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Sentados portando entre sus manos un combo y cincel para labrar las piedras de las faldas del Cojitambo se observa a los picapedreros. Del cerro sagrado de los cañaris sus habitantes obtienen la materia prima para esculpir un sin número de figuras desde adoquines hasta imágenes de ángeles y santos que llaman la atención de los visitantes. Un camino estrecho de tierra lleva a la cantera ubicada a pocos minutos del centro parroquial de Cojitambo. Aquí alrededor de 20 personas extraen las piedras que también utilizaron los cañaris para construir su fortaleza en lo alto del cerro y defenderse de los enemigos. Al ingresar al lugar se observa a los picapedreros que a más de sus herramientas usan cascos y gorras para protegerse de los pequeños fragmentos que saltan al labrar las rocas incluso tienen sus puestos de trabajo identificados entre las piedras carcomidas de diferente tamaño. Algunos prefieren separarse un poco del grupo para concentrarse más en su trabajo escuchando música en pequeños radios en las largas horas de jornada que inicia desde muy temprano. Labrar Miguel Urgilés de 63 años se siente orgulloso de mantener vivo un oficio de cientos de años que resulta difícil para quienes no están acostumbrados a tomar un combo y golpear un cincel sobre una piedra. Recordó mirando sus manos que cuando llegó por primera vez a la cantera las tenía suaves y ahora ásperas por tantos golpes que sufrió en sus primeros años hasta perfeccionar el oficio. Diariamente labra alrededor de 20 adoquines y enchapes que usan para adornar las paredes de las casas. Manifestó que un adoquín se vende en 1,50 dólares y el metro cuadrado de enchapes en nueve dólares. A pocos metros labora Eduardo Gallegos, de 24 años, quien indicó que Cojitambo es la tierra de los picapedreros, un oficio que va de generación en generación a pesar que en los últimos años bajó la producción. Dijo que desde los 16 años trabaja en la cantera labrando las piedras "para lo que se necesita mucha técnica". Figuras Otras personas trasladan las piedras del cerro para tallar figuras que se observan en varios talleres en la vía rápida y en la Panamericana Norte a la altura del sector Rumihurco de la parroquia Javier Loyola. Las imágenes de diferentes tamaños se usan para decoran parques, jardines y tumbas. Héctor Parra, dueño del taller Los Picapiedras, comentó que para elaborar las figuras se utilizan amoladoras y cinceles que dan vida a ángeles, santos, cruces, animales, rostros, madres con sus hijos, cholas cuencanas, en fin lo que el cliente desee. Parra dijo que las figuras de hasta 40 centímetros cuestan 120 dólares y las más grandes pueden llegar a 2.500 dólares, las que son adquiridas generalmente por las congregaciones religiosas y las autoridades para adornar las ciudades. La Iglesia La iglesia San Alfonso de Cojitambo, uno de los principales atractivos de la parroquia, se construyó con las piedras del cerro y es orgullo de sus habitantes que colaboraron por muchos años con las mingas. Ángel Urgilés, vicepresidente de la Junta Parroquial de Cojitambo, indicó que la construcción del templo inició en 1957 por iniciativa del entonces párroco Alberto Sánchez Luna que motivó a las personas realizar mingas incluso a cambio de las limosnas por los sacramentos. La iglesia de estilo grecorromano se inauguró en 1992 luego de 35 años de arduo trabajo Urgilés comentó que los hombres sacaban las piedras grandes para labrar y las mujeres se encargaban del ripio. "La iglesia es una clara muestra de la dedicación y empuje de los habitantes". Cojitambo ubicado al oeste del Azogues, es una tierra llena de costumbres y tradiciones que resalta por el trabajo de su gente, entre estos picapedreros o artesanos en piedra de las faldas del cerro sagrado.

¿Sabías que Diego Rivera pintaba a su hermano muerto o que debajo del cuadro de “El Ángelus” de Millet, el pintor había puesto una caja que representaba un bebé muerto? El mundo del arte está plagado de curiosidades y secretos que muchas veces ni siquiera imaginamos. La manera en la que una obra se hizo, las técnicas que utilizaron los pintores o los mitos que se han generado alrededor de ellas muchas veces hacen que adquieran un carácter que ni siquiera los pintores imaginaban. Es por eso que podemos decir que una obra está llena de significados simbólicos, no sólo los que un pintor pudo otorgar sino de los que, sin previsión, obtienen del mundo que las rodea. ¿Qué opinan los demás sobre ellas? ¿Cómo impactó la obra al mundo y el contexto? Pensamos que sólo son hermosas, pero al analizarlas más a fondo nos demostrarían que de todo lo que creemos saber, existe algún dato que la hace especiales y para quien lo sabe, adquieren un significado mucho más profundo. ¿Qué datos curiosos existen de las pinturas más famosas? Cuando hizo las series “Monte Santa Victoria”, Paul Cézanne estaba a 13 kilómetros de la montaña cuando pintó su serie, por lo que en realidad lucía extremadamente pequeña desde la perspectiva que él tenía. George Seurat utilizó amarillo zinc, un nuevo pigmento en esos tiempos, para las luces del césped en su pintura “Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte” y desde ese tiempo, con el paso de los años se ha oscurecido y ha tomado una tonalidad marrón. Hay 21 filósofos en la pintura de Rafael, “La escuela de Atenas”, pero no todos han sido identificados. Están personalidades como Platón, Aristóteles, Sócrates, Euclides, Ptolomeo, Zoroastro, Protógenes, Pitágoras, Diógenes o el mismo Rafael, pero aún no se sabe la identidad de un sinfín de los que ahí representa. Edgar Degas planeaba vender su pintura “El mercado de algodón en Nuevo Orleans” a un productor textil británico en 1873, mismo año en el que la pintó, sin embargo, la pintura se convirtió en el primer trabajo del pintor que se vendió a un museo. El Musée des Beaux-arts la compró. La obra más famosa de Caspar David Friedrich, “El caminante sobre el mar de nubes”, está llena de montañas del Elbe Sandstone. Zirkelstein, la montaña pequeña de Saxon, Suiza a la derecha; las rocas donde yace el caminante son identificadas como Kaiserkrone, una cordillera bastante áspera. La pintura de Rembrandt, “La ronda nocturna”, en realidad no es una escena nocturna, sino una representación de la compañía militar del capitán Frans Banninck Cocq y el teniente Willem van Ruytenburgh a plena luz de día. La pintura se completó en 1642, pero el nombre “Night watch” o “Guardia nocturna” apareció hasta el siglo XVIII después de que la pintura se degradó y sufrió un oscurecimiento significante. “La gran ola de Kanagawa”, pintada por Hokusai, inspiró el trabajo musical de Debussy: “La mer”. El caballero cristiano que pintó Alberto Durero en “El caballero, la muerte y el diablo” pudo estar basado en un libro de Erasmo de Rotterdam en el que le da instrucciones al soldado cristiano: “Constantemente peleareis con tres enemigos injustos: la carne, el diablo y el mundo. Todos esos fantasmas y espectros vendrán sobre vosotros como si estuvierais en las mismas gargantas del Hades, si ocurre, considera el ejemplo de Eneas de Virgilio… no mires detrás de ti”. Hay cuatro versiones diferentes de “El grito” de Edvard Munch. Una versión de 1895 se hizo en pastel y cartón y en 1910 otra más en pintura al temple y cartón. Renoir utilizó modelos profesionales y amigos para su composición “Baile en el Moulin de la Galette”: se encuentran Frank Lamy, Norberte Goeneutte y George Rivière, amigos cercanos del pintor. La pintura de Roy Lichtenstein, “Mujer con sombrero de flores”, está inspirado en el “Retrato de Dora Maar” de Picasso. La pintura de Lichtenstein alcanzó un récord mundial al venderse en 50 millones de dólares. Aunque Dalí siempre llamó a sus pinturas “pinturas de fotografías de los sueños”, su cuadro “La persistencia de la memoria” muestra un elemento real: la representación de las montañas de Cataluña, hogar del pintor. Muchos aseguran que la pintura es un autorretrato, pero Dalí hizo la obra para “desacreditar por completo el mundo real”. La pintura “La noche estrellada”, de van Gogh, fue realizada mientras el pintor se encontraba en el asilo mental Saint-Rémy. El paisaje del derredor inspiró a Vincent para pintar el cuadro, mismo que fue completado en el día gracias a su memoria. Monet hizo una zanja y desarrolló un sistema de poleas para bajar y subir 2,5 metros en su jardín mientras trabajaba en él. Así, el pintor pudo, durante 26 años, mantener un único punto de vista mientras trabajaba por completo en sus pinturas. “La venus de Urbino” de Tiziano, debía servir como un modelo de aprendizaje para Giulia Varano, la esposa del Duque de Urbino Guidobaldo II della Rovere. La pintura representa una imagen perfecta de la mujer en el Renacimiento. El erotismo de la pintura recuerda a Giulia sus obligaciones maritales. El David de Miguel Ángel fue hecho de un marfil mediocre. Cuando los investigadores tomaron muestras de la escultura en 1991, analizaron el mármol y se dieron cuenta de que tiene hoyos microscópicos, lo que significa que se degrada rápidamente. En la pintura de Caravaggio, “Apolo tocando el laúd”, tiene piezas identificables legibles de la música. Pintado para el Cardenal del Monte, la hoja de música es un libro del compositor flamenco Arcadelt. Hay 17 versiones la “La Fuente” de Marcel Duchamp. La original de 1917 fue perdida y destruida, sólo vive en documentos de Alfred Stieglitz. En ocasiones observamos con detenimiento las pinturas de los más famosos, admiramos la técnica, los trazos que vemos en el lienzo, cada pincelada y cada color que componen con maestría esa escena, ese momento en el que no hay nada más que nosotros con el cuadro. Pero a veces no entendemos más de lo superficial, somos víctimas de la ignorancia y nos quedamos con la duda de no saber qué significa en realidad.

Un espacio que revive la historia del sombrero de paja toquilla en los últimos 70 años se encuentra a pocos metros de la Bajada del Padrón. Aquí se conoce desde el tejido tradicional declarado Patrimonio Cultural de la Humanidad por la UNESCO hasta las herramientas y máquinas que usan los artesanos para elaborar el sombrero. En medio de las casas patrimoniales ubicadas en la Calle Larga y Padre Aguirre en el Centro Histórico funciona desde hace 15 años el Museo del Sombrero de Paja Toquilla de la familia Paredes Roldán para complementar su fábrica que abrió sus puertas en 1946. El Museo ocupa el tercer piso de una vivienda de nueve plantas que tiene salida a la Calle Larga y a la orilla del río Tomebamba que divide la Cuenca antigua y moderna. Origen Renata Paredes, responsable del área de exportación, manifestó que el museo se creó para exponer las herramientas y máquinas que a lo largo de los años utilizaron en la fábrica que implementó su abuelo Rafael Paredes, quien falleció a poco tiempo de su inauguración. “Mi abuelito era una persona de cientos de oficios, uno de ellos fue confeccionar el sombrero de paja toquilla”. Paredes expresó que el incremento de turistas que llegaron a la ciudad también motivó la apertura del Museo para que conozcan el proceso de tejido a mano y que con el paso de los años evolucionaron las herramientas y técnicas por la exportación. Salas El museo muestra la elaboración del sombrero hace 70 años, 50 años y 30 años. A la par con el desarrollo tecnológico se pueden observar piedras de mármol, mazos, máquinas de coser, hormas, prensas, entre otros instrumentos que llaman la atención de sus visitantes. Vannesa Salazar, guía del museo, expresó que en la primera sala, que corresponde al trabajo que se hacía hace 70 años, a través de cuadros que cuelgan de una pared, se cuenta el complejo proceso para obtener la paja toquilla de palmeras que se cultivan en la Costa, especialmente en las provincias de Manabí y Esmeraldas. Se debía cortar, cocinar y poner al sol para obtener las hebras. En ese entonces, luego de tejer las hebras de la paja toquilla, se utilizaba una piedra de mármol sujeta al suelo donde se colocaba el sombrero para golpearlo con un mazo dándole flexibilidad y suavidad. Para blanquear el sombrero se trituraba en piedra el azufre para colocar los residuos en un molino obteniendo un polvo que se mezclaba con agua donde se colocaba el sombrero, agregó. En la segunda sala se puede retroceder 50 años, cuando las herramientas en aluminio para elaborar el sombrero como hormas, moldes, reguladores de tamaño, vaporizador y máquinas de coser se utilizaban para dar el acabado que con el paso de los años fueron reemplazas por máquinas industriales. Los actuales equipos que utilizan en la fábrica hace 30 años, para darle el acabado al sombrero que adquieren de las tejedoras de los cantones Chordeleg, Gualaceo y Sígsig, se encuentran exhibidos en la tercera sala. Entre las máquinas están prensas, tacadoras o maseteadoras y máquinas de coser industriales. Aquí también se exponen una diversidad de sombreros que varían en su precio dependiendo de la fineza de las hebras. El lugar es el espacio perfecto para que las personas conozcan sobre el sombrero de paja toquilla, una artesanía que se vende en los principales mercados del mundo y que en Azuay tiene a sus principales productores.

Katy Lipscomb es una artista que comparte su talento mostrando sus hermosas y coloridas ilustraciones de animales con plumones y colores con sus seguidores. Si bien encontrar la inspiración muchas veces puede resultar difícil, ella asegura que obtiene la esa fuerza creativa de su madre y recuerda que desde pequeña su mamá era quien se aseguraba de que ella tenga un lugar donde pintar. La ilustradora norteamericana, procedente de Georgia, asegura que crea sus ilustraciones con plumones y lápices de colores. Ella ha aprendido a respetar las opiniones de los demás respecto a su trabajo, aunque siempre existen aquellos que solo quieren criticar. Es cierto que no puedes complacer a todos y con este trabajo esa ley no es la excepción.

Esta metamorfosis titulada Proyecto de Arte Inmersivo, los bodypainters Leonie Gené y Joerg Duesterwald colaboraron con los fotógrafos Laila Pregizer y Uwe Schmida con el fin de incorporar el cuerpo humano en diferentes paisajes naturales. Y como se puede ver en estas imágenes, sin duda hicieron un buen trabajo. El Photoshop no fue utilizado en el proceso y todos los modelos fueron pintados en el lugar para crear una fusión perfecta entre el cuerpo y el fondo. “Su obra invita al espectador a ver la figura humana como parte de la naturaleza“, escribe una de las creadoras. “Estas imágenes nos animan a disfrutar de las curvas, formas y matices del cuerpo desnudo, así como nos gusta disfrutar de la elegante forma de un árbol, el suave ascenso de colina o los ángulos abruptos de una formación rocosa.”

Memorias de una pintura o “Memories paintings” es un experimental vídeo de ensueño que nos introduce a un mundo psicodélico. Las coloridas y surrealistas obras líquidas hechas gracias a la combinación de pintura, aceite, leche y jabón líquido te dejarán asombrado. El autor Thomas Blanchard ha filmado esta grandiosa obra con una Canon 550D y con la ayuda de un lente macro. Para poder crear este trabajo, Thomas primero echa la leche en un plato hondo, luego vierte la pintura y finalmente pone jabón líquido. El resultado de estas impresionantes mezclas se ve en la variedad de colores que forman psicodélicas figuras, mientras las olas circulares van creando nuevas.

Vladimir Kush es un pintor ruso que realiza sus obras bajo influencia del surrealismo. Desde muy temprana edad mostró talento para las artes y actualmente tiene dos galerías de arte donde se pueden apreciar sus obras.

Estas creaciones con papel que salen de la realidad han sido diseñadas por el ilustrador de Estonia Eiko Ojala, quien con gran habilidad muestra escenas sobrepuestas con papel en donde cada pliego de este material tiene su propio e importante espacio. Para hacer este trabajo, Ojala mezcla el dibujo con el collage para llevar al público a un mundo único y sorprendente que fascina y encanta, y el cual ha sido muy aclamado en el ámbito publicitario por ser protagonista de numerosas campañas. A continuación una muestra de su trabajo: Para llegar a este resultado hay que tener un buen ojo que sepa distinguir formas y patrones de colores, para crear así contornos en armonía que muestren este tipo de escenarios.

Conoce a la artista rusa Svetlana Petrova, quien decidió inmortalizar a su gato "Zaratustra" en retratos y obras maestras legendarias en su proyecto denominado "Fat Cat Art", para ello la artista ha ilustrado más de 7 mil cuadros.

La cerámica de talavera es una técnica que le ha dado vuelta al mundo, y ha estado presente desde hace siglos. Cambia un poco en las manos de cada artista, en cada taller, en cada país y época en donde se utiliza, pero es esencialmente la misma. En la exposición del Museo Franz Mayer: “Talavera Poblana. Pasado y Presente”, podemos ver el viaje, los cambios, los usos y las implicaciones del arte en cerámica; desde sus orígenes hasta la actualidad, pasando por impensables, y aparentemente inconexos, sucesos y relaciones, y también cómo todo alrededor de ella cambia, ya sea en los contextos de su producción, en los acabados y detalles; en lo que significa o en las formas que puede tomar. Siguiendo con la exposición, en una de las últimas paradas, se muestra la producción y el estado actual de la Talavera Poblana; después de haber visto todas las fases de su historia, los lugares y los siglos de los que proviene y su significado, podemos observar las esculturas de cerámica de un grupo de demonios. La forma es la misma: una repetición, pero es el toque de la pintura lo que termina por separarlos completamente. Convierte al grupo de esculturas de cerámica en objetos individuales: la característica que rompe el molde. Estas esculturas sirven como reflejo de todo lo que está en la exhibición, son una especie de microcosmos: lo que sucede con estas figuras se repite en todas las piezas acomodadas en los estantes y colgadas en las paredes. La técnica y el material se han mantenido durante un milenio; una trayectoria que toma influencias de China, de Europa, de Bagdad, de Puebla antes y después de la Colonia. Esta cerámica, aunque vaya tomando prestadas características de tantos lugares y culturas, se va definiendo a sí misma. Es a la vez la suma de todas las partes y cada parte por separado. Un rasgo definitivo de ella es esa cualidad de cambiar tanto, como los objetos de la colección y su historia nos cuentan. Esta cualidad camaleónica tal vez es más evidente en las piezas de Puebla (ya sea durante la Colonia o en la actualidad), pues los artesanos conjugan en la misma obra elementos orientales, europeos y elementos locales, además de la interpretación y apropiación de cada individuo. En mayor o menor medida, esta historia y combinación de temas y culturas, se encuentra en cada jarrón o mosaico; en cada uno de los cráneos de la parte contemporánea de la exhibición: ninguno de ellos es exactamente igual a otro; ni en el tamaños de las cuencas de los ojos, la apertura de las bocas, o el patrón de colores. Todos los cráneos son posibilidades. Lo mismo pasa con los mosaicos, cada uno pintado a mano, con una representación distinta, con márgenes y contornos ligeramente diferentes, aunque todos son la parte final del mismo proceso. Es imposible encontrarnos dos veces con el mismo patrón floreado en los jarrones. Más o menos evidente, la variable está ahí, y también está la constante. Es extraño pensar que todo esto se pueda condensar en una escultura, un mosaico o un jarrón. Sólo hay que buscar un poco la conexión para darse cuenta de que cada pieza cuenta la historia de todas las otras en la exhibición. Cada una es una línea y al mismo tiempo es la imagen completa. Los cinco demonios: con paletas de colores diferentes, con los mismos rasgos, con los patrones diferentes, con las mismas proporciones, con la misma historia, con procesos diferentes. Se explican a sí mismos y también cuentan la historia y trayectoria de las otras figuras, formas y combinaciones que se cruzan frente a nosotros. La exhibición “Talavera Poblana. Pasado y Presente” del Museo Franz Mayer permite ver todas estas conexiones, coincidencias, variaciones y posibilidades que comparten un mismo origen. Nos muestra lo trascendente que puede llegar a ser un aspecto del arte y todo lo que puede acarrear.