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El Making Off de Michael Spencer Jones y Oasis[*][/color[*] Brian Cannon, quien diseñó algunas de las más memorables portadas de Oasis y este mes Michael Spencer Jones, el hombre detrás del lente de las tomas icónicas discutió sobre alguno de sus trabajos y piezas favoritas que se encuentran ahora disponibles en un box set de 198 páginas y de edición limitada. Por mucho que Oasis fue influenciado por la música de bandas de la talla de Pink Floyd y Led Zeppelin, Michael se inspiró en partes iguales en el artwork de estas agrupaciones. Ambas partes crearon algo totalmente único, haciendo referencia a estas bandas y muchas otras como ellas y el resultado fue una perfecta simetría entre la música y los artwork de los discos que la mayoría son considerados como la definición de una época. Después de comenzar a trabajar en publicidad, asistiendo a reconocido fotógrafo Stak Aivaloitis en algunas de sus míticas campañas de Benson&Hedges, Michael Spencer Jones volvió su atención al rock and roll. En contra del flujo de tráfico de la industria en Londres, Michael se trasladó a Manchester, trabajando con bandas como The Verve y The Stone Roses, teniendo como uno de sus primeros encargos las tomas legendarias de los últimos en Spike Island. Dos años después, en 1992, Michael conoció a Oasis y en los próximos 5 años estaría a cargo de capturar sus ‘’años dorados’’, desde que empezaron su ascenso para convertirse en una de las bandas más grandes del mundo. El nuevo boxset y portafolio contiene fotografías y características firmadas a mano de todas las obras de arte de Oasis creadas por Michael en el tiempo que trabajó con la banda. El box tiene una estricta edición limitada de sólo 250 copias, el set recopila la historia del grupo desde sus primeras etapas hasta la cima de su popularidad. Supersonic "La foto fue tomada en Monnow Studios de Valley en Gales, donde habían comenzado la grabación de Definitely Maybe. La idea era tener un ambiente de estudio lleno de amplificadores y cables esparcidos por todas partes. Liam tenía sólo 21 en ese momento y ya parecía una estrella de rock formada completamente, así que decidí tenerlo al frente de la captura." "Pensé que sería un giro agradable si tuviera mis luces de tungsteno en la mira, la idea inicial era poner a Oasis firmemente en el "centro de atención" con su single debut. Crucé el proceso de la película en la toma para darle una tonalidad azulada." Shakermaker "La cubierta tuvo un concepto ‘’Dalilesco’’. Siempre he sido un fanático del arte surrealista como Magritte y Dalí, y me gustó la idea de que los objetos rígidos adoptaban la forma blanda. La idea era que si tocabas música de Oasis lo suficientemente fuerte todo el contenido de tu habitación se derretiría." "La foto fue tomada en la esquina de mi casa en Manchester que se había convertido en ese entonces en un estudio improvisado. Fui a buscar alrededor de todas las tiendas de chatarra en Manchester comprando varios objetos de plástico que luego se derritieron en la parte delantera de mi porche con un soplete industrial no demasiado diferente de un lanzallamas de la Primera Guerra Mundial! Fue muy divertido ver la reacción de mis vecinos, que simplemente no podían entender lo que estaba pasando afuera." Live Forever "Cuando llegó el momento de hacer la fotografía para Live Forever nadie tenía alguna idea sobre lo que iba a ir en la portada. Lo primero que pensé fue que éste debía funcionar con una escena de la vida cotidiana, gente caminando por una calle, o un grupo de personas de pie en una parada de autobús bajo la lluvia, tal vez, algo común. Este proceso de "Bloque de los escritores" se prolongó durante varias semanas hasta que la banda me preguntó si tenía algo en mi archivo que fuera apropiado. Me acordé de una fotografía que había tomado unos años antes de la casa de la infancia de John Lennon en Liverpool que tenía una calidad etérea y misteriosa. La fotografía parecía funcionar en dos niveles: en primer lugar se trataba de una imagen con una corriente de cercanía que reflejaba alguno de los contenidos líricos de la canción y en segundo lugar si consideramos que el mayor artista del siglo 20 se había criado en la casa que aparece en la imagen, ésta tomó una calidad mucho más poderosa. A Noel le encantó la imagen y el sentimiento detrás de ella tan pronto como él la vio. Así, en muchos sentidos esta fue una de las más fáciles portadas que hice porque trabajé en una foto que ya había sido tomada." Definitely Maybe "La idea inicial de "Definitely Maybe" vino de la cubierta posterior de una colección de oldies de los Beatles, era una foto del grupo reunido alrededor de una mesa pequeña en una habitación de un hotel japonés. Oasis decidió que una fotografía similar del grupo se debía tomar en la sala de la casa de Bonehead. Yo había escuchado ya el disco muchas veces y sabía que era un gran desafío crear una imagen adecuada para la cubierta. Yo estaba horrorizado cuando fui para el reconocimiento de la habitación y vi cómo la habitación era pequeña y aburrida. La banda asumió que se iba a tomar la fotografía en la habitación con las ventanas de bahía como fuente de iluminación –en otras palabras, la dirección opuesta en la que finalmente apareció en la portada. Para mí la ‘’ventana de bahía’’ fue la característica más interesante de la habitación y así que decidí dar el paso inusual de disparar frente a la luz de la ventana. Luego encendí la luz en la sala en consecuencia para evitar que la banda apareciese como siluetas." "El tamaño de la habitación estaba hecho para parecieran más grandes mediante el uso de un lente gran angular, pero esto creó un problema con el suelo. El suelo desnudo (que creo que Bonehead lo había hecho) se había transformado en una enorme extensión "desértica", que abrumaba y dominaba por el disparo. El espacio vacío, y qué hacer con ello se convirtió en un verdadero problema. Una semana antes del rodaje había visitado la sección de Egiptología en el Museo de Ciencia de Manchester y, en consecuencia, toda la noción de la mentira en un estado preservado y la forma en que los egipcios honraban y representaban a sus reyes del pasado estaba muy fresca en mi mente. La idea que se me ocurrió entonces fue que Liam se extendiera inmóvil en el suelo con la cabeza hacia la cámara y con los ojos cerrados, un icono del rock 'en un estado de mentira’’ o incluso en algún otro estado trascendental, pero no de este mundo. Esto se usó por primera vez en la portada de un álbum, pero lo más importante fue que solucionó mi problema de qué hacer con el espacio vacío y el suelo desnudo. Desde un punto vista, pedirle al cantante adoptar esta postura para la portada de su álbum debut fue una petición extraña y por eso me sentí aliviado cuando Liam estuvo de acuerdo en hacerlo. Sé de muchos otros cantantes que se han negado. Esto, junto con el mundo girando fueron el catalizador de la toma general. Definitely Maybe tiene que ser una de las mejores portadas que hice para Oasis y sé que la banda quedó muy contenta con ella." Cigarettes & Alcohol "Yo tomé la foto de la portada para el sencillo Cigarettes & Alcohol en el Hotel Halcyon en Londres, que fue el lugar predilecto de actores y músicos. La banda acababa de regresar de una controvertida visita a Suecia, donde se les había enviado de vuelta en el aeropuerto por las autoridades suecas después de un número de incidentes denunciados. Cuando llegaron al hotel, estaban con la moral muy alta." "La idea era, básicamente, hacer una escena típica del rock and roll que reflejara los elementos de la canción. Fue una gran y memorable noche, Noel hizo un set acústico improvisado para nosotros nos quedamos despiertos en la sala hasta las primeras horas del día siguiente. Hubo numerosas quejas de los otros residentes y cuatro cuentas de room service se registraron! Tim Abbott es el hombre al frente de la foto, él había sido uno de los directores en Creation Records. Disparé la foto sobre una película de b/w rápida y granulada y luego la imagen la trabajé en tonos azules." Whatever "El plan original era filmar la portada en los vastos espacios abiertos del desierto de Arizona. Noel quería un vasto paisaje para evocar una sensación de libertad. Era un escrito muy sencillo y tenía que ser una toma relativamente sencilla. Volé a los Estados Unidos para la fotografía de la banda, pero después de sólo unos días en Los Ángeles la banda sufrió una infame presentación en el Whisky-a-go-go y la desaparición de Noel." "El momento era muy grave ya que la gira por Estados Unidos tuvo que ser cancelada y por un tiempo Noel estuvo en la lista de personas desaparecidas. Volví con una sensación all Reino Unido realmente decepcionada, pero después de dos semanas vino a través de las noticias que Oasis había remendado sus cosas y el lanzamiento todavía seguía adelante. Noel sugirió hacer la foto en la llanura de Salisbury, pero al final tomé la fotografía en los páramos Derbyshire cerca de donde yo había crecido en Sheffield." Some Might Say "Esta foto fue básicamente una interpretación visual de la letra del tema. Noel quería tener una fotografía fija en una estación de trenes de trabajadores, pero pensé que sería una toma más interesante y surrealista si la estación estaba en desuso con un conjunto de personajes esperando un tren que nunca llegaría. La plataforma actuaba como el escenario. Debí haber pasado dos semanas buscando la locación para la toma en toda Inglaterra, al final, un vecino que había estado hablando a cerca de la foto sugirió la estación de Cromford cerca de Matlock en Derbyshire. La comprobé y era el lugar ideal. La tomé en una película en blanco y negro y pasé una semana más o menos pintándola a mano con acuarelas y un pincel para crear un efecto más surrealista." Roll With It [i"La idea original provino de un sueño que Noel había tenido en el que vio a cientos de TV flotando en un río. Esta idea se desarrollo con un televisor en el mar y luego los televisores en la playa. Como Alan White, su nuevo baterista, acababa de unirse a la banda se decidió que la tapa sería con la banda en primer plano, por lo que la idea se convirtió en la banda viendo televisión en la playa. Se quiso usar abrigos Duffel porque pensaba que era un juego de palabras visual agradable y muy ‘’Oasis’’. La toma que yo quise para la portada fue la que salió impresa en el CD, en mi opinión fue mejor que la toma que salió finalmente en la portada del single." "Finalmente la compañía de discos imprimió los códigos de barra erróneamente y las ventas iniciales no fueron registradas por lo tanto afectaron su posición en el chart, además, sorprendentemente, ¡un lote de CD’s se prensaron y se distribuyeron con la música equivocada! La planta de prensado puso algún artista de reggae oscuro en el CD de Oasis por error y por eso en vez de escuchar Roll With It escuchabas música reggae africana. Recuerdo tocar mi copia y pensar ‘’Esto no suena como Oasis’’. No estoy muy seguro de cuántas copias se prensaron así, pero estoy seguro de que ahora son altamente coleccionables." (What’s The Story) Morning Glory? "Noel había descrito la nueva música que Oasis había estado grabando como ‘’Riot Music’’ (música de disturbios), por lo que tuve luz verde para desarrollar conceptos sobre disturbios y anarquía. Así que desde el principio en el proceso creativo había una o dos discusiones acerca de un ‘’cóctel Molotov’’, de alguna manera en la portada, sin embargo, el tema fue dejado de lado rápidamente cuando escuchamos temas como Wonderwall y Cast No Shadow." "Después de muchas reuniones sobre el arte y lo que iba a figurar en la portada, se acordó finalmente que tendríamos una escena de la calle, en la mañana muy temprano, con dos hombres caminando uno hacia el otro. Yo quería que la toma pudiera ser ambigua y sin ningún punto de vista moral. A diferencia del cine, el poder de la imagen fija se debe a su debilidad inherente de representar la verdad o contar un relato, no sabemos si los personajes se conocen entre sí, si son buenos o malos, amistosos u hostiles, ya sean si van a parar y hablarse unos con otros o ¿quiénes son? Es una narración breve y tiene sus raíces en un momento muy ambiguo y es por eso que razonándolo, es una de mis portadas favoritas de Oasis." Wonderwall "Yo había fotografiado originalmente a Liam para la portada de Wonderwall en Primrose Hill, Londres, pero Noel había tropezado accidentalmente con nosotros cuando estábamos haciendo el rodaje cuando se dirigía a Creation Records. Recuerdo a un tío saltando de un taxi negro y gritándonos a través de las verjas del parque. Pensé que era un fan de Oasis exclamándonos, así que ignoré los gritos y continué con el rodaje." "Los gritos continuaron, así que finalmente decidí ir y decirle a este tío que nos dejara solos y entonces me di cuenta asombrado de que el tío era en realidad Noel Gallagher. Me explicó que ‘’Wonderwall era una puta canción de amor!’’ Y que de ninguna manera trataba sobre ‘’Our Kid’’ que aparecía en la portada. El rodaje se interrumpió de forma rápida y al final me retiré para continuar al día siguiente con una chica de Creation Records llamado Anita Heyert. Usé el mismo efecto de infrarrojos en blanco y negro en la portada de este arte como lo hice en Live Forever." Don't Look Back In Anger "Para la portada de Don't Look Back In Anger Noel decidió rendir homenaje a un incidente que había ocurrido en los estudios Abbey Road en 1968. Se inspiró en una historia acerca de Ringo Starr cuando se fue de los Beatles, porque sentía que no era querido. Él fue persuadido finalmente para regresar a la banda y a su regreso George Martin, el productor de los Beatles, decidió llenar la cabina de su kit de batería con flores completamente como una declaración de amor y gratitud. Noel consideró que la confianza sería una idea interesante para una portada y sugirió que tenía que ser el equipo de la banda el que debería estar cubierto con miles de flores de color rojo, blanco y azul, los colores de la bandera del Reino Unido." "En un principio iba a ser una toma captada desde arriba y tenía una torre de andamios erigida pero luego se decidió fotografiar a nivel de los ojos, para que el bombo con su remolino ‘’Unión Jack’’ pueda destacarse más en el retrato. El piano blanco fue una referencia a John Lennon. Le pedí a Creation Records que importara unos 5.000 claveles, de los cuales 3.500 eran blancos y de los 3.500, la mitad fueron teñidos de azul ya que los claveles azules no crecen de forma natural. Fue un verdadero privilegio haber hecho la portada de este single ya que es una de las mejores canciones pop de la historia." D’You Know What I Mean "Hice la portada de D’You Know What I Mean en un callejón en Wigan, al lado de un club de boxeo de Lancashire. Una sesión muy difícil de realizar, simplemente por el número de personas involucradas. Inicialmente no hubo forma de hacer la fotografía, ya que la banda se fundía en la multitud y casi se volvía invisible. La luz era muy pobre, y no facilitaba las cosas. La fotografía finalmente se logró cuando coloqué a una mujer joven cargando a su bebé junto a una chica con su chaqueta de escuela en frente de la banda. Esto parecía darle a la toma la profundidad y la forma que era necesaria. El sol salió brevemente y yo sabía que esto sería el disparo que terminaría en la portada. El single, aunque no era político, fue lanzado justo antes de las elecciones generales de 1997. Después de 18 años de gobierno conservador no había duda, en ningún sentido de que se trataba de una convocatoria de una reunión para el cambio. Sin duda pasó por mi mente cuando estaba tomando la foto. Resultó ser una de mis fotos favoritas de la banda." Be Here Now "Originalmente la portada iba a ser 4 fotos por separado de cada uno de los miembros de la banda. Para superar el problema matemático de que había cinco personas en el grupo, Liam tendría un cameo con su presencia en todas las fotos. Noel quería ser fotografiado sobre un árbol tocando su guitarra, Alan White en algún pub del extremo este, Guigsy en una playa de Santa Lucía y Bonehead quería ser fotografiado relajándose en una piscina por la noche con un Rolls Royce sumergido en ella, como un homenaje a Keith Moon. Sin embargo, las preocupaciones crecieron porque cuatro imágenes separadas en una portada de CD tendrían poco impacto y la idea se abandonó." "Pero no todo estaba perdido, ya que se hizo evidente que de todas las ideas presentadas por la banda la de Bonehead y su Rolls Royce en una piscina fue por lejos la mejor. Muchos lugares se consideraron como Clivedon por el escándalo ‘’Profumo’’ de la década del 60 que había tenido lugar en ese sitio. Con el tiempo todos los hoteles en Hertfordshire estaban poblados y la antigua casa del magnate de Playboy, Victor Lowness fue elegida ya que había una piscina justo enfrente del lugar. El rodaje estuvo lleno de dificultades. En primer lugar, el hotel estaba totalmente lleno y como era un lugar abierto al público se supo rápidamente que estábamos ahí y el hotel fue objeto del asedio del público. En segundo lugar demasiado alcohol se consumió en el set y así por el tiempo en que tardó la sesión esta se volvió caótica, también uno de los generadores explotó. Al final, una foto de la sesión durante el día fue elegida a pesar de que las fotos que se tomaron en la sesión nocturna fueron muy interesantes." All Around The World "Con cualquier fotografía conceptual, siempre hay una idea inicial o un disparador que constituye la base para su inspiración. Con All Around The World la inspiración inicial provino de una fotografía tomada desde lo alto de un hotel junto a una playa en Florida, donde fans de los Beatles se habían comunicado con sus ídolos escribiendo mensajes para ellos en la arena. Para escribir el título de la canción en la arena tuvimos un desarrollo evidente para la portada, también equipado por el sentimiento global de la canción. Algunas personas escribieron mensajes en la arena durante siglos, así que para mí vi la playa como una tabla mundial de mensajería o un foro donde cualquiera puede venir y enviar un mensaje, en retrospectiva, como una versión del Twitter pero en la Edad de Piedra. Sin embargo, las ideas conceptuales no siempre funcionan visualmente y el problema con esta imagen era que no había nada de fondo para darle profundidad y forma a la fotografía. En ese momento decidí que era vital que el mar apareciese de algún modo en el disparo. También se sumaría la idea de que el mensaje era transitorio y que en algún momento, este mensaje sería arrastrado por una ola entrante. Al final, fui yo mismo quien escribió el mensaje en la arena con un palo. El posicionamiento fue vital, tenía que estar muy cerca del mar y que el mar lo lavara y demasiado lejos ya que no sería posible tener el mensaje y el mar en la foto al mismo tiempo. Tomé la foto de la parte superior con un brazo extendido hidráulico conectado a un camión de bomberos que se encontraba en una posición fija en la primera línea de la playa (en Bournemouth, Inglaterra). Sólo había un tramo de playa por lo que la colocación de las letras tenía que estar en lo correcto en la primera toma. No sería posible borrar y empezar de nuevo, ya que habría perturbado la aparición de la arena. Cuando yo estaba tomando la foto me llamó la atención la forma en que el mar entraba en el cuadro en la parte superior de la imagen, ya que esta me recordaba mucho la cerveza desbordada en el borde de un vaso y esto me animó a hacer el disparo." [/i]

E l s e c r e t o d e l a a l q u i m i a La misma palabra, alquimia, parece tener una procedencia dudosa. Muchos afirman que la expresión actual, legada directamente por los árabes, puede ser dividida en dos partes: el artículo "al" y el término "chemia" que significa "tierra o suelo negro". Según esta hipótesis, los musulmanes se referían a las oscuras tierras de Egipto donde habrían aprendido los primeros secretos de la misteriosa ciencia. La figura del filósofo egipcio Hermes Trimegistus se consideraría entonces como padre del saber humano y de ahí derivaría el término "hermético" que con tanta frecuencia aparece relacionado con la alquimia. Pero no solo del país egipcio provienen los primeros escritos sobre esta actividad, sino también de las lejanas tierras de China. En el año 140 apareció en aquel país el primer tratado alquímico y las ideas que contiene aparecen estrechamente relacionadas con el Taoísmo. El hecho es que se han hallado tanto escritos griegos citando a los orientales como referencias egipcias en los textos árabes. En la actualidad los principales documentos se hallan en la Biblioteca Nacional de París y en Leyden, donde se han ordenado los textos alquímicos en dos grandes grupos: aquellos de origen griego y aquellos otros firmados por un misterioso personaje llamado Jabir ibn- Hayyan, también llamado Geber, que se supone vivió en el siglo VIII de nuestra era. Estudios más cuidadosos han demostrado que no todas las obras atribuídas originariamente a Geber fueron en realidad escritas por el científico árabe. A medida que el influjo árabe se iba adentrando en Europa, nuevos hombres se dedicaron al estudio de la nueva disciplina. Los nombres que la historia señala son bien conocidos y entre ellos destacan los de San Alberto Magno (1193-1280), el mallorquín Ramón Llull (1232-1315), Roger Bacon (c. 1213-1294), Arnaldo de Vilanova (c. 1250-1311), Paracelso (1493-1541) e incluso Newton, el primer gran científico moderno que, aunque no se dedicó por completo a la alquimia, la citó con frecuencia en sus obras y se dice que mandó construir un pequeño laboratorio en el Trinity College para estudiar los misterios de la transmutación. Dejando aparte su faceta misteriosa y oculta, hay que hacer notar que la alquimia contribuyó de forma muy importante al progreso de la química de laboratorio. Nuevos aparatos como el alambique y nuevas técnicas como la destilación se convirtieron el algo de uso cotidiano, al mismo tiempo que se descubrían sustancias hasta entonces ignoradas como el aceite de vitriolo (ácido sulfúrico), el agua regia, el agua fuerte (ácido nítrico), el amoníaco, etc. Pero la alquimia era ante todo una ciencia hermética alrededor de la cual se fue tejiendo un halo de misterio y secreto, originado en parte por las aspiraciones extrañas y a menudo incomprensibles de algunos de sus seguidores, así como por la forma simbólica y casi indescifrable de sus escritos. No es fácil resumir en pocas palabras la labor de un alquimista. Esta se centraba especialmente en tres facetas distintas: por una parte la búsqueda de la piedra filosofal, en presencia de la cual todos los metales podían ser convertidos en oro; en segundo lugar el descubrimiento del elixir de larga vida, imaginado como una sustancia capaz de evitar la corrupción de la materia y por último la consecución de la "Gran Obra", cuyo objetivo era elevar al propio alquimista a un estado superior de existencia, en una situación privilegiada frente al Universo. El árbol filosófico. "Del cuerpo muerto sucumbiendo a la decadencia en la parte inferior de la localidad, 'el alma mercurial, el espíritu, la tintura se extrae. Según Gerard Dorneus, el mercurio es 'la raíz mineral del árbol que la naturaleza ha plantado en el centro de su vientre. Todos los metales salir de ella y de sus ramas, se extienden por toda la superficie del mundo, al igual que las venas en el cuerpo (Gerardus Dorneus, 'De genealogia mineralium ", 1568, en: Theatrum chemicum, 1602).. Miscellanea d'Alchimia , Italia, siglo 15. " Alquimia & Mística: El Museo Hermético por Alexander Roob En lo oculto que hay muchos caminos diferentes y actividades, sin embargo, cuando desglosados a un nivel fundamental y rudimentario de los resúmenes, las metas de logro, son todos muy similares. La diferenciación principal y único a menudo es la imagen y la forma de expresar esto. La alquimia y la cábala, por ejemplo, representan estas dos actividades coincidiendo pero independiente. En la Alquimia, como se dijo anteriormente, una de sus facetas es la purificación y fusiones de metales en el oro más puro y divino de metales,. A su vez, esta purificación actúa como un microcosmos de la propia alquimistas purificación espiritual y su ascenso almas a niveles superiores. Si miramos a este objetivo de la alquimia y la puso en su contexto y su relación con la Cabalá esta coincidencia es muy frecuente. El Árbol de la Vida cabalístico, por ejemplo, representa la "escalera" del cabalista sube en su camino a un mayor logro, cada esfera o Sephira, en el Árbol de la Vida actúa como un microcosmos de la posterior purificación espiritual y la disposición del cabalista, llegar más alto y un estado divino de la existencia. Otro ejemplo de dos búsquedas que coinciden independientemente pero abstractingly superpuestas una sobre otra es occidental Cábala y el misticismo oriental y yoga. El camino trazado en la Cábala para el cabalista a seguir es la del Árbol de la Vida, Yoga en este mismo camino se perfila y se manifiesta virtualmente idéntica a la del sistema de chakras o puntos de energía en el cuerpo humano. Mientras que significa una escalera de puntos en el cuerpo humano, la jerarquía de los chakras también actúa como esta "escalera", que se sube, cada chakra representa un peldaño o microcosmos de cada estado de mayor nivel. Estos chakras dual de representación, además, se correlacionan con el Árbol de la Vida como el Árbol de la Vida es también con frecuencia representada como superpuesto dibujado sobre el cuerpo humano, lo que representa puntos físicos pero también metafóricos y microscópicas etapas espirituales. Los 7 chakras simplemente representan el pilar central del Árbol de la Vida. Cuando el Árbol de la Vida está cubierta sobre el cuerpo humano, Kether, ya que es el estado de existencia más alto, en armonía con el concepto de dios, descansa justo por encima de la parte superior de la cabeza para representar esto. En el Yoga, el punto de chakra o energía que coincide con Kether es Sahasrara, también conocidos como "El asiento del alma", y también conocido como "El Loto de Mil Pétalos" , descansando justo por encima de la cabeza , el Lotus también se ve atraído a la esfera superior del Árbol de la Vida a continuación, mostrando esta coincidencia de filosofías. Los Chakras Orientales y el Árbol de la Vida Occidental, dibujado por Aleister Crowley Los 7 chakras y su correspondencia con el cuerpo humano A pesar que los Siete es un número poderoso y significativo en muchas filosofías, incluido el Cristianismo, la alquimia y los métodos de mayor nivel es lo que esta imagen y la frase se refiere. "Todo se habrá cumplido cuando siete sea Uno" es un tratado alquímico. Los símbolos que componen la imagen son las representaciones simbólicas de la Luna, el Sol, Júpiter, Saturno, Mercurio, Marte y Venus. Cada planeta se le asigna un metal elemental. La luna como plata, el sol como el oro, el mercurio en mercurio (o Quicksilver), Venus como cobre, hierro Marte, Saturno y Júpiter como plomo y como estaño respectivamente. El principio implicado es que cuando el alquimista amalgama estos metales y logra la mezcla divina que representa su propia transformación y ascendió su alma. Tiene que ver con el tema recurrente de renacimiento y transformación, que es lo que el Tríptico todo gira a su alrededor. Esa es una breve descripción del tema, pero eso es exactamente lo finalidades imagen fue utilizada para, ya que los símbolos de la imagen está formada por las representaciones alquímicas de los siete planetas que acabo de mencionar. Cuando todos son, y se puede reducir a, como uno por el alquimista o mago el gran trabajo se haya completado, se ha trascendido la materia. Es un concepto abstracto y simbólico y no hay otra manera de expresar lo que no sean sus propios estudios y cómo se puede aplicar esta idea a su propia vida y su propio trabajo. Las bases de la alquimia. Hechas estas aclaraciones sobre el simbolismo alquímico, veamos en que fundamentaban los alquimistas sus ideas sobre la transmutación de los metales. La química "clásica" proclama de una forma tajante la imposibilidad de la transmutación de los metales... ¡pese a que la energía nuclear nos dice hoy en día que sí es posible! Sin embargo, las ideas de los alquimistas eran al respecto muy distintas de las de la química clásica. Para ellos, la naturaleza no se componía de materias orgánicas e inorgánicas (las primeras vivas, susceptibles a crecer y desarrollarse, y las segundas muertas e inertes), sino que todo provenía de una única sustancia original. "Y como quiera que todas las cosas lo fueran por la contemplación de una sola, así también todas las cosas surgieron de esta única cosa por un simple acto de adaptación", reza la tabla de Esmeralda. Bajo este punto de vista, los metales eran considerados como diferentes estadios de un mismo intento por alcanzar la perfección. Esta perfección eran los metales nobles: el oro y la plata, y los demás metales no eran más que estadios intermedios en el camino de esta perfección. Las creencias alquimistas decían que la Naturaleza, en su constante trabajar, iba transformando lentamente los metales viles en oro, en cuyo estadio se cerraba el proceso hacia la perfección, y a partir de cuyo punto se reinvertía el camino, convirtiéndose los metales nobles de nuevo en metales viles: de ahí precisamente nació uno de las símbolos básicos de la Alquimia, la serpiente que se muerde la cola (o serpiente Ouroboros, que más tarde fue transformada en dragón), como significación de la eterna continuidad del proceso. Este proceso de ennoblecimiento y de envilecimiento hacía necesaria la posibilidad de la transmutación. La Alquimia, por tanto, no iba contra la Naturaleza: lo único que hacía era intentar ayudarla, acelerar el proceso, suprimir las etapas intermedias y cambiar directamente los metales viles en oro y plata. Por medio de un agente, una sustancia particular que accediera a la transmutación, brusca y repentina de uno a otro extremo. Este agente era, naturalmente, la Piedra filosofal. Veamos, ahora, cómo trabaja el alquimista, cuales son las operaciones básicas que debe realizar para llegar a alcanzar este fin máximo, esta anhelada meta que es la Piedra filosofal. A este respecto, hay que advertirlo, los libros alquímicos son deliberadamente oscuros, ya que el método de obtención de la Piedra filosofal forma parte del Gran Secreto. No obstante, si bien el proceso completo y detallado no se halla descrito en ningún sitio (o mejor dicho, se halla descrito en casi todos los grimorios en multitud de formas completamente distintas, pero de un modo totalmente ineficaz), si podemos reconstruir a grandes rasgos las distintas operaciones a las que debe dedicarse el alquimista a lo largo de su Obra. Vamos a verlas. La primera operación que debe llevar a buen término es la preparación y purificación de los elementos. Para eso usará tres de ellos: un mineral de hierro, una pirita arseniosa por ejemplo (en cuyo interior se hallan el arsénico y el antimonio como impurezas); un metal, hierro, plomo o más comúnmente mercurio; y un ácido orgánico, el tartárico o el cítrico por ejemplo. Todos estos elementos deben ser mezclados por el alquimista cuidadosa y concienzudamente. La operación, así, durará varios meses, ya que uno de los condicionamientos en los que si están de acuerdo todos los libros de Alquimia es en que las operaciones alquímicas son un proceso largo, enormemente largo: el alquimista nunca deberá tener prisa... Una vez realizada concienzudamente la mezcla, el alquimista deberá empezar a calentar el preparado de una forma progresiva, teniendo buen cuidado al hacerlo, ya que la elevación de la temperatura hace que de la mezcla se desprendan gases tóxicos, a los que hay que atribuir la muerte de más de un alquimista descuidado. La mezcla así preparada se disuelve después mediante un ácido... y esta disolución (esto es muy importante para el alquimista) debe hacerse a la luz de la Luna. Esto parecería ser un condicionamiento innecesario de naturaleza puramente supersticiosa, sino fuera porque actualmente se ha descubierto una razón que podríamos llamar científica: esta disolución obtiene sus resultados más óptimos cuando se realiza, como hace la química moderna, bajo una luz polarizada... y la Luna envía a la Tierra precisamente luz polarizada. Obtenido todo lo reseñado, hay que proceder a purificar la mezcla. Esto se consigue evaporando la parte líquida y calcinando después la sólida. Una y otra vez. Sin descanso. ¿Por qué tantas veces? Los libros de Alquimia no nos dan una respuesta concreta: simplemente, nos dicen, ha de hacerse. Tal vez, cabe suponer, se busque una intensa purificación del compuesto; tal vez se necesite alcanzar una cierta condición del preparado que sólo obtenga tras un repetido proceso de evaporación y calcinación; tal vez (y entramos de nuevo en la Alquimia esotérica) este sea un simple método de conseguir, a través de la infatigable labor del alquimista, una cierta disposición interior. No por nada los alquimistas hablan de que es necesario buscar "la lenta condensación del espíritu universal". Este lento y continuado evaporar y calcinar, una y otra vez, marca el final de la primera fase de las operaciones. ¿Cuándo se llega a este final? Los libros de Alquimia no son tampoco explícitos a este respecto: "en un determinado momento (no precisan cuál) el alquimista considerará que ha terminado la primera fase, y podrá iniciar la segunda". Para ello añadirá un oxidante a la mezcla trabajada... y volverá a reanudar el ciclo anterior: disolver, evaporar, calcinar. ¿Durante cuánto tiempo? Mucho: meses, años... hasta que descubra, en la mezcla, la presencia de la Señal. La Señal. He aquí el momento más importante del que nos hablan todos los alquimistas. La naturaleza de esta señal no es aclarada de un modo completo en los textos, pero sí dicen todos ellos que cualquier alquimista sabrá reconocerla en el momento en que se produzca. Algunos libros nos hablan de la formación de cristales en la superficie de la mezcla: "unos hermosos cristales en forma de estrella". Pero la mayoría nos hablan de una señal más impresionante y espectacular: "En la superficie de la mezcla se formará una capa oscura. Esta capa se desgarrará en un determinado momento, y dejará ver bajo ella el metal luminoso de los alquimistas, un metal en el que parecerán reflejarse todas las estrellas del firmamento". El alquimista sabrá entonces que va por buen camino... pero su trabajo aún no habrá terminado. El metal brillante debe ser retirado de su crisol, y es preciso entonces dejarlo "madurar", encerrándolo en un recipiente hermético, lejos del aire y de la humedad. Se inicia entonces la tercera fase de las operaciones, en la que hay que alcanzar en la mezcla primeramente el "estadio de putrefacción" (es decir, que la mezcla adquiera un color negruzco, llamado "ala de cuervo", y más tarde el "estadio de resurrección" (es decir, que adquiera un color blanco). Todo esto se consigue calentando cuidadosa y progresivamente el recipiente hermético dentro del atanor. Pero hay, que tener gran cuidado en esta última fase, ya que si el calor es excesivo o su graduación no es la adecuada, el recipiente puede estallar, liberando entonces una desusada energía. Esta es la explicación de algunas de las terroríficas explosiones que se han registrado en determinados laboratorios alquímicos, y que han recogido las crónicas de todas las edades... "El huevo alquímico fue otro de los simbolismos más usado por los alquimistas. De él dijo Miguel Majer: "existe un pájaro que es más sublime que todos los otros. Preocupaos únicamente de buscar su huevo, y al hallarlo, cortadlo con una espada flamígea". Pero supongamos que todo haya ido bien. El alquimista ha obtenido en su Huevo alquímico el preparado púrpura tan anhelado. Este será el primer paso práctico para obtener la Piedra filosofal... pero no es aún la Piedra filosofal propiamente. El alquimista deberá abrir entonces el recipiente y extraer el compuesto. Este compuesto deberá ser lavado múltiples veces, durante meses enteros si es necesario, con agua tridestilada. Esta agua es a su vez importantísima, y constituye para muchos autores uno de los principales productos alquímicos después de la Piedra filosofal: es el Elixir de larga vida, el elixir que, ingerido periódicamente, dará una larga y venturosa vida al alquimista, aunque no la inmortalidad, ya que lo único que evita el elixir es el desgaste físico del cuerpo humano, no la enfermedad ni los accidentes. Y queda luego la Piedra propiamente dicha, ya completa, que puede según algunos autores ser blanca o roja, que puede ser sólida o convertirse en polvo, y de la cual bastará una pequeñísima parte para transformar en oro o plata el más innoble metal... aunque generalmente se utilice siempre el plomo o el mercurio. Pero la Piedra también puede ser usada en su forma líquida: su polvo se disuelve entonces en mercurio, y se obtiene así el agua mercurial o agua póntica, llamada también el Disolvente universal, e identificada por muchos autores también con el Elixir de larga vida. Pero todas estas, si bien son las más importantes, no son las únicas virtudes y cualidades atribuidas a la Piedra filosofal, al Elixir de larga vida y al Disolvente universal. Los propios alquimistas (y muchas veces también la imaginación de las gentes) atribuyeron a la Piedra filosofal en sus distintas formas los más extraordinarios atributos. Así, se consideraba que la Piedra filosofal, además de convertir los metales en oro, era capaz de gobernar a las potencias celestes, permitir conocer el pasado y el futuro, lograr la invisibilidad con sólo hacerla girar entre las manos, crear el movimiento contínuo, resolver la cuadratura del círculo, permitir a su poseedor volar por los aires, ¡fabricar el mítico homúnculo! El Elixir de larga vida, por su psrte, es catalogado como capaz de volver de nuevo jóvenes a los viejos, resucitar a los muertos, prolongar enormemente la vida... pero añaden los libros (y pese a que se afirme que puede resucitar a los muertos) no da la inmortalidad. Uno de los derivados de este elixir, la Panacea (llamada también panacea universal, no porque esté extendida por todo el mundo, sino porque su poder alcanza a todas las cosas), es reputada como capaz de curar todos los males sin distinción y, por supuesto, sin la menor excepción. El Disolvente universal, finalmente, uno de los últimos productos de la elaboración alquímica, llamado también Alkaest, es capaz de disolver absolutamente todos los cuerpos, manteniéndolos en su estado líquido... El alquimista "real", a tenor de un número cada vez mayor de autores, no es ya el hombre que buscaba la Piedra filosofal en la soledad de su laboratorio con el fin de conseguir oro y riquezas, sino el que busca la Piedra filosofal tan sólo como medio, como el primer peldaño hacia su propia perfección. "La manipulación del fuego y de ciertas sustancias -nos dicen Pauwels y Bergier, dos de los primeros autores modernos en llamar la atención sobre esa "otra Alquimia", aunque muchos otros ya hubieran apuntado antes estas mismas ideas en sus trabajos- permite no sólo transmutar los elementos, sino también transformar al propio experimentador. Éste, bajo la influencia de fuerzas emitidas por el crisol (es decir, radiaciones emitidas por núcleos que sufren cambios de estructura, según la terminilogía atómica) entra en otro estado. En él se operan mutaciones. La vida se prolonga, su inteligencia y sus percepciones alcanzan un nivel superior. El alquimista pasa a otro estado del ser. Se encuentra izado a otro estado de consciencia. Sólo él se siente despierto, y tiene la impresión de que todos los demás hombres siguen durmiendo. Escapa a lo humano ordinario y desaparece, después de haber tenido su minuto de verdad". Una Alquimia externa, y otra Alquimia interna. ¿Es esta la verdadera naturaleza del Arte Alquímico? Así es, a tenor de un número creciente de autores. Y, en el futuro desarrollo de la Alquimia, hallaremos tal vez la confirmación. “La Montaña Sagrada” y el mensaje Alquimico de Jodorowsky Esta es una película que está plagada de símbolos visuales tomados de distintos lugares. Está la simbología astrológica de los planetas del sistema solar, la alquimia, iconografía cristiana, elementos del tarot y del eneagrama, entre otros. La Montaña Sagrada, es una película indispensable para quien sea seguidor de Jodorowsky, tenga interés en la psicomagia o en cine surrealista. Es una película ambiciosa, pero, interesante que se aleja de las convenciones hollywoodenses actuales. En ella se pueden hacer múltiples lecturas en base a la riqueza de sus símbolos y elementos multiculturales, pero también es posible encontrar un mensaje global certero, actual y pertinente para nuestro modo de vivir. El trailer : link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=V_k8oaeHsnc Y el film : link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=zx34leGyN6Y http://perso.gratisweb.com/nebrom2/imagen/sonido3/Ghost.mid

Bandas legendarias y nuevas se mezclaron en "Metal para todos" Durante más de 10 horas, 47 bandas pasaron por tres escenarios mezclando las distintas variantes de rock pesado, desde el el más puro heavy metal, pasando por el death, thrash, power, ñu metal y el hard rock. Almafuerte, la banda de Ricardo Iorio, fue la encargada de cerrar el primer escenario “Jon Lord” -en tributo al recordado ex tecladista de Deep Purple- con un recorrido por sus clásicos y el anuncio de su nuevo disco que saldrá a la luz antes de fin de año. Previamente habían participado Horcas, Tren Loco, Lethal y Tano Romano con su historia a cuestas, pero siempre para adelante, el tributo a V8 protagonizado por Walter Meza- Topo Yañez-Gustavo Rowek-Antonio Romano, Kz4 y Rowek con su proyecto de la nueva banda que comparte con el guitarrista Sergio Berdichevsky. La Bestia brindó un homenaje a Iron Maiden con sus clásicos, Plan 4 liderados por su vocalista Knario Compiano y Mastifal pusieron en escena las nuevas propuestas y variadas, mientras que Vorax volvió a demostrar su vigencia. En el escenario 2, que lleva el nombre del fallecido guitarrista “Niko Takara", la gran figura fue Viticus -la banda del ex bajista de Riff- quien cautivó con una imponente permformance que compartió junto a Alakran en su regreso, Renacer, Kamikaze, Saul Blanch y Christian Bertoncelli con su buen proyecto solista. Arpeghy, Helker, Killing Season, Mojon, Malacara, Alma Matter, Nucflash, Luxgnosis de Mar del Plata y Factor Metal, completaron la grilla. En el escenario 3 “Claudio Vattino” (en recuerdo del integrante de Montreal), Matan SA cumplió con su mensaje de death metal y bien liderados por su vocalista Wata y tocó con bandas de Córdoba como Ruskin Arms y Aurica, Metal Anger de Bahía Blanca, Mathras, Caballo de Hierro, Gauchos de Acero, Esquizofrenia, Razas Cruzadas, Blindado, Nokzul, Krraneo Rojo, Voranima, TBC y Bodegón. Coronó la fiesta metalera la presencia el bajista cubano radicado en Los Angeles, Rudy Sarzo, quien secundado por la banda Alakran que lidera el vocalista Mario Ian y el guitarrista histórico Gady Pampillón, recorrieron el repertorio que Sarzo tocara en sus etapas con Quiet Riot, Whitesnake, Pourple y especialmente Ronny James Dio en su memoria. “El metal esta mas vivo que nunca, larga vida al heavy metal argentino”, vociferó Walter Meza desde el escenario y la multitud respondió con los clásicos cuernitos Reencuentro entre Ricardo Iorio y Beto Zamarbide… Los que pensaron que esto no se iba a dar nunca ahi lo tienen: link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_detailpage&v=6VASfSrVTqk link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_detailpage&v=58sxmmLWbXc

Homenajes a películas en la serie " Los Simpsons " Los Simpsons ya hace varios años tiene la costumbre de parodiar peliculas y series pero en sus primeras temporadas las parodias o mejor dicho en este caso, los homenajes eran mas sutiles. Tenias que saber precisamente a que escena se estaban refiriendo para darte cuenta de la pelicula homenajeada. Aca un recuento de estas escenas aunque faltan algunas que si las encuentro las agrego en otro post. Capitulo: Don Barredora Ciudadano Kane (Citizen Kane, 1941) La bola de cristal con nieve que aparece en el segundo anuncio de televisión de “Mr. Quitanieves” es igual a la que cae de la mano de Charles Foster Kane (Orson Welles) al principio de “Ciudadano Kane”. Capitulo: Don Barredora Noticia del asesinato de John F. Kennedy, 1963 Esto no es un momento de cine, sino de televisión, pero lo ponemos aquí porque resulta muy curioso. Cuando Barney queda atrapado en la nieve, Kent Brockman da la noticia con una persona al fondo del estudio y se quita las gafas de la misma forma que lo hizo Walter Cronkite cuando se interrumpió la programación de la CBS el 22 de noviembre de 1963 para dar la noticia del asesinato del presidente John F. Kenndy. Capitulo: Don Barredora El padrino (The Godfather, 1972) Después de que Homer se ocupa de despejar la nieve para que el autobús del colegio puede llegar a su destino, un grupo de niños aparece de repente alrededor de Bart y le atacan con bolas de nieve. Cuando ya está tendido en el suelo, aparece un niño para rematarle con un bolazo en la cabeza. El momento es idéntico a la violenta escena de la muerte de Sonny Corleone (James Caan) en “El padrino” cuando su coche es bloqueado en un peaje y aparecen varios hombres armados a su alrededor que lo acribillan a balazos para posteriormente rematarlo cuando ya está tendido en el suelo. Capitulo: Don Barredora En busca del arca perdida (Raiders of the Lost Ark, 1981) Cuando Dios hace que salga el sol para derretir la nieve de Springfield, los muñecos de nieve se derriten de la misma forma que se descomponía el rostro de Arnold Toht (Ronald Lacey) en la película de Indina Jones cuando los nazis abren el arca de la alianza. Capitulo: Don Barredora Carga maldita (Sorcerer, 1977) Toda la escena de Homer subiendo con su Quitanieves al Pico de la Viuda para rescatar a Barney y la música que suena en esa parte es un homenaje a “Carga maldita”, película en la que el personaje de Roy Scheider se pasa todo el tiempo conduciendo con mucho cuidado un camión cargado con dinamita. Durante el film, el camión pasa al borde de un acantilado mientras se desprenden unas piedras y atraviesa un destartalado puente de madera que se balancea de lado a lado. Capitulo: Sin Duff La naranja mecánica (A Clockwork Orange, 1971) Tras el traumático tratamiento al que le somete Lisa, Bart es incapaz de coger un par de pasteles y sólo con acercar las manos a ellos, su cuerpo se pone a temblar y se derrumba angustiado en el suelo. En “La naranja mecánica”, tras el tratamiento al que sometían a Alex de Large (Malcolm McDowell) para modificar su conducta, finalmente le ponen a prueba llevando a una joven desnuda ante él y el chico también se muestra incapaz de ponerle las manos encima mientras experimenta una intensa angustia física. Capitulo: Sin Duff Sólo se vive dos veces (You Only Live Twice, 1967) Bart sostiene en sus brazos al hámster de los experimentos de Lisa y lo acaricia de la misma forma que lo hacía el villano Ernst Stavro Blofeld con su gato de Angora en varias películas de James Bond. Capitulo: La elección de Selma El príncipe de las mareas (The Prince of Tides, 1991) Cuando Marge recuerda su infancia junto a su tía Gladys, lo hace rememorando una conocida escena de “El príncipe de las mareas” en la que los 3 hermanos saltan al lago y se cogen de las manos bajo el agua, tal y como hace ella con sus hermanas Patty y Selma. Terminator (The Terminator, 1984) En la excursión a los Jardínes Duff, Bart le baja los pantalones al robot de George Washington y éste se gira y le mira amenazante mientras sus ojos se encienden de color rojo como lo hacían los ojos de Terminator.[/color][/size][/font][/align] Capitulo: Hermano del mismo planeta Psicosis (Psycho, 1960) En este episodio, el director Skinner puede ver desde la ventana de su despacho la casa de su madre, una casa que es calcada a la de Norman Bates (Anthony Perkins) en “Psicosis“ y que también se puede ver desde las habitaciones del Motel. Además, el director se dirige a su madre de la misma forma que lo hace Bates en la película. Capitulo: Última salida a Springfield El Grinch. El cuento animado (How the Grinch Stole Christmas!, 1966) Los trabajadores de la Central Nuclear protestan para recuperar su seguro dental cogidos de la mano en círculo y cantando mientras el Sr. Burns les escucha enfadado porque “A pesar de haberles envuelto en la oscuridad no están tristes, todavía cantan…”. Su reacción cogiendo de la corbata a Smithers y pegándose a su cara mientras protesta es idéntica a la del Grinch cuando descubre que a pesar de haberles robado los regalos de Navidad, los habitantes del pueblo siguen cantando felices. Capitulo: Última salida a Springfield Batman (Batman - TV Series, 1966) El Sr. Burns y Smithers bajan deslizándose por dos postes que llevan sus nombres como los que tenían Batman y Robin en la serie de televisión protagonizada por Adam West. Capitulo: Marge contra el monorrail La humanidad en peligro (Them!, 1954) Las gigantescas hormigas mecánicas que Bart imagina destrozando la Escuela de Springfield son muy parecidas y atacan de la misma forma que las gigantescas hormigas mutantes de “La humanidad en peligro”. Capitulo: Marge contra el monorrail Vivir de ilusión (The Music Man, 1962) Todo el argumento de la primera parte del episodio es muy similar al argumento del musical “Vivir de ilusión”. En Los Simpson, Lyle Lanley aparece en Springfield y convence a sus habitantes para que monten un monorrail con la intención de escaparse después con su dinero. En la película, el farsante Harold Hill (Robert Preston) aparece en un pequeño pueblo llamado River City y convence a sus habitantes para formar una banda musical de muchachos con la intención de largarse con el dinero que reunan para tal fin. La película incluye un número musical a las puertas del Ayuntamiento y el aspecto de Lyle Lanley es muy parecido al del timador Harold Hill, incluyendo la gran maleta con la que aparece en el pueblo Capitulo: Marge contra el monorrail El silencio de los corderos (The Silence of the Lambs, 1991) El Sr. Burns es llevado ante el juez con las mismas medidas de seguridad y protecciones que el Dr. Hannibal Lecter (Anthony Hopkins) en “El silencio de los corderos”. Capitulo: Marge contra el monorrail Batman (Batman, 1989) Para escapar de la reunión del Ayuntamiento cuando la gente descubre su identidad, el Sr. Burns se abraza a Smithers de la misma forma que lo hacía Vicki Vale (Kim Basinger) con Batman (Michael Keaton) mientras Smithers utiliza un dispositivo elevador similar a los usados por el Hombre Murciélago. Capitulo: Tommy y Dally: la película Sólo se vive dos veces (Steamboat Willie, 1928) Los inicios de Tommy y Dally con el corto “Steamboat Itchy” son un homenaje claro al primer cortometraje sonoro de Walt Disney titulado “Steamboat Willie”. Capitulo: Marge consigue un empleo Ciudadano Kane (Citizen Kane, 1941) El número musical que prepara Smithers para el Sr. Burns en la despedida de Jack Marley es similar al que recibe Charles F. Kane, incluyendo el ritmo y letra de la canción, el showman y las bailarinas. Capitulo: La chica nueva del barrio De ilsuión también se vive (Miracle on 34th Street, 1947) En un momento del juicio, el abogado defensor decide mostrar al jurado la cantidad de gambas consumida por Homer en el restaurante del capitán McCallister. En ese momento entran varios hombres cargados con sacos y el primero de ellos vacía uno de los sacos encima de la mesa del juez para mostrarle un montón de cartas mientras dice “18.000 cartas, todas ellas dirigidas a Papá Noel”, a lo que el abogado le contesta “Oiga, usted es del juicio del pueblo de Springfield contra Kris Kringle; es la sala de al lado”. La escena es una parodia del final de “Miracle on the 34th Street”, cuando el abogado muestra la cantidad de cartas de niños dirigidas a Papá Noel para defender la causa de Kris Kringle (Edmund Gwenn). Capitulo: Especial Noche de Brujas III Alfred Hitchcock presenta (Alfred Hitchcock presents…, 1955) El episodio comienza con una parodia de la clásica presentación que hacía Alfred Hitchcock en todos los episodios de la serie “Alfred Hitchcock presenta…” con su silueta trazada en la pantalla y su perfil en negro acoplándose a ella desde un lateral. Capitulo: Especial Noche de Brujas III La naranja mecánica (A Clockwork Orange, 1971) En la fiesta de Halloween, Bart va disfrazado como Alex de Large (Malcolm McDowell), el protagonista de “La naranja mecánica”. Capitulo: Especial Noche de Brujas III En los límites de la realidad - Episodio 126: Living Doll (The Twilight Zone, 1962) En el fragmento “El muñeco sin piedad”, el muñeco de Krusty dice unas frases muy similares a las de la muñeca Tina Habladora en el episodio “Living Doll” de la serie “En los límites de la realidad”. En los subtítulos de las capturas podéis ver los paralelismos. Capitulo: Especial Noche de Brujas III (Trilogy of Terror, 1975) En la película “Trilogy of Terror” compuesta por tres historias de terror todas ellas protagonizadas por Karen Black, el último de los relatos titulado “Prey” va de un muñeco que cobra vida e intenta asesinar por todos los medios a su dueña. Aparte del paralelismo argumental con el fragmento titulado “El muñeco sin piedad”, hay varias similitudes más, empezando por los dientes afilados del muñeco, sus ataques con cuchillo en la ducha, la protagonista encerrándolo en una maleta o el ataque final del muñeco enganchándose al cuello de su víctima. Capitulo: Especial Noche de Brujas III El cabo del miedo (Cape Fear, 1991) En el fragmento “El muñeco sin piedad”, el muñeco de Krusty sigue a Homer enganchándose a los bajos del coche con una correa de la misma forma que lo hacía Max Cady (Robert De Niro) en “El cabo del miedo”. Capitulo: Un tranvía llamado Marge Ciudadano Kane (Citizen Kane, 1941) Aburrido con el musical que interpreta su mujer, Homer se pone a soplar un librito hecho pedazos de la misma forma que lo hacía en “Ciudadano Kane” Jebediah Leland (Joseph Cotten) cuando tenía que asisitir al debut operístico de la mujer de Kane. Capitulo: Un tranvía llamado Marge Los pájaros (The Birds, 1963) Homer acude al jardín de infancia a recoger a Maggie justo cuando los bebés acaban de recuperar sus chupetes y los encuentra a todos tranquilos y concentrados en el chupeteo. La disposición de la escena es igual al momento de “Los pájaros” en que Mitch Brenner (Rod Taylor) decide salir de la casa aprovechando un momento de calma de las aves y tiene que andar con cuidado entre ellas. Capitulo: Un tranvía llamado Marge Los pájaros (The Birds, 1963) Justo cuando la familia sale del jardín de infancia, Alfred Hitchcock cruza la pantalla junto a dos perros imitando al momento de su fugaz cameo en “Los pájaros” donde se cruzaba con Melanie Daniels (Tippi Hedren) en la puerta de una tienda de animales. Capitulo: Un tranvía llamado Marge La gran evasión (The Great Escape, 1963) La vigilancia de los bebés y las señales que se hacen entre ellos cuando se acerca la Sra. Sinclair son muy similares a la vigilancia y las señales que se hacían los hombres del campo de concentración de “La gran evasión” cuando se acercaban los nazis al barracón. Además, durante toda la escena suena la conocida sintonía de la película. Esta es mi favorita , quien no lo haya hecho, no ha vivido Capitulo: Homero, el hereje Risky Business (Risky Business, 1983) El día en que Homero decide no ir a la iglesia y se queda sólo en casa, sube el volumen del equipo de música y se pone a bailar y a cantar en calzoncillos. Lo mismo hacía Joel Goodsen (Tom Cruise) en “Risky Business” cuando sus padres se iban de vacaciones y se quedaba sólo en casa. Capitulo: Lisa, la reina de la belleza Apocalipsis Now (Apocalypse Now, 1979) Lisa, coronada como Miss Springfield Junior, acude a animar a las tropas del Fuerte Springfield, pero los soldados se enfadan y se ve obligada a huir en helicóptero junto a Bob Hope que se queda colgando del tren de aterrizaje. En “Apocalipsis Now”, unas conejitas de Playboy acudían a animar a las tropas que luchaban en Vietnam, pero tenían que huir en un helicóptero ante la peligrosa excitación de los soldados. Capiulo: Un tranvía llamado Marge La gran evasión (The Great Escape, 1963) Tras el fallido intento por recuperar su chupete, Maggie es aislada en un parque infantil donde mata el tiempo haciendo botar una pelota contra el suelo y la pared repetidamente. De la misma forma se distraía el Capitán Hilts (Steve McQueen) cuando era enviado a la “nevera” tras sus intentos de escapada del campo de concentración en “La gran evasión”. Capitulo: El amigo de Bart se enamora En busca del arca perdida (Raiders of the Lost Ark, 1981) Toda la escena del principio del episodio en la que Bart se apodera del bote de monedas de Homer y huye frenéticamente de él, es un homenaje (incluyendo la música) plano por plano a la escena inicial de la primera película de Indiana Jones. capitulo: Kampamento Krusty Ben-Hur (Ben-Hur, 1959) Mientras los niños son explotados en el centro de artesanía del Kampamento Krusty cosiendo carteras Gucci, Kearney toca el tambor de la misma forma que lo hacían en “Ben-Hur” para marcar el ritmo a los esclavos que remaban en las galeras. Capitulo: Kampamento Krusty La mujer del teniente francés (The French Lieutenant’s Woman, 1981) El momento en que Lisa sale a escondidas del Kampamento Krusty para entregar la carta de socorro a un hombre a caballo, tiene muchos parecidos con algunos momentos de “La mujer del teniente francés”, empezando por el vestuario de los personajes y los encuentros a escondidas de Sarah (Meryl Streep) y Charles (Jeremy Irons). capitulo: Homero solo Las aventuras del Correcaminos (Adventures of the Road-Runner, 1962) Mientras Homer persigue a Bart al inicio del episodio, la imagen se congela y debajo de cada personaje aparece una especie de nomenclatura binominal de cada uno de ellos. Lo mismo ocurría al principio de muchos cortos del Coyote y el Correcaminos. Capitulo: Hermano, ¿me prestas dos monedas? La quimera del oro (The Gold Rush, 1925) Entre los vagabundos que conversan con el hermanastro de Homer, hay uno con el aspecto de Charles Chaplin que está comiéndose una bota de la misma forma que lo hacía el propio Chaplin en una escena de “La quimera del oro”. Capitulo: Viudo negro Psicosis (Psycho, 1960) Tras la explosión en la habitación de Selma, Bob regresa esperando encontrar en la silla el cadáver de su esposa. Por contra, cuando gira la silla se encuentra a Bart y con el sobresalto que eso le produce golpea una bombilla que queda balanceándose del techo de la habitación. La escena es calcada al momento de “Psicosis” en que Lila Crane (Vera Miles) gira una silla esperando encontrar a la Sra. Bates pero sólo acaba encontrando su cadáver y con el susto también golpea una bombilla que cuelga del techo. Capitulo: Vocaciones separadas Bullit (Bullit, 1968) La persecución al coche de Snake se produce por unas calles similares a las de la famosa escena de persecución de “Bullit” por las calles de San Francisco, con los coches saltando exageradamente en cada una de las pendientes. Además, en un momento de la persecución de Snake aparece un VW Escarabajo de color verde que acaba chocando contra un camión de leche. El mismo modelo de coche aparece varias veces durante la famosa persecución, ya que según se cuenta era el coche utilizado por el equipo de la película para controlar el tráfico. Capitulo: Hermano, ¿me prestas dos monedas? 2001: Una odisea del espacio (2001: A Space Odyssey, 1968) Las figuras de colores que ve Homer cuando se sube al sillón vibrador y su ojo cambiando de color con cada parpadeo son una referencia clara al momento de “2001: Una odisea del espacio” en que Dave Bowman (Keir Dullea) viaja por el espacio. Capitulo: Kampamento Krusty El señor de las moscas (Lord of the Flies, 1963) Mientras Kent Brockman se aproxima a la cabaña donde se encuentra el líder de la rebelión del Kampamento Krusty, pasa por delante de una cabeza de cerdo clavada en una estaca y cubierta de moscas, una referencia a la cabeza de cerdo que los niños sirven como ofrenda al “monstruo” de la cueva en la película. Capitulo: Muerte de Perros La naranja mecánica (A Clockwork Orange, 1971) Toda la escena del lavado de cerebro al Pequeño Ayudante de Santa Claus es una parodia del mismo momento que vive en “La naranja mecánica” el personaje de Alex (Malcolm McDowell) como parte de la terapia para modificar su conducta. A ambos les mantienen abiertos los ojos, les conectan electrodos, les echan gotas en los globos oculares y les muestran imágenes violentas al son de la 9ª Sinfonía de Beethoven. Capitulo: Homer, bateador El mejor (The Natural, 1984) La historia de cómo Homer se fabrica se propio bate artesanal a partir de una rama de un árbol arrancada por un rayo es igual que la de Roy Hobbs (Robert Redford) en “El mejor”. Además, cuando por fin se ve el bate terminado suena la sintonía de la película. Capitulo: Homer, bateador El orgullo de los yankis (The Pride of the Yankees, 1942) Las escenas del tren y los banderines de los equipos contra los que juega el equipo de Homer es una referencia a “El orgullo de los yankis” donde se utilizaban las mismas escenas para representar el viaje del equipo entre dos ciudades. Además, se utiliza la sintonía de la película. Capitulo: Viudo Negro La leyenda del indomable (Cool Hand Luke, 1967) El Actor Secundario Bob recuerda sus primeros días en la cárcel con unas imágenes que representan planos calcados de “La leyenda del indomable” y que además van acompañados de la sintonía de la película. Capitulo: Viudo negro Batman (Batman - TV Series, 1966) Cuando Homer por fin entiende el peligro que corre Selma junto a Bob, ordena a todo la familia que suba al “Simpson-móvil” y al arrancar, el coche suelta una llamarada por el tubo de escape como lo hacía el “Batmobile” de Batman en su serie de televisión. Capitulo: Sábados de trueno El mejor (The Natural, 1984) Homer decide acudir finalmente a apoyar a Bart en su carrera y aparece de pie entre el público con la luz del sol a sus espaldas. De la misma forma aparecía Iris Gaines (Glen Close) en “El mejor” para apoyar a Roy Hobbs (Robert Redford). Capitulo: Sábados de trueno Ben-Hur (Ben-Hur, 1959) La carrera entre Bart y Nelson tiene momentos que parodian la famosa escena de la carrera de cuádrigas de “Ben-Hur” como los latigazos de Nelson/Messala a Bart/Judah o las ruedas con cuchillas que perforan el carro del oponente. Capitulo: El pony de Lisa 2001: Una odisea del espacio (2001: A Space Odyssey, 1968) Toda la escena del sueño de Homer que introduce el episodio es un homenaje al inicio de la célebre película de Stanley Kubrick, incluyendo la música Capitulo: La Llamarada Moe El fantasma de la ópera (Phantom of the Opera, 1943) El momento en el que Homer decide desvelar el ingrediente secreto de la llamarada de Moe es una referencia a “El fantasma de la ópera”, con Homer moviéndose por encima del público y el batín cubriéndole media cara como la máscara del fantasma. Capitulo: Homer solo Solo en casa (Home Alone, 1990) Aparte de la parodia del título del episodio al título original de la película (Homer Alone - Home Alone), cuando Homer descubre que ha perdido a Maggie pone la misma cara que Kevin (Macaulay Culkin) en la película. Capitulo: Especial Noche de Brujas II It’s the Great Pumpkin, Charlie Brown (1966) Al principio del episodio, mientras el plano se va acercando a la casa de los Simpson, pasan fugazmente seis niños disfrazados de la misma forma que Charlie Brown y sus amigos en su película de Halloween. Capitulo: Especial Noche de Brujas II El expreso de medianoche (Midnight Express, 1978) La escena en que Homer es cacheado antes de subir al avión en el aeropuerto de Marruecos y se le descubren varios souvenirs pegados a su barriga, es una parodia (incluyendo la música) del principio de El expreso de medianoche en que la policía turca cachea a Billy Hayes (Brad Davis) y le descubren varias tabletas de heroína pegadas al vientre. En ambos casos un gran número de policías rodea y apunta con sus pistolas al infractor. Capitulo: Tiene derecho a permanecer muerto Sólo se vive dos veces (You Only live Twice, 1967) El mensaje que aparece al final de la película de McBain es igual que el que aparecía hace años al final de cada película de James Bond para anunciarnos la siguiente aventura del agente secreto: “…but James Bond will be back on…” Capitulo: El pony de Lisa El padrino (The Godfather, 1972) Lisa se despierta sobresaltada y chillando cuando descubre la cabeza de un pony en su cama. De la misma forma se despierta en la película el productor de cine que se niega a colaborar con “La Familia” y se encuentra con la cabeza ensangrentada de su caballo más valioso dentro de la cama. Capitulo: El pony de Lisa El pequeño Nemo (Little Nemo: Adventures in Slumberland, 1989) Homer se duerme al volante de su coche y tiene un sueño en el que su coche se convierte en una cama y vuela por el cielo acompañado por unos angelitos. Toda esa secuencia tiene un estilo similar a las aventuras del pequeño Nemo en el país del sueño. Capitulo: Sábados de trueno Colores de guerra (Colors, 1988) En el fragmento de la película de McBain que Homer ve en el videoclub, el compañero de McBain es asesinado y éste grita sobre su cuerpo ensangrentado mientras la cámara se aleja de los dos. Una escena muy parecida a la que protagonizan Sean Penn y Robert Duvall en la película Colores de guerra con el alejamiento de la cámara incluido. Capitulo: Sábados de trueno Días de trueno (Days of Thunder, 1990) Aparte del paralelismo entre el título del episodio y el de la película, la escena en que Bart va a ver a Martin al hospital después de su accidente es una parodia de la misma situación que se produce en Días de trueno cuando Cole Trickle (Tom Cruise) visita a Rowdy Burns (Michael Rooker) tras su accidente. En ambos casos, el piloto hospitalizado le pide al piloto sano que conduzca su coche por él en la próxima carrera. Capitulo: Bart, el asesino Uno de los nuestros (Goodfellas, 1990) Además de compartir el argumento general con la película (un niño que se une a un grupo de mafiosos), hay varias escenas calcadas al film. Entre ellas, ésta en la que Bart se presenta ante Marge con el traje que le ha regalado Tony el Gordo, igual que el joven Henry Hill lo hacía ante su madre. Capitulo: Bart, el asesino Uno de los nuestros (Goodfellas, 1990) Igual que hacía Henry Hill en la película, Bart también trabaja sirviendo copas a los mafiosos mientras éstos juegan al póker. Además, recibe las propinas igual que él. Capitulo: Bart, el asesino Uno de los nuestros (Goodfellas, 1990) En su pesadilla, Bart ve al director Skinner colgado en un congelador entre piezas de carne. De la misma forma aparecía en Uno de los nuestros el cadáver de Frankie Carbone (Frank Sivero). Capitulo: Bart, el asesino Toro salvaje (Raging Bull, 1980) En un momento del episodio, Bart sirve una fuente de champagne de la misma forma que lo hacía Jake La Motta (Robert De Niro) en Toro salvaje, otra película de Scorsese. Capitulo: Definición de Homer James Bond contra Goldfinger (Goldfinger, 1964) Homer salva la Central Nuclear cuando faltan 007 segundos, el mismo tiempo que le resta a James Bond (Sean Connery) cuando salva la base militar. Capitulo: Papá, loco de atar El silencio de los corderos (The Silence of the Lambs, 1991) Uno de los pacientes del hospital psiquiátrico en el que es ingresado Homer guarda muchas similitudes con el Dr. Hannibal Lecter (Anthony Hopkins). Capitulo: Papá, loco de atar Alguien voló sobre el nido del cuco (One Flew Over the Cuckoo’s Nest, 1975) El hospital psiquiátrico en el que ingresan a Homer guarda muchas similitudes con el de la película. Entre otras: los pacientes juegan a las cartas, un viejo aporrea un saco de boxeo con su bastón, otro baila solo por la sala, el Jefe Bromden observa silencioso, las terapias de grupo con su enfermera o el personaje que sufre agorafobia. Capitulo: Cuando Flanders fracasó Sólo se vive dos veces (You Only Live Twice, 1967) En este episodio el Sr. Burns sostiene en sus brazos un gato de Angora de la misma forma que lo hacía el villano Ernst Stavro Blofeld en varias películas de James Bond. Capitulo: Cuando Flanders fracasó ¡Qué bello es vivir! (It’s a Wonderful Life, 1946) Al final del episodio, todos los vecinos de Springfield acuden a ayudar al bueno de Ned Flanders. En la película, todos los amigos de George Bailey (James Stewart) acuden para prestarle su ayuda y acaban brindando y cantando al son de un acordeón. Capitulo: Cuando Flanders fracasó ¡Qué bello es vivir! (It’s a Wonderful Life, 1946) En medio de tanta alegría por ver cómo sus amigos ayudan a su marido, Mary Bailey (Donna Reed) se echa las manos a la cara y sonríe incrédula. Un gesto exactamente igual es el que utiliza Maude Flanders cuando contempla la solidaridad de sus vecinos con su marido. Además, lleva un vestido igual que el de la protagonista de ¡Qué bello es vivir!. Capitulo: Bart, el asesino El padrino (The Godfather, 1972) En el local de Tony el Gordo se celebra una reunión muy similar a la reunión de las cinco familias de El padrino, aunque en Springfield se celebra para que el jefe de la mafia rival pruebe el mejor Manhattan de todo Springfield. Capitulo: Bart, el asesino El padrino 2ª parte (The Godfather: Part II, 1974) Decepcionado por el Manhattan que le han preparado, el jefe de la mafia rival le da el beso de la muerte a Tony el Gordo. El mismo beso le daba Michael Corleone (Al Pacino) a su hermano Fredo (John Cazale) al descubrir su traición en la 2ª parte de El Padrino. Capitulo: Bart, el asesino El padrino 2ª parte (The Godfather: Part II, 1974) En el juicio contra Bart por la desaparición de Skinner se muestra un organigrama en el que se le sitúa como el jefe de toda la organización mafiosa. Un organigrama similar es el que se puede ver en el juicio contra Michael Corleone (Al Pacino) con éste a la cabeza de toda la estructura. Capitulo: Rasca, Pica y Marge Campo de sueños (Field of Dreams, 1989) La larga fila de furgonetas acudiendo de noche a entregar las cartas de protesta por la violencia de Rasca y Pica es igual que la hilera de coches que acuden al campo de Ray (Kevin Costner) al final de la película. Referencia confirmada en los comentarios del DVD. Capitulo: Papá, loco de atar Un beso para Birdie (Bye Bye Birdie, 1963) El mosaico de gente hablando por teléfono para extender el rumor de la llegada de Michael Jackson a Springfield es igual al que se forma en uno de los simpáticos números musicales de la película para extender el rumor de la relación entre Hugo (Bobby Rydell) y Kim (Ann-Margret). Capitulo: Tres hombres y un cómic Sabotaje (Saboteur, 1942) La escena en que Milhouse está a punto de caer de la casa del árbol y es sujetado por Bart es idéntica en varios planos a la escena final de la película Sabotaje de Alfred Hitchcock en la que Frank Fry (Norman Lloyd) se queda colgando de la antorcha de la Estatua de la Libertad y Barry Kane (Robert Cummings) trata de salvarle. Ambos son agarrados de la manga, lo que provoca que su chaqueta se vaya rasgando poco a poco. Capitulo: La familia va a Washington Caballero sin espada (Mr. Smith Goes to Washington, 1939) Tanto el episodio como la película giran en torno a la denuncia de un caso de corrupción en Washington. Además, varios planos de la visita de Lisa a la estatua de Licoln para pedirle consejo, son calcados a los de la película protagonizada por James Stewart. Capitulo: Sangrienta enemistad Ciudadano Kane (Citizen Kane, 1941) El ángulo de la cámara en la escena en que el Dr. Hibbert diagnostica la hipohemia del Sr. Burns es igual al de la escena de Ciudadano Kane en la que la esposa de Kane recibe la visita del médico. Además, las ventanas de la habitación del Sr. Burns son idénticas a las de la habitación de Kane (clic aquí). Capitulo: Homer contra Lisa y el octavo mandamiento Los diez mandamientos (The Ten Commandments, 1956) Todo el flashback del principio del episodio en el Monte Sinaí del año 1220 a.C. es una parodia del momento de Los diez mandamientos en que Moisés (Charlton Heston) aparece con las tablas. Capitulo: El suspenso del perro de Bart Desmadre a la americana (Animal House, 1978) Al final del episodio se congela la imagen en varios de los perros graduados en la Escuela canina y una frase nos cuenta su futuro a partir de ahí. Lo mismo pasaba al final de la película con los personajes principales. Capitulo: Homer, el bailón El mejor (The Natural, 1984) Gracias a los ánimos de Homer con su baile, Bill McCloskey consigue batear la pelota y mandarla fuera del campo de la misma forma que lo hace Roy Hobbs (Robert Redford) en la película. La pelota es lanzada hacia la pantalla, McCloskey/Hobbs batea con fuerza y el público se queda con la boca abierta observando como la pelota se eleva cada vez más. Y todo ello acompañado con una sintonía similar a la de la película. Capitulo: El suspenso del perro de Bart El show de Bill Cosby (The Cosby Show, 1984) La disposición de la cocina del Dr. Hibbert y los miembros de su familia son prácticamente idénticos a los del Dr. Huxtable (Bill Cosby) en la serie Capitulo: El sustituto de Lisa El graduado (The Graduate, 1967) El ángulo de la cámara por debajo de la pierna de la Srta. Krabappel cuando ésta intenta seduir al Sr. Bergstrom es idéntico al de una esecena de la película en la que la Sra. Robinson (Anne Bancroft) intenta lo mismo con Benjamin Braddock (Dustin Hoffman). En ese momento, tanto Benjamin como el Sr. Bergstrom pronuncian la frase “Está usted intentando seducirme”. Además, la voz del personaje del Sr. Bergstrom es interpretada en la versión original por Dustin Hoffman. Capitulo: El sustituto de Lisa El graduado (The Graduate, 1967) Cuando el Sr. Bergstrom se marcha de Springfield, vemos a Lisa correr junto a su tren de la misma forma que corría Ben (Dustin Hoffman) junto al autobús de Elaine (Katharine Ross). Capitulo: Rasca, Pica y Marge Las aventuras de Tom Sawyer (The Adventures of Tom Sawyer, 1938) Durante la etapa de no violencia de Rasca y Pica en televisión, los niños salen a jugar por el pueblo y algunos se dedican a pintar una valla de blanco como lo hacían los amigos de Tom Sawyer en su historia. Capitulo: El suspenso del perro de Bart E.T. El Extraterrestre (E.T. The Extra-Terrestrial, 1982) Cuando Lisa le enseña a Marge el cayo de su dedo costurero, ambas juntan sus dedos mientras suena brevemente la sintonía de la película, recordando el momento en el que Elliot (Henry Thomas) se hace un corte en un dedo y E.T. se lo cura con el suyo. Capitulo: Dinero viejo Tom Jones (Tom Jones, 1963) La forma en que Bea Simmons y Abe Simpson se toman sus pastillas uno frente a otro, haciendo gestos seductores y provocativos, y enlazando sus manos para tomarse el vasito de agua, es una referencia clara a una escena de la película Tom Jones en la que Tom (Albert Finney) y la Sra. Waters (Joyce Redman) comen uno frente a otro haciendo gestos similares. Capitulo: Tres hombres y un cómic Batman (Batman, 1989) Bart, con su antifaz y su capa, agarra del pecho al tipo de la Convención de Cómics, se acerca a su cara y mirándole a los ojos le dice “Soy Bartman”. Lo hace de la misma forma y con el mismo tono de voz que Michael Keaton al principio de la película, cuando agarra a un malhechor por el pecho y le dice “Soy Batman”. Capitulo: Director encantador Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind, 1939) Cuando Patty deja a Skinner, éste comienza a llorar desconsoladamente sobre las escaleras del colegio. A continuación se levanta y vemos su silueta bajo las ramas de un árbol, con un cielo anaranjado de fondo y pronuncia unas palabras que terminan con la frase “Después de todo, mañana será otro día de colegio”. Ambas escenas, la música que suena de fondo y las palabras de Skinner son un calco del final de Lo que el viento se llevó con Escarlata O’Hara (Vivien Leigh) pronunciando una frase similar en dos escenas idénticas. Capitulo: Rasca, Pica y Marge Psicosis (Psycho, 1960) Toda la escena del martillazo de Maggie a Homer es un homenaje plano por plano a la conocida escena de la ducha de Psicosis en la que “la madre de Norman Bates” ataca a Marion Crane (Janet Leigh), incluyendo además la inquietante sintonía de la película. Capitulo: Pinta con grandeza Batman (Batman, 1989) Krusty se desmaquilla como lo hace el Jocker (Jack Nicholson) para dejar ver su auténtico color de piel. Capitulo: Pinta con grandeza Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind, 1939) El momento en el que Homer decide ponerse a dieta, levanta su puño y exclama “A Dios pongo por testigo que ya siempre pasaré hambre” es una parodia de la conocida escena de Lo que el viento se llevó en la que Escarlata O’Hara (Vivien Leigh) levanta su puño y grita “A Dios pongo por testigo que jamás volveré a pasar hambre”. Capitulo: Homer, el bailón El orgullo de los yankis (The Pride of the Yankees, 1942) Toda la secuencia en blanco y negro con el emotivo discurso de despedida de Homer antes de marcharse a Ciudad Capital es calcada plano a plano al discurso de despedida de Gary Cooper en la película, con un pasillo de jugadores, la afición escuchándole en silencio, sus compañeros emocionados y el lento caminar hacia los vestuarios. Capitulo: Homer contra Lisa y el octavo mandamiento Con la muerte en los talones (North by Northwest, 1959) La escena en la que Homer intenta parar a la furgon[/size

Descubrieron que el Tequila rejuvenece.... Al otro día amaneces como un bebé... ¡¡Vomitado, Meado, Cagado y peor todavía ... Gateando!! Enclavados en el corazón de México, los valles de color verde azulado del agave tequilero nos recuerdan que estamos en la esplendorosa tierra donde se elabora la bebida más representativa de la nación. Es un paisaje que prepara para el disfrute del recorrido por añejos poblados jaliscienses, como Atotonilco El Alto, Arandas, Teuchitlán, Magdalena, El Arenal, Amatitán y, por supuesto, Tequila, que en su nombre lleva la fama y que, además, ya es patrimonio cultural de la humanidad. Se trata de una comarca donde el maguey o agave ha existido desde tiempos remotos. José María Muriá, historiador de El Colegio de Jalisco, dice que para los indígenas era un verdadero “mil usos”: lo utilizaban para curar enfermedades y para teñir el cabello; de sus tallos y puntas obtenían cuerdas, tejas, clavos, agujas, hilo y leña, y cocían las pencas para consumirlas como golosinas. También sabían del gozoso mareo que produce su jugo fermentado. Después, los españoles aportaron los alambiques, y así surgió una bebida muy mestiza, fruto del agave americano y del proceso de destilación de origen árabe usado en Europa. Durante la época virreinal, las continuas prohibiciones a los aguardientes locales no impidieron el surgimiento de una agroindustria en la jurisdicción de Tequila, y las autoridades muy pronto se percataron del beneficio de gravarlo con impuestos. Así fue creciendo el cultivo del agave azul —primo del maguey pulquero—, para elaborar el llamado vino mezcal en las fábricas que entonces se conocían como tabernas, y cuyos vestigios más antiguos, asegura el historiador Muriá, se han encontrado en Amatitán. Con el tiempo la producción se extendió a otros poblados de Jalisco y, ya acreditado en los albores del siglo XX como mezcal tequila o mezcal tequilero, terminó por quedarse solamente con el apelativo de la colorida población, situada a unos 57 kilómetros de la ciudad de Guadalajara, donde es común oír los apellidos de productores famosos como Orendain, Cuervo y Sauza. La Prueba de la Etiqueta El tequila sólo se vende envasado y etiquetado. La palabra “tequila” debe figurar siempre en la etiqueta. Aunque esta indique “100% puro de agave”, sin esa palabra se trata de otro tipo de destilado de agave, pero no de tequila. Un tequila puro de agave azul, además de la palabra “tequila”, debe decir “100% agave”, “100% de agave”, “100% puro de agave” o “100% puro agave”, únicas leyendas autorizadas, y al final puede aparecer o no la palabra “azul”. Algunos destilados de agave que se hacen pasar por tequilas usan términos similares en sus etiquetas: “100% natural”, “100% destilado”, “100% sabor a agave”, “100% añejado”, “100% de arandas”, “100% envasado de origen”, “destilado de agave”, “licor de agave” y otros. Aunque la etiqueta diga “100% puro de agave”, debe incluir la palabra “tequila” para serlo de verdad. El nombre “tequila” es una denominación de origen, y mostrar esta palabra en la etiqueta garantiza que al menos 51% es de agave azul. En la etiqueta deben aparecer las siglas NOM, de la Norma Oficial Mexicana NOM-006-SCFI-2005, seguidas de cuatro dígitos de la auto-rización del productor, más las siglas CRT, del Consejo Regulador del Tequila. La etiqueta debe tener marca registrada, graduación de alcohol, contenido neto expresado en litros o mililitros, nombre o razón social y domicilio del productor y envasador, número de lote, la mención de que está hecho en México y el holograma del Sistema de Administración Tributaria (SAT). Además de los destilados que simulan ser tequilas, hay bebidas apócrifas y con etiquetas engañosas o falsas. Suelen venderse en mercados callejeros, en la vía pública y en locales de dudosa reputación. ¡Mejor no se arriesgue! La cosecha de las piñas Aunque esta industria hoy día usa tecnologías avanzadas, el proceso de elaboración sigue el curso milenario iniciado con el cultivo del Agave tequilana Weber azul, una recia variedad de hojas esbeltas y elegantes, llamada así por el médico militar francés Frédéric Albert Constantin Weber. Según el doctor Abisaí García-Mendoza, del Instituto de Biología de la Universidad Nacional Autónoma de México, Weber fue un gran entusiasta de la botánica que estuvo en México, probablemente con el Ejército francés, y en 1902 describió las características de esta especie en el Boletín del Museo Nacional de Historia Natural de París. La jima, o cosecha, se realiza todo el año. De esta dura faena se ocupan hábiles jornaleros, quienes cortan las pencas a ras del tallo con la coa, una hoja de metal con punta semicircular afilada. Así obtienen el corazón o cabeza, conocida como bola o piña por la forma que adquiere al final del corte, y que concentra la mayor cantidad de azúcares de la planta. De acuerdo con los expertos, para elaborar un litro de tequila puro (55% de alcohol por volumen), se requieren entre 6,5 y 7 kilos de agave azul, en promedio. Proceso riguroso Las piñas pesan en promedio 34 kilos, dice el ingeniero Ramírez, y aunque no es muy común, algunas llegan a pesar 100 kilos. Pero lo importante no es el peso, sino la cantidad de azúcar. Una vez cosechadas, las piñas se mandan a las fábricas, donde se cuecen para transformar sus almidones en azúcares fermentables. En hornos de mampostería, el proceso tarda uno o dos días a temperaturas de entre 70 y 90° C, pero en autoclaves la cocción lleva mucho menos tiempo. Luego las piñas cocidas se prensan para extraer hasta la última gota del valioso y dulce jugo llamado mosto, el cual se envía de inmediato a las piletas de fermentación cuando se va a elaborar el tradicional tequila 100% agave, que contiene exclusivamente azúcares de agave azul. Desde hace varias décadas, el nombre tequila es una denominación de origen, como una bebida alcohólica elaborada con por lo menos un 51% de mosto de Agave tequilana Weber variedad azul. Antes de enviar el mosto a fermentar, algunos productores lo mezclan con otros azúcares (de maíz o caña de azúcar), cuya proporción no debe superar el 49% en ningún caso. Actualmente, más de la mitad del tequila fabricado por las 163 casas productoras autorizadas es 100% agave. Piñas de agabe seleccionadas para extraer el summum ¿Blanco o extra añejo? La fermentación del mosto en piletas de acero inoxidable tarda entre 12 y 24 horas, y hasta tres días cuando se trata de tequila 100% agave; en ese lapso las levaduras agregadas transforman el jugo en alcohol etílico, el cual se somete a doble destilación en alambiques de acero (antes eran de cobre). Dependiendo de la temperatura y el equipo usado, este proceso tarda entre una hora y media y seis horas “en la primera destilación (destronamiento) —dice Ismael Ramírez—, y entre 2 y 12 horas en la segunda (rectificación)”. La fortísima bebida resultante, de cerca de 55% de alcohol por volumen, es el tequila blanco, que rara vez se consume con esa fuerza, pues los tequilas se diluyen a una graduación comercial de 35, 38 y 40% de alcohol por volumen. Hoy día hay cinco clases de producto final del tequila y del tequila 100% agave: blanco o plata, joven u oro, reposado, añejo y extra añejo. El blanco se envía a envasar casi de inmediato, al igual que el joven, que es un blanco suavizado con edulcorantes y colorantes, o con la adición de un reposado o añejo. Los otros tres maduran en barricas de roble o encino, que les confieren sabor, aroma y color. El reposado se deja allí un mínimo de dos meses; el añejo, al menos un año, y el extra añejo, tres. El tequila 100% puro de agave sólo se envasa en la fábrica del productor. El tequila puede embotellarse en el lugar de origen o enviarse a granel a plantas envasadoras dentro del territorio de la denominación de origen, o bien, al exteior, para ser embotellado por empresas certificadas. Francisco Hajnal Alfaro, presidente de la Academia Mexicana de Catadores de Tequila, señala que aunque la materia prima y el proceso general de elaboración son iguales para garantizar su autenticidad, el cuidado en cada etapa establece la diferencia de calidad entre cada marca de tequila. Bebida mundial El tequila ha sido siempre una bebida fuerte de tipo popular, pero desde principios de los años 90 ha ganado prestigio en nuevos mercados de México y del exterior. Según Francisco González García, presidente de la Cámara Nacional de la Industria Tequilera, esto se debe al impulso que se ha dado a los tequilas de alta calidad, a la unificación de toda la cadena productiva en el Consejo Regulador del Tequila, en 1994, y a la inversión en marketing. Además, se ha intensificado la lucha contra las bebidas adulteradas, un delito que no sólo ocurre en México: se han detectado tequilas falsos en Uruguay, España, Canadá, Australia, Lituania y Nueva Zelanda. Con todo, esta agroindustria va en ascenso, y hoy genera más de 30.000 empleos directos. En 1995 la producción fue de 104 millones de litros, y este año se prevén 260 millones: ¡un aumento del 150%! Más de la mitad se exporta a 120 países, principalmente a los Estados Unidos. Las posibilidades de crecimiento son enormes. Según González García, el tequila representa el 33% del mercado nacional de bebidas alcohólicas; el 6% del estadounidense, y el 2% del internacional. Actualmente, la prosperidad de la industria tequilera se observa en la transformación de la tierra del agave en un destino turístico: la llamada Ruta del Tequila, concebida para que los paseantes conozcan cómo se produce el aguardiente. Allí, luego de visitar plantaciones y destilerías, entre alegres degustaciones y sabrosos tacos de fajitas de carne al tequila, no podemos menos que valorar el esfuerzo de tantos mexicanos para elaborar la bebida de la nación… y del mundo.

ANÉCDOTAS Foto en la que se inspiró la tapa del primer disco de Queen Resulta que el disco titulado Queen que fue grabado a fines de 1973, tiene un dibujo como portada de Freddie levantando los brazos y un haz de luz que lo enfoca. Cuestión que esa imagen esta hecha en base a una fotografía de un show de Queen que dió en el prestigioso Marquee Club de Londres el 20 de diciembre de 1972. Esa noche en la que actuaron para aproximadamente 500 personas, cantaron: Great King Rat, Son And Daughter, Jesus, Doing All Right, Ogre Battle, Keep Yourself Alive, Liar, Jailhouse Rock y Bama Lama Bama Loo en ese orden. Además de constituír uno de los primeros registros fotográficos de la banda esta la buena noticia de que existe una grabación oficial de ese recital. Sería el primer recital de Queen del que se posee una copia y esta actualmente en manos de Queen Productions. Pelo, Nariz y Dientes: la banda de Rod, Elton y Freddie Me siento muy cercano a mucha gente, como David Bowie y Elton John. Elton es un gran viejo listillo, ¿verdad? Lo quiero a morir y creo que es fabuloso. Para mí, él es como una de esas últimas actrices de Hollywood que tanto valen. Ha sido un pionero del rock’n'roll. La primera vez que me lo encontré estuvo maravilloso, una de esas personas con las que te llevas bien de inmediato. Dijo que le gustaba “Killer Queen”, y cualquiera que diga eso ya pertenece a mi lista de amistades. ¡Mi lista negra está que revienta! Freddie Mercury, en una entrevista radial Hace tiempo, Rod Stewart, Elton John y yo íbamos a formar un grupo llamado Hair, Nose and Teeth, por nuestros rasgos físicos. Nos habíamos reunido de vez en cuando en fiestas o cenas, y simplemente pensamos que debíamos cantar junto. Pero creo que meter a tres personas como nosotros en un estudio sería como lanzar una bomba y esperar a que explotara. Está muy bien cuando has bebido mucho vino y hablas de eso y dices “sí, hagámoslo”, pero al día siguiente, cuando estás sobrio y Elton dice “no voy a cantar con Rod”, y Rod dice “no voy a cantar con Freddie”, y yo digo “¡bueno, no voy a cantar con Elton!”, entonces, te das cuenta de que nunca va a ocurrir. ¡Además, ninguno de nuestros egos podría ponerse de acuerdo en el orden de las palabras! Naturalmente, yo querría llamar al grupo Teeth, Nose and Hair y los otros querrían llamarlo empezando por su atributo físico. ¡Así son las cosas! Pero si alguna vez surge la ocasión, me compraré el disco. Les tengo mucho cariño a Rod y Elton. Ambos vinieron a mi última fiesta de cumpleaños y cantaron cumpleaños feliz cuando entró el pastel. Yo exclamé “¡Seguramente ésta es la primera vez que vosotros dos habéis cantado sin que os paguen por ello!”. Cuando estuvimos en Los Ángeles trabajando en el álbum de Queen The Works, Rod estaba en la ciudad, y vino y empezamos a improvisar. Cantó en una canción que yo había escrito ( que terminó titulándose “Let Me Live” lanzada en Made in Heaven, sin Rod). Todo se hizo de manera improvisada, de la misma manera que David Bowie y Queen hicimos “Under Pressure”. Simplemente entró en el estudio y estuvimos jugando un poco, y el tema fue creciendo y finalmente se convirtió en una canción. O sea que estas cosas no se pueden planear, porque si lo intentaras nunca sucederán. Freddie Mercury enfrenta a Sid Vicious y habla del punk Toda la movida punk [1977] fue una etapa dura para nosotros, y pensaba que eso es lo que acabaría con nosotros, pero si existe un desafío y lo asumimos, eso es lo que nos hacer seguir adelante. De hecho, nunca lo olvidaré, estábamos en el estudio haciendo la canción «Sheer Heart Attack», y resulta que los Sex Pistols estaban en el estudio de al lado. Ya te puedes imaginar a nosotros y los estandartes do toda la movida punk rock anti-sistema bajo el mismo techo. De todas maneras, hice entrar a Johnny Rotten y Sid Vicious para que escucharan uno de nuestros temas y les dije que cantaría en una de sus canciones si ellos cantaban en una de las mías, y deberías haberlos visto. Era en plan: «¡No podemos cantar con Freddie Mercury!». Por entonces yo llevaba zapatillas de ballet, y cosas por el estilo. Fue bastante divertido. Creo que llamé a Sid Vicious, Simón Ferocious, o algo así, y no le gustó en absoluto. Le dije: « ¿Y qué vas a hacer al respecto?». Tenía todas esas marcas, así que le pregunté si se había estado arañando delante del espejo, y él odió que yo pudiera hablarle de esa manera. No queremos ser escandalosos. Es sólo que somos así. Somos los Cecil B. DeMille del rock’n'roll, ¡siempre queremos hacer las cosas a lo grande y mejor! Pero el talento sigue siendo importante. A veces pienso: «Oh, Dios mío, la gente debe pensar que me estoy esforzando mucho en cultivar esta imagen»; pero no es así. Odiaría vivir bajo falsas apariencias. Queen no somos unos farsantes. Ofrecíamos una especie de imagen. Pero no la etiquetábamos de ninguna manera. Decíamos: «¡Esto es Queen! Ésta es nuestra música, y así es cómo nos presentamos». Lo gracioso acerca de Queen es que nadie puede ponernos una etiqueta en concreto, y no queremos dársela a nadie. Decimos: «Así somos nosotros, y de vosotros depende cómo nos interpretéis». El amaneramiento y la extravagancia también entran en juego. Nos gusta disfrazarnos. Si cultivas cierta imagen, es sólo a corto plazo, pero nosotros estamos en esto a largo plazo. Si mañana de repente el ballet se pusiera de moda, o el jazz disfrutara de una nueva etapa de popularidad, nosotros no cambiaríamos. Seguiríamos tocando lo mismo, porque en eso es en lo que realmente creemos. Fuente: Libro “Freddie Mercury, su vida contada por el mismo” de Brooks y Lupton. Freddie Mercury, Marlene Dietrich y la famosa imagen de Bohemian Rhapsody Mick Rock, fotógrafo de Queen en su primera etapa, tomo la idea de la pose de Freddie para la tapa de Queen II (luego replicada en el video de Bohemian Rhapsody) de la película “Shanghai Express” dónde Marlene Dietrich posó de la misma forma. Dietrich protagoniza en esa película una historia romántica en 1932 sobre un tren que deja Beijing para ir a Shanghai en el medio de la tumultosa Guerra Civil China. El papel de ella era el de una prostituta de clase alta llamada “Shanghai Lily”, ¡toda una Killer Queen!. La película representa un microcosmos europeo en el ámbito de un viaje en tren. Para colmo, casi al final del film, un puesto de diarios muestra el contenido de un periódico llamado “Shanghai Mercury”. Freddie, por otro lado, tenía un amor a todo lo que representaba la cultura oriental y en especial la japonesa, manifestada en algunas puestas en escena de sus comienzos. En conexión a esto, aca tenemos una foto de Marlene en la película que mencionamos, vistiendo un kimono, la prenda de vestir japonesa, y sosteniendo un abanico. Al lado, tenemos a Freddie en escena en los 70′s con un aspecto muy parecido. ¿Sabías que Have a Nice Day… consistía en una breve canción de apenas 42 segundos en la cuál Freddie pide disculpas por no poder asistir a la Convención del Fan Club de Queen?. La excusa era que había estado grabando toda la noche anterior lo que sería el soberbio disco Barcelona. Así es que entre canción y canción compusieron y grabaron esta joyita. Al final aclara que quién toca el piano es Mike Moran. La mezcla la realizó David Richards. link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=BioQZsP_pnE La borrachera y papelón de Freddie y el cantante de Spandau Ballet Una extraña noche de Abril de 1985, 45.000 fans de Queen que abarrotaban el “Mount Smart Stadium” de Auckland (Nueva Zelanda), asistieron estupefactos a un hecho insólito: Tony Hadley, lider del grupo pop “Spandau Ballet”, tratando de cantar penosamente “Jailhouse Rock” con un Freddie Mercury totalmente borracho y fuera de control. Hadley conocía a Freddie desde hacía tiempo, y puesto que la gira por Nueva Zelanda acababa de suspenderse, y Queen estaba en el país para ofrecer uno de sus shows multitudinarios, decidió acercarse a saludar. Freddie, siempre dispuesto a organizar una gran fiesta en el momento más inesperado, invitó a Hadley a su hotel. Una vez allí fueron juntos al bar y pidieron una botella de Stolichnaya, que era el vodka favorito de Freddie. Charlaron, bromearon y bebieron hasta estar lo suficientemente borrachos como para considerar la posiblilidad de improvisar una “jam-sesion” esa misma noche. Subieron a la habitación de Freddie, siguieron bebiendo y Freddie le propuso a Hadley que cantansen juntos “Jailhouse Rock”. El pobre Hadley, totalmente confuso, replicó que no conocía el texto de la canción, pero Freddie le hizo callar con un contundente: “No te preocupes, yo tampoco conozco la jodida letra del tema”. Y acto seguido llamó a Taylor y a Deacon, y les hizo saber lo que se les venía encima. Ambos aceptaron sin rechistar, así que Freddie se dispuso s saltar el único obstáculo que le separaba de esa “jam” histórica, y marcó el número de teléfono de la habitación de Brian May, a quien por lo general no solían hacerle gracia este tipo de excentricidades. Sin embargo, May no opuso resistencia, y Freddie siguió bebiendo con Hadley mientras ambos trataban de aprenderse la letra de la canción. Después de este ensayo tan inusual, Hadley se retiró a descansar, y cuando llegó la noche se desplazó al estadio y encontró a Freddie totalmente inconsciente en los camerinos, minutos antes de empezar el show. Nadie sabía que diablos pasaba, jamás habían visto a Freddie borracho antes de un concierto. Le pidieron explicaciones a Hadley, y este admitió que esa tarde se habían bebido varias botellas de vodka. Mercury estaba tan mal que los roadies tuvieron que vestirle mientras intentaban reanimarlo. Cuando finalmente volvió a la vida, gritó a sus subordinados: ¡”Gilipollas, me habéis puesto la ropa al revés!”, y el proceso volvió a empezar, mientras la cinta de introducción del concierto ya estaba sonando. Esa noche Freddie Mercury no ofreció el show más profesional de su vida, a duras penas podía moverse y tenía serios problemas para sacar adelante cada canción, pero se las arregló para hacer su trabajo, mientras sus compañeros de grupo lo miraban horrorizados, y el pobre Hadley se encontraba en pleno estado de pánico. En un momento determinado, Freddie se acercó a Hadley y le gritó: “¡Hadley, bastardo! ¡Estoy jodido!”. Cuando por fin llegó el momento de la super “jam”, Hadley saltó al escenario y empezó a cantar “Tutti Frutti” mientras la banda tocaba “Jailhouse Rock”. Aquello fue simplemente un concierto “memorable”. Un mediodía con Groucho Marx El encuentro se produjo en 1977 en Los Angeles durante una gira que realizabamos con Queen ahí mismo, Groucho murió ese año de neumonía. Como ustedes sabrán el nombre del disco lo sacamos de una película de este genio (al igual que el disco que lo sucedió), Roger les cuenta en este extracto de ese DVD detalles sobre ese almuerzo y como llegamos a ponerle ese título al álbum de Queen. Estabamos en la frontera de Gales, literalmente sentados en nuestros sofás de plush. Era un lugar bastante basico pero teniamos esta fantastica cosa nueva llamada videoreproductor y creo que Roy, nuestro productor, tenía la pelicula de los hermanos Marx “A Night at the Opera” y recuerdo que estabamos sentados despues de cenar porque era sabado a la noche, nuestra noche libre y ya no ibamos a trabajar más… y Fred y yo nos miramos y dijimos “Es un buen titulo. Buen titulo.” Porque justo habiamos hecho una especie de parodia operística, Bohemian Rhapsody, y creo que todos pensaron que era un buen título. En esos días había unas cosas llamadas Télex, y Groucho nos mandó un Télex (felicitandoles por el lanzamiento tanto the ANATO como así también de A Day at The Races) y nosotros así le respondimos. Sé que alguien arregló una reunión y que nos invitaron a almorzar, así que fuimos a almorzar a casa de Groucho Marx. De hecho fuimos tres. John se acobardó. Él era… dios, era un personaje. Tenía une enfermera atractiva y un representante atractivo y de repente hizo venir a un atractivo pianista que tocó algunas canciones, Lydia the Encyclopaedia y algo sobre una mujer de Omaha y luego el dijo: “Bueno, son cantantes…¡Canten, carajo!” y dijimos: “Si, por Dios, no podemos, no tenemos guitarra ni instrumentos” y el dijo “Aqui tenemos una”. Asi que sacaron una guitarra española de la nada y cantamos ’39 para Groucho Marx… link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=VkIugRNA1tM ¿Qué pasó entre Michael Jackson y Freddie Mercury? Mercury estuvo trabajando durante unos días con Michael Jackson en la década de los 80.Pero May nunca estuvo en aquellas sesiones de grabación en Los Ángeles ni tuvo nada que ver con ellas. Es más, el grupo estaba "separado", en la crisis que se llamó 'Hot Space', como el título del álbum. Pero ahora sí reprime a cualquiera que pueda escuchar 'State of shock' y 'There must be more to life than this', los dos temas que Michael y Freddie grabaron juntos. Resulta, como cuentan sus biógrafos, que en la época de ambas grabaciones, a comienzos del año 82, Freddie Mercury era un fan de Michael Jackson y del álbum 'Off the wall' y Michael se había fijado en algunos aspectos de Queen, como la imagen de Freddie vestido de rey y la voz, su gran voz. Mientras 'Thriller' se convertía en el gran monstruo del éxito, Michael Jackson les había prometido a sus hermanos participar en un nuevo álbum. Se iba a llamar 'Victory' . Algunos biógrafos apuntan a que Mercury también participó en 'Victory', pero no existe documentación sonora de ello. Lo que sí fue cierto es que grabó 'State of Shock', la misma canción que luego cantaría Mick Jagger. A cambio, Michael se prestó a cantar la enorme canción que es 'There must be more to life than this'. Existen dos versiones que circulan 'sónicamente'. Una con Michael cantando y Freddie tocando el piano. Y otra que se asemeja muchísimo a una mezcla final, cantando ambos, como un tema en dueto. Es formidable, a pesar de las limitaciones. «Michael solía visitarnos cuando estábamos de gira en Estados Unidos. Él y Freddie se hicieron amigos íntimos y grabaron juntos varios temas en casa de Michael que nunca hasta ahora habían visto la luz». Rumores y desencuentros ¿Qué pasó después?, ¿qué ocurrió para que Michael Jackson desestimase las dos colaboraciones? No lo sabemos. Se lo han llevado ambos a la tumba. Por las referencias biográficas, al parecer, Michael pilló a Freddie en el baño inyectándose heroína y se asustó. Se asustó muchísimo, amén de que veía a Freddy tomando cocaína de forma exagerada. Freddie contó en varias entrevistas, que Michael jamás entendió su "locura" o su sentido del humor inglés. Lo cierto es que ambos se llamaban 'Mr. Bad' y, definitivamente, 'There must be more to life than this' sin la voz de Michael, apareció en el álbum 'Mr. Bad Guy'. Curiosamente, el siguiente álbum de Michael se llamó 'Bad'. Aunque antes, 'State of shock' apareciera en 'Victory' de los Jackson con la voz de Mick Jagger. Michael Jackson & Freddie Mercury - There Must Be More To Life Than This link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_detailpage&v=V1idW1YyTmU Freddie Mercury & Michael Jackson-State of shock link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_detailpage&v=OEBo0Hf3LqE Los excesos de Freddie Mercury: Noche de Sábado en Sodoma La fiesta por antonomasia de los excesos la celebró Queen para el lanzamiento de su disco Jazz el 31 de octubre de 1978, en el Hotel Fairmont de Nueva Orleáns, tras el tercer concierto de su gira estadounidense de aquel año. El cantante se ha establecido como jefe de pista de las afamadas reuniones sociales de Queen. Cada uno de esos eventos es una Producción Freddie Mercury en la que no se escatima en gastos. Y ahora ha decidido que la fiesta de lanzamiento de su nuevo disco, Jazz, sea la más salvaje de la historia. Se había acordado un presupuesto de 290.000 euros, que fue convenientemente olvidado después de que Mercury declarara: “Que les den a los costes, queridos. Dejadnos vivir un poco”. Han elegido un local (el Fairmont, un elegante hotel en el barrio francés de Nueva Orleans). Han elaborado una lista de 500 invitados, que incluye a estrellas del rock y del cine, amigos y periodistas fieles a la banda. Han encargado la comida y la bebida: ostras, langostas, el mejor caviar del mundo, barriles de cerveza… Lo único que falta por organizar es el espectáculo. Según Bob Gibson, el promotor de Los Ángeles encargado de los festejos de la velada, “Freddie decidió que quería invitar a un montón de gente de la calle para animar las cosas. Me pidieron que buscara a gente con un punto excéntrico, cualquiera que pudiera darle un poco de color a la cosa”. Encontró, entre otros, a un especialista en arrancarles la cabeza de un mordisco a pollos vivos y a una mujer que, por un precio cercano a los 100.000 dólares, se ofrecía para autodecapitarse con una motosierra. No sin motivo la fiesta pasó a ser conocida como Sábado Noche en Sodoma. A medida que entraban en el hotel, los invitados eran recibidos por una tropa de enanos hermafroditas que servían cocaína en unas bandejas que llevaban sujetas sobre la cabeza. La coca había sido importada directamente de Colombia y el propio Mercury se había ocupado de comprobar su calidad. Fortalecidos por “rayas de polvos mágicos tan largas y gruesas como los brazos de tu abuela”, los invitados podían elegir entre un amplio menú de exóticas diversiones. Por las salas del hotel, decoradas para parecer ciénagas en medio de junglas laberínticas, pululaban magos, zulús, contorsionistas, comefuegos, drag queens y strippers transexuales. Servían las bebidas camareros y camareras desnudos, que solicitaban amablemente que las propinas no se depositaran sobre las bandejas, sino que se insertaran en alguna cavidad corporal. Bailarines desnudos se contorsionaban en el interior de jaulas de bambú suspendidas de los techos. Modelos de ambos sexos peleaban, desnudos, en enormes baños de hígado crudo, mientras mujeres samoanas de 150 kilos, tumbadas sobre grandes mesas, fumaban cigarrillos por distintos orificios. Como bonus, quienes visitaban los suntuosos baños de mármol del hotel recibían los servicios orales de profesionales de los dos sexos. “La mayoría de los hoteles ofrecen a sus huéspedes servicio de habitaciones”, bromeó Mercury. “Éste les ofrece servicio de labios”. Sabías que Queen fue la primera banda en: Tener 50 chicas desnudas montando en bicicleta (Bicycle Race). link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_detailpage&v=goq1MEzresg Hacer un tour por Sudamérica -Tocar 3 noches en un estadio en la misma ciudad, Buenos Aires. Grabar el himno nacional británico link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_detailpage&v=C6pA_Kh4fzg

El tiempo se acelera, la percepción 16 horas En internet uno se puede encontrar con todo tipo de teorías conspirativas e ideas descabelladas, pero una que hable sobre el acortamiento del día de 24 horas a tan sólo 16, parece superar nuestro umbral de asombro. Según los amantes de las explicaciones alternativas, "la elevación del latido o frecuencia base de la Tierra, llamada resonancia Schumann acorto la duración del día a 16 horas". A usted ¿no le parece que el día ya no le alcanza para nada? ¿No se siente más ansioso y estresado? ¿ Por qué cuando hago una actividad que me gusta y me apasiona el tiempo pasa tan rápido ?, por el contrario, ¿ por cuando hago algo que no me gusta o me desagrada el tiempo pasa tan…. pero tan lento ?. ¿ Por qué los eventos o circunstancias donde predominan emociones y pensamientos “positivos”, pareciera que en ellos el tiempo se acelera y la sensación que predomina es liviana o ligera ?. Por el contrario, ¿ por qué cuando predominan emociones y sentimientos “negativos”, pareciera que todo transcurre demasiado lento y con suma pesadez ?. Debido a los dos puntos anteriores, ¿ tiene algo que ver la “percepción del tiempo” con la emoción, sentimiento o calidad del evento ?, parece que sí. Lo que si siento y percibo es que TODO se está acelerando e intensificando. Las actuales crisis y caos globales, en lo económico, político, social y religioso son una realidad. Paralelamente, a habido en éstas últimas semanas un aumento en la incidencia de sismos y terremotos. “Paralelamente”, la actividad solar está alcanzando picos históricos. Antes, podíamos ir al trabajo, volver a casa, visitar a los amigos, ir un par de horas a ejercitar al gimnasio y hasta nos hacíamos tiempo para mirar una película. Ahora, cuando uno se concentra en alguna tarea... se le hizo de noche. ¡El día parece durar menos! Existe un mito obligado en cualquier página new age que afirma que las "ondas Schumann" han elevado la frecuencia de vibración de nuestro planeta, acortando el día de 24 a tan sólo 16 horas. ¿Será así? Qué son las Ondas Schumann Las resonancias Schumann son un conjunto frecuencias del espectro electromagnético (ELF), aproximadamente equiespaciadas, cuyo primer armónico se ubica cerca de los 7Hz. Se trata de un fenómeno natural en el cual la superficie de la Tierra y la ionosfera actúan como cavidad resonante y la misma, al ser excitada por relámpagos, produce una onda electromagnética estacionaria cuyo modo fundamental se encuentra en 7,83Hz (la longitud de onda es igual a la circunferencia de la Tierra) y con sobretonos en múltiplos de 6,5Hz aproximadamente. Tienen particular importancia en la infraestructura eléctrica, dado que el noveno armónico cae en 59,9Hz, muy cercano a la frecuencia de red de algunos países. También resultan de interés en el estudio de ciertos fenómenos atmosféricos. Winfried Schumann predijo su existencia en 1952, luego confirmada experimentalmente por Schumann y König en 1954. Ninguna relación con las ondas alfa Las ondas α (alfa), también llamadas ondas de Berger, son oscilaciones electromagnéticas en el rango de frecuencias de 8 a 12 ciclos por segundo que surgen de la actividad eléctrica sincrónica y coherente de las células cerebrales de la zona del tálamo y son detectadas mediante electroencéfalogramas. Algunos pseudoinvestigadores sostienen que debido a su proximidad con las ondas cerebrales, las resonancias Schumann podrían afectar algunas funciones biológicas. Herbert König, profesor de física en la Universidad Técnica de Munich, estudió junto con Winfried Schumann las ondas que llevan su nombre. König, más inclinado a las creencias pseudocientíficas, intentó demostrar la relación de las ondas Schumann con aspectos biológicos y cómo podrían afectar a los seres vivos [también intentó demostrar la radiestesia mediante la existencia de campos de energía desconocidos en la publicación de Wünschelruten Report en 1989, lo que le valió muchas críticas]. La creencia popular en círculos esotéricos es que las ondas Schumann vibran en la misma frecuencia que las ondas cerebrales de los seres humanos y que podrían interferir en el estado de ánimo y la percepción. En términos científicos, LA HUMANIDAD ESTÁ PASANDO A LA CUARTA DIMENSIÓN, y en concordancia con esta tesis científica, hace siglos los Mayas pronosticaron que el 21 de Diciembre del 2012, pasaríamos a la Cuarta Dimensión. Ese día, los astrónomos sostienen que por primera vez, todos los planetas se alinearán horizontalmente con el Sol, toda esta especulación es digna de debatirse, discutirse y observar estos fenómenos, para que lo que tenga que ocurrir no nos sorprenda. Leamos el texto que a continuación se expone. Resonancia Schumann- EL SALTO CUÁNTICO DIMENSIONAL: ESTA INFORMACION SE PUEDE COMPROBAR SIMPLEMENTE CON EL HECHO DE QUE LA RESONANCIA SCHUMANN DEL PLANETA TIERRA SE HA ELEVADO DE 7.8 HZ A 12 HZ EN TAN SOLO 6 AÑOS, CUANDO ESTUVO ESTATICA EN 7.8HZ POR MILES DE AÑOS AHORA PREGUNTENSE POR QUÉ SE HA ELEVADO LA RESONACIA SCHUMANN Y QUE ES LO QUE LO ESTA GENERANDO. QUE ES LO QUE ESTA ACELERANDO ESTE PROCESO? EL SALTO CUANTICO DIMENSIONAL El mundo está yendo hacia un gran cambio. Este cambio es una fuerza energética, la cual conlleva a la Cuarta Dimensión. Para contrarrestar esta fuerza tenemos que conocer EL SALTO CUANTICO DIMENSIONAL, el cual tiene que llevar a cabo el ser humano en estos tiempos, de todos lados nos llegan profecías catastróficas. Y la forma de que ocurra una desgracia, es pensar que pueda ocurrir, es el pensamiento colectivo lo que hace que las cosas (sean buenas o malas) sucedan, habrá un cambio planetario, y este es inminente. La Tierra y los planetas del sistema solar irán pasando de la tercera dimensión a la cuarta dimensión. A partir de mayo del año 2000, una energía de cuarta dimensión alteró la carga electromagnética de la Tierra, en la UTN de Múnich, Alemania, el Dr. Schumann descubrió un efecto de resonancia en el sistema Tierra-Aire-Ionosfera, que mostraba la particularidad de polarizarse e imponer posibles direcciones perpendiculares de vibraciones. La Resonancia Schumann lleva ese nombre en honor al profesor que la descubrió cuando trabajaba con sus estudiantes en el cálculo de potenciales en sistemas esfero-simétricos. En las consideraciones debían están incluidos los valores de la Tierra y de la Ionosfera. Lejos de los tecnicismos que rodean esta ecuación, diremos que se trata de una longitud de onda Tierra-aire-ionosfera que al momento del cálculo correspondía a 7.8 ciclos que, sorpresivamente, corresponde a la misma frecuencia del hipotálamo del ser humano y además al resto de los mamíferos. El descubrimiento del Dr. Schumann es hoy conocido con el término de “Resonancia Schumann”. La Resonancia de Schumann ha sido de 7.8 hz durante siglos. Esto arrojaba como resultado las 24 hrs. que tardaba la Tierra al dar un giro sobre su eje. Desde 1980 la Resonancia de Schumann se ha elevado hasta 12 Hz. Esto significa que un día de 24 horas, ahora equivale a 16 horas. El tiempo lineal se afecto y créanlo o no, este se está acelerando, después del año 2000 hasta ahora, el tiempo pasa volando. El día no alcanza para hacer todo lo que se desea hacer. Antes esperábamos que llegara Navidad. Ahora la Navidad, cumpleaños y otros acontecimientos importantes nos encuentran, sin siquiera esperarlos. Cuando se produzca el cambio dimensional y esto ocurre en todos los planetas de la galaxia, se alteraran los campos magnéticos de la Tierra. Desde hace dos mil años se comenzaron a debilitar cada vez más los campos magnéticos. La estabilidad mental y la memoria radican en los campos magnéticos que es lo que sostiene nuestra memoria y nuestra cordura. A medida que se vayan debilitando los campos magnéticos de la Tierra, la vida se volverá cada vez más peligrosa. Ya comenzó a ocurrir y con mayor frecuencia seguirán ocurriendo desastres como terremotos, tsunamis y otras calamidades telúricas; en el planeta todos los seres vivos se verán afectados pues se alteran sus patrones mentales y la forma de pensar. Las personas se vuelven cada día más agresivas y temerosas, los pájaros que siguen los campos magnéticos con sus migraciones se encontraran confundidos y cada vez será más frecuente que los cetáceos encallen en cualquier parte. La Tierra detendría su rotación y estaríamos en el campo magnético del punto cero o 13 de la escala de Schumann, la Tierra se detendría y en dos o tres días comenzaría a girar nuevamente en la dirección opuesta. Esto produciría una reversión en los campos magnéticos de los Polos Norte y Sur, con el consiguiente desequilibro ecológico y el caos de la población mundial, el tema de la resonancia Schumann, hasta hace muy poco fue ocultado por los gobiernos de Estados Unidos y de Gran Bretaña. Hoy en día ya se conoce, pero se ha mantenido en muy bajo perfil.

Todos los secretos del “caso Roswell” de Monte Grande El Lunes 26 de Septiembre (2011) No será una fecha más para los habitantes del populoso barrio de Esteban Echeverría al sudeste de Buenos Aires en Argentina, cuando alrededor de las 2am una fuerte explosión sacurrió el barrio completo despertando a los vecinos para dar paso al llamado de las autoridades . La investigaciones se encuentran actualmente en manos de la Policía Federal Argentina, Protección Civil, Departamentos de Bomberos, Médicos, Policía Científica, Policía Ecológica, Escuadrón anti bombas de la Policía, miembros del Observatorio de la Plata y leálo bien encargados de la recientemente conformada Comisión Investigadora de Fenómenos Aéreos Anómalos de la Fuerza Aérea Argentina A un año de la misteriosa explosión de dos casas, vecinos y especialistas refutan la hipótesis oficial y muestran las pruebas de que algo cayó del cielo. ¿Por qué intentaron “tapar” lo que ocurrió? Hubo un resplandor cegador, seguido de una explosión que hizo mover el piso y las casas de varias manzanas del barrio 9 de abril, de Esteban Echeverría. Gente corriendo desesperada, un poste de luz con un fuego imposible de extinguir y dos casas reducidas a escombros. Una mujer murió y nueve personas resultaron heridas. Las autoridades hablaron de una acumulación de gas y cerraron el caso. Pero un año después, vecinos y especialistas del fenómeno OVNI refutan con pruebas esas versiones y piden que se sepa la verdad que “trataron de tapar”. ¿Se llevaron algo del lugar? ¿Por qué se borraron las pruebas en cuestión de horas? ¿Qué fue lo que cayó en el “Roswell” del Conurbano? 24CON volvió al lugar un año después y entrevistó a los testigos de la explosión del terreno ubicado en la calle Luis Vernet entre Los Andes y Garreador. Todos están de acuerdo que lo que haya sido, provino del cielo y con una fuerza nunca vista. Y que durante varios días después atestiguaron muchos procedimientos “sospechosos”, camionetas extrañas, gente de traje hablando en inglés, topadoras que arrasaron el lugar, intervenciones en teléfonos celulares –con mensajes intimidantes- e incluso palizas para quienes se animaron a mostrar fotos del suceso. Imágenes tomadas 20 minutos luego del extraño suceso “Según lo que grabaron algunas cámaras de seguridad, la explosión fue a las 2:16 de la madrugada. A la tarde llegaron las máquinas, que trabajaron toda la noche y para el otro día el lugar era una cancha de tenis, destruyeron cualquier evidencia”, explicó Luis Burgos, titular de la Fundación Argentina de Ovnilogía (FAO) e investigador desde hace más 40 años. “La gente se asusta cuando uno habla de OVNI’s, pero no es necesariamente algo relacionado con extraterrestres, sino cualquier sonda, experimento o artefacto que no se pueda identificar, que puede ser terrestre, como un elemento de espionaje”, explicó. Y aclaró que no quedan dudas que la evidencia muestra que lo que ocurrió allí fue provocado por un OVNI. Los testigos “Volvía de un cumpleaños de 15 y apenas terminé de cerrar la puerta, vi una luz y una explosión que tiró todo abajo”, recordó a este medio Mirta, una vecina que vive a la vuelta de la zona del impacto. “En mi casa se rajaron todas las paredes y se cayó parte del techo, apenas pude salir vi gente corriendo por la calle, mucho olor a azufre y nada de fuego”. También contó lo que después confirmarían varios vecinos más. Una carpa amarilla en el lugar, algo que se llevaron, una camioneta que sería de la NASA y ninguna explicación oficial. Estela Ojeda vive justo enfrente de las casas que explotaron y pensó que estaban bombardeando el barrio. “Cuando salí vi eso y pensé que estaban todos muertos”, relató a 24CON. Primero trató de auxiliar a su hija, que estaba encerrada con un ataque de nervios. Después, ayudó a sus vecinos heridos. En ningún momento vio fuego. Ella también observó que “algo se llevaron” cuando pusieron la carpa amarilla en el sitio y le pareció muy sospechoso que lleguen ambulancias y bomberos de Ezeiza antes que de Monte Grande. Aún mantiene contacto con Fabián Sequeira y su mujer Yeanigres Cornejo Medina, dueños del horno al que las autoridades atribuyen la tragedia. “Cuando declaré en la UFI 6 de Lomas me dijeron que había sido una explosión de gas, lo mismo que le dijeron a ellos”, aseguró, aunque íntimamente están seguros de que eso es imposible. También le resulta sospechoso cómo le “bloqueron” su celular (igual que ocurrió con otros vecinos) y todo el dinero que se repartió entre los damnificados para “silenciar” lo ocurrido. Los hechos A las 2:16 de la madrugada del 26 de septiembre del 2011, una explosión destruyó dos viviendas ubicadas sobre la calle Vernet. Así quedó registrado en varias cámaras de seguridad de diferentes comercios que muestran un destello y después otro más intenso. Silvia Espinoza Infante, de 43 años y nacionalidad peruana que se encontraba de visita, murió en el lugar aplastada por una pared. Fabián Orlando Sequeira, Rodrigo Sequeira, Gianni Grey Cornejo, Hilda Ortiz, Julio Espinoza, Alejandra Rodríguez, Paola Pedroso, Orlando Pedroso y Emanuel Sequeiro fueron atendidos por heridas de diferente consideración. La vegetación del lugar no sufrió daños y cuando se removieron los escombros, quedó expuesto un pequeño cráter que luego fue tapado. Ninguno de los testigos vio fuego y varios sintieron olor a azufre y algunos recuerdan horas antes la caída de una fina capa de pequeñas piedras y cenizas, similares a granitos de arroz. Tampoco hubo daño alguno en los cables de alta tensión que cruzan a pocos metros de la zona. Pero a la vuelta de ese terreno, sobre la calle Los Andes, un poste de luz con signos de un impacto ardió durante casi 6 horas. Pocas horas después, policía bonaerense y de diferentes organismos participaron de un operativo. El despliegue fue llamativamente inmediato. A las pocas horas, se removieron los escombros del lugar con máquinas y al otro día ya no quedaba nada. En el medio, mientras el lugar estuvo vallado, se improvisó una carpa amarilla durante un par de horas. Allí es cuando los testigos aseguran que sacaron algo similar “a ladrillos”. Los ocupantes de las viviendas fueron reubicados en casas alquiladas y la mujer fallecida fue llevada a Perú para su inhumación. El terreno hoy es un baldío. Las hipótesis El informe oficial impulsó la hipótesis de una acumulación de gas por una mala conexión en un horno pizzero. Tanto el horno como las garrafas fueron sacados intactos, según el testimonio de testigos. Además, el daño de la explosión no parece consistente con lo que puede ocasionar ese siniestro ni tampoco explica el incendio en el poste a la vuelta, ni los destellos que vieron los testigos ni la posición en la que quedaron los vehículos entre los escombros. El tendido de alta tensión pasa a metros del terreno. También se barajó la posibilidad de que se trate de daños provocados por un “arco voltaico”, una descarga a tierra de las antenas de alta tensión cercanas a la vivienda, aunque un suceso de este tipo debería haber provocado alteraciones en el campo eléctrico de toda la zona y por lo menos en los cables, cosa que no ocurrió, ni tampoco explica el tipo de explosión ni daños. Otra de las teorías postulaba como posible la caída de un meteorito o de chatarra espacial. Sin embargo, el ángulo entre el poste impactado y la zona del cráter debajo de la explosión tienen un ángulo imposible, ya que el objeto pasó sin tocar entre los cables de alta tensión y las casas y árboles de viviendas vecinas. También hubiese sido razonable hallar restos en el lugar o que caiga más de un fragmento en otros lugares o que varios testigos de localidades vecinas vean el fenómeno. “Nosotros creemos que fue alguna clase de sonda o aparato chico que falló y primero impactó contra el poste y luego explotó a cierta altura antes de tocar el suelo, con un movimiento de implosión y explosión”, explicó Burgos, hipótesis que es apoyada por integrantes de otros grupos de investigación. “Sea de dónde sea, un objeto militar secreto o algo de origen extraterrestre, es la hipótesis más probable, y en el tiempo se demuestra, juega a favor del investigador”. Los interrogantes ¿Por qué todos los vecinos están de acuerdo en que cayó algo del cielo, e incluso, muchos aseguran haberlo visto antes del impacto? ¿Por qué varios recuerdan una fina lluvia de piedritas similares a granos de arroz? Pablo Daniel Warmkraut, director del grupo de investigación Aurora, sostiene que cuando llegó vio a un grupo de personas que se identificaron como “astrónomos” y también a una pareja de hombres vestidos de traje hablando en inglés, al mejor estilo “hombres de negro”. ¿Astrónomos para ver una explosión de gas? Captura televisiva del cráter, que luego fue tapado. ¿Por qué varios vecinos juran haber visto que se llevaron algo del suelo bajo la carpa amarilla en una camioneta, que incluso atribuyen a la Nasa? ¿Todos fantasearon ese suceso? ¿Es congruente el despliegue realizado en la zona – caravana de autos sin identificación que llegaron al instante, móviles de partidos vecinos, etc – con un simple escape de gas? ¿Por qué las conversaciones de Luis Burgos con los vecinos fueron grabadas y dejadas en el contestador de su teléfono como “intimidación”? ¿Quién tiene la tecnología para acceder al celular de otra persona cuando no está en una llamada, grabar vía el micrófono del aparato y mandarlo? ¿Por qué se “limpió” el lugar en cuestión de horas? ¿Se realizaron todas las pericias necesarias en tan poco tiempo? ¿Se llevó algo del lugar? después de un año ¿Se sabe realmente por qué murió Silvia Espinoza Infante? LA ESFERA OVNI DE MONTE GRANDE. HIPOTESIS. Adrián Nicala TESTIMONIO OVNI. El sábado 1 de octubre al llegar con Nelson Morales al barrio 9 de abril de Monte Grande nos encontramos con esto. Paso a describir y explicar fotográficamente la hipótesis que apoyamos de lo sucedido. De acuerdo a las fotos tomadas por otros investigadores el día del hecho ,y habiendo consultado la ubicación del poste que a nuestro entender fué impactado directamente por el ovni ,nos encontramos con el poste reemplazado pero pudimos dar con el mismo dado lo nuevo de la madera del nuevo poste, y trazando una línea con la zona del cráter (que también no fué dificil ubicar, aparte teníamos el testimonio de Pablo Warmkraut que vió el cráter o la zona directamente ése día desde atrás en el terreno que da al fondo de la zona cero) y viendo que los árboles que se interponen (2) están intactos ,llego a la conclusión que el ovni tuvo una trayectoria elevada no en descenso marcado, sino en descenso leve. Trayectoria del objeto Queda ejemplificada desde distintos ángulos la trayectoria que tuvo el ovni, de acuerdo a relatos de testigos que lo vieron venir de ése lado, al poste impactado directamente y el lugar de deflagración, al ver este panorama ,dejámos de lado la hipótesis del meteorito ya que cómo lo cuentan algunos testigos escucharon la explosión arriba, " a tal punto que pensamos que había habido o impactado algo en el tanque de agua" (sic) según palabras de una testigo. De haber sido un meteorito tendría que haber entrado desde otro ángulo y dejado el cráter directamente y no condice con los relatos y vestigios y pruebas del poste impactado, y los mismos árboles le hacen de tapón si hubiera caído desde la línea del poste y los mismos están intactos, otra característica de los meteoritos es el fuego, y la vegetación tiene muy poca evidencia de algo encendido a altísima temperatura tal cómo cae un meteoro por el roce con la atmósfera y la altísima velocidad por la aceleración. Otra de las extrañezas es la onda implosiva que hizo meterse a los autos de afuera hacia adentro, que nos dice que hay una concentración muy alta de energía implosiva. Dejamos entonces de lado la hipótesis meteorica por el estado de la vegetación: Arbol más cercano a la zona cero, intacto. Arbol más alto pero en línea con la trayectoria del poste.Intacto. Espacio suficiente para el paso de una esfera ovni, los cables están intactos. Esta foto esta tomada estando el fotógrafo en línea con el poste impactado, las copas estan intactas. EN LÍNEA AL CRATER ,ARBOLES Y POSTE. Otros detalles que suman a la hipótesis de una implosión energética con onda expansiva muy potente: Ubicación del cráter, todavía queda un pozo y la tierra se nota removida. El cráter y escombros apilados, sorprende el apuro por borrar pruebas. Más vegetación sana y vestigios de haber tirado sugerentemente un pedazo de pared abajo. Se desmarcaron puertas enteras hacia adentro de la zona cero. Impacto directo de mampostería luego de la implosión, la onda expansiva. Impacto de mampostería directo. Explosión de una sonda esferica OVNI en Monte Grande. Distintos materiales encontrados, no condicen con caída de meteorito, si con crash OVNI: Material frío símil plástico ,foto gentileza Ludovico Miranda. Impacto directo al poste. Foto Gentileza Grupo Aurora. Extraño metal ,muy común en crashes ovni. Foto Ludovico Miranda. Concluímos que a raíz de las pruebas fotográficas aquí presentadas del escenario, material extraño que también pudimos recolectar mediante imán, material extraño también aportado por los otros investigadores, tipo de implosión-explosión con poderosa onda expansiva, vegetación intacta, y características del hecho, no pudo haberse tratado de un meteorito sino de un objeto con alta concentración de energía no candente sino expansiva, inclinándonos hacia la hipótesis de una SONDA ESFERA OVNI , otro aporte sugerente es la rapidez conque borraron pruebas y los grupos que actuaron, también cómo amenazaron a testigos y ofrecieron cosas a cambio de silencio. Las caneplas de monitoreo o sondas ovni son fotografiadas constantemente en los cielos de Buenos Aires ,habiendo pruebas fotográficas y fílmicas más que elocuentes sobre la presencia y realidad de existencia de las mismas, evidentemente una de ellas se deflagró en el cielo del barrio 9 de abril el pasado 26 de septiembre, no habiendo sido rastreada por los radares de la Fuerza Aérea Argentina y ocasionando un muerto y varios heridos con los consecuentes daños a las propiedades de forma abrumadora. Lo peor es la auténtica verguenza que produce la conclusión del peritaje oficial, siendo una falta total de respeto al barrio ,a la gente , al muerto ,heridos y a todos los argentinos. Bien estimado lector, antes de concluir éste post sólo comunicar que éste NO es un caso cerrado, e invitarlo a Ud. a la reflexión: 1. ¿Más de 100 personas trabajando en una esplosión de un depósito de gas doméstico? 2. Policía Científica y trato de material radiactivo? 3. ¿La Comisión Investigadora de la FAA investigando éste hecho? 4. ¿Onda expansiva de por lo menos 4km de distancia, postes quemados, decenas de testigos? 5. ¿Tractores y Maquinarias desordenando todo el lugar y las probables evidencias? Por último estimado lector: ¿Qué clase de explosión es aquella que No deja fuego o incendio alguno? ¿Quién se hace cargo hoy de los damnificados si fuese un artefacto u objetos espacial la causa de éste hecho?, sin duda desde todo punto de vista resultaría para muchos conveniente concluir en algún tipo de explosión negligente (!). Atención aquí. Una investigación que recién empieza y que porsupuesto ampliaremos. Investiga! Nota: La primera imagen corresponde al momento Justo cuando los equipos especializados identifican el entonces denomiado "Cráter" Agradecimiento a Vision OVNI por las imágenes.

El desafortunado Klaus Kinski Posee grandes ojos de un azul glacial y mirada intensa e inquietante. Tiene un rictus turbador y hace gestos extraños. Se mueve entre el delirio y la cordura. Y por momentos parece un orate al que han dado pase por ser día festivo. O un actor al que incluyen en su vestuario una camisa de fuerza. En 40 años de carrera cinematográfica Klaus Kinski (1926-1991) participó en más de 250 filmes. Primero en pequeños roles o como maleante de rostro patibulario en los spaghetti western, tales como Yo soy la revolución, de Damiano Damián, y La muerte tenía un precio, de Sergio Leone. Pero luego se convirtió en astro después de esos papeles secundarios gracias al realizador alemán Werner Herzog. Un cineasta cuya obra, plena de soledad y de imposibles, está poblada por seres laterales sobre quienes pone sus sensibles y escrutadores ojos. Un hombre que le hace entrar en la historia del cine con cinco magistrales interpretaciones en los filmes Aguirre, la cólera de Dios, epopeya lírica de un conquistador español ambicioso y brutal. Nosferatu, el vampiro, versión del clásico del expresionismo alemán. Y Woyzeck, historia de un infeliz soldado víctima del abuso de todos los que le rodean. Sin olvidar Fitzcarraldo, asunto sobre un fanático de la ópera que sueña con llevar al gran Caruso a un teatro en el corazón del Amazonas. Y Cobra verde, argumento que narra el ascenso y caída de un dramático personaje que, ya en la cúspide, pierde todo su poder y sus días finalizan tristemente. Pero quizás el mejor argumento sea la propia vida de Kinski, relatada en su biografía titulada "Necesito amor". Un libro raro y sorprendente. A veces cínico y con frecuencia insolente. Escrito por un mitómano genial. Por un personaje desmesurado y fantástico. Como cuando narra que de niño su familia no vive en la pobreza sino en la miseria más absoluta. Duermen seis en la misma habitación y la misma cama. Y las ratas les pasan por encima. Todas las mañanas se levantan devorados por las pulgas. Y se lavan con arena en las fuentes de la calle. O describe etapas de su adolescencia. Años sin ternura ni esperanza. El estallido de la guerra y su deserción del ejército nazi. Los inicios como actor. Cuando rompe todos los cristales del teatro donde actúa porque no cumplen la promesa de darle el papel principal de varias obras y lo despiden y lanzan a la calle. O los años de vida bohemia y vagabundeo. El regreso al escenario con piezas de Cocteau y de Ibsen. Y su encierro en un manicomio de Berlín donde, según expone, "me aplican electrochoques y sumergen en agua helada. Y donde aprendí a no ceder a la desesperación ni a la tristeza porque eso debilita el odio". Cuando sale del hospital pasa de un teatro a otro. Hasta hace giras fuera del país y actúa en Venecia y en París. Unas veces tiene buena situación económica y otras ni un centavo. Entonces friega montañas de platos o trabaja en los muelles descargando mercancías. O le escribe a Cocteau pidiéndole ayuda. Y el poeta le contesta: "Querido amigo, me gustaría compartir contigo todos mis bienes. Por desgracia, no tengo nada. Vivo gracias a la generosidad de los demás. Estoy enfermo y con un pie en la tumba. Te envío un dibujo que probablemente podrás vender". Kinski dice en su libro, revelando así la imagen que tenía de sí mismo, que había nacido como una bestia con garras. Y que si no hubiera sido actor se habría convertido en un asesino o en un mártir. "Soy una especie de catástrofe natural", añade en otra parte. Y no había exagerado. Así su borrascosa vida privada. Tres matrimonios y tres hijos. Entre ellos la heredera de su talento, la bellísima Natassia. Inolvidable protagonista de Tess, de Roman Polanski. Así, también, la ruptura con quienes más amaba: su hija y Herzog. Y con el mundo del cine y sus realizadores. A los que vomita palabras de fuego. No escapando ni Kubrick, ni Spielberg, ni Polanski. A quienes, como a Herzog, tilda de idiotas. Aguirre, la cólera de Dios: "Mario Costa ha muerto. Tal como se lo profeticé, porque no era capaz de tener cerrada la bocaza. Malvendemos el Maserati y la caravana. Nos compramos un Land-Rover, cargamos nuestros sacos de Marinero y salimos de Roma antes de que se haga de día. Primero viajamos a Munich, donde me espera Werner Herzog, que me ha ofrecido rodar una película en Perú: Aguirre o la cólera de Dios [Aguirre, the Wrath of God]. Biggi nos deja su piso, porque se va a pasar un año a Venezuela, donde Nastassia va a la escuela. En Munich me encuentro por la calle a Helmut von Gaza. Acaba de salir de la cárcel de Italia, donde lo habían encerrado por pervertir a chicos menores de edad. - ¿Qué se sabe de los demás?- le pregunto para levantarle un poco el ánimo. -Al príncipe Kropotkin lo han encontrado asfixiado con un cojín en su isla española. - ¿Y Gusti? -Gusti estaba casada con él. De esa manera consiguió ingresar en la nobleza antes de morirse de cáncer. Herzog, el productor de la película, también ha escrito el guión y quiere dirigirla. Lo primero que hago es preguntarle cuánto dinero tiene. Cuando viene a mi casa, está tan cohibido que apenas se atreve a entrar. Aunque a lo mejor no es más que una táctica suya. En cualquier caso, se queda tanto rato estúpidamente parado delante de la puerta que tengo que remolcarlo adentro. En cuanto está dentro del piso, empieza a explicarme la película sin que yo se lo haya pedido. Le digo que ya he leído el guión y, por lo tanto, conozco la historia. Pero no me escucha, habla y habla y habla. Creo que no podría dejar de hablar ni aunque se lo propusiese. No es que hable deprisa, "por los codos", como se suele decir cuando alguien habla mucho y deprisa, escupiendo las palabras. Al contrario. Tiene una manera de hablar plúmbea, más perezosa que un sapo, minuciosa, quisquillosa, fragmentaria; de su boca brotan cascotes de palabras, que intenta retener al máximo, como si le pagaran intereses por ellas. Pasa una eternidad hasta que por fin se saca del cerebro uno de sus mocos mentales resecos. Luego se contonea en doloroso éxtasis, como si tuviera llenos de azúcar sus dientes podridos. Una lentísima máquina de parlotear. Un modelo anticuado, cuyo interruptor no funciona y es imposible parar, a menos que se desconecte el interruptor central de la corriente. En fin, debería partirle la cara. No, debería dejarlo inconsciente a puñetazos. Pero incluso inconscientemente seguiría hablando. Aunque le cortasen las cuerdas vocales, seguiría hablando como un ventrílocuo. Aunque le rajasen el gaznate y lo decapitasen, seguirían brotándole vaciedades de la boca, como los gases producidos por una putrefacción interior. “Herzog, el productor de la película, también ha escrito el guión y quiere dirigirla. Lo primero que hago es preguntarle cuánto dinero tiene”. (…) (Herzog) tiene una manera de hablar plúmbea, más perezosa que un sapo, minuciosa, quisquillosa, fragmentaria; de su boca brotan cascotes de palabras, que intenta retener al máximo, como si le pagaran intereses por ellas. Pasa una eternidad hasta que por fin se saca del cerebro uno de sus mocos mentales resecos”. (…) No entiendo nada de lo que está hablando, excepto que está enamorando de sí mismo sin motivo aparente y está fascinado por su propia osadía, que no es más que la ignorancia de un diletante”. (….) Y afirma, con el mismo descaro y ramplonería (por decir así, relamiéndose los labios, como si se tratara de un bocado delicioso), que todos los que participaran en el proyecto están dispuestos a aceptar con alegría las inimaginables fatigas y privaciones que les esperan, con tal de seguirle los pasos a él, a Herzog”. “Los periódicos, la radio y la televisión se masturban con pretenciosos artículos sobre mí. Parece que les pone cachondos calificarme de genio”. Aguirre es Kinski Le digo a Herzog que Aguirre tiene que ser un tullido, porque no tiene que parecer que su poder procede de su físico. Tendré una joroba. Mi brazo derecho será demasiado largo, como el brazo de un mono. El izquierdo en cambio, será demasiado corto, de manera que tenga que llevar sujeta a la parte derecha del pecho-soy zurdo- la vaina de mi espada, en lugar de en la cadera, como es habitual. Mi pierna izquierda será más larga que la derecha, de modo que tenga que arrastrarla. Caminaré de lado, como un cangrejo. Tendré el pelo largo, me lo dejaré crecer hasta los hombros antes de que empiece el rodaje. Para la joroba no necesitaré ninguna prótesis, ningún maquillador que me toquetee. Seré un tullido porque quiero serlo. Igual que soy guapo cuando quiero. Feo. Fuerte. Endeble Bajo y alto. Viejo y joven. Cuando quiero. Acostumbraré mi columna vertebral a la joroba. Con mi postura, sacaré los cartílagos de las articulaciones y manipularé su gelatina. Voy a ser un tullido hoy, ahora, inmediatamente.A partir de ahora, todo se hará en función de mi contrahechura: las ropas, la coraza, las sujeciones de las armas, las armas propiamete dichas, el casco, las botas, etcétera. Establezco el vestuario, arranco unas cuántas páginas de libros con grabados antiguos, expongo las modificaciones que deseo, y, para encontrar la coraza y las armas, vuelo con Herzog a Madrid, donde, tras días de búsqueda, extraigo de las montañas de chatarra oxidada la espada, el puñal, el casco y la coraza, que hay que recortar adecuadamente debido a mis defectos físicos. La selva El viaje hasta la selva virgen es un tormento brutal. Viajamos amontonados en trenes vetustos, camiones achacosos y autobuses como jaulas; comemos y dormimos al aire libre como cerdos. A veces nos metemos en barracas de hojalata y otras cámaras de tortura. Llegamos a olvidarnos de lo que es dormir. Apenas podemos respirar. Ni lavabos, ni posibilidades de lavarse. Muchos días y noches. Estoy siempre vestido, porque de lo contrario los mosquitos se encarnizarían conmigo. Me siento como si estuviese todo el tiempo debajo de una ducha de agua hirviendo. Estar dentro de una casa es morirse. Pero afuera hace el mismo calor ponzoñoso. Vertederos de basuras convertidos en montañas por los pies que los pisan, rodeados de charcos de estiércol y meados y mierda humana. Los habitantes tiran en esa balsa infernal los ojos y las tripas arrancados a los animales sacrificados. Negras aves carroñeras del tamaño de perros dogos, se pasean y se posan en ese horror, como si fuera su propiedad privada. Adonde quiera que mire, veo esas infames barracas de cemento a medio construir, con tejados de chapa. Ojalá no tuviera que ver más esas barracas de cemento a medio construir y con tejados de chapa. Aquí no hay nada acabado. Todo está abandonado en plena faena, como si la putrefacción les hubiera cogido por sorpresa. Por todas partes persianas metálicas y rejas, como para escarnio ¿Para qué? Montaña de basura, aguas residuales, ojos, tripas, aves carroñeras y... antenas de televisión. (Como en Nueva York, París, Londres, Tokio, Hong Kong, pero aún más infame). El camino hasta la selva virgen es largo y torturador. Pero ningún esfuerzo es demasiado con tal de huir del infierno de los humanos. Y como si Minhoi y yo recibiéramos una recompensa por nuestra huida del infierno de los humanos, sentimos que nuestro pelo se hace más sedoso y nuestra piel más turgente, como la piel de un animal salvaje puesto en libertad; sentimos que nuestros cuerpos se hacen más esponjosos, más elásticos, que nuestros músculos se tensan como preparados para el salto, que nuestros sentidos se hacen más receptivos y atentos. Minhoi nunca había estado tan arrebatadoramente guapa desde la trampa para tigres en Vietnam. Hinchados por las picaduras de los mosquitos, y sin haber comido ni bebido nada, nos levantamos tambaleantes para seguir viaje. Una niña inca está de pie al borde de la pista para aviones militares. Tiene sobre el brazo un pequeño mono, y quiere venderlo. Pero el mono se aferra, presa de un terror mortal, a la niña inca, temeroso de que el comprador pueda llevárselo de allí. Esta vez viajamos en viejos y abollados aviones de transporte de paracaidistas, cuyas hélices me golpean las sienes como martillos neumáticos. Un hedor penetrante, peste a gasolina, hambre, sed, dolor de cabeza y retortijones de estómago; tampoco aquí hay lavabo. Acurrucados y apretados en el caliente suelo de un avión sin ventanas. Hora tras hora. Durante el vuelo, nos dejan, uno a uno, salir por unos instantes de la cripta del fuselaje y trepar a la cabina para mirar el exterior por un minúsculo ventanuco; abajo, el océano verde, miles de kilómetros de selva virgen, por la que se retuerce la amarilla cinta ensortijada de la mayor red fluvial de la Tierra. Kinski tiene mucho de puta, como él mismo se autocalifica en reiteradas ocasiones con majadería, pues sus odiseas como errante, como mercenario del sentimiento para las más de 200 películas en las que trabajó alrededor del mundo, dan cuenta de un frenesí por vencer la muerte a través del exceso en todas sus posibilidades, llegando incluso a regurgitar intimidades y calificativos de grueso calibre, tal vez para subsanar lo nefasto que al parecer era negociar con los cineastas contemporáneos a él, todos, hoy ya canonizados. La tormentosa experiencia que padeció en el mundillo del cine se entiende porque no le hizo asco a estrujar toda posibilidad de “pagarse” cuando aceptaba las insufribles faenas de filmación elucubradas por los mas insufribles creativos de su época. El parecer efectivamente que Todo es bueno cuando es excesivo, tal como sentencia el Obispo (Giorgio Cataldi) en Saló, justo antes de dar el puntapié inicial al bacanal de sangre, mierda y sexo que constituye la tesis en el ultimo metraje de Pasolini. El finado Pier, otro excesivo a su manera que también se topó con Kinski: “Pasolini, que me ha mandando el guión de Pocilga, su ultima película, se presenta en la Appia con una horda de chicos jóvenes, y quiere hablar conmigo. (…) Desde luego, el argumento es un poco excesivo. El personaje principal, que debería interpretar yo, es un tipo que, impulsado por el hambre, ataca a un guerrero bien formado y lo devora. Esa historia después de todas las paridas que he tenido que rodar hasta ahora, parece soportable. Pero el sueldo no. El productor Doria es de los mejores de Italia, pero si yo cobrara en todas mis películas el salario de hambre que él me ofrece, tendría que acabar comiéndome, para sobrevivir a Doria o quizás incluso a Pasolini”. El rodaje Luego hidroaviones de un motor, que tienen que bajar en picado para aprovechar el momento en que la selva se abre para volver a cerrarse enseguida. Luego, otra vez camiones y autobuses como jaulas. Canoas indias. Y por fin las balsas, sobre las que, de pie y sujetos mediante cadenas a la carga y a la balsa, nos deslizamos velozmente por los rápidos. Agarrando cuerdas, como si intentáramos ridículamente sujetar por las riendas a caballos desbocados que ya se precipitan barranco abajo. La balsa lleva demasiada carga, nos lo han advertido los indios. Pero el bocazas de Herzog, como buen fanfarrón e ignorante, se ríe de las advertencias de los indios, calificándolas de pueriles. Vamos todos vestidos y con las armaduras puestas, pues queremos rodar durante el viaje por los rápidos. Pero Herzog se deja escapar lo más grandioso y apabullante, porque es incapaz de detectarlo. Cada vez que, a través del ruido atronador de las aguas bravas, le aúllo al imbécil del cámara que por lo menos filme cómo nos jugamos el tipo, me responde que Herzog le ha prohibido pulsar el botón de la cámara a menos que se lo diga a él en persona. Me asquea esa caterva de gente del cine, que se comporta como si el mejor sitio para rodar una película fuera una pocilga. Mi impedimenta de pesado cuero, mis largas botas, el casco, la coraza, la espada y el puñal pesan cerca de quince kilos. Si, gracias a los delirios de grandeza de Herzog, zozobra la balsa, no hay salvación para mí, pues no podría desprenderme de la coraza y del jubón de cuero, que van sujetos por la espalda. Además, los rápidos están cruzados por una larga cadena de arrecifes escarpados, cuyas puntas, afiladas como hojas de afeitar, acechan como pirañas a poca distancia del nivel del agua, y a veces incluso asoman de las aguas encrespadas. Así nos desplazamos, como una bala, corriente abajo, mientrs las olas rampantes asaltan nuestra balsa con la furia histérica de un toro y revientan a nuestra espalda, por encima de nuestras cabezas. El aire está colmado de blancos espumarajos. De repente, como si las aguas desbocadas nos hubieran escupido en un acceso de rabia, vamos a parar, casi en silencio, a un brazo del río que fluye robusto pero calmoso. Estamos en medio de la selva y nos internamos cada vez más hondo en ella: ahí setá la selva virgen. Se apodera de mí. Me absorbe, caliente y húmeda como el cuerpo desnudo y bañado en sudor de una mujer enferma de deseo, con todos sus misterios y prodigios. La miro con los ojos como platos y no paro de admirarla y adorarla... ...Animales llenos de gracia, como de cuento de hadas... Plantas que se abrazan hasta estrangularse... orquídeas que se alzan sobre tocones de árboles podridos, como muchachas sentadas sobre las piernas de viejos verdes... mariposas del tamaño de mi cabeza y de un reluciente azul metálico... rosadios de palomillas que se posan en mi boca y en mis manos, los ojos de la pantera, que se confunden con las flores... cenefas de flores... nubes de pájaros verdes, amarillos, y rojos... soles de plata... nieblas color violeta... ¡Le enseñaré estas maravillas a mi retoño, a mi hijo! ...Los labios besadores de los peces... el áureo cantar de los peces... Durante dos meses viviremos casi exclusivamente en las balsas mientras avanzamos río abajo hacia el Amazonas. Minhoi y yo tenemos una balsa para nosotros solos. Cuando no nos adelantamos considerablemente a las otras balsas, procuramos quedarnos rezagados. Lo más lejos posible. Cuando cae la noche, atamos nuestra balsa a las lianas. Me paso las noches tumbado despierto, sumergiéndome en la Vía Láctea y los archipiélagos de las estrellas, que cuelgan tan cerca de nosotros que estiro el brazo para tocarlas. Tenemos una pequeña canoa india que llevamos atada a la balsa. Cuando no tengo que rodar, recorremos, como de puntillas, la pared arbórea en busca de grietas. A veces nos metemos por una estrecha hendidura que quizás antes no existía y que, tras nuestro paso, volverá a cerrarse enseguida. En el interior de estas selvas inundadas, las aguas están tan quietas que nuestros remos, que hundimos con cuidado para no hacer ruido, apenas parecen moverlas. Quizás es la primera vez que un bote se desliza por estas aguas; quizás en millones de años no ha puesto los pies aquí ningún ser humano. Ni siquiera un indio. Esperamos en silencio, largas horas. Siento cómo la selva se nos acerca, los animales, las plantas, que ya hace tiempo que nos han visto, pero no se nos muestran. Por primera vez en mi vida, no tengo pasado. El presente es tan intenso, que hace desvanecerce el pasado. Sé que soy libre, verdaderamente libre. Soy el pájaro que ha conseguido huir de la jaula, que extiende sus alas y se eleva hacia el cielo. Participo del Universo. “Mi hijo es mi vida. Es mi dios. Creo en su fuerza infinita. Creo en la magia de su amor. Es la encarnación del amor. La encarnación de la vida. La encarnación de la belleza. A través de él me salvaré”. Pero, afortunadamente, luego recapacita y vuelve a la cordura, a la brutal cordura: “Ahora, hoy, prefiero personalmente ser pobre, pero sin pesadillas y sin manías persecutorias, sin el martirio de la encarnación incesante y consciente. ¡Ojalá pudiera hacerlo!, ¡Ojalá dependiera de mí! ¡No quiero ser actor! ¡Quisiera no haber sido nunca actor! ¡Quisiera no haber tenido nunca éxito! Hubiera preferido ser una puta callejera y vender mi cuerpo, antes que vender mis lágrimas y mis risas, mi tristeza y mi alegría”. La llama Aunque estoy siempre huyendo de él, Herzog se me pega como una mosca cojonera. La simple idea de que él está aquí, en medio de la selva virgen, me pone enfermo. Cuando lo veo acercárseme de lejos, le grito que se pare. Le grito que apesta. Que me da asco. Que no quiero oír su mierdosa palabrería ¡Que no lo soporto! Siempre tengo la esperanza de que me ataque. Entonces lo empujaré a un brazo del río cuyas aguas tranquilas están repletas de pirañas sedientas de sangre, y miraré cómo lo destrozan. Pero no lo hace, no me ataca. No parece que le afecte el hecho de que yo lo trate como a un trapo. Además, es un cobarde. Sólo pasa al ataque cuando cree que lleva las de ganar. Contra un nativo, un indio que ha aceptado un trabajo para que su familia no se muera de hambre, y que lo aguanta todo por miedo a perder el trabajo. O contra un estúpido actor sin talento, o contra los animales indefensos. Hoy, por ejemplo, ata una llama a una canoa y manda a tirar la canoa, con la llama dentro, a los rápidos, porque supuestamente lo exige el argumento de la película. ¡Que ha escrito él mismo! Cuando me entero, ya es demasiado tarde. La llama avanza ya hacia los remolinos, y nadie puede salvarla. Aún la veo encabritarse, presa del pánico, y tironear las cuerdas para escapar a la cruel ejecución; luego desaparece tras una curva del río, donde se destrozará contra los cortantes arrecifes y se ahogará entre sufrimientos. Ahora detesto a muerte a ese asesino de Herzog. Le grito a la cara que tengo ganas de verle reventar como la llama que ha hecho ejecutar. ¡Que lo tiren vivo a los cocodrilos! ¡Que lo estrangule una anaconda! ¡Que la picadura de una araña venenosa le deje sin respiración! ¡Que le revienten los sesos por la mordedura de la serpiente más venenosa que exista! No quiero que las garras de una pantera le rajen el gaznate; eso sería demasiado bueno para él. No. ¡Prefiero que las grandes hormigas rojas se le meen en los ojos y se le coman los huevos y las tripas en vida! ¡Que coja la peste! ¡La sífilis! ¡La malaria! ¡La fiebre amarilla! ¡La lepra! Pero es en vano. Cuanto más le deseo la más cruel de las muertes, menos consigo librarme de él. Herzog es un individuo miserable Herzog es un individuo miserable, rencoroso, envidioso, apestoso a ambición y codicia, maligno, sádico, traidor, chantajista, cobarde y un farsante de cabeza a los pies. Su supuesto "talento" consiste únicamente en torturar criaturas indefensas y, si hace falta, matarlas de cansancio o asesinarlas. Nadie ni nada le interesa, a excepción de su penosa carrera de supuesto cineasta. Impulsado por un ansia patológica de causar sensación, provoca él mismo las más absurdas dificultades y peligros y pone en juego la seguridad e incluso la vida de otros, sólo para después poder decir que él, Herzog, ha domeñado fuerzas aparentemente insuperables. Para sus películas echa mano a personas poco desarrolladas mentalmente y de diletantes, a los que puede manejar a su antojo (¡y, supuestamente, hipnotizar!), y a los que paga un salario de hambre, eso si les paga. El resto son tullidos y abortos de todo tipo, a fin de parecer interesante. No tiene la menor idea de cómo se hace una película. Ya ni intenta darme instrucciones. Hace tiempo que ha renunciado a preguntarme si estoy dispuesto a llevar a cabo sus aburridas chorradas, ya que le tengo prohibido hablar. Si se empeña en repetir una toma, porque, como la mayoría de los directores, se siente inseguro, le digo que se vaya al infierno. Normalmente, la primera toma es válida, y no repito nada, y muchísimo menos porque él lo quiera. Yo decido cada escena, cada posición, cada toma, y me niego a hacer otra cosa que lo que considero acertado. Así por lo menos consigo salvar las películas del desastre total a causa de la chapucería de Herzog Después de ocho semanas, la mayoría siguen viviendo como cerdos. Amontonados en las balsas como ganado camino del matadero, comen bazofia frita en manteca de cerdo y, lo que es más peligroso, beben agua del río, con lo que pueden coger todas las enfermedades epidémicas imaginables. Incluso la lepra. Ninguno de ellos está vacunado ni siquiera contra una de esas enfermedades, a menudo letales. Nos hemos pasado el día entero navegando en las balsas y rodando sin parar. Cae la noche. Sin embargo, volvemos a reunirnos en la orilla, donde hay que filmar una escena nocturna. Herzog y los capullos de la productora no han sido capaces de preocuparse de la iluminación; no hay ni una linterna, nada. Hace una noche negra como boca de lobo, y vamos pegando trompazos uno tras otro. Caemos en agujeros pantanosos, tropezamos con troncos de árboles y raíces, nos ensartamos en los pinchos de las palmeras espinosas, nos enredamos los pies en las lianas y casi nos ahogamos. Pululan las serpientes, que salen a matar de noche, después de pasarse el día acumulando reservas de veneno. Estamos completamente agotados, y de nuevo llevamos un buen rato sin comer ni beber nada, ni siquiera agua. Nadie tiene la menor idea de qué, dónde y por qué vamos a rodar en ese estercolero apestoso. Con toda la armadura puesta, me caigo en un charco pantanoso; intento liberar mi cuerpo del fango, pero me hundo cada vez más. Grito, inflamado de furia ciega: -¡Yo me largo! ¡Aunque tenga que remar hasta el océano Atlántico! -Si te largas, acabo contigo- dice ese calzonazos de Herzog, con cara de susto debido al riesgo que está corriendo. -¿Cómo vas a acabar conmigo, bocazas?- le pregunto, con la esperanza de que me ataque y así pueda matarlo en defensa propia. -Te voy a disparar- balbucea como un paralítico con el cerebro reblandecido-. Ocho balas para ti, y la última para mí. ¿Quién ha oído hablar jamás de un fusil o una pistola con nueve cartuchos? ¡Eso no existe! Además, no tiene armas. Me consta. No tiene un fusil ni una pistola, ni siquiera un machete. Ni tan sólo una navaja. Ni un sacacorchos. Soy el único que tiene un fusil. Un Winchester. Tengo un permiso especial del gobierno peruano. Para comprar cartuchos, me he tirado días enteros de aquí para allá, de una comisaría a otra, para que me firmasen y sellasen papeles, y toda esa mierda. -Te espero, insecto- le digo, alegrándome de lo lindo de que por fin hayamos llegado a esos extremos-. Me voy a mi balsa y allí te espero. Si vienes, te mato a tiros. Luego me abro paso hasta nuestra balsa, donde Minhoi ya se ha dormido en su hamaca. Cargo mi Winchester y me pongo a esperar. A eso de las cuatro de la mañana, Herzog se acerca en canoa a nuestra balsa y me pide perdón. “Lo que enseñan en esas escuelas de actores es una retahíla de escalofriantes gilipolleces. Al parecer las peores son las llamadas actor’s studios, de Estados Unidos. Allí aprenden a ser naturales, es decir, se repatingan, se hurgan la nariz y se rascan los huevos. A esa imbecilidad la llaman method acting. ¿Cómo se puede “enseñar” a alguien a ser actor? ¿Cómo se puede enseñar a alguien cómo y qué debe sentir y cómo debe expresarlo? ¿Cómo puede alguien enseñarme a mí la manera de reír y llorar? ¿La manera de alegrarme y estar triste? ¿Lo que son el dolor, la desesperación y la felicidad? ¿Lo que son la pobreza y el hambre? ¿Lo que son el odio y el amor? ¿Lo que son el anhelo y la satisfacción? No, no quiero perder el tiempo con esos cretinos engreídos”. En fin, en las antípodas siempre estará la salvación. Y sobre los premios, ya cansado, al atardecer de su vida: “¡Y luego, la histeria que se crea en torno a esos piojosos premios! Todo por esa banda de doce ridículos jurados que se imaginan poder dictar una sentencia como si fuera verdaderos jueces (¡que más quisieran!). Desde luego, lo que más les gustaría sería poder decidir sobre la muerte o la vida de un ser humano”. La mezcla de dinero, derroche, luces, fornicación y los problemas asociados a todo lo anterior efectivamente pueden dar una idea general de porqué hacía lo que hacía o decía lo que decía y dejando tan poco espacio para algo ligeramente parecido a la mesura. Kinski probablemente hacía gala del concepto “familia de mal vivir”, sin embargo estrujaba tanto lo malo como lo bueno de ese estado catártico de vitalidad mortificante que parecía fomentar dicho ritmo como quien está febrilmente atrapado por un narcótico. En Cinismos Michel Onfray tal vez sin proponérselo identifica al arquetípico Kinski describiéndolo en base a los filósofos-perros de Atenas: “El hombre que ha llegado al pleno dominio de sí mismo tiene una sabiduría que lo protege de todo ataque y goza impunemente del placer”. Y Plutarlo reafirma: “Un hombre de bien, ¿no ve acaso una fiesta en cada día?”. Nikolaus Karl Günther Nakszynski murió a los 65 años, dos años después de realizar su primera y única película como director: Kinski Paganini. link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_detailpage&v=O4RVzXojrkg link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_detailpage&v=sUh0diX3b-8 link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_detailpage&v=MPKODzv1PD4

De como el 7mo arte y la historia influenciaron a Marilyn Manson Mientras yo estaba tratando de expresar previamente que yo estoy con bastante violencia, [The Golden Age of Grotesque] marca una etapa superior, el que viene después de la pelea orquestada en mis álbumes anteriores. Mi trabajo está aquí para decir: ". Esto es lo que yo represento, aquí está mi concepto, esta es mi Disneyland" Marilyn Manson, D-Side , mayo de 2003. La colaboración de Marilyn Manson con Helnwein Gottfried (fotografo) concluye en una serie de retratos titulada La Edad de Oro, este logo muy satírico apareció en dos versiones, una en blanco en blanco con un círculo rojo y un blanco sobre negro, respectivamente, en el podio de Manson durante su Grotesk Burlesk gira y en el libro - gira que ilustra esta serie de conciertos. El resultado expresa perfectamente las dicotomías empleadas por Manson en este periodo, entre la juventud nazi y Swing Kids, los jóvenes Mickey Mouse y niños góticos, el expresionismo y el fascismo como un día moderno dadaísta operaría, con el tiempo transmitiendo una fuerte declaración política sobre el fascismo en América y su industria del entretenimiento (y también estar en ese sentido un precursor para su posterior Manson dólar-signo logo). La colaboración entre Helnwein y Manson para The Golden Age Of Grotesque, originalmente destinado a ser la portada y la contraportada del álbum en sí, con la oreja cortada para evitar la infracción de derechos de autor. La dicotomía de Blanco y Negro, Marilyn Manson y, América y Europa, comedia Blackface y Pierrot de la Commedia dell'Arte (tenga en cuenta que la novia de Pierrot en realidad responde al nombre de Columbine .. No se me permitió poner la pintura en la portada del disco! Nuestra previsión no era crear ilustraciones del álbum. Queríamos crear una colaboración, y de ahí vino la idea de usarlo para la cubierta, ya que no tuvieron en cuenta la edad de oro de grotesco que limitarse a un álbum. Un disco es muy limitada con la censura, y con las limitaciones de tiempo y espacio. Hicimos la intención de que las imágenes en blanco y negro de mí con las orejas para ser el frente y la espalda. Siento el negro es muy americano, y el blanco es muy europeo. El negro es un poco más malo, y el blanco es una especie de inocente. De hecho, creo que el blanco, visualmente, me parece más mal. Es como un Pierrot. Ya sabes, Americano y Europeo. Durante todo el tiempo que lo hice, yo no creo que nadie mencionó la cara pintada de negro y la relevancia de la misma. La importancia de ello es la explotación de un artista, o un artista. El ratón Mickey fue invocador por el sombrero, y un montón de gente temía que sería un pleito de Disney, pero no es así, incluso, en su máximo marco, muestran ambos oídos. El sombrero que terminé haciendo es muy similar, pero es asimétrica, porque tengo un verdadero problema con la simetría. Me gusta que las cosas sean iguales en ambos lados, como si mi cerebro. El blanco, en el otro lado, es como el niño. Entrevista a Marilyn Manson por InRock Por Evie Sullivan, julio de 2004 Todo lo que puedo decir al respecto es que me alegro de que lo hace en la colección de imágenes que representan lo mejor que me ha podido. Creo que sólo roza la superficie de lo que Gottfried y yo no pudimos hacer juntos. También creo que fue más apreciado y comprendido por su mayor calidad y el mayor impacto político. Como he dicho, la gente puede tomar cualquier forma que desee. La gente lo tomó tan grave como podría ser en Europa, particularmente en Francia y en París, y en Japón, ya que vi a mi comentario de los Estados Unidos. Me vieron de la misma forma como la gente ve a Mickey Mouse como un símbolo americano. Usted puede cubrirse la boca con la cara pintada de negro, lo que en realidad representa una franquicia, hacer dinero, y la creación de ser esclavo de entretenimiento, que ni siquiera es humano. Eso es un animal, en lo alto más de un podio que se ha exagerado - una forma de comedia del fascismo. Suena muy americano para mí. Entrevista a Marilyn Manson por InRock Por Evie Sullivan, julio de 2004 Manson in front of The Berliner Dome with "May Belfort/Violet Hilton" and "May Milton/Daisy Hilton" for the Grotesk Burlesk. En Berlin con Gottfried Helnwein durante una performance Todo el arte que hemos hecho, tiene muchos niveles, pero en lo que respecta a Mickey ... su imagen también fue considerado para ser "degenerado" por el gobierno fascista en [1930, Alemania]. En Estados Unidos, representó mucho más. Se trata de piezas de la imaginación, ni más, ni menos. Marilyn Manson Chaplin en El gran dictador, con la cruz esvástica doble de Tomania en sustitución de Hitler. Entre todas las referencias de Manson con el fascismo, este paralelo sigue siendo el más llamativo en el contexto del álbum, dado los "degenerados" dimensiones de Mickey Mouse y los personajes de Chaplin, tanto expresa contra el fascismo a través de parodias de obras cinematográficas, además de que sólo coexisten en el mismo período o zeitgeist. Temáticamente, la representación simulada de Manson del fascismo y la imaginería nazi es una reminiscencia del muy controvertido Charlie Chaplin 1940 la película, El gran dictador, en la que se ridiculiza a Hitler y el partido nazi por la sátira, usando la comedia como un medio para advertir al mundo sobre los peligros muy reales del fascismo inminente de finales de los años 30. Y Manson ha hecho en un sentido muy similar en cuanto a los paralelos de represión hoy en día, tanto por la religión y gobierno, sino también para denunciar la imposición de autocensura que es forzado y arraigada en la sociedad actual. Adolf Eichmann jefe del departamento de la Gestapo para asuntos judíos. Fotografía de Manson con el ratón de las orejas de ratón orejas y la placa de identificación Death SS Head, de su Edad de Oro de Grotesque colaboración con Helnwein aunque sólo apareció en 2006, en la introducción fantasmagórica de MarilynManson.com.Los atributos animales y los dientes de metal son los de una bestia de Apocalipsis . Manson con Gorra SS, menos los adornos nazis. [Construí algo que creo que representa una sátira del totalitarismo y el control y la restricción del arte y de la conformidad, y que acaba en degenerar burlesque grotesca. Y finalmente en el deterioro infantil final. Y es por eso que usa el simbolismo como Disneyland. Comenzando con algo como Nuremberg y terminando con algo como Disneyland te lleva en un viaje que representa todo lo que tengo que decir sobre este disco. Y de alguna manera los dos pueden ser tan temible como un otro si le des la vuelta a su alrededor. Porque la cultura estadounidense puede ser controlado por su propio sentido de auto-impuesto el fascismo: el deseo de encajar Esa es una forma de esclavitud de sí mismo. Marilyn Manson por Florida , agosto de 2003 Por lo tanto, no "esvástica". Dije: "Está bien ... Pretty As ($) Símbolo del dólar," porque ese es su fascismo ahora. No hay nada más fascista ya que el dinero. Todo el mundo sabe eso. ShockHound , extracto de entrevista La elección de este logotipo sarcástico se origina en el título de la pista "Pretty as a Swastika", un comentario textual realizada por el periodista estadounidense Walter Winchell en cuanto a la cineasta Leni Riefenstahl, una mujer especialmente famosa por su película, "Triumph des Willens" (Triunfo de la la voluntad), la única gran película de propaganda nazi que jamás se ha hecho. Cuando Riefenstahl hizo una visita a los Estados Unidos, el Sr. Winchell dijo que ella era "tan bonita como una esvástica" Leni Riefenstahl y el cartel de su obra más reconocible, El Triunfo de la Voluntad. Teniendo esto en cuenta, la mayoría de la gente se dará cuenta de que el título de la pista es censurado, y reenvasado bajo el nombre de "Pretty as a ($)". Esto no es simplemente una sustitución de dos símbolos que buscan remotamente similares, sino más bien, una referencia velada a Salvador Dalí Pero me inspiró para hacer el signo de dólar porque mientras mis decisiones son hechas artísticamente, sus opciones se hacen financieramente. ShockHound , extracto de entrevista Camarada, contemporáneo y surrealista; André Breton;es reconocido por realizar un ataque contra Dalí, formulado en la creencia de Breton que Dalí había abandonado su integridad artística y raíces surrealistas en la búsqueda de la fama y la riqueza. Por otra parte, (y al igual que Manson) Dalí fue recibido con acusaciones de ser un simpatizante nazi que sostenía ideologías militaristas y fascistas, debido a su fascinación por la desvergonzada y abierta con el fascismo Salvador Dalí, que lleva un bigote $, dice que las acusaciones de Breton simplemente le divierten. Incluso llegó a renombrarlo AVIDA DOLLARS, haciendo un anagrama con su nombre. Así, entre la intriga y curiosidad de Dalí en el fascismo, evocaciones pasadas de Manson de Dalí y la fotografía del bigote en forma de simbolo del dinero de Salvador Dalí anteriormente, podemos suponer razonablemente que la sustitución $ en Pretty as a Swastika no fue el resultado de una parodia trivial, (como algunos han afirmado) sino más bien, un método doble de evocar la presencia originalmente previsto de la esvástica, sin la necesidad explícita para mostrarlo, así como una acusación al fascismo inherente de dinero (sobre todo cuando la censura se aplica para nada más que la ganancia monetaria). Dos afiches promocionales con sedes estadounidenses la gira Rape to the world de Marilyn Manson, evocando la dicotomía según Manson del capitalismo / fascismo, y previendo la posibilidad de intercambiar el signo de la esvástica y el dólar durante la época del High End Of Low. Dos primeras fotos promocionales de Manson-lleva el mismo casco en el santuario de su dormitorio, cuyas paredes están cubiertas de letras del álbum y diversos elementos que testimonian la historia del disco, incluyendo una esvástica pintura gigante cromo aerosol como se revela en la ShockHound entrevista. La segunda fotografia se dio a conocer en realidad en el arte del álbum, y también cuenta con esvástica al estilo de Manson tatuaje del corazón de Tursas , un símbolo antiguo de Finlandia. Ejemplo del Casco SS y un cartel de propaganda de las Waffen-SS. SPIN : ¿Qué pasa con el título de su álbum, The High End of Low? Pasé por un período difícil en Navidad, durante el cual aprendí la diferencia entre el amor y la dependencia, y la diferencia entre la debilidad y el deseo. Y eso hizo una gran diferencia en mi vida. Así que volví [al estudio] el 2 de enero, y vi a mis únicos amigos, que en este momento es la banda, y todo el mundo me preguntó: "¿Cómo te va?" Y yo dije: "Bueno, yo estoy en la parte alta de lo más bajo". Y automáticamente supe que ese era el nombre que iba a tener el disco. El aclamado director Akira Kurosawa y su pelicula "Tengoku a Jigoku" - o "High and Low", tal como aparece en el título con ediciones en inglés de la película - es notablemente una influencia. Además de la analogía de sus títulos, existen semejanzas estilísticas casi idénticas en las letras entre la cubierta de la Colección Criterion re-estreno de la película y el álbum de Manson. Los paralelismos van más allá. Mientras título Inglés de la película es High and Low, la traducción literal de Tengoku a Jigoku sería Cielo y el Infierno. Este título literal es notablemente más en juego en la portada del álbum, que está muy saturado en tonos azules y rojos - dos colores tradicionalmente asociados con lo divino y lo infernal. Asimismo, en azul mitología hindú se utiliza constantemente para indicar la divinidad, ya que es visto como el color del infinito (el cielo interminable y el océano, por ejemplo). Como otra referencia fílmica, la dualidad rojo / azul en la imaginería de la época recuerda el cartel de 'Inside', película francesa de 2007 (À l'Intérieur) con Béatrice Dalle (como Trouble Every Day ) que Manson citó como su película favorita del momento en su reciente entrevista con Gaspar Noé. Una influencia adicional disponible en el título del álbum puede estar relacionado con una de las mayores inspiraciones artísticas de Manson: David Bowie. Bowie publicó una obra maestra en 1977 con el nombre de Low. Si el título de Manson es, al menos parcialmente, un guiño al álbum de Bowie, no sería completamente infundado, ni siquiera sería la primera referencia a Low, una pista en particular en Mechanical Animals - "The Speed of Pain" - se apropia de su título de uno de Bowie en Low - "The Speed of Life". Dormitorio de Manson se parecen mucho a la de un criminal, con proyectores y equipos fílmicos en todas partes, y las letras del álbum elaborado directamente sobre las paredes, aquí fotografiada por Delaney Bishop. "Yo escribí todas las letras en la pared de mi habitación. No había de ser decorativo, que era una de esas cosas, como si fuera la última cosa que alguien ve antes de ponerlos en otro lugar. Creo que se ve bien. Y si alguien quiere entrar en esta habitación y fornicar conmigo, creo que son un portero ... y cuando digo guardián, me refiero a secuestro ". Marilyn Manson, entrevista a Kerrang , marzo de 2009 Una de las cosas más importantes que aparecen en la primera imagen promocional en línea para The High End of Low, así como su folleto álbum son las letras grandes garabateando en el dormitorio de Manson que se leía "SALIR AHORA. Cambios no guardados se perderán." Esto es muy probablemente una referencia a la película de 2007, The Nines, que obtiene su título de la prevalencia y el número de recurrencia dentro de la película. En el primero de los tres actos, nuestro protagonista Gary se encuentra preocupado por la repetición constante del número nueve en su vida que no puede conciliar como una coincidencia, sino que también empieza a encontrar cosas - como los mensajes escritos por él mismo - que es cierto nunca escribió. Él también se muestra desde el principio conduciendo su coche con otras dos figuras a su imagen en el asiento trasero. Después de una serie de otros que no son coincidencias Gary finalmente se enfrenta a un amigo llamado Margarett que él sospecha de entender más: Margaret: Todo es lo que es. Pero tú no eres quien crees que eres. Gary: Bien, entonces. ¿Quién soy yo? Margaret: Tú eres un ser multidimensional de vasto poder, casi infinita. Tú creaste este mundo por capricho, y decidió quedarse para ver cómo quedó. Usted, este cuerpo que se encuentre, es sólo una de sus encarnaciones. Avatares. Llame usted lo que quiera. Gary: ¿Estás diciendo que soy Dios? Margaret: Técnicamente, no. Si Dios es un diez - una teórica final, lo-que-no-más-puede-ser-imaginado - usted es más de un nueve. Gary: Entonces, ¿qué eres? Margaret: Los seres humanos son siete. Los monos son seis. El segundo acto de la película concluye con el protagonista (esta vez llamado Gavin) que tiene una epifanía, en donde él mira hacia arriba sólo para notar el número nueve flotando sobre su cabeza (y manteniendo fiel a las palabras de Margaret, todos los seres humanos se muestran como sietes ). Finalmente, la imagen se aleja para revelarse como estar dentro de una pantalla. A continuación, aparece el siguiente mensaje, que aparece como un cuadro de diálogo de computadora. Contraste con un primer plano de lo que está garabateado en las paredes del dormitorio de Manson Dentro de la obra de arte-álbum de Manson en el dormitorio-baja de la cruz doble improvisado y abajo "SALIR AHORA. CAMBIOS guardado se perderá "es la instrucción de" BURN TODOS LOS DIOSES DE MADERA ", una referencia bíblica tomada del libro deuterocanónicos del Antiguo Testamento, el Libro de Baruch. La parte del texto al que Manson se refiere puede estar ubicado en el sexto capítulo, un capítulo que se desprende de algunas biblias, pero encuentra su inclusión en un montón de biblias venerados por las sectas católicas y ortodoxas. Este capítulo sexto improvisado es también conocida como La Carta de Jeremías, y la tradición dicta que Jeremías fue el amigo y secretario personal de Baruc. El texto fue escrito supuestamente por los exiliados que fueron tomados cautivos por Babilonia, con la instrucción de cuidado de mantener su devoción al Señor, y para condenar a todos los "dioses de madera" (figuras de otras deidades que fueron talladas a mano) que Jeremías consideraba como nada más que idolatría. Cuando ocurre un incendio en el templo de esos dioses de madera chapada en plata y oro, los sacerdotes huir a la seguridad, pero sus dioses se queman con las vigas en medio de las llamas. El Libro de Baruch , 6:54 Pero estos objetos de madera no puede de ninguna manera comparar con ellos, es por eso que no debe ser creído o dicho que se trata de dioses, ya que son incapaces de administrar justicia o beneficiar a nadie de ninguna manera. Puesto que usted sabe que no son dioses, no tengas miedo de ellos. El Libro de Baruch , 6:62-64 Una vez más estos dioses de madera se puede comparar con un espino en un jardín donde cualquier pajaro puede posarse, o un cadáver arrojado en un lugar oscuro. ¿Sabes por las túnicas púrpura y escarlata pudriéndose en los que no son dioses. El Libro de Baruch , 6:70 "El disco es en última instancia acerca de alguien que está cayendo en desgracia, [...] y entonces usted quiere encajar de nuevo y te da la gana, tal vez debería renunciar a mis alas. Tal vez debería renunciar a lo que soy y me voy a encajar Y entonces usted se encuentra completamente indigno de amor. Eres un inútil arriba y abajo y ahí es donde yo estaba en el registro hacia el final del registro. " Suicide Girls 2009 Entrevista a Marilyn Manson, extracto Públicamente dio a conocer por primera vez en The High End of Low folleto, Manson se puede ver que lleva un tatuaje nuevo, conocido como el "Corazón de Tursas" (derrived de la palabra finlandesa "Tursaansydän", Tursas es una criatura de la mitología finlandesa mencionada varias veces en el Kalevala. Dos de sus variantes de nombres: "Acabado Iku-Turso" (el pulpo eterna) y 'Meritursas' (pescado / tinta de pulpo), reflejan su carácter general de ser un monstruo marino totalmente malévolo y violento. Mitología finlandesa también le atribuye como el padre de las enfermedades, que podría escupir proyectiles mortales de su suciedad y pestilencia. De acuerdo con diversas fuentes, Tursas puede o no puede haber sido asociada como un dios de la guerra. El Corazón de Tursas / Tursaansydän es un antiguo símbolo de la buena fortuna y la intención de repeler las maldiciones y otras vejaciones. Sus orígenes se remontan a los tiempos prehistóricos y, en general toma la forma de cuatro símbolos superpuestos (comúnmente cuatro flechas o cuadrados cuatro), que crean una esvástica en su centro. Se ha sugerido que el símbolo está destinado a indictate un estado constante de movimiento y rotación a medida que gira en torno a como el martillo legendario de dioses del trueno como Thor. Otros lo toman por su valor etimológico literal y creen que es el corazón de Tursas - la fuerza vital de la gran divinidad a sí mismo. Marilyn Manson, a mediados de 2006, de una sesión de fotos para la revista Juxtapoz Marilyn Manson en una imagen fija de video 'The Beautiful People', 1996. Salvador Dalí circa 1944 en otra foto de Philippe Halsman. Dalí y Nietzsche son dos iconoclastas que Manson ha invocado y buscó inspiración en una cantidad innumerable de casos siendo el primero un poco más citados con mayor frecuencia y con 1996 de Svperstar Anticristo ser un homenaje a la obra citada de este último. Buñuel y Dalí 'L'Age d'Or' (La Edad de Oro) y el Anticristo de Nietzsche, respectivamente citado en los títulos de Manson álbumes 'The Golden Age Of Grotesque "y" Antichrist Svperstar'. Un tema importante en The Golden Age Of Grotesque era una espalda escuchando e influencias de dibujo desde distintos puntos de la historia, incluido el actual, que eran grotesco y decadente y debaucherous, así como aquellos que se consideraban como tales. Una de ellas, que es la más importante, tanto en la historia, así como la inspiración de Manson para The Golden Age Of Grotesque era el arte y los artistas que eran considerados como "degenerado" por el partido nazi en Alemania el aumento de 1930. Aunque no siempre es extraído de forma tan explícita, esto siempre ha sido un tema importante en el arte de Manson, la batalla constante dicotomía y del expresionismo y la censura. Un tema que todavía existe hoy en América. Aunque el arte no puede ser prohibido en la actualidad (al menos no tan a menudo con éxito), la supresión de las ideas progresistas, nuevos e innovadores en el arte y expresionismo existe y mucho. Y si no es mediante la prohibición, por normas autoimpuestas sociales en cuanto a lo que es "bello" y "feo", algo que a menudo puede ser tan peligrosa y condenable. Un tema que Manson siempre ha luchado en contra. "Degenerados" apertura Art Museum. Aquí es donde el término GLOOMINATI LOW ART entra en juego con la poesía lírica de Manson. LOW ART como un sinónimo de "degenerados" El arte, que es a propósito evocado como una iniciación al expresionismo; por demonizar a sí mismo de antemano, deja poco descanso para cualquiera que posea ojos críticos y menosprecio a condenar. Lo que también es en sí mismo un menosprecio hacia este menosprecio de arte progresista y, para capacitar a través de su evocación. Y 'GLOOMINATI "como un juego de palabras, la oscuridad prefijo yuxtaponen con los Illuminati para insinuar Marilyn Manson como una entidad oscura, la miseria demasiado siniestro difusión, que a su vez se hace así con sarcasmo, ya que sólo traen alegría para mí y para cualquier otra persona que se "eso". GLOOMINATI .... el arte bajo el objetivo de presionar. Manson emerge sobre una plataforma elevada triangular durante la introducción de su "Thaeter 'para la gira Grotesk Burlesk. Pirámide y ojo que todo lo ve en triángulo, considerado por algunos como un símbolo oculto de los Illuminati se supone Nuevo Orden Mundial. La foto en el centro de The Golden Age Of Grotesque álbum folleto se compone de Manson con una mascara de pintura en Face Negro. Fondo negro era un tipo de maquillaje de teatro en la década de Vaudville y teatro estadounidense, donde, antes de los negros se les permitió actuar, un blanco estaba hecha, con la cara pintada negro con una elipse blanca alrededor de la boca y de vez en cuando los círculos blancos alrededor de los ojos. El principio en cuestión es similar a los hombres vestidos con disfraz femenino en la época de Shakespeare, cuando las mujeres no se les permitía participar en el teatro como actor. Y lo mismo en el teatro tradicional japonés en la actualidad. El hecho de que Manson se viste de Cara Negro es más representativo de su arte que se considere como "degenerado" por la sociedad juzga, al igual que la cultura negro fue considerado como "degenerado" y forzadas a la servidumbre dimminuative largo de la historia americana, pero también abrazado por la cultura blanca simultáneamente. Al igual que hoy, cuando el 70% de los consumidores de música rap, un phenonenom de las calles de la cultura negro, son de jóvenes blancos de clase media. La dicotomía de la fascinación y la demonización. También escuchando de nuevo a Manson afirmando que: "Voy a ser llamado 'degenerado', pero no voy a permitir que mi arte sea etiquetado como tal!" Este "degeneración" no es un literal, al igual que el arte en el "Entartete" Kunst "degenerados" fueron exposiciones de arte de la Alemania nazi en todo el contexto y la realidad, sino degenerada. Eran algunas de las obras más grandes y más avanzados de arte en exhibición, pero nunca villified y menospreciado como "degenerado", porque eso es lo que los que estaban en el poder arraigado esta moralidad fascista y el estándar de belleza a la sociedad. Al igual que Manson ha luchado contra el auto impuso hoy "El fascismo de la belleza" que la sociedad impone a sí mismo voluntariamente. Manson miran en un espejo, burlona y uncaringly de las normas fascistas de la sociedad, admirando su propio "degenerado" la belleza. Ejemplo de la distribución por edad vodevil Blackface, por Al Jolson. Manson y Gottfried Helnwein, fotografía en colaboración. Antes de la Guerra Civil, y antes de que la esclavitud fue abolida, no era una forma de entretenimiento llamado minstrel shows. Estos juglar muestra se inició en 1828 y se hicieron populares 1841 hasta 1870. Los intérpretes blancos que cubren sus caras con corcho quemado. Este estilo de maquillaje se llamaba negro cara de maquillaje. Los intérpretes entonces subir al escenario e imitar el "abajo en la granja" estilo de vida de los esclavos en las plantaciones del sur. Esto se hizo a través de la música, el canto, la danza y la actuación. Aunque este tipo de espectáculo hoy en día sería considerado racialmente degradante, en los años a mediados de 1800 era popular entre el público blanco de la época. Después de la guerra civil de estos shows habian perdido su popularidad. Pero algunos de los actos juglares se trasladó al escenario de vodevil, con su negro cara de maquillaje con ellos. Estas actuaciones en el vodevil llevó a los afro-americanos se pone en negro cara de maquillaje y la creación de rutinas de vodevil. Inicialmente Intérpretes afroamericanos ponen en negro la cara para que sea aceptada por el público, ya que el público en su mayoría blancos nunca había visto afroamericanos animadores. LazerVaudeville.com Manson tocar el saxofón para la Burlesk Grotesk evocador del "Nigger-Kike", "degenerados" Musik de la década de 1930. Foto por Cyril Helnwein . Junto con las obras de arte y literatura que fueron prohibidos, confiscados o quemados, la intromisión en la vida alemana nazi se extendió también a la música y el entretenimiento. Tanto el swing y el jazz fueron prohibidos, satanizado como "degenerado", etiquetada como "Nigger-Kike" música. Clubes nocturnos y tiendas de discos fueron allanadas para romper la perpetuación de ellos y el interés de disuadir a través del miedo y el terror. Del mismo modo, las formas de teatro como Cabaret y vodevil se consideraron también como tal, con clubes nocturnos y teatros que albergaban tales actuaciones ya sea allanado o cerrado. El término "Swing Heil" Manson canta en Doll-Dagga Buzz-Zumbido Ziggety-Zag fue un mantra acuñado durante este período de tiempo, como una burla hacia el nazi "Sieg Heil", que buscaba destruir y borrar ellos. Dos películas que retratan esta bastante bien son Swing Kids y Cabaret, Catálogo de la exposición de "Entartete Musik" exhibtion (exibicion de musica degenerada ). El «Nigger-Kike" Estrella de David se ve atrapado en el intérprete de jazz negro. La propaganda que coincide directamente con el "Entartete Kunst" villification a mediados o finales de Alemania 1930 por el Partido Nazi. Marilyn Manson vestido como un director de orquesta Big Band de 1940 y la banda dicotómica vestido como nazi bandsmen militares en The Golden Age Of Grotesque, Schwalbennesters desgaste, o nidos de golondrinas, sobre sus hombros. nazis de bandas musicales militares que están significadas como tales por sus escudos Schwalbennesters. Joven baterista ario en las Juventudes Hitlerianas Nuremberg Rally-esque escenario para la Burlesk Grotesk con las dos mujeres de respaldo bailarines en las máscaras de Manson, SS nazis atuendo completo con HJ (Hitler Jugend) tambores. Foto por Cyril Helnwein Ginger Fish en el video de Personal Jesus con tambores de la Juventud Hitleriana. Skold en Against All Gods gira tocando el bajo de jazz stand-up en The Golden Age Of Grotesque, la yuxtaposición de las imágenes de "Entartete / Degenerado" Musik, con una decoración de los músicos nazis represivos y fascistas que lo condenaron. Cabeza de la Muerte húsar prusiano uniforme y Manson en pleno show durante el Ozzfest 2001, de los Guns, God & Goverment world tour. También una evocación moderna del anti-cristiano tirano y la bestia del Apocalipsis bíblico supuesta Nerón César . Kaiser alemán Guillermo II, usando una muerte busby Húsar de la Cabeza. El húsar, que se originó en Hungría 15a siglo, es un término que se aplica a los miembros vistosamente uniformados de caballería ligera Europea. El Húsares de la Calavera se originó en Prusia, hoy Alemania hoy en día, y puede ser visto como una especie de precursor temprano en el ejército alemán en la Schutzstaffel Nazi (o SS) Escuadrón de la Muerte de la Cabeza. Manson con SS tapa adornado con un cráneo y grotesco adorno Bones sustitución de la totenkopf nazi tradicional, Manson luce una insignia Totenkopf similar en el video Tainted Love y una durante una fotografia promociónal durante la Edad de Oro de Grotesque. Cartel de la película Kabaret 1972, y las piernas fuertes reminiscencias de Manson pentagrama / esvástica impresa en la que no olvidemos CD y DVD, en continuidad con las Grotesk Burlesk estética, accesorios y principios. Un ejemplo perfecto de "Pretty as a Swastika 'la expresión. Manson imitando ' The Day the Clown Cried 'con una proyección de Hitler en el fondo en el video de Personal Jesus (la misma imagen también aparece en el video subliminal, alternadas con imágenes de George W. Bush y el Cristo). Manson fotografiado por Perou delante de ampliación artístico Gottfried Helnwein de una multitud Heiling de nazis niños Alemania, inquietantemente asimilado a la audiencia propio Manson y corresponde a la dicotomía [Swing / Goth Kids] / [Hitler / Mickey Juventud ratón] presente en la época dorada de Grotesque.