sydbarrett67

El término déjà vu (/deʒa vy/, en francés ‘ya visto’) o paramnesia describe la experiencia de sentir que se ha sido testigo o se ha experimentado previamente una situación nueva. Este término fue acuñado por el investigador psíquico francés Émile Boirac (1851-1917) en su libro L'Avenir des sciences psychiques (‘El futuro de las ciencias psíquicas’), basado en un ensayo que escribió mientras estudiaba en la Universidad de Chicago. La experiencia del déjà vu suele ir acompañada por una convincente sensación de familiaridad y también por una sensación de «sobrecogimiento», «extrañeza» o «rareza». La experiencia «previa» es con frecuencia atribuida a un sueño, aunque en algunos casos se da una firme sensación de que la experiencia «ocurrió auténticamente» en el pasado. La experiencia de déjà vu parece ser muy común. En estudios formales, el 60% o más de la población afirma haberla experimentado al menos una vez.[1] También se encuentran referencias a la experiencia de déjà vu en literatura del pasado, lo que indica que no es un fenómeno nuevo. Ha sido extremadamente difícil invocar la experiencia del déjà vu en el laboratorio, por lo que se han realizado pocos estudios empíricos. Recientemente, los investigadores han hallado formas de recrear esta sensación usando hipnosis.[2 Tipos de déjà vu Según Arthur Funkhouser hay tres tipos principales de déjà vu:[3] Déjà vécu Normalmente traducido como ‘ya visto’ o ‘ya experimentado’, el déjà vécu se describe en una cita de Dickens: Todos tenemos alguna experiencia de la sensación, que nos viene ocasionalmente, de que lo que estamos diciendo o haciendo ya lo hemos dicho y hecho antes, en una época remota; de haber estado rodeados, hace tiempo, por las mismas caras, objetos y circunstancias; de que sabemos perfectamente lo que diremos a continuación, ¡como si de pronto lo recordásemos![4] Cuando la mayoría de la gente habla de déjà vu lo que realmente experimentan es un déjà vécu. Las encuestas han revelado que hasta el 70% de la población ha tenido estas experiencias, normalmente en edades de 15 a 25 años, cuando la mente aún está sujeta a advertir el cambio en el entorno[5]. La experiencia suele estar relacionada con un suceso muy banal, pero es tan impactante que se recuerda durante años. El déjà vécu alude a una experiencia que incluye más que la simple vista, por lo que etiquetarla como déjà vu suele ser inexacto. La sensación incluye una gran cantidad de detalles, percibiéndose que todo es exactamente como fue antes. Más recientemente, el término déjà vécu ha sido usado para describir sentimientos muy intensos y persistentes de un tipo de déjà vu, que suceden como parte de un desorden de memoria[6]. Déjà senti Este fenómeno alude a algo ‘ya sentido’. A diferencia de la precognición implícita al déjà vécu, el déjà senti es primordial o incluso exclusivamente un suceso mental, carece de aspectos precognitivos y rara vez permanece en la memoria de la persona que lo experimenta. El Dr. John Hughlings registró las palabras de uno de sus pacientes que sufría epilepsia del lóbulo temporal o psicomotora en un ensayo de 1889: Lo que ocupa la atención es lo que la ha ocupado antes, y de hecho ha sido familiar, pero ha estado olvidado durante un tiempo y ahora se recupera con una leve sensación de satisfacción como si se hubiese estado buscando. ... Al mismo tiempo, o ... más exactamente en una secuencia inmediata, advierto sutilmente que el recuerdo es ficticio y mi estado anormal. El recuerdo siempre empieza gracias a la voz de otra persona o a mi propio pensamiento verbalizado o a lo que estoy leyendo o verbalizando mentalmente, y creo que durante el estado anormal suelo verbalizar alguna frase de simple reconocimiento como «Ah, sí: ya veo» o «Por supuesto, ya recuerdo», pero un minuto o dos después no puedo recordar ni las palabras ni el pensamiento verbalizado que dio lugar al recuerdo. Sólo hallo la fuerte sensación de que se parecen a lo que he sentido antes bajo parecidas condiciones anormales. Al igual que el paciente del Dr. Jackson, algunos epilépticos del lóbulo temporal pueden experimentar este fenómeno. Déjà visité El déjà visité, que se traduce como ‘ya visitado’, es una experiencia menos frecuente que implica el extraño conocimiento de un lugar nuevo. Aquí uno puede saber encontrar el camino por una ciudad o lugar nuevo sabiendo al mismo tiempo que no puede ser posible. Se han invocado a los sueños, la reencarnación e incluso el viaje extracorporal como explicaciones a este fenómeno. Además, algunos sugieren que leer una descripción detallada de un lugar puede desembocar en este sentimiento cuando más tarde se visita. Dos ejemplos famosos de tales situaciones son descritos por Nathaniel Hawthorne en su libro Our Old Home[7] y Sir Walter Scott en Guy Mannering[8]. Hawthorne reconocía las ruinas de un castillo en Inglaterra y más tarde era capaz de rastrear el origen de la sensación a una obra escrita sobre el castillo por Alexander Pope doscientos años antes. C. G. Jung publicó un relato de un déjà visité en su ensayo de 1952 Sincronismo como principio de las conexiones acasuales[9]. Para poder distinguir el déjà visité del déjà vécu es importante identificar la fuente de la sensación. El déjà vécu está relacionado con las ocurrencias y procesos temporales, mientras el déjà visité tiene más que ver con la geografía y las relaciones espaciales. Investigación científica En los últimos años el déjà vu ha sido sometido a seria investigación psicológica y neurofisiológica. Su explicación más plausible es que el déjà vu no es un acto de «precognición» o «profecía» sino más bien una anomalía de la memoria: la impresión de que una experiencia está «siendo recordada». Esta explicación se ve corroborada por el hecho de que en la mayoría de los casos la sensación de «recuerdo» en el momento es fuerte, pero las circunstancias de la experiencia «previa» (cuándo, dónde y cómo ésta ocurrió) resultan bastante inciertas. Asimismo, a medida que el tiempo pasa, los sujetos pueden exhibir un fuerte recuerdo de haber sufrido la «perturbadora» experiencia de déjà vu en sí misma, pero ningún recuerdo de los sucesos o circunstancias específicas que estaban «rememorando» cuando tuvieron dicha experiencia. En particular, puede ser el resultado de un solapamiento entre los sistemas neurológicos responsables de la memoria a corto plazo (sucesos que se perciben como pertenecientes al presente) y los responsables de la memoria a largo plazo (sucesos que se perciben como pertenecientes al pasado). Muchos teóricos creen que la anomalía de la memoria sucede cuando la mente consciente de uno tiene un ligero retraso en la recepción de las entradas perceptivas. En otras palabras, la mente inconsciente percibe el entorno antes que la mente consciente. Esto provoca que la propia consciencia perciba algo que ya está en la memoria, incluso a pesar de que lo esté sólo un instante de diferencia con la percepción. Relaciones con desórdenes Se ha encontrado una correlación clínica entre la experiencia de déjà vu y desórdenes tales como la esquizofrenia y la ansiedad[10] , y la probabilidad de sufrirla se incrementa considerablemente en sujetos que están en tales condiciones. Sin embargo, la asociación patológica más fuerte del déjà vu es con la epilepsia del lóbulo temporal.[11][5]. Esta correlación ha llevado a algunos investigadores a especular que la experiencia de déjà vu es posiblemente una anomalía neurológica relacionada con descargas eléctricas indebidas en el cerebro. Así como la mayoría de la gente sufre un episodio epiléptico leve (es decir, no patológico) regularmente (por ejemplo, la repentina «sacudida» que ocurre con frecuencia justo antes de caer dormido o sacudida hipnagógica), se ha conjeturado que una (leve) aberración neurológica similar ocurre en la experiencia de déjà vu, dando como resultado una sensación de memoria errónea. Farmacología Se ha informado que ciertas drogas incrementan las posibilidades de experimentar un déjà vu. Algunos fármacos, cuando se combinan, también provocan déjà vu. Taiminen y Jääskeläinen (2001) informaron del caso de un hombre por lo demás sano que empezó a experimentar intensas sensaciones de déjà vu recurrentes cuando tomaba amantadina y fenilpropanolamina para aliviar los síntomas de la gripe. Encontró la experiencia tan interesante que completó el tratamiento e informó a los psicológos, quienes lo recogieron. Debido a la acción dopaminérgica de los fármacos y los hallazgos previos de estimulación por electrodos del cerebro (por ejemplo, Bancaud, Brunet-Bourgin, Chauvel y Halgren, 1994) Taiminen y Jääskeläinen especulan que el déjà vu sucede como resultado de la acción hiperdopaminérgica en la zonas mesial y temporal del cerebro. Teorías neurales Investigación pseudocientífica Parapsicología El déjà vu se asocia con la precognición, la clarividencia o las percepciones extrasensoriales, y se lo cita frecuentemente como evidencia de aptitudes «psíquicas» en la población en general. Explicaciones no científicas atribuyen la experiencia a la profecía, las visiones (como las recibidas en sueños) o recuerdos de una vida anterior. Sueños Reencarnación Fenómenos relacionados Jamais vu Jamais vu (‘nunca visto’): es no recordar explícitamente haber visto algo antes. La persona sabe que ha ocurrido antes, pero la experiencia le resulta extraña. Presque vu Presque vu (‘casi visto’): es casi recordar algo, pero sin llegar a hacerlo. Éste es el sentimiento de tenerlo «en la punta de la lengua». L'esprit de l'escalier Artículo principal: L'esprit de l'escalier see es copy and paste, pero igual sirve... hoy un amigo me pregunto que era un deja vu, y le explique, pero igual me agarro la duda, y quise tener una explicacion mas amplia y entenderlo un poco mas... de paso lo subo a T! http://es.wikipedia.org/wiki/Dejavu pd: le cago el chiste a mas de uno

Glenn Hughes, mejor conocido por su rol de vocalista y bajista del legendario grupo de rock Deep Purple. Considerado "La Voz" del rock and roll , debido a la asombrosa versatilidad que despliega en el escenario, llega a Argentina para presentar su ultimo trabajo como solista titulado "Music For The Divine" , junto a los clasicos que sus fans quieren escuchar de su etapa en Deep Purple y Black Sabbath. GLENN HUGHES con mas de 75 discos de oro y platino y una consagrada carrera por 4 decadas a puro rock and roll, es uno de los musicos mas activos de la escena, lanzando discos solistas y participando de proyectos cada año. Aqui un poco de historia .... Su larga y distinguida carrera ya conocida en Trapeze y despues en Deep Purple a mitad de los años 70's, desemboco en su carrera solista lanzando "Play Me Out" en el año 1976, un disco que mezclaria lo que es su estilo : funk , soul , pop y rock creando un unico sonido y estilo junto a su increible variedad sonora-vocal. El suceso de su disco debut solista lo acerca hacia muchos artistas que comienzan a trabajar junto a EL , tales como Gary Moore, Black Sabbath, Thrall, Phenomena,etc. En los 90' lo encuentra muy ocupado con lanzamientos que incluyeron los discos: BLUES (1992), FROM NOW ON... (1994), BURNING JAPAN LIVE (1994), FEEL (1995), ADDICTION (1996), THE WAY IT IS (1999). A principios del nuevo siglo se lo ve mas activo aun , lanzado discos exitosos tales como: RETURN OF CRYSTAL KARMA (2000) , BUILDING THE MACHINE (2001), SONGS IN THE KEY OF ROCK (2003) y SOUL MOVER (2005). SOUL MOVER es grabado junto a Chad Smith de Red Hot Chili Peppers en bateria y su compañero de siempre J.J. Marsh en guitarras. En el medio se lanza el cd SOULFULLY LIVE IN THE CITY OF ANGELS (2004) tambien es grabado en Vivo para un DVD con los musicos antes mencionados. Glenn Hughes retorna para un extenso tour que lo lleva por Europa, Japon y Sudamerica donde es especialmente invitado por la exitosa banda Argentina llamada Rata Blanca a una serie de conciertos en Buenos Aires y Rosario para ser grabados en audio y DVD con rotundo exito en ventas. Tony Iommi guitarrista de Black Sabbath junto a Glenn Hughes deciden realizar un nuevo disco de estudio entre ambos, el mismo es titulado Fused (2005) , con Kenny Aronoff en bateria. Este album grabado en el 2004 llega a las calles un año despues con total exito en audiencias de rock y es re-lanzado a su vez SEVENTH STAR (1986) and THE DEEP SESSIONS. http://www.ticketek.com.ar/show.asp?code=HUGHESND#

SEVILLA - Octubre 1999 El fugaz paso de Roger Waters por Sevilla en octubre de 1999 ofreció dos respuestas chocantes a la pregunta "¿A qué dedica el tiempo libre?". Hizo noche en un hotel de la capital andaluza porque había estado cazando pájaros en el coto que un amigo suyo tiene en Andalucía, y también porque se dirigía al campo de golf que otro conocido regenta en la misma comunidad autónoma. ¿Uno de los contados intelectuales de la música popular disfruta con la caza? "Ya sé que no es una afición políticamente correcta ´contesta´, pero me gusta y me relaja". El golf no debe tener secretos para un miembro británico hasta la médula de la aristocracia del rock: "No se me da del todo mal. Tengo un hándicap 12". Waters ha rechazado sucesivas invitaciones de David Gilmour, Nick Mason y Richard Wright para participar en conciertos de los Pink Floyd actuales. Tampoco parece que la próxima publicación del disco doble Is there anybody out there? The wad live 1980 - 1981 (una antología de canciones gravadas en directo durante la microgira de The Wall y editada para conmemorar el 20º aniversario del proyecto que destruyó a Pink Floyd)vaya a propiciar el reencuentro de Waters con sus antiguos compañeros: "Nunca digas nunca jamás, dice el refrán. Pero las posibilidades de que vuelva a tocar con ellos son ahora mismo muy, pero que muy remotas. No me apetece verlos. Y, aunque por intereses comerciales o por mala conciencia ellos fingen lo contrario, me parece que les sucede lo mismo conmigo. Hace poco Richard Wright me visitó en el camerino al término de un concierto de la gira americana que hice el verano pasado. Es el único al que he visto en mucho tiempo. Fue un encuentro correcto pero frío. Sólo los recuerdos que me han venido a la cabeza al tener que escribir las notas para Is there anybody out there) ya me ha provocado malestar. Pink Floyd es historia". Entrada del primer concierto con "The Wall" Entrada del primer concierto con "The Wall" -Los Angeles 1980- Craso error recordarle a Waters que Gilmour, Mason y Wright opinan lo contrario y, en consecuencia, editan discos y actúan bajo ese nombre. A punto está la ira de vencer a la educación. "Eso es una farsa ´brama Waters´. ¿Alguien concibe la idea de que los Beatles se reformen faltando John Lenon? Pink Floyd se acabó cuando yo decidí abandonar el grupo y expresé mi opinión de que había llegado el final. Ellos siguieron adelante con el nombre de la banda para sacarle partido, porque son incapaces de crear algo por sí solos. Cojamos a David Gilmour, que está considerado el más talentoso de los tres. Es un músico excelente, tocará muy bien lo que tú le digas que toque, pero no es un creador. Hubo un sector de fans que se indignó cuando decidimos continuar sin Sid Barrett. No compartí su opinión pero la entendí, porque Syd había marcado la pauta en los primeros Pink Floyd. Las circunstancias forzaron su salida del grupo y nosotros demostramos nuestra valía. Por el contra, el tiempo ha demostrado que los que ahora usan el nombre de Pink Floyd fueron poco más que mi instrumento. Ya que lo ha mencionado, queremos saber si mantiene algún contacto con Syd Barret: "Sé que vive en Cambridge, en casa de su difunta madre. Y que se deprime enormemente cuando algún insensato le recuerda los años 60, la psicodelia y Pink Floyd. Syd padece esquizofrenia. Que se haya convertido en un personaje objeto de un cierto culto no hace más que poner de manifiesto lo enfermos que están algunos fans. El mejor favor que se le puede hacer a Syd es dejarle tranquilo". Las ventas masivas de Dark side of the moon y The wall aún maravillan a Waters. No en vano fueron álbumes en los que expresó sentimientos íntimos. La sorpresa fue que eran compartidos por millones de personas. "Los símbolos empleados en esos discos no eran difíciles de comprender, pero así y todo todavía me deja perplejo que tanta gente se identificara y se identifique con lo que yo quería expresar ´afirma el músico´. La conexión entre artista y público es casi un milagro, un fenómeno sobrenatural. Era un lugar común decir que Pink Floyd hacía música intelectual, música para el cerebro, lo cual me parece una soberana tontería. Mi intención siempre ha sido componer para el espíritu de la gente, que al fin de cuantas es la misión del arte. Y diría que las ventas de Dark side of the moon y The wall indican que lo conseguí. Aunque también me temo que muchos entendieron esos trabajos de forma equivocada. No puedes luchar contra eso. El receptor es quien decide en última instancia el significado del arte". Y durante la primera mitad de los años 70 los aficionados del rock progresivo decidieron que los discos de Pink Floyd eran la banda sonora ideal para tomar drogas y practicar el sexo. El primer uso entra en conflicto con la nula relación que Waters declara haber tenido con la cultura de la droga durante las eras hippy y posthippy. "La psicodelia no significó nada para mí. De hecho, creo que, como movimiento, la psicodelia fue un invento de los medios de comunicación. El LSD, la mescalina, la silocibina y otras drogas llamadas psicodélicas no ejercieron la más mínima influencia sobre mi música". Mejor no desenterrar el caso Barret. Roger Waters Si una banda encarnaba todos los males del rock contra los que en 1977 se alzó el movimiento punk, ésa era Pink Floyd. Pero el dinosaurio sobrevivió sin problemas al motín del imperdible, y en la década de los 90 ha visto su legado reivindicado desde los ámbitos de la música electrónica, facción cósmica ´Te Orb, Orbital´, y del britpop, falange sesuda ´Radiohead´: "La música de Pink Floyd mantiene su vigencia porque tenía alma. Nadie se acordaría de lo que hicimos si quieres nos acusaban de virtuosos, tecnicistas y vacuos hubieran tenido razón". Waters, sin embargo, no tiene noticia del trabajo de los grupos actuales que se declaran sus herederos. La ópera ocupa buena parte del tiempo que dedica a escuchar música, aunque siempre hay un hueco para su admirada Joni Mitchel. Waters hizo una gira por Estados Unidos el verano pasado. Fue su retorno a la carretera con todas las de la ley desde el tour de presentación de su disco en solitario Radio KAOS (1988). Para el año en curso, tiene previsto recorrer Europa y editar un disco con la guerra de Kosovo como eje central. Entrevista publicada en la revista Dominical el día viernes 30 de Febreo de 1999 PARÍS - Noviembre 1999 En Francia, donde se encuentra terminando una ópera, el ex líder de Pink Floyd conversó con "Wikén" a propósito del vigésimo aniversario del lanzamiento del clásico álbum y del proyecto de publicación de material en vivo inédito de la banda. "Será como un documento histórico", cree el músico, quien no habla con sus ex compañeros de grupo desde hace más de diez años. El otoño parisino dejaba caer sus intermitentes lluvias, cuando en el salón Marly, del elegantísimo "Hotel de Crillón", Roger Waters recibía con tranquilidad a la prensa internacional como parte de su contribución al vigésimo aniversario de uno de los discos más famosos de la historia. Pero nada más. El mismo reconocería, más tarde, que "no tengo nada que ver con la decisión de este lanzamiento". El músico se refiere a una versión en vivo de "The wall", trabajo originalmente publicado en 1979 como una ópera rock en formato doble y en la que Roger Waters compartía con el mundo la paranoia de una estrella de rock como él, atribulado por fantasmas de su niñez y las exigencias de su fama. Gracias a canciones como "Confortably numb", "Mother" y, especialmente, "Another brick in the wall. Pt. 2", Pink Floyd alcanzó audienciashasta entonces insospechadas, ubicando al grupo durante 15 semanas en el tope del ranking de ventas estadounidense. "Is there anybody out there? The wall live" será el título del disco que aparecerá el 7 de febrero próximo, a exactos veinte años de la primera presentación en vivo del álbum, en Los Angeles. El lanzamiento había sido anunciado en un principio para diciembre, pero diversas exigencias técnicas retrasaron su salida. La placa contendrá registros de shows realizados por Pink Floyd durante 1980 y 1981, que fueron grabados pensando en su inclusión en la película homónima que en 1982 estrenó Alan Parker. Se trata de material que nunca fue utilizado y que no había sido mostrado hasta ahora. Las cintas debieron ser remezcladas por el ingeniero James Guthrie, el mismo que trabajó en el clásico álbum. "Me ha estado mandando las mezclas para que le dé mi opinión en la medida en que va avanzando", cuenta Roger Waters. "Ya he recibido las primeras y suenan bien". Roger Waters - ¿Ha retomado algún tipo de relación con los demás miembros de Pink Floyd a propósito de este proyecto? "No". - ¿Y hay alguna posibilidad de que vuelva a realizar algo junto a Pink Floyd? "No". - ¿Pero mantiene contacto con Gilmour o los otros integrantes del grupo? "No". Si Waters parece escueto es porque habla desde una posición, en rigor, ajena a Pink Floyd. Una creciente rivalidad personal y artística culminó, en 1986, con el bajista demandando judicialmente a sus compañeros de entonces - el guitarrista Dave Gilmour y el baterista Nick Manson- para acabar con su alianza profesional e impedir que éstos se quedasen con el nombre del grupo. Waters perdió y sus antiguos aliados - junto al reincorporado tecladista Rick Wright- mantienen hasta hoy a Pink Floyd funcionando como un gran mastodonte rockero con esporádicos golpes comerciales, como "Momentary lapse of reason" (1987) y "The division bell" (1994). - ¿Cuál es, a su juicio, la marca que ha dejado "The wall" a través de las generaciones? "Pienso que las ideas de la obra unen a personas de todas las edades. Las cargas sicológicas son las mismas, no han cambiado en estos últimos veinte años. Pienso que "The wall" atraviesa las generaciones y por eso siempre está renovando su público". - ¿Se esperaba el éxito de "The wall" al concebirlo? "Sí". - ¿No lo sorprendió? "No. También pensé lo mismo con "The dark side of the moon"", dice Waters refiriéndose al disco que Pink Floyd publicó en 1973 y que les abrió las puertas del mercado norteamericano. - Mucha gente recuerda a "The wall" como un símbolo del rock progresivo. ¿Tenía usted la noción de estar incursionando en un terreno desconocido en los conceptos del disco? "Sí", dice Waters, quien no sólo compuso, sino también co-produjo e interpretó la guitarra, el bajo y la voz en todo el disco. "Logré expresar con mayor coherencia algo que ya había estado trabajando en discos anteriores: temas más largos, un conjunto de ideas para crear un todo. Eso que se convirtió luego en lo que la gente entiende por un álbum conceptual". - En sus comienzos la banda fue muy psicodélica. ¿Se considera como un precursor de la música electrónica actual? "No tengo idea. Pienso que la tecnología siempre ha forjado su camino, ya sea en formas digitales como ha sido el caso de la música popular, o en los fotomontajes realizados por David Hockney. A veces la tecnología puede ayudar, pero otras veces el trabajar con máquinas puede hacer perder mucho tiempo". En 1980, los conciertos de presentación de "The wall" marcaron un hito en la historia de los montajes musicales. Durante sus presentaciones, la banda comenzaba a ser rodeada por un muro real, que se iba levantando a medida que se sucedían las canciones del disco. "Era muy excitante. Un trabajo muy duro y satisfactorio", recuerda Waters. - ¿Qué anécdotas recuerda de la grabación del disco? "Todo fue muy rápido. Si yo necesitaba algún elemento para el disco decía okey, enchufen aquí una tele, pongan enfrente un micrófono y hagan andar la multitrack. Y cualquier cosa que estuviera apareciendo en la televisión en ese momento quedaba registrada para el disco. Nada se buscó de manera demasiado premeditada. En otras ocasiones sacábamos un micrófono a la calle y grabábamos el tráfico. Cosas así". - ¿Cuánto se demoraron en realizar el disco? "Trabajamos en Francia cerca de cuatro meses y luego otros cuatro en Los Angeles, así es que tardamos alrededor de siete u ocho meses". - ¿Quién tuvo la idea de hacer la película? "Bueno, yo siempre tuve la idea de hacer una película, y luego lo discutimos con Alan Parker y Joe Scott. Alan Parker siempre tuvo muy claro que no debía ser un filme en el que saliera la banda tocando, sino una película narrativa, que usara la música como un hilo conductor para contar la historia". El filme "The wall" se unirá al proyecto aniversario, relanzándose en VHS y DVD con sonido remasterizado e imágenes no incluidas en la versión original. "No Quiero Escuchar el Disco" Iniciado oficialmente como solista en 1984, con el álbum "The pros and cons of hitch hiking", Roger Waters se mantiene hasta hoy ocupado en diferentes proyectos musicales. El más reciente es una ópera acerca de la Revolución Francesa, que el músico inglés graba por estos días en París y que espera publicar el año 2000. "Además, en febrero entraré a estudio para trabajar en un nuevo álbum pop, un disco con mis propias canciones", adelanta. "El verano pasado hice una gira por Norteamérica en la que toqué una de las nuevas composiciones, así que estoy muy entusiasmado con la idea de hacer un nuevo trabajo". - ¿Fue una decisión muy difícil para usted abandonar Pink Floyd? "Lo que pasó con Pink Floyd fue que desde "Dark side of the moon" comenzamos a distanciarnos. En un momento u otro llegaría el punto en el que ya no podría seguir trabajando con ellos. Yo estaba componiendo cada vez más y ellos cada vez menos, así es que no era una colaboración feliz. Eso es todo lo que se puede decir". Waters retomará el tema más tarde, para descartar los rumores que han circulado en torno a una posible reunión con sus ex-compañeros para conmemorar el relanzamiento de este nuevo proyecto. ""The wall" no se está presentando ahora y no se va a presentar", confirma el músico, quien montó por última vez su espectáculo para celebrar la caída del Muro de Berlín, en 1990, y no proyecta repetir la experiencia. "Me pidieron volver a montarlo el próximo verano en Norteamérica. Dijeron que sería un espectáculo gratuito, para algo así como un millón de personas. Pensé bueno, quizás. Pero luego, cuando quise saber quién pagaría todo, me respondieron que conseguirían auspicios de empresas multinacionales. Entonces dije no, muchas gracias". - Y acerca de esta nueva edición de "The wall", ¿piensa que es algo nuevo, un aporte musical o sólo una operación de marketing? "Creo que puede ser muy interesante para la gente que fue seguidor de Pink Floyd y que le gustaría tener esta grabación. Es como un documento histórico. Pero la motivación de sacar este disco a la venta es claramente el dinero. Yo no tengo nada que ver con eso. La decisión es de EMI y de mis antiguos colegas". - ¿Y no tiene usted los derechos? "No, por supuesto que no. Los derechos de esos discos son del sello y la decisión de editarlo recae en la compañía Pink Floyd Music Ltda., de la cual sólo tengo el 25 por ciento. Así es que mi decisión carece siempre del peso suficiente". - ¿No considera que vale la pena hacerlo? "Yo no lo hubiera sacado a la venta. Pero eso no quiere decir que me parezca una cosa mala. Es sólo que ni siquiera quiero escucharlo. De cualquier forma, la decisión ya está tomada por otros, así es que estoy dispuesto a hablar de ello porque es mi trabajo". - ¿Ha planeado algo para el Año Nuevo? "Sí. Estaré en casa con mi esposa, tomaremos champaña y veremos los fuegos artificiales". - ¿Qué piensa sobre el hecho de tener fans en todo el mundo? "Me encanta que mi música se haya difundido. La única nueva canción que toqué en mi anterior gira, "Each small candle", comienza con un texto proveniente de Sudamérica, escrito por un hombre que fue torturado, no sé si en Chile, Argentina o Nicaragua. Me lo dio un periodista italiano y le puse música, pero le agregué un texto mío que dice cada pequeña vela ilumina un rincón de la oscuridad. Trata sobre la idea de que la responsabilidad personal puede potenciar acciones colectivas, en el sentido de que sólo podemos cambiarnos a cada uno, pero que a través de cambios individuales sucede algo mágico. De eso se trata mi nuevo disco". - ¿Piensa ir a Chile en una próxima gira? "No, no planeo ir a Chile". - ¿Y le gustaría? 'Sí, me encantaría. ¿Es buena la pesca allá?". - Sí. "Amo la pesca con mosca, siempre he querido ir a Sudamérica a pescar. Lucas Bridges, un gran amigo de mi abuelo, a quien conocí cuando era muy pequeño, escribió un libro llamado "The ultimate part of the earth" sobre la exploración de la Tierra del Fuego, en la Patagonia. Siempre he querido ir ahí". Entrevista concedida al diario El Mercurio y publicada en la sección Wiken del día viernes 5 de noviembre de 1999 CAMBRIDGE - Febrero 1983¿? E n febrero de 1983, la revista "Rock Espezial", de Barcelona, publica un monográfico dedicado a Pink Floyd en cuya portada aparece una figura lejanamente reconocible: es casi un cuarentón Syd Barrett, fotografiado por primera vez desde 1971. El antiguo líder de Pink Floyd, sin embargo, manifiesta una capacidad mental bajo mínimos, como explican en dicho reportaje los periodistas Michka Assayas y Thomas Johnson. Debido a su interés testimonial, reproducimos a continuación las líneas referentes al encuentro con Syd Barrett en el portal de su casa: Y heme aquí delante de esta vieja cada de Cambridge, intentando no parecer demasiado nervioso, mientras espero respuesta a mi golpe en la puerta. Nada. Vuelvo a llamar. En el jardín, una anciana corta rosas. Una sombra se perfila al fondo del pasillo y avanza lentamente hacia la puerta. "Hola". Estamos tan sorprendidos el uno como el otro y nuestras dos voces se superponen. "Te traigo esto, es tu ropa, ¿la recuerdas?". (Nota: el autor se refiere a unas prendas que Barrett dejó olvidadas en el apartamento de Londres en el que vivía hasta hacía un mes). "¡Oh, sí!" ¡de Chelsea! Sí..." Es un hombre prematuramente envejecido, cansado. Con los cabellos muy cortos, los trazos endurecidos, los brazos caídos. Ha engordado. Su madre no me ha oído llegar, sigue en el jardín trasero. De vez en cuando, Syd lanza una mirada furtiva hacia esa parte del jardín. Le explico que llevo días buscándole, que estuve en Chelsea y que allí me dieron la ropa para él. "Gracias", me responde. "¿Pagaste algo? ¿Te debo algo por la ropa?. "No". Le pregunto qué hace en la actualidad, ¿quizá pinta? "No, acaban de operarme, nada grave. Intento volver a Londres, pero debo esperar. Hay una huelga de trenes en estos momentos. No... no... Miraba la televisión, eso es todo". "¿Ya no sientes deseos de tocar música?". "No. No tengo tiempo de hacer gran cosa. He de encontrar un apartamento en Londres, pero eso es difícil. Debo esperar..." De vez en cuando, mira el saco con la ropa y sonríe. Intenta continuamente poner fin a nuestra conversación, vigilando a su anciana madre, como si temiera que nos descubriera hablando. ¿Se acuerda todavía de Duggie? "Eh... Sí... Nunca lo he vuelto a ver... No he vuelto a ver a nadie de Londres". "Tus amigos te envían saludos". "Ah... Gracias... Está bien". Syd Barrett Habla y reacciona como todos los desequilibrados, sometidos a largos tratamientos psiquiátricos, que conozco. Mirar parece haberse convertido en su única ocupación. No es tan extraño que la televisión represente gran parte de su vida. "¿Puedo tomarte una foto?. "Sí, claro..." Sonríe mientras disparo la cámara y poco después... "Ya basta. No me gusta que me vean... es penoso para mí... Adiós". Mira fijamente el árbol que se alza delante de la casa. Y no sé que decir. "Es bonito este árbol..." "Sí, pero ya no... Lo han cortado hace poco... Antes me gustaba mucho..." Desde el fondo de la casa se oye la voz de su madre. Roger Barrett se gira hacia mí. Parece aterrorizado. "Bien... A lo mejor nos volvemos a ver por Londres. Adiós". Volviendo me cruzo con el hippy iluminado, que se esconde tras un periódico. Me siento angustiosamente vacío. Todo ha terminado. Texto transcríto de la revista Colección "Imagenes del Rock" Nº:37 dedica da a Pink Floyd y publicada en Junio de 1994 TV - Noviembre 1979 En el programa "The Rock Show" de Tommy Vance TV: [...]Roger, ¿de dónde vino la idea? RW: Bueno, la idea de "The Wall" vino hace 10 años, durante una gira. Entre los años 75 y 77 hacíamos giras muy largas, con mucho público, parte del cual venía a vernos, pero otra parte venía sólo por la cerveza, el ambiente... si a eso le añades que todo transcurría en grandes estadios, reconocerás que puede resultar una experiencia alienante. Me di cuenta de la existencia de un muro entre la audiencia y nosotros, por eso comencé este disco así. TV: Pero sin embargo, la historia va un poco más allá ¿no?, parece empezar con el inicio de la vida... RW: Es que desde que la pensé hasta que la llevamos a cabo, evolucionó un poco; aunque sigue teniendo la misma base: la historia comienza durante un show ("In The Flesh", y luego, con un flash-back, volvemos a la infancia, para entender mejor su terrible historia. TV: Cuando dices "terrible", ¿quieres decir que no te gustaría haber estado allí? RW: Si bueno, realmente la historia de un direscto puede ser terrible, cuando tienes miles de personas delante de ti apretujándose, tirándose cosas, gritando...no te lo imaginas. TV: Ya veo. RW: Bueno, son momentos maravillosos (...), pero también tienen su lado menos agradable, desde luego son cosas que hacíamos para ganar dinero. TV: Pero es que vosotros no podías tocar en sitios pequeños. RW: Sí, la verdad es que aprovechábamos bien las facilidades de los grandes estadios; si los llenas, ganas mucho más dinero. Pero pienso que incluso para el público, resultan mejores los pequeños conciertos, todo es más cercano, menos "a lo grande", al fin y al cabo, sobre el escenario hay también personas, como tú y como yo (de hecho yo estoy arriba). TV: Bueno, hablando ya propiamente del disco, ¿cuando lo grabasteis? RW: Pues empezamos en abril y paramos hacia noviembre, fue muy largo, hubo que reescribir muchas letras, y además queríamos un resultado lo mejor posible. TV: La primera canción es "In The Flesh", ¿no? dime qué representa. RW: Pretendía reflejar lo que me pasaba por la cabeza durante la gira de "Wish You Were Here" y "Animals", sobre todo esta última, que se llamó: "Pink Floyd In The Flesh". TV: Después llega "The Thin Ice" ("El Delgado Hielo". RW: Sí, aquí empieza propiamente la historia de nuestro personaje Pink; se escuchan bombas de fondo y algunos gritos, es, en términos generales, un chico de mi generación. Le tocó vivir la guerra de pequeño. TV: ¿La guerra?, ¿te pasó a ti algo parecido? RW: Sí, a mi padre lo mataron en la guerra. TV: [...]Bueno, y después viene "Another Brick In The Wall (part I)", que trata sobre eso, ¿no? RW: Sí, trata sobre su padre "...daddy's flown across the ocean...", sin embargo, no tiene porqué tratarse sólo del padre que se va a la guerra. Mucha gente me dijo que se vio reflejada en Pink. Hay gente que deja a su familia para irse a trabajar, la "abandona" en cierto modo durante su niñez un día tras otro, hay mucha gente que ha crecido sin la presencia de alguno de sus padres. Por tanto, esta canción no va tanto del padre que matan cuando estás en colegio, sino de sentirte abandonado. TV: "The Happiest Days Of Our Lives"... ¿fue tan terrible tu época en el colegio? RW: Um...mi colegio era así, era horrible. La relación con los profesores era como con una pared, te hacían sentir como un gusano, te convertían en una máquina de estudiar gramática y otras cosas para que llegases "a ser alguien" y fueses a la universidad. Te preparaban sólo para eso y frenaban la iniciativa personal que te alejase un poco de eso. TV: Y ¿qué hay de "Mother"?, ¿cómo es esa madre? RW: Super-protectora, como la mayoría de ellas. Si algo se le puede reprochar a todas las madres es eso, que tienden a protejer excesivamente a sus hijos. Durante demasiado tiempo. No es un retrato de mi madre, pero encaja en bastantes aspectos. El otro día me llamó una señora que era madre de 3 hijos y me dijo que era tal cual la describía, pero que seguiría igual, que era su instinto. TV: Para que veas. Luego viene "Goodbye Blue Sky", ¿qué ocurre en ese momento? RW: La verdad es que nunca lo he tenido muy claro, pero siempre pensé que era como un mirar hacia el cielo y pensar ¿qué vendrá ahora?, ¿estoy preparado para el resto de mi vida? TV: Ya veo; con "Empty Spaces" es como si llegase el momento de ser adulto. RW: Sí, se prepara para lo que viene, algunas ideas que se tratan son más tangibles que otras, pero lo que viene a decir es que tendrá más responsabilidades y se le pedirán cuentas. TV: Despues, con "Young Lust", ¿qué tratas de mostrar? RW: Intento recordar a la gente su juventud, el ritmo de vida que llevaban, como si la vida se acabase al día siguiente; actuar sin tener en cuenta las consecuencias. Para mí siempre se ha parecido mucho a "La Canción Del Nilo" que grabamos hace varios años, David la cantaba fenomenal; viene a ser más o menos lo mismo. Vive rápido y deja un bonito cadáver. TV: Y luego viene "One Of My Turns" RW: Si, se da cuenta de que ya no tiene el "brío" de la juventud, se ha casado, tiene más o menos una vida cómoda pero siente que le falta algo. Es como si tuviera todo y nada al mismo tiempo. ¿Entiendes? Es un "yuppie" pero no puede hablar con su hija, por ejemplo; lo que detestaba de sus padres lo está haciendo él con sus hijos, entra como en un bache. TV: ¿Es por eso lo de la siguiente canción "Don't Leave Me Now" ("No Me Dejes Ahora"? RW: Sí, bueno, no del todo; es una canción muy depresiva (y deprimente), pero me encanta. Piensa que se va a quedar solo y eso le da miedo, recuerda los buenos momentos pasados parece, hace ya siglos. Aunque su matrimonio no va bien, se aferra a él como tabla de salvación, es una canción muy cínica, pero no te asustes, yo no pienso así respecto del matrimonio. TV: Creí que estabas divorciado... RW: Esto... bueno, sí, pero eso es una casualidad, no es una canción autobiográfica. TV: Aunque hay muchos tramos que parecen serlo, tienen una carga emocional difícil de crear si no se ha vivido, me parece a mí. RW: ¿Qué te parece si hablamos de la siguiente canción? TV: De acuerdo, "Another Brick In The Wall (Part III)", aquí dice algo como que no necesita a nadie, es un poco confuso, se vuelve más reservado. Además luego llega "Goodbye Cruel World". RW: Bueno, lo que ocurre es que se ha acomodado en la soledad, puede llegar a ocurrir, te acostumbras y luego lo ves normal, no habla a su mujer ni amigos en particular, de hecho, es como un mensaje en una botella, lo tiras al mar y que lo recoja el que quiera. Después, llega el final, ya no puede más. Entra como en un estado catatónico y parece despedirse del mundo, cuando ha tenido suficiente ha dicho basta [...], ha acabado de construir el muro, en el concierto esto se entiende mejor. TV: Después comienza el segundo disco con una de mis canciones favoritas "Hey You". RW: Sí, quedó bastante bien. En estos momentos Pink se encuentra en un motel, está solo y quiere reestablecer el contacto con el mundo. Sigue al otro lado del muro, y aunque ha cambiado su disposición. Lo que dejamos claro es que si te aislas, caes. Cuando quiere darse cuenta, dice así: "...el muro demasiado alto...no hay forma de saltarlo y quedar libre...serás pasto de los gusanos...". Es decir, llora implorando ayuda pero es demasiado tarde. TV: Porque esta al otro lado del muro, ¿no? RW: Sí, y porque está cantando solo. Sólo pide ayuda a sí mismo. Es como si este partido lo jugase solo; él se ha metido allí y él tiene que salir. TV: Cuando llega "Is There Anybody Out There?" me da la sensación que sabe que necesita ayuda pero no sabe cómo conseguirla. RW: Una parte de él busca ayuda, pero la otra no. Es como si una parte mueve los brazos y la otra las piernas, así no hay forma humana de hacer nada bien. Con "Nobody Home" busca en su interior todo lo que tiene y se da cuenta de que sólo posee bienes materiales, los valores importantes los ha perdido, busca en su interior en qué momento cruzó la línea y se empezó a distanciar. Esta canción es mi pèqueño tributo dentro del disco a Syd Barrett. TV: Luego, con "Vera" y "Bring The Boys Back Home" ¿haces referencia a la Segunda Guerra Mundial? RW: Sí, es como decir "¡eh, cuidado con la guerra!, que acaba con todo", por eso quiero traer de vuelta a los chicos, que vuelvan del campo de batalla. No tiene sentido, tienen cosas más importantes en la vida que hacer antes de luchar unos con otros. Para mí es la pieza fundamental del disco. Algo parecido ocurre con Vera Lynn; cuando vuelve de la guerra busca lo que tenía antes de irse, pero ya no hay nada, se han ido. Incluso los que le dijeron que le esperarían, como Vera. TV: Y con ¿"Comfortably Numb"? RW: En esa canción y la siguiente viene a decir que nada, que hay que seguir adelante. No importa lo pasado. Una pequeña inyección de moral y a seguir. Lo importante es seguir con la vida, con el concierto, aún a riesgo de parecer algo rutinario. El público ha pagado. Pase lo que pase "The Show Must Go On". TV: Pero es parece como una tiranía ¿no? RW: Y en cierto modo así es, le obligan a seguir contra su voluntad. Si por él fuera daría por concluido el concierto y la gira. Pero eso nos ha pasado a todos. Una voz nos dice "déjalo todo" y otra dice "adelante". Igual que en la canción "Run Like Hell". TV: Ahora viene "Waiting For The Worms", se habló ,mucho de estos gusanos, ¿qué representan? RW: Es un poco el efecto de las drogas, te cubren la cara y no te muestran la realidad tal y como es; los sentidos te engañan, no estás seguro de nada. Quiere dejar el show, el concierto, pero no puede, los gusanos le perforan el cráneo, como si te machacan con un martillo. Está atontado, abocado a su destino, sólo puede dejarse llevar, es más fácil que ir contra corriente. Pero aprovecho la ocasión para recordar las vidas con las que han podido las drogas, mi amigo Syd pensó que podría remontar el río y nadar contra corriente cuando se lo propusiera... y no pudo, el río de las drogas lleva mucha fuerza. TV: Después llega "The Trial" ("El Juicio", ¿es llevado ante el jurado contra su voluntad o sabe que tiene que ir y no se resiste? RW: Bueno, él quiere irse a casa; pero tampoco rehuye su deber, sabe que le pedirían cuentas por todo y que no puede negarse. Durante el juicio, le vienen a la memoria momentos de su vida en los que tuvo que elegir un camino u otro. Aparte, el jurado, los abogados, el juez... todos ellos son personas con las que se encontró en su vida en algún momento. De todas formas, el mensaje de esta canción y la siguiente "Outside The Wall" es demasiado largo como para resumirlo en esta entrevista. Te diré simplemente, que es un colofón majestuoso (hablo del montaje en concierto) para la vida de Pink. TV: Ok, ya para acabar dinos Roger, ¿cuántas actuaciones haréis el año que viene? RW: Tres o cuatro en todo el mundo, no más. Es un montaje demasiado grande como para hacer una gira. Sé que habrá mucha gente que no pueda verlo, pero bueno, tenemos pensado hacer una película en la que posiblemente se entienda todo mejor. La construcción del muro físico y psicológico y su posterior destrucción. noche para estar en casita con unos mates. y si estaban aburridos se ponen el "echoes in the canadian woods" y cuelgan un ratito leyendo esto

que es? Una taza es un recipiente resistente con una sola asa que se usa para tomar líquidos. En algunos países de latinoamérica se le denomina jarro. Funcion: La taza es utilizada para almacenar líquidos a temperaturas elevadas, tales como sopa, café, té o chocolate caliente para posteriormente ser ingeridos Apariencia: Este objeto puede tener diversas formas, colores y tamaños, estando o no serigrafiada pero la característica común de todas ellas es el asa para facilitar su manejo. Las de menor tamaño se denominan taza de café, taza de té o con el diminutivo tacita. A las de gran tamaño se les suele llamar erróneamente tazón. composicion: Las tazas suelen estar hechas generalmente de porcelana o cerámica, encontrándose también fabricadas de Pyrex, plástico o de metales como el aluminio o el acero. Fuente algunas imagenes:

John Paul Jones es un músico británico nacido con el nombre de John Baldwin el 3 de enero de 1946 en Sidcup, Inglaterra, conocido principalmente por haber sido integrante del grupo Led Zeppelin. En 1960 con 14 años formó parte de un grupo de danza de su padre, y un año más tarde crea su propia banda. En los años 60 comenzó a ser director y arreglista de otros grupos, así como pianista y bajista, incluyendo entre éstos a los Outlaws, Mickey Most, the Mindbenders, the Everly Brothers, The Supremes, Rolling Stones, Jeff Beck, Donovan, entre otros. Con Led Zeppelin En su época como integrante de Led Zeppelin (1968-1980) tocaba el bajo y frecuentemente el teclado, además varios instrumentos para sesiones de estudio, mandolina, flauta, etc. Se encargaba de los arreglos de las canciones junto con Jimmy Page. Despues de Led Zeppelin. Cuando en 1980 finalizó Led Zeppelin con la muerte del baterísta John Bonham, Jones comenzó en solitario su carrera con las bandas sonoras "Scream for Help" y "The Secret Adventures of Tom Thumb" y grabó su primer trabajo en solitario titulado "Zooma" al que siguió "The Thunderthief" en 2001. Está considerado como el miembro de Led Zeppelin más inteligente y versátil, gracias a su sapiencia musical y su habilidad con la guitarra, la mandolina, el banjo, e incluso la flauta dulce, además del bajo y el teclado. El más arraigado a la familia y dotado de un sentido del humor típicamente británico, aparte de ser el más alejado de las aficiones ocultistas de Page .De reconocido prestigio, grupos como REM le suplicaron con éxito que les produjese uno de sus últimos trabajos, pero Page y Plant perdieron contacto con él en los 90, ignorándolo cuando grabaron para la MTV un clásico desconectado. Más recientemente han retomado el contacto, pero sus malas relaciones han descartado la vuelta del supergrupo de los 70. Discografía como solista * Scream For Help (1985) * The Sporting Life (Diamanda Galas 1994) * Zooma (1999) * The Thunderthief (2001) aca dejo una entrevista: La razón de que John Paul Jones sea objeto de una entrevista en esta revista es la salida de su segundo álbum en solitario, el apabullante “The thunderthief”, un disco que aúna posturas experimentales con rock’n’roll de pegada potente y pasajes reposados. Bajos y baterías machacones sobre los que se superponen todo tipo de instrumentos más o menos estratosféricos o bucólicas canciones de pianos y mandolinas. Un disco que puede gustar tanto a los viejos amantes de los Led Zeppelin, menos blueseros y más experimentales, como a los fans de Robert Fripp o de los más nuevos hi-tech. Los salones del Gran Hotel Conde Duque son los elegidos para la charla con este personaje, alguien extremadamente bien conservado para los cincuenta y seis años que apecha, harto de correrías inconfesables y con exceso de horas encerrado en el estudio, pues, no hay que olvidarlo, John Paul Jones, siempre fue una rata de laboratorio. --Tu primer disco en solitario, “Zooma”, data del 99. ¿Qué has hecho en estos tres años que distan entre aquél y éste? -- “He estado de gira con ‘Zooma’. He estado un par de veces en América, también en Japón. Creo que en todos los sitios menos en España; lo intentamos, pero… Luego me puse a escribir las canciones de ‘The thunderthief’ y las he ido grabando poco a poco”. -- Esa gira americana de la que hablas la hiciste como telonero de King Crimson, ¿no? -- “Sí. Fue fantástico. Las dos bandas somos muy diferentes. Yo allí tocaba tres canciones de ‘Zooma’, tres de ‘Thunderthief’… Cantaba por primera vez en un escenario; hacia una de Led Zeppelin, la de ‘That`s the way’, pues es fácil, ya que no es demasiado alta ni demasiado grave. La hacía con mandolina, como la toqué en el disco original. También hacia dos instrumentales de Zeppelin: ‘When the levee breaks’, con steel guitar, y ‘Black dog’. Los fans de Crimsom se mostraron muy receptivos; parece que disfrutaron con el espectáculo”. -- Has tardado tres años en hacer el disco. ¿Cuál es el proceso de composición? -- “A veces escribo en el estudio, pero suelo tener el concepto de lo que quiero, qué tipo de canción deseo. Luego me doy una vuelta, ya que antes de escribirlo necesito visualizarlo. Así que primero llega la idea, luego la escribo y espero a que llegue la siguiente idea para continuar con la canción. Por ejemplo, en ‘Leafy meadows’ yo sabia que quería que Robert Fripp tocase y pensé qué era exactamente lo que quería de él, qué tipo de solo, en qué tipo de canción… Escribí ese tema teniendo en cuenta a Robert en la cabeza y con esa idea comenzó la canción”. -- Enlazando con la pregunta anterior, ¿cuál es, en consecuencia, el proceso de grabación? -- “Lo que hago es que, una vez que tengo la canción escrita (por ejemplo ‘Shibuya bop’), grabo su riff y lo meto en el disco duro, a manera de referencia. De ese modo sé exactamente cómo quiero que suene. Luego, con el midi, lo pongo todo junto: los samplers, las cajas de ritmos y demás, y lo trastoco todo: muevo el tiempo, las partes, cambio la clave, etc. Una vez que tengo lo que quiero lo regrabo, pero con baterías de verdad”. -- ¿Y cuánto tiempo te lleva todo este proceso? -- “A veces unas cuantas semanas, a veces apenas un día: depende de la canción. De todas formas, una vez hechos los temas, grabarlos no lleva tanto tiempo: el batería se lo hace todo en un par de semanas”. -- Siendo como eres multiinstrumentista, ¿tienes algún tipo de preferencia por alguna clase concreta de instrumentos? -- “Me da exactamente igual. Me vale cualquier cosa; lo importante es la composición. Tengo todo tipo de instrumentos por toda mi casa y por el estudio, así que voy cogiéndolos de las paredes y miro a ver si me inspiran o no. Cuando me pongo a componer pienso que determinados pasajes podrían ir bien para tal o cual instrumento”. -- Así pues, eres coleccionista de instrumentos… -- “Sí, por supuesto. La última vez que estuve en San Francisco me compré un instrumento chino que era tan grande que no me cabía en el autobús. En el disco, por ejemplo, utilizo un ukelele en ‘Freedom song’ y también uso un koto, instrumento tradicional japonés de trece cuerdas. Me lo compré en 1972 en la gira japonesa de Led Zeppelin”. -- ¿Y cómo te apañas para aprender a tocar los diferentes instrumentos? -- “De primeras los tengo todos afinados permanentemente. El koto lo toco todos los días; he aprendido cómo es la técnica de poner los dedos. ‘Shibuya bop’ fue inspirada la última vez que estuve en Japón, paseando por la zona de Shibuya, en Tokio, que está llena de gente joven. Me capturó su intensidad y su claustrofobia: no hay espacio para moverse… Así que hice la canción y después del solo de órgano me quedaba un espacio y no sabía qué meter y pensé en el koto; al final creo que he hecho el primer solo de rock’n’roll con koto de la historia”. -- De todas formas, tu firma más reconocible en el disco son los bajos. Suenan muy poderosos, muy llenos, como con Led Zeppelin… -- “Sí, claro. Se debe al bajo de diez cuerdas, que tiene el sonido muy fuerte. Ese sonido lo empecé con Led Zeppelin, más o menos con el disco ‘Presence’, cuando comencé a usar el bajo de ocho cuerdas. Lo hice porque cuando Jimmy Page se iba al solo nos quedábamos sólo el bajo y la batería y con ese bajo, que tiene las cuerdas en una octava alta y otra baja, parecía que estaba tocando un bajo y una guitarra a la vez. En el disco hay instrumentos, como una mandolina eléctrica, que suena en ‘Daphne’, que parece una guitarra: son instrumentos que me hace Hugh Manson. El bajo de ‘Angry angry’ es una bajo-mandolina eléctrico que se afina en quintas. Yo no suelo tocar guitarras (para eso están los guitarristas), pero toco todos los demás instrumentos, muchos de ellos construidos por los hermanos Manson. Uno me hace los eléctricos y el otro los acústicos. Ya lo llevo haciendo desde los tiempos de Led Zeppelin. Para algunas canciones he utilizado el kyma, una computadora que hace loops y va superponiendo una capa encima de la otra, una pista sobre otra de lo que voy haciendo… hasta ocho capas”. -- En el disco llama la atención que hay cuatro canciones cantadas, algo que no habías hecho nunca… -- “Es la primera vez que canto. Estoy empezando como cantante: es mi nueva carrera, je, je. He experimentado un poquito y no me parece mal. Como mi propio productor, me he hecho repetir cosas y algunas las he tirado. Originalmente iba a ser un disco instrumental, luego decidí usar el sonido de la voz y utilicé dos letras que tenía de un amigo, Peter Blegvad (que también se ha encargado del art- work), y que fueron ‘Thunderthief’ y ‘Ice fishing at night’. Tenía esas letras, les puse música y después conecté algunos micros y me puse a cantar. Luego escribí yo mismo las letras de ‘Angry, angry’ y ‘Freedom song’, ya que sólo dos letras me parecían insuficientes. De hecho había otra más, pero no era lo suficientemente buena. Es algo nuevo, interesante”. -- Aparte de la colaboración de Robert Fripp, de la que ya nos has hablado, está también el guitarrista Adam Bomb en “Angry angry”… -- “Es una especie de guitarrista glam-punk, de los ochenta. Creo que solía usar el nombre de Pink Gibson. Le conocí en Nueva York y me dijo que, si alguna vez iba a Londres, me daría una llamada para que fuera a verle tocar. Y así fue: me fui al Boderline a verle y quede muy impresionado con su actuación, con todo aquel pelo morado y esparramado y su guitarra como cubierta en sangre… ¡Fue cojonudo! Me volví a casa y en el estudio tenía currada una pequeña base, muy corta, sólo con el bajo y la caja de ritmos, algo muy machacón. Le llamé para que viniese a meter algo ahí. Fue algo muy rápido, pues él se iba ese mismo día de Londres. Tocó un solo improvisado, por lo que la canción salió a partir de ahí. Le metí una letra que en principio no sabía de qué iba a ir y después decidí hacer una canción protesta sobre la gente que siempre está protestando, aquéllos para quienes nunca hay nada que esté bien y siempre están enfadados. Así nació ‘Angry angry’”. -- Para finalizar las preguntas sobre tu nuevo trabajo, ¿quién formará la banda de acompañamiento en tu próxima gira? -- “Nick Begs y Terl Bryant, que ya están conmigo desde la gira de ‘Zooma’. Robert Fripp me recomendó a Nick Begs, que venia de Kajagoogoo, y Terl Bryant venía de tocar con Peter Murphy y Robert Fripp. Ellos estarán conmigo en la próxima gira”. Lo cierto es que la carrera de John Paul Jones no se circunscribe ni mucho menos al ámbito de Led Zeppelín y al de sus dos trabajos en solitario. Antes de juntarse con Jimmy Page en 1968 y formar la banda que terminaría haciendo historia, John Paul ya tenía una ganada reputación de músico, compositor y arreglista de sesión que le había llevado a trabajar con muchas de las mejores bandas de todos los tiempos. Después de la disolución de los Zeppo en 1980 volvería a estas labores y añadiría una nueva faceta: la de productor. El tiempo de la entrevista promocional nos impidió hacer un repaso exhaustivo de su carrera, pero, al menos, repasamos algunos de sus puntos más álgidos. -- En los 60 hiciste cosas para Jeff Beck… -- “Para él hice ‘Hi-ho silver linning’. No me habló durante un año. Fue una gran éxito para él, pero creo que no le gustaba. Trabajar con él no estaba mal; toqué el bajo en uno de sus álbumes, pero luego quitaron la pista del bajo ya que los dos managers no se pusieron de acuerdo”. -También para el cantautor hippy Donovan… -- “Para él hice ‘Mellow yellow’ y ‘Hurdy gurdy man’. De primeras no le gustó, pero de pronto se puso a tocarla Paul McCartney y entonces ya le pareció genial”. -- Con el propio Paul McCartney también tuviste algún escarceo… -- “Estuvimos grabando no-sé-qué-cosa que iba para un vídeo. Estaba yo con Dave Edmunds, Chris Speding, Ringo y él al piano. Cada vez que dejaban de filmar nos poníamos a tocar todos rock’n´’oll y el tipo nos decía que, por favor, dejáramos de tocar, que tenían que grabar”. -- Sus satánicas majestades también precisaron de tus servicios… -- “Me hicieron esperarles durante semanas, ya que era difícil tenerlos juntos. Yo hacía los arreglos para Andrew Loog Oldham, que era el productor. Hice un montón de cosas para él; básicamente arreglé algunas cuerdas”. -- Otros ilustres de los 60 que contaron con tu ayuda fueron los Yardbirds o el mismísimo Rod Stewart… -- “Hice ‘Little games’ para los Yardbirds y algunos arreglos, pero hace mucho tiempo de eso. Rod Stewart… ¿he trabajado con él? Tal vez, no me acuerdo. He llegado a hacer veinte sesiones a la semana, cuarenta arreglos por mes, así que no me acuerdo de todos, perdonadme”. -- Ya en la etapa post-Zeppelin, en los 80, trabajaste con gente como REM… -- “Lo de REM fue muy rápido. Recibí una carta de Michael Stipe que me decía que necesitaba arreglos de cuerda para tres canciones de ‘Automatic for the people’, por lo que me mandó una cinta, le hice los arreglos, me fui a Atlanta y allí cogimos a la Atlanta Simphony Orchesta. Estuve un par de días comiendo en buenos restaurantes. Fue muy agradable: hicimos intercambio de autógrafos”. -- También trabajaste con Peter Gabriel… -- “Estaba grabando música para el Palacio de la Memoria, para lo de Expo de Sevilla en el 92, y Moncho Algora, el director de ‘Art Futura’, tenía la promesa de Peter Gabriel de que haría una canción para aquello de modo que yo mezclaría el resto de la música en Bath, el estudio de Gabriel, y, de paso, Peter me pasaría su canción. Pero Peter no había escrito nada de nada. Yo tenía el ritmo de un tema y, desde el estudio, vi a Peter en el patio, por lo que le llamé y le dije que cantase sobre eso. Me dijo que no tenía letra, pero a mí me daba igual: quería que cantase algo. Lo hizo y eso fue lo que mandamos a Sevilla. Más tarde él retomó aquello y regrabó su voz ya con letra. Lo metió en su disco ‘Us’”. -- Como productor has trabajado con gente como The Mission, The Butthole Surfers o La Fura dels Baus… -- “The Mission fue mi primera gran banda. Creo que eran buenos. Hice el álbum ‘Children’, un gran disco. Y ‘Sum and substance’. Con The Butthole Surfers creo que hicimos un gran trabajo en ‘Independente worm salon’. Estuvimos dos meses en América haciéndolo. Están muy locos: se gastó más en whisky que en producción. En la primera canción de ‘Zooma’ Paul Lery metió un solo porque yo quería una guitarra muy rara para esa pieza y él es el guitarrista más raro que he conocido. Con La Fura dels Baus hicimos la producción para el disco ‘Noun’ con Inés Ortega y Juan Ramón Cañizares, una especie de flamenco industrial, con computadores y demás. Trabajar con artistas de flamenco no fue difícil. Quiero decir qué es música y yo hablo ese lenguaje: no español, pero sí música. Fue un mes en Girona viviendo en una casa con está gente loquísima”. -- Un disco en el que apareces como coautor es el “Sporting life” de Diamanda Galas… -- “Sí. Esa colaboración fue muy importante para mí. Estuvimos dos meses grabando en mi casa y después nos fuimos de gira. Fue importante, pues ahí decidí qué es lo que yo quería hacer, que era tocar en directo, y hacerlo con un equipo técnico pequeño, en pequeños teatros. Cuando acabé aquello supe que lo tenía que continuar de alguna manera. Eso me dio razones para hacer ‘Zooma’ y ‘Thunderthief’, que es lo que me permite tener material propio que mostrar en directo” --¿Qué relación te une en la actualidad a Robert Plant y a Jimmy Page? -- “De momento ninguna. Hasta que se vaya a sacar algo o vayamos a hacer cualquier negocio no hay nada. Entonces sí: nos reuniremos, hablaremos de ello y, un año después de eso, algo saldrá al mercado”. -- O sea, que la relación entre vosotros es básicamente de negocios… -- “Sí. La relación es básicamente comercial, pero ya en Led Zeppelin únicamente estábamos cercanos cuando estábamos de gira. Cuando volvíamos a casa apenas nos veíamos. Creo que ésa fue una de las razones de que durásemos tanto, ya que nos alegrábamos de vernos. Fíjate: otros, como Traffic, que solían vivir en la misma casa, cuando salían de gira se mordían”. -- ¿Qué te parece cuando Robert y Jimmy se unen y tocan material de Led Zeppelin? -- “Que tienen todo el derecho del mundo a tocar canciones de Led Zeppelin. Yo también toco canciones de Zeppelin”. -- ¿Nunca se ha barajado la posibilidad de que te unas a ellos en una de esas giras? -- “No. Nunca me han llamado para unirme a ellos y estoy contento por eso”. -- En el mercado han aparecido algunos discos firmados por Jimmy Page y John Paul Jones… -- “Con Jimmy Page no tengo nada. Eso es que cogieron algunas sesiones viejísimas nuestras, pero no es una colaboración de verdad”. -- ¿Cuál es tu disco favorito de Led Zeppelin? -- “Básicamente, me gustan cosas diferentes de cada disco. Debería escucharlas para decir cuáles… De todas formas, si he de decir uno diría ‘Physical graffiti’, aunque si me preguntáis que hay en él no os lo puedo decir. Sé que es el que más me gusta”. --¿Cuál es tu opinión de haber pertenecido a Led Zeppelin? -- “Estoy orgulloso. Fue la mejor banda del mundo. Te voy a contar una anécdota: una vez fui a una radio en Los Angeles cuyo presentador era Dee Smider, de Twisted Sister, y siempre empezaba las entrevistas con una pregunta: ‘¿Cómo cambiaron tu vida los Twisted Sister?’ Y mi respuesta fue: ‘me hizo darme cuenta de lo afortunado que he sido al haber estado en Led Zeppelin’. Así es como me siento”. dsp veo si consigo los discos de solista y los subo, y veo si pongo mas imagenes espero q les guste

Buenos Aires, 17 de diciembre (Télam).- La Orquesta Sinfónica Nacional que depende de la Secretaría de Cultura de la Nación se presentará junto al Coro Polifónico Nacional el próximo viernes a las 21 en Av. de Mayo al 200 de Ramos Mejía (al aire libre) con entrada gratuita. PUBLICIDAD El programa abarcará Ludwig van Beethoven: Sinfonía Nro. 9 en Re menor, op. 125, Coral. La Orquesta estará dirigida por el "maestro" Andrés Spiller y los solistas: Vanesa Tomas, soprano; Alejandra Malvino, mezzosoprano; Daniel Benchimol, tenor y Mario De Salvo, barítono. Mientras que el Coro Polifónico Nacional estará comandado por Roberto Luvini. (Télam).- ld-dsg 17/12/2008 07:11 Fuente

Nos encontramos ante las puertas de un proceso electoral que marcará tendencias hacia el 2011. A pesar del injustificable adelanto de las elecciones, estamos mejor preparados para competir y profundizar la propuesta de Proyecto Sur; una alternativa a las políticas neoliberales que nos saquean y a las dos derechas del bipartidismo que lo permiten. Una vez más, el oficialismo y sus aliados intentan hacernos creer que el enemigo es sólo una parte de la derecha económica y política y no los dos brazos con que opera el modelo neoliberal agro-minero-exportador: el Partido Justicialista y la alianza UCR-Coalición Cívica. Sus diferencias no son económicas, sino políticas: siguen siendo la alternancia gerenciadora del sistema neocolonialista imperante, después de traicionar las causas fundantes de Alem, Yrigoyen y Perón. Cómplices de los grupos económicofinancieros dominantes, del poderío de los EE.UU., del FMI y del Banco Mundial, las distintas expresiones del bipartidismo son responsables de la crisis y la degradación argentina. En su momento, un artículo mío publicado en este diario (“Oro, hambre, saqueos y complicidades”, el 5 de enero pasado) provocó diversas respuestas, sin que ninguna contestara su denuncia principal: el hambre es un crimen evitable y consentido porque el país tiene los recursos para acabar con él. Algunos compañeros se molestaron porque no mencionaba los logros del Gobierno, como si cada vez que se critica sea necesario recordarlos. Los he ponderado innumerables veces en los medios y en notas, por honestidad política e intelectual. Queremos debatir con sinceridad, sin que recorten declaraciones o las saquen de contexto. Jamás dije que “Kirchner es Menem” o que “el kirchnerismo es la continuidad del menemismo”, porque en lo político –derechos humanos, relaciones exteriores, justicia– tienen grandes diferencias. Reitero lo dicho: Néstor y Cristina continúan el modelo agro-minero-exportador de Menem y profundizaron las prebendas a la “patria subsidiada”. Otros amigos se enojaron porque traté a Kirchner de traidor. No tuve ánimo de ofenderlo: él se puso junto a Menem y a contracorriente de la ola latinoamericana de recuperación de los recursos. Una buena política de derechos humanos no justifica la entrega ni la “ley corta” (Nº 26.167/1/2007) que le pasó el dominio de los yacimientos a las provincias, traicionando la línea histórica de Yrigoyen, Mosconi, Perón a Illia, para quienes los hidrocarburos eran de la Nación. El resultado fue que, en vez de obligar a las petroleras a cumplir las inversiones, se prolongaron las concesiones por 30 años. Fue el mayor golpe económico que sufrió la Argentina desde Menem. Hagamos la cuenta: tomando la producción actual de 230 millones de barriles anuales y el valor del crudo a una media de u$s 50 el barril y lo multiplicamos por 30 años, dan u$s 345 mil millones, a los que debe sumarse un 45 por ciento más del gas. Una descomunal transferencia de riqueza superior a los u$s 500 mil millones –sin contar que el crudo subirá en los próximos años–, más que suficiente para acabar con el crimen del hambre, la indigencia y desarrollar el país. Es un recurso que le pertenece a nuestros hijos y se entregó sin necesidad: la Nación y las provincias podían recuperar los yacimientos por los incumplimientos o cuando vencieran las concesiones en el 2017 y reconstruir una empresa petrolera nacional. Estos temas no pueden silenciarse: fueron y son políticas del Gobierno. Somos el único país del mundo que permite a las petroleras concentrar el ciclo total de explotación. Sin debidos controles públicos: extraen, transportan, refinan y venden. La estafa fiscal es inmensa. En minería es peor: premian las exportaciones con subsidios del 2,5 al 7 por ciento y pueden dejar fuera del país el 100 por ciento de sus ventas. ¿No se parece al viejo Potosí? Los recursos son de todos y deben cuidarse entre todos. Sin reconstruir una ética pública, no llegaremos a la Argentina que soñamos. ¿He querido decir que todo lo que hizo el Gobierno está mal como dicen Carrió, Morales y Macri? Lejos de estos ánimos “destituyentes”, defendemos la continuidad republicana del Gobierno y el legítimo derecho del Estado de fijar las políticas distributivas. Con la misma firmeza con que criticamos las complicidades del gobierno K con el saqueo de nuestras riquezas, defendemos sus aciertos y apoyamos en el Congreso sus buenas iniciativas –ante las AFJP, la reforma de la ley de radiodifusión, recuperar la fábrica de aviones de Córdoba–, porque lo que es bueno para la Nación y para el pueblo, es bueno para Proyecto Sur. Lo que nos ocupa ahora no es el pasado, sino el desafío de construir lo que falta: el movimiento político, social y cultural que pueda derrotar la cultura de la entrega y la derrota y pueda transformar en paz nuestra Argentina. Frente al temor al cambio, la resignación o el posibilismo, planteamos objetivos emancipatorios, democráticos y participativos. Pero, ¿por dónde pasa esta alternativa? Sectores progresistas y neokirchneristas plantean que, como no hay nada a la izquierda de Kirchner, hay que apoyar al Gobierno para evitar que avance la derecha y criticarlo desde adentro para que corrija el rumbo. Así, en mayo de 2007, todos se unieron detrás del Frente para la Victoria para derrotar a Macri, mientras daban luz verde a la reprivatización de Cerro Dragón y la Ley Antiterrorista. Creemos que esta posición es un error y un grave olvido: Kirchner preside el PJ, partido que nuclea a quienes remataron los bienes de los argentinos y hace de lo público asunto de negocios privados. Su pragmatismo político no tiene principios: es válido abrazarse con Barrionuevo, Saadi o Gioja. Así le fue en Catamarca. No pueden hacernos creer que la derecha es sólo la Sociedad Rural. ¿Qué son acaso las grandes corporaciones petroleras, mineras, agroexportadoras y financieras? ¿Debemos cosificar la historia y estar a la zaga de un gobierno aliado a esta gran derecha? A pesar de la quiebra global, en nuestro país los bancos fueron el sector que más ganancias obtuvo en 2008 por las tasas usurarias que siguen cobrando con la vista gorda del Gobierno. Sabemos que las alternativas no nacen espontáneamente, se las construye con obstinación, coherencia y principios. Es lo que venimos haciendo desde agosto del 2007 con Proyecto Sur. Parecía empecinado y suicida, pero demostró que un importante sector de nuestra sociedad lo esperaba. Las movilizaciones y luchas sociales de los últimos 20 años enseñaron que sin construir una fuerza propia, sin disputar poder político, los esfuerzos son capitalizados por otros. Hoy seguimos construyendo una fuerza alternativa que uniendo culturas nacionales, progresistas y de izquierda, se prepara para reemplazar al bipartidismo y llegar al gobierno. Tarea ciclópea que sólo podrá llevarla a cabo un grandísimo movimiento y es lo que debemos realizar entre todos. Hemos vuelto a la política no por una elección, sino para realizar el Proyecto Sur. Participaremos en los futuros comicios hasta lograrlo: 2009, 2011, 2013, 2015, etc. Estamos creciendo en las provincias y el 28 y 29 de marzo celebramos el primer congreso nacional. Desde estos objetivos, va nuestro mensaje fraterno: a los militantes sociales y territoriales que aún desconfían de la política; a los compañeros que siguen en sus casas; a todos los trabajadores, jóvenes y mujeres que guardan la esperanza; a los investigadores y técnicos; a los grupos de artistas e intelectuales, a Carta Abierta y a todos aquellos que deseen aportar les decimos: encontrémonos con amistad y modestia, tomémonos un matecito y construyamos juntos la alternativa que el país necesita. * Referente Proyecto Sur. Publicado en Página 12 el 30/03/09 fuente

un gran artista....voy a dedicarle un post..(vi dos sobre él en taringa , y ..el primero me gusto, pero crei que le faltaba un poco mas de informacion... y en el segundo(no se si soy yo solo) no se ven las imagenes....asi que me puse a recopilar un poco de informacion e imagenes para dedicarle un post a un grande! Serpiente de Paileman empecemos por la biografia: Gustavo Cabral, Ciruelo, nació en Buenos Aires, Argentina, el 20 de Julio de 1963. Ya desde muy corta edad pasaba varias horas del día dibujando, fue así como su formación artística formal se inició tempranamente a los trece años en el prestigioso Instituto Fernando Fader, en Buenos Aires, donde cursó diseño publicitario e ilustración. Su primer dibujo figuró en una publicación escolar cuando tenía quince años, y a los dieciséis diseñó un póster para su banda de rock llamada Engendro. De niño le fascinaron los comics, la literatura y cine fantásticos, pero según sus propias palabras lo que le despertó el interés por el arte fantástico fue, a los quince años, descubrir los libros de Roger Dean y Frank Frazetta. Fue en ese momento, y escuchando los discos de YES, cuando la elección de su futura profesión estuvo clara. Dragon De Sunset A los dieciocho ya trabajaba como ilustrador en una agencia de publicidad (Manzi Publicidad) donde continuó su aprendizaje y se familiarizó con el aerógrafo. A la edad de veinte años dejó dicha agencia para convertirse en ilustrador independiente, y sus trabajos comenzaron a aparecer en publicaciones como Fierro, Humi, Humor, Quiero Ser y Playboy. A la revista Uno mismo le hizo más de 25 tapas. Ilustración de Ciruelo (sobre personajes de Solano López) para la tapa de la revista Fierro N° 12 (Buenos Aires, 1985) En 1987 emigró a España (como tantos otros) por la situación económica de Argentina y para alejarse de la publicidad, único campo rentable para su profesión en el país, y poder de esta manera desarrollar ilustraciones más creativas. Desde entonces vive con su esposa Daniela en Sitges, pueblo a 30 kilómetros de Barcelona, a las costas del Mar Mediterráneo. La elección del lugar la hizo principalmente para poder estar en contacto con sus amigos, también dibujantes, Gusti Rosemfett, Juan Giménez y Horacio Altuna. Un año después, viaja a Barcelona donde se pone en contacto con una editorial que empezaba a publicar Fantasía Épica de autores americanos y de ese modo comienza a ilustrar en ese género. A partir de allí encuentra editores en varios países como Inglaterra, Estados Unidos y Alemania, que le proporcionan trabajos fantásticos y creativos. Polución Entre las importantes editoriales de USA que lo contratan está Bantam, que le encarga las portadas de la trilogía Chronicles of the Shadow War, escrita por George Lucas, y continuación de Willow, película preferida de Ciruelo. Otras editoriales norteamericanas del mismo género para las que realiza trabajos fueron Tor Books, Warner, Ballantine, Wizards of the Coast, Heavy Metal, etc. Dentro de España trabajó en una de las principales editoriales de literatura fantástica, Timun Mas. También ilustró tapas de discos, una de las primeras que realizó fue para la banda de sonido de Hombre mirando al Sudeste de Eliseo Subiela. También hizo trabajos para los argentinos Marcelo Torres (ex bajista de Lito Vitale), Luis Alberto Spinetta y el último disco de Los Enanitos Verdes, Nectar. Internacionalmente fue contratado por el músico Steve Vai (ex guitarrista de Frank Zappa , Whitesnake y David Lee Roth), con el que se hizo muy amigo y con el que asegura tener una conexión artística muy fuerte. De hecho la música siempre estuvo unida a su vida, convirtiéndose en una de sus principales fuentes de inspiración. Cuando trabaja suele escuchar a Pat Metheny Group, Steve Vai, Spinetta, Seal, Lito Vitale, Silvio Rodríguez, Jeff Beck, David Bowie y mucha música clásica. El galeón de los sacrificios El estilo de Ciruelo se denomina “fantasía épica” o “fantasy” (en inglés), y lo describe como abarcando la estética de la fantasía medieval, los elfos, dragones y hadas, y demás imágenes del folklore anglosajón, nórdico y celta. Dentro de este género podría citarse la obra de Tolkien, básica para el género de la literatura fantástica. Amazona Si bien su técnica preferida actualmente se basa en la pintura acrílica (con pincel y sobre tela) también utiliza el aerógrafo para algunos detalles. Reconoce que le encanta experimentar, y fue así como nacieron sus famosos petropictos (palabra inventada por él, combinación de “petro – piedra” y “picto – dibujo”). Siempre se sintió impresionado por las formas que se encuentran en la naturaleza, especialmente en las piedras que colecciona desde hace años. Son sus texturas y las formas naturales las que lo inspiran para descubrir formas que después dibuja sobre ellas para lograr una escultura a través de la pintura Machi y Serpiente dragón (petropicto) Petropicto Aunque casi nunca realizó trabajos íntegramente por computadora no las cree contraproducentes (como muchos otros artistas) sino que las considera de gran ayuda pues le brindan la posibilidad de plasmar rápidamente ideas que tradicionalmente tardaría mucho en hacer por otro medio. Shadow Dawn En 1990 la editorial inglesa Dragon´s World publicó Ciruelo , un libro que contiene las mejores ilustraciones de Ciruelo hasta ese momento, con el cual inició su incursión entre los más famosos artistas fantásticos.Ese mismo año dedicó ocho meses a ilustrar El Gran Libro del Dragón para la editorial Timun Mas. Posteriormente este libro fue también publicado por la editorial Inglesa Paper Tiger y traducido a cinco idiomas. Luz, The art of Ciruelo e editó en 1997 y reúne ilustraciones a color y varios dibujos a lápiz. En el 2000 se publicó Magia, The Ciruelo Sketchbook con bocetos y dibujos a lápiz y tinta. En la actualidad Ciruelo está preparando un libro que será una compilación de dibujos y textos llamado Libro De Viajes donde no sólo habrá ilustraciones sino que constará de reflexiones y pensamientos del artista. alguans frases de ciruelo: “Dibujar es materializar algo que hasta ese momento era abstracción. Ya es un acto de magia. Es manifestar algo que no tenía forma.” “Lo que busco con la técnica más realista es que un escritor que está escribiendo sobre un mundo de dragones y elfos tenga en la portada una foto de algo que no puede existir, que le dé un apoyo más real, entre comillas, a lo que el lector está leyendo. Ayuda a crear un mundo un poco más creíble.” “Ilustrador es una palabra que no me molesta en absoluto, aunque artista también me definiría bien. Esta última abarcaría también mis facetas de músico o escritor, que aunque menos difundidas, son igualmente sentidas.” "Un día dije: no dibujo más, ahora quiero ser mago y cuando hice magia me di cuenta que era igual que dibujar." Entrevista con el Diario Clarin 19/1/2005. CIRUELO, UNO DE LOS ARTISTAS MAS RECONOCIDOS EN EL MUNDO DEL "FANTASY ART" "Muchos no se acercan a mi trabajo porque lo consideran un arte menor" Dragones, hadas y guerreros en una muestra del pintor e ilustrador argentino. Son acrílicos y óleos sobre tela, además de su creación personal: los "petropictos". La última vez que visitó el país, en el verano de 2001, unas 50 mil personas pasaron por el Palais de Glace para ver su obra. Está bien que Ciruelo —así se lo conoce en todas partes— sea considerado uno de los ilustradores más importantes del Fantasy Art, el género que muestra un mundo de doncellas y dragones, hadas y duendes, guerreros y espadas. Pero hay algo inescrutable y misterioso en el hecho de que cada regreso del artista sea acogido por tantos y tan fieles seguidores. Tal vez sea por eso que Ciruelo, instalado desde hace 18 años en Cataluña, espera una repercusión similar para la muestra que presentará en estos días en el mismo Palais de Glace. "Al menos, que se acerque la misma cantidad de gente", pide. Este año se animó a publicar Cuadernos de Viaje, con textos suyos por primera vez. "Son pequeños dibujos que hago en mis horas muertas en los aeropuertos, acompañados de frases. Me gusta la unión entre lo que está escrito y el dibujo, lograr pequeñas combinaciones o dicotomías", cuenta el artista, que hizo imprimir el libro en el país para que se pueda conseguir a un precio accesible. Aunque la mayor parte de las obras que exhibirá en el Palais son óleos o acrílicos, dibujos a lápiz, bocetos y diseños de arte fantástico, las estrellas de la muestra son los petropictos, una técnica para pintar piedras creada por él mismo. Explica: —Siempre tuve piedras en mi casa porque me gustaban los colores, las formas, y las coleccionaba. Un día empecé a pintar una y me di cuenta que tenía una natural habilidad para reconocer formas en ella. Con un par de trazos vi que lograba un efecto tridimensional de lo que mi imaginación proyectaba. Fue el comienzo de una técnica que después empecé a mostrar, primero en Berlín, en el 95, y unos meses después en Nueva York, donde expuse y vendí durante cinco años. —Es una técnica con algo de alquimia, de magia. —Bueno, cuando estudio la piedra veo, por ejemplo, la forma de un elefante. Empiezo a pintarla y la piedra me sigue dando cosas que en primera instancia no había visto, como cierta textura que me indica que el ojo del elefante está exactamente donde lo necesito. Esas cosas no las puedo explicar, pero es como un diálogo que tengo con la piedra, con la naturaleza, que me emociona profundamente. Es algo que no encuentro cuando pinto sobre un papel. Yo me siento parte de la obra, y el resto lo completa el público cuando lo ve. Mucha gente tiene esa misma pasión por la naturaleza, el amor a sentarse a mirar un paisaje. Esa sensación es la misma que producen las piedras. Y la gente que ve lo que hago con ellas, cuando entiende el proceso, también se emociona mucho. Es una técnica que encierra una serie de cosas que yo no he visto en otras artes. —A su obra se acercan muchos jóvenes, ¿lo sorprende? —No, el arte fantástico tiene mucha relación con el mundo de los jóvenes, el cómic, la literatura fantástica. Pero también hago algunas cosas de diseño para películas y eso ya es para un público más general. Y los petropictos atraen toda clase de público, y he visto mucha gente mayor que venía recomendada a ver eso, y después se encontraba con el otro arte que también les sorprendía, porque nunca se habían acercado. Sin embargo les gustaba y reconocían el trabajo que hay, porque son obras muy elaboradas: mucho trabajo de dibujo, mucho trabajo de pintura, muchas horas, mucho esfuerzo, pintadas con técnicas tradicionales de óleo sobre tela. La gente que consume arte normalmente no se acerca a esto porque está considerado como un arte menor, digamos. Sobre todo en la Argentina. En Estados Unidos no se tiene ese prejuicio. Ni en Alemania. —¿Le preocupa ese prejuicio? —Al principio, un poco. A medida que se fue desarrollando mi carrera me di cuenta de que lo que yo tenía que hacer era encontrar mis caminos, y creo que los encontré. Diego Jara. ESPECIAL PARA CLARIN Aluxe Nota de la Rolling Stone: Ciruelo - El señor de los dragones Cuatro años después de su primera exposición en Buenos Aires, a la que asistieron más de 50.000 espectadores, este ilustrador argentino vuelve con sus nuevos trabajos de Fantasy Art. Del 21 de enero al 20 de febrero en el Palais de Glace. Ciruelo - Fantasy art. Muestra de Ilustraciones y Petropictos. Del 21 de enero al 20 de febrero de 2005, martes a domingo, de 14 a 20 hs. Palais de Glace, Posadas 1725. Localidades $ 3. Cuatro años después de su primera exposición en Buenos Aires, a la que asistieron más de 50.000 espectadores, este ilustrador argentino que se ganó un lugar de privilegio en el mundo de la fantasia épica (Fantasy Art) vuelve con nuevos trabajos: sus últimos dibujos, ilustraciones y pinturas, petropictos, proyecciones digitales y diseños de Dragones para Cine, Ciruelo, radicado en Barcelona desde 1987, en el marco de esta muestra presentará también su último libro "Cuaderno de Viajes", recientemente editado. Su obra lo ha llevado a trabajar para editoriales de España, Inglaterra, Alemania y los EEUU, a realizar portadas para libros del director George Lucas, portadas de discos de Steve Vai y Spinetta, o ilustrar las Cartas Magic, entre otras. por ultimo, unas imagenes: http://www.ciruelocabral.com.ar/