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El artista coreano Young-Deok Seo crea escultura a base de cadenas, aquí una muestra de su trabajo.

Para aquellos que odian a los bebés o no soportan estar junto a pequeños humanos por demasiado tiempo, estos son usualmente desagradables. Y probablemente sea cierto que no todos son bellos ni merezcan la condescendencia de los adultos que se presumen entre sí fotos de sus pequeños retoños, pero no hay que exagerar. Si de verdad queremos admirar a un niño de terrible fisonomía, basta con revisar las pinturas del Renacimiento; esos sí que eran monstruosos, incluso diabólicos. Pero ¿acaso esos retratos obedecen a una realidad apabullante de diminutas personas-espanto? ¿Cómo es que la gente del siglo XV seguía procreando si veían esos resultados? Si estamos un poco perdidos y se desconoce de lo que hablo, hay que revisar un poco el arte sacro de esa época para saber a lo que me refiero. Si se ve con cuidado, o incluso de rápido y aterrador vistazo, es posible identificar que los bebés retratados en esas pinturas no se ven muy normales o muy tiernos; al contrario, invitan a no seguirles mirando y abandonar cualquier idea de ser padres algún día. Sin embargo, su razón de ser extremadamente feos va más allá de males congénitos o una comunidad peculiarmente poco agraciada. Para empezar, revisemos dos conceptos que nos servirán de guía para estudiar la horribilidad de esas pequeñas personas renacentistas: 1. Uno es el de arte religioso, el cual hace referencia a pinturas, esculturas, grabados o cualquier otra disciplina visual que tuviera como fin el representar alguna escena o pasaje litúrgico sin estar, necesariamente, en un recinto sagrado o de culto. Son obras que encontraban su inspiración en la fe y el amor a Dios sin estar destinadas a la adoración. 2. En caso contrario, el arte sacro, nuestro segundo concepto a revisar, era una práctica destinada a rendir culto sagrado o divino; estas producciones artísticas, de hecho, no estaban destinadas a una apreciación que no fuera la de comunicar al cielo con la Tierra. Aunque el arte pudiera pertenecer al pintor; el ordenamiento, la composición y el mensaje de estas obras eran de la iglesia. Funcionaban como representaciones simbólicas para una inteligibilidad universal y sometida tanto a las ordenes eclesiásticas como a la monumentalidad de sus iglesias. Las pinturas del Renacimiento no estaban dispuestas para la apreciación sin más de la gente; en su mayoría, eran comisionadas y pensadas para espacios selectos. Especialmente, aquellas que hoy se pueden rescatar de viejas iglesias o recintos litúrgicos. En aquel entonces (siglos XV y XVI) el arte sacro, ese ex profeso para un templo, se posicionaba en las alturas de ese lugar infundiendo fe y temor. Sus dos sentidos más claros en un carácter que le impedía ser visto como una práctica artística. Aquí es donde la aclaración sobre tipos de arte, épocas e interpretaciones se hace pertinente; en ese momento histórico donde la luz en una iglesia provenía de velas y era muy fácil perder de vista los detalles en las pinturas, fue de extrema importancia el resaltar algunos gestos o muecas en sus personajes. Principalmente para hacer reconocible la expresión de esos personajes e imponer al espectador. Ésta es una de las razones esenciales para que un bebé no apareciera como tierno en los retratos. Además, estos individuos no suponían una apreciación mundana en dichas composiciones, el simbolismo que gobernaba esta, exigía que esos niños –generalmente Jesús– estructuraran una idea de sabiduría, inocencia y poder divino en la mente de los iletrados feligreses. La ignorancia de los devotos requería imágenes contundentes y éstas, a su vez, necesitaban de bebés con esa presencia adulta que evocara a Cristo. Esto sin mencionar que, efectivamente, esos bebés pudieron haber sido pintados obedeciendo a la realidad exacta de su época; quizá es nuestra exigencia contemporánea ver todo en una mediación de filtros o “embellecedores” que distorsionan los estándares con que deseamos lo que aparece. Bien pueden ser fieles estos rostros a la sociedad que les concibió, pero influye fuertemente la idea que tenemos de lo estético para creer que son falsas, independientemente de que ciertos recursos estilísticos fueron necesarios para su funcionalidad en la iglesia. Ahora, habiendo aclarado el origen de la fealdad en los bebés renacentistas quedan dos cuestiones insalvables: los pequeños humanos siempre han causado asombro o extrañeza y muy probablemente estas pinturas nos per descendencia.

Simon Beck, es considerado el primer artista del mundo que usa la nieve como lienzo para sus obras de arte, las cuales están hechas con sus pisadas. Uno podría pensar que este tipo de obras tomarían bastante tiempo en concluirse, pero solo se demora alrededor de 5 a 10 horas.

Todo es relativo y está en constante evolución. Probablemente los trabajos filosóficos, las ideas y hasta las concepciones del mundo puedan cambiar durante la vida transcurra. Tal vez alguien que en algún momento repudió a la iglesia con ahínco, en cierto punto, se convierta en aquel fervoroso que gracias a algún milagro cambiara su mundo y lo volcara a descubrir el poder de su Dios. Nadie está exento de los cambios. Las teorías son caducas, la verdad nunca es absoluta y la mayoría de las veces, ni siquiera nosotros nos conocemos en nuestra totalidad. ¿Un pintor favorito? si conociéramos la obra de todos los pintores tal vez podríamos discernir rápidamente y elegir el ideal, pero de otro modo, cada que estamos ante la majestuosa obra de alguien nuevo debemos replantearnos lo que creíamos certero el día anterior. Juzgar a un pintor por una obra también es erróneo y una falacia casi al nivel de la generalización inmediata sin que estemos en lo correcto. Una falacia que se transforma en nuestra ingenuidad absoluta ante los ojos del resto. Como si se tratara de un error del que no nos percatamos hasta que ya es demasiado tarde, aseguramos por ejemplo que Mondrian era un mal pintor y para disfrazarlo, diseñó líneas que marcaran la superficie del lienzo y encerraran colores para hacer algo “moderno” pero no sabemos cómo fue su evolución pictórica y mucho menos nos damos cuenta de cómo lograba dominar el espacio. Evidentemente conocer a algún pintor tampoco se logrará viendo el último y el primer trabajo pero es un intento por conocer un espectro más amplio del que solemos conocer para darnos la oportunidad de mirar más allá de lo conocido y ser quienes sepamos que las cosas no siempre fueron así, sino que así terminaron como parte del contexto, de una tendencia y de los movimientos artísticos que surgían en un momento determinado. Gustav Klimt En 1876 Klimt comenzó con sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios del Museo austríaco para el Arte y la Industria y comenzó a trabajar en algunos frescos y murales para el museo de Viena, el palacio de Sturany de Viena y el techo de las termas de Karisbad en Checoslovaquia. Klimt también pintaba con estilo historicista heredado por Hans Makart. Safo (1890) Cuando se fundó la Secesión vienesa, Klimt se convirtió en una de sus principales figuras. Buscaban romper el aislamiento que había sufrido el país y el desfase que tenían respecto a las vanguardias desde un estilo propio. En este periodo, Klimt retoma su estilo propio y encuentra la madurez artística, más tarde comenzaría a experimentar con pan de oro en sus obras para crear obras altamente eróticas que tenían siempre un enfoque alegórico o simbolista. Adán y Eva (1918) Francisco de Goya La primera etapa de Goya comienza en 1771 y termina en 1807, con obras en las que predomina una visión optimista de la vida. Pinta a los miembros de la corte y de la nobleza. También pintaría temáticas mitológicas. De 1808 a 1824 Goya tuvo un periodo lleno de oscuridad. Marcado por la sordera y la guerra, deja de existir su pintura jovial para enredarse en momentos fantasiosos llenos de sufrimiento. Goya siempre fue un liberal que admiraba las conquistas sociales y en sus cuadros podía notarse en cada trazo. Cuando Fernando VII regresa al trono, Goya es olvidado y se va a su quinta donde realiza las famosas “pinturas negras” bastante sombrías y dramáticas. Mark Rothko En 1925 Rothko comenzó su carrera en Nueva York en el instituto New School of Design. Uno de sus profesores fue Arshile Gorky, miembro del movimiento vanguardista; después el artista ruso Max Weber le dejó una de sus grandes enseñanzas de vida: utilizar el arte como herramienta de expresión emocional y religiosa. Comenzó a experimentar con todas las culturas y periodos de la ciudad que se convertiría en la Meca del arte. Pintó escenas urbanas e interiores expresionistas por los que fue bastante aclamado por los críticos. Entrada al subterráneo (1938) En la década de los 40 formó parte del expresionismo abstracto, del mismo modo que Pollock, Kooning o Barnett Newman. Fue a finales de esta década cuando elimina todo elemento figurativo de su obra. Una obra, aseguraba, en la que podía verse el principio y la pasión de los organismos. Concebía sus cuadros como dramas y gracias a estos logró envolver al espectador en una fuerza emotiva que contemplaba a la meditación. El color puro para Rothko se convirtió en el mejor método para expresar las emociones. Después de sufrir un aneurisma en 1968, produjo una serie de obras con tonos marrones, negros y grises. En 1970 se suicidaría. Sin título (1960) Salvador Dalí Las primeras pinturas de Salvador Dalí fueron temas como paisajes y su familia. Aún anclado en el estilo impresionista que tanto revuelo había causado en Europa, representó a su abuela Anna en su casa de Es Llaner en Cadaqués. Pasó por varias etapas antes de consagrarse en el surrealismo. El Renacimiento, la religión, historia y ciencia fueron algunas de las temáticas de sus obras. Retrato de la abuela Anna cosiendo (1920) Después de un largo camino por el mundo surrealista en el que Dalí impuso un estilo como el estandarte de la vanguardia, el pintor catalán impuso su pasión por la religión en cada retablo. Cada imagen tenía una fuerte influencia psicológica y para él, inconsciente. Las ilusiones ópticas aparecen en varias de sus pinturas, como el retrato de Gala en el que se observa de espaldas, los cisnes reflejando elefantes o la que a continuación se presenta. El torero alucinógeno (1970) Pablo Picasso Para Pablo Picasso, no existía evolución en el arte sino diferentes métodos de expresión y formas que se quieren expresar. Considerado como uno de los artistas más importantes, descubrió varias expresiones artísticas que más tarde marcarían la propia. The barefoot girl (1895) Cuando en 1904 llegó a París, el estilo de Henry Toulouse Lautrec lo marcó del mismo modo que el arte africano. Picasso tuvo un periodo melancólico que reflejó en sus cuadros pero poco después, basó sus trazos en la razón: simplificación y formas geométricas fueron sus dos estandartes y en lugar de quedarse con lo establecido, decidió navegar por los rumbos de la experimentación. Hombre sentado (1971) Piet Mondrian Mondrian conectó su trabajo con la religión y filosofía para promover la simplificación. Al principio, su trabajo se basó en la naturaleza y se inspiró en pinturas fauvistas e impresionistas. Admiraba a Vincent van Gogh: la brocha repetitiva y vibrante y el uso de colores brillantes son algunos de los ingredientes. Farmhouse with Wash on the Line (1897) En sus pinturas abstractas dividió el lienzo en diferentes secciones y se convirtió en un ícono del arte moderno alrededor del mundo. Todo comenzó en 1911 cuando una exhibición en el Stedelijk Museum que presentaba trabajos de Cézanne, Picasso y Braque, llevaron el cubismo a Holanda. Primero comenzó a realizar un tipo de cubismo analítico hasta que comenzó a crear un mundo natural con líneas sistemáticas, ángulos rectos y colores primarios. Mondrian quería “articular un concepto místico de la armonía cósmica que se esconde debajo de las capas de realidad”. Diego Rivera Gracias a Justo Sierra, Diego Rivera recibe una beca para viajar a España y conocer la obra de Goya, El Greco y Brueghel en 1905. Después se traslada a París y con viajes intermitentes a diferentes países, conoce a los grandes artistas de vanguardia. Conoce el cubismo, a pintores como Paul Cézanne y el postimpresionismo. La mujer del pozo (1913) Cuando regresa a México, Rivera adopta el espíritu nacionalista de los otros pintores y es contratado para muchas obras gubernamentales y de importancia para la nación. Como el teatro de los Insurgentes o el Palacio de Bellas Artes. Desnudo con alcatraces (1944) Joan Miró Estudia en la Academia Galí pero ahí se desencanta del fauvismo y el cezannismo. Se traslada a la Academia del Cercle Artístic de Sant Lluc. Es en esta etapa de su vida en la que hace una mezcla de todas las vanguardias y movimientos artísticos: los colores vibrantes del fauvismo, el trazo libre del expresionismo y el cubismo con formas bidimensionales de los frescos catalanes. Cuando su padre muere, alterna su vida entre París y Barcelona. Evoluciona su cultura y consigue reconocimiento público. Lucha entre las ideas conservadoras y católicas muy arraigadas y la influencia del mundo ateo y de la gran cultura. En marzo de 1920 viaja a París y busca revolucionar el lenguaje del arte. Gracias al automatismo psíquico comienza un arte tan directo y puro como la poesía surrealista. Mayo 1968 (1973) Vassily Kandinsky Kandinsky creó una revista de arte junto a Franz Marc y Paul Klee: se llamaba “El jinete azul”. Buscaban hacer del arte una herramienta para sacar al hombre de su ensimismamiento. Sus primeras obras son realistas y tienen gran influencia del fauvismo, el cubismo y el puntillismo. Conforme su arte avanzaba, era lógico que Kandinsky “limpiaba” el lienzo para eliminar las formas naturalistas. Sus figuras cada vez más abstractas se llamaron “impresiones” y en ellas era más fácil distinguir el color y la línea en lugar de la forma. Comienza a crear obras llenas de luz pero sin referencias al mundo real para hacer arte abstracto por completo y el color se convierte en música. Henry Matisse Estudiante de leyes, en 1890 abandona los estudios y comienza a pintar Se inscribe en la Academia Julien y más tarde en la Academia de Bellas Artes. Conoció a grandes maestros del arte y replicó sus obras para comenzar a realizar sus estudios de las composiciones. Después de practicar con ahínco, comenzó a dudar de la pintura como un arte que sólo imitaba la realidad de manera fotográfica y apostó por la esencia. Decidió que el color desempeñaría el papel fundamental para que la pintura brillara, de ese modo, crea la vanguardia fauvista.

Lucia Heffernan, nos muestra estas pinturas artísticas llenas de humor e imaginación, en las que utiliza a los animales como metáforas para retratar los momentos peculiares y encantadores del día a día de los humanos. instagram/luciaheffernan

Esta escultura tiene muy confundido al público en Internet ya que nos muestra a través de una singular transformación que las cosas pueden ser totalmente distintas dependiendo del ángulo de donde uno mira las cosas. “La révolution des Girafes” (La revolución de las jirafas) es el nombre de esta obra creada por el artista Matthieu Robert – Ortis, quien nos muestra la espectacular transformación de una jirafa a elefante, o de elefante a jirafa. ¿Cómo lo ha hecho? Véanlo a continuación: Nadie sabe cómo fue que Robert – Ortis creó esta impresionante escultura, aunque muchos aseguran que esto se debe a las cualidades de la impresión en 3D y que el proceso podría haber comenzado con el dibujo de las jirafas usando una sola línea y el dibujo del elefante por separado, hasta combinarlos de una manera que se muestren como un todo. Sea como sea, ¡muy bueno!

¿Quién no ha soñado alguna vez con tener un castillo propio? No es precisamente un deseo fácil (ni barato) de cumplir, pero soñar es gratis y puestos a soñar, qué mejor que hacerlo a lo grande. Algo así debía pensar el francés Michael Guyot, cuyo sueño de la infancia era poseer una de estas míticas construcciones. Junto con su hermano Jacques, ambos consiguieron ahorrar un dinero con el que compraron el Castillo de Saint-Fargeau, en la localidad francesa de Treigny. Con la firme intención de restaurarlo, no se imaginaban que su aventura no había hecho más que comenzar. Tras descubrir que la construcción original había sido destruida en el siglo XIII y posteriormente reconstruida, los hermanos decidieron construir su propio castillo desde cero, utilizando las técnicas, métodos y herramientas propias del siglo XIII. Los materiales de construcción se obtuvieron en las inmediaciones de la zona, y todas las piedras fueron talladas a mano tal y como se hacía hace 800 años. Bautizada como Castillo de Guédelón, los Guyot comenzaron la construcción en 1997. Desde entonces han contado con la ayuda de diversos arqueólogos, historiadores, voluntarios y arquitectos para poder sacar adelante el proyecto. Actualmente trabajan en él unas 50 personas que viven, visten y reflejan, lo más fielmente posible, la vida de la Edad Media. Se estima que finalizarán la construcción en 2020. Mientras tanto, se puede visitar el complejo y disfrutar de otros servicios como talleres y estancias destinadas a estudiantes. A continuación unas fotografías en las que se puede ver a algunos colaboradores del proyecto en su día a día, mientras construyen el castillo sin herramientas modernas. Entre todos van dando forma a las cúpulas de las torres Todos los elementos de construcción son fabricados a mano y con paciencia Hasta el más mínimo detalle se hace de la misma forma que en la Francia del siglo XIII Las tejas están cortadas una a una y a mano Cada piedra está cortada manualmente y colocada con ayuda de andamios de madera Todavía faltan 4 o 5 años para que esté acabado completamente Hasta que eso suceda, en este castillo seguirán viviendo como hace 800 años

“Primero aconsejé a nuestro amigo que lo colgara en un buen lugar y por largo tiempo, y mientras se les buscaba por el mundo entero, nuestros devotos jueces reinaron en el Mexico-City, sobre borrachos y rufianes”. En medio de la náusea y el existencialismo de Camus, el libro de “La Caída” guarda un interesante guiño a una de las obras más importantes en la historia del arte, la cual mantiene una estrecha relación con la historia del viejo continente. Censurada, casi quemada, desmembrada y robada, es una de las primeras joyas artísticas del Renacimiento, y fue objeto de deseo de los hombres más importantes de las esferas políticas y militares de más de cuatro siglos. ¿Cuál fue la obra que un borracho empeñó a cambio de ginebra en un turbulento bar de Amsterdam que lleva el nombre de la capital mexicana? Un joven pintor flamenco, de nombre Jan van Eyck, se dio a la tarea de perfeccionar el trabajo de su recientemente fallecido hermano para terminar una de las obras más ambiciosas de la época que tenía como fin decorar la Catedral de San Bavón en la ciudad belga de Gante. Si el Panolíptico de Gante se mantiene abierto, el espectador observará en dos filas, 12 paneles con diferentes pasajes bíblicos que en conjunto conforman una peregrinación de jueces, caballeros, peregrinos y ermitaños para adorar al cordero divino. La muerte de Jesús es representada con una oveja que poco a poco vierte su sangre en un cáliz que dará pie al rito cristiano más importante: la comunión del cuerpo y sangre de Cristo. Desde las alturas una figura divina con la ambigüedad de representar a Jesús o Dios, rige el universo a sus pies junto a Juan el Bautista y la Virgen María, mientras un coro de ángeles ameniza el momento y, Adán y Eva miran desde fuera la escena. Por el contrario, cuando el panolíptico se cierra, como permanece gran parte del año, la anunciación a la Virgen María recibe la atención, mientras que dos paneles representan a Juan el Bautista y Juan el Evangelista. Dos profetas y dos sibilas están representados en la parte superior mientras que los patrocinadores de la obra, Jodocus Vijd y Elizabeth Borluut concluyen la representación. ¿Cuál es la importancia de esta obra de carácter religioso? Según la historia del arte, esta fue la primera gran pintura de aceite en el mundo, pues van Eyck fue el primer artista en explorar las capacidades de esta técnica en óleo y es el responsable de abrir camino en el realismo artístico hacia lo que más tarde se definió como el estilo renacentista. Actualmente, es estudiada como una llave para entender las representaciones cristianas y su capacidad de educar a quienes asistían diariamente a misa. El detalle de la pintura es tal que puedes observar los finos trazos que emulan los caballos de los corceles, las líneas que asemejan el pasto e incluso las marcas de edad entre los peregrinos. La trágica historia que persigue a la obra tiene varios puntos claves que enarbolan el misterio de cómo ésta ha sobrevivido al tiempo y a la codicia. Por ejemplo, en 1566, una turba de protestantes irrumpió en la catedral con la intención de prenderle fuego por considerarlo objeto de idolatría y excesos cristianos para la población, pero no lo lograron porque había sido traslada a la torre de la catedral. Siglos más tarde, Napoleón ordenó que algunos paneles fueran trasladados a París, mismos que fueron devueltos tras el exilio definitivo del Emperador. Sin embargo, en el siglo XIX, el vicario de San Bavón decidió vender los paneles a los prusianos, por lo que algunos terminaron en Berlín. Con el estallido de la Primera Guerra Mundial, un canónigo ocultó los paneles que aún quedaban en Gante, mientras que los alemanes los buscaban para completar la colección. Con la derrota alemana y los subsecuentes Tratados de Versalles, las autoridades internacionales ordenaron que los paneles fueran devueltos en su totalidad a la Catedral de San Bavón. Y cuando parecía que la Humanidad podría disfrutar de la obra en su totalidad, cayó la noche del 11 de abril de 1934. A la mañana siguiente, la gente se arremolinó frente al altar de la catedral, un tanto consternada por lo que sus ojos no veían, pues uno de los paneles del Prolíptico de Gante había desaparecido; los jueces habían dejado de cabalgar hasta el cordero sangrante. Un rumor cuenta que sólo se encontró una nota que decía “Tomado por Alemania por el Tratado de Versalles”. Uno de los policías, curioso ante el tumulto se acercó a preguntar, y al conocer el porqué de la parálisis social, prefirió atender una queja de robo en una tienda de queso frente a la Catedral. Años más tarde, el oficial confesaría que su decisión se basó en que “eran épocas de crisis y el queso era una cuestión fundamental en esos años”. La obra que había sobrevivido incendios, robos anteriores e incluso una venta poco esclarecida, volvía a estar en peligro. Así comenzó un juego de cartas entre el ladrón y la policía. El sujeto que firmaba con la siglas D.U.A. (¿Deutschland über alles?) pedía 1 millón de francos belgas a cambio del cuadro, y aunque el clérigo pretendía reunir la cantidad, la policía los contuvo porque sospechaban que era una treta. El misterioso hombre respondió con una carta pidiendo que recogieran un paquete en la estación de trenes de Bruselas. Escépticos, encontraron un paquete envuelto que contenía la cara exterior del panel con el retrato de San Juan Bautista. La demanda, el ladrón y el misterio eran tan reales como la investigación que no llevaba hacia ningún lado. Algunos señalaban a los alemanes, otros apuntaban a un simple oportunista y había quienes olían una teoría de conspiración por parte del clérigo por ocultar algo aún más grande. Era noviembre, y Arséne Goedertier, militante católico y corredor de bolsa, sufría un infarto mientras intentaba contactar a su abogado. En sus últimos suspiros, confesó ser la única persona en el mundo que conocía la ubicación del panel y detalló que el secreto se hallaba en una nota de su mesa de escribir. Tras su muerte, el abogado revisó sus papeles y encontró una nota que decía “[El panel] está en un lugar en el que ni yo ni nadie puede tomarlo sin llamar la atención de todo el público”. Conectando la relación de Goedertier y un posible escándalo financiero de la Iglesia oculto que uso el Prolíptico como cortina de humo, la historia apuntó a Goedertier como culpable. Sin embargo, el panel nunca fue encontrado. Considerada la obra que marcó el camino hacia el realismo en el Renacimiento, la codicia voló de nuevo sobre los paneles de Gante, esta vez en figura del deseo nazi por complacer quizás la más grande obsesión de Hitler. El régimen ario, por instrucciones del máximo mandatario alemán, planeó la construcción de toda una ciudad cultura en Linz, próxima al pueblo natal del Führer. Coronando este enorme complejo a cargo de Albert Speer, se erigiría el “Führermuseum” que albergaría la más grande colección de arte en el mundo y que estaría coronada con el Prolíptico de Gante. Tras la ocupación nazi de Bélgica, los 11 paneles restantes fueron sustraídos por los nazis y almacenados con cientos de miles de obras europeas más. Sin embargo, en 1944, Goebbels mandó al detective del arte, Heinrich Köhn, a encontrar a los Jueces Justos para ofrecerlo como un regalo a Hitler. Las conclusiones del enigmático personaje arrojaron que el panel había estado oculto en la Catedral pero fue cambiado de sitio para evitar que él lo encontrara. Incluso, consultando a la viuda de Goedertier, ésta confesó que su difunto esposo había comentado, a manera de acertijo: “Lo que no está en su lugar, no ha sido robado”. Köhn señalaba al mismo canónigo que había ocultado los paneles en la Primera Guerra Mundial, como el responsable del misterio. Quizás, había logrado una vez más esconder el panel en un camión de basura para sacarlo de la catedral. El sueño nazi terminó con la invasión aliada en Normandía y el repliegue alemán hasta Berlín. Los paneles que habrían de parar en el museo del Führer fueron rescatados por los mineros locales, agentes dobles y el Programa de Monumentos, Arte y Archivos en una mina de sal junto a otras 6 mil obras que iban a ser destruidas. La época de reconstrucción llegó a Europa, pero el misterio no cesó. Afortunadamente, un entusiasta y restaurador del arte decidió replicar el panel restante en 1939 y éste suple el espacio vacío desde 1945. Han pasado 71 años desde el fin de la guerra y el hallazgo del Prolíptico de Gante en la mina austriaca, pero el misterio de los Jueces Justos permanece. Aunque hay múltiples investigadores involucrados en resolver el misterio, el ex jefe de policía de la ciudad de Gante, Karel Mortier, es uno de los más entusiastas en desvelar el misterio. Gracias a su investigación se ha esclarecido que la teoría que señala a Goedertier como autor físico es imposible debido a un problema en la vista que le impedía ver de noche, por lo que en todo caso hubiera requerido de un ladrón con pleno uso de su vista y quizás, la complicidad de uno de los custodios de la catedral. Sin embargo, la Iglesia le ha negado el acceso a todo documento concerniente al periodo de 1934 a 1945 y desde que inició su investigación en 1991, se le han presentado 350 posibles ubicaciones. Además, la catedral ha sido revisada seis veces desde 1945 y ha sido escaneada con rayos X en una ocasión a una profundidad de 10 metros. El propio Goedertier ha sido objeto de misterio y ocultismo. Desde aquel fatídico día de 1934, su cuerpo fue exhumado por un detective amateur y más tarde un ladrón profanó el sitio de su cadáver para robar su craneo y dirigir una sesión de espiritismo con la esperanza de preguntarle al corredor de bolsa la ubicación del panel sin éxito alguno. Quizás la Humanidad esté destinada a nunca ver la pieza real que se rumora, tuvo la primera sonrisa en la historia del arte.

La Identidad de Banksy habría quedado revelada gracias a una novedosa técnica llamada “perfilado geográfico” realizada por estudiosos de la Universidad Queen Mary, en Londres. ¿Y quién es este famoso artista urbano? Robin Gunningham, un inglés de 46 años. El método utilizado para determinar la identidad del artista consiste en mapear los lugares donde ha realizado sus obras, para luego establecer un patrón matemático que se va esclareciendo con cada locación hasta apuntar a una sola persona. Con ello, tras analizar 140 puntos marcados en Londres y Bristol, se concluyó que la identidad del elusivo artista urbano corresponde a Robin Gunningham. Curiosamente se trata de la misma persona a la que había apuntado una investigación periodística de The Daily Mail realizada en el año 2008. De acuerdo con un artículo publicado, Gunningham nació en 1973 y algunas personas de su entorno lo recuerdan como una persona nómada y multitalentosa, particularmente en lo que respecta al arte, que se inició en el arte callejero y a quien no volvieron a ver más. Es increíble cómo ha logrado mantenerse por tanto tiempo en el anonimato, pese a la popularidad de sus obras que invitan a reflexionar sobre la sociedad y la política. Sea o no Banksy, lo cierto es que él seguirá siendo el artista que es, sin importar cuál haya sido anterior identidad. A continuación una muestra de su obra:

Este cuadro no es de Rembrandt, pero se han analizado todas sus obras para que una impresora sea capaz de imitar perfectamente su estilo. Si cuando veas este cuadro piensas que es una obra del pintor del siglo XVII Rembrandt, es que un grupo de analistas de datos ha hecho bien su trabajo, porque siento desilusionarte, este cuadro en realidad es una obra generada por ordenador. Se trata del Nuevo Rembrandt (título original “New Rembrandt”), un cuadro que ha usado análisis de datos de todos sus cuadros para generar una nueva obra que podría pasar como uno de sus cuadros, cuando en realidad es una falsificación de su estilo. Han pasado más de 300 años desde que el mundo perdió al pintor Rembrandt Van Rijan, pero perduran sus obras de arte. Son sus cuadros los que se han usado para crear este proyecto, con grandes imágenes en alta resolución, estudiando sus pinceladas gracias a una programa diseñado para este proyecto. Este programa junto a un algoritmo de reconocimiento facial se usó para analizar sus 346 obras conocidas. Mediante el estudio de los datos que se generaron de sus obras, como por ejemplo la edad, el sexo y la dirección de las cabezas. Así, el algoritmo determinó que la obra resultante debería tener unas características específicas: un retrato de un hombre caucásico, con pelo barba o bigote, entre 30 y 40 años, con ropa oscura, vistiendo un collar, un sombrero y mirando a la derecha. Después fue turno de una impresora 3D para que fuese capaz de generar con 13 capas de pintura, esta imagen resultante. La impresora crea capas de colores similar a las que se pueden ver en un cuadro de Rembrandt, recreando el estilo de la pincelada y su profundidad. El resultando en este cuadro, que para la mayoría de nosotros podría pasar como un original, pero abre una vía de estudio que nos muestra como se podrían generar nuevas obras partiendo de la información que tenemos de un autor. No es un original, pero es algo que se le asemeja.