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Fender Precision Bass Bienvenidos a mi post tributo al Precision. Hacia rato que lo venia postergando, espero les guste! Cualquier pregunta que tengan, consulten… Este de abajo me pertenecio en una epoca, es un Fender Precision Bass Vintage Series reedicion ’62, lo use durante 9 años… un bajazo… lo extraño! Comenzamos. Esto es mas o menos lo que dice Wikipedia. Yo corregi algunas cosas, y agregue data! El Precision Bass (o P-bass) fue el primer bajo eléctrico comercialmente viable de la historia, diseñado por Fender en 1951. Ideado a partir de una fusión de las características de una guitarra eléctrica y un contrabajo, Leo Fender tenía como objetivo ofrecer a bajistas y guitarristas un instrumento más ligero y cómodo que éste último, y que al mismo tiempo proporcionase mayor volumen en el escenario ante la popularización de las guitarras eléctricas. El Precision bass ofrece un sonido más agresivo, redondo y menos definido que el Fender Jazz bass, por lo que es un instrumento especialmente apreciado por músicos rock y estilos afines. Aunque el modelo original fue diseñado y continua siendo producido por Fender, el termino 'P-bass se usa hoy día como estándar para hacer referencia a cualquier instrumento fabricado según su diseño básico de construcción y electrónica. Historia El contrabajo tradicional es un instrumento incómodo y difícil, cuya ejecución y buena afinación durante la ejecución, sólo se logran después de muchos años de entrenamiento. La idea de Leo Fender fue poner al alcance de contrabajistas y guitarristas, más que para los bajistas, un contrabajo de reducidas dimensiones, con trastes como los de la guitarra y que, amplificado eléctricamente, ya no necesitaba de una enorme caja de resonancia, pudiendo así ser transportado más fácilmente. Esta "guitarra-bajo" podía ser ejecutado con la técnica de la guitarra y permitía obtener notas afinadas y precisas, con un sonido claro y sin necesidad de estudios complementarios. Estas características otorgaban al instrumento nuevas posibilidades musicales, pudiendo de esta manera explorar otras funciones más allá del de mero instrumento de acompañamiento rítmico básico al que el contrabajo había quedado relegado. Había nacido así la Guitarra Baja de Precisión que la nueva música de los años cincuenta estaba necesitando. Para la construcción del primer prototipo, Leo Fender y George Fullerton se basaron en la guitarra Telecaster, que ellos mismos habían presentado poco antes. Imaginaron que para conseguir una guitarra-baja tan sólo tendrían que modificar las dimensiones del mástil de la guitarra, y tras varios experimentos por ensayo y error establecieron la medida que hoy consideramos estándar: 34 pulgadas. Para la construcción de estos primeros prototipos tuvieron que emplear cuerdas de contrabajo de tripa, que ellos mismos habían recortado para ajustarlas a las dimensiones reducidas del diapasón, y a las que habían envuelto con un alámbre metálico para excitar la respuesta de las pastillas. Del mismo modo, emplearon clavijas de contrabajo. Puesto que el cuerpo del instrumento resultaba muy grande pesado, Leo Fender le dio el diseño doble cutaway, para mejorar el balance del instrumento y aligeraba su peso. Los instrumentos de producción basados en este prototipo presentaban ya cuerdas de metal flatwound fabricadas por Squier, clavijas backward (al reves), (a mediados de los años ’70 todos los instrumentos Fender incluían clavijas Schaller de fabricación alemana), y una única pastilla de bobinado simple con dos controles, tono y volumen. El mástil era fijado con tornillos al cuerpo del instrumento, lo que permitía su fabricación en serie, disminuyendo los costes de producción. Dando por sentado que los músicos usarían el pulgar para pulsar las cuerdas, Leo Fender había incluido un bloque de madera atornillado al cuerpo bajo las cuerdas, para facilitar esta postura. Se añadieron cubrepastillas de metal cromado que proveían aislamiento eléctrico a las pastillas, y, por último, se incluían muteadores de goma sobre las cuerdas para reducir el sustain del instrumento. Recién en el año ‘59, Leo Fender presentó su amplificador Bassman un modelo que había diseñado específicamente para reproducir las bajas frecuencias propias del instrumento. Evolución Como hemos ya precisado, el Precision Bass original de 1951 compartía básicamente el mismo diseño de la guitarra Telecaster, también de Fender, con la diferencia del doble cutaway (diseño de cuerpo con "doble cuerno". En 1953 el cuerpo del Precision era ya contorneado, para facilitar la comodidad del ejecutante. En 1957 el modelo sufrió una serie de profundas modificaciones que lo acercaban a la Stratocaster recién introducida por la marca; se rediseñaron el cuerpo y el golpeador y, sobre todo, se reemplazaron las pastillas de bobinado simple del modelo original por las actuales, de bobinado doble. Dos años más tarde, en 1959, se añadió un diapasón de palorosa al mastil de arce, reemplazando el mástil de una sola pieza que había sido empleado hasta entonces, y que, también desde entonces, pasa a ser una posibilidad opcional. Este modelo básico ya no cambiaria sustancialmente hasta nuestros días. Mientras tanto, en 1968 se reintroduce el modelo Precision original, con algunas mejoras. Denominado en esta ocasión Telecaster Bass, permaneció en el catálogo de Fender hasta principios de los 80. A principios de la década de los ‘70 Fender ofreció el Precision en versión fretless, pero la propuesta no tuvo muy buena aceptación. No sería hasta la década de los 90 que Fender no volvería a ofrecer una versión sin trastes de su modelo Precision. Posteriormente se sucedería una interminable sucesión de pequeñas revisiones y actualizaciones del modelo que, en cualquier caso, no lo alejaban demasiado del diseño de 1957. Así, desde los años 70 en adelante, el Precision ha recibido nuevas maderas, pastillas, circuitos o puentes, se han realizado versiones activas del bajo, o modelos Deluxe o Elite, con herrajes de oro, cuatro pastillas o combinacions hibridas de pastillas Jazz/Precision, pero como hemos dicho, ninguna de estas modificaciones resultaba permanente y se volvía una y otra vez al modelo estándar. Los años 80 vieron una serie de reediciones de modelos clásicos en la línea Precision, y se introdujeron instrumentos de fabricación Japonesa o Mexicana, a menor precio que los modelos americanos. Durante los años 90 se introdujeron los modelos Precision Plus y Deluxe Plus. El espíritu "retro" de la segunda mitad de la década devolvió el interés hacia los instrumentos "vintage", lo que impulso a Fender a reeditar las versiones clásicas de la serie. La última actualización importante de la serie es el modelo "Precision Deluxe" que, desde finales de los 90, pretende conjugar el diseño y la estética clásicas del modelo con un sonido más moderno. Especificaciones (valido para toda la linea Fender) (info exclusivamente mia) Cuerpo: Alder (Aliso), hasta finales de los ’60. Ash (Fresno), desde principios de los ‘70 Mastil o mango: Maple (Arce) construidos de una sola pieza, hasta finales de los ’50. Ahí se introduce el diapasón de Rosewood (Palisandro o Palo Rosa). Golpeador o Pickguard: los primeros P-bass, como tambien las primeras Telecaster traian un golpeador de bakelita (negro). Después se introdujo el clasico golpeador de acrilico blanco. En el ’57, cuando se produjeron los cambios casi definitivos en el P-bass, el golpeador es fabricado en Aluminio anodizado (proceso para colorearlo). Desde los primeros ’60, los golpeadores son de Carey o caparazón de tortuga. (se dice que los originales estan realizados de ese material) pegado sobre una capa de acrilico blanco (hasta mediados de los ‘70). Tambien siguen los de acrilico blanco. Desde mediados de los ’70, se introduce el golpeador de acrilico negro. Acabado: desde los primeros hasta los de los ’70, la laca utilizada es nitro celulosica (mas blanda y tiende a amarillentar mas las maderas). Desde los ’70 para acá, se empiezan a pintar con laca poliuretanica (mas dura). La evolución del logo Un detalle que muchos no saben Como ya explica el texto, Fender incorporo un apoyo de madera (luego, realizado en plástico) para facilitar el manejo del pulgar al pulsar las cuerdas (al principio se ejecutaba asi) ubicado en la parte del medio del golpeador. Luego, a principios de los ’70, este cambio de lugar al ver que todos los bajistas usaban los otros dedos (índice y medio). Compárese con las otras fotos. Valoración Un signo de la importancia y el valor histórico de este instrumento, que ha revolucionado la historia de la música popular desde su creación en 1951 es el hecho de que durante muchos años las asociaciones americanas de músicos han empleado el término "Fender bass" o "Precision bass" como sinónimos de "Electric bass". El precision bass no fue el primer bajo de la historia, pero sí el primer bajo eléctrico verdaderamente aceptado por la comunidad de músicos. Cuando a mediados de los '50 los primeros contrabajistas de Rock&Roll abandonaban sus instrumentos en favor del nuevo Precision, estaban iniciando sin saberlo una revolución en el sonido de la música popular, que se volvía más eléctrica. El Precision bass aportaba el volumen que esa nueva música requería y fue así, sin duda, uno de los protagonistas de esta revolución musical. Por otra parte, junto al Fender Jazz Bass, el Precision Bass es uno de los bajos más utilizados por músicos de todos los géneros y es hoy (también al lado del Jazz Bass), un modelo con el que se comparan continuamente todos los demás instrumentos. El precision fue, es y sera, uno de los bajos preferidos por la mayoría de bajistas a nivel internacional. Aquí incluyo algunas fotos de los mas famosos usuarios del P-bass. John Entwistle – The Who John Deacon – Queen Roger Waters – Pink Floyd – Solista Sting - The police – Solista Steve Harris – Iron Maiden Y por ultimo, en mi homenaje, no podia faltar una foto del mentor de esta historia… Clarence Leonidas (Leo) Fender (10 de agosto de 1909 - 21 de marzo de 1991) fuente consultada: http://es.wikipedia.org/wiki/Fender_Precision_Bass Espero les haya gustado! Cualquier duda, consulten! Sepan valorar el esfuerzo!!! Comenten!!!

Hola a todos! Encontré esta noticia que será bien recibida por todos los amantes del audio en alta fidelidad. Sólo para entendidos. Comentarios fuera de lugar serán borrados! Tocadiscos para vinilos, pero con sistema láser para evitar el desgaste Aunque muchos medios de comunicación llegaron a dudar de la veracidad de la notícia, el nuevo reproductor de vinilos con sistema láser es un dispositivo creado por la empresa japonesa, ELP Corporation. Por la aparencia exterior, parece un reproductor de CD, por su funcionamiento también. Apretando un botón se abre para introducir tu disco y se pulsa play. Es capaz de saltar las canciones y hasta de pausar la reproducción. Se trata del nuevo y revolucionario reproductor de vinilos, creado por la empresa japonesa, ELP Corporation. El ELP Laser Turntable lee los surcos del disco con un rayo láser en vez de la aguja tradicional, de esta forma el vinilo no sufrirá los daños y desgastes de la fricción de la púa. Además el dispositivo es apto para discos de diferentes diámetros y a diferentes velocidades. Para los nostálgicos cabe destacar que el ELP Laser Turntable mantiene el sonido original, es decir en ningún lugar digitaliza el sonido. De momento solo se puede pedir por encargo y su precio va de los us$ 7200 a us$ 9840... imposible!!! escuchar este disco en este nuevo reproductor, debe ser una de la experiencias mas placenteras de la vida aca dejo el link a la página oficial de la marca que lo fabrica... está el precio actualizado http://www.elpj.com/ Comenten!!! http://www.noticiasdot.com/publicaciones/2006/0906/1309/noticias/noticias/noticias_130906-20.htm

Fender Jazz Bass Bienvenidos a mi post tributo al Jazz Bass! Alentado por los comentarios de anoche, decidí hacer este para regalarles! Desde ya, muchas gracias a todos por la buena onda! Espero les guste, y si tienen alguna duda consulten! Disfruten y comenten! Este de abajo es mi Jazz Bass actual, siempre ando con nuevos proyectos y siempre con ganas de tocar y mostrar mi musica! El Fender Jazz Bass' (Jazz bass o J-Bass) fue el segundo modelo oficial de bajo presentado por Fender. Introducido en 1960 como una especie de versión "Deluxe" del Precision Bass, el modelo debe su nombre al hecho de que fue presentado como la versión "en bajo" de la guitarra Jazzmaster de Fender, que a su vez pertenecía a la gama alta del catálogo de Fender, dirigida a músicos avanzados de técnica de jazz. Características técnicas El instrumento muestra un cuerpo ligeramente diferente al del Precision, asimétrico y contornado, y cuenta con un mástil notablemente más estrecho que el del Precision, que había sido diseñado con el objetivo de facilitar aún más la ejecución a los bajistas y guitarristas que adoptaban el nuevo instrumento. Para la construcción del modelo se recurrió desde el principio a las mismas maderas que se empleaban para el Precision: aliso para el cuerpo y arce para el mástil. El Jazz Bass presenta dos pastillas de bobinado simple con ocho polos magnéticos cada una, y tres perillas de control situadas sobre una placa metálica en la parte inferior derecha del cuerpo del instrumento: dos controlan el volumen individual de cada pastilla y una controla el tono de ambas. La pastilla más cercana al puente entrega un sonido brillante, compacto y definido, mientras que la del mástil da un sonido más grave y redondo. La posibilidad de mezclar los volúmenes de ambas pastillas otorga al J-bass una mayor versatilidad sonora respecto al P-bass, y el hecho de que estén conectadas en paralelo y presenten una polaridad inversa, contribuye a reducir el ruido de masa y permite un sonido más rico en medios y menos agresivo que el del Precision bass. Este le pertenecio a Jaco Pastorius, el tipo que cambio la forma de tocar el bajo, un genio!!! Valoración El Fender Jazz Bass es un instrumento clásico y, por su versatilidad, ha sido uno de los instrumentos más usados por músicos de todos los géneros5 Ha sentado en auténtico estándar en la fabricación de bajos eléctricos y aún hoy, es un modelo con el que se comparan todos los nuevos diseños. Aunque el modelo original Jazz Bass fue diseñado y continua siendo producido por Fender, el término se usa hoy día para hacer referencia a cualquier instrumento fabricado según su diseño básico de construcción y electrónica. De hecho existen innumerables marcas y luthieres que, inspirados en el modelo original, han construido instrumentos que respetando su estética, mejoran, en algunos casos, sus prestaciones sonoras. Como ejemplos podemos citar los instrumentos fabricados por Roger Sadowsky o Mike Lull. Cronología y Evolución Aunque el diseño básico del modelo no ha cambiado sustancialmente en sus casi 50 años de historia, a lo largo de los años Fender ha ido introduciendo y eliminando una serie de pequeñas modificaciones y mejoras con el objetivo de adaptar el modelo a las exigencias de los tiempos. Estas pequeñas diferencias son esenciales para los coleccionistas a la hora de fechar los intrumentos. • 1960: El Jazz Bass original de 1960 presentaba un total de cuatro controles, organizados en dos grupos de dos controles (volumen y tono) para cada pastilla. Este modelo original presenta cubrepastillas metálicas7 y dispositivos de goma para mutera las cuerdas • 1961: La mayoría de los instrumentos eran ya fabricados según la configuración de pastillas que hoy consideramos estándar, esto es, dos controles de volumen (uno para cada pastilla) y un tercero de tono general. L Se comienza a incluir instrumentos de colores en el catálogo (los primeros Jazz bass eran exclusivamente sunburst). Se incluyen los números de patente bajo el logo. • 1962/63: Desaparece definitivamente la configuración de controles original. Se abandonan los muteadores y se añade el prefijo "L" al número de serie, localizado en la placa metálica de la parte posterior del cuerpo. • 1964: El logo "Offset contour body" se desplaza al extremo del clavijero. Se sustituye el material de los marcadores sobre diapasón y de las bobinas. • 1965: CBS adquiere Fender dando fin al "período clásico" de Fender • 1966: Se ofrecen opcionalmente diapasones de arce sobre el mástil, que ahora presenta líneas sobre el borde. Se utilizan por primera vez marcadores rectangulares sobre el diapasón y se reemplazan los trastes con trastes de dimensiones mayores (medio jumbo). Se introduce un diseño de clavijas de afinación distinto: las clavijas son ahora fabricadas por la propia Fender, poseen forma oval, y se giran en sentido normal. • 1969: Desaparece el tornillo de la parte posterior del clavijero. Se sutituye el logo por uno de mayores dimensiones. Se emplean acabados en poliéster. • 1970: Se ofrecen acabados Thick skin y en natural (sobre instrumentos de cuerpo de fresno) • 1972/73: Se desplaza la pastilla del puente a una posición ligeramente más cercana al puente. • 1975: Se desplaza el bloque del pulgar a la parte superior del cuerpo. En los instrumentos con diapasones de arce se emplean marcadores en bloque de madreperla y líneas laterales blancas. Se usan tres tornillos para fijar el mástil al cuerpo (antes se usabn cuatro) y se introducen por primera vez golpeadores de color negro. • 1976: Se introducen nuevas clavijas fabricadas por Schaller. El número de serie pasa de la placa de sujeción del mástil al clavijero, bajo el logo, que se ve reducido de tamaño. Se elimina el logo "Offset contour body" de la pala. • 1977: Se sustituyen las perillas de control: Ahora muestran las etiqueta "volume", "volume" y "tone". • 1981: Se vuelve a la fijación del mástil con cuatro tornillos. • 1982: Fender instroduce reediciones de sus modelos clásicos, entre ellos su Jazz bass del '62. Se abandonan los marcadores rectangulares. Squier Japan comienza su producción. • 1983: Se elimina la placa metálica de control, la línea de decoración, las placas cubrepastillas y los bloques reposapulgares para abaratar costes de producción. • 1984: Fender se pone a la venta. • 1985: Bill Schultz compra Fender e inicia la producción en Corona, inicialmente muy limitada. Se aprovechan restos de stock para la producción de instrumentos de serie. Versiones del Jazz Bass (solo U.S.A.) Como resumen y complemento al apartado anterior, se incluye a continuación una lista exhaustiva de las diferentes versiones que ha conocido el J-bass, según año y origen de fabricación. A no ser que se mencione lo contrario, las características de cada versión corresponden a las del modelo base, a saber: • Mástil atornillado al cuerpo. • Diapasón sobre el mástil. • Escala de 34 pulgadas. • 22 trastes. • Cuatro clavijas de afinación metálicas en línea sobre el clavijero. • Unión del mástil al cuerpo con cuatro tornillos. • Hardware de níquel o cromado. • Tres controles, dos de volumen para cada pastilla y uno de tono general Modelos USA Standard • J-bass, primera versión (1960-62): Cuatro controles montados en dos stacks (volumen y tono para cada pastilla); Muteadores de goma sobre el puente. • J-bass, segunda versión (1962-75): Tres controles; Opción de diapasón en arce; Marcadores rectangulares desde 1966. • J-bass, tercera versión (1975-81): El ajuste del alma se hace en el clavijero ("Bullet" trus-rod); Unión del cuerpo al mástil con tres tornillos • J-bass Standard, primera versión (1981-83): Ajuste del alma en la base del mástil; pastillas blancas; Marcadores redondos. • J-bass Standard, segunda versión (1983-85): Los controles y el jack se sitúan directamente sobre el golpeador. • American Standard J-bass, segunda versión (1995-2000): 20 trastes; cuerdas a través del cuerpo. • American J-bass (2000-07): 20 trastes; Golpeador de plástico en color crema; Control Switch-1 desde 2003. • American Standard J-bass, tercera versión (2008-): 20 trastes; puente reforzado. • Highway one J-bass, primera versión (2003-06): Acabado satinado. Ajuste del alma desde el clavijero. • Highway one J-bass, segunda versión (2006-): Acabado satinado. Ajuste del alma desde el cuerpo. Logo estilo '70. Anteriormente se habían utillizado clavijas Kluson. (backwards) giraban al reves (Valido para toda la linea Fender) El modelo 50 aniversario!!! El modelo Jazz Bass Deluxe (no confundir con los primeros, al principio el jazz bass se llamo Deluxe) En conclusión, el Jazz Bass es un instrumento muy versátil por su sonido brillante y medio que es usado por muchisimos bajistas alrededor del mundo entero. Algunos de los mas famosos usuarios del jbass! Jaco Pastorius – Weather Report – Solista John Paul Jones – Led Zeppelin Geddy Lee – Rush Noel Redding – The Jimi Hendrix Experience Glenn Hughes – Deep Purple – Black Sabbath – Solista Marcus Miller Bueno me despido y espero sus comentarios! Hace 3 horas que estoy armando este post! Gracias por pasar! Saludos!!! fuente consultada: http://es.wikipedia.org/wiki/Fender_Jazz_Bass

Los 10 amplificadores y las canciones que los hicieron famosos Buenas noches! He aquí los 10 amplificadores de guitarra con los cuales se grabaron las canciones que llegaron a ser éxitos... (en algunos casos, clásicos) Sólo para amantes del blues y el rock! Espero les guste! 10. Fender Showman (Blonde Brownface) Canción: Miserlou Artista: Dick Dale El inconfundible sonido de guitarra surf fue creado por Dick Dale una Fender Stratocaster y un amplificador Fender Showman. Una de las piezas más importantes de su sonido característico fue una reverb Fender personalizada (construido por Leo Fender y dado a Dick Dale como un prototipo), el equipo cuenta con 2 parlantes D1 JBL de 15 pulgadas X 30. La versión de Miserlou de Dick Dale dió lugar al nacimiento del movimiento llamado surf rock, un estilo cargado de un sonido reverberante muy cool. El nuevo sonido cambió la historia de la música de guitarra instrumental. Dick Dale's 1965 Fender Showman Amp at the Musical Instrument Museum in Phoenix, AZ link: http://www.youtube.com/watch?v=wg-xXIucuPE 9. Marshall JTM 45 Combo (Series 2, Model #1962) Canción: Hideaway Artista: Eric Clapton (John Mayall’s Bluesbreakers) A mediados de los años 60, (después de que Eric Clapton abandonara The Yardbirds) se unió a los Bluesbreakers de John Mayall. En el plazo de un año se ganó una reputación enorme y el apodo de "Slowhand". Los Bluesbreakers registraron el álbum Beano en abril de 1966 y Clapton utilizó una serie de Marshall JTM 45 2 1962 combo con válvulas KT 66. Este amplificador, junto con la guitarra Les Paul creó un nuevo tipo de sonido de blues que nadie antes había oído. Muchos llamaron al sonido en cuestión "Woman tone", (por su sonido con este amplificador) y muchos músicos de blues han estado persiguiendo este sonido desde hace décadas. The Marshall Bluesbreaker: The Story of Marshall's First Combo link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=m9N8Qi6zLSU 8. Fender Deluxe Reverb Canción: Sweet Dreams Artista: Roy Buchanan Roy Buchanan junto a su fiel y bien curtida Fender Telecaster de los años 50 nunca abusó de un amplificador vintage Fender Deluxe Reverb. Roy era conocido por el arranque de su Fender Deluxe como una explosión de reverberación, sonando tanto en el frente como en la parte posterior del escenario. Roy dió a sus fans una chillona nota tras otra, y algunos de los más dulces y lacrimógenos blues que he oído jamás. Si alguna vez hubo un guitarrista que podía exprimir sangre, sudor y lágrimas de una guitarra, ese fué el gran Roy Buchanan. 1960's Blackface Fender Deluxe Reverb Amp link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=Sad_q-8Tmec 7. Fender Bassman (Blonde Brownface) Canción: Rock This Town Artista: Brian Setzer Brian Setzer es el rey del cool cuando se habla del sonido de guitarra rockabilly. El trajo el sonido jazz/blues de los años 50 de vuelta cuando el rock AOR y el new wave gobernaban las ondas radiales. Los secretos de su sonido se deben a un pedal Roland RE-201 Space Echo, su guitarra Gretsch y dos amplificadores Fender Bassman. El conjunto crea un gran golpe ruidoso con mucho eco en el retorno y esto ha hecho que se convierta en su sonido característico. Brian Setzer's Blonde Brownface Fender Bassman 6G6-B Amps setup with Roland Space Echo link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=u_MMbiyVLRk 6. Fender Tweed Deluxe Canción: Like A Hurricane Artista: Neil Young Neil Young es el padrino del grunge. Bandas como Pearl Jam y Nirvana le rindieron tributo. El sonido de Neil es salvaje, desató acordes crujientes y remolinos de retroalimentación en muchas de sus canciones. Neil toca su desgastada Les Paul negra alimentando sus amplificadores Tweed Deluxe del año 59 en muchos de sus temas clásicos en vivo y en el estudio. Para poder acceder a los diferentes grados de saturación y ganancia, Young usa un amplificador de medida de control de dispositivo de conmutación conocido simplemente como "el Whizzer ", que consta de 2 partes: el pedal y el dispositivo de conmutación mecánico que físicamente convierte mandos del amplificador. Esto permite a Neil ejecutar un sonido puro: guitarra-cable-amplificador. No necesita de ningún pedal de distorsión para alcanzar su clásico tono... sólo el pequeño Fender Tweed Deluxe de los 50 y el Whizzer. Neil Young's 1959 Fender Tweed Deluxe Amp http://www.youtube.com/watch?v=-yxiu1o63CA&feature=player_embedded 5. VOX AC30 Canción: Bad Arista: The Edge (U2) The Edge es uno de mis guitarristas favoritos de todos los tiempos. Él creó su sonido característico al principio de su carrera con una Fender Stratocaster, un Electro Harmonix Memory (pedal de delay) y un amplificador VOX AC30 en álbumes como "War" y "The Unforgettable Fire". La combinación le ha servido bien desde los primeros días como a lo largo de toda su carrera, a través de los registros recientes y sus trabajos en vivo. The Edge crea complejas manipulaciones de eco junto con el aireado carillón del Vox AC30. The Edge ha utilizado un catálogo enorme de guitarras y de varias unidades de efectos en los últimos años, pero el AC30 se ha mantenido en un elemento básico, independientemente de los otros cambios. Estos detalles, junto con su brillante catálogo de U2, hacen que las canciones sean muy fáciles de distinguir con una sola nota de la guitarra de The Edge. Muy pocos guitarristas de la historia han creado un sonido tan poderoso como The Edge. The Edge's 1964 Vox AC30TB (Top Boost) Amp ['64 chassis in a 70's cabinet link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=2zIW8qDPhos 4. Supro Thunderbolt Canción: Communication Breakdown Artista: Jimmy Page (Led Zeppelin) Ha habido mucha especulación en los últimos años en relación con los amplificadores que Jimmy Page ha utilizado en estudio durante la grabación del innovador debut de Led Zeppelin. Jimmy no va a confirmar ni negar que amplificadores se utilizaron en el estudio, y no hay fotos en los archivos para corroborar mi historia. Pero... sobre la base de los tonos de oído en el expediente, es muy posible que sea el Supro Thunderbolt el que fué utilizado. Así pues, está en armonía con el espíritu mítico de Led Zeppelin. Ahora, para añadir al misterio, aquí está el amplificador Supro que Jimmy Page le dió al Salón de la Fama del Rock and Roll. En realidad es un Supro 1690T Coronado, pero las características de los amplificadores no coinciden con Jimmy, y él ya ha proporcionado más detalles al ser interrogado sobre el amplificador Supro que él utilizó en Led Zeppelin. Y el misterio continúa ... The Supro 1690T Coronado that Jimmy Page gave to the Rock and Roll Hall of Fame link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=vrCvLOpLKQ8 3. Marshall Bass 50w #1986 (Head) Canción: Statesboro Blues Artista: Duane Allman (Allman Brothers Band) Cualquier persona que ama la guitarra eléctrica no puede negar el impacto que dejó Duanne Allman en el legado del blues con una guitarra tocada con slide. Sus líquidas líneas y el tono fluido parecen saltar desde el cuello de su Gibson Les Paul, sin esfuerzo. Utilizó dos cabezas de 50 vatios Marshall con dos cajas 4 x 12. Su legendaria grabación en vivo en el Filmore East es el destino para cualquiera que desee capturar el tono del blues moderno. Nadie toca como Duane lo hizo. Si usted no posee una copia de este registro, le recomiendo que vaya a la tienda de discos y recogerlo de inmediato porque usted se está perdiendo de una actuación legendaria, con un sonido y performance sin igual. Marshall Bass 50w Head Model #1986 Duane Allman's Last Show (Oct. 1971, Los Angeles) link: http://www.youtube.com/watch?v=qFWqOMNs_Hc&feature=player_embedded 2. Dumble Overdrive Special Canción: Josie Artista: Larry Carlton (Steely Dan) Durante la década de los 70 y 80 Mr.335 ha grabado más de 500 canciones por año como músico de sesión y también en sus propios registros. Armado con su fiel '68 Gibson ES-335 y dos amplificadores Dumble Overdrive Special, su fusión de jazz en las líneas de su guitarra es inconfundible. "Aja", fué el sexto trabajo de Steely Dan, y en él empleó una enorme influencia del jazz. Esto fue en su mayoría, en parte, a los tonos increíblemente sabrosos de Larry Carlton. Aja es sin duda uno de los mejores y más populares discos de Steely Dan. Mr. 335 obviamente ayudó a impulsar a que el disco llegue a la cima. Larry Carlton's Dumble Overdrive Special Amps (2005) link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=BoaQXRkdIMc 1. Marshall Super Lead #1959 (12,000 Series Metal Panel Plexi 100-Watt) Canción: Running With The Devil Artista: Eddie Van Halen Con el lanzamiento de Van Halen I en 1978, el mundo del rock cambió para siempre. Edward Van Halen logró el éxito en la escena con un nuevo sonido de guitarra tan rápido y furioso que nadie había oído nada igual. Eddie era una especie del hágalo usted mismo de persona, siempre reformando la configuración de los micrófonos en su guitarra, usó diferentes pedales de efectos en el suelo y usó diferentes maneras de saturar su amplificador Marshall. En la leyenda de EVH, hay muchos mitos acerca de cómo creó el sonido de guitarra que ha rampado durante décadas. Las especulaciones sobre sus modificaciones, como resistencias de potencia a través de los tubos de alimentación a las placas, variadores de corriente para subir o bajar el voltaje de entrada del amplificador, y las grandes cargas de energía resistentes a los altavoces han dado lugar a interminables artículos y los argumentos en los foros acerca de cómo el legendario sonido fue creado. Pocos detalles hay, no hay pruebas sólidas de lo que utilizó EVH. Pero tú y yo sabemos la verdad única: el tono es de 95% en las manos, y el legendario sonido de Eddie tiene más que ver con las notas que tocó en lugar del sonido que usó. Eddie Van Halen's Marshall Super Lead #1959 100-watt Plexi link: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=0E3zUyGzq2k fuente! http://www.myrareguitars.com/10-classic-guitar-amps Eso es todo!!! Saludos!

Con sede en Canadá, más precisamente en las costas del lago Ontario, el fotógrafo Matt Molloy llevo la fotografía de cielos a un nuevo nivel. Al apilar cientos de imágenes de cielos , es capaz de lograr un increíble efecto similar al de pinceladas. Al vivir en la costa del lago Ontario, al este de Toronto, este fotógrafo tiene la posibilidad de apreciar una gran variedad de atardeceres y capturarlos mediante secuencias de time-lapse. Cada cuadro final en su serie "Smeared Sky " es el resultado de la combinación de 100 a 400 fotografías aproximadamente. El número de imágenes que utiliza depende de varios factores, como las condiciones meteorológicas, la nubosidad, o si el objeto en la imagen está en movimiento o estático. “a veces las nubes se mueven muy rápido y son muchas, si se realiza el time-lapse en esas condiciones, el resultado puede ser un tanto caótico ". Matt lleva desarrollando esta técnica durante más de tres años y lo que más le atrae sobre este proceso, es la experimentación continua, ya que nunca se sabe qué resultados vas conseguir. A continuación los invitamos a ver algunas imágenes de su serie “ Smeared Sky” y algunas capturas nocturnas en las cuales utiliza la misma técnica.

Sølve Sundsbø nació y se crió en Noruega y ha vivido en Londres desde 1995. Se le considera uno de los innovadores sobresalientes en la fotografía contemporánea. Experiencia Hs con efectos visuales le ha cosechado el respeto de la industria. Entre sus clientes publicitarios incluyen Gucci, Givenchy, Hermès, H & M, Lancôme, Estée Lauder e Yves Saint Laurent, por decir lo menos. Sundsbø también ha fotografiado para editoriales, Dazed & Confused, Harper 's Bazaar, iD, Numero, Pop, entre otros. Ha dirigido cortometrajes para Nike, Gucci y SHOWstudio. Las fotografías de Sundsbø también han aparecido en importantes exposiciones de fotografía de moda, incluyendo los Hyères Festival de la Arqueología y de la elegancia. Hoy en día es conocido como uno de los mejores fotógrafos de la moda.

Édouard Boubat fue un fotógrafo y reportero gráfico francés que nació el 13 de septiembre de 1923 en el barrio Montmartre de París, y falleció en Montrouge el 30 de junio de 1999. Es considerado como uno de los principales representantes de la fotografía humanista en Francia y el mejor fotógrafo romántico de Francia. Entre 1938 y 1942 estudió fotograbado en la Escuela Superior de Artes e Industrias Gráficas de Paris. Al terminar la segunda guerra mundial comenzó a interesarse en la fotografía y en 1947 obtuvo el premio Kodak en el Salón Internacional de Fotografía celebrado en París. Recorrió como fotógrafo gran cantidad de países: España, Italia, Alemania, Noruega, Estados Unidos, Canadá, México, Brasil, Egipto, Marruecos, Japón, Corea y el Caribe. En 1988 recibió el Premio Internacional de la fundación Hasselblad. Su obra ha sido publicada en numerosos libros y ha realizado numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas sobre todo en Francia, Italia y Estados Unidos.

Un poco de música con imágenes Astor Piazzolla - Adios Nonino link: http://www.youtube.com/watch?v=hED1aQlADEk "Nací el 1° de Marzo de 1890" -cuenta Quinquela Martín en su libro autobiográfico-. "En rigor no estoy muy seguro de haber nacido en esa fecha. Mi nacimiento se pierde en la sombra de lo desconocido. Lo único que sé y pude comprobar, es que el 21 de marzo de 1890, un niño de pocas semanas fue depositado en torno de la Casa de los Niños Expósitos". Junto al niño había un papel y escrito con lápiz decía: "Este niño ya fue bautizado y se llama Benito Juan Martín". Así de humilde fue el origen del afamado Pintor de La Boca, filántropo y protector de las artes. Hoy, una de las figuras más grandes del arte argentino. Toda su vida fue apasionante. De ser un niño criado en un asilo, adoptado luego por el carbonero genovés don Juan Chinchella y su esposa doña Juana Molina hasta ser descubierto por Pío Collivadino -figura cumbre de la plástica- llegó a ser muy reconocido. Viajó por Europa, México, Cuba y Estados Unidos exponiendo sus obras, fue agasajado por papas y reyes y cuando regresaba era recibido con desfiles, procesiones y banquetes; ademas fue un gran benefactor y es por esto que permanece en el alma popular como un artista que honra nuestra cultura. Cuando era un jovencito que no soñaba con llegar a ser famoso, Benito ayudaba a su padre a cargar bolsas de carbón de la modesta carbonería familiar que estaba en la calle Irala, entre Olavarría y Lamadrid, en el corazón mismo de La Boca. Me maravillan sus cuadros, su técnica, su imaginación y su vida interior. Con gran riqueza de espíritu traspasó los obstáculos iniciales e iluminó con colores su "aldea", la zona del Riachuelo. Hizo de La Boca un lugar más poético, más evocador, emotivo y vibrante. Disfrutar de sus cuadros es internarse en un paisaje del alma, es iniciar una travesía hacia un lugar de armonía, hacia un puerto seguro y hacia olas suaves. Don Benito Quinquela Martín fue un hombre extraordinario, evidentemente estuvo fuera de cualquier molde y encontró en la pintura su camino, como si tuviera una misión que realizar. Con su obra intentó hacer del mundo un lugar menos cruel, para que sus vecinos pudieran hallar una existencia más alegre y luminosa. Las pinturas intensas son su sello de fábrica, movilizan y transmiten emociones. B.Q.M. sabía perfectamente que sin una cuota de belleza y poesía la vida sólo se convierte en una agobiante rutina. Lamentablemente, su maestría se apagó en 1977, pero yo lo recuerdo como el hombre que se atrevió a la imaginación. Sus cuadros, murales y grandes pinturas decorativas se pueden disfrutar en el museo dedicado a su obra, como no podía ser de otra manera, ubicado en su amado barrio de La Boca, del que alguna vez dijo: "Cuanto hice y cuanto conseguí, a mi barrio se lo debo. De ahí el impulso irrefrenable que inspiró mis fundaciones, todas ellas afincadas en La Boca. Por eso mis donaciones no las considero tales, sino como devoluciones. Le devolví a mi barrio buena parte de lo que él me hizo ganar con mi arte. Los dos los siento como fundidos dentro y fuera de mí mismo". Pintor, grabador y muralista, el ángel custodio de La Boca que decía "a los artistas les falta un tornillo" , con gran bonhomía y sin tomarse muy en serio ante tanto suceso, transformó al barrio y disipó para siempre la niebla y el humo del Riachuelo. Pintura "a la espátula" Algunas de sus obras El 12 de abril de 1932 las cenizas del volcán Quizapú cubrieron la región de Malargüe, Mendoza; llegaron a Buenos Aires e inspiraron a Quinquela que pintó "Cenizas volcánicas de Mendoza" Fogata de San Juan fuent! http://www.facebook.com/museoquinquela http://cisnesyrosas.blogspot.com/2011/08/benito-quinquela-martin.html Imágenes recolectadas de la web

Martine Frank (2 de abril de 1938 - 17 de agosto de 2012) fue una fotógrafa belga que perteneció a la agencia Magnum. Martine nació en Amberes y pasó su infancia entre Estados Unidos e Inglaterra. Estudió historia del arte en la Universidad de Madrid y luego en la Escuela del Louvre en París. Comenzó su carrera como asistente del fotógrafo Eliot Elisofon y Mili Gjon trabajando en la revista Life. Formó parte del la primera agencia Vu en 1970 y dos años más tarde ayudó a fundar la agencia Viva. Fué parte de Mágnum en 1980. Hizo retratos de artistas y escritores pero su interés principal estaba enfocado hacia los reportajes humanistas. Comenzó a colaborar en la asociación Hermanos de la Caridad en 1985. Desde su comienzo fotografió las producciones del Thé"tre du Soleil, en 1995 junto con Robert Delpire realizó una película de 26minutos llamada "Ariane et Compagnie: le Thé"tre du Soleil". En 1998 su obra fue expuesta en la Maison Européenne de la Photographie de París. En 2000, colaboró con Fabienne Strouvé en la película "Regreso a Irlande avec Martine Franck, photographe" En 2001 y 2002, Martine Franck concluyó una serie de fotografías en Tory Island, Irlanda, y otra sobre los niños tibetanos budistas en la India y Nepal. En 2002, su obra fue expuesta en el Musée de la Vie Romantique, en París. En 2004, fotografió las fábulas de La Fontaine, un espectáculo montado por Robert Wilson en la Comédie-Française, un libro titulado "Fables" es publicado por Ediciones Actes Sud Arles. En 2010, Chanel TOKIO exhibió una serie de fotos de Martine Franck titulada "Femmes". En octubre de 2011, la Maison Européenne de la Photographie exhibió 62 retratos de artistas "que vienen de otro lugar" fotografiados por Martine Franck entre1965-2010. Entre marzo y abril del 2012 cientos de retratos de artistas por Martine Franck se exhibieron en la Galerie Claude Bernard de París. Martine Franck junto con Henri Cartier-Bresson, fundaron la Fundación Henri Cartier-Bresson, que se convirtió en una fundación reconocida oficialmente el 11 de marzo de 2002, y se convirtió en su presidente en 2004. Fuente: https://www.facebook.com/media/set/?set=a.10151078517731243.434158.25044306242&type=1

Hola gente! Hoy les ofrezco la historia de la primera moto mas rapida: HRD Vincent "Black Shadow". Abajo de cada texto, se encuentran las fuentes consultadas. Espero que sea de su agrado y comenten! Para mi, es una de las motos mas lindas!!! Chequeen estas imagenes... Una generación de motoristas quedo estupefacta y fascinada por el funcionamiento de la gran HRD Vincent Black Shadow. Todavía hace que los pelos se erizen en muchos cuellos. Nada ejemplifica la leyenda de motocicletas clásicas más que la sombra negra de Vincent. la sombra negra es una moto de ensueños y, aunque la producción terminara hace más de 50 años, permanece cerca para muchos entusiastas. La sombra negra posee todos los criterios que definen una obra clásica. Era indignantemente costosa, tenia un funcionamiento sin igual, y parecía extravagante y mala. Mientras que otros fabricantes sumergían sus modelos superiores en cromo para simbolizar extravagancia, Vincent fue contra de las convenciones pintando de un negro siniestro a la Black Shadow. El motor negro de la HRD Vincent Black Shadow tiene una apariencia amenazadora, sus especificaciones no eran radicalmente diferente de la versión de la Rapide de la cual derivaba. Ambos compartieron un motos de valvulas a la cabeza de 998cc inclinado a 50 grados twins, con una carrera de 84x90m. Eso generaba en la black 55 caballos de fuerza a 5700rpm, puede no parecer mucho por estándares modernos, pero era bastante para propulsar la sombra negra a una velocidad superior a los 200km/h. En los finales de los 40 solamente un puñado de motocicletas de la producción alcanzaba las por entonces magicas 100 millas/horas; (161km/h), y 200km/h era una cosa inaudita. El chasis de la HRD Vincent Black Shadow era también inusual para su tiempo pues el motor era el componente primario del chasis. La suspensión posterior era un tipo voladizo, y la bifurcación posterior girada directamente detrás de la caja de engranajes. Para la sombra negra que los frenos fueron aumentados para hacer frente a la potencia adicional, y mientras que los tambores gemelos seguían siendo relativamente pequeños en 178mm. Las ruedas eran de un diámetro grande; adelante de 20 pulgadas y 19 atras, mientras que el peso seco era de unos moderados 208kg . La velocidad ha estado siempre de moda y, cuando se debia acelerar, la Black Shadow no tenia igual. No fue extraño entonces que la Vincent Black Shadow en su epoca batiese todo record de velocidad existente hasta el momento para una moto de serie... Fuente: http://www.motor-clasico.com/2009/01/anlisis-hrd-vincent-black-shadow-magia.html El comienzo de una leyenda Raymond Howard Davies, (nacido el 27 de junio de 1895), un joven oficial británico de vuelo, fue derribado y capturado por los alemanes en 1917. Para ocupar su tiempo, durante sus aparentemente interminables horas de cautiverio, soñaba con la construcción de la moto perfecta. Menos de diez años más tarde, en 1924, Davies y su socio EJ Massey comenzaron la construcción y el desarrollo de HRD en la ciudad de Wolverhampton, Inglaterra. Estas elegantes e innovadoras, fueron máquinas avanzadas para su época, incorporando características unicas. La moto ganó la famosa carrera en la Isla de Man TT en 1925, estableciendo un récord de velocidad de 66,13 mph. Mientras Davies perseguia su ambición, un muchacho llamado Phillip Vincent, también habia soñado con hacer su propia motocicleta. Vincent dio el primer paso en el cumplimiento de su sueño en 1928 cuando dejó la Universidad de Cambridge y, con el apoyo de su familia y su economia rural, adquirió la marca, HRD por £ 500. La empresa fue rápidamente nombrada como Vincent HRD Co., Ltd., y el logo apareció con Vincent en letras muy pequeñas en la parte superior de la negrita HRD. El logotipo de esta manera se mantuvo hasta los finales de la Cia en 1949, cuando se eliminó con el fin de evitar confusión con Harley-Davidson en el mercado cada vez más importante de América. En 1934, Vincent estaba haciendo siete modelos diferentes. Cuatro de ellos utilizan el primer motor Vincent de 499cc de cilindro único, la configuración básica de la que nunca ha cambiado. Los más de 20 modelos que se presentaron entre 1928 y 1934 dio a Phil Vincent oportunidad de experimentar con una multitud de nuevas características de diseño. El legendario Phil Irving se sumó a HRD como ingeniero en 1931. El primer motor de HRD de dos cilindros fue nombrado “Rapide” , presentado en octubre de 1936. Incorpora el primer chasis suspendido del motociclismo. Utilizaba un chasis triangular que surgia desde bajo el asiento, esta característica se ha utilizado en todos los modelos Vincent producidos a partir de 1936 a 1955. Además, Vincent incorporò innovaciones como el cambio de pie, de 4 velocidades. El motor de 998cc, refrigerado por aire V-Twin de 45hp, logró una velocidad máxima de 110 millas por hora. En su tiempo, no tenía compañeros. Phil Irving partió de Vincent para trabajar en Velocette en 1937, sólo para volver a Vincent en 1943 para iniciar los planes para la Serie A. unas fotos de la Rapide, antecesora de la Black Shadow Indemne de los bombardeos alemanes, Vincent fue la primera compañía en iniciar la producción de motocicletas despues de la guerra. A su regreso a la producción civil después de la Segunda Guerra Mundial, Vincent HRD ofrece la Serie B rapide, un 998cc V-twin. La Serie B es un diseño espectacular de motocicleta, destrozando los demas conceptos de ingeniería con su chasis sin marco o "monocasco". La suspensión delantera y trasera atornilladas directamente al tanque de combustible. Se acabaron todas las tuberías de aceite externas de los motores de Vincent que se decia "La pesadilla de los mecanicos". Suspensión adaptada al tanque de combustible, el motor parece, por las normas convencionales, que se cuelga en el aire. Notar el despiece del motor, se decia q tenia mas de 1400 piezas en movimiento. Su descalce de la orquilla y manillar, a la izq del motor. La Serie B introducida por Vincent da, en gran medida reputación y popularidad. Doble carburadores la inusual parte trasera y la doble salida de escape, dio a HRD una nueva identidad entre los fabricantes de motocicletas, que no pasó desapercibido en América. Vincent empezó en concesionarios en los EE.UU. en 1944. La primera se inauguró en Filadelfia. Poco después abrió distribuidores en la Florida, Nueva Jersey, Michigan, California y Texas. Vincent fue el apuro, no necesariamente como una fuente primaria de ingresos del concesionario, sino simplemente porque los a distribuidores les gustó la máquina. Un Vincent que llegó a conocerse como el "Rumplecrankshaft", sufrió una prueba de 100.000 millas sin una sola falla. Lamentablemente, los primeros problemas de la caja de cambios enfriaron el entusiasmo americano. En 1953 fue diseñada una nueva caja de cambios, pero por esta mala reputación de problemas en la caja vieja no pudo ser compensada. Vincent siguió desarrollando otras características únicas tales como un freno ajustable montado al manillar. Una unidad hidráulica sustituirá dos amortiguadores para el asiento, apoyado sobre un sub-chasis, proporcionando un asiento con un juego de 6 pulgadas. La rueda trasera se trasladaba con independencia del asiento, resultando una configuración que se utilizarían en la mayoría de las motocicletas en la década de 1980. El tanque de aceite contiene una válvula que desconectando las mangueras no se pierde aceite. El cableado puede ser desconectado a mano, la batería se desarrollo por una bobina de hilado a mano. Fue pionera en el estilo del asiento, una novedad en 1946, pero en pocos años todas las compañias reemplazaron el relleno de cuero. Fueron los primeros filtros de aceite y nafta de pantalla, y todas las palancas de control eran plenamente ajustables. La famosa Black Shadow construida por primera vez en 1948, se reconoce fácilmente por el acabado en negro de todo el motor y la caja de cambios y la gran pantalla de 5 pulgadas, 150 mph q marcaba el velocimetro(240 km/h aprox) de velocidad. Velocidad crucero de 100 mph por hora(160 km/h), y hasta en 125 mph (200 km/h). Sobre la base de la Rapide, fueron hechos los componentes de la Sombra Negra, con el interior del motor pulido y mecanismo aligerados en la palanca de cambios. Fue con la introducción en 1948 de la “Vincent Black Lightning” que surgió como la moto más legendaria de su tiempo. El Rayo Negro disparó la imaginación de los motociclistas de todo el mundo y era conocido como "la moto standard más rápida del mundo”, una reivindicación que podría haber hecho bien en la década de los setenta, casi veinte años después de haber cesado su producción. unas fotos de la "Black Lightning" En el verano de 1955, en una cena de propietarios, Phil Vincent anunció que la empresa ya no fabricaria mas motocicletas. El consejo de administración de Vincent había decidido que la empresa ya no podría funcionar en el marco de la continuación de las fuertes pérdidas de producción y que dejaría casi inmediatamente su accionar. En lugar de abandonar la empresa y con tradición de calidad, se decidió suspender la gama completa de motocicletas Vincent. La semana antes de la Navidad de 1955 la última de estas ingeniosas máquinas salió de la línea de producción y fue llamada "La Última". Phil Vincent prometió que para sus motos siempre estará disponible. Hasta el día de hoy, las partes se hacen y se venden en todo el mundo por Harper Ingeniería, que compraron la empresa. El motor V-Twin está lejos de ser olvidado. El Club de Propietarios de Vincent es el grupo más importante de la marca en el mundo. Vincent se considera hoy como uno de los más deseables clásicos de colección en el mundo. Un Rayo Negro completamente restaurado, o mantenido en una condición de funcionamiento original, se han visto en el mercado a 125.000 dólares, es decir alrededor de 100 veces lo que costaba nuevo. Muchos todavía están siendo asolados por la velocidad en los eventos en todo el mundo y están disfrutando de un renacimiento en el rápido crecimiento del deporte de motocicletas clásicas y antiguas de competencia. Hoy en dia, se volvieron a fabricar algunos de los modelos para los fanaticos y nostalgicos de la marca. Algunos de ellos se muestran a continuacion: Black Shadow Black Lightning S Black Lightning ST Phase I Black Eagle Fuente: www.vincentmotors.com (traducido de la pagina y adaptado por mi) Si quieren ver la evolucion de la Black Shadow, entren aca: http://www.vincentmotors.com/BIK/evolution.php Algunos videos link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=Ki1inSakLK8 link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=6_uYf0Knoeg Si te gusto el post, comenta! Saludos!