cine documental de contenido social (Tire Dié, Los Inundados). Son también los años de inicio de Leonardo Favio, actor, cantante y director (Crónica de un Niño Solo, El Dependiente). A fines de la década comenzaron los ensayos de cine alternativo y experimental, encarados por directores que venían de la publicidad y el cine de denuncia social, simbolizado por el grupo Liberación en el que participaban Fernando "Pino" Solanas y Octavio Gettino (La Hora de los Hornos), sorteando censuras para dar a conocer sus trabajos en exhibiciones clandestinas. Con el retorno democrático de 1973, el cine nacional tuvo un gran momento, tanto en el afianzamiento de la crítica como en su masividad. Favio volvió a filmar (Juan Moreira), al igual que Lautaro Murúa (La Raulito). Héctor Olivera apuntó al cine histórico (La Patagonia Rebelde) y Sergio Renán logró una candidatura a los premios Oscar (La Tregua). Este vendaval creativo fue cortado de cuajo por la censura encarnada en el Ente de Calificación Cinematográfica y la represión de la dictadura militar que provocó la muerte, el silencio y el exilio de artistas. Sin embargo, realizadores como Adolfo Aristarain (Tiempo de Revancha) o Fernado Ayala (Plata Dulce)lograron sortear la censura y fueron una bocanada de aire fresco. El Cine en Democracia El retorno democrático puso fin a la censura y el INC fue presidido por un hombre de cine: Manuel Antín. Desde allí se generó el retorno de los postergados y el surgimiento de los nuevos. María Luisa Bemberg logró una candidatura al Oscar (Camila), galardón que finalmente obtuvo Luis Puenzo con La Historia Oficial. "Pino" Solanas retornó al país (Tango: El exilio de Gardel) y surgieron Eliseo Subiela (Hombre Mirando al Sudeste) y Miguel Pereira (La Deuda Interna), entre otros. Todos ellos ganaron premios internacionales y fueron elogiados por la crítica y el público en varias partes del mundo. En 1995, con la sanción de la nueva Ley de Cine que obliga al video y a la televisión a aportar dinero para financiar películas argentinas y establece los regímenes de coproducción internacional, la filmografía argentina tomó un nuevo impulso. Surgió entonces una nueva generación de creadores que renovaron, estética y argumentalmente, nuestro cine. Entre ellos podemos citar a Fabián Bielinsky (Nueve Reinas), Lucrecia Martel (La Ciénaga), Pablo Trapero (Mundo Grúa) y Juan José Campanella (El Hijo de la Novia). Esta camada obtuvo múltiples premios y reconocimientos e hizo del séptimo arte una nueva puerta de entrada a nuestro país. Literatura Los Inícios La Conquista Si bien algunos estudiosos coinciden en señalar como precursores de nuestras letras a Martín del Barco Centenera, Ruy Díaz de Guzmán o Ulrico Schmidl, lo cierto es que se trata de cronistas cuyas obras revisten más un interés histórico que literario. La Colônia La crítica rescata especialmente en el siglo XVII los nombres de Luis de Tejeda, el primer poeta nativo, y el de Reginaldo de Lizárraga (llamado en realidad Baltasar de Obando), el primer viajero del Tucumán. La Revolución de Mayo El fervor independentista encontró su expresión bajo la estética neoclásica en las composiciones de Vicente López y Planes, Esteban de Luca y Pantaleón Rivarola. Bajo la misma preceptiva pueden considerarse la dramaturgia de Manuel José de Lavardén o las fábulas de Domingo de Azcuénaga. Cabe recordar que por aquellos años comenzaron a circular los primeros periódicos: El Telégrafo Mercantil, Rural, Político, Económico e Historiógrafo del Río de la Plata; La Gaceta de Buenos Aires; El Correo de Comercio, que incluían páginas literarias, lo que contribuyó a la creación de un público lector. Con el mismo impulso revolucionario surgió la gauchesca, poesía popular típicamente rioplatense, que tiene como fundador a Bartolomé Hidalgo. El desarrollo del género continuó con Hilario Ascasubi y Estanislao del Campo (que no alcanzó la cualidad genuina de su predecesor) hasta su culminación, muchos años después, con el Martín Fierro de José Hernández en 1872. Los Años Posteriores a la Independencia La ruptura política con la corona española propició también la ruptura estética y la adhesión a los postulados del romanticismo francés. Dos textos centrales iluminan la literatura de este período: El Matadero de Esteban Echeverría, considerado por la crítica como el primer cuento argentino, y el Facundo de Sarmiento. Ambas obras, producto de la pluma de escritores exiliados (Ricardo Rojas definirá a esta generación como la de “los proscritos”), subordinan sus indudables valores estético–literarios a un fuerte cometido ideológico. A este grupo pertenece también la producción de José Mármol, autor de la primera novela argentina: Amalia, o la de ensayistas como Juan Bautista Alberdi con su Bases y puntos de partida para la organización política de la Nación Argentina. La Organización Nacional Tras la caída de Rosas en la batalla de Caseros, se inició un período de relativa estabilidad política que encontró su formulación más sólida en la denominada Generación del 80. Sus hombres, destacados dirigentes de “la cosa pública” y dedicados también a las letras, acentuaron la admiración por lo europeo y la primacía cultural porteña. Las figuras más representativas de este período son Eduardo Wilde (Aguas Abajo), Miguel Cané (Juvenilia), Eugenio Cambaceres (Sin Rumbo), Lucio V. López (La Gran Aldea) y el más lúcido y original de todos: Lucio V. Mansilla (Una Excursión a los Indios Ranqueles). El Fin de Siglo Con la llegada al país del poeta nicaragüense Rubén Darío, se produjo la revolución modernista y el nacimiento de una nueva estética, signada por el simbolismo y el preciosismo. Leopoldo Lugones, autor de Los Crepúsculos del Jardín, se convirtió no sólo en la figura más representativa de estos años, sino en un modelo de emulación con una larga descendencia posterior. A este movimiento adscribieron los primeros escritos de Horacio Quiroga o Alfonsina Storni, quienes luego encontrarán su propia voz en obras como Cuentos de Amor, de Locura y de Muerte y El Dulce Daño, respectivamente. Otra corriente, de fuerte raigambre realista y costumbrista, se afirmó por esos años. En la narrativa, tras las huellas de Eduardo Gutiérrez (Juan Moreira) o de Fray Mocho –José Sixto Álvarez– (Memorias de un Vigilante) se destacó especialmente Roberto J. Payró (Divertidas Aventuras del Nieto de Juan Moreira), en tanto que en la lírica se consolida una estética de lo popular que alcanzó su consagración en la poética de Baldomero Fernández Moreno (Por el Amor y por Ella) y de Evaristo Carriego (Misas Herejes). Horacio Quiroga Alfonsina Storni La Primera Mitad del Siglo XX La primera gran fractura en el campo de la literatura argentina se produjo en torno a la aparición de la revista Martín Fierro, entre 1924 y 1927. Influenciados por las vanguardias europeas posteriores a la primera guerra mundial, Oliverio Girondo (Espantapájaros), Conrado Nalé Roxlo (El Grillo), Norah Lange (El Rumbo de la Rosa), Leopoldo Marechal (Cántico Espiritual) y Jorge Luis Borges (Fervor de Buenos Aires) –entre otros– arremetieron contra "la impermeabilidad hipopotámica del honorable público" y "la funeraria solemnidad del historiador y del catedrático, que todo lo momifican". La ironía, el desenfado y la irreverencia fueron las armas con que este grupo intentó sepultar la influencia de Lugones, del modernismo ya decadente y de la producción de la generación anterior, de la que sólo reivindicaron a Macedonio Fernández (Historia de la Novela de la Eterna), talento excepcional de las letras argentinas. Bajo la denominación de Florida (todos ellos son habitués de la confitería Richmond ubicada esa calle porteña) desarrollaron sus propuestas estéticas también en las páginas de las revistas Proa o Prisma. En las antípodas en tanto, se consolida el denominado grupo de Boedo (sus integrantes se reúnen en los cafés del populoso barrio homónimo), que nuclea a Leónidas Barletta (El Barco en la Botella), Elías Castelnuovo (Memorias), Álvaro Yunque –Arístides Gandolfi Herrero– (Barcos de Papel), Roberto Mariani (Cuentos de la Oficina), Raúl González Tuñón (La Rosa Blindada) y Roberto Arlt (Los Siete Locos), identificados todos ellos con una concepción de la literatura como herramienta al servicio de la revolución y el cambio social. Los hijos de los inmigrantes de la generación del 80 fueron destinatarios de esta propuesta estético–ideológica que enunció sus postulados desde las revistas Los Pensadores, Dínamo, Extrema Izquierda y la Editorial Claridad de Antonio Zamora. Al llegar la década del 30 Victoria Ocampo fundó la cosmopolita revista Sur, que dirigirá hasta 1970. Tributaria de una concepción elitista como la que había enorgullecido a los hombres de Florida, Sur consolidó un espacio para la traducción literaria y la difusión de la obra de los argentinos Jorge Luis Borges, Adolfo Bioy Casares (La Invención de Morel) o Silvina Ocampo (Las Invitadas). Las décadas del 40 y del 50 estuvieron marcadas por la aparición de Adán Buenosayres de Leopoldo Marechal (que implica una transformación de la novela). Al mismo tiempo, la revaloración en los ámbitos urbanos de la literatura de las provincias y el paralelo desarrollo de lo nostálgico–descriptivo encontró a sus mejores exponentes en la escritura de Vicente Barbieri (Anillo de Sal), León Benarós (Romances de la Tierra) y muy especialmente en la de Olga Orozco (Los juegos peligrosos). Adolfo Bioy Casares El Último Medio Siglo En los años ´60 la industria cultural produjo en el continente americano una verdadera revolución editorial, conocida como el boom. Dos novelas anteriores pueden considerarse precursoras: Sobre Héroes y Tumbas de Ernesto Sábato y Bomarzo de Manuel Mujica Láinez, que tuvieron una importante repercusión en el público lector. Una relectura de la obra de Roberto Arlt desde la crítica académica, más los importantes cambios político–sociales que caracterizaron a esta década configuraron un campo para la literatura de aquellos años, que tuvo sus mejores expresiones –más allá de las variables de género y estilos– en la producción de Julio Cortázar (Rayuela), Alejandra Pizarnik (Los Trabajos y las Noches), Manuel Puig (La Traición de Rita Hayworth), Juan José Saer (El Limonero Real), Abelardo Castillo (Cuentos Crueles), Tununa Mercado (Celebrar a la Mujer como a una Pascua), Noemí Ulla (Los que Esperan el Alba), Liliana Hecker (Los Bordes de lo Real) y Horacio Salas (La Soledad en Pedazos), entre otros. La década siguiente se ensombreció con la dictadura militar, que provocó el exilio de notables creadores como el poeta Juan Gelman (Cólera Buey) y los narradores Antonio Di Benedetto (Zama) o Daniel Moyano (El Vuelo del Tigre), y la desaparición forzada de Haroldo Conti (Mascaró), Roberto Santoro (No Negociable) y Rodolfo Walsh (Operación Masacre). El retorno de la democracia permitió la reedición y relectura de textos y autores, entre ellos: David Viñas (Jauría), Ricardo Piglia (Respiración Artificial), Eduardo Belgrano Rawson (No se Turbe Vuestro Corazón), Miguel Briante (Ley de Juego), conjuntamente con la aparición de una “escritura de la memoria” que intentaba dar cuenta –con dispares resultados– de lo ocurrido en los años de plomo: Pedro Orgambide (Pura Memoria), Osvaldo Soriano (No Habrá Más Penas Ni Olvido), Juan Martini (La Vida Entera), Tomás Eloy Martínez (La Novela de Perón), Javier Torre (Quemar las Naves) o Jorge Manzur (Tinta Roja). En cuanto a la actualidad, la proximidad temporal impide un análisis equilibrado. Las elecciones de los lectores recaen en la obra de César Aira (La Serpiente), Juan Forn (Nadar de Noche), Alberto Laiseca (Los Soria), Roberto Fontanarrosa (No sé si he sido Claro), Angélica Gorodischer (Menta), Elsa Osorio (Cielo de Tango), Martín Caparrós (El Tercer Cuerpo), Sylvia Iparraguirre (El Parque), Josefina Delgado (Salvadora, la Dueña del Diario Crítica) y Federico Andahazi (El Anatomista) –por citar sólo a algunos–. Ernesto Sabato Artes Plásticas Períodos Pre–hispánico y Colonial El arte prehispánico antes de la llegada de los españoles se desarrolló especialmente en las poblaciones indígenas de las culturas del Noroeste Argentino (NOA). Conocían técnicas de cerámica, metales y textiles, producción que puede ser vista actualmente en museos y salas de exposición de la región o en el Museo de La Plata. Los tiempos coloniales estuvieron signados por el arte religioso. En las iglesias de distintos puntos del país quedan valiosos exponentes, tales como esculturas y pinturas de asunto bíblico, retratos de personajes eclesiásticos o de funcionarios civiles. Las obras fueron realizadas por las propias órdenes religiosas, entre las cuales merece destacarse la Compañía de Jesús que mantuvo su primacía hasta 1767, año de expulsión de las posesiones españolas. Período Independiente Primera mitad del siglo XIX A principios del siglo XIX, a instancias de Manuel Belgrano, se creó una efímera Academia de Dibujo que propiciaba la enseñanza de aspectos no sólo estéticos sino morales. Bajo la influencia de la Ilustración, la temática religiosa dio paso a las escenas de costumbres y Francia se convirtió en modelo artístico a emular, como forma de contrarrestar la influencia hispánica. En 1815 Fray Francisco de Paula Castañeda inauguró otra Academia de Dibujo, que en 1821 pasó a formar parte de la Universidad de Buenos Aires. Instituciones similares se abrieron también en Mendoza y Santa Fe. Durante la presidencia de Rivadavia fueron convocados profesionales europeos que adscribían a criterios artísticos del Neoclacisismo aún imperante. Tras su caída se afianzó el Romanticismo, que buscaba en el pasado la esencia de un país en formación. Este movimiento derivó en un pintoresquismo extremo, con el acento puesto en retratos y paisajes. Los artistas locales encontraron una fuente de formación en pintores extranjeros como Carlos Enrique Pellegrini y Cayetano Descalzi, o en viajeros que apuntaban al exotismo y trabajaban por encargo, como Emeric Essex Vidal y Raymond Quinsac de Monvoisin. También en este período se destacaron los litografistas Jean Douville y César Baclé. Todos ellos hicieron conocer el paisaje y los tipos humanos de nuestra tierra en el viejo continente. Segunda mitad del siglo XIX Los primeros pintores formados en la Argentina fueron Carlos Morel y Fernando García del Molino, quienes se enrolaron en un romanticismo ingenuo de cuño local, de corte costumbrista. Se destacó en este período Prilidiano Pueyrredón, otro romántico acrítico y naturalista, dúctil retratista de las figuras de la sociedad porteña y sus costumbres. Le siguieron Juan Manuel Blanes, un riguroso historicista, y Cándido López, quien reflejó con particular estilo la guerra del Paraguay. Entre fines de 1871 y comienzos de 1872 se realizó en Córdoba la primera muestra de arte en la Argentina, como apéndice de la Exposición Nacional dedicada a producciones agrarias e industriales, donde fueron laureados el cordobés Genaro Pérez y el porteño Martín Boneo. Años más tarde, el gobierno nacional comenzó a estimular a los jóvenes con becas de perfección en Europa, mientras se fundaban centros de enseñanza que fueron creando condiciones para el incremento de la actividad artística y la conformación de un público interesado. Por iniciativa privada se fundaron la Sociedad Estímulo de Bellas Artes (1876) y el Ateneo (1892) y desde la esfera estatal se creó el Museo Nacional de Bellas Artes (1895). La obra de Eduardo Sívori (considerado el introductor de naturalismo en el país), Eduardo Schiaffino, Ernesto de la Cárcova y Reinaldo Giudici, todos ellos de gran capacidad técnica, permite contemplar un arco de temas, desde el historicismo al verismo o el costumbrismo moralizante. En el campo de la escultura fueron consagrados los nombres de Francisco Cafferata, Lucio Correa Morales y Lola Mora, quienes desarrollaron una interesante labor en el campo de la estatuaria monumental, línea estética en la que después adquirirían relevancia Rogelio Yrurtia y Pedro Zonza Briano. El siglo XX y la actualidad Las tendencias impresionistas El regreso de París de Martín Malharro y su inmediata exposición en 1902, marcó la aparición del impresionismo en nuestro país, al que adhirieron Faustino Brughetti y Ramón Silva. El paisaje luminoso se convirtió en centro de la pintura argentina, elección que compartieron los postimpresionistas Fernando Fader, Cesáreo Bernaldo de Quirós y Pío Collivadino, integrantes del grupo Nexos. Esta agrupación participó activamente en el debate sobre la realización de un arte nacional, estimulado por los festejos del Centenario de la Revolución de Mayo. El peso de lo social Alrededor de 1920 surgieron los Artistas del Pueblo, correlato plástico del grupo literario de Boedo. Alejados del folklorismo o de la nostalgia del pasado propiciados por la generación anterior, este núcleo formado en bibliotecas de izquierda al calor de las obras de Tolstoi, puso el énfasis en los problemas sociales. José Arato, Adolfo Belloq, Guillermo Facio Hébequer, Abraham Vigo y el escultor Agustín Riganelli expusieron en fábricas y barrios y crearon un Salón de Independientes al cual asistió también, pese no compartir íntegramente sus postulados, Benito Quinquela Martín, identificado con el Grupo de La Boca, en el que descollaron Alfredo Lazzari, M. Carlos Victorica, Eugenio Daneri y Víctor Cúnsolo. Esta tendencia del arte social se intensificó en el realismo crítico de los años 30, que rechazaba la abstracción por considerarla elitista. En esta corriente sobresalieron Antonio Berni, Lino Enea Spilimbergo, Juan Carlos Castagnino, Carlos Alonso y Demetrio Urruchúa, quienes apelaron al mural, a técnicas y procedimientos como el collage, la fotografía y el montaje y desarrollaron una importante tarea educativa en centros de enseñanza artística. Esta línea será retomada a fines de la década del 50 por el Grupo Espartaco, integrado por Ricardo Carpani, Juan Manuel Sánchez y Mario Mollari, quienes por medio de la monumentalidad buscarán llevar el arte al pueblo. Quinquela Martin- Actividad en la Boca Quinquela Martin Amanecer Link de galeria de fotos de cuadros de Quinquela Martin : http://www.cordobaciudad.com/galeriaquinquela/index.htm Las vanguardias Paralelamente al surgimiento de la tendencia realista, en las antípodas de los Artistas del Pueblo, del naturalismo y del impresionismo, otro grupo de creadores se nucleó en torno a la divisa retorno al orden, en busca de formas libres y equilibradas, aunque alejadas del academicismo. Adhirieron a esta tendencia Emilio Petorutti y Xul Solar, sumándose luego Norah Borges, Alfredo Bigatti y Alfredo Guttero, allegados al grupo literario de Florida. Por su parte, artistas argentinos residentes en Francia: Horacio Butler, Hector Basaldúa, Aquiles Badi, Lino Spilimbergo y Raquel Forner, formaron el Grupo de París bajo la consigna de buscar “lo eminentemente estructural de los valores plásticos”. Hubo también una tendencia figurativa que puso el acento en la introspección, nutriéndose de lo cotidiano. Raúl Soldi, Fortunato Lacámera y Miguel Diómede, representantes de la denominada pintura sensible, cultivaron la expresión de matices delicados con una fuerte carga de subjetividad. Mientras se afianzaba el realismo crítico, en las antípodas se fortalecían las propuestas surrealistas del Grupo Orión, compuesto por Vicente Forte, Luis Barragán y Leopoldo Presas, entre otros. No obstante, artistas identificados con los postulados de cambio social adoptaron algunos rasgos vanguardistas como Berni o Spilimbergo, quienes transitaron momentos cuasi surrealistas. Otros en cambio, como José Planas Casas y Juan Batlle Planas fueron exponentes “puros” de esta tendencia. A partir de los años 50, Roberto Aizemberg, Osvaldo Borda, Jorge Tapia y, posteriormente, Guillermo Roux retomarían esta senda en la que convivían poesía, metafísica y elementos oníricos. Raúl Soldi Segunda mitad del siglo XX En 1944 la revista Arturo se convierte en portavoz de la abstracción geométrica rechazando el arte figurativo. Considerada como una segunda vanguardia, los defensores de la abstracción o arte concreto: Carmelo Arden Quin, Gyula Kosice, Tomás Maldonado y Lidy Prati, se reconocían herederos de Pettoruti. De este grupo luego surgieron otras propuestas como la Asociación Arte Concreto Invención, Madí y el perceptismo. Hacia 1952 se constituyó el Grupo de Artistas Modernos de la Argentina, con José Fernández Muro, Sarah Grilo y Miguel Ocampo, quienes propugnaban el cambio de la racionalidad geométrica hacia la liberación de los sentimientos y la primacía de lo subjetivo. Sin abandonar la abstracción, pero centrados en nuevas búsquedas, figuras como Martha Peluffo, Víctor Chab, Josefina Robirosa y Osvaldo Borda conformaron a su vez el Grupo Boa. Todos estos encuentros marcaron una nueva etapa del vanguardismo en el país y prepararon el camino para movimientos como el arte óptico y cinético (Julio Le Parc, Hugo Demarco y Luis Tomasello), el informalismo (Kenneth Kemble, Fernando Maza y Mario Pucciarelli), la Nueva Figuración (Luis Felipe Noé, Jorge de la Vega, Ernesto Deira y Rómulo Macció), el arte destructivo (Barilari Kemble, Jorge López Anaya y Antonio Seguí) y el happening (Marta Minujín, Rodolfo Azaro, Margarita Paksa y León Ferrari) – tendencias propias de la década del 60, que tuvo su epicentro en el Instituto Di Tella–. Dirigido por Enrique Oteiza y Jorge Romero Brest, el Di Tella estimuló no sólo el uso de materiales no convencionales sino el abandono total de formalismos, en un ámbito de absoluta libertad formal, en el que se borraban las fronteras entre creador, obra y vida cotidiana. Simultáneamente, habían comenzado las primeras manifestaciones del conceptualismoque puso su acento en lo irónico y caótico del desorden cotidiano. Sobre esta línea trabajaron Alberto Greco y Edgardo Antonio Vigo y, en un plano de acción pura: Nicolás García Uriburu y Carlos Ginsburg. El cierre del Di Tella en 1970 por presión de las autoridades militares, dio lugar al Centro de Arte y Comunicación, donde nacería el Grupo de los 13, luego Grupo CAYC en 1975. Integrado por Jaques Bedel, Jorge Glusberg, Víctor Grippo y Clorindo Testa –entre otros–, propiciaba exposiciones de arte conceptual, arte ecológico, arte pobre, arte de proposiciones y arte cibernético. Sin integrarse en propuestas colectivas, coincidieron desde distintas miradas sobre el concepto Lea Lublin y Liliana Porter, quienes prefigurarían el neococeptualismo, encarnado posteriormente en Jorge Macchi y Juan Paparella. Contrariamente, otros artistas mantenían el acento en las injusticias sociales. Cabe mencionar entre ellos a Antonio Seguí, Carlos Gorriarena, Alberto Heredia y Jorge Demirjian. El realismo optó por una representación mimética del mundo, exacerbada a veces hasta un hiperrealismo preciosista como el que cultivaron Hugo Laurencena, Carlos Arnaiz, o Héctor Giuffré. En esta línea y protagonizando experiencias vinculadas a la política, se destacó Tucumán arde de Juan Pablo Renzi. Oscar Bony, Pablo Suárez y Diana Dowek pueden ser considerados parte de esta fusión entre arte y compromiso militante. Esta postura implicó retomar la senda del arte concreto basado en los principios de la percepción visual y la reivindicación de géneros tradicionales, como se ve en las obras de Víctor Magariños, María Martorell, Rogelio Polesello y los integrantes del Grupo de Arte Generativo: Eduardo Mac Entyre y Miguel Ángel Vidal. También por estos años se acentuó la expresión de la identidad latinoamericana, a través de técnicas y motivos propios del arte precolombino. En este camino, Marcelo Bonevardi, Alejandro Puente y Pérez Celis alimentaron el denominado constructivismo rioplatense. Tras la dictadura militar y con el retorno de la democracia, se potenciaron las búsquedas. A principios de la década del ’80 surgió el Grupo de la Abstracción Sensible (Carlos Silva y Raúl Masón) que impulsó el retorno al arte figurativo y al trabajo artesanal, enfatizando los elementos pictóricos decorativos y ornamentales que habían sido desvalorizados por el arte conceptual. Hacia 1982 el Grupo IIIII (Guillermo Kuitca, Osvaldo Monzo y Pablo Bobbio, entre otros) y el Grupo Babel (Nora Dobarro, Juan Lecuona y Gustavo López Armentía, por citar sólo a algunos) cuestionaron el concepto de unidad artística y comenzaron a usar elementos extraídos de la historia del arte como lenguaje. La década de los 90 estuvo signada por el arte light o kitsch con abundancia de elementos escolares, domésticos, cotidianos y baratos, en una atmósfera de artificio y cinismo, matizada con elementos retrospectivos resignificados y descontextualizados: Jorge Gumier Maier, Graciela Hasper, Román Vitali, Karina El Azem y Fabio Casero cultivaron esta tendencia. Otro grupo eligió recuperar los principios de la abstracción agregando estilos y materiales de campos no artísticos: Fabián Marcaccio, Alejandra Padilla y Silvia Gurfein son algunos de los nombres de esta corriente. Como contrapartida, hubo otros creadores que mostraron una veta sensible a los problemas y miserias sociales de la época y para mostrar ese rostro apelaron a lo abyecto, integraron en sus obras lo perverso y lo feo con alusiones permanentes a la violencia, a lo efímero de la vida y a la degradación corporal. En esa senda expresiva recurrieron a materiales corrompibles de origen animal o humano y a elementos rotos o fuera de contexto. Este fue el camino transitado por Daniel Santoro, Nicola Costantino, Alicia Herrero, Gabriela Sacco y el Grupo Escombros –con su estética de lo roto–. Guillermo Kuitca Gabriela Sacco Teatro Teatro Pre–hispánico A diferencia de otras regiones americanas, no hay registros de tales prácticas en nuestro territorio, salvo el ritual anual desarrollado en Sumamao, Provincia de Santiago del Estero, hoy ya desaparecido. Teatro Colonial La actividad llegó a estas tierras de la mano de los conquistadores y misioneros españoles. Lope y Calderón fueron los autores más representados, por gozar de prestigio en la metrópoli, mientras al mismo tiempo florecía el teatro de catequesis, impulsado por los religiosos. Al comenzar el siglo XVIII ya se había perfilado un público para el teatro de entretenimiento. En 1783, el virrey Juan José Vértiz autorizó el funcionamiento de la primera casa de comedias, conocida como Teatro de la Ranchería que funcionó en un galpón de techo de paja, habilitado hasta que se construyera un recinto definitivo, proyecto que nunca llegó a concretarse. Allí debutó en 1788 la actriz María Mercedes González y Benavídez, viuda y madre de tres hijos, quien debió recurrir a la justicia para poder ganarse el pan sobre las tablas, en función de la férrea oposición paterna. Allí también se estrenó un domingo de carnaval de 1789 la loa La Inclusa y el drama principal en cinco actos Siripo del poeta y periodista Manuel José de Lavardén, cuyo texto hoy perdido es considerado el comienzo del teatro culto nativo. De la misma época data una pieza considerada fundacional de la vertiente más popular de la escena nativa: El Amor de la Estanciera, sainete de autor anónimo y de ambientación campesina. En 1792 un incendio determinó el cierre del recinto. Teatro de la Emancipación El 1º de mayo de 1804, se inauguró una nueva sala: el Coliseo Provisional. Tras la Revolución de Mayo, el repertorio español fue dejado de lado –a excepción de Leandro Fernández de Moratín y El Sí de las Niñas– y se impuso el gusto francés, donde brillaba Molière. En el segundo aniversario de la Revolución, se estrenó allí El 25 de Mayo o El Himno de la Libertad de Luis Ambrosio Morante. También subió a escena el sainete El Detalle de la Acción de Maipú, de autor desconocido, que dramatizaba el parte de San Martín a Pueyrredón anunciándole la victoria. Pero el énfasis rebelde de la época lo marca el estreno de Túpac Amaru, tragedia en verso atribuida a Morante, convertido también en actor, apuntador y director, que daba cuenta de la revolución indígena de 1870 en el Alto Perú. La Época de Rosas Durante su gobierno se levantaron el Teatro de la Victoria, el del Buen Orden y el de La Federación; sin embargo, ello no implicó el fortalecimiento de una dramaturgia propia, ya que se llevaban a escena variedades, espectáculos circenses y melodramas. Proliferó el teatro propagandístico y la mejor expresión de estos años fue el Don Tadeo de Claudio Mamerto Cuenca. Los autores que optaron por el exilio (José Mármol, Bartolomé Mitre, Pedro Echagüe) poco aportaron a la escena nacional. La excepción fue Juan Bautista Alberdi, quien prefiguró el grotesco en la dramaturgia argentina con El Gigante Amapolas y sentó además las bases para la crítica teatral desde las páginas de la revista La Moda. La Organización Nacional y el Fin de Siglo En los años posteriores a Caseros, las compañías europeas frecuentaron el país con un repertorio prolijo y cuidado que abarcaba diversas especies dramáticas y de la lírica, aunque con poco espacio para los autores nacionales. Martín Coronado (La Piedra del Escándalo; Parientes Pobres) sólo era representado por elencos españoles y Nicolás Granada (¡Al Campo!; Atahualpa) hubo de traducir sus obras al italiano para montarlas en escena. Faltaba pues, la compañía nativa para la dramaturgia nacional. Y llegó de la mano del circo criollo. Éste, también introducido por compañías europeas, gozaba de gran aceptación popular. El primer artista nacional del género fue Sebastián Suárez, quien levantó su carpa con bolsas de arpillera, iluminándola con tela embebida en grasa combustible de viejos envases. Se trató del Circo Flor América, donde actuaba vestido de forma estrafalaria y con el rostro pintado. Sin embargo, la gran figura fundadora de la arena autóctona fue José “Pepe” Podestá, creador del payaso Pepino el 88, quien desarrolló y dirigió la puesta de la pantomima basada en la novela Juan Moreira de Eduardo Gutiérrez. Estrenada con parlamentos en Chivilcoy, Provincia de Buenos Aires, en 1866, dio nacimiento al verdadero circo criollo que comenzó a recorrer los caminos del país. Con los años, Pepe se quedó con el repertorio gauchesco (que incluía lenguaje y ambientación rural combinados con danzas folklóricas), variedad que se cerró en 1896 con Calandria de Martiniano Leguizamón. La inmigración, por su parte, había traído consigo el auge del sainete español, origen del sainete criollo, testigo de los conflictos urbanos que planteaba la nueva realidad circundante: conventillos, calles, cafés, se convirtieron en centro de la escena. Autores como Nemesio Trejo (Los Políticos), Carlos M. Pacheco (Los Disfrazados) o Enrique García Velloso (Gabino el Mayoral) dieron los primeros pasos en el denominado “género chico”, que pasando por Alberto Vacarezza (Los Escrushantes, El Conventillo de la Paloma) concluirá bien entrado el siglo XX en el grotesco de Armando Discépolo (Mustafá, Muñeca, Stéfano). El Nuevo Siglo Los comienzos del siglo XX inauguran la época de oro, donde brillaron los nombres de Roberto J. Payró (Sobre las Ruinas; Marco Severi), Florencio Sánchez (Nuestros Hijos; En Familia) y Gregorio de Laferrere (¡Jettatore!; Las de Barranco), quienes dieron gran impulso a la actividad escénica, basados en una estética costumbrista de alto impacto en el público. El gran hito se produjo en 1930, cuando Leónidas Barletta fundó el Teatro del Pueblo, piedra fundamental del movimiento independiente, ubicado en las antípodas de lo comercial. La iniciativa tuvo su período más fructífero entre 1937 y 1943, con un repertorio universal que no descuidaba la producción de autores nacionales como Roberto Arlt (Saverio el Cruel; 300 Millones; La Isla Desierta), Raúl González Tuñón (El Descosido; La Cueva Caliente), Álvaro Yunque (La Muerte es Hermosa y Blanca; Los Cínicos) y Nicolás Olivari (Un Auxilio en la 34). La década del 40 se caracterizó por la afirmación del teatro independiente y la proliferación del vocacional. Además de Barletta, cabe citar elencos como La Máscara y el Grupo Juan B. Justo. Nuevos dramaturgos como Andrés Lizarraga (Tres Jueces para un Largo Silencio; Alto Perú), Agustín Cuzzani (Una Libra de Carne; El Centrofoward Murió al Amanecer) o Aurelio Ferreti (La Multitud; Fidela) estrenaron sus primeras obras. Se afianzó también el teatro de títeres, con la producción de Javier Villafañe (Títeres de La Andariega) y Mané Bernardo (Títeres: Magia del Teatro), que luego continuarán Ariel Bufano (Carrusel Titiritero) o Sarah Bianchi (Títeres para Niños). La Consolidación del Teatro Independiente Una segunda etapa del teatro independiente se desarrolló en los umbrales de los años 50. A la entrega de la primera época, se agregó el afán de capacitación, estudio y formación por parte de actores, directores y dramaturgos. Los nuevos elencos: Teatro Popular Fray Mocho, dirigido por Oscar Ferrigno; Nuevo Teatro, conducido por Alejandra Boero y Pedro Asquini; Los Independientes, fundado por Onofre Lovero; a los que se sumó la producción del Instituto de Arte Moderno (IAM), de la Organización Latinoamericana de Teatro (OLAT), del Teatro Telón o del Teatro Estudio, encontraron su réplica en el interior del país. En 1949, Carlos Gorostiza (El Pan de la Locura, Los Prójimos, El Acompañamiento) estrenó El Puente. A esta segunda etapa corresponden también las primeras producciones de autores como Pablo Palant (El Escarabajo), Juan Carlos Ghiano (La Puerta del Río; Narcisa Garay, Mujer para Llorar), Juan Carlos Gené (El Herrero y el Diablo) y Osvaldo Dragún (La Peste viene de Melos; Historias para ser Contadas). Los ´60, años de cambio y de cuestionamientos sociales, éticos y estéticos, produjeron una renovación en la escritura teatral y en la puesta en escena, que se perfilará en tres direcciones diferentes: El teatro de vanguardia y experimentación, a la luz de las búsquedas iniciadas en el Instituto Di Tella, con las producciones de Eduardo Pavlosky (Espera Trágica, El Señor Galíndez) y de Griselda Gambaro (El Desatino, El Campo), que vigorizaron nuestra escena; El realismo social, representado por Soledad para Cuatro de Ricardo Halac, Nuestro Fin de Semana de Roberto Cossa o Réquiem para un Viernes a la Noche de Germán Rozenmacher; El nuevo grotesco, representado por La Fiaca de Ricardo Talesnik, La Valija de Julio Mauricio o La Nona del propio Cossa. También en aquella época cobró auge el café concert, que incluía música, varieté y sketches diversos y que tuvo su centro en La Botica del Ángel de Eduardo Bergara Leumann o La Recova, donde se impusieron Carlos Perciavalle, Antonio Gasalla y Edda Díaz. Edda Diaz Teatro Abierto Con la dictadura militar de mediados de los años ´70, soplaron aires sombríos. Muchos actores y gente del oficio se vieron obligados a emigrar, los empresarios sólo llevaron a escena comedias livianas y en los teatros oficiales se impusieron “listas negras” que influyeron en directores y productores. La resistencia se recluyó en pequeños teatros y fue el movimiento independiente el que oxigenó el ambiente: autores como Osvaldo Dragún, Roberto Cossa, Carlos Somigliana (El Avión Negro, El ex alumno) y Carlos Gorostiza, con el apoyo de otros dramaturgos y actores, crearon Teatro Abierto, inaugurado el 28 de julio de 1981 en el Teatro del Picadero. Desde la primera función la convocatoria desbordó las 300 localidades previstas en un horario insólito y a un precio exiguo. Una semana después un comando de la dictadura incendió la sala y esto provocó la mayor solidaridad social. Casi veinte dueños de salas, incluidas las más comerciales, se ofrecieron para garantizar la continuidad del ciclo y más de cien pintores donaron sus obras para recuperar las pérdidas. Teatro Abierto continuó y cada función fue un acto antifascista cuya repercusión estimuló a otros artistas y así surgieron, a partir de 1982: Danza Abierta, Poesía Abierta y Cine Abierto. El Regreso a la Democracia El retorno democrático permitió el surgimiento de nuevas búsquedas. Un teatro trasgresor modificó la estética escénica a partir de las experiencias del Parakultural, que incorporó otros lenguajes, en especial, el humor corrosivo y crítico. Son figuras de este movimiento La Organización Negra (antecedente de De La Guarda), El Clú del Clawn, Batato Barea, Alejandro Urdapilleta, Humberto Tortonese y Alejandra Flechner, por citar sólo algunos. El fin de siglo heredó estas propuestas y ofrece además un teatro basado en una mayor destreza física del actor, al que acompañan títeres y muñecos. El caso más emblemático es el de El Periférico de Objetos. El Teatro Hoy Actualmente el teatro sigue siendo una actividad muy fecunda en la Argentina. En cuanto a la dramaturgia, puede decirse que se ha consolidado la producción, a partir de la obra de figuras como Ricardo Monti (Maratón), Mauricio Kartun (Chau Misterix), Eduardo Rovner (Sócrates, el Encantador de Almas), Jorge Goldenberg (Cartas a Moreno), Bernardo Carey (Bar Grill), Roberto Perinelli (Landrú, Asesino de Mujeres), Víctor Winer (Postal de Vuelo), Alejandro Tantanian (Juegos de Damas Crueles) y José Luis Arce (La Conspiración Amarga). Han surgido nuevos talentos como Daniel Veronese (La Noche devora a sus Hijos), Enrique Morales (Huellas), y Javier Daulte (Marta Stutz). Las mujeres, por su parte, comienzan a ser justamente reconocidas por su quehacer. Al nombre siempre vigente e innovador de Griselda Gambaro, pueden sumarse los de Alicia Muñoz (Un León bajo el Agua), Susana Gutiérrez Posse (Brilla por Ausencia), Adriana Cursi (¿Quién espera a Papá Noel?), Cristina Escofet (Señoritas en Concierto), Patricia Zangaro (Las Razones del Bosque), Amancay Espíndola (Mujeres de Colores), Andrea Garrote (La Ropa), Cecilia Propato (Pieza Veintisiete) y Mariana Trajtenberg (Mar de Margaritas). Fuente: www.argentina.gov.ar Link de la parte I http://www.taringa.net/posts/info/1671023/megapost-cultura-Argentina-parte-I.html Link de la parte II http://www.taringa.net/posts/info/1676318/Megapost-cultura-Argentina-parte-II.html Link Premios Nobeles Argentinos http://www.taringa.net/posts/info/1629004/Premios-Nobel-Argentinos.html Saludos Buziana2 <a href='http://b.t.net.ar/www/delivery/ck.php?n=a2afc290&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE' target='_blank'><img src='http://b.t.net.ar/www/delivery/avw.php?zoneid=58&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE&amp;n=a2afc290' border='0' alt='' /></a>

Cultura Argentina Música Argentina es considerada como uno de los países latinoamericanos con mayor variedad en el aspecto musical. Es posible, en consecuencia, hallar un gran repertorio de géneros, en función de la diversidad cultural que la caracteriza Música Indígena Los pueblos originarios todavía conservan su música, aunque con posibilidades escasas de difusión masiva. La tradición oral de chiriguanos, chorotes, mapuches, pilagás, tehuelches, tobas, wichíes –entre otras comunidades originarias– ha sido recopilada con trabajos de campo desde 1931 por parte investigadores del Instituto Nacional de Musicología Carlos Vega. Música Folklórica En la fusión con los elementos de la conquista española, se fue conformando lo que se conoce como el folklore nacional, destacándose especies como la zamba, el chamamé, el carnavalito o el pericón, cada uno con sus ritmos e instrumentos propios, característicos de cada región. Sin embargo, todas ellas fueron permeables a las influencias de regiones vecinas o de países limítrofes. Sobre la base de estas creaciones colectivas, se afianzó una importante corriente apoyada en la individualidad creadora de destacados compositores como Atahualpa Yupanqui, Tránsito Cocomarola o Linares Cardozo, quienes nutrieron la denominada música de proyección folklórica. Recientemente, para su interpretación se han agregado instrumentos no convencionales como saxo, flauta traversa, órgano, teclados y batería, innovación que va ganando adeptos de manera paulatina. Para más información sobre cancioneros y ritmos tradicionales, dirija su consulta al Instituto Nacional de Antropología y Pensamiento Latinoamericano (INAPL). Atahualpa Yupanqui Algunos instrumentos musicales del Folklore Argentino EL BOMBO Es un tambor construido por un cuerpo cilíndrico de madera, sobre cuyos extremos se extienden dos membranas de cuero de oveja o de cabra, que llevan cosido un arquito en el borde. Una varilla de madera bordea por encima el perímetro de cada parche, ajustándolo contra el cuerpo. Entre ambas varillas o aros se realiza una atadura con tiento en forma de zigzag, de modo de mantener estirados los parches. La tensión de los mismos se puede regular por medio de anillos de cuero que unen de a dos las ataduras. Se percute con dos mazos. El cuerpo del bombo está constituido de madera de ceibo, de sauce de cardón, o de árboles locales que una vez trabajados son difíciles de catalogar. La fabricación del cuerpo es una tarea muy difícil ya que es necesario ahuecar el tronco del árbol hasta lograr un espesor aproximadamente de un centímetro, por ello los trabajos en serie de estas piezas han incorporado el empleo de madera terciada. Otro componente del bombo son sus membranas. Realizadas con cuero de ovejas, cabras, vizcachas guanacos, puma, etc. Se extiende sobre un marco en forma de aro al que van enrollados y cosidos. Los tensores, presilla, afinadores, etc. son generalmente de cuero vacuno: otros materiales accesorios son los clavos para unir el aro. El material del mazo puede ser de cuero o lona, con rellenos de algodón, trapos o lana. Su función es brindar una calidad de sonido más grave, condición ésta siempre bien recibida en un bombo. El templado se realiza a través de los tensores, previamente condicionados los parches (humedeciéndolos levemente), exponiéndolos a resplandor nunca directamente al sol. Este instrumento tiene una sonoridad capaz de oírse a varias leguas, de allí el nombre legüero. El bombo criollo, como es su denominación, se clasifica en membranófonos de golpe directo enmarcados. El modo de ejecución no está sujeto a una forma determinada, pero habitualmente el ejecutante, sentado, apoya el bombo, acostado sobre sus piernas, y con palito y mazo percute el centro y el borde del parche. Apoya su muñeca izquierda sobre el aro, mientras que su derecha actúa libremente El bombo es un instrumento muy difundido en la región del noreste y en el centro del país. Generalmente se utiliza para acompañar canciones y danzas y su función es eminentemente rítmica. Forma parte, a menudo, de conjuntos instrumentales de carácter recreativo y además acompaña las procesiones. QUENA Flauta vertical con escotadura o muesca ( carente de aeroducto) construida hoy con un tubo de caña hueca abierta en ambos extremos. Posee 6 orificios de digitación dispersos en la mitad distal del tubo en forma equidistante y un orificio arriba, pero en forma contrapuesta a las anteriores. La provincia que mas usa para su música este instrumento es la de Jujuy acompañando al tambor en bailecitos, carnavalitos o huainos. SIKU Ó FLAUTA DE PAN El siku es una “flauta de pan” constituida por una o dos hileras de cañas (anterior y posterior), ordenadas de mayor a menor atadas en forma de balsa. Las cañas de la hilera anterior tienen su extremo superior abierto y el inferior cerrado por el nudo natural de la caña. Las del plano posterior tienen el extremo inferior generalmente cortado a bisel y su longitud es la misma de cada una de las anteriores. Los materiales empleados en su construcción son cañas de longitud y volumen variables, y en la región andina de canutos de pluma de cóndor. Dentro de los detalles técnicos podemos destacar que el siku tiene en su totalidad trece tubitos divididos en dos partes o amarros: una parte con seis tubos llamada IRA (VI: sigla para reconocerla) y la con siete tubitos llamada ARKA (VII: sigla para reconocerla). El siku modelo es un motivo de estudio y corresponde al tamaño de las MALTAS (siku mediano). Están afinados en la escala diatónica de sol mayor, muy conocida por los artesanos con el nombre de siku o ZAMPOÑA de segunda TAQUINA; ya que las zampoñas de primera tiene un semitono más bajo (escala diatónica de sol bemol mayor). Existe otra variedad de siku cuya afinación es acomodada a la sucesión de escalas europeas. Se puede obtener la escala cromática tapando parte de la boquilla del caño y regulando el sonido con el labio inferior mientras que el instrumento toma una posición cercana a la horizontal, logrando alterar los caños un semitono más bajo. Posee a simple vista cerca de dos octavas tiene una tesitura cromática y un sin fin de matices y notas adicionales como ser los “armónicos” (dado que cada tubo posee tres sonidos armónicos), el siku extiende su tesitura en 5 octavas, es decir que con 13 tubos se logran 104 notas (sin necesidad de emplear arvejas), recurso que constituye un aporte para otro tipo de intérpretes. Recibe los nombres de flauta de pan, zampoña que en lengua Aymara se la conoce con el nombre de Siku y en la lengua Quechua con los nombres de Antara (Perú), Capador (Colombia), Rondador (Ecuador), etc. En sus primeras épocas cumplió funciones específicas como adorar a los Dioses nativos tiernos, crueles y despiadados ( la Pacha Mama, el Sol, el Cóndor, etc.). Aparece por lo general integrando bandas, junto con redoblantes y bombos y demás instrumentos rítmicos en procesiones. Se ejecuta tomando el instrumento con ambas manos y apoyando suavemente el labio inferior sobre los bordes de los tubos. El sentido se dispone de la siguiente manera: poner los tubos delgados a la izquierda y los gruesos a la derecha; el siku de siete tubos debe ir primero, el siku de seis tubos irá después. El soplo debe ser muy suave en sus comienzos para evitar mareos. La afinación está determinada por el largo de los tubos; generalmente la primera hilera de tubos se encuentra un poco más baja que la segunda. Se encuentra, generalmente, en Jujuy y norte de Salta ERKENCHO Es una variante del erke pero más pequeño ya que no excede de 15 cm. de largo. Se trata de un clarinete rústico compuesto por dos piezas, una boquilla de caña - diez a doce centímetros de longitud- con una lengueta, y un pabellón - cuerno- que amplifica el sonido. Estos son producidos por presión del soplo y varían según se introduzcan más o menos la lengueta en la boca. Tradicionalmente se los acompaña cpn golpes de caja que el mismo ejecutante de erkencho tañe con la mano derecha. Se usa especialmente en el noroeste argentino. Es un instrumento de verano.Su ejecución comienza a principios de noviembre y se prolonga hasta el Miércoles de Ceniza. El timbre de los sonidos es grave, vibrante, muy expresivo, pese a la simplicidad de las improvisaciones melódicas de los intérpretes. Esta versión del erke está destinada a los meses de calor y se ejecuta solamente desde el Día de todos los Santos hasta el Miércoles de Cenizas. PINKULLO En Santiago del Estero los niños elaboraban rusticas ocarinas de barro cocido, a veces zoomorfas, con los que ejecutaban melodías tradicionales. También llamado tarka, pequeña flauta de caña, que presenta seis perforaciones de digitación equidistantes, similares a las de la quena. Su sonido es dulce y muy agradable. CAJA La caja o caja orquestal es un instrumento de percusión. La caja es un tambor pequeño. Esta formado en dos membranas de piel tensada a ambos lados de una caja de metal. El sonido de la caja es indeterminado, (no produce notas de altura definida, porque de las dos membranas sólo se afina una. En el parche inferior hay unos bordones (cuerdas de tripa estiradas sobre la membran) que proporcionan a la caja un sonido característico (como de cascabel) cuando la caja es percutida. Estos bordones pueden son accesorios que pueden ponerse o quitarse fácilmente a voluntad. No obstante, cuando no están presentes el timbre de la caja es mucho más seco. La caja se percute con dos palillos de madera, las baquetas, que golpean el parche superior. El inferior se mueve por la propia vibración generada al golpear el superior. No existe un solo tipo de Caja. Actualmente, en las orquestas se está imponiendo un cuarteto completo (side, tenor, fiel y bass-drum) más caja pícolo para imitar los sonidos de cualquier tambor, tanto tradicional como sinfónico. ARCO MUSICAL Posiblemente sea el instrumento de cuerda más antiguo que existe. Muy vigente en la actualidad está condenado a su desaparición por ir paralelo a las culturas amazónicas que peligran su supervivencia por desaparición o aculturación. Es un arco sencillo al cual se tensan una o varias fibras vegetales. Sus medidas van de unos pocos centímetros hasta de un metro. Usando como resonador la cavidad bucal se sujeta el arco por un extremo mordiendo el otro, y se pulsan las cuerdas variando a apertura de la boca. También se usan palitos a modo de golpeador o arco. Charango Laúd de cuello, de ejecución digital. Es una guitarrilla de cinco pares de cuerdas, usada en el norte de la Argentina (Quebrada de Humahuaca y Puna salteña y jujeña), así como en gran parte de Bolivia. La caja puede estar hecha con un caparazón de quirquincho, mulita, o gualacete (armadillos), o de madera con el fondo combado, imitando la forma del caparazón de los armadillos; y se adapta a la forma de ocho de la tapa armónica. El Tango A partir de 1880, con la incorporación de corrientes de inmigrantes, nuestra música se enriquece. Con su contribución, en los suburbios de Buenos Aires se fue modelando el tango en arrabales y prostíbulos. En tiempos iniciales se interpretaba con violín, guitarra y flauta, pero hacia 1900 ésta fue reemplazada por el bandoneón, traído por los inmigrantes alemanes. La danza fue un elemento esencial para la difusión del género y se desarrolló sobre dos vertientes: la de ritmo alegre, veloz y vivaz; y la triste, sentimental y reconcentrada. En esta segunda etapa cobró importancia la letra, a la que daba su impronta personal cada cantante. Entre los más destacados brilló Carlos Gardel, "el zorzal criollo", incuestionable divulgador del tango. En la década del 40, con el aporte de músicos y poetas provenientes del interior, los solistas recurrieron a temas evocativos, familiares, amorosos o testimoniales. La radiofonía y el cine nacionales contribuyeron notablemente a llevar al tango a un período de esplendor hasta iniciados los años 50, con letristas, cantantes y músicos de la talla de Osvaldo Pugliese, Francisco Canaro, Enrique Cadícamo, Aníbal Troilo, Horacio Salgán, Homero Manzi, Edmundo Rivero y los hermanos Virgilio y Homero Expósito. Entre los años 60 y 70, las preferencias populares se orientaron hacia otros géneros. Sin embargo, el tango conoció un momento de especial fecundidad con variantes modernas como las del Sexteto Mayor, el Cuarteto de Colángelo y especialmente con Astor Piazzolla. Las especies más tradicionales se conservarán, aunque renovadas con el aporte de personales intérpretes como Julio Sosa y Roberto Goyeneche. Actualmente el género ha despertado el interés de las generaciones más jóvenes y han surgido compositores que cultivan incluso, el tango electrónico. Para obtener información sobre discografía, espectáculos, dictado de clases, eventos, artistas o festivales, dirija su consulta al portal del tema desarrollado por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Carlos Gardel Osvaldo Pugliese Francisco Canaro Aníbal Troilo Homero Manzi Edmundo Rivero Julio Sosa Roberto Goyeneche. Astor Piazzolla La Murga Es otro género significativo de la cultura urbana, fuerte expresión de los sectores populares en los carnavales. Su origen es incierto, aunque se inscribe en la tradición carnestolenda del exceso y la liberación de los cuerpos, acrisolada con el candombe (surgido en el Río de la Plata y patrimonio de los esclavos traídos desde África). La última dictadura militar argentina prohibió tales festejos, pero las murgas barriales sobrevivieron y con la conquista de la democracia renovaron su gracia y su brío. El Rock Iniciada la década del 60, la Argentina fue sacudida musicalmente por el fenómeno "beatle" y algunos grupos locales procedieron a imitarlos. Sin embargo, hubo talentos que encontraron su expresión propia. El éxito de ventas del primer LP de rock nacional grabado por Los Gatos, dio cuenta de que ya había en el país un público para el género y con Almendra y Manal, quedó configurada a comienzos de los 70 la trilogía fundacional. A esta etapa pertenece también el dúo Sui Géneris, que impuso sus temas acústicos, hoy verdaderos clásicos. El segundo momento se caracteriza especialmente porque el género se convierte en un espacio urbano de resistencia al autoritarismo dictatorial. La máquina de hacer pájaros, Serú Girán, León Gieco y el regreso de los grupos fundacionales son hitos de esta etapa que culminó en un fortalecimiento del rock a partir de la guerra de Malvinas (1982), cuando la dictadura militar prohibió la difusión de música en inglés. Al mismo tiempo, aparecieron nuevas figuras que concitaron gran aceptación. El retorno a la democracia se vio acompañado del regreso de músicos del exilio o del surgimiento de grupos que aportaron un estilo bailable. En la década del 90 el género abarcó propuestas variadas: el rock puro, el pop, el punk, el metal, el rap. Actualmente ya ha incorporado el ska, el reggae y otras especies, con las connotaciones temáticas que diferencian tales vertientes entre sí. Los Gatos Almendra Sui Géneris Serú Girán Spinetta Luca Prodan Otras Expresiones La cumbia se introdujo en el país desarrollándose con ritmos mucho más simples que en Colombia, su tierra de origen. Aunque esta música suele ser sinónimo de distracción o de evasión, hay una vertiente contestataria que, con expresiones, giros y jerga propia, intenta marcar la diferencia. También el cuarteto, como expresión de la cultura popular ha tenido una importante expansión en los últimos tiempos, sobre todo entre los sectores de menos recursos Música Académica Con la conquista española se produjo el ingreso de los primeros instrumentos musicales europeos, mientras que en el período colonial la actividad musical se tornó más intensa, merced a la intervención de las órdenes religiosas. A comienzos del siglo XVIII se propició la enseñanza y se intensificó el aporte del viejo continente a través de la visita de músicos y de la importación de partituras y libros de música. En 1757 se construyó en Buenos Aires el primer teatro de óperas y comedias y en 1783 se inauguró el Teatro de la Ranchería. Con el movimiento emancipador de Mayo, se renovó la canción patriótica, destacándose figuras como Blas Parera, Luis Ambrosio Morante o José Picazarri. A ellos le siguieron los denominados precursores, primeros compositores nacidos en suelo argentino: Juan Pedro Esnaola, Amancio Alcorta y Juan Baustista Alberdi. No se trataba de profesionales sino de aficionados, que alternaban su vocación musical con otras actividades. Los géneros en boga eran la música de salón, concebida para la danza, y la canción; al igual que en Europa, la música de cámara formaba parte de la vida cotidiana. La generación siguiente incluyó a músicos ya profesionales: son los nacidos entre 1860 y 1875, entre cuyos representantes más notables figuran Alberto Williams, Julián Aguirre y Arturo Berutti. A esta generación le sigue un conjunto destacado de músicos nacidos entre 1875 a 1890, que estudiaron en Europa y al regresar desarrollaron su actividad como creadores, docentes, fundadores de institutos o directores de sociedades musicales. Su formación los llevó a incursionar en todos los géneros y a adoptar una actitud más conciente ante la recolección folklórica. Entre ellos se destacan Felipe Boero, Ernesto Drangosch, Floro Ugarte y Carlos López Buchardo, director–fundador en 1924 del Conservatorio Nacional de Música y Arte Escénico que hoy lleva su nombre. A partir de fines de la década del 20 se produjo la irrupción de lenguajes neoclásicos en la música culta argentina, lo que significó la primera aparición de una vanguardia que cambió el rumbo de la generación anterior. La producción argentina en las décadas del 40 y del 50 estuvo a cargo de los primeros egresados del Conservatorio Nacional y en este escenario, dos músicos representaron las dos tendencias en pugna: Alberto Ginastera y Carlos Guastavino. Los comienzos de la década del 60 generan cambios experimentales de relevancia y destacan Alicia Terzian, Guillermo Graetzer y Roberto García Morillo. En la actualidad, los creadores argentinos que no desdeñan la exploración instrumental, la electroacústica, y la apropiación de nuevas tecnologías, consolidan una trayectoria musical que prestigia al país. Por citar sólo algunos: Oscar Di Lisia, Carlos Carmona, Gabriel Senanes o Ricardo de Armas. Teatro Colon www.argentina.gov.ar Link de la parte I Link parteII: Link parte III: Link Premios Nobeles Argentinos Saludos Busiana2 <a href='http://b.t.net.ar/www/delivery/ck.php?n=a2afc290&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE' target='_blank'><img src='http://b.t.net.ar/www/delivery/avw.php?zoneid=58&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE&amp;n=a2afc290' border='0' alt='' /></a>

Para el Vaticano, el lavarropas es el hito de la liberación femenina El diario del Vaticano (L´Osservatore romano) editó un artículo especial en alusión al Día Internacional de la Mujer. El título de la nota era: “El lavarropas y la emancipación de la mujer. Pon el detergente, baja la tapa y relájate”. En el artículo se daba a entender que el máximo logro que consiguieron las mujeres fue el lavarropas. Colocaban a este electrodoméstico por encima de avances como la inclusión laboral o la píldora anticonceptiva. Según la nota firmada por Giulia Galeotti, la invención del lavarropas fue más importante que el voto femenino y que la libertad de poder elegir a un novio o marido. Como informa el diario Clarín, la autora se pregunta: “En el siglo XX, ¿qué fue lo que tuvo más influencia en la emancipación de la mujer?” Ella misma se responde que “el debate sigue abierto. Algunos dicen que fue la píldora; otros, la liberalización del aborto, o incluso trabajar fuera del hogar. Sin embargo, otros van más lejos (y proponen): el lavarropas”. Según la periodista, gracias a este electrodoméstico la mujer pudo salir más de su casa al no tener que hacer el duro trabajo de limpiar las prendas a mano. Por otro lado, el Vaticano también publicó otra nota, esta vez firmada por la periodista italiana Lucetta Scaraffia, quien propone que “si la concepción puede ser hecha por un científico en un laboratorio, la diferencia entre masculino y femenino parece perder relevancia”. JaJaja parece un chiste Fuente: http://www.minutouno.com/1/hoy/article/103694-Para-el-Vaticano,-el-lavarropas-es-el-hito-de-la-liberaci%C3%B3n-femenina/