Top 10 de las mejores canciones del Rock según :....
10 Ray Charles, 'What'd I Say'
Según Charles, en un concierto en Milwaukee en un club nocturno, él había interpretado ya la última canción de su repertorio «Night Time Is the Right Time», fue la última canción. Charles decidió llenar el tiempo que quedaba realizando una versión improvisada de la canción que más tarde grabaría como «What'd I Say». Charles dijo a su banda de apoyo y a las chicas coristas de fondo que le siguieran el ritmo. La canción comenzó en un "Latin music", y Charles empezó tocando un Wurlitzer piano eléctrico. La gran figura rítmica antes de que Charles la improvisara era su propia letra.
Aunque la canción por lo general sea titulada como "What'd I Say", Charles siempre insistía que el nombre de la canción sea "What I Say" como oído en la canción.
Directivos del sello discográfico de Charles, Atlantic Records, tenían preocupaciones que la canción era "demasiado atrevida" y "demasiado larga". La emisora de radio WAOK en Atlanta había grabado la melodía como una parte del álbum en vivo de Ray Charles.
Atlantic fue convencido. Para remediar el problema de la duración de la canción, el estudio interno divide la canción en dos partes. Con el apoyo del Atlantic, la nueva grabación de estudio de «What'd I Say» fue publicada como un sencillo en la primavera de 1959 y pronto elevado a la cima del Billboard. La canción alcanzaría su puesto máximo en n.º 1 Billboard R&B y n.º 6 en las listas populares
Versiones
Bobby Darin
Jimmy Smith
Clifton Chenier
John Mayall & The Bluesbreakers con Eric Clapton en Blues Breakers with Eric Clapton
Johnny Cash y June Carter
Etta James
Jerry Lee Lewis
Motorhead
Toots & The Maytals
Trini López
Graham Bond
Lyle Lovett
Freddie King
Elvis Presley (para la película Viva Las Vegas)
Tony Sheridan y The Beatles
Bill Haley & His Comets
Rare Earth
Cliff Richard
Rigo Tovar
Roy Orbison y Medeski, Martin & Wood
Jimi Hendrix
Hound Dog Taylor
Vince Taylor
Sammy Davis, Jr.
John Scofield
The Beatles
The Ronettes
9 Nirvana, 'Smells Like Teen Spirit'
Smells Like Teen Spirit» es una canción de la banda estadounidense de grunge Nirvana. Es la primera canción del álbum de 1991 Nevermind, del cual es también el primer sencillo. Es comúnmente considerada la canción que llamó la atención de los adolescentes de todo el mundo hacia Nirvana y el movimiento grunge. Fue escrita por los tres miembros de la banda (Kurt Cobain, Dave Grohl y Krist Novoselic, con letra de Cobain) y producida por Butch Vig.
«Smells Like Teen Spirit» es considerada como uno de los himnos de la música de los años 1990, especialmente, como el himno de la Generación X.1 2 Lanzada en 1991, la canción llegó en una escena musical que veía el fin de la popularidad del hair metal de los años 1980. El tema, conocido por su famoso video musical, habla sobre una imagen de rebeldía adolescente que fue muy bien acogida por su audiencia. Se considera con gran unanimidad a «Teen Spirit» como la canción más famosa del género grunge. Debido a su éxito masivo, y a lo diferente que era de las composiciones de la escena «mainstream» del rock de los ochenta, dominada por bandas de glam metal o retro, «Smells Like Teen Spirit» revivió la popularidad del rock, abriendo la puerta al triunfo del grunge en los noventa. Además, esta popularidad del grunge fue la responsable del renovado interés comercial por el rock alternativo,3 que para mediados de los noventa se había convertido en un formato radiofónico dominante.
"Smells Like Teen Spirit" ocupa el puesto número nueve en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone, así como el treinta y siete de "Las 1000 mejores canciones de siempre" de la revista Q y elegida como la número uno de "Las 100 mejores canciones de los 90's" según el canal musical VH1.
En Heavier than Heaven, la biografía de Kurt Cobain escrita por Charles Cross, se dice que la canción hace referencia a la ruptura de Tobi Vail con Kurt.6 Este argumento se basa en varias cartas publicadas en el libro sobre los diarios de Cobain (Journals), como "Por qué no lloras cuando estoy aquí / Oh sí queremos lo que es mejor para ti" y "Quiénes serán el Rey y la Reina de los adolescentes reprimidos".7
Sin embargo, Cobain no creía que las letras tuvieran ningún significado específico. En una entrevista con la cadena musical MTV dijo: "Me doy cuenta que la gente espera... un ángulo más temático con nuestra música, sabes - ellos quieren "leerla". Pero lo que hice fue colocar pedazos de poesía y solo basura y material que me encantaba en aquel entonces, y muchas veces escribo letras sólo en el último minuto porque soy muy perezoso, entonces... entonces no entiendo porque la gente intenta buscarle algún significado..."
Cobain no usó ésto como ejemplo de cómo sus letras podrían no tener significado alguno, sino como la demostración de que una canción no necesariamente ha de tener algún significado (cómo "Smells Like Teen Spirit", siendo de una ruptura, o sobre una "revolución" - cómo ha sido generalmente sugerido). Otra interpretación posible de las letras fue hecha por el bajista Krist Novoselic: "Kurt odiaba el 'mainstream'. De eso se trataba 'Teen Spirit'. La mentalidad conformista de la gente".3 De acuerdo a entrevistas con la banda, se dice que otro significado de la canción habla sobre un "ataque a la apatía de la Generación X".8
8 The Beatles, 'Hey Jude'
Hey Jude» es una canción de la banda de rock británica The Beatles lanzada en agosto de 1968 como primer sencillo del sello discográfico de la formación, Apple Records. Acreditada a Lennon/McCartney, el tema es una balada que evolucionó a partir de «Hey Jules», canción que Paul escribió para consolar a Julian, el hijo de John Lennon, después del divorcio de sus padres. La canción arranca con una estructura de verso-puente basada en la interpretación vocal y el acompañamiento al piano de McCartney, a los cuales, según progresa la canción, se van añadiendo detalles complementarios que distinguen sus distintas secciones. Después de la cuarta estrofa, cambia a un final o coda que se desarrolla durante más de cuatro minutos, hasta apagarse progresivamente.
Con más de siete minutos de duración, fue en su tiempo la canción más larga de la historia en ocupar el Top 10 de las listas británicas de sencillos.5 También pasó nueve semanas como n.° 1 en Estados Unidos —el tiempo más largo que ha permanecido una canción de The Beatles en la parte superior de las listas estadounidenses—. El sencillo ha vendido aproximadamente ocho millones de copias y frecuentemente se incluye en las listas de las mejores canciones de todos los tiempos
En 1968, después del divorcio de John Lennon y su esposa Cynthia Powell por culpa de la aventura amorosa de Lennon con Yoko Ono y de Cynthia con Roberto Bassanini,6 McCartney fue a ver a Cynthia y a su hijo en común con Lennon, Julian. Paul diría de aquello: «Hemos sido buenos amigos durante muchísimos años y creo que es excesivo considerarlos personæ non gratæ y sacarlos de mi vida».7 Cynthia recordó: «Me sorprendí totalmente cuando, una tarde, Paul llegó por su cuenta. Estaba conmovida por su preocupación acerca de nuestro bienestar [...] En el camino hacia aquí compuso 'Hey Jude' en el automóvil. Nunca olvidaré el detalle de Paul de preocuparse por venir a vernos».8
El título original era «Hey Jules», y tenía la intención de consolar a Julian del dolor causado por el divorcio de sus padres. «Comencé con la idea de 'Hey Jules', que era Julian, don't make it bad, take a sad song and make it better (no lo estropees, toma una canción triste y mejórala). ¡Hey, trata de lidiar con esa terrible situación! Sabía que no iba a ser fácil para él. Siempre me sentí triste por los niños en los divorcios... Para cuando llegué ya tenía la idea para la canción. Lo cambié a 'Jude' porque pensé que sonaba mejor».7 Julian Lennon descubrió que la canción había sido escrita para él cerca de veinte años después; sobre su relación con McCartney comentó: «Paul y yo solíamos estar juntos mucho más tiempo del que estábamos mi padre y yo juntos. Teníamos una gran amistad y parece que hay más fotos de Paul jugando conmigo que las que tengo con mi padre».9
A pesar de que McCartney originalmente compuso la canción para Julian Lennon, John Lennon pensó que había sido para él:
Pero siempre la oí como una canción dedicada a mí. Si piensas al respecto... Yoko entra en la imagen. Él dice: 'Hey, Jude—Hey, John.' Sé que estoy sonando como uno de esos fanáticos que se involucran demasiado con algo, pero puedes escucharla como una canción para mí... Inconscientemente, él dijo 'Sigue adelante, déjame'. En un nivel consciente, él no quería que siguiera adelante.10
Asimismo, otras personas creen que McCartney escribió la canción sobre ellos, incluyendo Judith Simons, una periodista del periódico Daily Express.11 Sin embargo, otros, entre los cuales se incluye John Lennon, han especulado que la relación fallida a largo plazo que McCartney tuvo con Jane Asher cuando escribió «Hey Jude» era un inconsciente «mensaje a sí mismo».12 De hecho, cuando Lennon mencionó que la canción trataba sobre él, McCartney lo negó, y le dijo a Lennon que había escrito la canción acerca de sí mismo.13
McCartney cambió el título a «Hey Jude» porque el nombre de Jude era más fácil de cantar.9 Así como lo hizo con «Yesterday», McCartney interpretó la canción para otros músicos y amigos. Ron Griffith de Badfinger, la primera banda en unirse a la compañía discográfica de The Beatles, Apple Records, recordó que en su primer día en el estudio «Paul caminó hacia el piano de cola y dijo 'Hey muchachos, deben de escuchar esto', se sentó y nos dio una versión de concierto completo de 'Hey Jude'. Estábamos asombrados.
7 Chuck Berry, 'Johnny B. Goode'
"Johnny B. Goode" es una canción escrita por el estadounidense Chuck Berry en 1958, y es considerada una de las primeras canciones de rock and roll puro de las que se tiene constancia. Además, esta canción tiene el puesto 7 de las Las 500 mejores canciones de todos los tiempos, según la perspectiva de la revista Rolling Stone, y el puesto número uno en la lista de Las 100 canciones de guitarra más grandes de todos los tiempos, de la misma revista.
La canción es la versión rock and roll del sueño americano —un pobre chico del campo tiene el sueño de convertirse en una estrella a base de arduo esfuerzo y su destreza tocando la guitarra—.
Aunque en parte basada en el propio Berry, se dice que la inspiración para la canción vino de Johnnie Johnson que tocaba el piano y compuso varias canciones con Berry. En anteriores grabaciones no publicadas Chuck cantó "Coloured Boy" (chico de color) en vez de "Country Boy" (chico del campo), pero los hermanos Chess decidieron que eso no vendería.
La grabación de esta canción de Berry fue incluida en el Disco de oro de las Voyager, incluida en la sonda espacial Voyager.
La canción aparece en la película Back to the Future. Quien la interpretó fue Michael J. Fox, el protagonista de la película.
6 The Beach Boys, 'Good Vibrations'
"Good Vibrations" es una canción escrita por Brian Wilson y Mike Love y grabada con The Beach Boys. Fue publicada en sencillo el 10 de octubre de 1966, la canción se convirtió en todo un éxito tanto en su país de origen como en el Reino Unido, alcanzando el número uno en ambos países, y en otros también.
Debido a la innovación musical de la canción, hoy en día es considerada como una de las mejores canciones de todos los tiempos, según la revista Rolling Stone en su Lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos esta canción se encuentra en el sexto lugar. Mientras que la publicación New Musical Express puso a "Good Vibrations" en el cuatro lugar en su propia lista de las 20 mejores canciones.2
Esta canción llamo mucho la atención de los músicos, uno de ellos fue el grupo The Beatles, Paul McCartney y John Lennon le enviaron a Brian Wilson una carta de felicitación por tan buen trabajo.
Durante la dictadura de Francisco Franco muchos discos vieron la censura, como el cambio de portada en el álbum Sticky Fingers de The Rolling Stones. "Good Vibrations" fue censurada debido a su "sentido totalmente erótico, en el que se subliman las excitaciones sexuales", considerando además que "su autorización daría pie a las revistas de tipo musical a ofrecer la letra en castellano. Por todo ello, consideró que no debe autorizarse".17
5 Aretha Franklin, 'Respect'
Respect (Respeto en español) es una canción soul interpretada por Otis Redding, en 1965 que se convirtió en un himno. En 1967 Aretha Franklin grabó una versión de la canción.
También es interpretada por Aretha Franklin en la película Blues Brothers 2000.
En la autobiografía del productor de Aretha, Jerry Wexler, la palabra respeto tenía el sentido más abstracto de estima; la connotación tradicional. Pero que la voz de Aretha exigía ese respeto y también una tensión sexual de primer orden, algo acentuado por los coros de parte de Aretha y Carolyn que dicen a gran velocidad: "Sock it to me". Como la versión de Aretha no tenía puente entre las estrofas, Wexler ordenó a la banda que tocara los cambios de acordes de otra canción: "When something is wrong with my baby", de Sam & Dave; también se le añadió un solo de saxo por parte de King Curtis. No hay duda de que la ferocidad en la interpretación de Franklin en la canción venía de su matrimonio problemático.
4 Marvin Gaye, 'What's Going On'
«What's Going On» es una canción del artista estadounidense Marvin Gaye, publicada en 1971 en la filial de su discográfica Motown, Tamla. Originalmente inspirada por un incidente de brutalidad policial presenciado por el compositor y cantante de los Four Tops Renaldo "Obie" Benson, la canción fue acreditada como compuesta por Benson, Al Cleveland y Gaye, y producida por el propio Gaye. Sin embargo, Benson diría en alguna ocasión que ofreció a Gaye aparecer como compositor para animarle a grabar y producir el tema.1
Por aquel entonces, se unía en Gaye su preocupación social con la que sentía por su hermano, destinado en Vietnam. Berry Gordy, dirigente de Motown, se mostró en principio muy en contra de la inclusión de temas sociales y ecológicos en la música eminentemente bailable de la discográfica. Llegó a decir que «What's Going On» era la peor canción que había escuchado. Gaye tuvo que amenazar con no volver a grabar con Motown a no ser que el tema fuese lanzado como sencillo. Así se hizo, y su éxito permitió que se editara el álbum completo poco después.2
La canción, que se centra en los principales acordes de séptima y séptima menor, y se orienta a los sonidos de jazz, gospel, con orquestación de música clásica, fue recibida principalmente como una reflexión sobre los problemas del mundo, convirtiéndose en un clásico que inició la evolución de Gaye desde el puro "sonido Motown" a un material más personal. La canción alcanzaría el primer puesto de la Hot Soul Singles Chart durante cinco semanas, llegando al número dos en la Billboard Hot 100 y vendiendo más de dos millones de copias, convirtiéndose en la segunda canción más exitosa de Gaye para Motown hasta esa fecha.
En 2004, la revista Rolling Stone la eligió como la cuarta mejor canción del todos los tiempos; en su actualización de 2011 de dicha lista la canción se mantuvo en esa posición.1 También fue incluida en el Rock & Roll Hall of Fame en la lista de las "500 canciones que definieron en rock and roll", junto con otras dos canciones de Gaye.
3 John Lennon, 'Imagine'
La letra de la canción está inspirada en las esperanzas de Lennon depositadas en una paz mundial, si bien el origen de la misma no es del todo claro. En 1963 Lennon abría la canción de The Beatles "I'll Get You" con el verso: "Imagine I'm in love with you, it's easy 'cause I know", que guarda cierto parecido con la estructura de "Imagine". Aun así, parte de la canción podría haber estado influenciada por la poesía de Yoko Ono, en relación a su infancia vivida en Japón durante la Segunda Guerra Mundial. En su libro Grapefruit, de 1964, Yoko escribe: "Imagine a raindrop" e "Imagine the clouds dripping" (que puede traducirse al español como "Imagina una gota de lluvia" e "Imagina las nubes goteando".
John Lennon declararía acerca del mensaje de la canción "Imagine":
No es un mensaje nuevo: "Give Peace a Chance" -no estamos perdiendo la razón, sólo decimos: da una oportunidad a la paz-. Con "Imagine" decíamos: "¿Puedes imaginar un mundo sin países ni religiones?" Es el mismo mensaje una y otra vez. Y es positivo."
"Imagine" es considerada como una de las mejores composiciones de todos los tiempos. En 2004, la revista musical Rolling Stone la ubicó en la tercera posición de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. El ex-Presidente de los Estados Unidos de América Jimmy Carter llegaría a decir: "En muchos países del mundo -mi esposa y yo hemos visitado cerca de 125 países- oías la canción 'Imagine' de John Lennon usada casi igual que los himnos nacionales."
También ocupa el puesto #78 de "Las 1000 mejores canciones de siempre" de la revista Q Music.
En el libro Lennon in America, escrito por Geoffrey Giuliano, Lennon comentó que la canción era "antireligiosa, antinacionalista, anticonvencional, anticapitalista, pero es aceptada por su dulzura." Lennon llegaría a definir el tema como "virtualmente el Manifiesto Comunista."
2 The Rolling Stones, '(I Can't Get No) Satisfaction'
Durante la tercera gira en los Estados Unidos, en 1965, Richards ideó el riff de guitarra de la canción. Los Stones se hospedaban en el hotel Fort Harrison en Clearwater, Florida como parte de su gira. Una noche Richards se despertó de repente, encendió la grabadora de casete y tocó el riff que abre «Satisfaction» antes de volver a la cama.16 Más tarde la describiría como: "2 minutos de Satisfaction y 40 minutos de mis ronquidos".17
Más tarde, Richards lo llevó al estudio donde los Stones estaban grabando. A Jagger le gustó el riff inmediatamente, pero Richards pensaba que se parecía demasiado a la canción «Dancing in the Street» de Martha & The Vandellas.5 En una entrevista, Jagger comentó: «Creo que Keith pensaba que el riff era un poco básico. Estaba muy enganchado a él y le parecía un tipo de riff tonto».18 Jagger escribió la letra para el riff intentando hacer una denuncia sobre el comercialismo salvaje que la banda británica había visto en América.19 5 Richards, refiriéndose al proceso de escritura de la letra para la canción, declaró: «Mick escribió todas las palabras que dicen algo y yo escribí el gancho, me levanté de la cama con este riff y me dije 'tengo que escribir esto'».
Richards describió luego su opinión sobre «Satisfaction»:
Sólo era un riff... Me desperté en medio de la noche, lo grabé en un casete y pensé que era bueno. Fui a dormir y cuando me levanté parecía tan útil como cualquier otra canción de álbum. Lo mismo pasó con Mick al mismo tiempo, ya sabes, las cosas van da-da, da-da-da...y las palabras que escribí fueron «I can't get no satisfaction». Pero igualmente podría haber sido "Auntie Millie's Caught Her Left Tit in the Mangle" ("la tía Millie se pilló la teta izquierda con el rodillo".
Se ha sugerido que el título pudo salir de una línea del sencillo de 1955, «30 Days» de Chuck Berry ("I don't get no satisfaction from the judge", pero esto no ha sido confirmado,18 aunque en una entrevista hecha a Jagger en 1995, él indicó que "inconscientemente" Richards pudo haber tomado el título de esa línea.20 Fuentes de internet ponen la letra de Chuck como "I don't get no satisfaction."
«(I Can't Get No) Satisfaction» es un sencillo lanzado por la banda británica de rock The Rolling Stones en 1965. La canción fue compuesta por los líderes de la agrupación, el cantante Mick Jagger y el guitarrista Keith Richards, y grabada en los estudios RCA en Hollywood a mediados de mayo de 1965, durante su gira por Norteamérica, bajo la producción de su mánager Andrew Loog Oldham. La canción se lanzó en los Estados Unidos el 6 de junio de 1965, pero también se incluyó en el álbum Out of Our Heads, que salió a la venta en julio de ese mismo año. «Satisfaction» fue un gran éxito, cuyo riff es uno de los más famosos de la historia del rock, dando a la banda su primer número uno en los Estados Unidos
1 Bob Dylan, 'Like a Rolling Stone'
Like a Rolling Stone» es una canción de 1965 del cantautor estadounidense Bob Dylan. Su letra reivindicativa proviene de un poema que Dylan escribió en junio de dicho año, cuando regresó extenuado de una gira agotadora por Inglaterra. Tras que se revisara la letra numerosas veces, «Like a Rolling Stone» se grabó unas pocas semanas después en parte de las sesiones para su siguiente álbum de estudio, Highway 61 Revisited. Durante una preproducción difícil de dos días, Dylan luchó para hallar la esencia de la canción; se grabó un demo carente de éxito en compás de 3/4. Se hizo un avance cuando se intentó grabar en formato de rock y el músico de sesión novato Al Kooper improvisó el riff de órgano por el que la canción es conocida. Sin embargo, Columbia Records no estaba satisfecha con ella debido a sus seis minutos de duración y su sonido eléctrico y pesado, por lo que no estaba segura sobre su lanzamiento. Sólo cuando un mes después se filtró una copia del tema y disc jockeys influyentes la escucharon se puso a la venta como sencillo. Aunque las emisoras de radio eran reacias a transmitir una canción tan larga, «Like a Rolling Stone» alcanzó el segundo puesto en las listas de Estados Unidos y se convirtió en un éxito internacional.
Se ha descrito el tema como revolucionario en su combinación de diferentes elementos musicales, el sonido jovial y cínico de la voz de Dylan y la asertividad de la pregunta del estribillo: How does it feel? («¿Cómo se siente?»). «Like a Rolling Stone» transformó la carrera de Dylan y todavía se la considera una de las composiciones más influyentes en la música popular de la posguerra. Desde su lanzamiento fue un hito tanto en la música como en la cultura popular que elevó la figura de Dylan hasta volverla icónica. Artistas variados como The Jimi Hendrix Experience, The Rolling Stones, The Wailers y Green Day realizaron versiones de la canción. Además, la revista Rolling Stone la colocó en el número 1 de su lista de las «500 mejores canciones de todos los tiempos».
En la primavera de 1965, al regresar de la gira por Inglaterra documentada en la película Dont Look Back, Dylan estaba insatisfecho con las expectativas del público en cuanto a él, así como la dirección que su carrera estaba tomando; consideró seriamente retirarse del negocio de la música. En una entrevista de 1966 con Playboy comentó sus sentimientos: «La primavera pasada creía que iba a dejar de cantar. Estaba agotado y la dirección que estaban tomando las cosas, era una situación extenuante. [...] Pero "Like a Rolling Stone" cambió todo. Digo, fue algo que yo mismo pude crear. Cansa mucho que otra gente diga todo lo que crea por ti si tú no creas por ti mismo».3 Los cimientos de la canción provienen de un poema extenso. En 1966, Dylan describió los orígenes de «Like a Rolling Stone» al periodista Jules Siegel:
«Tenía diez páginas. No tenía título, [consistía en] unas rimas en un papel, todo sobre mi odio estable dirigido hacia algún punto que era honesto. Al final, no era odio, era decirle a alguien algo que no sabía, decirle que tenía suerte. Venganza, esa es una palabra mejor. Nunca había pensado en esto como una canción, hasta que un día estaba en el piano con el papel y cantando How does it feel? ("¿Cómo se siente? ) a cámara lenta, extremadamente lenta»
10 Ray Charles, 'What'd I Say'
Según Charles, en un concierto en Milwaukee en un club nocturno, él había interpretado ya la última canción de su repertorio «Night Time Is the Right Time», fue la última canción. Charles decidió llenar el tiempo que quedaba realizando una versión improvisada de la canción que más tarde grabaría como «What'd I Say». Charles dijo a su banda de apoyo y a las chicas coristas de fondo que le siguieran el ritmo. La canción comenzó en un "Latin music", y Charles empezó tocando un Wurlitzer piano eléctrico. La gran figura rítmica antes de que Charles la improvisara era su propia letra.
Aunque la canción por lo general sea titulada como "What'd I Say", Charles siempre insistía que el nombre de la canción sea "What I Say" como oído en la canción.
Directivos del sello discográfico de Charles, Atlantic Records, tenían preocupaciones que la canción era "demasiado atrevida" y "demasiado larga". La emisora de radio WAOK en Atlanta había grabado la melodía como una parte del álbum en vivo de Ray Charles.
Atlantic fue convencido. Para remediar el problema de la duración de la canción, el estudio interno divide la canción en dos partes. Con el apoyo del Atlantic, la nueva grabación de estudio de «What'd I Say» fue publicada como un sencillo en la primavera de 1959 y pronto elevado a la cima del Billboard. La canción alcanzaría su puesto máximo en n.º 1 Billboard R&B y n.º 6 en las listas populares
Versiones
Bobby Darin
Jimmy Smith
Clifton Chenier
John Mayall & The Bluesbreakers con Eric Clapton en Blues Breakers with Eric Clapton
Johnny Cash y June Carter
Etta James
Jerry Lee Lewis
Motorhead
Toots & The Maytals
Trini López
Graham Bond
Lyle Lovett
Freddie King
Elvis Presley (para la película Viva Las Vegas)
Tony Sheridan y The Beatles
Bill Haley & His Comets
Rare Earth
Cliff Richard
Rigo Tovar
Roy Orbison y Medeski, Martin & Wood
Jimi Hendrix
Hound Dog Taylor
Vince Taylor
Sammy Davis, Jr.
John Scofield
The Beatles
The Ronettes
9 Nirvana, 'Smells Like Teen Spirit'
Smells Like Teen Spirit» es una canción de la banda estadounidense de grunge Nirvana. Es la primera canción del álbum de 1991 Nevermind, del cual es también el primer sencillo. Es comúnmente considerada la canción que llamó la atención de los adolescentes de todo el mundo hacia Nirvana y el movimiento grunge. Fue escrita por los tres miembros de la banda (Kurt Cobain, Dave Grohl y Krist Novoselic, con letra de Cobain) y producida por Butch Vig.
«Smells Like Teen Spirit» es considerada como uno de los himnos de la música de los años 1990, especialmente, como el himno de la Generación X.1 2 Lanzada en 1991, la canción llegó en una escena musical que veía el fin de la popularidad del hair metal de los años 1980. El tema, conocido por su famoso video musical, habla sobre una imagen de rebeldía adolescente que fue muy bien acogida por su audiencia. Se considera con gran unanimidad a «Teen Spirit» como la canción más famosa del género grunge. Debido a su éxito masivo, y a lo diferente que era de las composiciones de la escena «mainstream» del rock de los ochenta, dominada por bandas de glam metal o retro, «Smells Like Teen Spirit» revivió la popularidad del rock, abriendo la puerta al triunfo del grunge en los noventa. Además, esta popularidad del grunge fue la responsable del renovado interés comercial por el rock alternativo,3 que para mediados de los noventa se había convertido en un formato radiofónico dominante.
"Smells Like Teen Spirit" ocupa el puesto número nueve en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone, así como el treinta y siete de "Las 1000 mejores canciones de siempre" de la revista Q y elegida como la número uno de "Las 100 mejores canciones de los 90's" según el canal musical VH1.
En Heavier than Heaven, la biografía de Kurt Cobain escrita por Charles Cross, se dice que la canción hace referencia a la ruptura de Tobi Vail con Kurt.6 Este argumento se basa en varias cartas publicadas en el libro sobre los diarios de Cobain (Journals), como "Por qué no lloras cuando estoy aquí / Oh sí queremos lo que es mejor para ti" y "Quiénes serán el Rey y la Reina de los adolescentes reprimidos".7
Sin embargo, Cobain no creía que las letras tuvieran ningún significado específico. En una entrevista con la cadena musical MTV dijo: "Me doy cuenta que la gente espera... un ángulo más temático con nuestra música, sabes - ellos quieren "leerla". Pero lo que hice fue colocar pedazos de poesía y solo basura y material que me encantaba en aquel entonces, y muchas veces escribo letras sólo en el último minuto porque soy muy perezoso, entonces... entonces no entiendo porque la gente intenta buscarle algún significado..."
Cobain no usó ésto como ejemplo de cómo sus letras podrían no tener significado alguno, sino como la demostración de que una canción no necesariamente ha de tener algún significado (cómo "Smells Like Teen Spirit", siendo de una ruptura, o sobre una "revolución" - cómo ha sido generalmente sugerido). Otra interpretación posible de las letras fue hecha por el bajista Krist Novoselic: "Kurt odiaba el 'mainstream'. De eso se trataba 'Teen Spirit'. La mentalidad conformista de la gente".3 De acuerdo a entrevistas con la banda, se dice que otro significado de la canción habla sobre un "ataque a la apatía de la Generación X".8
8 The Beatles, 'Hey Jude'
Hey Jude» es una canción de la banda de rock británica The Beatles lanzada en agosto de 1968 como primer sencillo del sello discográfico de la formación, Apple Records. Acreditada a Lennon/McCartney, el tema es una balada que evolucionó a partir de «Hey Jules», canción que Paul escribió para consolar a Julian, el hijo de John Lennon, después del divorcio de sus padres. La canción arranca con una estructura de verso-puente basada en la interpretación vocal y el acompañamiento al piano de McCartney, a los cuales, según progresa la canción, se van añadiendo detalles complementarios que distinguen sus distintas secciones. Después de la cuarta estrofa, cambia a un final o coda que se desarrolla durante más de cuatro minutos, hasta apagarse progresivamente.
Con más de siete minutos de duración, fue en su tiempo la canción más larga de la historia en ocupar el Top 10 de las listas británicas de sencillos.5 También pasó nueve semanas como n.° 1 en Estados Unidos —el tiempo más largo que ha permanecido una canción de The Beatles en la parte superior de las listas estadounidenses—. El sencillo ha vendido aproximadamente ocho millones de copias y frecuentemente se incluye en las listas de las mejores canciones de todos los tiempos
En 1968, después del divorcio de John Lennon y su esposa Cynthia Powell por culpa de la aventura amorosa de Lennon con Yoko Ono y de Cynthia con Roberto Bassanini,6 McCartney fue a ver a Cynthia y a su hijo en común con Lennon, Julian. Paul diría de aquello: «Hemos sido buenos amigos durante muchísimos años y creo que es excesivo considerarlos personæ non gratæ y sacarlos de mi vida».7 Cynthia recordó: «Me sorprendí totalmente cuando, una tarde, Paul llegó por su cuenta. Estaba conmovida por su preocupación acerca de nuestro bienestar [...] En el camino hacia aquí compuso 'Hey Jude' en el automóvil. Nunca olvidaré el detalle de Paul de preocuparse por venir a vernos».8
El título original era «Hey Jules», y tenía la intención de consolar a Julian del dolor causado por el divorcio de sus padres. «Comencé con la idea de 'Hey Jules', que era Julian, don't make it bad, take a sad song and make it better (no lo estropees, toma una canción triste y mejórala). ¡Hey, trata de lidiar con esa terrible situación! Sabía que no iba a ser fácil para él. Siempre me sentí triste por los niños en los divorcios... Para cuando llegué ya tenía la idea para la canción. Lo cambié a 'Jude' porque pensé que sonaba mejor».7 Julian Lennon descubrió que la canción había sido escrita para él cerca de veinte años después; sobre su relación con McCartney comentó: «Paul y yo solíamos estar juntos mucho más tiempo del que estábamos mi padre y yo juntos. Teníamos una gran amistad y parece que hay más fotos de Paul jugando conmigo que las que tengo con mi padre».9
A pesar de que McCartney originalmente compuso la canción para Julian Lennon, John Lennon pensó que había sido para él:
Pero siempre la oí como una canción dedicada a mí. Si piensas al respecto... Yoko entra en la imagen. Él dice: 'Hey, Jude—Hey, John.' Sé que estoy sonando como uno de esos fanáticos que se involucran demasiado con algo, pero puedes escucharla como una canción para mí... Inconscientemente, él dijo 'Sigue adelante, déjame'. En un nivel consciente, él no quería que siguiera adelante.10
Asimismo, otras personas creen que McCartney escribió la canción sobre ellos, incluyendo Judith Simons, una periodista del periódico Daily Express.11 Sin embargo, otros, entre los cuales se incluye John Lennon, han especulado que la relación fallida a largo plazo que McCartney tuvo con Jane Asher cuando escribió «Hey Jude» era un inconsciente «mensaje a sí mismo».12 De hecho, cuando Lennon mencionó que la canción trataba sobre él, McCartney lo negó, y le dijo a Lennon que había escrito la canción acerca de sí mismo.13
McCartney cambió el título a «Hey Jude» porque el nombre de Jude era más fácil de cantar.9 Así como lo hizo con «Yesterday», McCartney interpretó la canción para otros músicos y amigos. Ron Griffith de Badfinger, la primera banda en unirse a la compañía discográfica de The Beatles, Apple Records, recordó que en su primer día en el estudio «Paul caminó hacia el piano de cola y dijo 'Hey muchachos, deben de escuchar esto', se sentó y nos dio una versión de concierto completo de 'Hey Jude'. Estábamos asombrados.
7 Chuck Berry, 'Johnny B. Goode'
"Johnny B. Goode" es una canción escrita por el estadounidense Chuck Berry en 1958, y es considerada una de las primeras canciones de rock and roll puro de las que se tiene constancia. Además, esta canción tiene el puesto 7 de las Las 500 mejores canciones de todos los tiempos, según la perspectiva de la revista Rolling Stone, y el puesto número uno en la lista de Las 100 canciones de guitarra más grandes de todos los tiempos, de la misma revista.
La canción es la versión rock and roll del sueño americano —un pobre chico del campo tiene el sueño de convertirse en una estrella a base de arduo esfuerzo y su destreza tocando la guitarra—.
Aunque en parte basada en el propio Berry, se dice que la inspiración para la canción vino de Johnnie Johnson que tocaba el piano y compuso varias canciones con Berry. En anteriores grabaciones no publicadas Chuck cantó "Coloured Boy" (chico de color) en vez de "Country Boy" (chico del campo), pero los hermanos Chess decidieron que eso no vendería.
La grabación de esta canción de Berry fue incluida en el Disco de oro de las Voyager, incluida en la sonda espacial Voyager.
La canción aparece en la película Back to the Future. Quien la interpretó fue Michael J. Fox, el protagonista de la película.
6 The Beach Boys, 'Good Vibrations'
"Good Vibrations" es una canción escrita por Brian Wilson y Mike Love y grabada con The Beach Boys. Fue publicada en sencillo el 10 de octubre de 1966, la canción se convirtió en todo un éxito tanto en su país de origen como en el Reino Unido, alcanzando el número uno en ambos países, y en otros también.
Debido a la innovación musical de la canción, hoy en día es considerada como una de las mejores canciones de todos los tiempos, según la revista Rolling Stone en su Lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos esta canción se encuentra en el sexto lugar. Mientras que la publicación New Musical Express puso a "Good Vibrations" en el cuatro lugar en su propia lista de las 20 mejores canciones.2
Esta canción llamo mucho la atención de los músicos, uno de ellos fue el grupo The Beatles, Paul McCartney y John Lennon le enviaron a Brian Wilson una carta de felicitación por tan buen trabajo.
Durante la dictadura de Francisco Franco muchos discos vieron la censura, como el cambio de portada en el álbum Sticky Fingers de The Rolling Stones. "Good Vibrations" fue censurada debido a su "sentido totalmente erótico, en el que se subliman las excitaciones sexuales", considerando además que "su autorización daría pie a las revistas de tipo musical a ofrecer la letra en castellano. Por todo ello, consideró que no debe autorizarse".17
5 Aretha Franklin, 'Respect'
Respect (Respeto en español) es una canción soul interpretada por Otis Redding, en 1965 que se convirtió en un himno. En 1967 Aretha Franklin grabó una versión de la canción.
También es interpretada por Aretha Franklin en la película Blues Brothers 2000.
En la autobiografía del productor de Aretha, Jerry Wexler, la palabra respeto tenía el sentido más abstracto de estima; la connotación tradicional. Pero que la voz de Aretha exigía ese respeto y también una tensión sexual de primer orden, algo acentuado por los coros de parte de Aretha y Carolyn que dicen a gran velocidad: "Sock it to me". Como la versión de Aretha no tenía puente entre las estrofas, Wexler ordenó a la banda que tocara los cambios de acordes de otra canción: "When something is wrong with my baby", de Sam & Dave; también se le añadió un solo de saxo por parte de King Curtis. No hay duda de que la ferocidad en la interpretación de Franklin en la canción venía de su matrimonio problemático.
4 Marvin Gaye, 'What's Going On'
«What's Going On» es una canción del artista estadounidense Marvin Gaye, publicada en 1971 en la filial de su discográfica Motown, Tamla. Originalmente inspirada por un incidente de brutalidad policial presenciado por el compositor y cantante de los Four Tops Renaldo "Obie" Benson, la canción fue acreditada como compuesta por Benson, Al Cleveland y Gaye, y producida por el propio Gaye. Sin embargo, Benson diría en alguna ocasión que ofreció a Gaye aparecer como compositor para animarle a grabar y producir el tema.1
Por aquel entonces, se unía en Gaye su preocupación social con la que sentía por su hermano, destinado en Vietnam. Berry Gordy, dirigente de Motown, se mostró en principio muy en contra de la inclusión de temas sociales y ecológicos en la música eminentemente bailable de la discográfica. Llegó a decir que «What's Going On» era la peor canción que había escuchado. Gaye tuvo que amenazar con no volver a grabar con Motown a no ser que el tema fuese lanzado como sencillo. Así se hizo, y su éxito permitió que se editara el álbum completo poco después.2
La canción, que se centra en los principales acordes de séptima y séptima menor, y se orienta a los sonidos de jazz, gospel, con orquestación de música clásica, fue recibida principalmente como una reflexión sobre los problemas del mundo, convirtiéndose en un clásico que inició la evolución de Gaye desde el puro "sonido Motown" a un material más personal. La canción alcanzaría el primer puesto de la Hot Soul Singles Chart durante cinco semanas, llegando al número dos en la Billboard Hot 100 y vendiendo más de dos millones de copias, convirtiéndose en la segunda canción más exitosa de Gaye para Motown hasta esa fecha.
En 2004, la revista Rolling Stone la eligió como la cuarta mejor canción del todos los tiempos; en su actualización de 2011 de dicha lista la canción se mantuvo en esa posición.1 También fue incluida en el Rock & Roll Hall of Fame en la lista de las "500 canciones que definieron en rock and roll", junto con otras dos canciones de Gaye.
3 John Lennon, 'Imagine'
La letra de la canción está inspirada en las esperanzas de Lennon depositadas en una paz mundial, si bien el origen de la misma no es del todo claro. En 1963 Lennon abría la canción de The Beatles "I'll Get You" con el verso: "Imagine I'm in love with you, it's easy 'cause I know", que guarda cierto parecido con la estructura de "Imagine". Aun así, parte de la canción podría haber estado influenciada por la poesía de Yoko Ono, en relación a su infancia vivida en Japón durante la Segunda Guerra Mundial. En su libro Grapefruit, de 1964, Yoko escribe: "Imagine a raindrop" e "Imagine the clouds dripping" (que puede traducirse al español como "Imagina una gota de lluvia" e "Imagina las nubes goteando".
John Lennon declararía acerca del mensaje de la canción "Imagine":
No es un mensaje nuevo: "Give Peace a Chance" -no estamos perdiendo la razón, sólo decimos: da una oportunidad a la paz-. Con "Imagine" decíamos: "¿Puedes imaginar un mundo sin países ni religiones?" Es el mismo mensaje una y otra vez. Y es positivo."
"Imagine" es considerada como una de las mejores composiciones de todos los tiempos. En 2004, la revista musical Rolling Stone la ubicó en la tercera posición de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. El ex-Presidente de los Estados Unidos de América Jimmy Carter llegaría a decir: "En muchos países del mundo -mi esposa y yo hemos visitado cerca de 125 países- oías la canción 'Imagine' de John Lennon usada casi igual que los himnos nacionales."
También ocupa el puesto #78 de "Las 1000 mejores canciones de siempre" de la revista Q Music.
En el libro Lennon in America, escrito por Geoffrey Giuliano, Lennon comentó que la canción era "antireligiosa, antinacionalista, anticonvencional, anticapitalista, pero es aceptada por su dulzura." Lennon llegaría a definir el tema como "virtualmente el Manifiesto Comunista."
2 The Rolling Stones, '(I Can't Get No) Satisfaction'
Durante la tercera gira en los Estados Unidos, en 1965, Richards ideó el riff de guitarra de la canción. Los Stones se hospedaban en el hotel Fort Harrison en Clearwater, Florida como parte de su gira. Una noche Richards se despertó de repente, encendió la grabadora de casete y tocó el riff que abre «Satisfaction» antes de volver a la cama.16 Más tarde la describiría como: "2 minutos de Satisfaction y 40 minutos de mis ronquidos".17
Más tarde, Richards lo llevó al estudio donde los Stones estaban grabando. A Jagger le gustó el riff inmediatamente, pero Richards pensaba que se parecía demasiado a la canción «Dancing in the Street» de Martha & The Vandellas.5 En una entrevista, Jagger comentó: «Creo que Keith pensaba que el riff era un poco básico. Estaba muy enganchado a él y le parecía un tipo de riff tonto».18 Jagger escribió la letra para el riff intentando hacer una denuncia sobre el comercialismo salvaje que la banda británica había visto en América.19 5 Richards, refiriéndose al proceso de escritura de la letra para la canción, declaró: «Mick escribió todas las palabras que dicen algo y yo escribí el gancho, me levanté de la cama con este riff y me dije 'tengo que escribir esto'».
Richards describió luego su opinión sobre «Satisfaction»:
Sólo era un riff... Me desperté en medio de la noche, lo grabé en un casete y pensé que era bueno. Fui a dormir y cuando me levanté parecía tan útil como cualquier otra canción de álbum. Lo mismo pasó con Mick al mismo tiempo, ya sabes, las cosas van da-da, da-da-da...y las palabras que escribí fueron «I can't get no satisfaction». Pero igualmente podría haber sido "Auntie Millie's Caught Her Left Tit in the Mangle" ("la tía Millie se pilló la teta izquierda con el rodillo".
Se ha sugerido que el título pudo salir de una línea del sencillo de 1955, «30 Days» de Chuck Berry ("I don't get no satisfaction from the judge", pero esto no ha sido confirmado,18 aunque en una entrevista hecha a Jagger en 1995, él indicó que "inconscientemente" Richards pudo haber tomado el título de esa línea.20 Fuentes de internet ponen la letra de Chuck como "I don't get no satisfaction."
«(I Can't Get No) Satisfaction» es un sencillo lanzado por la banda británica de rock The Rolling Stones en 1965. La canción fue compuesta por los líderes de la agrupación, el cantante Mick Jagger y el guitarrista Keith Richards, y grabada en los estudios RCA en Hollywood a mediados de mayo de 1965, durante su gira por Norteamérica, bajo la producción de su mánager Andrew Loog Oldham. La canción se lanzó en los Estados Unidos el 6 de junio de 1965, pero también se incluyó en el álbum Out of Our Heads, que salió a la venta en julio de ese mismo año. «Satisfaction» fue un gran éxito, cuyo riff es uno de los más famosos de la historia del rock, dando a la banda su primer número uno en los Estados Unidos
1 Bob Dylan, 'Like a Rolling Stone'
Like a Rolling Stone» es una canción de 1965 del cantautor estadounidense Bob Dylan. Su letra reivindicativa proviene de un poema que Dylan escribió en junio de dicho año, cuando regresó extenuado de una gira agotadora por Inglaterra. Tras que se revisara la letra numerosas veces, «Like a Rolling Stone» se grabó unas pocas semanas después en parte de las sesiones para su siguiente álbum de estudio, Highway 61 Revisited. Durante una preproducción difícil de dos días, Dylan luchó para hallar la esencia de la canción; se grabó un demo carente de éxito en compás de 3/4. Se hizo un avance cuando se intentó grabar en formato de rock y el músico de sesión novato Al Kooper improvisó el riff de órgano por el que la canción es conocida. Sin embargo, Columbia Records no estaba satisfecha con ella debido a sus seis minutos de duración y su sonido eléctrico y pesado, por lo que no estaba segura sobre su lanzamiento. Sólo cuando un mes después se filtró una copia del tema y disc jockeys influyentes la escucharon se puso a la venta como sencillo. Aunque las emisoras de radio eran reacias a transmitir una canción tan larga, «Like a Rolling Stone» alcanzó el segundo puesto en las listas de Estados Unidos y se convirtió en un éxito internacional.
Se ha descrito el tema como revolucionario en su combinación de diferentes elementos musicales, el sonido jovial y cínico de la voz de Dylan y la asertividad de la pregunta del estribillo: How does it feel? («¿Cómo se siente?»). «Like a Rolling Stone» transformó la carrera de Dylan y todavía se la considera una de las composiciones más influyentes en la música popular de la posguerra. Desde su lanzamiento fue un hito tanto en la música como en la cultura popular que elevó la figura de Dylan hasta volverla icónica. Artistas variados como The Jimi Hendrix Experience, The Rolling Stones, The Wailers y Green Day realizaron versiones de la canción. Además, la revista Rolling Stone la colocó en el número 1 de su lista de las «500 mejores canciones de todos los tiempos».
En la primavera de 1965, al regresar de la gira por Inglaterra documentada en la película Dont Look Back, Dylan estaba insatisfecho con las expectativas del público en cuanto a él, así como la dirección que su carrera estaba tomando; consideró seriamente retirarse del negocio de la música. En una entrevista de 1966 con Playboy comentó sus sentimientos: «La primavera pasada creía que iba a dejar de cantar. Estaba agotado y la dirección que estaban tomando las cosas, era una situación extenuante. [...] Pero "Like a Rolling Stone" cambió todo. Digo, fue algo que yo mismo pude crear. Cansa mucho que otra gente diga todo lo que crea por ti si tú no creas por ti mismo».3 Los cimientos de la canción provienen de un poema extenso. En 1966, Dylan describió los orígenes de «Like a Rolling Stone» al periodista Jules Siegel:
«Tenía diez páginas. No tenía título, [consistía en] unas rimas en un papel, todo sobre mi odio estable dirigido hacia algún punto que era honesto. Al final, no era odio, era decirle a alguien algo que no sabía, decirle que tenía suerte. Venganza, esa es una palabra mejor. Nunca había pensado en esto como una canción, hasta que un día estaba en el piano con el papel y cantando How does it feel? ("¿Cómo se siente? ) a cámara lenta, extremadamente lenta»