phenom95

Bienvenidos a la parte 3! Buenos Días gente, en esta nueva serie de post voy a tratar de compartirles algo de lo que se de fotografía, ordenando los post según creo yo que deben ser vistos, no soy fotógrafo profesional ni pretendo serlo, simplemente un aficionado a la fotografía que quiere compartir sus conocimientos Indice de la serie: Parte 1: Conceptos, reglas y leyes: http://www.taringa.net/posts/info/17476674/Aprendiendo-fotografia-Parte-1.html Parte 2: Consejos a la hora de componer y exponer : http://www.taringa.net/posts/info/17476767/Aprendiendo-fotografia-Parte-2.html Parte 3: Exponer correctamente una imagen Parte 4: Manejo de la cámara http://www.taringa.net/posts/info/17478045/Aprendiendo-fotografia-parte-4.html Parte 5: Accesorios, objetivos, flashes, filtros y demás http://www.taringa.net/posts/info/17478865/Aprendiendo-fotografia-parte-5.html Parte 6: Accesorios, cuando utilizarlos y como http://www.taringa.net/posts/info/17479410/Aprendiendo-fotografia-parte-6.html Parte 7: Consejos para convertirte en un profesional http://www.taringa.net/posts/info/17481240/Aprendiendo-fotografia-parte-7.html Parte 8: Portfolio, darte a conocer y empezar a trabajar http://www.taringa.net/posts/info/17481665/Aprendiendo-fotografia-parte-8.html En esta parte vamos a hablar de: Exponer correctamente una imagen Por mi rango solo puedo subir 3 post al día así que recién terminaría de subir todo el domingo si no surge nada Que es la exposición de una foto? la exposición en una foto, es básicamente la cantidad de luz que dejamos llegar a nuestro material fotosensible (sensor de una cámara, negativo fotográfico etc) para asi formar una imagen. y por que vemos esto si todavía no vimos como manejar la cámara? Bueno según mi opinión es mas importante saber identificar la correcta exposición para que en tus primeros intentos de foto que serán en su mayoría en automático o semi automático puedas identificar mas rápidamente cualquier posible error Cuando una exposición esta bien o esta mal? Es un tema delicado ya que en la mayoría de los casos se busca el punto medio de exposición en una foto, por ejemplo, cuando fotografiamos un parque a plena luz del dia, si tratamos de apuntar a un área con sombra y exponerla correctamente veremos que el resto de las zonas que el sol llega a tocar saldrán muy claras, casi quemadas podríamos decir, en contraste si fotografiáramos un lugar en donde da el sol, veremos que el lado de sombra se vera muy oscuro casi negro en algunas ocaciones, entonces lo que se busca es buscar el equilibrio entre estas 2 cosas ejemplos: Pero y si la diferencia no es tan grande como en los ejemplos, como hago? Pues, para eso existe algo que se llama Histograma. Y que es? El histograma es una representación gráfica de una variable en forma de barras. La superficie de cada una de las barras mostradas es proporcional a la frecuencia de los valores representados. En el eje vertical se representan las frecuencias, y en el eje horizontal los valores de las variables, de modo que será más alta, o tendrá más superficie, aquel valor que más se repite. Es una representación estadística muy utilizada. Si haces memoria, seguro que recuerdas que cuando eras niño utilizaste histogramas en el colegio para representar, por ejemplo, el reparto de población de distintas edades de tu país. En fotografía, el histograma de una imagen representa la frecuencia relativa de los niveles de gris o de los colores básicos (rojo, azul, verde) de la imagen. Una de las técnicas más básicas de retoque fotográfico es la modificación del histograma de una imagen para aumentar el contraste de fotos con rangos muy concentrados. Además de la gran potencia que contiene una herramienta tan simple como es su modificación, el histograma se convierte en un mecanismo infalible a la hora de comprobar si nuestra imagen está correctamente expuesta en el momento de hacer la foto con aquellas cámaras que nos muestran información. Y es que, ¿a quién no le ha pasado alguna vez que, después de hacer una foto y verla correctamente en la pantalla de la cámara, al pasarla al ordenador comprueba que se ve demasiado oscura? La información que recibimos al ver la imagen en el LCD de nuestra máquina resulta en ocasiones engañosa al influir las condiciones de iluminación de la propia pantalla. Pero la posibilidad de error se disipa cuando hacemos uso del histograma a la hora de hacer la foto. Una correcta representación del histograma nos garantizará que la fotografía está o no correctamente expuesta, independientemente de lo que podamos apreciar al mirar la imagen en el display de la cámara. y como lo leo o lo interpreto? Bueno para esto te voy a dejar un video de un fotografo bastante conocido, que explica de manera simple y con ejemplos claros como leerlo: link: http://www.youtube.com/watch?v=qxPBqN0jsMw Otro ejemplo: En esta ultima foto podemos ver que el cielo se ve bien expuesto, sin embargo la persona esta completamente negra y el centro de la imagen se ve blanca por el sol, esto a pesar de estar hecho a propósito es un ejemplo perfecto de lo que pasaremos a nombrar a continuación, El rango dinámico de una cámara y que es el rango dinámico de una cámara? El rango dinámico vendría a ser el margen de información capas de ser percibido por un sensor, desde los mas claros o tenues, hasta los mas oscuros o cargados como la mayoría de las escenas contienen una gran variación de tonos (se acuerdan de nuestra plaza imaginaria?) tendremos que elegir si quedarnos con las zonas iluminadas o con las zonas oscuras. Entonces no voy a poder exponer nunca como yo quiera? No para nada, hoy en día existen los que yo llamo, "trampas legales" para facilitar el trabajo a la hora de exponer una imagen, tales como flashes, luces de relleno, filtros de distintos tipos y como no podría faltar distintos tipos de software de edición, también hay técnicas como la fotografía HDR de la cual vamos a hablar mas adelante, que nos permitirán mejorar nuestra exposición Pero.. no existe ningún aparato mágico que me permita determinar como debo exponer mi imagen? Je je, por su puesto que si, dentro de la mayoría de las cámaras modernas existe un pequeño duende mágico llamado, "exposimetro" El exposimetro es un aparato o dispositivo encargado de medir la luz que llega a la cámara para que determines cual es la configuración correcta para tu imagen, no solo vienen incorporados dentro de la cámara si no que también se pueden conseguir como accesorio externo para una medición mas precisa Y como se usa? jajaja Tranquilos, de eso hablaremos en la proxima edición, cuando ya sepamos como configurar correctamente nuestra camara , aunque de adelanto les digo que el exposimetro trabaja de manera automática los que debemos corregir la configuración de nuetra cámara somos nosotros Bueno gente esto a sido todo por hoy, mañana a primera hora voy a empezar a trabajar con las siguientes 3 partes, si tienen una duda o consulta, no duden en preguntar o enviarme un mensaje, si les gusto el post pueden seguirme para enterarse cuando suba la siguiente parte, un abrazo gigante!

Bienvenidos a la parte 2! Buenos Días gente, en esta nueva serie de post voy a tratar de compartirles algo de lo que se de fotografía, ordenando los post según creo yo que deben ser vistos, no soy fotógrafo profesional ni pretendo serlo, simplemente un aficionado a la fotografía que quiere compartir sus conocimientos Indice de la serie: Parte 1: Conceptos, reglas y leyes: http://www.taringa.net/posts/info/17476674/Aprendiendo-fotografia-Parte-1.html Parte 2: Consejos a la hora de componer y exponer Parte 3: Exponer correctamente una imagen http://www.taringa.net/posts/info/17476932/Aprendiendo-fotografia-Parte-3.html Parte 4: Manejo de la cámara http://www.taringa.net/posts/info/17478045/Aprendiendo-fotografia-parte-4.html Parte 5: Accesorios, objetivos, flashes, filtros y demás http://www.taringa.net/posts/info/17478865/Aprendiendo-fotografia-parte-5.html Parte 6: Accesorios, cuando utilizarlos y como http://www.taringa.net/posts/info/17479410/Aprendiendo-fotografia-parte-6.html Parte 7: Consejos para convertirte en un profesional http://www.taringa.net/posts/info/17481240/Aprendiendo-fotografia-parte-7.html Parte 8: Portfolio, darte a conocer y empezar a trabajar http://www.taringa.net/posts/info/17481665/Aprendiendo-fotografia-parte-8.html En esta parte vamos a hablar de: Consejos a la hora de componer y exponer Por mi rango solo puedo subir 3 post al día así que recién terminaría de subir todo el domingo si no surge nada 1. El enmarcado: El enmarcado (o framming en inglés), es una técnica de composición fotográfica, en la que el punto de interés se encierra con marcos naturales o artificiales presentes en la escena. Es común el uso de arboles, ramas, marcos de construcciones, e incluso personas y animales para realizar este tipo de fotos. Cualquier objeto es permitido en esta técnica. los beneficios de aplicar esta técnica son los siguientes: A. Se percibe mejor el contexto en el que está localizado el fotógrafo. Provee más información sobre el sitio en el que está ubicado. B. A diferencia de una imagen corriente, en esta se da mayor sensación de profundidad ya que se puede establecer una diferencia entre objetos cercanos y lejanos lo cual hace más llamativa la imagen. C. Este tipo de fotografías atraen más la atención hacia el centro de interés. D. Generalmente, las diferencias de tonos entre el marco y el resto de la imagen crean un contraste llamativo. E. Dado que es un tipo de fotografía poco común, se hace más atractiva e interesante. Para obtener un buen enfoque, se puede hacer uso del concepto de distancia hiperfocal, usando un angular y enfocando al marco, para que tanto este como el escenario queden enfocados. 2. La regla f/16 Aunque no es un "consejo" propiamente dicho es info muy util para cuando salimos a fotografiar en situaciones de extrema luz tal como días soleados en horas pico La regla 16 soleado o f/16, es una famosa combinación de valores diafragma-obturador, con la cual, se pueden lograr fotografías bien expuestas sin tener información de un exposímetro. Para este caso se dice que en un día soleado, el diafragma debe estar ajustado a f/16 y el obturador a 1/125 con un valor de iso 100. Dado que existe una relación lineal entre todos los parámetros de exposición, a partir de la combinación inicial podemos deducir la siguiente tabla: Aunque la regla 16 soleado es bastante útil, se debe tener en cuenta que una velocidad de 1/125 no es lo suficientemente alta para que un objeto en movimiento aparezca nítido, por lo tanto, es recomendable usar el diafragma en f/8 a Iso 200, con el cual, se podrán capturar fotografías de mayor nitidez. Este valor de diafragma es recomendable sobre todo cuando se utilizan longitudes focales superiores a 100mm. Como regla general, se usa la siguiente tabla, en la cual, la velocidad de obturación e iso se asumen constantes a 1/125 y 100 respectivamente. 3. Identifica el centro de interés Cada fotografía tiene (o debería tener) un centro de interés. ¿De qué es la foto? ¿Es una fotografía de tu novia? ¿Es una fotografía de las pirámides de Egipto? Debería ser obvio para cualquiera que mire una fotografía saber de qué es la foto. Es lo que se denomina el centro de interés. Aunque se denomine centro, el centro de interés no tiene que ser necesariamente el objeto que esté en el centro de la foto ni ser el objeto que ocupa la mayor parte de la imagen. Es la primera regla de una buena composición, ya que es la más importante. Simplemente decide antes de disparar el motivo sobre el que quieres tomar la fotografía. Todo lo que hay que hacer a partir de ahí es enfocar el elemento sobre el que queremos centrar el interés. 4. Rellena el cuadro Esta regla puede parecer bastante obvia, pero lo cierto es que muchas veces fallamos al aplicarla. Si queremos contar algo en una foto, ocupemos la mayor parte con ese "algo", asegurándonos que se convierte de este modo en el centro de atención. Además, de este modo eliminamos posibles elementos que resten atención. Es un fallo demasiado común el querer sacar demasiadas cosas en una única foto. Al final, lo que conseguimos es que no quede demasiado claro qué es lo que queríamos enseñar. Ante la duda de si algo debe salir o no en la foto, quitalo. 5. Apóyate en las líneas Las líneas son un elemento de importancia vital en las artes visuales. Las líneas nos aportan formas y contornos. Con las líneas dirigimos la mirada del espectador de una parte de la foto a otra. Cuando vayas avanzando en el mundo de la fotografía podrás comprobar cómo las líneas son uno de los elementos más eficaces a la hora de dirigir la mirada de quien contempla nuestras fotos hacia donde queremos que mire. Las líneas horizontales, verticales y diagonales son elementos compositivos que aportan significado a las imágenes. Un tipo especial de líneas son las líneas convergentes. Son las líneas paralelas que, por el efecto de la distancia, acaban convergiendo en un mismo punto. 6. Juega con la dirección La dirección es similar al flujo. También crea la ilusión de movimiento. Si hay algo en la fotografía que parezca estar en movimiento, tiene una dirección en la que se mueve. Un ejemplo de esto son las luces de peatones de un semáforo. Cuando está en rojo para los peatones, la figura representa un peatón inmóvil, con las piernas juntas y los brazos bajados. Visualmente, no tiene ninguna apariencia de estar en movimiento. Sin embargo, la figura del peatón en verde que permite cruzar tiene una dirección en la cual se está moviendo. La dirección en fotografía se puede cerar de muchas maneras. Una figura a punto de cruzar una calle puede transmitir movimiento aunque la veamos estática y no se muevan sus brazos y sus pies, porque podemos imaginarla un segundo después cruzando la calle. Del mismo modo, un coche que aparece cortado en el lado izquierdo de una fotografía en la que solo se ve su parte delantera, podemos imaginarlo un segundo después al lado derecho de la foto. 7. Los elementos repetidos La repetición de algún elemento (unos globos, unos pájaros), dan un sentido de relación de distintas partes de una imagen. Por ejemplo, una bandada de pájaros pueden estar moviéndose en grupo por el aire, definiendo formas interesantes en el cielo y añadiendo información sobre la dirección de la fotografía. En algunas ocasiones puede aportar factores psicológicos, como el sentido de la unión y el compañerismo. 8. Los colores siempre dicen algo Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos. Los rojos, naranjas y amarillos forman parte de la gama de colores cálidos. Los azules, verdes y violetas forman parte de la banda de colores fríos. Existen muchos elementos psicológicos ligados a los colores. Por poner un ejemplo, los azules se consideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más temperamentales. Existe mucha literatura al respecto de la psicología del color, por lo simplemente resumiremos que el color tiene una importancia determinante en la composición. En materia de colores hay que prestar atención también al contraste. El contraste se define como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de nuestra foto. 9. El interés de los grupos de tres Parece existir una percepción especial de los números impares en fotografía, y en especial de los grupos de tres elementos. Un único elemento puede transmitir soledad o aislamiento, con dos elementos una foto puede quedar demasiado bien equilibrada y estática, y cuatro elementos pueden resultar demasiados para distribuir. Por algún motivo que no se explicar, a las personas nos gusta el número 3. En fotografía suele funcionar la agrupación de tres elementos como centro de interés. 10. El espacio negativo Se considera espacio negativo los grandes espacios vacíos, normalmente en blanco o negro, dentro de una fotografía, normalmente a un lado. El alejamiento del elemento central de la imagen, rellenando el resto de la foto de un espacio vacío nos permite transmitir una información adicional de soledad, aislamiento o calma a la imagen. Aunque no es un recurso que vayamos a utilizar habitualmente, no está de más conocerlo. Está enfrentada a la regla de composición consistente en rellenar el encuadre comentada más arriba en este mismo artículo. 11. Trabajando las tres dimensiones: frente y fondo El contenido del frente y del fondo de una foto es importante. Tanto en el fondo como en el frente tienen aplicación otros elementos compositivos como los colores o las líneas. Lo importante en el frente y en el fondo es que no haya demasiados detalles que puedan distraer la vista del espectador del centro de interés. La mejor herramienta con la que contamos para marcar la diferencia entre el frente y el fondo de nuestras fotos es la profundidad de campo. Gracias a la apertura del diafragma que utilicemos a la hora de hacer fotografías, conseguiremos mayor o menor nitidez en el fondo. 12. El enmarcado natural Existen elementos que pueden ayudar a poner un marco al centro de interés de la foto. Algunos de estos elementos son muy claros, tapando completamente parte de la foto, como puertas, ventanas o puentes. Otros actúan de una forma menos clara, simplemente orientando nuestra vista. Es el caso de las señales de tráfico o las ramas de los árboles, ... Cualquier elemento que "encierre" el centro de interés nos permitirá enmarcar la foto, dirigiendo la atención hacia el elemento deseado. 13. Las curvas en S Las curvas en "S" son un elemento muy recurrente en fotografía. Está relacionado con la sensualidad. También transmiten moviento y ayudan a conducir la mirada. En la vida cotidiana encontramos muchos recursos que nos permiten aplicar curvas en "S" en nuestras fotografías. Una carretera, un camino, el curso de un río, ... Son elementos visuales muy potentes que dan interés a la fotografía. Bueno gente, esto es todo por esta parte, en el proximo post veremos como exponer correctamente una imagen en distintas situaciones de luz si les gusto o tienen una duda, dejen un comentario, si quieren ver las otras partes pueden seguirme para enterarse en cuanto las suba, un abrazo de gol!

Bienvenidos a la parte 6! Buenos Días gente, en esta nueva serie de post voy a tratar de compartirles algo de lo que se de fotografía, ordenando los post según creo yo que deben ser vistos, no soy fotógrafo profesional ni pretendo serlo, simplemente un aficionado a la fotografía que quiere compartir sus conocimientos Indice de la serie: Parte 1: Conceptos, reglas y leyes: Parte 2: Consejos a la hora de componer y exponer : Parte 3: Exponer correctamente una imagen Parte 4: Manejo de la cámara y sus elementos Parte 5: Accesorios, objetivos, flashes, filtros y demás Parte 6: Accesorios, cuando utilizarlos y como Parte 7: Consejos para convertirte en un profesional Parte 8: Portfolio, darte a conocer y empezar a trabajar En esta parte vamos a hablar de: Accesorios, cuando utilizarlos y como Por mi rango solo puedo subir 3 post al día así que recién terminaría de subir todo mañana si no surge nada Como usar los accesorios que compre para mi camara? Bueno, habiendo visto ya los que considero los accesorios tanto externos como de montura es hora de hablar un poco de como se usan y cuando El flash de zapata Técnicas de Uso: El Disparo Directo: Se trata de la técnica más sencilla, pues lo único que has de hacer es colocar la antorcha del flash apuntando directamente al objeto a fotografiar y disparar. Si realizas el disparo en TTL únicamente tendrás que comprobar que estás dentro de la distancia máxima, considerando la apertura y el ISO seleccionado, que te ofrece tu cámara.Si, por el contario, estás haciendo uso del Modo Manual, ya tendrás que hacer algún cálculo más. El Flash de Rebote: El funcionamiento de la técnica es muy sencillo, consiste en buscar un techo, una pared o algo en donde rebotar la luz del flash, de modo que ésta se difumine y disperse y la acción de la luz sobre el objeto fotografiado sea mucho más natural. Por supuesto, para poder rebotar la luz, la antorcha del flash ha de ser articulada, admitiendo giros, si es posible, en el plano vertical y el horizontal, en función de si estás tomando la foto en uno u otro sentido. No obstante, no todo son ventajas, como podrás imaginar el rebote supone una pérdida en la potencia del destello, puesto que la dispersión de la luz y la absorción de parte de ésta por la superficie que la rebota merma la intensidad del destello. Esto supone que, haciendo uso del Modo TTL, además de tener en cuenta que ahora la distancia no es la que hay en línea recta desde la cámara al objeto, sino la que seguirá la luz desde la cámara a la pared (si es el caso) y desde la pared al objeto, además el rebote supone una considerable pérdida de potencia. Al margen de eso y estando dentro de la distancia máxima de alcance que te proporciona tu flash, no tendrás que preocuparte por nada, ya sabes que lo bueno de este modo es que la cámara se las arregla para decirle al Flash “ya basta” cuando la imagen está correctamente expuesta. El flash de relleno: Esta técnica surge en situaciones en las que, aparentemente, no sería necesario hacer uso de un flash, pues hay luz más que de sobra. Imagina un objeto con el sol de cara, suficientemente iluminado sí, pero para el que la iluminación es tan excesiva que genera duras sombras en algunas partes del mismo. Ejemplo de rebote: Ejemplo de relleno: Filtros y parasol: El razonamiento para usar un filtro protector es simple, si el punto más débil del objetivo es el cristal frontal, nada mejor que poner un filtro a modo de escudo, ya que, si se daña este, es mucho más barato sustituir el filtro roto que reparar la lente. En la mayoría de los casos es difícil encontrar filtros protectores y se suelen usar filtros UV destinados a filtrar la luz ultravioleta. Por contra el parasol tiene como función principal evitar los flares o luces parásitas que pueden aparecer en nuestras fotos. Es recomendable usar SIEMPRE el parasol, incluso por la noche en que la gran cantidad de fuentes de luz artificial puede hacer que aparezcan estos reflejos o flares tan problemáticos. Las únicas excepciones al uso del parasol son, en ocasiones, con objetivos tele al usar flash ya que pueden proyectar sombras, y si dificultan el uso del filtro polarizador circular. De forma secundaria los parasoles son un buen "parachoques" para nuestros objetivo, absorbiendo golpes y dificultando que se llegue a rozar el objetivo. Por supuesto ninguna solución es perfecta pero en mi caso me quedo con la del parasol que llevo en todos mis objetivos. Usar un filtro UV para proteger el objetivo no es más que poner un cristal más delante de nuestra lente lo que afecta a la calidad de la imagen. Colocar un filtro protector en un objetivo yo lo comparo con la costumbre que alguna gente tiene de, tras comprar un teléfono o agenda de gama media/alta mantenerle el plástico o precinto con el que vienen de fábrica con la excusa de la protección, perdiendo así la posibilidad de disfrutar de toda la calidad del aparato. La costumbre de usar un filtro UV como protector viene de la época de las cámaras analógicas en que los objetivos no venían tan bien pulidos como ahora. Hoy en día todos los objetivos actuales vienen con un pulido especial y un cristal externo de especial resistencia (con una capa de protección UV, además). Por supuesto hay ocasiones en las que un filtro protector sí que está aconsejado, especialmente en circunstancias climatológicas especialmente duras (salitre, viento fuerte, con mucho polvo o arena en suspensión), pero esto es lo excepcional. La decisión es fácil: ¿te gastas cientos o miles de euros en objetivos para no disfrutarlos en la forma en que fueron diseñados y sacarles todo su partido? o ¿prefiero un objetivo en perfecto estado antes de unas fotos de máxima calidad? tripode y dispador remoto En general, los disparadores remotos se usan para hacer fotos más nítidas, evitando las vibraciones que se producen en la cámara al accionar el disparador en tomas de exposiciones largas, entendiendo por exposición larga cualquiera que necesite trípode por no garantizar la nitidez “a pulso”. Algunas de las aplicaciones concretas que tienen los disparadores remotos son: Fotografía HDR: Para poder hacer fotografía HDR de calidad, necesitaremos realizar varias tomas con el mismo encuadre variando la apertura del diafragma o la velocidad de obturación, para conseguir así diferentes exposiciones. Esto lo haremos utilizando un trípode, pero si no usamos un disparador remoto corremos el riesgo de mover la cámara al presionar el disparador, con lo que podrían no cuadrar las tomas. Fotografía de fusión de imágenes: Si queremos realizar varias tomas de un mismo encuadre para, por ejemplo, realizar fotografía de paisajes en la que haya mucho contraste entre el color del cielo y el de la tierra, tendremos que utilizar el mismo proceso que para la fotografía HDR a la hora de fusionar imágenes, con lo que las probabilidades de que se mueva la cámara son las mismas. Fotografías de grupo con el fotógrafo incluído: Seguro que alguna vez has hecho una foto de un grupo de amigos o familiares en la que querías salir tú. Si ha sido así, habrás resuelto la situación con un trípode y el temporizador de la cámara. El problema es que el temporizador dura poco tiempo, y te obliga a encuadrar, accionar el disparo, y correr a colocarte en la foto en el tiempo que dura el temporizador. Eso provoca carreras y nervios, por lo que muchas veces la foto no saldrá bien. Y no digamos lo que ocurre si te planteas varias tomas para que no salga nadie con los ojos cerrados… Autorretratos: El autorretrato es una variante de las fotografías en grupo más complicada. Complicada porque no puedes enfocar. Para el grupo, enfocas en otra persona y te aseguras de que la foto saldrá enfocada, pero, ¿y si estás tú solo? Con la función del disparador remoto puedes enfocar sobre tí mismo presionando el botón hasta la mitad, como si lo hicieras con la cámara. Fotografías en modo bulb: El modo bulb permite abrir el obturador con una pulsación, y mantenerlo abierto hasta que se vuelva a accionar el disparador. Tratar de accionar dos veces seguidas el obturador provocará casi con seguridad pequeñas vibraciones en la cámara que pueden restar nitidez a la imagen. Si tu cámara cuenta con esta opción, la manera más segura de usarlo es mediante un disparador remoto. Macrofotografía y fotografía de naturaleza: En este tipo de fotografía, muchas veces necesitas una tranquilidad total, que se ve rota por tu presencia. Gracias a un disparador remoto podrás hacer fotos a cierta distancia sin tener que estar pegado a la cámara. Y que hay del tripode?? Primero que nada hay que componer la foto, pero como? pues, uno no puede simplemente desplegar el trípode y sacar fotos limitándose a cuanto pueda mover mi cámara sobre esta, por lo que debemos adaptar el trípode a nosotros y no al revez una vez hecho lo anterior lo primero que haremos es desplegar 1 de las patas apuntando hacia nuestro motivo, de tal forma que nos queden las 2 patas separadas donde nosotros estemos, y asi evitar darle una patada Evita utilizar el cuello del tripode salvo que sea muy necesario, esta es siempre la parte mas inestable del mismo Si vas a usar el trípode a media altura empieza por extender la parte superior de sus patas, dejando la parte inferior recogida, a menos que la necesites. Normalmente la parte superior de las patas ofrece mayor estabilidad que la inferior Ahora que hay si yo ya dispongo de un estudio, propio o de alquiler o si bien ya tengo mis primeros accesorios, como es mas conveniente usarlos, según el tipo de fotos que quiero lograr? te dejo aquí algunas imágenes a modo de ejemplo para que veas por vos mismo las distintas maneras de acomodar tu estudio Bueno viste esto te preguntaras, y cual de estas formas elijo? la realidad es que no hay una respuesta todo depende del efecto que quieras conseguir por eso mi mayor recomendación es que experimentes y veas cual es la manera que mejor te funciona, aunque claro que para ciertos objetivos deberas elegir formas diferentes de acomodar las cosas Igualmente te dejo unos vídeos de demostraciones en vivo para que mires y saques tus propias conclusiones y consideres cual te parece la mejor forma de utilizar estos objetos Fondos: Flashes: Modificadores de luz: Por hoy terminamos con esta parte de la serie, la realidad de todo es que la unica forma de estar 100% de lo que hagan es experimentarlo ustedes mismos, por eso no me extiendo demasiado en mis explicaciones, si tienen una duda déjenme un comentario o mandenme un mensaje, si les gusto el post y quieren enterarse de las próximas partes denle al botón de seguir, abrazo grande!

Bienvenidos a la parte 7! Buenos Días gente, en esta nueva serie de post voy a tratar de compartirles algo de lo que se de fotografía, ordenando los post según creo yo que deben ser vistos, no soy fotógrafo profesional ni pretendo serlo, simplemente un aficionado a la fotografía que quiere compartir sus conocimientos Indice de la serie: Parte 1: Conceptos, reglas y leyes: http://www.taringa.net/posts/info/17476674/Aprendiendo-fotografia-Parte-1.html Parte 2: Consejos a la hora de componer y exponer : http://www.taringa.net/posts/info/17476767/Aprendiendo-fotografia-Parte-2.html Parte 3: Exponer correctamente una imagen http://www.taringa.net/posts/info/17476932/Aprendiendo-fotografia-Parte-3.html Parte 4: Manejo de la cámara y sus elementos http://www.taringa.net/posts/info/17478045/Aprendiendo-fotografia-parte-4.html Parte 5: Accesorios, objetivos, flashes, filtros y demás http://www.taringa.net/posts/info/17478865/Aprendiendo-fotografia-parte-5.html Parte 6: Accesorios, cuando utilizarlos y como http://www.taringa.net/posts/info/17479410/Aprendiendo-fotografia-parte-6.html Parte 7: Consejos para convertirte en un profesional Parte 8: Portfolio, darte a conocer y empezar a trabajar http://www.taringa.net/posts/info/17481665/Aprendiendo-fotografia-parte-8.html En esta parte vamos a hablar de: Consejos para convertirte en un profesional Estoy seguro de que muchos de ustedes esperaban esta parte así que no me voy a distraer mucho con la intro, convertirse en profesional, o al menos estar listos para comenzar a cobrar por tus trabajos es un tema muy delicado especialmente en fotografía, surgen dudas y cuestionamientos sobre tus propias habilidades, sobre tu equipo, sobre como proceder, por eso es importante mantenerte enfocado en el objetivo y despejar todas estas dudas. Como puedo mejorar mis habilidades aun mas? Como sabrás, ir por la calle sacando fotos, a objetos y a amigos es muy diferente a cubrir un evento o una sesión de estudio ya que pasamos de manejar el entorno a nuestro ritmo y comodidad, a tener que adaptarnos al movimiento de otras personas o la velocidad de un evento, en una boda por ejemplo, uno no puede parar a los novios antes del beso y pedirles que esperen para que configures tu cámara midas el flash etc, simplemente no se puede, tenes que saber anticiparte al momento y según mi opinión no hay mejor manera de adaptarte al ritmo de una sesión que realizando una sesiones de intercambio en que consiste? Se trata de una sesión de fotos en la que todo el mundo saca el mismo beneficio. Modelo, fotógrafo, maquillador y estilista trabajan juntos para ampliar su book/portfolio. En una sesión de intercambio nadie trabaja gratis; simplemente el pago que se hace no es con dinero, es con el trabajo de cada uno. De una sesión de intercambio todo el mundo saca experiencia y material fotográfico. Así pues, para los fotógrafos, es una buena manera de practicar, de entrar en el mundo de la fotografía de retrato y, sobretodo, de conocer gente con diferentes roles que pueden ayudarte, darte ideas y colaborar contigo en sesiones futuras. como saber si lo que se hace es justo para todos? Una sesión de intercambio en la que alguien saque más beneficio (aunque no sea económico) que otro, no es una sesión de intercambio. Son muchos los que piensan que organizar una sesión de estas características es sinónimo de conseguir fotos gratis. Chicas a las que les gusta tener fotos pero no son modelos ni tienen intención de serlo, diseñadores de ropa que sólo van en busca de fotografías para su catálogo, fotógrafos con encargos que buscan modelos gratis etc. Debes saber muy bien para qué quiere las fotos cada persona del equipo que participe en el intercambio, sus intenciones y, sobretodo, debes valorar tu trabajo y el de los demás. Todos hemos empezado por el primer peldaño y muchas veces, las ganas de hacer una sesión de fotos nos puede. Pero por muy novatos que seamos, estamos realizando un trabajo y los primeros en valorarlo debemos ser nosotros así que debes saber decir que no cuando haga falta. Cómo buscar gente para un intercambio? Grupos en el Facebook: Seguramente haya alguno dedicado a tu ciudad. Prueba de buscar “intercambio” “tfcd” y tu ciudad en Facebook y únete a los grupos que encuentres! Si no existe ninguno, ¡también puedes crearlo tú! Páginas web especializadas: Existen páginas web como fotopunto.com, fotoplatino.com o nosolotop.com. Todos son portales dedicados a la fotografía de moda donde modelos, fotógrafos, maquilladores y estilistas crean fichas para entrar en contacto con personas interesadas en las sesiones de fotos. Muchos de ellos están abiertos a la posibilidad de realizar intercambios. Fíjate en los otros fotógrafos: Si sigues a algún fotógrafo, puedes fijarte en los créditos de sus fotografías para conocer con qué modelos, maquilladores o estilistas trabaja. Si te gusta lo que ves, puedes ponerte en contacto con ellos para ver si quieren realizar una sesión de intercambio. Contacto directo: ¿Te has enamorado de una modelo? ¿Por qué no intentas ponerte en contacto con él o ella? Llega un momento en el que tanto fotógrafos como modelos, maquilladores o estilistas dejan de hacer intercambios para empezar a cobrar sus trabajos. De todas maneras, muchos de ellos aceptan hacer intercambios si el proyecto que les propones es interesante para su book o portfolio. Así que, si tienes una idea que crees que puede ser buena, no dudes en contársela! Cómo organizar un buen intercambio? Una sesión de intercambio, como cualquiera otra sesión, debe organizarse bien para poder aprovecharla al máximo. Lo primero de todo es tener una idea. Cuando ya tengas claro qué tipo de fotos quieres hacer en la sesión puedes empezar a buscar el equipo que te acompañará en el proyecto. No te conformes con lo primero que encuentres: no tengas miedo de decir que no a aquellas personas que no acaben de cuadrar con el perfil que buscas. Una vez formado el equipo, te aconsejo que redactes un contrato para que todo el mundo tenga claros sus derechos y los del resto del equipo. Mediante este contrato, puedes determinar dónde se pueden publicar tus fotos; si permites que se modifiquen o no; para qué se pueden usar las fotografías, etc. Puedes redactar tu propio contrato o utilizar alguno que ya esté escrito, desde dZoom te proporcionamos un modelo que puedes usar para tus sesiones. Ejemplo de contrato para un intercambio: http://www.dzoom.org.es/wp-content/uploads/descargas/Contratotfcd.pdf Un punto muy importante a tener en cuenta es el de los modelos menores de edad. Los menores, legalmente, no pueden firmar contratos. Debes asegurarte que el menor viene acompañado de su padre/madre/tutor para que sea éste el que firme el contrato y esté presente durante la sesión. Se puede cobrar en un intercambio? Si cobras por tu trabajo, automáticamente deja de ser una sesión de intercambio. Como ya hemos apuntado, en un tfcd todos sacan el mismo beneficio de la sesión. Puede ser que la realización de las fotos conlleve unos gastos como puede ser el alquiler del estudio o el material del maquillador, por ejemplo. Estos gastos pueden ser compartidos por el resto de miembros del equipo para que nadie tenga que cargar solo con ellos. Sea como sea, es muy importante que esto quede definido antes de realizar la sesión, para que luego no se generen malentendidos. Demos un repaso al material que necesitas para empezar, te sorprenderás de que es lo que necesitas Para empezar nuestra cámara fotográfica Creo que no hace falta aclarar por que la necesitamos o si? Objetivos: Olvídate de tu objetivo 18-55mm básico. Como profesional de la fotografía necesitas objetivos especializados. Los hay especiales para retrato, para fotografía de deporte, para Macro, paisajes, etc. Piensa en el tipo de fotografía en que te quieres especializar. A partir de ahí encontrarás la respuesta a qué objetivos has de comprar. mi recomendación especialmente para bodas y sesiones de estudio es tener un 35 mm y un 50 mm al menos Algo mas? no necesariamente, recorda que podes tener todo lo que necesites en un estudio de alquiler aunque no estaría mal que de a poco adquieras tu propio material, especialmente si lo que te gusta mas es hacer sesiones en locación, es decir en espacios al exterior o interiores como casas y demás Yo aconsejo, un paraguas 2 en 1 que sea plateado y translucido, un reflector 5 en 1 de 1m y tu flash de zapata para empezar Suponiendo que no me interese las sesiones en estudio que hago? Pues si lo tuyo son sesiones en locación lo que necesitaras es algún material como el que menciones anteriormente y le segundo y mas importante es una locación, para encontrar una locación tenes 2 opciones, hacer una sesión de exterior, en lugares que conozcas y considere visualmente atractivos, o bien buscar lugares como casas o departamentos, para poder realizar tu sesión cómodamente como encuentro departamentos o casas con este fin? pues te dejo una web que podríamos considerar mágica: En ella podrás encontrar sitios en alquiler de TODO EL MUNDO, ya sea por horas por día o por semanas, y lo mejor es que contiene fotos detallas de los interiores para que puedas ver y elegir que es lo que te gusta y que te interesaría utilizar en tu sesión Aquí te dejo un ejemplo de sesión en interior: link: http://www.youtube.com/watch?v=YmyoD-I6l8M y que hay con estudiar en una escuela? ay ay ay, que punto delicado, bueno en este punto no hay una respuesta concreta, por que en si bien puede resultar que aprendas de manera mas rápida en una escuela creo que lo que de verdad se necesita para ser fotógrafo no te lo puede enseñar nadie y es tu estilo, en una escuela pueden enseñarte técnicas y manejo de la luz si, pero no te va valer de nada si vos no pones de tu parte Que es lo pienso yo? Bueno yo creo que no es necesario hacer una carrera de fotografía, pero lo que si encuentro muy útiles son los cursos que dictan los estudios, como sesiones en exterior, sesiones de moda y demás, son rápidos económicos y objetivos, y enseñan la técnica adecuada para cada situación Pero OJO! yo no estoy diciendo que no hagan una carrera si no quieren, esto es lo que opino yo y no tiene por que cambiar SU opinión de como son las cosas, así que si sienten que lo mejor es hacer una carrera, háganlo con plena confianza, lo importante es que ustedes hagan lo que crean correcto Bueno gente, hasta acá vamos a dejar esta parte, si bien no es todo prefiero hablar de lo que falta en el próximo tomo que ya seria el ultimo, si tienen una duda o consulta dejen un comentario o manden un mensaje, si les gusto el post y quieren enterarse cuando suba el proximo denle al boton de seguir, un abrazo a todos!

Buenos Días gente, en esta nueva serie de post voy a tratar de compartirles algo de lo que se de fotografía, ordenando los post según creo yo que deben ser vistos, no soy fotógrafo profesional ni pretendo serlo, simplemente un aficionado a la fotografía que quiere compartir sus conocimientos Dicho esto doy por iniciada esta nueva serie de post, espero les guste y puedan sacar algo util para sumar a sus conocimientos y habilidades Indice de la serie: Parte 1: Conceptos, reglas y leyes Parte 2: Consejos a la hora de componer y exponer: http://www.taringa.net/posts/info/17476767/Aprendiendo-fotografia-Parte-2.html Parte 3: Exponer correctamente una imagen http://www.taringa.net/posts/info/17476932/Aprendiendo-fotografia-Parte-3.html Parte 4: Manejo de la cámara http://www.taringa.net/posts/info/17478045/Aprendiendo-fotografia-parte-4.html Parte 5: Accesorios, objetivos, flashes, filtros y demás http://www.taringa.net/posts/info/17478865/Aprendiendo-fotografia-parte-5.html Parte 6: Accesorios, cuando utilizarlos y como http://www.taringa.net/posts/info/17479410/Aprendiendo-fotografia-parte-6.html Parte 7: Consejos para convertirte en un profesional http://www.taringa.net/posts/info/17481240/Aprendiendo-fotografia-parte-7.html Parte 8: Portfolio, darte a conocer y empezar a trabajar http://www.taringa.net/posts/info/17481665/Aprendiendo-fotografia-parte-8.html Por mi rango solo puedo subir 3 post al día así que recién terminaría de subir todo el domingo si no surge nada Antes que nada decidí empezar con este tema y no con el manejo de las camaras ya que no todos tienen una reflex o una bridge, ahí a fuera hay gente que quiere aprender a sacar mejores fotos pero no pueden por que todo el mundo te enseña a disparar con una reflex antes de aprender las reglas y leyes fotográficas Que es lo que tenes que saber antes de empezar: Que es la fotografía? La fotografía es la técnica que consiste en capturar la luz de un objeto dentro de un material foto sensible para proyectar así una imagen final, pero... la fotografía no es solo esto, también se trata de capturar un momento y de contar historias mediante imágenes, yo soy de los que creen que se puede aprender fotografía sin necesidad de tener una reflex desde el inicio. asi que vamos con el post Que se necesita para practicar fotografía? Bueno este punto es muy sencillo, lo único que necesitas es un dispositivo que capture imágenes y al menos 1 ojo Pero me dijeron que necesitaba una cámara super cara para lograrlo! Pues depende por donde lo mires, es sabido que una buena cámara acompañada de buenos objetivos mejora la calidad de tu fotos en lo que respecta a nitidez, color, contraste y te permite manejar ciertos aspectos que veremos mas adelante pero tus fotografías como tales pueden ser las mejores incluso usando un teléfono celular, "capturar un momento y de contar historias" recordas? Se puede aprender conceptos de fotografía con cámaras point & shoot? Si por su puesto que se puede, las reglas son igual para todos, aunque no siempre sean lo mas importante, muchos grandes fotógrafos empezaron con cámaras compactas y no con esas gigantes reflex que nos hacen creer que necesitamos cámaras que pesen mas de 2kg para aprender sobre fotografía Reglas fotográficas: Cuando se va a tomar una fotografía, el fotógrafo tiene la opción de elegir entre varios ángulos, distancias, formas de encuadre, enfoque, exposición, entre otros. A esto le llamamos composición, a la selección de cada uno de los aspectos técnicos que conforman y dan un significado artístico a una fotografía. Las reglas de composición, son un conjunto de herramientas que le permiten al fotógrafo expresar sentimientos y emociones a través de una imagen, ya que cada parámetro técnico escogido durante la captura de la fotografía, produce distintas sensaciones, como puede ser armonía, alegría, tristeza y otras. Esta es la razón principal, por la cual es importante memorizar y aplicar en el momento preciso las distintas reglas de composición existentes. Algunos conceptos técnicos, que son usados para realizar la composición y pueden ser trabajados directamente por el fotógrafo son los siguientes: - Encuadre. - Tiempo de exposición. - Enfoque. - Perspectiva. - Profundidad de campo. 1. Ley de los tercios La regla o ley de los tercios, es una de las más comunes y usadas por los fotógrafos hoy en día. Básicamente, lo que se hace con esta regla es trazar dos líneas horizontales, y dos verticales en el encuadre. De esta forma, se forma una cuadrícula con cuatro puntos de intersección. ¿Y si tengo varios centros de interés? En caso de que en la foto hubiera dos centros de interés, es recomendable buscar dos de estos puntos, y siempre que sea posible opuestos, formando una diagonal en la foto. ¿Cuándo aplico la Regla de los Tercios? Lo normal es aplicarlo al hacer la foto. No te preocupes si al principio no identificas bien a través del visor o la pantalla de tu cámara dónde se encuentran esos puntos imaginarios. Es normal que al principio te cueste un poco, pero con el tiempo irás cogiendo práctica. Algunas cámaras réflex traen unas guías en el propio visor que ayudan a tomar referencias 2. La ley del horizonte. La ley del horizonte es un caso específico de la ley de los tercios. En esta se recomienda que el horizonte este situado sobre una de las dos líneas horizontales que dividen la imagen. 3. Ley De La Mirada Y El Movimiento Cuando le estamos tomando una fotografía a alguien o algo, es importante tener en cuenta la dirección hacia la que este apunta o se desplaza. Por esto, existen dos leyes muy similares llamadas : La ley de la mirada y la ley del movimiento. La ley de la mirada, nos dice que debemos dar mayor espacio libre hacia la dirección a la que nuestro punto de interés está mirando. Por otro lado, la ley del movimiento nos dice que debemos dar mayor espacio hacia la dirección a la que un objeto se desplaza. Otros Conceptos: 1. Las lineas Las líneas son un elemento de composición muy importante, y uno de los más efectivos para guiar la vista del observador a lo largo de la fotografía. Todas las líneas sirven para guiar la vista del espectador, sin embargo, las líneas convergentes son las más eficaces para ubicar la mirada en un punto específico, como se observa en la imagen anterior, en la cual, las líneas convergen en el punto más distante de la carretera. 2. La iluminación. La iluminación es un factor determinante a la hora de tomar la fotografía. Existen dos tipos de iluminación: La luz natural y la luz artificial. La luz natural es aquella que se encuentra en el medio ambiente y sus dos fuentes principales son el sol y la luna. La luz natural cambia de dirección, intensidad y colores a lo largo del día. Es diferente cuando el sol está en su máximo, que al amanecer o el atardecer. Sin embargo, la calidad de la luz es mejor al atardecer, ya que se mejora el contraste, y las luces no son tan intensas, permitiendo así, capturar todo el rango dinámico de la escena en la cámara. Por el contrario, a horas en las que el sol se encuentra en su máximo resplandor, aparecerán zonas negras o quemadas, ya que el rango dinámico de la cámara se queda corto para cubrir todo el rango dinámico de la escena. A diferencia de la luz natural, con la luz artificial se pueden controlar todas las propiedades mencionadas anteriormente. Este tipo de iluminación es proporcionada por bombillas o flash. 3. Las figuras geométricas. Las figuras geométricas juegan un papel importante en la imagen. Son llamativas y agradables al ojo humano y están presentes en la naturaleza. Para crear una figura geométrica como un circulo, un triangulo, u otras, basta con cambiar un poco el encuadre o rotar algunos grados la cámara. Los resultados al conseguir figuras geométricas, serán fotografías más interesantes para el observador, que una simple foto plana. 4. El color Los colores son los transmisores de emociones de una fotografía. En muchos casos, los colores producen un impacto emocional sobre el observador, incluso, antes de que este haya interpretado el contenido de la imagen. Estos se pueden clasificar en cálidos (tendencia al rojo), fríos (tendencia al azul) y ausencia de color. Los colores cálidos darán sensaciones de actividad, amor, vida, emoción, fuerza y alegría. Están asociados con emociones fuertes. Por otro lado, los colores fríos transmiten sensaciones más pacificas, como serenidad, paz, tranquilidad y quietud. Están asociados con la reflexión y emociones profundas. Por último, la ausencia de color, expresa nostalgia, melancolía, tristeza y otros sentimientos similares. Se usa el blanco y negro especialmente para transmitir este tipo de sensaciones, y es una herramienta muy útil para lograrlo. También es comúnmente usada para mostrar personas ejerciendo un trabajo o actividad. 5. La simplicidad. Esta ley de composición propone aislar el punto de interés del resto de los objetos de la escena. Es una de las formas más efectivas de guiar toda la atención del observador hacia lo que se quiere mostrar. Esto se debe a que aplicando esta técnica se eliminan objetos distractores que desvían la mirada hacia otras partes. Para lograr este efecto, es suficiente con encontrar un fondo que tenga los mismos tonos y colores en toda la zona del encuadre, y lograr desenfocar el fondo con el manejo del diafragma y la longitud focal del objetivo. 6. Diagonales. Las diagonales son consideradas un elemento de composición, con el cual, se logra crear imágenes más llamativas que con líneas rectas. bueno gente, esto fue todo por este post, en una hora o 2 voy a subir el que le sigue, cualquier duda o consulta, pueden dejar un comentario o enviarme un mensaje, si les gusto siganme para ver las partes que siguen, un abrazo grande a todos!

Bienvenidos a la parte 5! Buenos Días gente, en esta nueva serie de post voy a tratar de compartirles algo de lo que se de fotografía, ordenando los post según creo yo que deben ser vistos, no soy fotógrafo profesional ni pretendo serlo, simplemente un aficionado a la fotografía que quiere compartir sus conocimientos Indice de la serie: Parte 1: Conceptos, reglas y leyes: http://www.taringa.net/posts/info/17476674/Aprendiendo-fotografia-Parte-1.html Parte 2: Consejos a la hora de componer y exponer : http://www.taringa.net/posts/info/17476767/Aprendiendo-fotografia-Parte-2.html Parte 3: Exponer correctamente una imagen http://www.taringa.net/posts/info/17476932/Aprendiendo-fotografia-Parte-3.html Parte 4: Manejo de la cámara y sus elementos http://www.taringa.net/posts/info/17478045/Aprendiendo-fotografia-parte-4.html Parte 5: Accesorios, objetivos, flashes, filtros y demás Parte 6: Accesorios, cuando utilizarlos y como http://www.taringa.net/posts/info/17479410/Aprendiendo-fotografia-parte-6.html Parte 7: Consejos para convertirte en un profesional http://www.taringa.net/posts/info/17481240/Aprendiendo-fotografia-parte-7.html Parte 8: Portfolio, darte a conocer y empezar a trabajar http://www.taringa.net/posts/info/17481665/Aprendiendo-fotografia-parte-8.html En esta parte vamos a hablar de: Accesorios, objetivos, flashes, filtros y demás Por mi rango solo puedo subir 3 post al día así que recién terminaría de subir todo mañana si no surge nada Cuales son los accesorios mas comunes y cuales deberia adquirir primero? Bueno, hay 2 tipos de accesorios en fotografía, los que se montan en la cámara y los externos, si solo queres aprender fotografía como pasatiempo, es casi improbable que decidas comprar accesorios que no se monten directo en la cámara, aunque si te paso como a mi que decidiste dar el salto seguramente te vas a cebar y vas a empezar a gastar a lo loco Entre los accesorios mas comunes para montar con una cámara encontramos (los ordene según creo yo que son mas importantes adquirirlos) 1. Bateria y memoria extra Baterías y memoria? si por su puesto, no creo que haya cosa mas importante para adquirir en primer lugar, tener una carga extra de baterías o de memoria de respaldo se vuelve infaltable conforme vayas avanzando en la fotografía, es sumamente frustrante salir a sacar fotos y quedarte con la cámara sin memoria o sin energía, no hay cosa mas frustrante que eso, en mi caso una SD de 16gb solo me alcanza para 700 disparos, teniendo en cuenta que solo saco en .RAW, quizás la batería es menos problemático por que el tiempo de vida promedio dura alrededor de 1200 disparos, y a veces mas, por lo que tranquilamente vas a llenar 2 tarjetas antes de precisar una recarga sin embargo, nunca sabes cuanto tiempo vas a estar afuera asi que es mejor estar preparado 2. Flash de zapata: jaja! apuesto que se esperaban escuchar un objetivo 50mm o algo asi, pues no, por supuesto que opino que un lente kit no es de lo mejor pero considerando el precio de los objetivos es mejor sacarle el máximo provecho posible y comprarlo cuando ya estés mas cómodo con tu cámara, sin embargo no va a tardar en aparecer en la lista que flash me compro? La respuesta a esto es sencillo: cualquiera! bueno, no tan precipitadamente, que sea nuevo sin uso y de una marca conocida, si no te alcanza para un flash de la misma marca que tu cámara, te recomiendo los nissin y los yongnuo, yo tengo un YN560 II y es una maravilla, recorda que mientras de luz sirve, todo lo demás son pavadas 3. Objetivo de focal fija Bueno ya llego el momento jeje, si bien este punto fue dificil de decidir llegue a la conclusión de que lo mejor seria un objetivo nuevo a estas alturas, si bien a mi no me hizo falta a esta altura de la lista considero que si es una buena decisión y que objetivo recomendas? 50 mm f/1.4 o 35 mm f/1.8 son los dos objetivos que recomiendo, el 50 mm f/1,4 es algo caro por lo que si no pueden costearlo de momento pueden optar por el 50 mm f/1.8 si tienen una camara de formato medio o APS-C les recomiendo que prioricen el 35 mm por sobre el 50 mm 4. Filtros y parasol Este puesto estuvo bastante peleado, no obstante el que se lo lleva son los filtros fotográficos y el parasol, Los filtros son cristales con los que conseguimos diferentes efectos finales sobre la fotografía. Van montados en la parte frontal del objetivo por medio de una rosca llamada "rosca portalibros" y, en algunas cámaras, con un enganche del tipo bayoneta. También existe un sistema que utiliza un marco universal que se acopla por medio de una rosca al objetivo. Este es el sistema de Cokin. El parasol (que debería llamarse para luz difusa) sirve para darle sombra al objetivo y evitar que se filtren luces en ángulos inadecuados evitando así que se formen alos de luz indeseados en la imagen cual me conviene primero? Bueno, esto es complicado ya que se adecua a la necesidad de cada uno sin embargo voy a poner los que yo compre primero en base a mis necesidades Filtro UV: con el avance de la tecnología este filtro ya a perdido mucho efecto devido que los sensores ya lo traen incorporado dentro, por lo que la función principal de este filtro a pasado a ser de protector de nuestro objetivo, cuando uno hace fotos, se vuelve inevitable cambiar el objetivo, las cosas van rápido y se puede dar el caso de que una mano de manteca nos juegue una mala pasada, por lo que si no queres tener el elemento frontal de tu objetivo reventado en el suelo, te recomiendo que tengas uno de estos. Filtro polarizador: el filtro polarizador tiene dos funciones que destaco, la de eliminar reflejos en superficies tales como el vidrio y el agua especialmente en ángulos de 30º a 45º cosa que se vuelve bastante conveniente, el realce de los verdes y los colores en general al filtrar los azules del cielo, y la eliminación de la luz en un cielo sin nubes, tornándolo así de un tono mas oscuro Filtros DNS: Los filtros degradados de densidad neutra son piezas de cristal o de resina que se han tintado de forma degradada para disminuir el paso de la luz y así poder compensar la exposición. Encontramos dos tipos de filtros degradados: los circulares que se enroscan en el objetivo y los rectangulares pensados para ir sujetos con un porta filtros. esto es sumamente util para usar tiempos de exposición prolongado en situaciones de mucha luz ambiente Pero.. y los parasoles? Bueno para esto no hay mucho que decir, el chiste del parasol es que pueda darle sombra al elemento frontal del objetivo evitando reflejos indeseados, como esto puede pasar en cualquier momento recomiendo tenerlo puesto siempre 5. Tripode y disparador remoto y como no podía faltar en la lista, un buen trípode acompañado de un disparador remoto, en ciertas ocaciones en las que el flash no nos sirva, tener un trípode como compañero puede salvarlos la vida, es importante tener en cuenta que mientras mas cosas lleve encima nuestra cámara, en cuanto al disparador remoto nos va a ser de mucha ayuda en fotos de larga exposición y fotos grupales, inclusive en las primeras sesiones que hagamos si no tenes a nadie que te ayude a sostener un reflector por ejemplo, te vas a dar cuenta de lo útil que resulta este amigo y ahora a la típica pregunta, cuales? pues obviamente depende del peso de tu cámara, sin embargo si queres despreocuparte por un rato te recomiendo los trípodes de marca benro, yo tengo un a160fb y no puedo decir nada mas que maravillas de el, firme, robusto, solido, pesado y de excelente construcción en lo que respecta a disparadores remotos cualquiera inalambrico que sea compatible con el modo bulb sirve, es preferible que sea inalambrico por que en el caso de estar en una sesión y no tengas a nadie que te ayude no podes manejarte en base a la longitud de una cable, mejor trabajar cómodamente Bueno de momento ya vimos los accesorios para montar a la cámara que considero mas necesarios, también me gustaría haber incluido un controlador para flash pero no lo hice ya que lo considero algo mas profesional y ademas, la mayoría de los flashes de ahora pueden activarse mediante un pop-up o cualquier otro flash que se dispare, por lo que esto ira en la siguiente parte de la lista Habiendo dicho esto ahora vamos a ver cuales son los accesorios externos que tenes que tener si queres dedicarte profesionalmente a la fotografía, por lo que si esa no es tu intención, te recomiendo que no sigas leyendo Accesorios Externos a la cámara Bien, dentro de los accesorios externos a la cámara lo que mas destaco y considero importante que tengas en cuenta son los modificadores de luz, los hay en distintos tipos, y a continuacion voy a tratar de enlistarlos según creo que se deberían adquirir y que se deberia adquirir al menos para empezar 1. Paraguas 2 en uno Este accesorio en si es muy barato pero no se puede usar solo, necesitas un par de cositas que enlistar a continuación el mismo cuenta con una funda plateada para rebotar la luz en su interior y una tela translucida para difuminar la luz Bueno, obviamente un paraguas paraguas: Tripode para iluminación: Rotula: y como no podía faltar, nuestro flash de zapata Bien acá entra en juego el tema del disparo remoto pueden utilizar el pop-up como maestro por el momento pero no tarden demasiado en adquirir un juego de transmisor y receptor de estos: 2. reflector 5 en 1 Estos son muy económicos y fáciles de conseguir, se trata de un reflector circular que viene con distintas fundas para intercambiar, traen, dorado, plateado, blanco, negro y translucido. es realmente algo muy útil y que nos va a salvar el pellejo Bueno, lo crean o no estas 2 cosas son las que considero primordiales para empezar, pero seguramente se preguntaran por que eso solo si yo vi que los fotografos tienen estudios completos? bueno esto es por 2 razones principalmente. La primera es que considero que antes de adquirir un estudio completo tenes que aprender a manejar la luz a tu gusto y voluntad, ademas lo mas probable es que las primeras sesiones que realices sean a amigos y conocidos, principalmente en una ubicación aleatoria con lo que nos sobra con esto y la segunda es que se pueden alquilar un estudio profesional y completo por precios muy económicos, asi que en caso de precisarlo podes reservar un par de horas en un estudio y listo, problema resuelto, nadie comenzó de 0 con u estudio y si lo hizo es por que tuvo un apoyo económico muy fuerte o por que pudo darse el lujo, aunque es raro que pase Ahora, se preguntaran, son realmente estas 2 cosas las mejores para empezar? pues si y no, esto es lo que a mi mas me sirvió en un principio, lo que no quiere decir que otros no hayan encontrado una manera mas efectiva, por lo que les recomiendo buscar e investigar bien antes de empezar a gastar Bueno, ahora veremos otros accesorios externos que podremos encontrar en un estudio fotográfico Flash de estudio Los flashes comúnmente llamados de estudio son flashes más grandes que se conectan a la cámara usando un cable PC o algún sistema infrarrojo o de radio. Estos flashes tienen varias ventajas; tienen una mayor potencia que los otros flashes lo que les va a permitir sacar fotos incluso cuando no hay luz, hay una gran cantidad de accesorios que se pueden adquirir para hacer la luz dura o difusa y en general vienen con una luz de modelaje. La luz de modelado es generalmente una luz de tungsteno que esta en el cabezal del flash que se puede mantener prendida cuando estamos por sacar la foto. Soft box Una traducción directa podría inducirnos a pensar que una softbox es una “caja suave”, o algo así, ¿verdad? Quizás la traducción directa no es completamente acertada para describir qué es, pero sí nos da alguna pista de lo que aporta a la iluminación. Un softbox no es más que un accesorio que permite suavizar la luz de un flash que se sitúa en su interior, haciéndola más difusa (como su nombre indica) y también más direccional. Los hay cuadrados, rectangulares, octogonales Dentro de un mismo formato, por ejemplo, cuadrado, existen distintas versiones: 50, 65, 80cm, incluso hay algunos que incorporan grillas para ayudar a apuntar la luz de una manera mas efectiva Fondos Bueno, no hay mucho que decir respecto a esto, los fondos mas comunes son los llamados fondos al infinito que generalmente suelen ser completamente lisos, su uso varia segun lo que decida el fotógrafo para la sesión de fotos, también los hay texturados de distintas gamas y tamaños, los mas comunes suelen tener 3 x 6mt aunque también los hay en menor tamaño para fotografía de productos entre otros Pues, creo que con eso cubrimos esta sección de la serie, en la próxima parte vamos a hablar de como utilizar todo esto para nuestro beneficio, si tenes alguna duda, dejame un comentario o mandame un mp, si te gusto el post y queres enterarte cuando suba las otras partes, podes apretar el boton de seguir, un abrazo a todos!

Hola gente!! la verdad ni me voy a calentar en hacer una intro asi que vamos con el post!! Sepan disculpar las faltas de ortografía. Lo unico que quiero aclarar es que los precios no son de argentina o latino america, en su mayoria son en euros, y por ultimo que al final del post encontraran links para descargar todo lo que aqui se dice, dicho esto vamos con la info: Las cámaras fotográficas réflex digitales, también llamadas DSLR (Digital-SLR), están diseñadas de modo muy similar al de las cámaras réflex de película de un objetivo (SLR, del inglés Single lens reflex). Podría decirse que son una evolución de las réflex tradicionales en las que se sustituye la película por un sensor de imagen, manteniendo por lo general compatibilidad en cuanto al uso de los objetivos de las cámaras de película. Incorporan además una pantalla en la que se puede ver la fotografía inmediatamente después de la toma, y comprobar, con la ayuda de un histograma que la exposición ha sido correcta. Sin embargo esta pantalla, en la mayoría de los modelos, no sirve como visor para realizar la fotografía como sucede en las cámaras digitales compactas, debido a que el sensor se encuentra oculto tras el obturador y el espejo del visor, como sucede con la película en las cámaras réflex de película (existen excepciones como la Olympus E-330, E-510; la Canon 40D, la Nikon D90 y, en general, todos modelos posteriores al 2006 ya que incorporan un sistema denominado Live View que lo permite). Mercado En un principio las cámaras DSLR ocupaban exclusivamente el sector de la fotografía profesional, hasta que Canon presentó en septiembre de 2003 la 300D con un precio de 1.100 € con objetivo incluido. En marzo de 2004 Nikon presenta la D70 con un precio ligeramente superior pero con más funciones que la 300D de Canon. De este modo se introducen por fin en 2005 las DSLR en el sector de fotografía amateur o no profesional. Cuando el mercado de la fotografía digital se había estabilizado, por las ventas de cámaras compactas digitales, es en el sector de las réflex digitales donde se produce un gran crecimiento a partir de 2005. En 2006 la mayoría de fabricantes de cámaras fotográficas ofrecen al menos un modelo réflex con un precio que ronda los 600 €, objetivos incluidos. Sistema reflex Las camaras fotograficas profesionales actuales y pasadas se les denomina reflex ya que poseen un sistema de reflejo de luz por medio de un espejo que gira que permite percibir con el ojo ,por el visor la fotografía, la misma imagen que será captada por el sensor. Esto se logra con un espejo prismatico que se gira cuando el fotografo presiona el boton para fotografiar. El espejo queda expuesto al intercambiar lentes y es extremadamente delicado. NO puede bajo ninguna circunstancia ser tocado con los dedos, paños etc. Los dedos lo manchan y los paños, papel tussue también. Se recomienda colocar los lentes en ambientes sin polvo en suspension. En caso de rayar el espejo la unica solucion es el reemplazo. Si tiene polvo enviar a servicio tecnico es lo más razonable. En la figura puede verse el sistema optico tipico de una camara reflex, el espejo es aquel que esta más cerca de la entrada de luz. Diferencias respecto a una cámara compacta digital La diferencia básica radica en que el visor por donde se mira la fotografía permite ver la imagen real tomada y no una aproximación de esta. El sistema ocupa un espejo que permite llevar la luz directamente al ojo cuando se enfoca. Al presionar el botón para tomar la fotografía el espejo rota y dirige la luz al sensor, la misma que en instantes anteriores recibia nuestro ojo. Este sistema con espejo se denomina reflex. Las camaras digitales compactas no poseen espejo y ocupan un truco optico para hacer una aproximación de lo que el sensor ve, antiguamente esto daba origen a fotografias de personas sin rostro. Actualmente esto no ocurre porque las personas tienden a usar el visor de LCD para verificar la fotografia tomada evitando fotos no deseadas. Otra diferencia es el modo manual de las reflex versus el modo automatico de las camaras compactas. El usuario comun desea obtener una fotografia nitida en toda la foto, con un simple click. Las camaras compactas permiten enfocar y sacar la fotografía definida, sin tener que preocuparse de nada pues la camara decide por el usuario. En fotografía profesional se desea lograr muchos efectos, por ejemplo fotos desenfocadas, más brillantes de lo que son, más oscuras, enfoques en algunos sectores de la foto y desenfocado en otros. Estos efectos son decididos por el fotógrafo en el momento de fotografiar cambiando el ISO, la velocidad de obturación y la apertura del diafragma principalmente. Una reflex debería comprarse para ser utilizada en modo manual aunque posee modo automatico entre otros. Las camaras compactas en cambio son adquiridas por usuarios que desean obtener fotografias enfocadas en todo el cuadro, lo que se conoce como profundidad de campo muy alta la cual no puede cambiarse. La gran mayoria de las camaras compactas no presentan modo manual. La tercera diferencia es que los objetivos son intercambiables, normalmente compatibles con los objetivos de réflex de película. Debido a que esos objetivos estaban diseñados para una película de 35mm, el sensor es más grande que en las cámaras compactas. Aunque puede ser del mismo tamaño de una película (36x24 mm) (sensor full-frame, generalmente sólo en modelos de muy alta gama), por lo general suelen ser algo más pequeños (ver: tamaño de sensor APS-C), en cuyo caso se produce una "multiplicación de la distancia focal" normalmente de 1.5-1.6, salvo excepciones como el sistema Cuatro Tercios que proporciona un factor de multiplicación de 2. En las cámaras compactas se emplean sensores de tamaño reducido, lo que conlleva distancias focales también reducidas y por tanto una profundidad de campo muy alta (casi todo en la fotografía aparece enfocado). La profundidad de campo es por tanto la principal diferencia en la fotografía realizada con una cámara compacta digital o con una réflex. En la cámara réflex se consigue un gran control mediante la apertura del diafragma sobre el enfoque y el desenfoque, un fondo desenfocado centra la atención en el motivo fotografiado. Otra de las ventajas de un sensor de imagen de mayor tamaño, es la mayor calidad de imagen, así como una mayor sensibilidad pudiéndose realizar fotografías con ISO 1600 con un nivel de ruido muy aceptable. Ventajas -Sobre las cámaras compactas- •Alta calidad de imagen. •Gran control sobre la profundidad de campo. •En la mayoría de los modelos, respuesta inmediata (o cercana) al encendido y al disparo. •Alta sensibilidad (ISO), 4 veces más sensible en promedio. •Posibilidad de intercambiar objetivos y utilizar los heredados de cámaras de película con la misma montura. •Amplia gama de objetivos de calidad disponibles. •Suelen incluir un formato RAW -generalmente propietario-, que consiste en un archivo sin procesar -en la mayoría de casos sin comprimir-, que permite procesar las imágenes con mayor tranquilidad después de la toma, y por lo general amplia gama tonal de 12 o más bits por canal de color. Algunas cámaras compactas de alta gama también pueden incluirlo. •Rapidez de disparo, capturando en instante. Posibilidad de ráfagas de entre 3 y 14 fotografías por segundo (la Nikon D3 por ejemplo captura hasta 11 fotogramas por segundo, aunque existen modelos de cámaras compactas que igualan y superan estos números de ráfaga). Desventajas •Precio, no sólo por la cámara sino por los objetivos. •Mayor posibilidad de trepidación debido al movimiento brusco del espejo en el momento del disparo (imagen movida en fotos con luz insuficiente). El estabilizador de imagen tiende a mejorar esta situación, y puede estar o bien integrado en el cuerpo (Sony Alpha, Olympus E510, Pentax K10D) o en el objetivo (Nikon VR, Canon IS, Leica-Panasonic Mega OIS). •El cambio de objetivos permite la entrada de suciedad en el sensor, por lo que requiere mayores cuidados. Algunas cámaras (modelos posteriores a 2005) incorporan un sistema de limpieza por ultrasonidos, que mitiga en parte este inconveniente. •La mayoría de modelos anteriores a 2006 no incorporaban el sistema de previsualización y toma de la fotografía a través de la pantalla de la cámara. Esto se conoce comercialmente como LiveView •Si bien la mayoría de las cámaras poseen modos totalmente automatizados que permiten su uso como cualquier otra cámara digital, las gamas más altas y el uso de modos manuales en casi la totalidad de las cámaras requiere un conocimiento de los principios de la fotografía mayor por parte del usuario . •Su tamaño y peso casi siempre son mayores, con la excepción de algunas de las llamadas Cámara Bridge. Componentes básicos de una Cámara Elemento fotosensible Toda cámara fotográfica necesita un elemento sensible a la luz que registre de algún modo la imagen que procede del objetivo. Un Sensor de imagen electrónico, que es un chip formado por millones de componentes sensibles a la luz (fototransistor) y por algún mecanismo para percibir las distintas componentes de color (distintas longitudes de onda de la luz). Este es el soporte utilizado en las cámaras digitales en fotografía digital. Visor El visor es el sistema óptico que permite encuadrar el campo visual que se pretende que abarque la fotografía. Es decir, el visor es la ventanilla, pantalla o marco incorporado a la cámara o sujeto a ella de que se sirve el fotógrafo para previsualizar, exacta o aproximadamente, la relación motivo/entorno que abarca el objetivo. El visor es una de las partes más importantes de cualquier cámara, puesto que es el modo que tiene el fotógrafo de encuadrar y componer cada fotografía. Objetivo Se denomina objetivo al conjunto de lentes convergentes y divergentes que forman parte de la óptica de una cámara. Su función es recibir los haces de luz procedentes del objeto y modificar su dirección hasta crear la imagen óptica, réplica luminosa del objeto. Esta imagen se lanzará contra el soporte sensible: Sensor de imagen en el caso de una cámara digital, y película sensible en la fotografía química Diafragma Diferentes aperturas del diafragma El diafragma es el método que regula la apertura de un sistema óptico. Suele ser un disco o sistema de aletas dispuesto en el objetivo de una cámara de forma tal que restringe el paso de la luz, generalmente de forma ajustable. Las progresivas variaciones de apertura del diafragma se especifican mediante el número f, que es la relación entre la longitud focal y el diámetro de apertura efectivo,además esta parte ha de ser de Plastico. Obturador El obturador es el dispositivo que controla el tiempo durante el que llega la luz al elemento sensible (película o sensor de imagen). Consiste normalmente en una cortinilla situada en el cuerpo de la cámara, justo delante de este elemento fotosensible y obviamente detrás del objetivo; la cortinilla se abre y cierra el tiempo que esté configurado en la cámara para dejar pasar la luz hacia el elemento fotosensible. Otros elementos habituales •Exposímetro: El exposímetro o fotómetro se trata de un dispositivo que da la medida de la exposición que tendrá el elemento fotosensible con la configuración de apertura y velocidad de obturación configuradas. Aunque hoy día la gran mayoría de las cámaras llevan un exposímetro incorporado, los exposímetros manuales son una accesorio de gran utilidad, especialmente en situaciones de iluminación difícil. •Flash incorporado: El flash es un dispositivo que actúa como fuente de luz artificial para iluminar escenas de forma sincronizada con el disparo de la cámara. Se utiliza sobre todo cuando la luz existente no es suficiente para tomar la instantánea con una exposición determinada aunque también tiene otros usos. El flash es una fuente de luz intensa y dura, que generalmente abarca poco espacio y es transportable. Normalmente los flash incorporados en las cámaras son luces equilibradas a 5500 K, al igual que la luz de un día soleado. Hoy en día la gran mayoría de las cámaras vienen con un flash incorporado y, muchas cámaras, disponen de zapatas estándar de conexión de flash externo. •Controles habituales de una cámara Dependiendo del tipo, marca y modelo de cámara, ésta dispondrá de más o menos controles para permitir al fotógrafo configurar la cámara a su gusto. Las cámaras habitualmente más versátiles en este sentido son las cámara réflexSLR si bien en cualquier cámara de gama semi-profesional o profesional se encuentran todos los controles citados a continuación. En las cámaras digitales y en las compactas algunos de estos controles pueden ser automáticos o electrónicos. Enfoque El anillo de enfoque es un control que permite enfocar las lentes del objetivo para percibir nítidamente el motivo de la fotografía. Las cámaras compactas suelen carecer de este control bien por tratarse de objetivos enfocados a infinito (de modo que prácticamente cualquier objeto a partir de una cierta distancia se verá nítido), bien por disponer de un sistema automático de autofoco. En las cámaras que disponen de la posibilidad de enfoque manual este control está situado en el objetivo (no en el cuerpo de la cámara) y presentará normalmente una escala en metros. Ajustando suavemente este control se puede comprobar cómo la imagen percibida en el visor se enfocará o desenfocará. Algunos objetivos presentan algún mecanismo de ayuda al enfoque, siendo el más habitual la lente partida de Fresnel, consistente en un pequeño círculo que se puede ver a través del visor en el que, cuando la imagen no esté perfectamente enfocada, se percibirá la imagen invertida dentro del círculo y cuando el objeto que se visualiza dentro del círculo esté enfocado ya se verá perfectamente alineada con el resto de la imagen del visor. Este mecanismo facilita enormemente el enfoque ya que permite apuntar hacia el motivo que se desea que se vea nítido y, jugando suavemente con el anillo de enfoque, llevarlo hasta la posición en que las lentes se alinean y la imagen se ve completa (no invertida en el círculo central). En los objetivos que permiten tanto enfoque manual (MF) como automático (AF) es importante no intentar forzar manualmente el anillo de enfoque cuando esté en posición automático (AF) ya que se puede dañar el mecanismo del objetivo. Es por esto que cuando se guarden estos objetivos se deben poner en la posición de enfoque manual (MF) para evitar posibles equivocaciones. Ajustar el enfoque al motivo a fotografiar es una técnica básica que todo buen fotógrafo aplica para dirigir la atención del espectador. Selector de modo de operación La mayor parte de las cámaras digitales y algunas cámaras tradicionales disponen de una ruleta en la que se selecciona el modo de operación de la cámara. Cada cámara puede tener un conjunto de modos distintos, si bien seguramente estarán algunos de los siguientes: •Modo reproducción: para visualizar, revisar y/o borrar las fotografías tomadas (sólo en cámaras digitales). •Modo automático (auto): todos los parámetros serán elegidos automáticamente por la cámara •Modo programado (P): la cámara escoge los parámetros de apertura y tiempo de exposición; el fotógrafo puede escoger los demás parámetros que permita la cámara (pe. el balance de blancos, el modo de flash, la sensibilidad ISO,...) •Modo prioridad de apertura (Av): el fotógrafo escoge un parámetro para la apertura y la cámara selecciona el valor de tiempo de exposición más apropiado para exponer correctamente la fotografía según la medición del exposímetro incorporado en la cámara. •Modo prioridad de exposición (Tv): el fotógrafo escoge un parámetro para el tiempo de exposición y la cámara selecciona el valor de apertura más apropiado para exponer correctamente la fotografía según la medición del exposímetro incorporado en la cámara. •Modo manual (M): el fotógrafo escoge todos los parámetros manualmente. •Otros modos preconfigurados: modos preconfigurados en la cámara para fotografía de paisajes, retratos, fotos panorámicas, vídeo, etc. Diafragmas Este control permite escoger la apertura del diafragma del objetivo y, en consecuencia, regular el máximo paso de luz hacia el obturador y la película fotográfica o el sensor de imagen. Con ello lo que se consigue principalmente es, aparte de facilitar la consecución de algunos efectos fotográficos, dejar pasar más o menos luz hacia el interior de la cámara para equilibrar la exposición de las fotografías. Nótese que también se puede regular el paso de luz con la ruleta de velocidades (véase a continuación) y que es equivalente (a efectos de equilibrar la exposición de la foto) introducir luz abriendo el diafragma o dando más tiempo de exposición con la ruleta de velocidades. En términos prácticos se distinguen: •Diafragmas abiertos: aquellos por debajo de f4 (véase número f o apertura), el disco del diafragma está más abierto y deja pasar más luz hacia el interior. Además, se consigue una menor profundidad de campo y nitidez (al dejar dispersar más la luz) ayudando notablemente para hacer enfoque selectivo. •Diafragmas cerrados: aquellos por encima de f4, el disco del diafragma está más cerrado y deja pasar menos luz. Además, así se consigue mayor profundidad de campo y nitidez en la fotografía resultante. Velocidades Este control permite escoger al fotógrafo la velocidad del obturador o lo que es lo mismo, el tiempo de exposición del elemento fotosensible (película fotográfica o sensor de imagen). Con ello lo que se consigue principalmente es, aparte de facilitar la consecución de algunos efectos fotográficos, dejar pasar más o menos luz hacia el interior de la cámara para equilibrar la exposición de las fotografías. Como ya se comentó en el punto anterior, también se puede conseguir este mismo efecto con el anillo de diafragmas. En términos prácticos se distinguen: •Velocidades rápidas: superiores a 1/60 segundos; el obturador permanece abierto muy poco tiempo dejando pasar menos luz hacia el elemento fotosensible. Con ellas se consigue congelar el movimiento y resaltar el dinamismo de los objetos en movimiento. •Velocidad lentas: inferiores a 1/60 segundos; el obturador permanece abierto más tiempo dejando pasar más luz. Con ellas se consiguen imágenes movidas, desplazadas, otorgando mayor sensación de desplazamiento. Sensibilidades Este control permite al fotógrafo ajustar en la cámara la sensibilidad de la película fotográfica montada en la cámara (caso de cámara tradicional) o el sensor de imagen (caso de cámara digital). La sensibilidad en este contexto indica la intensidad de luz necesaria para que el elemento fotosensible perciba la imagen. •En las cámaras tradicionales este factor depende directamente de la emulsión de la película fotográfica. Algunas cámaras disponen de un mecanismo automático de contactos metálicos situados en el tambor donde se carga el carrete fotográfico para leer el código DX que viene impreso también con contactos metálicos sobre la mayor parte de los carretes modernos de un modo semejante al de un código de barras. En estas cámaras ya no es necesario indicar la sensibilidad de la película pues ya la cámara la detecta automáticamente al cargar el carrete. •En las cámaras digitales este factor puede configurarse para que el sensor de imagen sea más o menos sensible. Existen varias escalas de sensibilidad fotográfica, siendo la más habitual la escala ASA. En general, con menores sensibilidades se consigue una mayor nitidez de imagen, si bien es necesario que entre mayor cantidad de luz en el objetivo; por otro lado, con sensibilidades altas se facilita al fotógrafo la posibilidad de realizar fotografías con menos luz, si bien la nitidez de la imagen se verá probablemente perjudicada en cierto grado. Balance de blancos La luz blanca pura no es habitual en nuestro entorno: la luz del sol tiene un cierto tono dorado y la luz de una bombilla de filamento de tungsteno suele tener un tono más amarillo. Al fotografiar objetos con una luz que no es blanca pura éstos adquieren un cierto tono del color de la luz que incide sobre ellos (esto se llama dominante). Muchas veces el fotógrafo se aprovecha precisamente de estas dominantes para conferir ciertos efectos a las fotografías pero en otras ocasiones es preferible corregir este desequilibrio de color; esto es lo que se conoce como balance de blancos. El balance de blancos consiste en indicarle a la cámara el tipo de luz dominante que hay para que la corrija. Para hacer esto hay distintos métodos: •En muchas cámaras digitales es posible apuntar con la cámara a un objeto blanco para que ésta entienda que eso es lo que queremos que se considere blanco y que a partir de ese valor se hagan las correcciones oportunas. •La mayoría de las cámaras digitales disponen, en todo caso, de una serie de valores prefijados para distintos tipos de luz habituales con distintas temperaturas de color. •Finalmente, es posible colocar un filtro fotográfico corrector de temperatura de color para corregir la dominante por ese color. Anillo de zoom Las cámaras que dispongan de objetivos de distancia focal variable (objetivo zoom) deberán disponer de algún mecanismo (electrónico o manual) para que el fotógrafo pueda ajustar la distancia focal entre el rango de valores admitidos por dicho objetivo. Al actuar sobre este control se consigue: •Abrir o cerrar el encuadre. •Ampliar o reducir el ángulo de visión. •Alejar o acercar los objetos encuadrados. Accesorios más habituales Trípode Un trípode es un aparato de tres partes que permite la estabilización de un cámara en su parte superior. Se usa para poder evitar el movimiento propio de la mano al tomar una foto. Filtros y adaptador de filtros Los filtros fotográficos son filtros ópticos que se acopla en la parte frontal del objetivo por medio de una rosca o de un adaptador para producir distintos efectos sobre la luz que entra en el objetivo. Flash externo Es aquel que no viene adherido a la cámara, sino que se adhiere Protector para objetivo El protector para objetivo es una pequeña lente ubicada en el cristal diagfragmal Correa La correa de sujección de la cámara, aunque no parezca tener importancia en el conjunto de accesorios de una cámara por su sencillez o su precio, es un elemento importante para todo fotógrafo ya que constituye en última instancia el cinturón de seguridad de la cámara. La correa debe llevarse en todo momento puesta en la cámara y sujeta de algún modo al cuerpo o al brazo del fotógrafo; de este modo se evita que por cualquier tropiezo la cámara caiga directamente al suelo al resbalarse de la mano. Además, otra razón para enrollarse la correa al brazo cuando se toma una fotografía es que así no habrá cordón suelto que pueda situarse delante del objetivo y estropear la foto. Parasol (para-luz difusa) Éste es un accesorio plástico con forma de paraguas o de pétalos de flor que se coloca en el extremo del objetivo para eliminar la luz parásita o dispersa que resta contraste a las imágenes. Cada objetivo, dependiendo de su distancia focal, deberá tener un parasol específico ya que éste no deja de ser un elemento que está por delante del objetivo y si el ángulo de visión del objetivo es suficientemente grande puede llegar a abarcar el parasol con lo que se produce en la fotografía un efecto de viñeteo. Existen también unos parasoles de goma retráctiles que se pueden utilizar en varios objetivos ya que, en caso de llegar a producirse el viñeteo, se pueden retraer sobre sí mismos. Además, como ventaja adicional, estos parasoles de goma ayudan a proteger el objetivo frente a posibles caídas o golpes. Equipo limpia-objetivos Las lentes ópticas de objetivos y visor, así como el espejo abatible de las cámaras réflex son elementos muy sensibles a las huellas, vibraciones, presiones, etc. por lo cual debe evitarse a toda costa el contacto con ellos. No obstante, en el caso de ser imprescindible su limpieza existen algunos pinceles, peras de aire, gamuzas y líquidos de limpieza específicamente diseñados para estos elementos. La limpieza debe limitarse a soplar con una pera de aire para eliminar partículas sobre estas superficies y pasar luego un pincel de pelo de camello suavemente. En el caso de las lentes de los objetivos se podrá también pasar con una bayeta o un papel especial impregnado en un líquido limpia-objetivos para eliminar las huellas dactilares y otras manchas de grasa. En este caso, la limpieza debe hacerse infringiendo muy poca presión y desde el centro hacia afuera de la lente (no circularmente). En todo caso, como ya se indicó antes, los objetivos deben estar protegidos en todo momento con tapas plásticas cuando no se usan y con filtros protectores en todo momento. Fundas o bolsas de transporte Equipamiento barato pero imprescindible para conservar y proteger apropiadamente los elementos ópticos y la propia cámara fotográfica. Es importante que sea acolchada para amortiguar posibles golpes y con correas que permitan llevarla al hombro. El peso y el volumen también son importantes y dependerán del equipo que el fotógrafo necesite transportar en cada momento. El cuidado de ésta es fundamental para que la calidad de las fotos continue. Adaptadores para microscopios y telescopios La combinación de microscopios/telescopios con cámaras fotográficas a nadie se le escapa que puede ser atractiva de cara a conseguir ampliaciones o distancias fuera del alcance de cualquier objetivo fotográfico (véase astrofotografía). Para ello existen adaptadores en el mercado que permiten acoplar el objetivo de la cámara a telescopios y microscopios. Para hacerlo son necesarios normalmente: •Un anillo T, que es un pequeño accesorio plástico muy simple que tiene de un lado una rosca como la lente de la cámara, y del otro lado una rosca estándar, lo que permite enroscarlo como si fuera un teleobjetivo a la cámara. •El adaptador para cámara fotográfica en sí, que es un tubo que nos permite unir la cámara de fotos al telescopio/microscopio. Con este tipo de elementos acoplados a la cámara es importante ajustar correctamente la apertura del diafragma y la distancia focal (zoom) para evitar que aparezca en la foto ese desagradable efecto de viñeteo dado al abarcar también parte del accesorio en la foto. Disparadores de cable y disparadores a distancia Un disparador de cable es un pequeño artefacto que se puede acoplar al cuerpo de algunas cámaras y que permite extender con un cable el botón del disparador de la cámara, de modo que éste se pueda accionar por parte del fotógrafo a una cierta distancia de la cámara. Normalmente el propósito de este tipo de dispositivos no es alejar al fotógrafo mucho de la cámara, sino simplemente que pueda estar observando la escena fotografiada desde fuera del visor. Por otro lado, los disparadores a distancia son ya dispositivos de función análoga pero más sofisticados que permiten normalmente disparar con un mando a distancia sin cables. Intervalómetros Un intervalómetro es un dispositivo (normalmente electrónico) que, conectado a una cámara compatible, permite realizar ráfagas de disparos a intervalos de tiempo configurables. Esto es útil sobre todo en fotografía a animales salvajes en su entorno Esto a sido todo por hoy amigos, en el proximo post voy a hablar sobre: "sensor digital de una camara" Muchas gracias por haber pasado! no olvides dejar tu comentario! otros post! http://www.taringa.net/posts/imagenes/16744374/Mi-experiencia-en-la-intel-isef-2013.html

LINK DE LA PRIMERA PARTE: http://www.taringa.net/posts/info/16773793/Todo-sobre-camaras-reflex-o-dslr-parte-1-de-35.html bueno gente! aca vamos con la segunda parte. En esta edición les voy a hablar del "sensor digital de una cámara" El sensor de imagen es el elemento de una cámara fotográfica digital que capta la luz que compone la fotografía. Se trata de un chip formado por millones de componentes sensibles a la luz que al ser expuestos forman la imagen fotográfica. En la fotografía digital el sensor electrónico es el equivalente del carrete fotográfico convencional. El sensor es una matriz de elementos fotosensibles que funciona convirtiendo la luz que capta en señales eléctricas que pueden recogerse, medirse y convertirse en una representación electrónica del patrón global de iluminación que llegó al sensor. Finalmente, el fichero informático que almacena ese patrón puede ser representado en una pantalla (o en papel fotográfico realizando ciertos procesos) de modo que nuestros ojos lo perciban como una imagen. Cada uno de los elementos fotosensibles del sensor se denomina pixel (picture element). El número de píxeles del sensor se suele medir en millones de píxeles (o megapíxeles, Mpx). De forma general se puede decir que mayores números indican la posibilidad de imprimir (o visualizar) fotos a tamaños más grandes con pérdidas de calidad menores. Una resolución de 2Mpx se suele considerar la mínima para la impresión de fotografías a tamaño 10x15cm. Una resolución de 3Mpx permite imprimir normalmente fotografías a tamaño 20x25cm. Otro factor importante con respecto al sensor es el tamaño y forma del mismo. Un sensor grande que contenga un número relativamente pequeño de píxeles debería tener una gran área por píxel; y viceversa: un sensor pequeño con el mismo número de píxeles tendrá una reducida área por píxel. Los píxeles mayores tienden a generar una mejor calidad de imagen y una mayor sensibilidad. La forma del sensor suele ser rectangular y la proporción entre alto y ancho del sensor también es importante ya que las fotografías finalmente obtenidas con la cámara suelen ser con formato 4/3 y si el sensor no es 4/3 está claro que las imágenes captadas han de ser procesadas digital-mente para generar una imagen con esas proporciones con el riesgo que ello conlleva de introducir imperfecciones. De lo anteriormente citado se puede deducir que el mejor sensor es grande, con una proporción de 4/3 y con un gran número de píxeles. En la práctica esto no es siempre cierto ya que esto afecta sensiblemente al tamaño global de la cámara y a su precio. En cuanto a la tecnología de los sensores, las más extendidas actualmente son: Sensor CCD, es el más extendido tanto en fotografía como en video. Sensor SuperCCD, es el más extendido tanto en fotografía como en video. Sensor CMOS, que va ganando peso gracias a su menor consumo de energía y su menor coste de fabricación. Foveon X3 a diferencia de los anteriores no realiza interpolación de los colores para la obtención de la imagen. Además, junto a los cuatro tipos de sensores mencionados, algunas marcas han optado por aportar nuevas aproximaciones Éste es el caso de Sony y su CCD RGBE. La modificación, en este caso, se produce en el filtro Bayer colocado delante del sensor. En lugar de apostar por la clásica combinación de filtros rojos, verdes y azules -con predominancia de los verdes por ser el ojo humano más sensible a este color-, los ingenieros de la compañía han ajustado más este parámetro y han llegado a la conclusión de que nuestra vista percibe un tipo concreto de verde: el esmeralda. Así, este filtro Bayer modificado contiene una mitad de píxeles verdes filtrados específicamente para el verde esmeralda. Otra variación sería el chip sensor de Kodak que substituye los patrones básicos rojo, verde y azul por cian, magenta y amarillo. En efecto, mientras otros sensores toman una imagen 'positiva' éstos graban negativos digitales utilizando colores secundarios en lugar de primarios (aunque luego los datos son convertidos a RGB para mantener la compatibilidad con el resto del mercado). La ventaja de usar estas componentes secundarias es que esos colores contienen mayores factores de transmisión que los colores primarios complementarios lo cual redunda en una mayor sensibilidad en ciertas circunstancias (no en todas). Sensor CCD. Un CCD (del inglés Charge-Coupled Device, "dispositivo de cargas (eléctricas) interconectadas" es un circuito integrado que contiene un número determinado de condensadores enlazados o acoplados. Bajo el control de un circuito interno, cada condensador puede transferir su carga eléctrica a uno o a varios de los condensadores que estén a su lado en el circuito impreso. La alternativa digital a los CCD son los dispositivos CMOS (Complementary Metal Oxide Semiconductor) utilizados en algunas cámaras digitales y en numerosas Webcam. En la actualidad los CCD son mucho más populares en aplicaciones profesionales y en cámaras digitales. Los primeros dispositivos CCD fueron inventados por Willard Boyle y George Smith en 1969 en los Laboratorios Bell. Popularmente el término CCD es familiar como uno de los elementos principales de las cámaras fotográficas y de vídeos digitales. En éstas, el CCD es el sensor con diminutas células fotoeléctricas que registran la imagen. Desde allí la imagen es procesada por la cámara y registrada en la tarjeta de memoria. La capacidad de resolución o detalle de la imagen depende del número de células fotoeléctricas del CCD. Este número se expresa en píxeles. A mayor número de píxeles, mayor resolución. Actualmente las cámaras fotográficas digitales incorporan CCDs con capacidades de hasta ciento sesenta millones de pixeles (160 megapixeles)en cámaras Seitz. Los pixeles del CCD registran tres colores diferentes: verde, azul y rojo (abreviado "RGB", del inglés Red, Green, Blue), por lo cual tres píxeles, uno para cada color, forman un conjunto de células fotoeléctricas capaz de captar cualquier color en la imagen. Para conseguir esta separación de colores la mayoría de cámaras CCD utilizan una máscara de Bayer que proporciona una trama para cada conjunto de cuatro píxeles de forma que un pixel registra luz roja, otro luz azul y dos píxeles se reservan para la luz verde (el ojo humano es más sensible a la luz verde que a los colores rojo o azul). El resultado final incluye información sobre la luminosidad en cada pixel pero con una resolución en color menor que la resolución de iluminación. Se puede conseguir una mejor separación de colores utilizando dispositivos con tres CCD acoplados y un dispositivo de separación de luz como un prisma dicroico que separa la luz incidente en sus componentes rojo, verde y azul. Estos sistemas son mucho más caros que los basados en máscaras de color sobre un único CCD. Algunas cámaras profesionales de alta gama utilizan un filtro de color rotante para registrar imágenes de alta resolución de color y luminosidad pero son productos caros y tan solo pueden fotografiar objetos estáticos. Los detectores CCD, al igual que las células fotovoltaicas se basan en el efecto fotoeléctrico, la conversión espontánea en algunos materiales de luz recibida en corriente eléctrica. La sensibilidad del detector CCD depende de la eficiencia cuántica del chip, la cantidad de fotones que deben incidir sobre cada detector para producir una corriente eléctrica. El número de electrones producido es proporcional a la cantidad de luz recibida (a diferencia de la fotografía convencional sobre negativo foto químico). Al final de la exposición los electrones producidos son transferidas de cada detector individual (fotosite) por una variación cíclica de un potencial eléctrico aplicada sobre bandas de semiconductores horizontales y aisladas entre sí por una capa de SiO2. De este modo el CCD se lee línea a línea aunque existen numerosos diseños diferentes de detectores. En todos los CCD el ruido electrónico aumenta fuertemente con la temperatura y suele doblarse cada 6 u 8 ºC. En aplicaciones astronómicas de la fotografía CCD es necesario refrigerar los detectores para poder utilizarlos durante largos tiempos de exposición... CCDs en Astronomía Históricamente la fotografía CCD tuvo un gran empuje en el campo de la astronomía donde sustituyó a la fotografía convencional a partir de los años 80. La sensibilidad de un CCD típico puede alcanzar hasta un 70% comparada con la sensibilidad típica de películas fotográficas en torno al 2%. Por esta razón y por la facilidad con la que la imagen puede corregirse informática mente de defectos la fotografía digital sustituyó rápidamente a la fotografía convencional en casi todos los campos de la astronomía. Una desventaja importante de las cámaras CCD frente a la película convencional es la reducida área de los CCD, lo que impide tomar fotografías de gran campo comparable a algunas tomadas con película clásica. Los observatorios astronómicos profesionales suelen utilizar cámaras, de 16 bits, que trabajan en blanco y negro. Las imágenes en color se obtienen tras el procesamiento informático de imágenes del mismo campo tomadas con diferentes filtros en varias longitudes de onda. Las imágenes obtenidas por una cámara CCD son sometidas a un proceso de corrección que consiste en restar de la imagen obtenida la señal producida espontáneamente por el chip por excitación térmica (campo oscuro) y dividir por una imagen de un campo homogéneo (campo plano o flat field) que permite corregir las diferencias de sensibilidad en diferentes regiones del CCD y corregir parcialmente defectos ópticos en la cámara o las lentes del instrumento utilizado. El primer artículo astronómico sobre el uso de la CCD fue el titulado "Astronomical imaging applications for CCDs", de B. A. Smith, publicado en JPL Conf. on Charge-Coupled Device Technol. and Appls Esto fue todo amigos!! en la próxima edición les voy a hablar acerca de: " Sensores APS Y FX" otro de mis post: http://www.taringa.net/posts/imagenes/16744374/Mi-experiencia-en-la-intel-isef-2013.html

primeras partes: http://www.taringa.net/posts/info/16773793/Querias-aprender-de-camaras-y-fotografia-este-es-tu-post-1.html http://www.taringa.net/posts/info/16773861/Querias-aprender-de-camaras-y-fotografia-este-es-tu-post-2.html http://www.taringa.net/posts/info/16775225/Querias-aprender-de-camaras-y-fotografia-este-es-tu-post-3.html http://www.taringa.net/posts/info/16779227/Querias-aprender-de-camaras-y-fotografia-este-es-tu-post-4.html bueno gente! como ya vimos mucho de camaras lentes, y toda esa basura, ahora quiero meterme mas en lo que es la parte artistica, y lo que es una foto en si asi que sin mas preambulo vamos con el post balance de blancos Temperatura de color Cuando se dice que determinada luz tiene una temperatura de tantos ºK, lo que se está diciendo en realidad es "cual es la longitud de onda predominante". La temperatura del color es una característica que nos dice qué tipo de luz nos va a dar una luminaria.Se refiere a grados de color, no de temperatura térmica. Por ejemplo: 2.500ºK: Amarillo (serían 2220ºC) 3.200ºK: Anaranjado 5.000ºK: Blanco 6.500ºK: Blanco azulado 10.000ºK: Azulado Temperatura de color La Temperatura de color de una fuente de luz se define comparando su color dentro del espectro luminoso con el de la luz que emitiría un Cuerpo Negro calentado a una temperatura determinada. Por este motivo esta temperatura de color generalmente se expresa en kelvin, a pesar de no reflejar expresamente una medida de temperatura. Representación aproximada de la temperatura según ciertos colores Generalmente no es perceptible a simple vista, sino mediante la comparación directa entre dos luces como podría ser la observación de una hoja de papel normal bajo una luz de tungsteno (lámpara incandescente) y a otra bajo la de un tubo fluorescente (luz de día) simultáneamente. • 1700 K: Luz de una cerilla • 1850 K: Luz de vela • 2800 K: Luz incandescente o de tungsteno (iluminación doméstica convencional) • 3200 K: tungsteno (iluminación profesional) • 5500 K: Luz de día, flash electrónico (aproximado) • 5770 K: Temperatura de color de la luz del sol pura • 6420 K: Lámpara de Xenón • 9300 K: Pantalla de televisión convencional (CRT) • 28000 - 30000 K: Relámpago[1] Aplicaciones La temperatura de color se usa en muchas ramas de la industria y la técnica, concretamente en fotografía, cine, teatro y vídeo donde su efecto produce colores dominantes que pueden afectar a la calidad de la imagen. Igualmente es utilizada en astronomía y, concretamente, analizando el espectro de una estrella, se puede relacionar su clasificación y, además para determinar el desplazamiento con respecto a la Tierra; así, si la estrella se ve en tono rojizo, se trataría, bien de una estrella fría, bien de una estrella que se aleja de nosotros o que se acerca si se trata de tonos azulados (ver Corrimiento al rojo). Video, y cámaras digitales La mayoría de las cámaras digitales pueden ajustar la temperatura de color al hacer un zoom sobre un objeto de color blanco y activando la función "white balance" (balance de blancos), indicándole a la cámara que dicho objeto es blanco; entonces la cámara toma el verdadero blanco como blanco y ajusta todos los otros colores a partir de este. El "balance de blancos" es necesario especialmente en locales interiores bajo luz fluorescente y cuando se mueve la cámara de una situación específica de luz hacia otra. Muchas cámaras cuentan con una función de balance automático de blancos que procura determinar el color de la luz y corregirlo acorde al cálculo. Si bien este proceso solía ser poco fiable, ha mejorado sustancialmente con las cámaras digitales actuales, que permiten generar el correcto balance de blancos en diferentes situaciones de iluminación. El balance de blancos puede también ser corregido en post-producción de una manera similar a como se hace con las cámaras, sin embargo en algunos casos puede perderse la calidad de la imagen. otro campo donde se usa la temperatura del color es en el acuarismo, tanto marino como de agua dulce. En los marinos es importante para el crecimiento de corales y en agua dulce para las plantas, esto solo por mencionar dos casos. y también se usa con fines netamentes esteticos. La formación de la visión humana del color En la visión humana, los conos captan la luz en la retina del ojo. Hay tres tipos de conos (denominados en inglés S, M, y L), cada uno de ellos capta solamente las longitudes de onda señaladas en el gráfico. Transformadas en el cerebro se corresponden aproximadamente con el azul, verde y rojo. Los bastones captan las longitudes de onda señaladas en la curva R. La visión es un sentido que consiste en la habilidad de detectar la luz y de interpretarla. La visión es propia de los animales teniendo éstos un sistema dedicado a ella llamado sistema visual. La primera parte del sistema visual se encarga de formar la imagen óptica del estímulo visual en la retina (sistema óptico), donde sus células son las responsables de procesar la información. Las primeras en intervenir son los fotorreceptores, los cuales capturan la luz que incide sobre ellos. Los hay de dos tipos: los conos y los bastones. Otras células de la retina se encargan de transformar dicha luz en impulsos electroquímicos y en transportarlos hasta el nervio óptico. Desde allí, se proyectan al cerebro. En el cerebro se realiza el proceso de formar los colores y reconstruir las distancias, movimientos y formas de los objetos observados. Las células sensoriales de la retina reaccionan de forma distinta a la luz y a su longitud de onda. Los bastones se activan en la oscuridad, y sólo permiten distinguir el negro, el blanco y los distintos grises. Los conos sólo se activan cuando los niveles de iluminación son suficientemente elevados. Los conos captan radiaciones electromagnéticas, rayos de luz, que más tarde darán lugar a impresiones ópticas. Los conos son acumuladores de cuantos de luz, que transforman esta información en impulsos eléctricos del órgano de la vista. Hay tres clases de conos, cada uno de ellos posee un fotopigmento que sólo detecta unas longitudes de onda concretas, aproximadamente las longitudes de onda que transformadas en el cerebro se corresponden a los colores azul, rojo y verde. Los tres grupos de conos mezclados permiten formar el espectro completo de luz visible. La percepción del color, a nivel cerebral, se procesa por dos tipos de neuronas presentes en el área de la corteza visual específica para el color. Estas neuronas recogen la información emitida por los conos y la vuelven a codificar en dos dimensiones de pares antagónicos: ROJO -VERDE y AZUL - AMARILLO. O dicho de otra manera, estas células se excitan o inhiben ante la mayor intensidad de la señal del ROJO frente al VERDE y del AZUL frente a la SUMA DE ROJO y VERDE. Se denomina visión fotópica a la que tiene lugar con buenas condiciones de iluminación. Esta visión posibilita la correcta interpretación del color por el cerebro. Muchos mamíferos de origen africano, como el ser humano, comparten estas características genéticas descritas: por eso se dice que tenemos percepción tricrómica. Sin embargo, los mamíferos de origen sudamericano únicamente tienen dos genes para la percepción del color. Existen pruebas que confirman que la aparición de este tercer gen fue debida a una mutación que duplicó uno de los dos originales. En el reino animal los mamíferos no suelen diferenciar bien los colores, las aves en cambio, sí; aunque suelen tener preferencia por los colores rojizos. Los insectos, por el contrario, suelen tener una mejor percepción de los azules e incluso ultravioletas. Por regla general los animales nocturnos ven en blanco y negro. El ABC del derecho del fotógrafo sobre su obra De todas las formas de propiedad que existen, la propiedad autoral sobre una obra es la más indiscutible. Sobre ella se edifica el acceso al conocimiento y a la creación de la cultura. La ley al proteger la obra artística estimula la creatividad, y en las fotografías también la conservación de los patrimonios culturales. La fotografía es objeto de protección por parte del derecho de autor. La ley protege la fotografía como obra, exigiendo como único requisito que la misma sea original. Todas las fotografías originales son protegibles independientemente de su valor artístico o documental. La originalidad no depende del motivo elegido para la obra, ya que la particularidad va a estar dada por la impronta del fotógrafo. En principio podría considerarse que toda fotografía tiene elementos originales y que, en consecuencia es protegible; salvo en los casos en que la persona que toma la fotografía no ejerce influencia alguna sobre la composición y los demás elementos importantes de la imagen. ¿Quién es el propietario autoral de una fotografía? La propiedad de una fotografía pertenece a su autor, el fotógrafo. El fotógrafo como creador tiene sobre su obra el derecho moral de ser reconocido como tal (derecho a la paternidad), a que se la mantenga como la creó (derecho a la integridad) y el derecho patrimonial de apropiarse de los beneficios económicos que ella produzca. ¿Cuál es el alcance de los derechos del fotógrafo? El fotógrafo tiene un derecho exclusivo sobre su obra, es el único que puede autorizar cada utilización de la misma. El puede impedir que terceros usufructúen los beneficios económicos que la misma genere. Como titular originario de la obra puede disponer libremente de la misma. Puede publicarla, reproducirla, distribuirla, exhibirla, impedir su publicación, en fin, autorizar las demás posibilidades de uso, onerosa o gratuitamente. Todas estas prerrogativas son independientes entre sí, la transmisión de una de ellas solo puede depender de una manifestación expresa y concreta de la voluntad del autor. Deberá tenerse en cuenta que la ley establece que las obras fotográficas no firmadas, publicadas por un diario o revista u otras publicaciones periódicas, si hubiesen sido obtenidas por éste o por una agencia de informaciones con carácter de exclusividad se considera que la titularidad de uso de la publicación les pertenece. Obra hecha por encargo Si se tratase de una obra hecha por encargo, en la cual se le han dado al fotógrafo tan sólo ciertas precisiones o lineamientos, el mismo conserva sobre su fotografía los derechos morales de la misma. Los derechos a explotar económicamente su obra dependerán de los térmínos del acuerdo celebrado previamente con quien la encargó. En el caso de una fotografía efectuada en el marco de una relación laboral; el titular de los derechos patrimoniales sobre la misma es el empleador. En consecuencia, Éste podrá utilizarla o autorizar su uso a terceros. No obstante, el fotógrafo conserva el derecho a ser reconocido como autor de la fotografía y a que la misma sea utilizada tal como la creó, sin modificaciones que la afecten de acuerdo a su criterio y conforme a los fines que le fue requerida. ¿Cuándo se autoriza el uso de una foto? Cuando un fotógrafo autoriza el uso de su foto, en principio permite ejercer los derechos patrimoniales, pero debe interpretarse que la misma no podrá ser, a su vez, negociada por el autorizado a terceras personas; salvo que expresamente se haya establecido lo contrario. El Derecho de Autor tiene como principio la interpretación restrictiva de los contratos de uso de las obras intelectuales y, como consecuencia de ello, lo que no esté expresamente establecido en las condiciones otorgadas en ese uso no puede presumirse en contra del autor. Los contratos deben ser interpretados restrictivamente en cuanto al alcance de los derechos autorizados en los mismos. El permiso para utilizar una obra queda limitada a lo que expresamente se fijara para la misma. Por ejemplo, si se ha autorizado el uso de una foto a un periódico, se presume que solo éste medio podrá utilizarla y no concederla a otro, sin el visto bueno del fotógrafo. Fotografía vs. Fotografiado Tratándose de una fotografía sobre una persona deben tenerse en cuenta dos derechos diferentes: el derecho del fotógrafo sobre su obra y el derecho del fotografiado sobre su propia imagen. El derecho de una persona sobre su imagen implica que para retratarla, hacer público su retrato y ponerlo en el comercio, es necesario contar con su consentimiento. No obstante, aún habiendo dado su consentimiento, el fotografiado puede cambiar de idea y revocarlo en cualquier momento. En tal caso deberá responder por los daños que pudiera haber ocasionado. Este derecho a la intimidad tiene sus excepciones: si la persona ha sido fotografiada y la publicación del retrato se efectúa con fines culturales o con motivo de acontecimientos de interés público o que se hubiesen desarrollado en público. Plazo de protección La duración de la protección del derecho del fotógrafo sobre su obra es menor a la protección acordada a las otras obras protegidas por el derecho de autor. El plazo es de veinte años contados a partir de la primera publicación. ¿Cómo puede hacer valer sus derechos el fotógrafo? El titular de una obra fotográfica, en el caso de infracción a sus derechos puede recurrir a la justicia civil y penal. En caso de incumplimiento de un contrato o acuerdo previsto, el fotógrafo tendrá derecho a exigir el cumplimiento del mismo o a ser resarcido patrimonialmente por los daños y perjuicios que se le hubieran ocasionado. También podrá reclamar daños y perjuicios en el caso de utilización de una foto sin su autorización. Podrá asimismo, solicitar medidas cautelares, como por ejemplo impedir o suspender la publicación, secuestrar material en infracción, etc.. Si bien el autor de una fotografía goza de protección penal sobre la misma, este derecho se ve condicionado, ya que la acción penal prevista en caso de reproducción ilícita no procede si la fecha, lugar de publicación, nombre o identificación del autor no se encuentran inscriptos sobre la fotografía. ¿Qué debe hacer el fotógrafo para proteger su obra? En contradicción con el principio que sostiene que el derecho de autor sobre su obra nace con la creación, para gozar de la protección que la ley otorga deberá registrar la misma en la Dirección Nacional de Derecho de Autor, pues en la Argentina persiste esa formalidad que se tiende a eliminar en los demás paises. La Dirección Nacional de Derecho de Autor es un organismo estatal que depende del Ministerio de Justicia y cuya sede se encuentra en la calle Talcahuano N° 618, Ciudad de Buenos Aires. El registro tiene como principal función administrar el sistema de publicidad establecido en la Ley 11.723. Allí se deberán realizar los depósitos de las obras inéditas en un sobre cerrado y lacrado, previo pago de la tasa correspondiente. Dicho depósito deberá ser renovado cada tres años. En un sobre pueden ser guardadas varias fotos bajo un mismo título. Si la obra ya ha sido publicada deberá inscribirse en la Cámara del Libro ubicada en Av.. Belgrano N° 1580, Piso 4°. El plazo para efectuar el depósito es de noventa días a partir de la primera publicación. Si se omite dicho registro sus derechos quedan "suspendidos". Se produce la paradoja de que si bien el autor es titular del derecho, no lo puede ejercer. Si otra persona hubiese utilizado la obra en infracción mientras el derecho se hallaba suspendido, nada podrá hacer el titular para hacerlos valer durante ese período. El registro es requisito necesario e indispensable para gozar de la protección legal, excepto que la fotografía hubiese tenido su primera publicación en un país que no la exija. Sí la obra se encuentra comprendida en una publicación registrada, como por ejemplo un diario o una revista, la misma se encuentra protegida. No obstante, la obligación de efectuar el registro pesa en cabeza del autor, y si la editorial no lo hubiese efectuado, el fotógrafo no queda eximido de hacerlo. Algunas consideraciones sobre lo expuesto Muchas veces la presión de los medios y la necesidad de conservar la fuente de trabajo hacen que resulte problemático para un profesional actuando individualmente defender el valor que su obra posee. Por otra parte, el control del uso indebido de la obra también resulta de difícil implementación, haciéndose necesario la intervención de entidades encargadas de la gestión de sus derechos, creadas por los propios fotógrafos, formando desde ellas vínculos internacionales con las demás asociaciones. La mejor manera de proteger un derecho es tomar conciencia del mismo, así como de sus alcances y se su implicancia. La tarea que los fotógrafos desarrollan, no siempre reconocida, resulta de gran importancia para la cultura y la información, mucho más aún en una época donde se privilegia la imagen. Reglas De Composición Cuando se va a tomar una fotografía, el fotógrafo tiene la opción de elegir entre varios ángulos, distancias, formas de encuadre, enfoque, exposición, entre otros. A esto le llamamos composición, a la selección de cada uno de los aspectos técnicos que conforman y dan un significado artístico a una fotografía. Las reglas de composición, son un conjunto de herramientas que le permiten al fotógrafo expresar sentimientos y emociones a través de una imagen, ya que cada parámetro técnico escogido durante la captura de la fotografía, produce distintas sensaciones, como puede ser armonía, alegría, tristeza y otras. Esta es la razón principal, por la cual es importante memorizar y aplicar en el momento preciso las distintas reglas de composición existentes. Algunos conceptos técnicos, que son usados para realizar la composición y pueden ser trabajados directamente por el fotógrafo son los siguientes: - Encuadre. - Tiempo de exposición. - Enfoque. - Perspectiva. - Profundidad de campo. Reglas De Composición En este artículo trataremos algunas reglas de composición de forma resumida, que debes tener siempre presentes. Estas reglas, te serán herramientas muy útiles cuando realices tus fotografías. 1. Ley de los tercios La regla o ley de los tercios, es una de las más comunes y usadas por los fotógrafos hoy en día. Básicamente, lo que se hace con esta regla es trazar dos líneas horizontales, y dos verticales en el encuadre. De esta forma, se forma una cuadrícula con cuatro puntos de intersección. Según la ley de los tercios, el ojo humano tiende a desviar un poco la mirada del centro de la imagen, llegando así a los mencionados puntos de intersección, los cuales son más llamativos e interesantes para la vista. Por lo tanto, ubicar el punto de interés en el centro de la imagen es un error de composición. A este error se le conoce como Ojo de buey, y el resultado que se obtiene es el de una imagen que transmite poco interés y dinamismo al observador. El enmarcado (o framming en inglés), es una técnica de composición fotográfica, en la que el punto de interés se encierra con marcos naturales o artificiales presentes en la escena. Es común el uso de arboles, ramas, marcos de construcciones, e incluso personas y animales para realizar este tipo de fotos. Cualquier objeto es permitido en esta técnica. Los beneficios de aplicar esta técnica son los siguientes: 1. Se percibe mejor el contexto en el que está localizado el fotógrafo. Provee más información sobre el sitio en el que está ubicado. 2. A diferencia de una imagen corriente, en esta se da mayor sensación de profundidad ya que se puede establecer una diferencia entre objetos cercanos y lejanos lo cual hace más llamativa la imagen. 3. Este tipo de fotografías atraen más la atención hacia el centro de interés. 4. Generalmente, las diferencias de tonos entre el marco y el resto de la imagen crean un contraste llamativo. 5. Dado que es un tipo de fotografía poco común, se hace más atractiva e interesante. Para obtener un buen enfoque, se puede hacer uso del concepto de distancia hiperfocal, usando un angular y enfocando al marco, para que tanto este como el escenario queden enfocados. 3. Las lineas Las líneas son un elemento de composición muy importante, y uno de los más efectivos para guiar la vista del observador a lo largo de la fotografía. Todas las líneas sirven para guiar la vista del espectador, sin embargo, las líneas convergentes son las más eficaces para ubicar la mirada en un punto específico, como se observa en la imagen anterior, en la cual, las líneas convergen en el punto más distante de la carretera. 6. La iluminación. La iluminación es un factor determinante a la hora de tomar la fotografía. Existen dos tipos de iluminación: La luz natural y la luz artificial. La luz natural es aquella que se encuentra en el medio ambiente y sus dos fuentes principales son el sol y la luna. La luz natural cambia de dirección, intensidad y colores a lo largo del día. Es diferente cuando el sol está en su máximo, que al amanecer o el atardecer. Sin embargo, la calidad de la luz es mejor al atardecer, ya que se mejora el contraste, y las luces no son tan intensas, permitiendo así, capturar todo el rango dinámico de la escena en la cámara. Por el contrario, a horas en las que el sol se encuentra en su máximo resplandor, aparecerán zonas negras o quemadas, ya que el rango dinámico de la cámara se queda corto para cubrir todo el rango dinámico de la escena. A diferencia de la luz natural, con la luz artificial se pueden controlar todas las propiedades mencionadas anteriormente. Este tipo de iluminación es proporcionada por bombillas o flash. 7. Las figuras geométricas. Las figuras geométricas juegan un papel importante en la imagen. Son llamativas y agradables al ojo humano y están presentes en la naturaleza. Para crear una figura geométrica como un circulo, un triangulo, u otras, basta con cambiar un poco el encuadre o rotar algunos grados la cámara. Los resultados al conseguir figuras geométricas, serán fotografías más interesantes para el observador, que una simple foto plana. 8. El color Los colores son los transmisores de emociones de una fotografía. En muchos casos, los colores producen un impacto emocional sobre el observador, incluso, antes de que este haya interpretado el contenido de la imagen. Estos se pueden clasificar en cálidos (tendencia al rojo), fríos (tendencia al azul) y ausencia de color. Los colores cálidos darán sensaciones de actividad, amor, vida, emoción, fuerza y alegría. Están asociados con emociones fuertes. Por otro lado, los colores fríos transmiten sensaciones más pacificas, como serenidad, paz, tranquilidad y quietud. Están asociados con la reflexión y emociones profundas. Por último, la ausencia de color, expresa nostalgia, melancolía, tristeza y otros sentimientos similares. Se usa el blanco y negro especialmente para transmitir este tipo de sensaciones, y es una herramienta muy útil para lograrlo. También es comúnmente usada para mostrar personas ejerciendo un trabajo o actividad. 9. La ley del horizonte. La ley del horizonte es un caso específico de la ley de los tercios. En esta se recomienda que el horizonte este situado sobre una de las dos líneas horizontales que dividen la imagen. 10. La simplicidad. Esta ley de composición propone aislar el punto de interés del resto de los objetos de la escena. Es una de las formas más efectivas de guiar toda la atención del observador hacia lo que se quiere mostrar. Esto se debe a que aplicando esta técnica se eliminan objetos distractores que desvían la mirada hacia otras partes. Para lograr este efecto, es suficiente con encontrar un fondo que tenga los mismos tonos y colores en toda la zona del encuadre, y lograr desenfocar el fondo con el manejo del diafragma y la longitud focal del objetivo. 11. Diagonales. Las diagonales son consideradas un elemento de composición, con el cual, se logra crear imágenes más llamativas que con líneas rectas. Las líneas rectas dan una impresión de quietud, y no aportan buena perspectiva. Por otro lado, las diagonales mejoran la perspectiva, además, aportan dinamismo y sensación de vida a la escena. La regla f/16 La regla 16 soleado o f/16, es una famosa combinación de valores diafragma-obturador, con la cual, se pueden lograr fotografías bien expuestas sin tener información de un exposímetro. Para este caso se dice que en un día soleado, el diafragma debe estar ajustado a f/16 y el obturador a 1/125 con un valor de iso 100. Dado que existe una relación lineal entre todos los parámetros de exposición, a partir de la combinación inicial podemos deducir la siguiente tabla: Aunque la regla 16 soleado es bastante útil, se debe tener en cuenta que una velocidad de 1/125 no es lo suficientemente alta para que un objeto en movimiento aparezca nítido, por lo tanto, es recomendable usar el diafragma en f/8 a Iso 200, con el cual, se podrán capturar fotografías de mayor nitidez. Este valor de diafragma es recomendable sobre todo cuando se utilizan longitudes focales superiores a 100mm. Como regla general, se usa la siguiente tabla, en la cual, la velocidad de obturación e iso se asumen constantes a 1/125 y 100 respectivamente. Ley De La Mirada Y El Movimiento Cuando le estamos tomando una fotografía a alguien o algo, es importante tener en cuenta la dirección hacia la que este apunta o se desplaza. Por esto, existen dos leyes muy similares llamadas : La ley de la mirada y la ley del movimiento. La ley de la mirada, nos dice que debemos dar mayor espacio libre hacia la dirección a la que nuestro punto de interés está mirando. Por otro lado, la ley del movimiento nos dice que debemos dar mayor espacio hacia la dirección a la que un objeto se desplaza. De no aplicarse estas reglas, la imagen tomada transmitirá la sensación de que el punto de interés se encuentra acorralado y con poca libertad. Las 13 Reglas de Composición Fotográfica 1. Identifica el centro de interés Cada fotografía tiene (o debería tener) un centro de interés. ¿De qué es la foto? ¿Es una fotografía de tu novia? ¿Es una fotografía de las pirámides de Egipto? Debería ser obvio para cualquiera que mire una fotografía saber de qué es la foto. Es lo que se denomina el centro de interés. Aunque se denomine centro, el centro de interés no tiene que ser necesariamente el objeto que esté en el centro de la foto ni ser el objeto que ocupa la mayor parte de la imagen. Es la primera regla de una buena composición, ya que es la más importante. Simplemente decide antes de disparar el motivo sobre el que quieres tomar la fotografía. Todo lo que hay que hacer a partir de ahí es enfocar el elemento sobre el que queremos centrar el interés. 2. Rellena el encuadre (Fill the frame) Esta regla puede parecer bastante obvia, pero lo cierto es que muchas veces fallamos al aplicarla. Si queremos contar algo en una foto, ocupemos la mayor parte con ese "algo", asegurándonos que se convierte de este modo en el centro de atención. Además, de este modo eliminamos posibles elementos que resten atención. Es un fallo demasiado común el querer sacar demasiadas cosas en una única foto. Al final, lo que conseguimos es que no quede demasiado claro qué es lo que queríamos enseñar. Ante la duda de si algo debe salir o no en la foto, quitalo. 3. Apóyate en las líneas Las líneas son un elemento de importancia vital en las artes visuales. Las líneas nos aportan formas y contornos. Con las líneas dirigimos la mirada del espectador de una parte de la foto a otra. Cuando vayas avanzando en el mundo de la fotografía podrás comprobar cómo las líneas son uno de los elementos más eficaces a la hora de dirigir la mirada de quien contempla nuestras fotos hacia donde queremos que mire. Las líneas horizontales, verticales y diagonales son elementos compositivos que aportan significado a las imágenes. Un tipo especial de líneas son las líneas convergentes. Son las líneas paralelas que, por el efecto de la distancia, acaban convergiendo en un mismo punto. 4. Trabaja el flujo Después de las líneas, podemos tratar el flujo. El flujo es el modo en el que la mirada del espectador se desplaza de una parte de la fotografía a otra. Una manera de definir el flujo de una fotografía es mediante el uso de líneas. Pueden ser horizontales, verticales, diagonales, convergentes o divergentes. A veces el flujo creado por las líneas es nítido y claro, como los laterales de un edificio que convergen hacia el cielo), o pueden ser menos obvias. Sin embargo, la mirada del espectador debería ser capaz de recorrer los elementos de una parte a otra de la imagen. El flujo crea la ilusión de movimiento (o ausencia de movimiento si se desea). Las líneas diagonales se consideran generalmente más "dinámicas", mientras que las líneas horizontales y verticales se consideran más "estáticas". Un equilibrio cuidadoso de elementos estáticos y dinámicos dará un sentido global de movimiento a tus fotografías. 5. Juega con la dirección La dirección es similar al flujo. También crea la ilusión de movimiento. Si hay algo en la fotografía que parezca estar en movimiento, tiene una dirección en la que se mueve. Un ejemplo de esto son las luces de peatones de un semáforo. Cuando está en rojo para los peatones, la figura representa un peatón inmóvil, con las piernas juntas y los brazos bajados. Visualmente, no tiene ninguna apariencia de estar en movimiento. Sin embargo, la figura del peatón en verde que permite cruzar tiene una dirección en la cual se está moviendo. La dirección en fotografía se puede cerar de muchas maneras. Una figura a punto de cruzar una calle puede transmitir movimiento aunque la veamos estática y no se muevan sus brazos y sus pies, porque podemos imaginarla un segundo después cruzando la calle. Del mismo modo, un coche que aparece cortado en el lado izquierdo de una fotografía en la que solo se ve su parte delantera, podemos imaginarlo un segundo después al lado derecho de la foto. 6. Los elementos repetidos La repetición de algún elemento (unos globos, unos pájaros), dan un sentido de relación de distintas partes de una imagen. Por ejemplo, una bandada de pájaros pueden estar moviéndose en grupo por el aire, definiendo formas interesantes en el cielo y añadiendo información sobre la dirección de la fotografía. En algunas ocasiones puede aportar factores psicológicos, como el sentido de la unión y el compañerismo. 7. Los colores siempre dicen algo Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos. Los rojos, naranjas y amarillos forman parte de la gama de colores cálidos. Los azules, verdes y violetas forman parte de la banda de colores fríos. Existen muchos elementos psicológicos ligados a los colores. Por poner un ejemplo, los azules se consideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más temperamentales. Existe mucha literatura al respecto de la psicología del color, por lo simplemente resumiremos que el color tiene una importancia determinante en la composición. En materia de colores hay que prestar atención también al contraste. El contraste se define como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de nuestra foto. 8. El interés de los grupos de tres Parece existir una percepción especial de los números impares en fotografía, y en especial de los grupos de tres elementos. Un único elemento puede transmitir soledad o aislamiento, con dos elementos una foto puede quedar demasiado bien equilibrada y estática, y cuatro elementos pueden resultar demasiados para distribuir. Por algún motivo que no se explicar, a las personas nos gusta el número 3. En fotografía suele funcionar la agrupación de tres elementos como centro de interés. 9. La regla de los tercios (SI, otra vez) ¿En qué consiste exactamente la Regla de los Tercios? La regla de los tercios consiste en dividir la imagen en tres tercios imaginarios horizontales y verticales. Los cuatro puntos de intersección de estas líneas fijan los puntos adecuados para situar el punto o puntos de interés de la foto, alejando éste del centro de la fotografía. Cada uno de estos cuatro puntos de intersección se denominan puntos fuertes. Cuando estemos haciendo una foto, si solo existe un único punto de interés, es preferible situarlo en uno de los cuatro puntos de intersección mencionados en lugar de hacerlo directamente en el centro de la foto. Esto suele generar mayor atracción en el espectador que cuando el centro de interés esta en el mismo centro de la fotografía. ¿Y si tengo varios centros de interés? En caso de que en la foto hubiera dos centros de interés, es recomendable buscar dos de estos puntos, y siempre que sea posible opuestos, formando una diagonal en la foto. ¿Cuándo aplico la Regla de los Tercios? Lo normal es aplicarlo al hacer la foto. No te preocupes si al principio no identificas bien a través del visor o la pantalla de tu cámara dónde se encuentran esos puntos imaginarios. Es normal que al principio te cueste un poco, pero con el tiempo irás cogiendo práctica. Algunas cámaras réflex traen unas guías en el propio visor que ayudan a tomar referencias. 10. El espacio negativo Se considera espacio negativo los grandes espacios vacíos, normalmente en blanco o negro, dentro de una fotografía, normalmente a un lado. El alejamiento del elemento central de la imagen, rellenando el resto de la foto de un espacio vacío nos permite transmitir una información adicional de soledad, aislamiento o calma a la imagen. Aunque no es un recurso que vayamos a utilizar habitualmente, no está de más conocerlo. Está enfrentada a la regla de composición consistente en rellenar el encuadre comentada más arriba en este mismo artículo. 11. Trabajando las tres dimensiones: frente y fondo El contenido del frente y del fondo de una foto es importante. Tanto en el fondo como en el frente tienen aplicación otros elementos compositivos como los colores o las líneas. Lo importante en el frente y en el fondo es que no haya demasiados detalles que puedan distraer la vista del espectador del centro de interés. La mejor herramienta con la que contamos para marcar la diferencia entre el frente y el fondo de nuestras fotos es la profundidad de campo. Gracias a la apertura del diafragma que utilicemos a la hora de hacer fotografías, conseguiremos mayor o menor nitidez en el fondo. 12. El enmarcado natural Existen elementos que pueden ayudar a poner un marco al centro de interés de la foto. Algunos de estos elementos son muy claros, tapando completamente parte de la foto, como puertas, ventanas o puentes. Otros actúan de una forma menos clara, simplemente orientando nuestra vista. Es el caso de las señales de tráfico o las ramas de los árboles, ... Cualquier elemento que "encierre" el centro de interés nos permitirá enmarcar la foto, dirigiendo la atención hacia el elemento deseado. 13. Las curvas en S Las curvas en "S" son un elemento muy recurrente en fotografía. Está relacionado con la sensualidad. También transmiten moviento y ayudan a conducir la mirada. En la vida cotidiana encontramos muchos recursos que nos permiten aplicar curvas en "S" en nuestras fotografías. Una carretera, un camino, el curso de un río, ... Son elementos visuales muy potentes que dan interés a la fotografía. Estética Concepto de estética La estética es la ciencia que estudia e investiga el origen sistemático del sentimiento puro y su manifestación, que es el arte, según asienta Kant en su "Crítica del juicio". Se puede decir que es la ciencia cuyo objeto primordial es la reflexión sobre los problemas del arte . Si la Estética es la reflexión filosófica sobre el arte, uno de sus problemas será el valor que se contiene en su forma de manifestación cultural, y aunque un variado número de ciencias puedan ocuparse de la obra de arte, sólo la Estética analiza filosóficamente los valores que en ella están contenidos Vertientes de la estética publicitaria La primera teoría estética de algún alcance fue la formulada por Platón, quien consideraba que la realidad se compone de formas que están más allá de los límites de la sensación humana y que son los modelos de todas las cosas que existen para la experiencia humana. Los objetos que los seres humanos pueden experimentar son ejemplos o imitaciones de esas formas. La labor del filósofo, por tanto, consiste en comprender desde el objeto experimentado o percibido, la realidad que imita, mientras que el artista copia el objeto experimentado, o lo utiliza como modelo para su obra. Así, la obra del artista es una imitación de lo que es en sí mismo una imitación. En su diálogo El Banquete indicaba la diferencia entre contemplar la apariencia de belleza y alcanzar la propia idea de lo bello. El pensamiento platónico tenía una marcada tendencia ascética. Aristóteles también habló del arte como imitación, pero no en el sentido platónico. Uno podía imitar las “cosas como deben ser”, escribió, y añadió que “el arte complementa hasta cierto punto lo que la naturaleza no puede llevar a un fin”. El artista separa la forma de la materia de algunos objetos de la experiencia, como el cuerpo humano o un árbol, e impone la forma sobre otra materia, como un lienzo o el mármol. Para Aristóteles y Platón, la estética era inseparable de la moral y de la política. El primero, al tratar sobre la música en su Política, mantenía que el arte afecta al carácter humano y, por lo tanto, al orden social. Dado que Aristóteles sostenía que la felicidad es el destino de la vida, creía que la principal función del arte es proporcionar satisfacción a los hombres. El gran impulso dado al pensamiento estético en el mundo moderno se produjo en Alemania durante el siglo XVIII. En su Laocoonte o los límites entre la pintura y la poesía (1766), el crítico Gotthold Ephraim Lessing sostuvo que el arte está autolimitado y logra su elevación sólo cuando estas limitaciones son reconocidas. Durante los siglos XVIII y XIX la estética permaneció dominada por el concepto del arte como imitación de la naturaleza. Novelistas como los británicos Jane Austen y Charles Dickens, y dramaturgos como el italiano Carlo Goldoni y el francés Alexandre Dumas, presentaban relatos realistas sobre la vida de la clase media. Los pintores neoclásicos (como Jean Auguste Dominique Ingres), románticos (como Eugène Delacroix) o realistas (como Gustave Courbet) representaban sus temas extremando el cuidado en el detalle natural. En la estética tradicional se asumía también con frecuencia que las obras de arte son tan útiles como bellas. Los cuadros podían conmemorar eventos históricos o estimular la moral. La música podía inspirar piedad o patriotismo. El teatro, por la influencia de Dumas y el noruego Henrik Johan Ibsen, podía servir para criticar a la sociedad y, de ese modo, ser útil para reformarla. En el siglo XIX, no obstante, conceptos vanguardistas aplicados sobre la estética empezaron a cuestionar los enfoques tradicionales. El cambio fue muy evidente en la pintura. Los impresionistas franceses, como Claude Oscar Monet, eran denunciados por los pintores academicistas por representar lo que ellos pensaban deberían ver, bastante más de lo que realmente veían, como eran las superficies de muchos colores y formas oscilantes causadas por el juego distorsionante de luces y sombras cuando el Sol se mueve. A finales del siglo XIX, los postimpresionistas como Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh estuvieron más interesados en la estructura pictórica y en expresar su propia psique que en representar objetos del mundo de la naturaleza. A principios del siglo XX, este interés estructural fue desarrollado por los pintores cubistas como Pablo Ruiz Picasso, mientras que la inquietud expresionista se reflejaba en la obra de Henri Matisse y otros fauvistas, así como en expresionistas alemanes de la categoría de Ernst Ludwig Kirchner. Los aspectos literarios del expresionismo pueden verse reflejados en las obras del sueco August Strindberg y del alemán Frank Wedekind. En estrecha relación con estos enfoques, hasta cierto punto no figurativos del mundo plástico, cobró relevancia el principio del “arte por el arte”, derivado de las tesis de Kant según las cuales el arte tenía su propia razón de ser. La frase fue por acuñada en 1818 por el filósofo francés Victor Cousin; a su doctrina se adhirieron el crítico británico Walter Horatio Pater y el pintor estadounidense James Abbott McNeill Whistler. En Francia resumió el credo de los poetas simbolistas como Charles Baudelaire. A partir de entonces, el principio del arte por el arte pasó a ser esencial en la mayor parte de las vanguardias Cuatro filósofos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX aportaron con sus respectivos pensamientos las principales influencias estéticas contemporáneas. En Francia, Henri Bergson definió la ciencia como el uso de la inteligencia para crear un sistema de símbolos que describa la realidad aunque en el mundo real la falsifique. El arte, sin embargo, se basa en intuiciones, lo que es una aprehensión directa de la realidad no interferida por el pensamiento. Así, el arte se abre camino mediante los símbolos y creencias convencionales acerca del hombre, la vida y la sociedad y enfrenta al individuo con la realidad misma. En Italia, el filósofo e historiador Benedetto Croce también exaltó la intuición, pues consideraba que era la conciencia inmediata de un objeto que de algún modo representa la forma de ese objeto, es decir, la aprehensión de cosas en lugar de lo que uno refleje de ellas. Las obras de arte son la expresión, en forma material, de tales intuiciones; belleza y fealdad, no obstante, no son rasgos de las obras de arte sino cualidades del espíritu expresadas por vía intuitiva en esa misma obra de arte. El filósofo de origen español Jorge Ruiz de Santayana razonó que cuando uno obtiene placer en una cosa, el placer puede considerarse como una cualidad de la cosa en sí misma, más que como una respuesta subjetiva de ella. No se puede caracterizar ningún acto humano como bueno en sí mismo, ni denominarlo bueno tan sólo porque se apruebe socialmente, ni puede decirse que algún objeto es bello, porque su color o su forma lleven a llamarlo bello. En su ensayo El sentido de la belleza (1896) propuso novedosos argumentos para una consideración fundamentada del fenómeno estético. El pedagogo y filósofo estadounidense John Dewey consideraba la experiencia humana como inconexa, fragmentaria, llena de principios sin conclusiones, o como experiencias manipuladas con claridad como medios destinados a cumplir fines concretos. Aquellas experiencias excepcionales, que fluyen desde sus orígenes hasta su consumación, son estéticas. La experiencia estética es placer por su propio interés, es completa e independiente y es final, no se limita a ser instrumental o a cumplir un propósito concreto. Recursos estéticos poco usables A la percepción humana le parecen estéticamente agradables las armonías y simetrías en las formas, los colores suaves, los bordes con transiciones suaves, los degradados, etc. Sin embargo en muchos casos estos recursos gráficos dificultan la usabilidad de los sitios Web. Por otro lado los recursos exactamente contrarios (colores chillones, fuertes contrastes, etc.) aunque también pueden ser estéticamente agradables, son excesivamente llamativos y tras su utilización masiva en publicidad generan la llamada "ceguera a los banners" o insensibilización a este tipo de recursos. Publicidad Pequeñas píldoras de hígado de Carter La dificultad de los médicos para acceder a las áreas rurales de Estados Unidos a finales del siglo XIX facilitó el éxito de las compañías que patentaban medicinas. Estas compañías insertaban anuncios de sus productos en periódicos y revistas, donde afirmaban que estaban "garantizados para curar sus enfermedades". Otro medio de anunciarse eran las tarjetas comerciales (hoy llamadas tarjetas publicitarias), que se imprimían a cientos y se repartían en diferentes lugares públicos. La tarjeta comercial que se observa en la imagen anunciaba las pequeñas píldoras de hígado de Carter, que en teoría curaban la "jaqueca", el trastorno biliar, el estreñimiento y el mal aspecto. No existe unanimidad científica a la hora de definir el proceso histórico de la publicidad. Mientras que para un sector de la doctrina pueden rastrearse los antecedentes de la publicidad en la vida urbana de Grecia y Roma, para otros autores ésta no tiene historia.; es contemporánea de la actual sociedad de consumo. Evidentemente, solo en esta sociedad de hoy se dan las circunstancias económicas y sociales que posibilitan la eclosión de la publicidad; mas la actividad publicitaria, considerada como información, ha recorrido un camino paralelo a los acontecimientos económicos de la Humanidad; por eso, aun admitiendo su más correcta inserción dentro del ámbito de la Historia de la economía, no puede negársele un valor peculiar desde el punto de vista de la publicidad, pese a que se manifieste de un modo primario o elemental. Partimos, pues, del dato de que el desarrollo e historia de la publicidad nace y crece junto con el desarrollo e historia del comercio. Innecesario parece advertir que no todos los modos de expresión de la publicidad aparecieron simultáneamente. La forma más elemental de la publicidad está representada en el pregonero, quien de viva voz proclama las excelencias de productos o servicios. Junto a esta actividad oral surge la exposición, como expresión del interés de los mercaderes para dar a conocer al público las características físicas de la gama diversa y multicolor de las mercaderías que transportaban; de este modo, los interesados podían comprobar y palpar los objetos por los que se sentían atraídos. Mas tarde, el establecimiento del comerciante en un lugar fijo le lleva a descubrirle la necesidad de que su comercio sea plenamente identificable, e inconfundiblepara su posible clientela; para remediarla, cuelga sobre la puerta de su tienda la enseña o muestra que, a modo de faro o guía, alerta a los compradores avisándoles de los apetecibles productos que en aquel lugar están en venta. Estos cauces publicitarios coexisten durante siglos, acompañados de la forma primitiva del cartel, que al aparecer la imprenta conseguiría multiplicar su difusión, y que alcanzaría su mayoría de edad con el advenimiento de la litología en 1795. Un paso adelante da el periódico, todavía hoy uno de los primeros vehículos de publicidad. En 1631, Téophraste Reanaudot publica en París LA GAZETTE, a la que considera "excelente soporte de publicidad". El 26 de Mayo de 1657 sale en Inglaterra el PUBLIC ADVISER, al que sigue, en 1702, el DAILY COURANT, y más tarde, en 1730, el DAILY ADVERTISER, que habría de subsistir hasta comienzos del siglo XIX; todos planeados como vehículo de la publicidad. En 1810, se publicaban en EE.UU. 350 periódicos que insertaban anuncios en sus páginas. En 1836, Emile De Girardin funda en París LA PRESSE y empieza a admitir anuncios en sentido moderno; ha descubierto que la necesidad es realmente la fuente de ingresos necesaria para el abaratamiento de y pervivencia de la prensa. En la Exposición de Londres de 1851 aparecen masivamente y por primera vez las marcas comerciales; en 1864, el norteamericano Walter Thompson funda la primera agencia de publicidad. El salto final hacia las formas actuales de manifestación de publicidad se produce en el siglo XX: prensa, radio, cine y televisión, por este orden, son los medios informativos que acogen los mensajes de la publicidad, y los difunden de manera masiva, constante y clamoros . " La publicidad es una técnica mediante la cual se intenta comunicar un mensaje a un conjunto determinado de personas con el fin de persuadirlas en una dirección: La del comunicador " José Lorenzo González. Función de Persuasión La persuasión ha sido una de las funciones más importantes y que la publicidad ha desarrollado más ampliamente, ya que el producto tal como es, seguramente, no posee suficientes atractivos y nos recuerda la vida cotidiana. Decir que cada mañana al ir al trabajo, vaya con el coche que vaya, uno va a encontrar atascos, probablemente no sería un buen argumento publicitario. Sin embargo, si una marca de coche propone que con él uno irá seguro y vivirá la aventura, este argumento hace olvidar la realidad y va directamente a deseos más profundos y sutiles, la necesidad de seguridad y las ganas de aventura. Para persuadir, la publicidad utiliza procedimientos como órdenes, amenazas, sugestión, asociaciones en serie, reflejos condicionados, apelación a la imagen de uno mismo, etc. Función Económica Esta función está destinada a que la publicidad sea rentable para quien la promueva, es decir, tiene que hacer vender el producto o imponer la idea al mayor número de personas posibles. La principal resistencia para cumplir está función es el individuo mismo, ya que la publicidad se dirige a personas o clases sociales que pueden comprar los productos, es decir, que en general, tienen sus necesidades fisiológicas básicas cubiertas y, por tanto, sus deseos se dirigen hacia nuevos objetivos. Es, pues, la función de crear nuevas necesidades. Por este motivo, la sugestión prevalece sobre la argumentación. Función de Seguridad y de Rol La publicidad nos presenta la posibilidad de llevar vidas diferentes, una vida de fantasía, una posibilidad de evadirse de la rutina o de vivir mejor. Esta situación se propone como maravillosa, pero el cambio de vida también significa riesgo para el espectador, por lo que este cambio es del todo necesario que se presente acompañado de seguridad. ¿ Cómo tendremos seguridad de lo que se nos propone, nos interesa o nos hará felices?. Pues siguiendo al pie de la letra la receta que se nos propone (que nos son otras que la adquisición del producto que se nos presenta). El universo creado por la publicidad es un universo seguro pero estático, donde es muy importante que cada uno esté en su sitio y cumpla su función. Otro aspecto importante de esta función es la seguridad que se presenta al individuo en su role social. Si uno pertenece a una clase determinada o tiene tal o cual profesión, ha de vestir de tal manera o ha de utilizar tal producto comercial. De esta manera, queda afianzado su role en la colectividad a la que pertenece. Función Estética Es indudable que en la publicidad hay un importante papel creativo y que, debido a los presupuestos que mueve y a su necesidad de llegar al público, tiene un notable interés técnico y semiótica. La publicidad también crea una estética determinada, unos cánones: sus colores, composiciones, ritmos de montaje, etc., tanto a nivel ambiental como a nivel personal (necesidad de tener el cuerpo de tal manera, de esta prenda de vestir, de tales palabras o gestos, etc.). Esta estética ha tenido un papel importante en todo el siglo XX debido principalmente a dos motivos, la estética de la publicidad se ha desarrollado permanentemente a través de los medios de comunicación de masas, llega de una manera continua a todo el mundo y sus mensajes van destinados, de forma agresiva, a sentimientos profundos de las personas. Sociedad y persona se ven envueltos en una estética y en una manera de comunicar. Finalmente, hay que tener en cuenta que la publicidad ha llegado a un grado de normalidad y de saturación de información que el anunciarse en los espacios destinados a la publicidad no significa ningún impacto, y con la posibilidad del cambio de canal el espectador prefiere ver otras cosas que los espacios de publicidad. Esa situación está llevando a profundos cambios y a buscar nuevas fórmulas, tanto en el tratamiento de la publicidad misma (publicidad dentro de un programa, financiar un espectáculo deportivo, cultural, etc.), como en la estructura de los guiones de televisión, condicionados, muchas veces, a situar el momento más interesante en el instante previo al corte publicitario. En conclusión las vertientes de la estetica publicitaria son muy importantes ya que sin estas no serian llamativas y no tendrian una mayor atracción al ojo humano y no serian de mucha importancia como se pretende que sea; Estas vertientes no deben estar observadas solamente por el pensamiento del diseñador, si no por toda las personas que lo vean lo consuman o entre otras. fin

primeras partes http://www.taringa.net/posts/info/16773793/Todo-sobre-camaras-reflex-o-dslr-parte-1-de-35.html http://www.taringa.net/posts/info/16773861/Todo-sobre-camaras-reflex-o-dslr-parte-2-de-35.html http://www.taringa.net/posts/info/16775225/Querias-aprender-de-camaras-y-fotografia-este-es-tu-post-3.html ahora si sin mas preámbulo vamos con el post: Objetivo de una cámara. Se denomina objetivo al conjunto de lentes convergentes y divergentes que forman parte de la óptica de una cámara tanto fotográfica como de vídeo. Su función es recibir los haces de luz procedentes del objeto y modificar su dirección hasta crear la imagen óptica, réplica luminosa del objeto. Esta imagen se lanzará contra el soporte sensible: Sensor de imagen en el caso de una cámara digital, y película sensible en la fotografía química. El agujero de la cámara oscura fue considerado como el primer objetivo ya que permitía hacer pasar por él la luz proveniente de una escena exterior y proyectarla sobre las paredes interiores o sobre un lienzo (ver cámara estenopeica). Con el tiempo este agujero fue sustituido inicialmente por una lente esférica que concentraba una mayor cantidad de rayos en un mismo punto, y más adelante por un sistema de lentes que corregía las aberraciones ópticas. Luminosidad La luminosidad, apertura relativa o número f de un objetivo es el cociente entre la distancia focal de un objetivo y el máximo diámetro de su diafragma y nos da una indicación sobre la cantidad de luz que puede dejar pasar. La luminosidad de un objetivo está determinada pues por: La distancia entre el objetivo y la imagen proyectada, lo cual es función de la distancia focal (véase siguiente apartado). El diámetro del haz de luz que penetra por el objetivo, lo cual depende del diseño y construcción del propio objetivo. El valor máximo de este diámetro (con máxima apertura del diafragma) se lo denomina apertura efectiva. Distancia focal Indica la distancia en milímetros desde el centro óptico del objetivo al plano focal y define la potencia o poder de desviación de una lente u objetivo. La distancia focal de un objetivo está determinada por: Ángulo de incidencia de de la luz sobre la lente o, a efectos prácticos, curvatura de la lente (a mayor radio de curvatura menor distancia focal). Índice de refracción de la lente, el cual vendrá determinado por la composición química del vidrio de la misma. Longitud de onda de la luz incidente, esto es, color de la luz; si bien actualmente la mayor parte de los objetivos están compuestos por grupos de lentes convergentes y divergentes que compensan las posibles aberraciones cromáticas derivadas de este aspecto. Existen diferentes tipos de objetivos según la distancia focal de la lente utilizada: Objetivos gran angulares: Objetivo cuyo ángulo de visión es mayor al del objetivo normal (generalmente entre 60 y 180º). Se utilizarán para los planos generales donde nos sea necesario abarcar un gran ángulo de visión. Su característica principal es que proporcionan gran profundidad de campo. Suelen distorsionar la imagen haciendo curvas las líneas rectas. Objetivo normal: Con un ángulo de entre 40 y 65º se asemejan a la visión del ojo humano. Su utilidad se centra en la representación de escenas sin carga dramática. Su profundidad de campo es moderada. No suele presentarse distorsión de la imagen como en los angulares, conservándose la perspectiva original. Además, estos objetivos suelen tener una gran luminosidad. Teleobjetivos: El ángulo de visión es menor que el del objetivo normal (generalmente menor de 30º). Permiten acercar objetos situados a grandes distancias. Así consiguen aumentar el tamaño de las imágenes respecto al objeto real. Por el contrario su profundidad de campo es reducida y su punto de enfoque crítico. Objetivos zoom: Son objetivos de distancia focal variable. Destacan por su comodidad ya que evitan el cambio de objetivos de distancias focales fijas (angulares, normales y teleobjetivos). Como contrapartida, debido a su construcción, suelen ser menos luminosos que los objetivos equivalentes de focal fija. Objetivos macro: Permiten el enfoque a muy corta distancia. Se utiliza para objetos muy pequeños situados a poca distancia de la lente. Objetivo ojo de pez: Se trata de un angular extremadamente amplio, llegando hasta los 180º. Proporcionan una profundidad de campo extrema, y las imágenes se ven curvas como si estuvieran reflejadas en una esfera. Otros objetivos especiales Objetivos flou, que poseen un determinado nivel de aberración esférica que produce cierto grado de difusión o efecto de halo, en algunos el grado de difusión puede variarse a voluntad. Se usan para retratos, desnudos y para conseguir cierto ambiente romántico y de ensoñación. Este efecto también puede lograrse mediante filtros u otros trucos simples. Objetivos submarinos, que, además de ser estancos, están diseñados para refractar la luz de forma óptima debajo del agua. Objetivos medical, que son básicamente objetivos macro con un flash anular automático incorporado para evitar sombras. Suelen ser de una alta calidad y su uso principal, como su nombre indica, es la fotografía médica. Objetivos shift, en los que se puede desplazar el eje óptico, controlando así la perspectiva de la cámara. Se usan mucho en arquitectura, por ejemplo para corregir la fuga de lineas que se produce al hacer un contrapicado de un edificio. Objetivos UV, que poseen lentes de cuarzo o fluoruro de cuarzo para poder fotografiar en la región de luz ultravioleta. Objetivos anamórficos, usados habitualmente en el cine (por ejemplo en Cinemascope) para estrechar las imágenes sobre la película y comprimir así vistas panorámicas. Obviamente, luego se utilizan también objetivos de este tipo en el proyector para reconstruir las relaciones originales. Identificación de los objetivos Para facilitar el uso todos los objetivos poseen una serie de datos identificadores en su carcasa. Esta información sirve para decidir qué objetivo se va utilizar según el tipo de encuadre requerido o la cantidad de luz presente en la escena: Distancia focal: expresada en milímetros. En los objetivos zoom se expresa un rango de valores indicando la mínima y máxima distancia focal. Luminosidad: indica el mayor y menor valor de apertura del diafragma. Se expresa a través de los número f. En el caso de los objetivos zoom se expresan también dos valores distintos indicando la luminosidad para la mínima y máxima distancias focales. Diámetro de filtro: A través del símbolo (Ø) el fabricante indica el diámetro del filtro que se puede acoplar. Tratamiento superficial de las Lentes: indica el tratamiento óptico de la superficie de las lentes a través de las palabras "coated" o "multicoated". Corrección de aberraciones ópticas: Mediante las expresiones "aspheric" y "apochromatic" el fabricante hace saber si ha aplicado un especial grado de corrección a los objetivos. Número de serie de fabricación: Importante conocer este dato para caso de robo o pérdida. Calidad de los objetivos Existen múltiples parámetros con los que poder atribuir mayor o menor calidad a un objetivo; algunos pueden ser: Montura metálica, más resistente y duradera. Mayor peso, que aunque sin relación aparente suele indicar la utilización de materiales de mayor calidad en su construcción. Con mecanismos de corrección de ciertas aberraciones ópticas (por ejemplo, objetivos aspheric). Definición, es decir, la nitidez con la que pueden reproducir las imágenes. Contraste, es decir, que reflejen fielmente los contrastes de intensidad de luz del motivo retratado sin apagar los tonos. Fabricante, ya que algunos fabricantes son referencias clave en calidad. La distancia focal longitud focal de una lente es la distancia entre el centro óptico de la lente o plano nodal posterior y el foco (o punto focal) cuando enfocamos a infinito. La inversa de la distancia focal de una lente es la potencia. Para una lente positiva (convergente), la distancia focal es positiva. Se define como la distancia desde el eje central de la lente hasta donde un haz de luz de rayos paralelos colimado que atraviesa la lente se enfoca en un único punto. Para una lente negativa (divergente), la distancia focal es negativa. Se define como la distancia que hay desde el eje central de la lente a un punto imaginario del cual parece emerger el haz de luz colimado que pasa a través de la lente. Para un espejo con curvatura esférica, la distancia focal es igual a la mitad del radio de curvatura del espejo. La distancia focal es positiva para un espejo cóncavo, y negativa para un espejo convexo. Lentes Una lente es un medio u objeto que concentra o dispersa rayos de luz. Las lentes más comunes se basan en el distinto grado de refracción que experimentan los rayos de luz al incidir en puntos diferentes de la lente. Entre ellas están las utilizadas para corregir los problemas de visión en gafas, anteojos o lentillas. También se usan lentes, o combinaciones de lentes y espejos, en telescopios y microscopios. El primer telescopio astronómico fue construido por Galileo Galilei usando una lente convergente como objetivo y otra divergente como ocular. Existen también instrumentos capaces de hacer converger o divergir otros tipos de ondas electromagnéticas y a los que se les denomina también lentes. Por ejemplo, en los microscopios electrónicos las lentes son de carácter magnético. En astrofísica es posible observar fenómenos de lentes gravitatorias cuando la luz procedente de objetos muy lejanos pasa cerca de objetos masivos, curvándose en su trayectoria. Etimología La palabra lente proviene del latín "lentis" que significa "lentepene" con lo que a las lentes ópticas se las denomina así por similitud de forma con la legumbre. En el siglo XV empezaron a fabricarse pequeños discos de vidrio que podían montarse sobre un marco. Fueron las primeras gafas de libros Lentes artificiales Se suele denominar lentes artificiales a las construidas con materiales artificiales no homogéneos, de modo que su comportamiento exhibe índices de refracción menores que la unidad (Conviene recordar que la velocidad de fase sí puede ser mayor que la de la luz en el vacío), con lo que, por ejemplo, se tienen lentes biconvexas divergentes. Nuevamente este tipo de lentes es útil en microondas y sólo últimamente se han descrito materiales con esta propiedad a frecuencias ópticas. Foco Imagen parcialmente enfocada, pero mayormente fuera de foco en grados variables. En óptica geométrica un foco es el punto donde convergen los rayos de luz originados desde un punto en el objeto observado.1 Aunque el foco es conceptualmente un punto, físicamente el foco tiene una extensión espacial, llamada círculo borroso. Este enfoque no ideal puede ser causado por aberraciones ópticas en la imagen. En ausencia de aberraciones de importancia, el menor círculo borroso posible es el disco de Airy, el cual es causado por difracción de la apertura del sistema óptico. Las aberraciones tienden a hacerse peores en la medida en que aumenta el diámetro de la apertura, mientras que el disco de Airy es menor en aperturas grandes. Una imagen, o punto de imagen, se dice que está en foco si la luz de los puntos del objeto es convergida lo más posible en la imagen, y fuera de foco si la luz no es bien convergida. El límite entre esto es algunas veces definido usando un criterio denominado círculo de confusión. Si un haz de rayos estrecho que se propaga en la dirección del eje óptico incide sobre la superficie esférica de un espejo o una lente delgada, los rayos se reflejan o refractan de forma que se cortan, o parecen cortarse, en un punto situado sobre el eje óptico. La distancia entre ese punto (foco) y el espejo o lente se denomina distancia focal. Si las dos superficies de una lente no son iguales, ésta puede tener dos distancias focales, según cuál sea la superficie sobre la que incide la luz. Luz colimada Se denomina luz colimada a la luz cuyos rayos son paralelos entre sí, lo que se puede lograr de diferentes formas, siendo la más sencilla hacerla incidir en un espejo cóncavo desde una fuente situada en el foco. Se suele decir que la luz colimada está enfocada en el infinito. Se dice que un haz de luz está colimado si la divergencia del vector de Poynting correspondiente es nula. El flujo de la energía es unidireccional, de modo que cada rayo del haz puede considerarse paralelo a cualquier otro. Dentro de ciertas aproximaciones acerca de la fuente primordial puede obtenerse un haz colimado mediante un sistema de dos lentes: una primera lente hace converger todos los rayos en la focal de la segunda, de forma que finalmente salen paralelos. El láser suele estar colimado, debido a que se genera en el interior de una cámara entre dos espejos de este tipo, además de ser coherente. La luz de las estrellas, incluido el Sol, puede considerarse colimada (para casi cualquier propósito) debido a que están a distancias muy grandes. Un espejo parabólico perfecto llevará los rayos paralelos a un foco en un único punto. Los espejos esféricos son más sencillos de construir que los parabólicos y suelen utilizarse para producir luz más o menos colimada. Para producir luz colimada útil, la fuente de luz debe acercarse a un punto; es decir, debe ser pequeña con respecto al sistema óptico, como la imagen que forma un espejo de una estrella. La desventaja es que, puesto que la luminosidad de la mayoría de fuentes es baja, dicho sistema óptico no puede producir mucha energía óptica. El láser es una excepción importante a esta regla general. Factor de multiplicación de la distancia focal El factor de multiplicación de la distancia focal, es un concepto el cual se ha empezado a usar por la aparición de las cámaras fotográficasdigitales. Es el valor numérico por el cual ha de ser multiplicada la distancia focal de un objetivo, para determinar la distancia focal equivalente respecto a una cámara de formato 24 X 36 mm, a fin de saber que objetivo sería en ese formato que nos sirve de referencia. El campo visual o encuadre de la imagen lo tenemos asociado al formato de "paso universal" o de 35 mm del uso de las cámaras analógicas, las cuales registran una imagen de 24 X 36 mm, medida que se sigue manteniendo en las cámaras digitales llamadas de formato completo "FF" (Full Frame). En una cámara digital cuyo sensor de imagen es más pequeño que el tamaño "FF", se produce un efecto de recorte de la imagen, pues sólo se obtiene una parte central de la imagen proyectada por el objetivo, lo que tiene como consecuencia que con una misma distancia focal se obtiene un ángulo de visión menor. Factores de multiplicación en función del tamaño del sensor La diagonal del sensor, indica la distancia focal del objetivo normal para ese sensor, entonces una distancia focal menor será gran angular y una distancia focal mayor teleobjetivo. Resumen Cambios producidos en diferentes parámetros por cambio de formato Distancia focal Es un valor inherente a la construcción óptica por lo que invariable del formato que elijamos. Diafragma Se mantiene constante. Encuadre y ángulo de registro de la imagen El ángulo varía según el formato. Cuanto más pequeño sea, menor será el ángulo de registro y por consiguiente abarcará menos cantidad de espacio en la escena. Ejemplo: Una imagen tomada con un objetivo de 50mm en una cámara digital de formato APS-C, factor de multiplicación 1,6, tendrá el mismo encuadre que se obtendría con una cámara de formato completo de 24 X 36 mm y un objetivo de 80 mm. Profundidad de campo La profundidad de campo es el espacio por delante y por detrás del plano enfocado, comprendido entre el primer y el último punto apreciablemente nítido reproducidos en el mismo plano de enfoque. Depende de cuatro factores: el círculo de confusión (y por tanto el formato y el tamaño de la impresión, además de la distancia de observación y de la capacidad resolutiva de cada observador), la distancia focal, el número f y la distancia de enfoque. La profundidad de campo depende por tanto de la distancia focal. Se ha dicho anteriormente que la distancia focal no varía, por lo que la profundidad de campo tampoco, siempre y cuando de cada formato ampliemos una copia proporcional, y las veamos, tengan el tamaño que tengan, a la misma distancia. Si en vez de observarlas de esta forma, las obsevamos a la distancia proporcional al tamaño de la copia, resulta que tendría más profundidad de campo la copia del formato más grande ya que la observamos más lejos también, cosa contraria a lo que se cree. Pero resulta que como para mantener la misma angulación hay que utilizar ópticas con más distancia focal y resulta que ese parámetro es de mayor influencia en la profundidad de campo, al final tiene más el formato menor, pero por poco. Esta diferencia se incrementa cuando las observamos a la misma distancia, ya que de esta forma sólo influye la distancia focal. Si deseamos obtener la misma fotografía, con el mismo encuadre o ángulo y la misma profundidad de campo, en ambos tipos de cámara, habrá que multiplicar el diafragma por factor de multiplicación. Si en un objetivo de 50mm tomamos un diafragma f:2 con un factor de multiplicación 1,6, será equivalente a la imagen obtenida en una cámara analógica con un objetivo de 80mm y diafragma de f:3,2. Siempre y cuando ampliemos al mismo tamaño y las veamos a la misma distancia. Luminosidad No afecta. Un objetivo 50mm en una cámara con 1,6 de factor de multiplicación a f:1,8, sería como un objetivo de 80mm f:1,8 en una cámara FF. Estabilidad Para tomas a pulso, sin trípode, es generalmente usada la norma de velocidad mínima de exposición de (1/distancia focal) segundos para asegurar que la foto no salga movida. Esta norma sigue siendo válida multiplicándola por el factor de multiplicación Distancia focal La distancia focal o longitud focal de una lente es la distancia entre el centro óptico de la lente y el foco (o punto focal). La inversa de la distancia focal de una lente es la potencia. Para una lente positiva (convergente), la distancia focal es positiva. Se define como la distancia desde el eje central de la lente hasta donde un haz de luz colimado que atraviesa la lente se enfoca en un único punto. Para una lente negativa (divergente), la distancia focal es negativa. Se define como la distancia que hay desde el eje central de la lente a un punto imaginario del cual parece emerger el haz de luz colimado que pasa a través de la lente. Para un espejo con curvatura esférica, la distancia focal es igual a la mitad del radio de curvatura del espejo. La distancia focal es positiva para un espejo cóncavo, y negativa para un espejo convexo. Objetivos de Focal Fija y Objetivos Zoom Una vez entendido lo que es la distancia focal, lo siguiente es explicar que existen, en base a este concepto, dos tipos de objetivos: los objetivos de focal fija (una única distancia focal) y los objetivos de focal variable, más conocidos como objetivos zoom. Las focales se presentan en milímetros. Así, cuando veamos un objetivo identificado como 50mm, sabremos que tenemos delante un objetivo de focal fija de 50 milímetros. Los objetivos de focal variable se identifican con la menor y mayor distancia focal que cubren. Así, cuando nos encontremos con un objetivo identificado como 18-70, debemos saber que estamos ante una lente cuya menor distancia focal es 18 mm y su mayor distancia focal es 70 mm. Dicho esto, conviene explicar que, ante lo que la mayoría puedan pensar, los mejores objetivos son los de focal fija. Esto se justifica por la mayor calidad óptica y, por tanto, de imagen conseguida. Su explicación es que los cristales que se encuentran dentro de un objetivo de focal fija se encuentran también "fijos", mientras que un objetivo de tipo zoom basa su funcionamiento en el alargamiento y acortamiento del tubo que contiene los cristales del objetivo, modificando con ello la distancia entre estos cristales para las distintas focales cubiertas. Técnicamente es complejo mantener una óptima calidad de imagen en las distintas posiciones correspondientes con las distancias focales cubiertas por un objetivo tipo zoom, pero obviamente, para el usuario final es infinitamente más cómodo portar un único objetivo (zoom) que llevar encima varios objetivos de focal fija. Las aperturas El segundo indicador que identifica una lente es su apertura máxima. En el caso de los objetivos zoom, esta apertura máxima puede variar en función de la distancia focal que estemos aplicando. Así, podemos encontrarnos con un objetivo identificado con una apertura (número f) 2.8, donde 2.8 es la máxima apertura que permite el diafragma de la lente, o bien 2.8-4.5, donde la máxima apertura es 2.8 o 4.5, en función de la distancia focal utilizada. Lógicamente, los objetivos de focal fija tendrán también un valor fijo de apertura máxima del diafragma. Simplemente reseñar que un objetivo se considera mejor cuanto más luminoso sea (mayor sea la apertura máxima que permita), aunque la calidad del objetivo depende de otra serie de factores, por lo que no podemos decir que un objetivo es mejor que otro simplemente porque sea más luminoso. Otros conceptos Existen otros elementos que forman parte de las nomenclaturas de los objetivos y que conseguirán volvernos locos. Sobre todo porque cada fabricante utiliza sus propias siglas para referirse a sistemas parecidos a los de sus competidores. Por ello, muchas veces tendremos que acudir a información del propio fabricante para entender que es lo que nos está queriendo decir. Pero como referencia, algunas de las informaciones que podreis encontrar en un objetivo, además del nombre del fabricante y el número de serie en algunas ocasiones, es lo siguiente: • Asférica: Es un tipo de lente cuya superficie de curvatura no es esférica, con el objeto de eliminar la aberracion esférica. Mediante un solo elemento asférico se consigue reemplazar a varios esféricos, lo que simplifica el diseño del objetivo, que normalmente está formado por varios cristales en su interior. • Apocromática: Es un tipo de lente corregida para que la longitud de onda de los tres colores primarios se encuentre en un mismo plano focal. Destinados a corregir las aberraciones cromáticas. • Ultrasónico o Hipersónico. Son objetivos que utilizan un motor especial para lograr un enfoque más rápido al convencional. Cada fabricante tiene patentada su propia tecnología y utiliza distintas siglas para referirse a ella: SSM en Sony, USM en Nikon, HSM en Sigma, ... • Lente Estabilizada (IS en Canon, VR en Nikon, OS en Sigma, ...) Además, aparecerán siglas que identifiquen el tipo de enfoque (manual, automático) y la familia de objetivos dentro del fabricante (lo que dará mayor o menor compatibilidad dentro de la marca a la hora de utilizar el objetivo con una determinada cámara). Los fabricantes también utilizan siglas específicas para referirse a tipos de objetivos dedicados exclusivamente a fotografía digital. En la segunda parte del artículo te explicaremos los diferentes tipos de objetivos existentes para tu cámara fotográfica. Aunque se tiende a asimilar la clasificación de los objetivos por su distancia focal, lo cierto es que la clasificación se hace realmente por al ángulo visual que se consigue con un determinado objetivo. Pero como estos ángulos visuales se consiguen con determinadas distancias focales, se traslada esta clasificación a las distancias focales. También hay que resaltar que las distancias focales están referidas a cámaras de carrete de 35mm. En fotografía digital, por los distintos tamaños del sensor, se maneja un concepto denominado multiplicador de distancia focal, con el que se consigue conocer la equivalencia entre objetivos. Así, podéis encontraros muchas veces comentarios del tipo "este objetivo es un 18-55 (equivalente en esta cámara a un 28-80)". Se está hablando de un objetivo con focales mínima y máxima 18 y 55 en una cámara con un multiplicador de distancia focal 1.5. Aunque el resultado de la multiplicación no es exacto, se equipara a focales estándar cercanas, como son 18 y 80. Una vez explicado esto, podemos hablar de cuatro tipos de objetivos: • Ojo de Pez (Fish Eye) • Gran Angular • Objetivo Normal • Teleobjetivo Por lo que hemos explicado, solemos referirnos a los objetivos utilizando su distancia focal, haciendo la clasificación en base a la fotografía de 35 mm del siguiente modo: distancias focales de 5 a 17 milímetros para los ojos de pez; entre 18 y 35 mm los grandes angulares; entre 36 y 55 mm los objetivos normales, y a partir de los 80, teleobjetivos. Ojo de Pez Son objetivos con un ángulo visual extremo, de 180 grados o más. Por su gran distorsión, transforman la escena en una imagen circular, parecida a la producida al mirar a través de la mirilla de una puerta. Gran Angular Son objetivos con un ángulo de visión inferior al ojo de pez, pero superior a los normales. Se consideran grandes angulares los que proporcionan un ángulo visual comprendido entre los 60 y los 180 grados. En 35 mm, la distancia focal varía desde los 18 a los 35 mm. Con ellos, los objetos cercanos a la cámara aparecen muy grandes con relación a los objetos más alejados y con una fuerte distorsión en perspectiva, tanto mayor cuanto más se desplazan fuera del eje óptico. Sus usos principales son: • Reportajes, para poder abarcar el conjunto del sujeto cuando se trabaja en espacios reducidos: interior de habitaciones, coches, etc. • Exagerar la perspectiva de los objetos. Esta deformación será tanto mayor cuanto más nos acerquemos. • Conseguir una mayor profundidad de campo. • En macrofotografía, se utilizan invertidos para conseguir la máxima ampliación cuando se trabaja con fuelles de extensión. Objetivo Normal Son los que cubren un ángulo visual comprendido entre los 43 y 56 grados, lo que se aproxima bastante al campo visual del ojo humano inmóvil. Vienen a ser un término medio entre los grandes angulares y los teleobjetivos. La distancia focal de estos objetivos se corresponde en cámaras réflex de 35 mm a la franja entre los 40 y 55 mm. Teleobjetivo Se consideran teleobjetivos aquellas ópticas con un ángulo visual menor de 31 grados. Su principal característica es el formar en la cámara imágenes grandes de objetos alejados. Sus distancias focales son siempre mayores que las de los objetivos normales. En 35 mm van de los 80 mm en adelante. Dentro de los teleobjetivos se suele hacer la siguiente subclasificación: • teleobjetivos cortos, cuando oscilan entre los 80 y 135 mm de focal; • teleobjetivos normales, entre los 135 y 240 mm, • superteleobjetivos, entre los 240 y 500 mm • ultratelefotos, más allá de los 500 mm. Existen unos accesorios conocidos como convertidores, teleconvertidores o duplicadores de focal, que se intercalan entre un objetivo y el cuerpo de la cámara para modificar la distancia focal del objetivo. Así, un convertidor 2X, unido a un teleobjetivo de 100 mm, lo convierte en un objetivo de 200 mm. Se utilizan para aumentar la focal de forma económica, disminuyendo algo la calidad y luminosidad de la imagen. Los teleobjetivos suelen utilizarse para: • Fotografiar a distancia cuando no podemos acercarnos al motivo (Naturaleza, reportaje, deportes, etc.) • Retratos de primer plano (135 a 150 mm) Objetivos especiales Existe un quinto tipo de lentes: son los objetivos especiales. En esta clasificación entrarían objetivos diseñados para aplicaciones más concretas o específicas. El más conocido es el objetivo para fotografía macro. OBJETIVO y AUTOFOCO El autofoco (en inglés autofocus, abreviado AF) es un automatismo de una cámara fotográfica o cualquier otro aparato óptico que permite el enfoque de un motivo. Existen dos tipos de autofocos: Pasivo, que emplea la luz reflejada del motivo y Activo que puede funcionar en total oscuridad. Autofoco pasivo Hoy día, el pasivo, es el sistema de autofoco más extendido. Las dos técnicas fundamentales en las que se basa son la comparación de fases y la medida del contraste. Para un correcto funcionamiento del autofoco pasivo se requiere una iluminación suficiente y un objeto con cierto relieve. El problema se soluciona mediante una luz auxiliar que ilumine el motivo. Evaluación del contraste El autoenfoque por evaluación del contraste se basa en el principio de que una imagen desenfocada posee menor contraste, mientras que una imagen enfocada tiene un mayor contraste especialmente en los contornos o relieves de las figuras. Puesto que la cámara no conoce la distancia del objeto, no basta con una sola evaluación del contraste para realizar el enfoque. Una vez realizadas dos pruebas de contraste con distintos enfoques, no solo puede ya la máquina saber en qué dirección mover el enfoque, sino que por extrapolación podría hasta llegar a realizar el enfoque. Normalmente se realizan varias pruebas de contraste mientras se mueve el foco, cuando el contraste es máximo el objeto está enfocado. Este método suele fallar al enfocar superficies planas sin contraste o contornos (cielo despejado, pared, etc), así como en escenas de escasa iluminación. El método de enfoque pasivo suele incorporarse en cámaras de video y cámaras fotográficas digitales compactas. Comparación de fases El método de comparación de fases es el mejor y más antiguo sistema de enfoque pasivo. Sin embargo es un método complejo y requiere un sensor especial. La dirección del enfoque puede determinarse desde la primera medición. El método fue empleado en el chip Visitronic de Honeywells en 1976. La primera cámara fotográfica en incluirlo fue la Konica C35-AF. El principio se basa en la triangulación de la distancia del objeto, mediante el uso de dos sensores a través de la misma lente, la distancia se determina por la diferencia de las imágenes captadas por ambos sensores. El resultado es un enfoque rápido y preciso. Debido a su alto coste y complejidad, su uso queda restringido a algunas cámaras réflex de alta gama. Iluminación auxiliar Para solucionar el problema de los enfoques pasivos por falta de luz, se usa una iluminación auxiliar. La luz auxiliar suele ser roja o infrarrojos (invisible). No se trata de una iluminación homogénea, sino de la proyección sobre el motivo de un patrón de luz con líneas verticales. La ventaja de éste patrón de líneas es que posibilita el enfoque incluso en superficies planas que de por sí no presentan ningún contraste, por lo que puede usarse incluso en situaciones de iluminación suficiente. Este tipo de luz auxiliar suele encontrarse en el flash. Un sistema más económico suele ser el de iluminar con el propio flash mediante cortos destellos de luz. La desventaja de método es que no sirve para enfocar superficies planas sino solo objetos con contraste. Autofoco activo El autofoco activo, funciona en dos pasos: primero se determina la distancia del objeto, posteriormente se ajusta del enfoque en función de la distancia obtenida. El autofoco activo puede funcionar en absoluta oscuridad. Ultrasonidos Este autofoco por ultrasonidos se incluye desde 1982 en distintas cámaras Polaroid. La ventaja es un funcionamiento extremadamente rápido pues no se realizan pruebas de enfoque. La desventaja es que no permite una elección precisa del motivo a enfocar y que no funciona a través de las lentes ni espejos pues no se trata de un sitsema óptico. Tampoco es posible el enfoque a través de un cristal (ventana, etc). Infrarrojos El sistema de autofoco por infrarrojos suele basarse en la triangulación. La cámara emite una luz infrarroja y analiza la luz reflejada del sujeto. Suele usarse en cámaras de película compactas como las Nikon 35TiQD, 28TiQD o Canon AF35M, así como en algunas videocámaras "AI Servo": en este modo, mientras tengamos pulsado el botón de disparo, la cámara va corrigiendo el enfoque a medida que el objeto enfocado se mueve. Pero cuando se están quietos, a veces nos gustaría poder enfocarles y re-encuadrar la foto antes de disparar; desgraciadamente, si tenemos la cámara en modo "AI Servo", perderemos el enfoque tan pronto como cambiemos el encuadre. ¿Qué hacer entonces? ¿Volver al modo "One shot"? Demasiado lento, necesitamos poder cambiar de un modo a otro más deprisa. El truco consiste en usar la función personalizada CFn-4 en la posición 1: con esto lo que hacemos es mover el enfoque al botón "*". Cuando el niño está en movimiento, pulsamos el botón "*" mientras lo seguimos, y la cámara lo mantendrá enfocado hasta que disparemos; cuando está quieto, podemos enfocar pulsando "*", soltar el botón, y re-encuadrar sin perder el enfoque. Tipos de filtros según su forma Existen dos clases de filtros según su forma: los de rosca y los basados en porta filtros. Los filtros de rosca se enroscan en el objetivo, pudiendo encajar varios filtros sobre un mismo objetivo. Algo esencial que necesitarás saber es el diámetro de tu objetivo, ya que cada lente tiene un diámetro, y es bastante probable que si dispones de dos o más objetivos, no coincidan en diámetro, necesitando un filtro para cada objetivo, salvo que quieras utilizarlos sosteniéndolos con la mano sobre el objetivo, para lo que te servirá el de diámetro mayor, aunque ye te decimos que este método no es demasiado práctico. Los basados en porta filtros cuentan con una estructura (porta filtro), sobre la que se coloca el filtro, intercambiando el filtro que necesitemos en cada ocasión manteniendo la estructura. Tipos de filtros según su uso Según el uso que se le da a los filtros, podríamos hablar de la existencia de cinco grandes grupos: filtros protectores, filtros polarizadores, filtros de densidad neutra, de colores, y filtros de efectos especiales. Filtros protectores También llamados filtros UV, son los más sencillos, ya que no hacen nada con la imagen. Buscan proteger físicamente la lente de golpes, polvo, arañazos, etc. dejando pasar completamente la luz. Si son de buena calidad, prácticamente no habrá pérdida de luz. Para este tipo de filtros hay partidarios y detractores, ya que, si bien protegen el objetivo de algunos posibles daños, los más puristas afirman que se pierde nitidez y calidad de imagen con su uso, ya que producen flares, producen difraccion con digitales, y tienen peor calidad que las lentes que componen un objetivo bueno. Por ello, es una elección personal del usuario el disfrutar plenamente de las posibilidades del objetivo bajo riesgo de sufrir algún percance en la óptica de la cámara, o la de utilizar uno de estos filtros para proteger la lente a cambio de perder algo de luz y/o nitidez. Filtros polarizadores Los filtros polarizadores se caracterizan por dejar pasar únicamente la luz polarizada. Existen dos tipos de filtros polarizadores: los lineales y los circulares. En la actualidad, lo normal es encontrar circulares, ya que los lineales impiden el correcto funcionamiento de los objetivos con autofoco. Las principales características de los filtros polarizados son: • la eliminación de reflejos sobre superficies no metálicas como agua y cristal, especialmente con ángulos entre 30º y 40º. • el realce del colorido de las plantas al filtrar los reflejos azulados del cielo. • la eliminación de luz del cielo sin nubes, tornando el azul del cielo a un tono más oscuro, con lo que las nubes blancas se realzan frente al azul del cielo. Este efecto varía en intensidad en función del ángulo respecto al sol. Por dejar pasar únicamente ciertos tipos de luz, los colores del arco íris desaparecen a través de este tipo de filtros. Filtros de densidad neutra Filtran todo el espectro visible, permitiendo la reducción de la intensidad de la luz sin que se altere el color o el contraste. Mediante su uso disminuye la cantidad de luz que llega al sensor de la cámara. Utilizan distintas numeraciones según el grado en el que limitan el paso de la luz, siendo más pronunciada esta limitación a mayor número del rango. Con estos filtros conseguimos • reducir la intensidad de la luz • utilizar una velocidad de obturación menor • utilizar una apertura de diafragma mayor Una aplicación habitual de los filtros de densidad neutra son las fotos en corrientes de agua (ríos, saltos de agua, cascadas) en las que, gracias al uso de un trípode y de tiempos de exposición prolongados, el agua aparece como una masa difusa. También podemos conseguir menores profundidades de campo en fotografías con luz ambiente que saldrían sobreexpuestas si n el uso de estos filtros. Filtros de colores Utilizados principalmente en fotografía en blanco y negro, de colores amarillos, naranjas, rojos y verdes, absorben ciertos colores resaltando otros. En fotografía digital, el efecto obtenido con este tipo de filtros se puede simular bastante bien convirtiendo las fotos a blanco y negro a través del mezclador de canales, donde indicamos el uso de cada canal de color, o lo que es lo mismo, limitamos el paso de la luz de ciertos colores. esto fue todo amigos!!!, mañana vuelvo con la 5ta parte!!, no olviden dejar su comentario