pepitodos

Quieres aprender de forma divertida de que va cada genero y estilo de musica,pues bien,suponemos la siguiente situacion: Una hermosa princesa esta secuestrada en un castillo,el cual esta custodiado por un enorme dragon,ahora veamos las acciones que toma cada caballero de cada coriente: POWER METAL El protagonista llega al castillo con el poder místico de la piedra mágica de teletransportación hecha por los duendes mágicos de Tir Na.Nog, mata al dragón con la espada sagrada del caballero blanco del Reino perdido de Calah, usando el poder místico del Mago de la montaña blanca del norte, encuentra a la princesa, hacen el amor y viven felices por siempre, junto con ella crea un reino donde manda con honor, justicia y lealtad. THRASH METAL El protagonista llega al castillo a gran velocidad, pelea con el dragón con la espada , salva a la princesa y se la tira. HEAVY METAL El protagonista llega al castillo en una Harley Davidson, mata al dragón, se toma unas cervezas con la princesa y después lo hacen. FOLK METAL El protagonista llega con varios amigos tocando el acordeón, alaude, violín, y otros instrumentos extraños. El dragón se queda dormido cansado de tanto danzar, y luego se van... sin la princesa. VIKING METAL El protagonista llega en su barco , mata al dragón con un hacha, lo cocina y se lo come. Viola a la princesa, la deja en medio del bosque a merced de los lobos, saquea el castillo y le prende fuego a todo antes de irse cantando canciones de Guerra. DEATH METAL El protagonista llega, mata al dragón, se tira a la princesa, la mata y se va. BLACK METAL Llega de madrugada, en medio de la neblina, mata al dragón y lo empala frente al castillo. Sodomiza a la princesa, la corta con una daga y bebe su sangre en un ritual antes de matarla. Después descubre que ella no era virgen y la empala junto al dragón. GORE METAL (grind core) Llega, mata al dragón. Sube al castillo, se tira mientras tortura a la vez a la princesa despues la mata, se la tira de nuevo. Quema el cuer po de la princesa y se la vuelve a tirar. DOOM METAL Llega al castillo, ve que el dragón esta devorando a la princesa, que es su amada, deprimido empieza a llorar y su alma se inunda en un mar de lágrimas, que no tardaran en secarse cuando el dragón lo descubra y tenga el mismo final que su amada. GOTHIC METAL Llega al castillo vestido de negro, con cara pálida, pinta con rimer negro los ojos del dragon luego observa como el dragón mata a la princesa y encuentra la belleza de la muerte, se enamora del cadáver pálido de la princesa y escribe poemas de un amor imposible con una mujer tan hermosa, entonces el dragón se lo devora. NU METAL Llega al castillo y se jacta de lo bueno que es peleando y de que es capaz de ganarle al dragón. Pierde miserablemente con el Dragon, el cual no lo mata xk le da Lastima. Huye y encuentra a la princesa, le cuenta su trágica infancia. La princesa lo golpea y se va a buscar al protagonista de "Heavy Metal". GLAM METAL Llega al castillo. El dragón se ríe tanto al verlo que lo deja pasar porque se muere d risa. Entra al castillo, le roba el gel y el lápiz labial de la princesa. Luego convence al dragón de pintar el castillo de rosado y hacerse unos rayitos. Convierte a la princesa en su Estilista. PUNK Le tira una piedra al dragón y huye gritando "'A la mierda tu sistema!!!". Pinta la "A" de anarquía en un muro del castillo. Le hace un peinado de mohicano a la princesa y se pone a vender pulseras, collares y objetos de jack en el pasadizo del castillo. EMO Llega en monopatin, hace kickflip, heelflip y backflip, mata al dragon, hace kickflip 180º, va y le toca a la princesa una canción donde se da a ver como una persona inferior que no la merece y que daría lo que fuera por tenerla, la princesa se aburre y se va. El nuevamente hace backflip y desliza las escaleras para irse, no sin antes darse unas cuantas hostias. PROGRESIVO Llega, toca un solo virtuoso de guitarra de 26 minutos. El dragón se mata de aburrimiento. Llega donde la princesa y toca otro solo explorando todas las técnicas de tonos y compases aprendidas en el ùltimo año en el conservatorio. La princesa huye buscando al protagonista de "Death Metal". HARD ROCK Llega al castillo en un convertible rojo, acompañado de dos rubias pechugonas y tomándose una botella de Jack Daniels. Manda a matar al dragon con unos sicarios y luego hace una orgía con las rubias y la princesa. ROCK N' ROLL Llega en una moto fumándose un porro y se lo ofrece al dragón, que resultó que era amigo suyo . Luego acampa con la princesa en la parte más apartada del jardín, y bailan los 3 desnudos después de mucho sexo,drogas y rock n' roll, tiene una sobredosis de LSD y muere ahogado en su propio vómito. REGGAE Llega vestido de verde, amarillo y rojo, el cabello con rastas hediondas y se llena el ambiente con un olor que no se sabe si es incienso o marihuana. Hace amistad con el dragón al cual luego convence de liberar a la princésa, le hace el amor en la playa al ritmo de bob marley y con ella forma una familia de indigentes que viven en la playa pidiendo limosna y vendiendo artesania. ELECTRONICA Llega con los cabellos en pinchos y pintados de Azul neon, que combina con su ropa, Antes de luchar con el dragón se toma 1 pastilla de extasis con agua y ve muchos colores, baila como nunca, escucha un Trance Drum n' bass Hardcore House Tecno-wai tan bueno que no se da cuenta de que el dragón y la princesa se fueron asustados porque llega el del Gore Metal, ke le korta los webos x eskuxar esa musika. POP Llega vestido a la moda, con el pelo rosa, y tarareando una cancion de n´sync, sube al castillo pone una insoportable mierda de britney spears, que mata de asco al Dragon, la princesa se termina llendo con el personaje del Death Metal !!! y el personaje se termina llendo como buen maricon a escuchar musica de cristina aguilera. SKA Llega uno bailando ska con un acordeon por el castillo y destroza todo el mobiliario, el dragón se cabrea y lo pisa asta que deja de moverse. Llega el de Gore Metal y se lo come. ALTERNATIVA Entra al kastillo alternativo bailando d forma alternativa, el dragon alternativo le parte el kulo d forma alternativa, la princesa alternativa le da una madrisa alternativa, el sujeto se kae al foso de forma alternativa, y se muere alternativamente y el dragon alternativo se tira alternativamente a la princesa alternativa. MUSICA CLASICA Pasa al castillo un sujeto d estos y llega el dragón le pega un putaso que lo aplasta contra la pared. Llega el del Gore Metal con una panza de la chingada despues de haberse comido a tantos protagonistas y se lo come también. HIP HOP Viene rapeando con su crew llenan de grafittis todo el castillo, el dragón los reta a una batalla, estos aceptan, pero el dragón s cabrea tanto k empieza a echar fuego x la boka. Los rappers salen corriendo, pero komo llevan los pantalones x el kulo, la mayoria se caen. Entonces con el dragón se pone a hablar d k la tiene mas grande, etc... Oyendo esto baja la princesa kon el prota dl Glam- y esperimentan makillaje kn sus kadáveres para k el del Gore Metal no se los koma FUENTE: www.makunouchimetal.blogspot.com

Filtran que Mike Mangini sería el sustituto de Portnoy Muy extraño todo: el portal de noticias de rock Blabbermouth.net, perteneciente, precisamente, al sello de Dream Theater, Roadrunner Records, se hace eco de un rumor que circula por Internet: que el batería Mike Mangini sería el sustituto de Mike Portnoy para el grupo. El músico de Massachusetts habría sido visto en los estudios ensayando con el resto de la banda. ¿Un Mike por otro Mike en DT? ¿Se acaba así con el secretismo que perdura desde finales de 2010 y que se ha extendido en todo este 2011? Más bien parece un rumor, aunque con importantes referencias como para darle cierta entidad. El caso es que lo sospechoso es que haya sido difundido, como os decíamos, por Blabbermouth.net, un noticiero digital que pertenece a Roadrunner Records, el actual sello que distribuye los discos de Dream Theater. El caso es que según el Twitter de Eddie Trunk, periodista especializado en rock y metal, ha sido visto entrando en los estudios de ensayo con el resto de Dream Theater. De esta forma, el elegido para sustituir a Mike Portnoy, ex líder del grupo, sería este batería norteamericano de Massachusetts, de 47 años, conocido por una carrera más que respetada por sus apariciones como músico de estudio para bandas como Annihilator, Extreme, Steve Vai o... el propio James LaBrie, vocalista de Theater. A Mangini se le considera un virtuoso de la batería, ganador de tres concursos del World's Fastest Drummer, donde se busca al baterista más rápido de rock, alcanzando hasta 1.200 golpeos en 60 segundos de tiempo en distintas técnicas y piezas de la batería, así como el que más golpeos conseguía con el pedal de pies, llegando a los 13.222 golpeos en 15 minutos. Es cierto que son sólo cifras de velocidad de golpeo, pero a Mangini se le considera muy técnico y exquisito con su instrumento. De hecho, ha escrito dos libros sobre técnicas de percusión. En Annihilator entró en el año 1991 y grabó con ellos el álbum 'Set The World On Fire', girando después con lma banda hasta 1994. Justo después enganchó con los Extreme, reemplazando a su batería original, Paul Geary. Tras la disolución de este grupo en 1996, hizo una audición para el genio de la guitarra Steve Vai, resultando elegido para trabajar para él. De hecho lo hizo entre ese año, 1996, y comienzos de 2000. Con Vai grabó los discos de estudio 'Fire Garden' y 'Ultrazone'. En 2005, Mangini aceptó dar clases en el prestigioso Berklee College of Music en Boston y aún en día sigue ligado a él. Seguramente el vínculo determinante con Dream Theater ha sido conocer a James LaBrie, con quien trabajó ya en su banda MullMuzzler en 1999, en el disco 'Keep It To Yourself', en 2001 en 'MullMuzzler 2' y finalmente, en 2005 en la grabación del álbum en solitario del cantante canadiense 'Elements of Persuasion'. Eso sí, justamente en el último trabajo de LaBrie, el reciente 'Static Impulse' (2010), ya no estuvo como parte de los músicos de acompañamiento. Esto confirmaría en parte que el vocalista, que nunca fue bien visto por Portnoy y que en 1994 planteó su despido por bajo rendimiento, es ahora uno de los líderes de Dream Theater junto, cómo no, a John Petrucci, guitarrista y co-productor de los últimos álbumes del grupo.

1. "Satellite 15... The Final Frontier" 8:40 2. "El Dorado" 6:49 3. "Mother of Mercy" 5:20 4. "Coming Home" 5:52 5. "The Alchemist" 4:29 6. "Isle of Avalon" 9:06 7. "Starblind" 7:48 8. "The Talisman" 9:03 9. "The Man Who Would Be King" 8:28 10. "When the Wild Wind Blows" 10:59 Duración total: 76'34'' Músicos: - Bruce Dickinson: Voz - Dave Murray: Guitarras - Adrian Smith: Guitarras - Janick Gers: Guitarras - Steve Harris: Bajo y teclados - Nicko McBrain: Batería y percusión Grabado en 2010 en los estudios Compass Point, en Nassau, Bahamas y los estudios The Cave, Malibú, California, EEUU. Género: Heavy metal, metal progresivo. Producido por Kevin Shirley. Reza la publicidad y los eslóganes de este álbum que se trata de un disco repleto de descarga eléctrica, contundencia y riffs de la vieja escuela. 76 minutos de adrenalina. Puro artificio. No se engañen. No volvemos a los viejos himnos de los 80, con 'Aces High', 'The Number of the Beast' o 'The Trooper'. No. Maiden ha dado el paso, definitivamente, a otra dimensión. Un metal más elaborado, más cercano del progresivo que de la vieja escuela. Y sin embargo, con este nuevo rostro, han rejuvenecido su música. 'The Final Frontier' es, sencillamente, un discazo. Como contaba en la primera aproximación al contenido del disco, y antes de poder analizar con el merecido detenimiento que debe tener todo álbum de Iron Maiden, el arranque me sorprende para bien. Hay quien no termina de comprender lo que la banda persigue con esta intro titulada 'Satellite 15' y que en el mismo corte que 'The Final Frontier'. Particularmente, me parece una original experimentación sonora con sintetizador y, por primera vez en 30 años, una base de batería elaborada con pads y no con batería acústica. Recuerda mucho a un inicio tipo banda sonora de 'Terminator', agresiva, épica y misteriosa, queriéndonos introducir en la atmósfera recreada en la portada del disco, un mundo onírico de ciencia ficción futurista. Las guitarras suenan al fondo de manera mística y poco a poco llega casi al tercer minuto, hasta que aparece la voz de Bruce, dramatizada y distorsionada, para volver a la base rítmica eléctrica y las guitarras de ensueño difuminadas. Excelente capricho sonoro de Maiden que jamás había hecho en tanto tiempo de Historia musical que sólo tiene un fallo: la falta absoluta de cohesión con la otra parte del corte 1, 'The Final Frontier'. Se corta de repente y da paso al tema que da nombre al disco, no sin antes acabar en un cuarto minuto de forma majestuosa con redoble de batería. Y 'The Final Frontier', conocida casi por todos gracias al videoclip lanzado por Maiden un mes antes, no engaña a nadie. Una buena canción para empezar, algo plana y repetitiva, pero convincente y en la línea de los Maiden de 'Brave New World'. A Dickinson se le aprecia menos suelto en las voces, mucho más perjudicado por el paso del tiempo. Se le nota al intentar alcanzar las notas más altas, cosa que no sucede en otros temas mejor producidos. Tras este primer acercamiento llega 'El Dorado', la otra canción presentada como adelanto para los fans. Es, sin duda, el corte más pobre y modesto de todo el álbum. Y si tenemos en cuenta que no es ninguna bajeza, se trata en el fondo de un piropo a este disco. Lo peor de 'El Dorado' es que no se define... suena como a los Maiden de Blaze Bayley: planos, menos melódicos y muy pesados en la composición. Casi doom. Sin embargo, pretende un estribillo a la vieja usanza, cosa que no consigue, y Dickinson da su peor rendimiento vocal: absolutamente superado por unas notas que no alcanza. Incluso recuerda a Blaze, que pese a tener buenas dotaciones para cantar, no tiene los registros de Bruce ni de lejos. Pero sin tiempo para pensar en si 'The Final Frontier' va a defraudar llega el primer disparo a nuestra sien: 'Mother of Mercy'. Temazo que juega con guitarras suaves en un arranque muy bucólico, con un Dickinson ya más convincente. Está increíble tanto él como el resto del grupo, sobre todo en la composición, tarea aquí de Smith y Harris. Muchos cambios de ritmos y niveles que presagian los aires de metal progresivo que inundan este disco. Y si gusta la introducción, que se alarga a casi tres minutos, no hay más que rendirse a un estribillo mágico y épico. Trágico y oscuro, pero que lleva a mover todo el cuerpo. Lo único que se le puede reprochar a este 'Mother of Mercy' es que en algunos tramos faltaría reforzar la sección de cuerda. Me refiero a que para tener tres guitarristas, por momentos es algo minimalista y de 'orquestación' insuficiente. Le falta ese último impulso para ser un heavy metal machacón y recargado. Para nada: Maiden busca un sonido más limpio y puro, sin tanta suciedad eléctrica, y es lo más reprochable no sólo en este tema, sino en el resto del álbum. ¿Qué parte de responsabilidad tiene aquí Kevin Shirley? Sin bajar el nivel que habíamos ya comenzado a saborear, los chicos de la dama de hierro nos deleitan con 'Coming Home', un tema en el que ya aparece Bruce firmando los créditos y no hacía falta ni contarlo: un medio tiempo de inicio, muy bucólico, que se podría confundir con el típico tema de la discografía en solitario del mítico vocalista. Él está inmenso en este tema, que lo hace muy propio y le da una impronta sensacional. Por momentos me recuerda a pasajes de 'Tears of the Dragon'. Y no, que nadie se engañe: no es una balada ni una love song. Iron Maiden tiene las narices de ser una banda que en 30 años de Historia discográfica no ha realizado ni una sola balada. Quizás temas calmados como éste, o 'Fear of the Dark', o 'Wasted Years', o 'Strange World', pero nunca claudicando. Ah, y por cierto, ojo al solo central de guitarra de la canción. Majestuoso. Como la parte final. Increíble. Estos son los Maiden que me gustan, tras los dos dubitativos álbumes anteriores. 'The Alchemist', siguiente canción: ritmo más rápido y riff machacón, con estrofas cantadas por Bruce a gran velocidad, recordando sus inicios en los 80. Este corte es el más ochentero de todos, el más propio de su época dorada y la que les encumbró en el olimpo del heavy metal. Ojo al solo de guitarra a partir del tercer minuto. Fulminante. Pura descarga de adrenalina. Un himno que recuerda a sus canciones más clásicas y que podría ser muy explotado en el futuro para las giras. Sin embargo 'Isle of Avalon' regresa a las exploraciones más progresivas. Se trata de un tema de 9 minutos que nos evoca su parte más creativa, la que no busca temas directos y pegadizos, sino largos pasajes de ensueño y calidad compositiva. Bajo una base rítmica que va evolucionando con gran exquisitez de McBrain, a base de platillos y el bajo de Harris, llegan a presentar una composición que recuerda inevitablemente a 'Rime of the Ancient Mariner', el tema más progresivo de toda su discografía. No puedo dejar de mencionar el gran trabajo vocal de Bruce, que aquí vuelve a estar a un nivel propio de una divinidad. Es el Bruce de siempre, desatado pero controlando su chorro de voz con talento y mucho arte. Por último, decir que la melodía es tan bella y elaborada que habrá que tener en cuenta este tema para análisis posteriores en el tiempo. 'Starblind' es, sin embargo, el tema más fresco y que resume lo mejor de Maiden, para mi gusto. Estribillos como siempre les ha gustado: alargados y sin una simpleza verbal. Dickinson está inmenso y la melodía marca la prioridad sobre el ritmo, aunque el comienzo con bajo y guitarras oníricas nos devuelven a los Iron Maiden de 'Fear of the Dark'. No es una canción de riffs, sino de gran trabajo de elaboración de tejidos sonoros. Pero, al mismo tiempo, insisto, pegadiza y contundente. Un temazo, vaya. Y como este álbum dura 1 hora y 16 minutos, da para mucho. Podía haber sido un germen para dos álbumes separados por un año en su publicación y habrían sido dos discazos. El caso es que todo esto que ya han dado hasta 'Starblind', Maiden continúan dando de sí. Y mucho. 'The Talisman' es una pieza algo distinta, muy propia del heavy que se inspira en melodías medievales o renacentistas, con unas guitarras acústicas en la primera parte del tema que evocan un ambiente místico y propio de leyendas. Dickinson lleva el ritmo casi recitando, en tonos bajos, como un trovador. Pero 9 minutos dan para mucho y pronto el tema evoluciona a una descarga eléctrica maravillosa, prodigiosa, aunque a él, sin embargo, se le ve más forzado por las altas escalas que debe alcanzar. Ojo a Nicko, que aquí está inmenso, envolviendo todo el tema, más las guitarras del trío más completo del momento: Gers, Murray y Smith. Ahora bien: sigo diciendo lo mismo que hace 10 años, cuando apareció 'Brave New World'. Me alegro del regreso de Adrian, y que eso no obligara a despedir a Janick Gers, que es maravilloso. Pero no son precisos tres guitarristas para este metal sin altos recargamientos que tiene la música de Maiden. Y menos tres guitarristas de su nivel... En fin, eso es otra historia que no viene a cuento. En el fondo es un lujo, así que de esta manera hay que tomarlo. El tramo final llega con dos canciones largas más: 'The Man Who Would Be King', de 8 minutos, y 'When the Wild Wind Blows', un cierre épico y con concepción progresiva de 11 minutos, firmado en solitario por Steve Harris. El único de todo el álbum que no componen al menos dos de sus integrantes. El primero de ellos vuelve a dar lo mejor de la sección de cuerda, con unas guitarras oníricas y muy melódicas, más teclados de fondo tocados por Harris en estudio. Aseguro que a más de uno sorprenderá el contenido de este tema, sobre todo a la mitad del mismo, con estructuras y texturas que jamás había escuchado en Maiden, con gorgoritos de guitarras propios de unos Pink Floyd. Con la boca abierta aún estoy... Si alguien no se lo cree, que escuche el final: ¿Kaipa? ¿Marillion? Se me vienen a la cabeza tantas influencias... Gracias, Maiden. Y el final, lo dicho: 'When the Wild Wind Blows'. Una canción de Harris que, como me apuntaba mi compañero Javi Moreno, suena a tema folk con toques épicos. El comienzo se parece al de una canción tristona y épica, con guitarras del tipo de 'The X Factor' y toques del tema 'The Clansman'. El título ya dice mucho. Juega, durante todo el tema, a imitar marchas militares con un trabajo excelente en la batería de Nicko. Los solos interminables y mágicos de la parte central son propios de 'Afraid to Shoot Strangers' o 'Fear of the Dark', y provocan tal sensación al interiorizar este tema que uno se pregunta... ¿vendrán generaciones venideras capaz de batir esto? Porque no son sólo Maiden. Judas, WASP, Saxon... viejos mitos y viejos rockeros del metal que no claudican y ofrecen discos increíbles cercanos a los 60 años, si no los han pasado ya. Yo, de momento, me quedo con la gran sensación de este 'The Final Frontier'. Parece que Maiden por fin ha conseguido el punto que buscaba. Nos alegramos todos. ¡Up the Irons! Lo mejor: La frescura con la que han compuesto este disco y concebido su contenido. Además, dan la sensación de que llegan al punto que querían alcanzar en sus anteriores trabajos. Lo peor: Poco que decir, por no decir que nada. Quizás el desaprovechamiento de tener tres guitarristas para una música que por momentos apenas ofrece saturación en la cuerda. Imprescindibles: La intro 'Satellite 15' por su originalidad, más las joyas 'Coming Home', 'Isle of Avalon' y 'Starblind'. También 'The Man Who Would Be King' por ser tan fresca y la contudente 'Mother of Mercy'. Fuente: http://www.portalesquizofrenia.com/cms/iron-maiden-the-final-frontier-critica.html

Careful With That Axe, Eugene Música: Waters, Wright, Mason, Gilmour Voces de: Waters (instrumental) Álbum: Ummagumma Se escuchan los pasos..., alguien viene por ti!. En mayo de 1968, en pleno proceso de concepción de A Saucerful Of Secrets, la banda comenzó a buscar experimentaciones en vivo que reflejaran la forma de Barrett de ver la música. Estas experimentaciones dieron forma a temas como A Saucerful Of Secrets y algunos outtakes que quedaron en la no edición formal. El 23 de mayo de 1968 en Paradiso, Amsterdam la banda tocó por primera vez el tema "Keep Smiling People" que fue un paseo instrumental que daría forma a uno de los temas mas libres de Pink Floyd: Careful With That Axe, Eugene. Ese mismo mes de mayo Pink Floyd comienza a grabar para su primer experimento soundtrack para la película The Committee (producida por Max Steuer y dirigida por Peter Sykes). Si bien la película tuvo muy poco éxito, poseía la primera versión grabada del tema que mas adelante se convertiría en "Careful with that axe, Eugene". La versión creada para The Committe, normalmente llamada "Murderistic Women" fue tocada el 25 de junio de 1968 en el show de John Peel (que puede ser encontrado en el roio The Complete Top Gear Sessions 67-69). El tema tomó diversas formas durante ese año, pero no sería parte del álbum ASOS, simplemente se dejó de lado y hasta el día 4 de Noviembre Norman Smith produce la versión en estudio de Careful with that Axe Eugene, la cual fue grabada en los estudios Abbey Road de Londres. Esta grabación es la que aparecería en el álbum Relics. El 17 de Diciembre se lanza el sencillo "Point me at the Sky / Careful with that Axe Eugene", siendo el último sencillo antes de la seguidilla de álbumes de Pink Floyd hasta 1980. El enigmático tema, que solo fue un lado B de Point Me At The Sky, poseyó luego una toma para Zabriskie Point a fines de 1969, donde fue modificado y se le dió el nombre de 'Come In Number 51, Your Time Is Up'. Es más, durante 1969, para el show The Massed Gadgets of Auximines, el tema se incluyó en la suite The Journey como extracto, llamado esta vez con el título de "Beset By Creatures Of The Deep". Para fines de 1969, y en el caso de Zabriskie Point, David Gilmour comenta sobre Antonioni, director de la película: "Una de las canciones para Zabriskie Point era un remake de Careful with that axe Eugene, que seguramente fue por eso que nos contrató, la otra era una especio de música country & Western, que pudo haber conseguido mejor por un grupo americano, pero el eligió la nuestra, bien extraño.." Ese mismo año, 1969, sale Ummagumma, donde se incluye una toma en vivo de Careful With That Axe Eugene, pero para sus ediciones en cassette este tema fue simplemente excluido. Esta versión fue la 6a versión del tema y solo la 2a en ser realizada (luego del single). Pero, de donde viene la idea de Careful With That Axe, Eugene? Bien, el tema es bastante misterioso, pues solo posee un bajo que toma dos notas (que por lo demás son dos notas que se reciclan mucho en la historia de la banda) y un "in-crescendo" que encuentra su clímax al encontrarse con la batería de Nick Mason y posteriormente los gritos guturales de Roger Waters en quizás su mejor redención en el escenario durante fines de los 60s y comienzos de los 70s. Ese bajo que comienza, puede ser sentido como los pasos de alguien que comienzan suavemente, cadenciosamente acercándose por la espalda hasta la revelación final del tema y la evidente euforia de este. Pero, lo de "Cuidado con el hacha, Eugenio" posee mas de una lectura respecto a la identidad de este protagonista. Teoría 1: Una teoría relaciona el título del tema con Jerry García (del grupo Grateful Dead), quien trabajó junto a PF en la banda para Zabriskie Point y quien perdió su dedo anular de la mano derecha. Sin embargo, la historia no es exactamente verdad, pues García perdió su dedo pero quien se lo cortó no fue una persona llamada Eugene sino su hermano que se llamaba Tiff. Teoría 2: Hay una segunda teoría que relaciona el título con el contralado del single: "Point Me at the Sky.", pues este tema comienza con las líneas: Hey, Eugene This is Henry McLean And I've finished my beautiful flying machine Oye, Eugenio Este es Henry McLean Y he terminado mi bella maquina voladora Es más, se supone la existencia de un libro llamado "Eugene and His Flying Machine," (o algo similar) el cual debiera poseer otro personaje llamado Henry. Es más, existe un acercamiento a esta teoría respecto a un libro llamado "Wizzard McBean [rima con McLean] and his Flying Machine," libro que esta fuera de edición. Teoría 3: La última teoría y la que mas alimentan los fanáticos es la que menciona R. Brigham Lampert de la lista Echoes: A comienzos de los 60's hubo un asesino en serie por las cercanías del río Támesis en Londres. Después de 3 o 4 asesinatos el sospechoso fue atrapado. El nombre de este sospechoso era Eugene Craft. Eugene fue encontrado culpable y aprisionado. De esta forma "Careful" puede ser una referencia a este incidente. Hachazos en vivo La magia del tema, que en sí es instrumental, radica en la euforia desenfrenada de su clímax lo que en vivo lo hacia un propuesta invaluable de fuerza para una banda que estaba acostumbrada a largos pasajes space o reflexiones poéticas y rupestres. El tema es enfadado, rock puro y directo, lo que lo hace en vivo mucho más rico que su versión de estudio, la cual es mas pura y estéticamente mas "limpia". En vivo el tema podría tomarse como estreno el 23 mayo 1968, bajo el nombre Keep Smiling People en Paradiso Amsterdam, aun cuando no fue esta versión muy parecida a la definitiva bajo el nombre CWTAE (esta fecha es erróneamente citada a veces como el 31 de Mayo de 1968). El 25 de junio el tema se toca en las Top Gear Sessions bajo el nombre Murderistic Woman. Luego, ya en 1969 y editado la versión single de fines del 68, se graba en vivo la toma del 27 de marzo en Chesterfield. En abril y ya en las suites The Man and The Journey el tema es tocado bajo el nombre de BESET BY CREATURES OF THE DEEP. Así, bajo este titulo es tocado el 14 de abril en Londres (roio The Massed Gadgets of Auximines). El 9 de mayo es tocado en Hampshire y el 22 de Junio en Manchester. El 26 es el turno del Albert Hall de Londres y el 8 de agosto el turno de East Sussex (roio The Journey Through The Past). El 17 de septiembre sería la última presentación bajo el nombre de BESET BY CREATURES OF THE DEEP en Amsterdam, en el mítico espectáculo del Concertgebouw (roio The Man and The Journey). Entre el 16 de noviembre de 1969 y el 12 de diciembre fueron las sesiones de grabación de Zabriskie Point, y en sí las tomas para la versión bajo el nombre COME IN NUMBER 51, YOUR TIME IS UP. Bajo el título oficial y definitivo del tema como CAREFUL WITH THAT AXE EUGENE el tema se presentó sucesivamente hasta 1973. El 11 de Octubre lo presentan Essen (roio Graughalle) y el 25 de octubre en Amougies en Bélgica (show conocido por la participación de Frank Zappa en el tema Interstellar Overdrive), el mismo día del lanzamiento de Ummagumma. Finalizando 1969 tocan el tema en Roma y luego en Port Talbot el 6 de diciembre. Durante enero de 1970 y ya presentando temas nuevos como Biding My Time y Heartbeat Pgimeat tocan en Surrey (roio Croyden del 18 de enero), luego en Paris comienzan a presentar Atom Heart Mother (roio Broadcasting From Europa 1, 23 de enero). El 11 de febrero tocan la fabulosa y experimental presentación de Birmingham (roio The Amazing Pudding) y el 28 de febrero presentan una excelente versión de CWTAE en Yorkshire (roio Six Of One). Durante marzo pasaron por Berlín, Nuremberg en Alemania, Lund en Suecia y Bourget en Francia. Durante abril de 1970 comienzan una gira por EEUU donde tocan en Nueva York el 11 de abril y el 22 en Port Chester, pero la gran presentación de esa gira sería el día 29 de abril primero en KQED y luego en el festival de Fillmore West en San Francisco. El roio Interstellar Fillmore posee un registro fabuloso del tema CWTAE. Luego de EEUU volverían a Europa y presentarían el tema en el festival holandés de Kralingen el 28 de junio. El 16 de julio harían una presentación para la BBC (roio At The Beeb y Libest Spacement Monitor) que sería uno de los registros mas limpios del tema. Ya para septiembre volverían en una segunda gira a EEUU y tocarían en Filadelfia (roio Electric Factory del 26 de septiembre) y luego en Pepperland San Rafael (roio Pepperland in the West del 17 de octubre). el 23 de octubre lo harían en Sta. Mónica (roio Sing to Me Cymbaline). En noviembre tocarían en Rótterdam (roio De Doelen y Remergence del 7 de noviembre), luego en Copenhague, Aarhus y Hamburgo (en la excelente presentación de Ernst Meck del 14 de noviembre). Ya para el 21 de noviembre se presentarían en el Montreux Casino de Suiza (roio Smoking Blues). El año se terminaría con la presentación en Sheffield el 22 de diciembre (roio A Psychedelic Night). En 1971 el tema sería abordado sin cesar en casi cada presentación destacándose la del 25 de febrero en Munster (roio M 502), la del 15 de mayo en el Crystal Palace (roio Return of the sons of the Crystal Palace), ya para la gira de Meddle. El 18 de mayo la excelente versión de Stirling y el 4 de junio la de Dusseldorf. El 5 de junio la versión de Berlín (roio Mauerspechte) y el 6 de agosto en Japón una excelente versión en Hakone (roio Aphrodite). El 18 de septiembre harían una excelente presentación de CWTAE en Montreux, Suiza. La gira haría una pausa para que en Octubre de 1971 hicieran el mítico video Pompeyo donde harían un registro invaluable del tema Careful With That Axe Eugene en vivo pero sin público y con todo un ambiente ancestral. Lo que quedaba de Octubre lo dividirían en un nuevo paseo por ciudades de EEUU donde destaca la versión de CWTAE del roio From Oblivion en San Diego del 17 de octubre. Para noviembre, el 6 y el 20, presentarían el tema en Cleveland. El 16 de noviembre se presentarían en Washington DC (roio Process of Creation). En 1972, ya en proceso del Dark Side Of The Moon, tocarían CWTAE en los ensayos del Dark Side en Brighton el 20 de enero, también en el Rainbow Teathre el 17, 18, 19 y 20 de febrero (roio Time). En marzo harían una gran performance de CWTAE en Osaka, Tokio y Sapporo (roio The Great Gig on the Moon), y el 30 de marzo en Manchester (roio Run Rabbit Run). El 23 de abril en Cincinnati, el 28 en Chicago y el 2 de mayo en New York. El 28 de junio presentarían el tema junto al Dark Side Of The Moon en Brighton y el día 22 de septiembre harían una memorable presentación de CWTAE en Hollywood (roio Bowl de Luna). El año 1972 terminaría con una buena presentación en Boelingen (15 de nov), el 17 en Frankfurt (roio One OF Those Days), el 9 de diciembre en Zurich y el 10 de diciembre en Lyon. Comenzando 1973 el tema acompañaría el show con el ballet de Roland Petit en Paris (roio A Night With Roland del 13 y 14 de enero de 1973). Durante marzo volverían a Norteamérica con grandes presentaciones en St. Louis (The Valley OF The Kings el 6 de marzo), en Chicago (Childhoods End del 7 de marzo), en Toronto (Yeeshkul! del 11 de marzo) y en el Radio City Music Hall en Waterbury el 18 de marzo. En mayo harían una gran presentación en el Earls Court de Londres (18 de mayo). El tema sería tocado tambien en junio en EEUU. Para octubre sería el último ciclo para CWTAE en Alemania y Austria, siendo presentado el 12 en Munich (roio From the Master) y por última vez en 1973 en Viena (Lunatics on the Run) en un concierto con gran nostalgia por Barrett. El tema pasaría un período de receso y no sería hasta 4 años mas tarde que sería tocado por última vez en la gira de Animals en el excelente concierto de Oakland que presenta quizás la mejor versión de CWTAE, disponible en los roios Animals Instincts, In The Flesh y Plays The Animals... Luego de eso, los hachazos cesaron, el muro fue construido y otra historia se escribiría para Pink Floyd. MIDI TABS CREDITOS

Ante todo les aviso que la siguiente review es de mi autoría, todas las apreciaciones son meramente subjetivas y pueden o no coincidir con la opinion de otros fans de la banda. BLACK CLOUDS & SILVER LININGS Info Fecha de Lanzamiento 23 de Junio de 2009 Fecha de Grabación Octubre 2008 – Marzo 2009 Estudio Avatar Studios (NY) Duración 75:25 Discográfica Roadrunner Records Productores Mike Portnoy & John Petrucci Ingenieria/Mezcla Paul Northfield Arte/Portada Hugh Syme Tracklist 01. A NIGHTMARE TO REMEMBER (16:10) Lyrics by John Petrucci Music by Dream Theater 02. A RITE OF PASSAGE (8:35) Lyrics by John Petrucci Music by Dream Theater 03. WITHER (5:25) Lyrics by John Petrucci Music by Dream Theater 04. THE SHATTERED FORTRESS (12:49) Lyrics by Mike Portnoy Music by Dream Theater 05. THE BEST OF TIMES (13:09) Lyrics by Mike Portnoy Music by Dream Theater 06. THE COUNT OF TUSCANY (19:16) Lyrics by John Petrucci Music by Dream Theater Integrantes JAMES LaBRIE: Vocals JOHN MYUNG: Bass JOHN PETRUCCI: Guitars & Backing Vocals MIKE PORTNOY: Drums & Backing Vocals JORDAN RUDESS: Keyboards & Continuum Es innegable que los muchachos de Dream Theater siempre se han caracterizado por que han logrado mezclar bastante bien estilos diferentes en su propuesta musical. Principalmente los sonidos progresivos de la época de oro del rock progresivo tradicional de inicios de los 70’s por un lado y por otro las estructuras y formas más simples y pesadas, directamente ligadas con el metal clásico y contemporáneo. Además incluyen un toque melódico que sin duda los hace más accesibles con respecto otras bandas similares que tienen menos difusión. Cada nuevo disco es una verdadera sorpresa, algo diferente pero eso sí, sin perder la identidad que han logrado conseguir como grupo y una nueva vuelta de tuerca en su evolución musical ininterrumpida. Esa tal vez sea la razón por que tras cada nueva entrega del grupo se genere tanta controversia y despierte a tantos ‘fans’ detractores pero a un triple más de admiradores; puesto que con un caudal de música extremadamente técnica y no muy fácil de digerir resulta más sencillo abandonar la escucha del álbum, que tener la paciencia necesaria para escuchar unas 5 o 6 veces para empezar a comprenderlo. Black Clouds & Silver Linings no es una excepción, con 75 minutos de duración y 6 tracks, 4 de ellos de larga duración. Por si eso no fuera bastante prueba para la paciencia de uno, abundan los pasajes musicales y polirritmias, donde los instrumentos se mezclan sin línea melódica aparente, con una generosa dosis de armonía y melodía musical. BC&SL tiene la naturaleza de sus primeros discos como “Imagines And Words”, “Awake” y “Falling Into Infinity” también tiene la fuerza y la contundencia de “Systematic Chaos” y “Train Of Thought”, pero la esencia del disco es la melodía, todo va a favor de reforzarla y destacarla, la voz de James LaBrie, los acordes de John Petrucci, los teclados de Jordan Rudess, todo el kit de Mike Portnoy y las notas de John Myung están para jugar a favor del conjunto de la canción. No dejan aparte los solos, que siguen siendo apabullantes, pero no son la parte central de los temas, la clave es el conjunto, la melodía y la armonía musical. En Black Clouds & Silver Linings a diferencia de su antecesor, encontramos un disco que se podria decir que trata de volver a sus raices como banda, pero sin dejar de lado su continua evolución, donde el grupo bebe de todas sus influencias musicales, tanto externas como propias. Por momentos es duro (muy duro), otras veces es calmado, atmosferico moderno, melodico, clasico, épico y siempre técnico, muy técnico. A pesar de tanta variedad, nunca pierde un alma propia que lo acompaña de principio a fin. Pero vayamos a los temas: El álbum arranca con un tema de casi 16 minutos de duración titulado A NIGHTMARE TO REMEMBER que trata acerca de un accidente en el que estuvo involucrado JP cuando era niño. El tema inicia sorprendiendo con sonidos medio powermetaleros hasta que a poco se van convirtiendo en los sonidos más tradicionales de DT, con unos teclados algo épicos y una batería y guitarra que van desarrollándose poco a poco, el trabajo de John Myung en el bajo es sencillamente espectacular. A continuación todo se calla y arranca el riff principal de la canción por parte de Petrucci que se torna cada vez mas intensa y viene la parte cantada de manera agresiva a cargo de James, que por cierto está en un gran nivel y la banda acompañando muy bien pero destacando unos extraños ruidos de las teclas del mago Rudess. El coro “life was so simple…” es algo simple pero contundente, en seguida se oyen sonidos de un auto estrellándose y en tono dark cantan James junto a Mike la parte “without warning out of nowhere…” luego de esto el doble bombo y la poderosa guitarra destruyen tus oídos pero… todo se calma y se oyen unos delicados acordes de guitarra secundadas con una poderosas notas del bajo de seis cuerdas de Myung que en algo me recuerdan a los tiempos del Images & Words, precisamente a Learning to Live, se oyen sirenas y la sala de un hospital que van formando un hilo conductor a la trama de la canción. James melódicamente describe lo que ha pasado con un armonioso estribillo en la que destaca las vocales por sobre los instrumentos, esta parte suave me encanta! En seguida el tema progresa a una orgia instrumental metalera con unos estrepitosos solos de guitarra y teclados, a una velocidad que te asombra, como siempre Myung y Portnoy creando la base rítmica para que Petrucci y Rudess combatan en un duelo de virtuosismo en su respectivo instrumento. Por ahí escucho un excelente solo de continuum del pelado y así se prepara el terreno para que Mike con una rapera y mala voz gutural, imitando el death metal que propone Opeth, ponga su parte en las vocalizaciones… el whooooah! está demás (no lo hubiera agregado), luego se desarrolla nuevamente un intenso frenesí musical que desemboca en el riff principal, nuevamente el primer coro y la canción concluye con unos interesante acordes de continuum. Resumiendo la canción me pareció bastante buena para arrancar el álbum, la idea de las voces guturales no me disgusta en lo absoluto (he llegado a tolerarlas) pero creo que deben ser bien realizadas para ponerlas en el disco, hubiese sido mejor que inviten a Mikael A. de Opeth y listo. Como siempre la parte instrumental estuvo muy cohesionada, el nivel de estos tipos parece no tener techo. Canción casi redonda: 8.5/10 El segundo tema de este álbum se titula A RITE OF PASSAGE, de 8 minutos y medio de duración y escrito por John Petrucci que trata el tema de las sociedades seretas (el único tema ficticio del álbum), además fue lanzado como primer single con video incluido. Es un tema que inicia con un duro riff guitarrero acompañado muy bien por John Myung, enseguida se oyen unas extrañas voces que complementan la melodía. Arranca la parte cantada con una distorsionada y áspera voz de James y unos ecos algo incoherentes realizados por Mike (al menos así lo veo en el video), realmente me agradan estas primeras estrofas. Luego viene el coro algo pegadizo ya cantado normalmente, la canción aquí se torna algo cansina, luego de un pequeño interludio James continúa en su labor y toda la banda acompañado muy bien como de costumbre. A partir del minuto 4:50 viene la parte progresiva por excelencia con una buena base rítmica (Myung destacando) que crea los cimientos para que Petrucci se luzca con un gran riff y un rápido solo ejecutado con mucha habilidad, después le toca el turno a Rudess para que se brille en su instrumento, y así es un continuo ida y vuelta de derroches de maestría, hasta que de nuevo nos lleva al leiv motiv principal del tema: ese coro machacón y pegajoso que da por terminada la canción con el riff principal y esas extrañas voces del inicio. Regular tema para ser considerado un single por la banda, tiene acertadas dosis de versatilidad y originalidad, lo veo superior a Constant Motion que era el single del anterior álbum. 7/10 A continuación está WITHER que trata de la condición cuando un escritor se ‘bloquea’ y pierde la capacidad o habilidad de producir en su trabajo. Es un tema que bien podría ser un segundo single, se trata de una balada en donde destacan los registros más melancólicos de la voz de LaBrie y que en algo me recuerda a la bella Vacant. Musicalmente es un tema melódico, un tanto lineal, plano, si se quiere decir sencillo, pero muy cohesionado, que inicia con unos suaves pero graves acordes de guitarra, en la que se une el bajo y la voz de James, Mike a la par juguetea con sus platillos y una cortina de teclado envuelve majestuosamente todo el tema, muy bueno el trabajo de Jordan aunque sin ganar notoriedad. El coro es potente, atractivo y un tanto predecible… en la parte que dice “like reflections on the page…” se puede escuchar claramente toda esa atmosfera creada por Jordan, igualmente el ensamble musical de todos es sólido aunque ninguno despunta en su instrumento, no se ve un derroche de virtuosismo pero está bien tomarse un respiro después de la estampida anterior, creo que esa es la idea de la canción. Luego del estribillo todos los instrumentos se enmudecen y solo armonizan el piano y la voz duplicada de James, a continuación escuchamos un corto pero efectivo solo de Petrucci, viene el coro nuevamente y así la canción va llegando a su final, termina con la frase con que inició: “let it out, let it out” Para resumir, un track aceptable, amigable con la radio como diría alguien, con ese moderno atractivo comercial (que no tiene nada de malo si está bien elaborado) que yo considero como la propuesta dirigida principalmente al público joven o nuevo que buscan; creo que lo consiguieron. Mi calificación es 7.5/10. El cuarto track del álbum es THE SHATTERED FORTRESS que es la quinta y última parte de la saga dedicada los Alcohólicos Anónimos por parte de Portnoy. Recordemos que esta saga comienza en el disco “Six Degrees of Inner Turbulence” con el tema The Glass Prison los pasos 1. Reflection, 2. Restoration y 3. Revelation, luego en el disco “Train of Thought” con el tema This Dying Soul los pasos 4. Reflections of Reality y 5. Release, en “Octavarium” con el track The Root of All Evil los pasos 6. Ready y 7. Remove y en “Systematic Chaos” con el tema Repentance los pasos 8. Regret y 9. Restitution. En esta ocasión tenemos los pasos 10, 11 y 12 de los cuales desconozco los títulos. Se trata de un corte bastante duro, que mezcla nuevos sonidos con fragmentos de las anteriores canciones, que de alguna manera me decepcionó, puesto que esperaba un final de la saga majestuoso, épico y no una especie de compendio de los anteriores tracks. Sí, es un buen tema, pero la realidad es que musicalmente es algo ecléctico, confuso, con muchísimos cambios de ritmo que me recuerdan a The Dark Eternal Night del anterior álbum y que tengo que escucharlo más para digerirlo totalmente. Comienza con un duro riff firmado por Petrucci que viene in crescendo, acompañado por una agresiva batería y unos teclados en contrapunto que le quedan muy bien, progresa muy bien. Aparece una primera reminiscencia a los anteriores temas de la saga y la parte vocal por parte de la dupla Portnoy-LaBrie a lo The Dark Eternal Night y/o The Glass Prison. Luego James cantando solo hace una buena performance. Se oye el continuum de Jordan al fondo. Luego un repentino cambio y suena algo de Repentance y This Dying Soul, y luego un maravilloso ¡¡toma y daca!! cruzado entre Rudess y Petrucci. La canción se calma y me parece escuchar unos acordes algo parecidos a Nothing else Matters y la grave voz (posiblemente MP) que recita promesas de un AA rehabilitado, junto con James que canta suavemente un fragmento de Revelation, ¡excelente! … pero se produce nuevamente un brusco corte a un fragmento de The Root of All Evil, en el que cuando se oye la parte “I am Ready…” se me ponen los pelos de punta! Estamos en el clímax del tema. A continuación un rápido pero muy bueno solo de JP rítmicamente acompañado por la dupla Myung y Portnoy. Estamos llegando al final del tema con la parte “I am responsible, when anyone, anywhere” y para concluir escuchamos sonidos iniciales de los otros temas de la saga…. Buen final, que cierra un intenso capitulo en la vida del rehabilitado Portnoy. Ahora nos toca esperar a ver cuando interpretarán la saga completa, va a ser una delicia escucharla, sin duda. 8/10. El quinto tema del álbum se titula THE BEST OF TIMES de 13 minutos, cuya autoría en las letras proviene por parte de Mike que le dedica a su difunto padre que falleció el año pasado debido a un cáncer. El tema comienza con un suave acorde piano ascendente y cortinas de teclado por parte del calvo Rudess y una hermosa melodía de violín que nos pone los pelos de punta, a continuación nos acompaña Petrucci con unos delicados acordes de guitarra acústica que pone fin a esta calmada parte. Un comienzo muy suave, nostálgico, sentimental como hace rato no escuchábamos en DT. Luego arranca un rápido riff guitarrero a lo Spirit of the Radio de Rush que es acompañado en seguida por todos los músicos, en esta ocasión en algunas estrofas cantan al unísono James y Mike, la performance del quinteto está muy bien cohesionada… todas las notas en su lugar. Luego entra una cortina de teclados que le dan un carácter épico (funeraria?) a esta parte de la canción, excelente. Se calma todo y arranca James cantando con profunda pasión; en la parte que dice “these were the best of times…” me recuerda mucho a IQ en su álbum Dark Matter, viene la parte en la que se agradece al padre de Mike (“remember: seize the day”) por su inspiración, amor, etc. Un momento verdaderamente sublime. El ultimo verso es realmente conmovedor “my heart is bleeding bad, but I'll be ok, your spirit guides my life each day” y a continuación le sucede un espectacular e inspirado solo de Mr. Petrucci, (no de aquellos a la velocidad de la luz que nos tiene acostumbrados), acompañado perfectamente por la banda. En resumen un gran tema, creo que uno de los mejores del álbum, muy progresivo, muy épico, se nota que se trató de volver a sus raíces, lo lograron bastante bien. Gran despliegue de toda la banda, en especial de Jordan en los teclados, aunque los solos de Petrucci también estuvieron acertados, la parte rítmica por parte de Myung y Portnoy estuvo muy enfocada como siempre y James en un gran nivel… lástima que es infravalorado con respecto a sus compañeros que son unos verdaderos monstruos en sus instrumentos; creo que si James estuviera en otra banda sería la gran estrella, pero eso no queremos, queremos que no se mueva de DT. Una de las estrella del disco, 9.5/10 sin duda. El sexto y último track del álbum es la refrescante THE COUNT OF TUSCANY, un épico track de 19 minutos de duración, las letras son de John Petrucci y creo que trata acerca de una experiencia personal cuando visita al conde de Toscana, es indispensable la comprensión de las letras para entender la música. El tema comienza con unos acordes de guitarra que me hacen recordad en algo a los añorados Yes, estos acordes se funden con un suave solo, el tema pinta muy bien. Luego se unen los demás instrumentos y nos deleitan con una muy buena melodía a lo Lifting Shadows off a Dream, suena un pequeño solo de Jordan, la cosa se va endureciendo con fuertes golpes a su instrumento por parte de Mike, luego un cambio de ritmo y las cosas se ponen cada vez mejores. Empieza la parte cantada por James (creo que lo hubiera podido hacer mejor) en la primera parte, en el estribillo cantan al unísono junto con Portnoy la parte “let me introduce” que precede al coro que está bastante bien elaborada, después del coro se escucha como armonizan el bajo y la guitarra con unos raros sonidos de teclado. Y al instante una pequeña parte instrumental muy buena por cierto. Se repite la misma formula hasta el minuto 9:30 en el que se escucha un buen solo por parte de Rudess que como siempre demuestra una gran habilidad que lo hacen uno de los mejores músico en su categoría. A continuación en el minuto 10:10 se oye un grandioso, un solemne llanto de guitarra firmado por Petrucci (¿quien dijo que este tipo no le pone feeling y pasión a su instrumento? pues solo escuchen) …se viene la mejor parte de la suite… El tempo en seguida se calma y se oyen unos encantadores sonidos atmosféricos, con toques floydianos y porcupianos, muy relajantes… cierren los ojos y disfruten. Luego entran unos suaves acordes de guitarra acústica que acompañan a la firme voz de James (“Could this be the end?”) que canta de una manera que me hace recordar en alguna canción a Peter Hammill, aquí la canción ha cambiado totalmente a lo que era inicialmente, por ahí se oyen unas pinceladas de Rudess que acompañarán hasta el final, acompañan perfectamente los rítmicos Myung-Portnoy… realmente estamos en el esplendor de la canción, es increíble la pasión que le pone James, luego un buen solo pero muy corto para mi gusto por parte Mr. Petrucci, que gran forma de terminar esta canción señores!, al final se oyen unos sonidos como de aves y mar que estoy seguro que abrirán el siguiente álbum. Me quedo con ganas de más. Para mi esta es la mejor composición de este álbum junto con The Best of Times. Destinada a ser un gran clásico de la banda. 10/10 sin duda En definitiva y para concluir, este disco resulta ser un regreso a sus raices, a sus orígenes pero sin dejar de evolucionar, y muy destacable ya que es su décimo album y las cosas parecen que empiezan a mejorar y de que manera!! Sin duda resulta ser el más fino y balanceado album de esta década, su mejor álbum (de esta década). Gran trabajo del timido y disciplinado John Myung en el bajo, esta vez se lo oye y muy potente, John Petrucci como siempre innovador y por demás virtuoso y con un sonido renovado, Mike Portnoy el alma, el corazón, el motor y la increible base ritmica de la banda, Jordan Rudess verdaderamente inspirado en este disco y ganando el protagonismo perdido a la guitarra y James LaBrie, magnifico!, volviendo a la calidad de sus viejos tiempos e imprimiendole mucho feeling a su interpretación. Eso es todo fans dreamtheateros, espero que les haya gustado este review de un fan que trató de ser lo más imparcial posible.No le pongo el link de descarga por que en T! es facil de encontrar Host: hosting de imagenes

Registrate y eliminá la publicidad! Mi Música Se Escucha Muy Fuerte! Artículo de WSJ sobre la compresión Hasta Los Fans del Heavy-Metal se quejan de que la Música Actual es demasiado fuerte!! No pueden escuchar con detalle, dicen los partidarios de Metallica... culpan a los iPods Por ETHAN SMITH ¿Puede un álbum de Metallica sonar demasiado fuerte? El solo pensarlo pudiera parecer una herejía para los fans de la legendaria banda metálica, la cual ha estado rompiendo tímpanos con fuerza sin par desde principios de los 1980's. Pero aunque el noveno lanzamiento de estudio de Metallica, "Death Magnetic," es No. 1 en la lista de álbumes exitosos, con 827,000 copias vendidas en las dos primeras semanas, algunos fans están terriblemente decepcionados: no por las canciones o la interpretación, sino por el volumen. Es tan fuerte, dicen, que no puedes escuchar detalladamente la música. "Death Magnetic" es un punto crítico en una larga batalla de la industria musical. Durante años, artistas del rock y el pop han estado solicitando cada vez más que sus grabaciones suenen más fuerte para sobresalir en la radio, en las rockolas y, en especial, los iPods. Aumentando el Volumen Pero los audiófilos, profesionales de grabación y varios fans dicen que el golpazo sónico excepcional tiene un costo muy alto. Para hacer que la música grabada parezca más fuerte, los ingenieros deben reducir el "registro dinámico," minimizando la diferencia entre las partes suaves y fuertes, creando un maremoto de insipidez auditiva. "Cuando no hay silencio, no puede haber estrépito," dice Matt Mayfield, un maestro de música electrónica de Minnesota, en un video de YouTube que bosqueja la batalla de la guerra del ruido (http://www.youtube.com/watch?v=3Gmex_4hreQ). El registro dinámico de una grabación puede medirse calculando la variación entre su nivel de sonido promedio y su máximo, y puede expresarse visualmente por medio de formas de onda. Las grabaciones más altas, con niveles de sonido promedio elevados, dejan menos espacio para tal variación que las más bajas. Algunos fans se quejan de que "Death Magnetic" tiene un sonido pobre, quebradizo, que es el resultado de los intentos en el estudio de la banda para hacerlo sonar tan fuerte como sea posible. "Sónicamente es apenas audible," se lee en la crítica de un fan en línea. Miles de ellos han firmado una petición en línea instando a la banda a remezclar el álbum y volverlo a lanzar. Metallica y el productor del álbum, Rick Rubin, se negaron a comentar. Cliff Burnstein, co-representante de Metallica, dice que los demandantes son apenas una minoría. Dice que el 98% de los escuchas son "abrumadoramente positivos," agregando: "Hay algo emocionante en el sonido de este disco al que la gente está reaccionando." Pero los críticos han reclutado sin querer a un testigo clave: Ted Jensen, el "ingeniero de masterización" del álbum, la persona responsable de los pequeños retoques sónicos que traduce la música hecha en un estudio en un producto para la duplicación y reproducción masiva por los consumidores. En respuesta al correo electrónico de un fan de Metallica sobre la intensidad, Mr. Jensen envió una comprensiva respuesta que termina: "Créeme, no estoy orgulloso de estar relacionado con esto." Este fan envió el mensaje a un boletín de noticias de Metallica y enseguida captó la atención. Mr. Jensen lamenta las palabras que usó pero no lo que piensa. "No estoy seguro de que habría dicho exactamente lo mismo si lo hubiera enviado al boletín de noticias," declara. Pero "sin ninguna duda es como me siento al respecto." La batalla tiene raíces en la época anterior a los discos compactos. Con los discos de vinilo, "era imposible hacer que lo alto pasara más allá de cierto punto," dice Bob Ludwig, un veterano ingeniero de masterización. Pero la tecnología digital hizo posible comprimir todo el sonido dentro de un reducido registro de alto volumen. Además, ahora la música con frecuencia se optimiza para tocarla en los audífonos de relativamente baja fidelidad de los iPods, reduciendo los estímulos para ofrecer un registro dinámico amplio. La guerra de la intensidad comenzó a calentarse aproximadamente en el tiempo en que los CDs ganaron popularidad, a principios de los 1980s. "Appetite for Destruction" de Guns N' Roses elevó las demandas en 1987, como lo hizo en 1991 el "Black Album" de Metallica y después "Californication"de los Red Hot Chili Peppers en 1999. Menos que Escuchar La música que se lanza hoy en día generalmente tiene un registro dinámico de solamente un cuarto a un octavo de ancho del que tiene la música de los 1990s. Eso significa que si tocas un CD recién lanzado justo después de uno con 15 años de antig=FCedad, dejando el control de volumen en la misma posición, el nuevo probablemente sonará de cuatro a ocho veces más fuerte. Muchos de los que han seguido la controversia dicen que "Death Magnetic" tiene uno de los registros dinámicos más limitados que haya habido en un álbum. Los ingenieros de sonido dicen que los artistas que insisten en la intensidad paradójicamente le dan a la gente menos que escuchar, porque terminan borrando los matices y los detalles. Todo desde una guitarra rasgueada suavemente hasta un tambor retumbante está igual de fuerte, llevando a lo que alguien llama "fatiga auditiva." Si el escucha baja el volumen, la música pierde todavía más empuje. Pero muchos músicos, productores y ejecutivos de casas discográficas "piensan que al tener un disco más ruidoso se va a traducir en mayores ventas," dice Chris Athens, socio de negocios de Jensen y también ingeniero. "Nadie en realidad quiere tener un disco que no suene tan fuerte como el de todos los demás" en una lista de canciones de iTunes, añade. Los ingenieros de sonido están atrapados en el fuego cruzado. "He tenido montones de gente -quiero decir montones y montones de gente- que tratan de llevar un disco a un lugar que creo no le corresponde," dice Athens. "Tratamos de entregar algo que mitigue el daño que el cliente quiere. Doy largas al asunto y les doy algo un poco más fuerte y un poco más fuerte." Albumes de algunos de los nombres más grandes del rock, incluyendo al más reciente de U2, Bruce Springsteen y Paul McCartney, han provocado críticas. El año pasado los blogueros eligieron a Ludwig, el veterano ingeniero, por el sonido de "Magic de Bruce Springsteen," del que algunos creen que suena metálico y ruidoso. Ludwig no discutiría las instrucciones que le han dado, pero dijo, "Bruce no deja salir nada a menos que sea exactamente como él lo quiere." Springsteen y su representante, Jon Landau, se negaron a comentar a través de un vocero. En cuanto al ensordecedor "Death Magnetic," prendió en un fan como el indicado para estos tiempos tumultuosos, gracias a canciones como "Broken, Beat and Scarred" ("Quebrado, Molido y Cicatrizado" y "All Nightmare Long" ("Larga Pesadilla", declara el co-representante de Metallica, Burnstein. Dice que un banquero inversionista le envió un correo electrónico para decirle que "el álbum y los títulos de las canciones se han convertido justo en la banda sonora de Wall Street para el otoño del 2008." Ethan Smith (ethan.smith@wsj.com) http://online.wsj.com/ <a href='http://b.t.net.ar/www/delivery/ck.php?n=a2afc290&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE' target='_blank'><img src='http://b.t.net.ar/www/delivery/avw.php?zoneid=58&amp;cb=INSERT_RANDOM_NUMBER_HERE&amp;n=a2afc290' border='0' alt='' /></a>

ARTISTA: VARIOS ALBUM: MOTEL ULTRA AÑO: 2012 CIUDAD: VARIAS GENERO: VARIOS Como lo prometido es deuda, en esta ocasión les traigo el ultimo album de los quiteños MamaVudu, en realidad técnicamente no es un álbum de los Vudu sino más bien es un album de covers de canciones más representativas de los Vudú a lo largo de sus 20 años de trayectoria plasmadas en sus 7 albumes de estudio e interpretadas por una selección de más de 30 grupos y/o artistas nacionales y extranjeros (12 paises) familiarizados o no con el sonido de los Vudú, en diversos géneros como: rock, metal, electrónica, pop, punk, etc. Motel Ultra es un compilado de remixes y reversiones y se lo ha presentado en formato triple cd, 2 albumes larga duración denominados Habitat y Reception y un EP denominado Salida de Emergencia. Pero como nace el proyecto Motel Ultra? según palabras de su productor Chris Diaz “este proyecto nace de una necesidad de resaltar e internacionalizar una banda que tiene una trayectoria única en el Ecuador… La idea de trabajar con canciones de Mamá Vudú nació de una admiración y amor genuino a la banda.” Adicionalmente se realizó un concurso creativo para el diseño de las portadas de los discos, si deseas checar los finalistas puedes ingresar en este enlace (https://www.facebook.com/media/set/?set=a.439600522771577.106286.106412919423674&type=3). Sin más preambulo dejo con los detalles de la trilogía. MOTEL ULTRA :RECEPTION: 01. Vortex (Cienfue) 02. Túnel (L.O.B.A.) 03. Espuma Negra (David Binoise) 04. Atrapados (Los Paranoias) 05. Incéndialo Todo (Roy Cañedo) 06. Calle Total (Zebra) 07. Plazma (Mantarraya) 08. Inmersión (Edgar Castellanos) 09. Motel Ultra (The Cassettes) 10. Predador (Los Marty) 11. Frecuencia Exacta (Pasaporte) 12. Engendro (Munn) MOTEL ULTRA :HABITAT: 01. Autopista (Sol Invicto) 02. Info (Detonador) 03. Aun Respiro (Sr. Kushock) 04. Espuma Negra (SuspektOne) 05. Espuma Negra (Le Pop) 06. Camara de Niebla (Take Rosa) 07. Oración Matinal (Polaroyd) 08. Plazma (Drogatones) 09. Incéndialo Todo (Descomunal) 10. Retorno (Guardarraya) 11. Calle Total (Space Bee) 12. Mal Crepuscular (Ottmar Omdeva) 13. Camara de Niebla (Charbeatz) MOTEL ULTRA :SALIDA DE EMERGENCIA: 01. Autopista - Remix (Sol Invicto) 02. Hyper Vortex - Paranoide Remix (Los Paranoias) 03. Cicatriz - Demo Ensayo (Ghost Cat) 04. Incéndialo Todo - Instrumental (Descomunal) 05. Retro Virus - Demo Casero (Máquina de Dios) 06. Cicatriz - Instrumental (Lilo) Escuchar OnLine: https://myspace.com/motelultra/music/songs

ARTISTA: ANIMA INSIDE ALBUM: REFLECTION AÑO: 2009 CIUDAD: ECUADOR GENERO: HARD ROCK, MELODICO Anima Inside se consolida a finales del 2005 gracias a Alex Nuñez (ex-guitarra) y Riccardo de la Cuesta (Vocalista), deciden realizar varias a audiciones y se integran los nuevos miembros de la banda, entre ellos Juan José Erazo (Bajo). La banda graba en 2006 “In Between” un demo con varias canciones, las cuales sirven de pre producción de su álbum debut “Reflection”; de las cuales se destacan: Father Time (posteriormente Empty Shell), Far Behind, Take me Home e In Between . En 2007 Anima Inside inicia el proceso de producción de su primer disco que vería la luz en noviembre del 2009 “Reflection”. La banda se contacta con Fusao VMT studios de Sao Paulo-Brasil y con el productor Thiago Bianchi, quien había trabajado con bandas importantes del medio como: Angra, Shaman o Karma. Anima Inside viaja a Brasil a la grabación del disco. 2008 se convierte en un año importante para Anima Inside, es escogida para abrir el concierto de Deep Purple en Ecuador, y la banda viaja a su primer concierto internacional en el festival “BajaProg” en Mexicali-México. Una versión especial de “Reflection” se edita para este festival, los cuales se agotan, varias disqueras entran en contacto y finalmente EMI Music lo lanzará en 2009. Ya la banda bajo el sello EMI Music lanza “Reflection” (Nov 2009) que se convierte en un éxito local llegando a ser Disco de Oro en ventas en Ecuador en 2010 y varios de sus principales singles a los primeros puestos de los charts en radios, siendo la primera banda de rock en Ecuador en conseguirlo. Los singles: Far Behind, Hypnotize me y These Words van acompañados de videos de excelente calidad, ganando varios reconocimientos. Hypnotize Me es escogida para el comercial de Ford 150 en Latinoamérica y para el videojuego RockBand. Otras canciones de la banda también salen en recopilaciones y soundtrack de películas como “Cuento sin Hadas”. En 2011 Anima Inside realiza varias giras, una de las cuales las hace en una versión acústica acompañados de cuerdas y coros, esta gira es grabada en DVD. Anima Inside comparte escenario con artistas como Ozzy Osbourne y Mr. Big, dándole fuerza en el medio y llamando la atención de endorsements de instrumentos y equipos musicales que ven en la banda un potencial para el marketing de sus productos en la región. En el mismo año entran a estudio nuevamente para la grabación de su álbum “Duality”. “Dream Enough” el primer single del álbum “Duality” sale al Mercado como soundtrack de la campaña publicitaria 2012 de la compañía Graiman, rápidamente se convierte en un hit y se posiciona en los primeros lugares de las radios, adelantándose al álbum como estrategia. Anima Inside abandona EMI Music y firma con la disquera MTM (Warner Music en Ecuador) con la cual se planea lanzar “Duality” en 2013. 2012 es un año de transición en el cual marca una madurez de la banda en la que se realizan proyectos interesantes como su concierto 360 unplugged, alianzas novedosas para esperar un 2013 lleno de sorpresas! TRACKLIST 01. The Prophet's Game 02. Hypnotize Me 03. Empty Shell 04. Helpless Child 05. Addiction 06. Take me Home 07. These Words 08. Far Behind 09. Let Them Speak 10. My Silence 11. Sanity 12. Untitled

ARTISTA: LOS RECIENMUERTITOS ALBUM: MANIFIESTO CANIBAL 1 AÑO: 2009 CIUDAD: QNK, ECUADOR GENERO: PUNK Los Recienmuertitos son la banda de rock ideal; son solo tres manes, guitarra bajo y batería; son músicos serios y experimentados, comprometidos con la causa; son completamente independientes y no parecen tener la intención de cambiar tal situación; y presentan una propuesta realmente innovadora en el género punk a nivel local. Esta banda surgió en el 2 de noviembre de 2006 (de ahi sale su nombre) como resultado de la convivencia, los integrantes compartían departamento y decidieron empezar a tocar algunas compociciones del guitarrista y cantante, al poco tiempo ya estaban organizando sus propias presentaciones en bares de la ciudad y no hubo que esperar mucho hasta que hicieran su aparición en festivales de mayor envergadura dentro y fuera de Cuenca. La música de Los Recienmuertitos es la mezcla exacta de punk desenfrenado y poesía visceral, no son el típico anarco-punk antisocial, por lo menos no en sus letras que según mi opinión son la principal característica de esta banda. Claro que a través de sus canciones expresan un profundo desprecio por lo establecido, si nó, no fuera punk, pero lo dicen con una elegante crudeza que se camufla entre la velocidad de sus beats, la distorción de la guitarra y sus voces corrocivas. Esta especie de mini comunidad musical también goza de una gran productividad, desde 2007 han tenido a cargo la musicalización de una obra de teatro; participaron en un disco copilatorio de bandas locales; e hicieron el lanzamiento de El Manifiesto Canibal 1 el primero de una serie de tres discos autogestionados y gratuitos que terminaron de producir el 2010. Otra característica que me gusta de Los Reciénmuertitos es su capacidad de hacer buenos covers, desde Bob Dylan pasando por Piero y Hector Napolitano hasta La Lucinda, una desaparecida banda cuencana de finales de los 90´s. De hecho, en sus presentaciones en vivo el personal punk de Cuenca no les permite bajarse del escenario sin haber tocado ¨Carne para la picadora¨ de La polla Records, canción que para ese gremio se ha convertido en un referente de la banda. Los Reciénmuertitos son mis panas (Jaime Martínez/guitarra y voces, Lukas Alemán/batería y Martín Vega/bajo y coros) no tuve que consultar ninguna fuente bibliográfica para escribir este texto, porque he vivido de cerca la trayectoria de esta banda. Pero si nó fuera ese el caso, estoy seguro de que igual fuera fan y disfrutaría de sus conciertos como lo hago. En todo caso aquí les dejo la inquietud, si les gusta el buen rock y todavía no los han escuchado, les aconsejo que lo hagan y lo gocen. TRACKLIST 01. Irreverente 02. La Reciénmuertita 03. No son kuentos de Fantasmas 04. Diario de un Poeta Muerto de Frio 05. Nuevo Blues del Terminal 06. El Kristo de los Ojos de Loco 07. Eric & Dylan 08. Subterranean Homesick Blues 09. El Murciélago Doble Escuchar OnLine: http://www.reverbnation.com/losrecienmuertitos

ARTISTA: AUDREY FALLS IN APRIL ALBUM: FAITHLESS FAITH AÑO: 2012 CIUDAD: IBARRA, ECUADOR GENERO: METALCORE Audrey Falls In April (AFIA) es una banda de posthardcore - metalcore que nació en la ciudad de Ibarra en el 2010 bajo el nombre de Soul's Anatomy. El grupo fue fundado por los hermanos Jeremy Evans (guitarra y voces) y Helian Evans (teclado), mas tarde se unirían Alex Cam (batería)y Demyan Gandalth (bajo), con esta formación lanzan al mercado el EP Soul's Anatomy (2010) con el que emprezaron a sonar en los medios radiales con relativo exito. Para la composición de su primer trabajo de larga duración titulado Faithless Faith (2012) ocurrió otro cambio en la formación: Helian pasa a encargarse de las voces y los teclados, Jeremy de las voces limpias y guitarras, Alex en la bateria y guturales y se une Leo Brooks al bajo. Editan el sencillo Audrey (The Lost Diary) en formato video. Debo aclarar un par de cosas con respecto a esta banda: - La calidad musical es bastante destacable para ser una banda bastante joven. - Se abusa en algunas secciones del album de los guturales (a algunos les gustará a otros no), en mi caso no. - Entiendo que los hermanos Evans en realidad se llaman así, los demás integrantes utilizan seudónimos. - Una vez mas repito que no me agrada que una banda nacional se proyecte al mercado con todos sus temas en inglés. TRACKLIST 01. Ignota Vocant 02. Faithless Faith 03. How I´m Going To Become A King, If The King Is Still Alive 04. Crepes & Waffles 05. Decapodian 06. Origins 07. Save Me From Myself 08. Voices 09. The Awakening 10. Fuck Me I´m Famous 11. Audrey (The Lost Diary) 12. Dude, Is This Your Grave 13. Messiah´s Neighborhood Escuchar OnLine: https://myspace.com/audreyfalls_inapril/music/songs