Grandes Directores Pequeñas Obras [Parte IV]

Con esta cuarta entrega aparecerán algunos nombre que ya estuvieron en los tomos anteriores, pero nuevos asoman, Jean Pierre Jeunet, Lars Von Trier, Melies, Buñuel, Ridley Scott, Seth Macfarlane, y repiten Scorsese, Lynch, Polanski, y David Cronenberg... mas un bonus track en manos de uno de los mejores directores contemporáneos.

Para cerrar esta introducción vale decir que a partir de esto realmente ahora si parece que he agotado todas las posibilidades, es probable una quinta entrega dandole continuacion a los cortos animados, y una sexta de la mano de documentales, pero no hay promesas de nada por el momento...
Bienvenidos! Pasemos a los cortos... Vale aclarar que como en todas las entregas anteriores, los cortometrajes se encuentran en su idioma original, es jodido que aparezcan así, por lo cual imaginen que subtitulados seria una misión imposible.

David Paul Cronenberg (n. Toronto, Canadá; 15 de marzo de 1943) es un director de cine y guionista canadiense. Es uno de los principales exponentes de lo que se ha denominado horror corporal, el cual explora los miedos humanos ante la transformación fisica y la infección. Inaugura y abandera el concepto de la "nueva carne", eliminando las fronteras entre lo mecánico y lo orgánico. En sus películas, usualmente se mezcla lo psicológico con lo físico. En la primera mitad de su carrera exploró estos temas en el género fantástico, principalmente a través del horror y de la ciencia ficción, aunque su trabajo hace tiempo se ha extendido más allá de estos géneros. Junto a John Carpenter y a Wes Craven se le ha llegado a considerar dentro de un grupo denominado de "las tres C" del cine de horror contemporáneo. En 2002, fue nombrado Oficial de la Orden de Canadá.

Cámara es una película de 2000 de Canadá corta escrita y dirigida por David Cronenberg . El corto de seis minutos fue uno de varios hechos en la celebración del 25 aniversario del Festival de Cine Internacional de Toronto. El corto trata sobre un actor experimentado ( Leslie Carlson , en su cuarta colaboración con Cronenberg) analizando el estado actual del cine, mientras que un grupo de niños pequeños introducen a hurtadillas como el equipo de producción que lo filmara. Los niños están enamorados de la cámara, que el actor considera como una presencia infecciosa, malévolos.

Seth Woodbury MacFarlane (Kent, Connecticut, 26 de octubre de 1973) es un dibujante, guionista, productor, actor y director estadounidense conocido por ser el creador de las sitcoms animadas Padre de familia, American Dad y The Cleveland Show, donde presta sus voces en cada una de las series. Actualmente tiene su propia productora, Fuzzy Door Productions. Como actor, ha hecho apariciones en programas como Las chicas Gilmore y La Guerra en Casa. Su pasión por la ciencia ficción y la fantasía le ha llevado a realizar cameos como artista invitado en Star Trek: Enterprise y doblar a Johann Kraus en la película Hellboy II: The Golden Army de Guillermo del Toro al igual que en los créditos de apertura de Futurama: Into the Wild Green Yonder donde aparecía cantando. Sus producciones animadas son conocidas por las parodias que se llevan a cabo de las referencias culturales del cine y la televisión. En 2008 creó su propio canal de YouTube llamado Seth MacFarlane's Cavalcade of Cartoon Comedy. Como cantante, es conocido por su notable voz a la hora de actuar en Broadway con sus propios espectáculos. En 2009 hizo una aparición en el Proms de la BBC donde realizó su mejor actuación, allí, MacFarlane cantó durante un momento con la voz de Stewie.

La vida de Larry y Larry y Steve son dos cortometrajes de animación creados por Seth MacFarlane en la década de 1990 que finalmente condujo al desarrollo de la serie animada Family Guy . MacFarlane creó originalmente La vida de Larry como una película de tesis en 1995, mientras estudiaba en la Rhode Island School of Design . Su profesor de RISD presento a MacFarlane a Hanna-Barbera , donde fue contratado un año más tarde. Más tarde ese año, MacFarlane creó una secuela de La Vida de Larry llamada Larry y Steve , que contó con la protagonista de su primera película, el Larry de mediana edad, y un perro llamado Steve intelectual. El corto fue transmitido como uno de Cartoon Network 's World Premiere Toons .

Corto realizado en tono de comedia en 1963, junto con Vesuvious VI fueron parte de sus trabajos como estudiante en la New York University's Tisch School of the Arts. Trata sobre un escritor obsesionado con una pintura que cuelga en una de sus paredes.

Scott nació el 30 de noviembre de 1937 en South Shields hijo de Isabel y el coronel Francis Percy Scott. Por el oficio de se padre éste no estuvo muy presente en la infancia de Scott. Después de la Segunda Guerra Mundial, su familia se muda a Teeside. Le gustaba mucho ver películas, siendo sus favoritas Ciudadano Kane de Orson Welles, Lawrence de Arabia de David Lean y Los siete samuráis de Akira Kurosawa. Estudió en la Royal College of Art, donde ayudó a establecer el Departamento de Cine. Dirigió una película en blanco y negro titulada Boy and Bicycle y protagonizada por su hermano Tony Scott y su padre. La película tenía las características visuales que serían marca de Scott en sus futuras películas. En 1963 consiguió un trabajo como escenógrafo en prácticas en la BBC y trabajó en la serie Out of the Unknow. En 1968, junto con su hermano Tony, funda Ridley Scott Asociados. Durante los años setenta dirige anuncios televisivos y participa con Alan Parker, Hugh Hudson y Hugh Johnson.

El cortometraje comienza en el propio dormitorio de Ridley Scott, donde mediante cámara subjetiva trata de representar el punto de vista del protagonista, un adolescente interpretado por su hermano, el también cineasta Tony Scott, cuando se despierta y mira alrededor de su habitación. La película, de marcado carácter experimental, sigue al chico que decide hacer novillos y visitar diferentes lugares de la ciudad con su bicicleta. Durante todo este tiempo, escuchamos sus pensamientos a través de la voz en off del propio Ridley Scott, quien años más tarde declararía que el guión está inspirado en el Ulises de James Joyce. El monólogo revela las frustraciones de un adolescente cualquiera, burlándose de las figuras que representan la autoridad para él, como sus maestros, padres u otros adultos. Scott incluye diferentes elementos visuales con los que ya se intuye el talento del joven cineasta: la toma del perro muerto, el sol poniéndose entre nubes de rigurosa tormenta o la aridez espeluznante con que retrata una playa, que recuerda bastante a El Séptimo Sello de Bergman. La madre del chico de la bicicleta es la madre real de Scott y el enigmático pescador que aparece hacia el final sorprendiendo al joven que entra en la casa a fisgonear, también es el propio padre del cineasta.

Georges Méliès (8 de diciembre de 1861 – 21 de enero de 1938) fue un ilusionista y cineasta francés famoso por liderar muchos desarrollos técnicos y narrativos en los albores de la cinematografía. Méliès, un prolífico innovador en el uso de efectos especiales, descubrió accidentalmente la sustitución del stop trick en 1896 y fue uno de los primeros cineastas en utilizar múltiples exposiciones, la fotografía en lapso de tiempo, las disoluciones de imágenes y los fotogramas coloreados a mano. Gracias a su habilidad para manipular y transformar la realidad a través de la cinematografía, Méliès es recordado como un «mago del cine». Dos de sus películas más famosas, Viaje a la Luna (1902) y El viaje imposible (1904), narran viajes extraños, surreales y fantásticos inspirados por Julio Verne y están consideradas entre las películas más importantes e influyentes del cine de ciencia ficción. Méliès fue también un pionero del cine de terror con su temprana película Le Manoir du Diable (1896).

Un químico en su laboratorio coloca sobre una mesa de su propia cabeza, viva, a continuación se fijan sobre su cabeza una goma de tubo con un par de fuelles, que comienza a soplar con todas sus fuerzas. Inmediatamente la cabeza aumenta de tamaño y sigue creciendo hasta que llega a ser verdaderamente colosal, mientras que hace caras. El químico, por temor a reventar, se abre un grifo en el tubo. El jefe inmediato contrae y se vuelve a su tamaño original. A continuación, llama a su asistente y le informa de su descubrimiento. El asistente, con el deseo de experimentar por sí mismo, se apodera de los fuelles y la golpea en la cabeza con todas sus fuerzas. La cabeza se hincha hasta que se rompe con un golpe, derribando los dos experimentadores. El químico se inicia a continuación, literalmente, su ayudante de laboratorio en la ira.

Luis Buñuel Portolés (Calanda, Teruel, Aragón, España; 22 de febrero de 1900 - Ciudad de México, México; 29 de julio de 1983) fue un director de cine español naturalizado mexicano. La gran mayoría de su obra fue realizada en México y Francia y es considerado uno de los más importantes y originales directores de la historia del cine.

Un perro andaluz (en francés Un chien andalou) es un cortometraje de diecisiete minutos, mudo (no fue hasta la versión de 1960 que se incorporaron los motivos de Tristán e Isolda de Richard Wagner y un tango), escrito, producido, dirigido e interpretado por Luis Buñuel en 1929 con la colaboración en el guion de Salvador Dalí, gracias a un presupuesto de 25.000 pesetas que aportó la madre de Luis Buñuel. Fue estrenada el 6 de junio de 1929 en el cine Studio des Ursulines de París (Francia). Posteriormente se exhibió durante nueve meses ininterrumpidamente en el Studio 28 de la misma ciudad.
El rodaje duró quince días. Según refiere Buñuel a De la Colina y Pérez Turrent, Un perro andaluz nació de la confluencia de dos sueños. Dalí le contó que soñó con hormigas que pululaban en sus manos y Buñuel a su vez cómo una navaja seccionaba el ojo de alguien.
Un perro andaluz está considerada la película más significativa del cine surrealista. Transgrediendo los esquemas narrativos canónicos, la película pretende provocar un impacto moral en el espectador a través de la agresividad de la imagen. Remite constantemente al delirio y al sueño, tanto en las imágenes producidas como en el uso de un tiempo no lineal de las secuencias.
El nombre Un perro andaluz fue elegido porque no guardaba relación alguna con los temas del filme. Lorca se sintió aludido por el título, pero Buñuel negó dicha alusión, alegando que era el de un libro de poemas que él tenía escrito desde 1927. En primer lugar pensó que la película se llamara El marista en la ballesta (según el título que tenía un caligrama de Pepín Bello) y luego Es peligroso asomarse al interior, como inversión del aviso que tenían los trenes franceses: C'est dangereux de se pencher au dehors ('Es peligroso asomarse al exterior').
Pierre Batcheff se suicidó en 1932, unos años después de rodar el film. El mismo fin tuvo su compañera de reparto Simone Mareuil.

Nacido el 3 de septiembre de 1953 en la ciudad de Roanne,Loira en la región de Ródano-Alpes. Empezó en el arte de la dirección a los 17 años, cuando se compró su primera cámara. Creó varios cortos mientras estudiaba animación en los Cinémation Studios. Se hizo amigo de Marc Caro, diseñador y artista de cómics el cual se convertiría en su colaborador y co-director por largo tiempo. Jeunet y Caro dirigirían varias películas de animación premiadas.
Su primer filme con personas reales fue The Bunker of the Last Gunshots (1981), un corto sobre soldados en un mundo futurista. Jeunet también ha dirigido varios anuncios publicitarios y vídeos musicales, como Zoolook de Jean Michel Jarre (otra vez con Marc Caro). La mayoría de sus primeras películas, se enmarcan en el género de la distopía retro-futurista, culminando en el film La ciudad de los niños perdidos de 1995.
Su película más popular es Amélie, que obtuvo cinco nominaciones a los Premios Oscar y otros diferentes premios cinematográficos.
Su último largometraje, Micmacs à tire-larigot, protagonizado por Danny Boon, una comedia que aborda el tráfico de armas, fue estrenada en España en junio de 2011.

Foutaises es un cortometraje dirigido por Jean-Pierre Jeunet en 1989, poco antes de dar el salto al largometraje junto a Marc Caro en la fantástica Delicatessen.
Protagonizado por su actor fetiche Dominique Pinon, se basa en la definición de su protagonista a través de las cosas que le gustan y las cosas que odia. La misma técnica que más tarde utilizó el director para presentar los personajes en la fabulosa Amélie.
Una película que considero (sin ningún temor a exagerar) una auténtica obra de arte, y de la que ya se puede apreciar una parte de su particular y extraordinaria esencia, en este cortometraje.

Nace en Copenhague (Dinamarca) el 30 de abril de 1956. El director danés Lars von Trier es reconocido mundialmente por su visión crítica del mundo expresada a través de sus películas dramáticas las cuales han generado tanto el clamor por parte de los expertos como también críticas por los métodos de filmación.
Lars von Trier fue uno de los creadores del Dogma 95, un movimiento cinematográfico con el cual se llama al regreso de historias más creíbles en la industria fílmica apartándose de los efectos especiales y dirigiéndose principalmente hacia un uso técnico mínimo.
Su primera película como graduado de la escuela de cine fue Forbrydelsens Element (El elemento del crimen). A pesar de alcanzar un mayor reconocimiento con películas como Europa (Zentropa) von Trier se consagró como uno de los directores de cine más importantes de Europa en 1996 con Rompiendo las olas.
Esta última producción, junto con "Dancer In The Dark" (que cuenta con las participaciones de la cantante islandesa Björk, la actriz francesa Catherine Deneuve, y la del sueco Peter Stormare) y "Los Idiotas" o "Dogma #2", forma la trilogía de "Los Corazones de Oro". Actualmente Von Trier prepara una nueva trilogía en torno a Estados Unidos, cuya primera entrega corresponde con "Dogville" (2003), donde actúa la actriz australiana Nicole Kidman. La segunda parte, titulada "Manderlay", fue estrenada el Febrero del 2006 en España.
Lars von Trier también pinta cuadros, uno de los cuales está expuesto en la última planta del castillo de Hillerod (Dinamarca). Refleja un universo casi monocromático y angustioso, como en sus películas.

"Occupations" y es un segmento que rodó Von Trier para Chacun son cinéma ou Ce petit coup au coeur quand la lumière s'éteint et que le film commence, film coral compuesto de una serie de cortometrajes que realizaron diversos directores (Polanski, Lynch, Kitano, los Coen...) para conmemorar el 60 aniversario del festival de Cannes. También presentó el proyecto en el último Seminci (Semana Internacional de Valladolid).
Un crítico de cine y empresario no para de molestar a un hombre que intenta ver la película (interpretado por el propio director). Finalmente, éste buscará la solución adecuada para acabar con esta situación...

Su primer cortometraje lo realizó a la temprana edad de 21 años. Se trataba de Rower (La bicicleta, 1955), en el que él también actúa con el papel principal. Le siguieron Rozbijemy zabawę... (1957), Uśmiech zębiczny (1957), Dwaj ludzie z szafą (1958) (conocida en castellano como Dos hombres y un armario), Lampa (La lámpara, 1959) y Gdy spadają anioły (1959) (Cuando los ángeles caen en España). Durante el rodaje de esta película el joven Polanski, de 26 años, comenzó un romance con la actriz principal, Barbara Kwiatkowska-Lass, de 19 años, con la que se casó en ese mismo año y de la que se divorció en 1962.
Esto le sirvió para poder realizar su primer largometraje en Polonia: El cuchillo en el agua (rodada en 1961 pero estrenada en 1962), con el que consiguió una nominación a la mejor película extranjera en los Óscar de 1963. La película ya mostraba algunas de las características de sus siguientes producciones, por su gusto por los ambientes claustrofóbicos, al colocar a tan sólo tres personajes (una pareja y un desconocido) que navegan en un pequeño barco.
Poco después Polanski realizó sus últimos cortometrajes: Le Gros et le maigre (1961), que rodó en Francia y con el que consiguió varios premios, y Ssaki (1963).

En medio de una función, una longeva pareja se descompone en una sala de cine por los gemidos de un espectador en el fondo de la sala.

David Keith Lynch (n. Missoula, Montana, Estados Unidos, 20 de enero de 1946) es un director de cine y guionista estadounidense. Su actividad artística se extiende asimismo al terreno de la pintura, la música, la fotografía e incluso el diseño de mobiliario.
Su amor por el dadaísmo y el surrealismo queda patente en algunas de sus películas, cuya misteriosa y hasta inquietante atmósfera mezcla lo cotidiano con lo soñado escapando a veces a la comprensión exhaustiva del espectador. Como ejemplo de ello pueden citarse Eraserhead y la serie de televisión Twin Peaks. Posteriormente realizó algunas producciones más accesibles como The Straight Story, aunque manteniendo su toque personal. En la actualidad, algunos de sus proyectos cinematográficos y de animación son sólo accesibles a través de su sitio Web, de pago.
Sus películas tienden a describir los entresijos de pequeñas comunidades de los Estados Unidos, como es el caso de Twin Peaks: Fire walk with me o Blue Velvet. Lynch siente también predilección por los secretos ocultos de los barrios periféricos de Los Ángeles, retratados en Lost Highway y Mulholland Drive. El sonido en sus películas es de gran importancia, y por ello cada banda sonora es trabajada con esmero. El responsable de conseguir ese sonido es el compositor Angelo Badalamenti.

Corto presentado por David Lynch en el festival de Cannes de 2007. En él vemos una escena que se representa en una sala de cine y que nos muestra una habitación donde hay una persona, unas tijeras a medio plano entra la pantalla y la sala y las voces de un chico y una chica que hablan sobre una bailarina. Sencillamente inquietante.

Este bonus es nada menos que el primer film de Quentin Tarantino My Best Friend´s Birthday, el cual estuve a punto de incluir en el tomo anterior de esta colección, pero por razones que no recuerdo preferí dejarlo fuera.
En si esta obra de Quentin no es un cortometraje, es un film en si, pero tras un incendio se perdio gran parte del material. por lo cual la version final fue de alrededor de 30 minutos.
Aqui solo incluire la info basica del trabajo, pero para quien lo desee puede ir al post dedicado integramente a la pelicula.

Nació en Knoxville, Tennessee, en 1963, hijo de Tony Tarantino, actor y músico amateur nacido en Queens, y Connie McHugh, una enfermera. Su padre es de ascendencia italiana y su madre es de ascendencia irlandesa y cheroqui. El nombre de Tarantino hace referencia a un personaje de una serie de televisión, el herrero mestizo Quint interpretado por Burt Reynolds en Gunsmoke. Cuando tenía dos años, la madre soltera del realizador se trasladó con él a South Bay, al sur de Los Ángeles, su hogar durante las siguientes dos décadas. Su barrio en la ciudad de Torrance era una mezcla de blancos y negros por lo que estuvo expuesto a una gran variedad de influencias cinematográficas y de culturas populares. Por ejemplo, las películas de artes marciales, que se seguían poniendo en los barrios negros después de que la fiebre del kung fu se trasladara a otros sitios. Tarantino se las apañó para seguir viéndolas hasta bien entrados los años '70. Abandonó los estudios a los 17 años para dar clases de interpretación y mantenerse con trabajos esporádicos. A los veintidós años encontró una especie de segundo hogar en Video Archives, en Manhattan Beach, donde sus grandes conocimientos sobre películas antiguas le fueron muy útiles.

Es el cumpleaños de Mickey y su novia le ha dejado, así que su amigo Clarence decide organizarle una fiesta de cumpleaños que nunca olvidará... Primera película del realizador Quentin Tarantino. Su duración inicial eran 69 minutos, pero hubo un incendio en donde se guardaba y sólo pudieron recuperarse 35 minutos de metraje. Al estar incompleta, es Reservoir Dogs (1992) la cinta que está considerada su debut. A posteriori, el guión de esta película fue la base para el de la cinta Amor a quemarropa, que acabaría dirigiendo Tony Scott.