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Buenas gente de T!, en esta oprotunidad les quiero dejar para todos los cinefilos de esta comunidad un clasico del cine mudo realizado por Edwin S. Porter, "Asalto y Robo de un Tren", filmada en 1903. Sobre la película Reseña Wikipedia dijo:En 1903 estrena Asalto y robo de un tren (The great train robbery), película que inició el género del western. Puede ser considerada como la primera obra importante, con argumento de ficción, del cine americano. La película emplea de forma algo rudimentaria el montaje paralelo y aunque la acción suele transcurrir de cara al espectador, de la forma teatralizada que imponía Méliès, se observa un uso narrativo de la profundidad. Su última escena, un primer plano de un pistolero disparando sus armas hacia el espectador, causó una impresión parecida a la que pudo hacer en su día el tren de los hermanos Lumière. Reseña IMDB dijo:Toda una obra maestra que enseña cómo se narra un conflicto sencillo pero en forma excitante, que muestra cómo se editan y se montan las secuencias para que salga un producto definitivo sumamente cohesionado, que despliega una puesta en escena sublime donde la velocidad de las situaciones y el frenesí arrollan desde lo visual, que demuestra cómo se utiliza la música para acrecentar y acompañar correctamente el desarrollo narrativo de las imágenes, que resulta aleccionadora en el variado uso de las cámaras, que además de ser todo un acontecimiento desde lo técnico es inclusive una cinta que transmite emociones y entretiene sin que se le note tanto el paso del tiempo, que muestra bastante violencia en su corto metraje (algo que daría que hablar por entonces), y que por si fuera poco supone un antecedente no sólo en el género del western sino en la cinematografía general. Reseña Film Affinity dijo:Narra el asalto a un tren por parte de unos bandidos. Escrita y dirigida por Edwin S. Porter, a quien se le atribuye en ocasiones la paternidad del cine de ficción, Porter trabajó en el estudio de Thomas Alva Edison, creando la que sería la primera película estadounidense importante. De 8 minutos de duración, "Asalto y robo de un tren" influyó de forma decisiva en el desarrollo del cine porque incluía innovaciones como el género escogido (western) y sobre todo el montaje de escenas filmadas en diferentes momentos y lugares para componer una unidad narrativa. Al hacer esto, Porter inició el montaje, uno de los fundamentos de la creación cinematográfica, proceso en el que diferentes fragmentos elegidos de las diversas tomas realizadas —o disponibles— se reúnen para conseguir un conjunto coherente. Asalto y robo de un tren tuvo un gran éxito y contribuyó de forma notable a que el cine se convirtiera en un espectáculo masivo. Las pequeñas salas de cine, conocidas como nickelodeones, se extendieron por Estados Unidos, y el cine comenzó a surgir como industria. Sobre Porter dijo:Edwin S. Porter (Connellsville, Pensilvania, 21 de abril de 1870 - Nueva York, Nueva York, 30 de abril de 1941), director de cine estadounidense. Trabajó en los estudios de Edison, primero como ayudante de cámara y luego como jefe de su estudio desde 1902 a 1910. Con Porter se consolida la técnica narrativa de ese nuevo invento que era el cine a principios del siglo XX. Una vez que la vigilancia se hizo más estrecha, al estudio de Edison no le bastaba con pedir los negativos de las películas europeas con la excusa de catalogarse inventor de la fotografía animada. Más aún cuando Méliès instaló una sucursal en los Estados Unidos. La copia de los filmes se hacía más difícil, por lo que Edison recurrió a otro método menos peligroso: el plagio. El hombre clave de esta sección fue Edwin S. Porter. Fascinado por el trabajo de Méliès, Porter quiso hacer también un cine narrativo. Recogió los hallazgos de la escuela británica sobre el montaje como forma narrativa; de Ferdinand Zecca la estructuración del relato de sus dramas; y del propio Méliès la puesta en escena. En 1902, rodó Salvamento en un incendio (Life of an American fireman) con escenas documentales auténticas. Salvamento en un incendio ha sido considerada como una película pionera en el montaje paralelo. Hoy sabemos que fue obra de un montaje posterior, influenciado por la Escuela de Brighton. Carteles del Film El Film link: http://www.youtube.com/watch?v=526IUua0StA Bien gente, hasta aquí llega este segundo post dedicado a los orígenes del cine. Espero que este aporte les sirva tanto a estudiantes, aficionados, como así a curioso del séptimo arte. Para cerrar les dejo el link para poder apreciar la que se considera el primer film de la historia, "Viaje a la Luna" de George Melies. ] Nada mas por hoy, tomensen su tiempo y véanla. Agradesco comentarios!!!

Bienvenidos a todos al post sobre otro de los genios artísticos de nuestro país, el mismísimo León Ferrari. Biografia Hijo de Augusto C. Ferrari y Susana Celia del Pardo, León Ferrari nace el 3 de septiembre de 1920 y es el tercero de seis hermanos. En 1946 se casa con Alicia Barros Castro y tienen tres hijos: Marialí, Pablo y Ariel. En ese mismo año, comienza a pintar y dibujar ocasionalmente, por ejemplo, los retratos de Alicia de 1946-1947 y algunos cuadros de flores. Debido a cuestiones familiares, en 1952 viajó a Italia. En 1954 comienza a hacer esculturas de cerámica y en 1955 realizó su primera exhibición individual en Milán. Ese mismo año regresó a Argentina, mientras que en los años 1959 y 1960 realiza tallas en madera y estructuras de alambres, primero entrelazados y luego soldados. En 1962, durante su segundo viaje a Italia, realiza la primera escritura abstracta, ininteligible, serie que continúa hasta el presente y que elabora en distintas variaciones. En 1963 denomina a un conjunto Cartas a un general, y en 1964 Vanni Scheiwiller publicó en Milán Escrito en el Aire, un libro de poesías de Rafael Alberti e ilustrado por León Ferrari. Ese año también ejecuta Cuadro escrito, la descripción escrita de una obra, considerada hoy como uno de los primeros ejemplos del arte conceptual internacional. En el Premio Di Tella de 1965 presenta La civilización occidental y cristiana, un Cristo de santería crucificado sobre la maqueta de un bombardero norteamericano, pieza que fue rechazada. A partir de esa muestra se limita a hacer algunas obras políticas presentadas en exposiciones colectivas, como Homenaje a Vietnam, l966, Tucumán arde, 1968 y Malvenido Rockefeller, 1969, entre otras. En 1966 compuso el collage literario Palabras ajenas (un diálogo en paralelo entre Johnson, Hitler y los dioses cristianos). En 1976 recopila un grupo de noticias sobre la represión de la dictadura militar que publica con el título de Nosotros no sabíamos, frase que una parte de la ciudadanía argentina utilizó frente a las pruebas de la tortura y de los centros de detención. Ese año deja el país por razones políticas y se radica en San Pablo, Brasil. Allí se vincula con artistas brasileños con los que trabaja en diversas técnicas: fotocopia, arte postal, litografía, microficha, videotexto y libro de artista, entre otros. En 1980 realiza una serie de heliografías de planos, utiliza la técnica de Letraset, también desarrolla un grupo de instrumentos musicales que usa en varias performances. En 1983 retoma el tema político-religioso con collages e ilustraciones de la Biblia, en los que suma la iconografía católica, la erótica oriental e imágenes contemporáneas. Entre 1980 y 1984 publicí algunos libros de dibujos y collages, entre ellos Imagens, y Homens. En 1985 inicia una serie de obras con estiércol de aves, y expone en el MAM de San Pablo una jaula con dos palomas que defecan sobre el Juicio final de Miguel Ángel. La repite con jilgueros y canarios en Buenos Aires, donde también exhibe La Justicia, una gallina que defeca sobre una balanza. Publica La Basílica y en 1986 Parahereges. En 1987 presenta obras similares en Franklin Furnace y en Exit Gallery de Nueva York. Desde 1991 reside en Buenos Aires, donde continúa haciendo arte contra la represión del poder y de la religión y también pasteles y dibujos sobre lo que Noé Jitrik llama la arqueología del signo. En la muestra Surrealismo Nuevo Mundo presenta un homenaje al preservativo: una serie de botellas con profilácticos. En 1992 realiza obras con peces, ranas y axolotes. En 1994 repite la experiencia iniciada en el 64 con Cuadro escrito: en lugar de esculturas e instalaciones expone su descripción. En 1997 crea dos series de Brailles: poemas de amor de Borges escritos en braille sobre fotografías de desnudos de diversos autores, y versículos bíblicos, escritos también en braille, sobre imágenes religiosas y noticias periodísticas, entre otros soportes. En 1996 ilustra el Nunca más, libro reeditado por el diario Página/12 en forma de fascículos, que reúne centenares de testimonios sobre los crímenes de las fuerzas armadas de la Argentina. En 2000 expone en el ICI una muestra, titulada Infiernos e idolatrías, contra las torturas humanas y divinas, que originó diversas respuestas de grupos católicos que rezaron el rosario en la puerta del ICI y arrojaron una granada de gases lacrimógenos en el interior. En 2002 inicia Electronicartes, imágenes sobre la actualidad argentina e internacional que enviaba por correo electrónico. En 2004 realiza junto a Ricardo Pons los videos Lombrices y Casa Blanca; mientras que en 2005, la animación Planta, junto a Gabriel Rud, y Laberinto, también con Gabriel Rud y Cristian Parsons. En 2004 se expone una retrospectiva de su obra en la sala Cronopios y la sala C del Centro Cultural Recoleta que provoca intensos debates y agresiones por parte de la Iglesia, rotura de obras, clausura y reapertura de la muestra por parte de la justicia y uno de los mayores debates ocasionados en la historia del arte argentino. En 2005 exhibe nuevas obras en el Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén. Ese año desarrolla la serie Atados con alambre, esculturas con huesos, varillas de madera y ramas sobre los que, en algunos casos, coloca espuma de poliuretano. Esta serie da lugar a las series de Poliuretanos y Músicos, que desarrolla hasta el presente. En 2006 se presenta una muestra antológica de su obra en la Pinacoteca do Estado de São Paulo, Brasil, y simultáneamente participa como invitado especial en la Bienal de San Pablo. En 2007 recibe el León de Oro en la 52ª Bienal de Arte de Venecia. En 2008 expone en el Museo de Arte Carrillo Gil, México. En 2009 el MoMA exhibe una retrospectiva de su obra que se presenta luego en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid. En 2010 participa en distintas exposiciones nacionales e internacionales. En Argentina, su obra se encuentra presente, por ejemplo, en la muestra Siete imaginarios y una realidad, llevada a cabo en el Museo del Tigre, y en ocasión del bicentenario, exhibe obra en Las Mujeres, 1810-2010, Casa del Bicentenario y en la muestra ¿Qué carajo celebramos?, en Plaza de Almas, Salta. Además, la muestra Luces de León realizada en la Casa de la Cultura en homenaje al artista reúne muchas de las obras producidas por el artista en 2010. A nivel internacional, participó de la muestra itinerante Principio Potosí en el Museo Nacional de Arte Reina Sofía; en la exposición Re-encontres, realizada en la Iglesia de Santa Ana, Arles, Francia, mientras que en Fundación Iberé Camargo, Puerto Alegre, Brasil, se exhibe Alfabeto Enfurecido, muestra itinerante junto a Mira Schendel. Es socio honorario del CAIA (Centro Argentino de Investigadores de Arte) y miembro fundador del CIHABAPAI (Club de Impíos, Herejes, Apóstatas, Blasfemos, Ateos, Paganos, Agnósticos e Infieles), que en la Navidad de 1997 solicitó al Papa que gestionara la anulación del juicio final y de la inmortalidad, y en 2001, el desalojo y demolición del infierno. Para recorrer la obra de esta artista dividiré el post en diferentes categorías. Esculturas (todas ellas corresponden a la década del 60) Dibujos (Todos ellos corresponden a la década del 60) Objetos Series (las obras a continuación corresponden a las series Nunca Mas, Relecturas de la Biblia, y L`Osservatore) Bien gente, hasta aquí el repaso por las obras de León Ferrari, para aquellos que quieran ver mas de la obra de este autor, le dejo el link al sitio oficial donde podran ver mas obras de las aqui posteadas. http://www.leonferrari.com.ar/ Para quienes quieran tener una cronologia completa del autor, les dejo el link donde podran deacargar un pdf con la misma realizada por Andrea Giunta. http://leonferrari.com.ar/files/leon-ferrari---cronologia.pdf Hasta la próxima, espero sus comentario.

Buenas gente, en este post quiero dejarles a todos las primeras obras de grandes directores, sus primeros (y no tan asi) cortometrajes. A lo largo el post encontraran obras pequeñas que corresponden a sus épocas de estudiantes, y otras que encontraron a estos directores mas consolidados en la industria. Encontraran cortometrajes de directores como Scorsese, Orson Welles, Chaplin, David Lynch, Tim Burton, donde ya muestran el lenguaje cinematográfico que los define, ademas de las temáticas, estilos y demás que los han marcado como genios del cine mundial. Vale aclarar que la mayoría de los trabajos es muy complicado encontrarlos subtitulados o en español, así que los podrán ver en sus versiones originales, creo aun así, que lo que cuenta es poder visionar estas obras. Sin mas preámbulos pasemos a los cortometrajes. Orson Welles George Orson Welles (Kenosha, Wisconsin, Estados Unidos, 6 de mayo de 1915 - † Hollywood, Los Ángeles, Estados Unidos, 10 de octubre de 1985) fue un actor, director, guionista y productor de cine estadounidense. Es considerado uno de los artistas más versátiles del siglo XX en el campo del teatro, la radio y el cine, en los que tuvo excelentes resultados. Alcanzó el éxito a la edad de veintitrés años gracias a la obra radial The War of the Worlds, que causó conmoción en los Estados Unidos cuando la gente que escuchaba el programa pensó que era una verdadera invasión de extraterrestres. Este sensacional debut le valió un contrato para tres películas con el estudio cinematográfico RKO, que le otorgaron libertad absoluta en sus realizaciones. A pesar de estos beneficios, sólo uno de sus proyectos previstos pudo ver la luz: Citizen Kane (1941), la película más exitosa de Welles. La posterior carrera de Welles fue obstaculizada por una larga serie de dificultades e inconvenientes que le impidió seguir trabajando en Hollywood y lo obligó a trasladarse a Europa, donde trabajó como actor para financiar sus producciones. Entre sus muchos proyectos, Welles fue capaz de producir y dirigir películas como Macbeth (1948), Otello (1952), Touch of Evil (1958), El proceso (1962), F for Fake (1975), entre otros. Su fama creció después de su muerte en 1985, y ahora es considerado uno de los más grandes directores de cine y teatro del siglo XX. En 2002 fue elegido por el British Film Institute como el mejor director . Historia Una escena colonial de los EE.UU. Una anciana se sienta a horcajadas en una campana, mientras que un hombre de cara pintada de negro, peluca y librea tira de la cuerda de la campana. Desde una puerta superior emerge un hombre viejo, vestido como un dandy, que quita el sombrero a la mujer mientras camina por las escaleras sonriendo. Otros dejan la misma puerta y bajar las escaleras mismo: un hombre miserable, un policía, y, en varias ocasiones, el mismo dandy. El hombre se ahorca en la cara pintada de negro, el dandy sigue sonriendo. Un doblan las campanas, una tumba atrae. En la oscuridad, el dandy toca el piano. The Heart Of Ages link: http://www.youtube.com/watch?v=pXKIMag5hHE Jean-Luc Godard Jean-Luc Godard (París, 3 de diciembre de 1930) es un director de cine franco-suizo. Cultiva un cine creador, vanguardista, pero accesible en su conjunto. Es experimental respecto al montaje considerado clásico.Es uno de los miembros más influyentes de la nouvelle vague, a la vez caracterizado por su acidez crítica y por la poesía de sus imágenes. L’Origine du XXIème siècle (parte I) link: http://www.youtube.com/watch?v=mYCh_rzPDHg (parte II) link: http://www.youtube.com/watch?v=kjgspj1CaFM David Lynch David Keith Lynch (n. Missoula, Montana, Estados Unidos, 20 de enero de 1946) es un director de cine y guionista estadounidense. Su actividad artística se extiende asimismo al terreno de la pintura, la música, la fotografía e incluso el diseño mobiliario. Su amor por el dadaísmo y el surrealismo queda patente en algunas de sus películas, cuya misteriosa y hasta inquietante atmósfera mezcla lo cotidiano con lo soñado escapando a veces a la comprensión exhaustiva del espectador. Como ejemplo de ello pueden citarse Eraserhead y la serie de televisión Twin Peaks. Posteriormente realizó algunas producciones más accesibles como The Straight Story, aunque manteniendo su toque personal. En la actualidad, algunos de sus proyectos cinematográficos y de animación son sólo accesibles a través de su sitio Web, de pago. Sus películas tienden a describir los entresijos de pequeñas comunidades de los Estados Unidos, como es el caso de Twin Peaks: Fire walk with me o Blue Velvet. Lynch siente también predilección por los secretos ocultos de los barrios periféricos de Los Ángeles, retratados en Lost Highway y Mulholland Drive. El sonido en sus películas es de gran importancia, y por ello cada banda sonora es trabajada con esmero. El responsable de conseguir ese sonido es el compositor Angelo Badalamenti, colaborador habitual del director, creador entre otras de la fascinante banda sonora de la serie de televisión Twin Peaks o de la inquietante y perturbadora Lost Highway. Sobre el Cortometraje Su primer corto recibió el título de Six Men Getting Sick (Seis hombres enfermos, o enfermando) (1966). Él lo describió como "57 segundos de desarrollo y pasión, y tres segundos de vómito". Con esta pieza ganó el certamen anual de la Academia. Este pequeño éxito le permitió abordar su segundo cortometraje: The Alphabet. Six Men Getting Sick link: http://www.youtube.com/watch?v=awe8mqlDHDM Martin Scorsese Martin Charles Scorsese1 (17 de noviembre de 1942) es un director, guionista, actor y productor estadounidense de cine, ganador de un Óscar, dos Globos de Oro y dos premios BAFTA, así como de otro del Directors Guild of America (Gremio de directores de Estados Unidos), además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. Condecorado con la Legión de honor francesa en 1987. Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención católicos romanos,2 el machismo y la violencia endémica en la sociedad estadounidense. Es también conocido por su afición a la música, mundo al que ha dedicado alguna de sus películas (No Direction Home sobre Bob Dylan y Shine a Light, sobre los Rolling Stones). Scorsese es ampliamente considerado como uno de los directores más influyentes de su generación.3 Ganó un premio MFA por su obra como director de cine otorgado por la prestigiosa Escuela de Cine de la Universidad de Nueva York. Tras múltiples nominaciones a lo largo de su carrera, ganó finalmente el Óscar al mejor director por su película The Departed (Los infiltrados), la cual también ganó el Óscar de mejor película en la 79ª edición de los Premios de la Academia celebrados en 2007. El Óscar se lo entregaron Francis Ford Coppola, George Lucas y Steven Spielberg, que son buenos amigos suyos. Sobre el Cortometraje Este cortometraje es una metáfora de la guerra de Vietnam. Un hombre entra a un baño limpio y estéril meticulosamente, concentrándose en el pulido de la porcelana y el motivo de metal brillante. Luego procede a afeitarse. Cuando su cara está limpia, sin embargo, sólo sigue a afeitarse hasta que penetra a través de su piel. La sangre le cubre y cae a su alrededor, el rojo contrastando la pulcritud perfecta del cuarto de baño. The Big Shave link: http://www.youtube.com/watch?v=N1T93rJ9p-s Alex de la Iglesia Alejandro de la Iglesia Mendoza (Bilbao, 4 de diciembre de 1965), conocido como Álex de la Iglesia, es un director, productor y guionista de cine español, antiguamente historietista. En junio de 2009 fue elegido presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España,1 cargo que mantuvo hasta después de la Gala de los Goya de 2011, celebrada el 13 de febrero de 2011, tras la que dimitió, por su desacuerdo con la Ley Sinde Licenciado en Filosofía por la Universidad de Deusto, empezó a dibujar historietas en los fanzines No, el fanzine maldito3 y Metacrilato, y en revistas como Trokola, Burdinjaun, La Ría del Ocio o La Comictiva, dirigida por Torbe. Fue también en esta época, entre 1986 y 1989, cuando De la Iglesia fundó en Bilbao uno de los primeros clubs de rol de España, Los Pelotas. Su debut en el medio cinematográfico fue como director artístico en el cortometraje Mamá (1988), de Pablo Berger y desempeñó igual tarea en la película Todo por la pasta (1991), de Enrique Urbizu. Su primer cortometraje, Mirindas asesinas (1991), consiguió llamar la atención de Pedro Almodóvar, cuya productora El Deseo Films colaboró en el primer largometraje de De la Iglesia, Acción mutante . Mirindas Asesinas link: http://www.youtube.com/watch?v=_RkAPjJsDaY Tim Burton Timothy "Tim" William Burton,1 (Burbank, California; 25 de agosto de 1958) es un director, productor, escritor y diseñador estadounidense. La mayoría de sus películas se han caracterizado por la presencia de mundos imaginarios donde suelen estar presentes elementos góticos y oscuros, cuyos protagonistas suelen ser seres inadaptados y enigmáticos.Este sello de identidad se hace patente en películas como Batman y The Nightmare Before Christmas, esta última fue producida por él. Adquirió gran fama al dirigir exitosos filmes entre los que se encuentran Edward Scissorhands y Charlie y la fábrica de chocolate. Desde que dirigió su primer largometraje (La gran aventura de Pee-Wee) en 1985, ha pasado a dirigir y producir numerosas películas, algunas de ellas han sido notablemente premiadas. Con Corpse Bride fue candidato al Óscar a la mejor película de animación en 2006. A menudo trabaja con su amigo íntimo Johnny Depp, el músico Danny Elfman y su compañera sentimental Helena Bonham Carter. Sobre el Cortometraje El cortometraje Vincent fue realizado por Tim Burton y Rick Heinrichs en 1982, y cuenta la historia de un niño de 7 años llamado Vincent Maloy, quien está obsesionado con el actor Vincent Price (éste último presta su voz de narrador) y todos sus papeles de cine, así como de Edgar Allan Poe. Es el primer cortometraje dirigido por Tim Burton y utiliza la técnica de animación stop-motion (cuadro por cuadro) con muñecos de ojos grandes y lúgubres figuras de arcilla, con un excelente guión y música, muestra el lado que siempre le gustó a Tim Burton, la oscuridad, desesperación, miedo y figuras transroscadas. Cuenta con la fotografía de Victor Abdalov y la música es de Ken Hinton. Muestra el mundo de Vincent y cómo su obsesión transporta al espectador hacia una trama entre imaginación y realidad. Vincent es tranquilo y obediente, y en sus fantasías sueña con ser su idolatrado Vincent Price, uno de los intérpretes de terror más admirados y respetados de la historia del séptimo arte. Vincent está basado en un poema que Burton escribió al estilo de los cuentos del Dr Seuss ("How the Grinch stole Christmas", entre otros) mientras trabajaba para la compañía Disney. Vincent link: http://www.youtube.com/watch?v=rOLc5Kxk-qs Roman Polansky Roman Polanski (18 de agosto de 1933, París), en polaco: Roman Rajmund Polański, es un director de cine, productor, guionista y actor francés de origen polaco.Su primer cortometraje lo realizó a la temprana edad de 21 años. Se trataba de Rower (La bicicleta, 1955), en el que él también actúa con el papel principal. Le siguieron Rozbijemy zabawe... (1957), Usmiech zebiczny (1957), Dwaj ludzie z szafa (1958) (conocida en castellano como Dos hombres y un armario), Lampa (La lámpara, 1959) y Gdy spadają anioły (1959) (Cuando los ángeles caen en España). Durante el rodaje de esta película el joven Polanski, de 26 años, comenzó un romance con la actriz principal, Barbara Kwiatkowska-Lass, de 19 años, con la que se casó en ese mismo año y de la que se divorció en 1962. Rozbijemy Zabawe... link: http://www.youtube.com/watch?v=TQcKPbei8Tg Christopher Nolan Christopher Nolan (n. 30 de julio de 1970) director de cine, guionista y productor de nacionalidad inglés. Caracterizado por tratar los principales temas de la Psicología, como la Memoria en "Memento" o los Sueños en "Origen", en obras como "The Dark Knight" trata temas mas específicos, como la "decisión". Encerrando gran tensión psicológica, se dice de este ambicioso director, no tener "ninguna película mala", ya que desde sus inicios fue reconocido por su trabajo en su primer largometraje Following. Como director de cine, guionista y productor, Nolan "trabaja con el original uso del ordenador" (palabras textuales de el, en entrevistas) ya que hoy en día se abusa de su uso en la industria del cine. Considerado como uno los mas grandes genios del cine de hoy en día por la crítica. Nolan saltó a la fama con su segundo largometraje Memento, basado en un relato corto escrito por su propio hermano, Jonathan Nolan, que luego adaptarían juntos a un guión convencional para rodar la película y por el cual fueron candidatos Oscar en la categoría de mejor guión original.Fue educado en Haileybury College, una escuela independiente en Hertfordshire, Inglaterra, y luego estudió literatura inglesa en la University College de Londres, mientras tanto realizó varios cortometrajes en una escuela de cine. Su corto Tarantella fue proyectado en Image Union, una exhibición de cine independiente en PBS, en 1989. Otro de sus cortos, Larceny, fue proyectado durante el Cambridge Film Festival en 1996. Otro de sus más notables cortos fue Doodlebug, protagonizado por el actor Jeremy Theobald, quien luego también aparecería en Following, el primer largometraje de Chistopher. Doodlebug link: http://www.youtube.com/watch?v=492r4jQM3cY Charles Chaplin Sir Charles Spencer Chaplin, KBE (n. Londres, Inglaterra, Reino Unido 16 de abril de 1889 – m. Vevey, Suiza, 25 de diciembre de 1977), fue un actor cómico, compositor, productor y director cinematográfico inglés mejor conocido por sus populares interpretaciones durante la época del cine mudo. Desde entonces, es considerado como una de las figuras más representativas del humorismo.1 Reconocido por su popular personaje Charlot, se destacó en cine desde principios de la década de 1910 hasta los años 1950.2 Filmó alrededor de noventa películas, entre ellas Kid Auto Races at Venice (1914), La quimera del oro (1925), Luces de la ciudad (1931), Tiempos modernos (1936) y El gran dictador (1940). Sobre el Cortometraje The Rink, un cortometraje mudo de 1916, fue el octavo film de Charlie Chaplin para Mutual Films. El título de esta película tuvo varias traducciones al español, entre las que se encuentran Charlot, héroe del patín, Charlot, patinador, Como sobre ruedas y Sobre ruedas. La película es famosa por mostrar la habilidad de Chaplin para el patinaje. The Rink link: http://www.youtube.com/watch?v=E2pkTB52Yhc Robert Rodriguez Robert Anthony Rodríguez (20 de junio de 1968) es un director de cine estadounidense. También es guionista, músico y productor. Es conocido por realizar rentables producciones, tanto independientes como de estudio, con bajos presupuestos y rodajes sin demoras. Principalmente rueda y produce sus películas en los estudios Troublemaker, de los que es dueño, en Austin, Texas. Su carrera en Hollywood comenzó gracias a su primera película, titulada El Mariachi, que dirigió a los 24 años de edad.Rodríguez escribió el guión de su primer largometraje mientras permanecía internado en las instalaciones de unos laboratorios de investigación como paciente de un experimento clínico remunerado. Este dinero sirvió para pagar el rodaje de su película. Planeó recuperar el dinero vendiendo la película en el mercado del vídeo doméstico mexicano. La película era El Mariachi (1993), que Rodríguez escribió, dirigió, fotografió, montó y grabó el sonido con un presupuesto de 7.000 dólares. Mientras que seguía investigando la forma de vender la película en el mercado del vídeo, Rodriguez fichó con un influyente agente de ICM. Fue entonces cuando Columbia Pictures compró los derechos y firmó un contrato de dirección de dos años con Rodríguez. El Mariachi terminó ganando el ansiado Premio del Público a la Mejor Película Dramática del Festival de Cine de Sundance, y también fue galardonada en los festivales de Berlín, Múnich, Edimburgo, Deauville y Yubari (Japón). El Mariachi se convirtió en la película de menor presupuesto estrenada por un gran estudio y en la primera cinta americana estrenada en español. Rodríguez escribió sobre estas experiencias en Rebel Without a Crew (traducido en España como Rebelde Sin Pasta). Bedhead link: http://www.youtube.com/watch?v=JQZezgK3ULY Eso es todo, espero que estos aportes les guste, ya que cuesta encontrar información real de muchas de las obras, y armar este post se llevo una linda cantidad de horas. Espero sus comentarios sobre los cortos y espero que sepan disfrutarlos. Hasta la Próxima!!!

Kubrick antes de Kubrik... Todos los grandes directores tienen un antes, y obviamente Kubrick no es la excepción. Hubo un Kubrick antes del Kubrick de Dr. Strangelove, de 2001, de La Naranja Mecánica, y ese fue un joven Kubrick originario de Nueva York en una Norteamérica post guerra en etapa de expansión. un Kubrick que en aquel nuevo mundo puso su lente al servicio de la "realidad". La intención de este post es dar a conocer su obra de aquellos años mostrando su trabajo previo a su etapa mas conocida como realizador audiovisual. Fotografo y Periodista, Revista Look (1945 - 1950) La primera de las dos etapas de Kubrick antes de Kubrick se trata de su labor como fotoperiodista de la revista Look entre 1945 y 1950. Aficionado de la fotografía desde joven tras el regalo de sus padres de una cámara reflex incursiono en ella profesionalmente, en los cortos años que se dedico al fotoperiodismo logro una gran reputación. Su lente se dedicaba a retratar desde deportistas a estrellas del espectáculo como la vida misma de aquella Norte america que se le presentaba ante sus ojos. La espontaneidad era su marca hasta el punto de que Kubrick escondía la cámara para que todos sus fotogramas tuvieran más naturalidad. Entre las muchas fotografías del reportero Stanley Kubrick podemos destacar la fotografía de Rocky Graziano con los guantes de boxeo caídos y la mirada cansada o el joven actor Montgomery Clift relajado en su piso, entre muchos otros. Chicago 1949 por Stanley Kubrick New York por Stanley Kubrick Random Documentalista para RKO Su ascenso dentro del ámbito lo llevo a desarroyar Day of the Fight la cual sería su primera filmación a modo de documental de 13 minutos, en 1951 (sobre la base de un trabajo fotográfico hecho por él mismo para Look acerca del boxeador Walter Cartier), que financió con su propios ahorros a los 23 años, aprendiendo a usar el equipo por la persona que se lo alquiló. El documental fue comprado por RKO para incorporarlo en la serie This is America que fue proyectada en el Paramount Theatre, en Nueva York, dándole a Kubrick un pequeño beneficio económico. La propia RKO le adelantó dinero para el siguiente documental de 9 minutos llamado Flying Padre (a través del cual sacó el título de piloto, aunque años más tarde se negaría a seguir volando), que narraba la vida de un sacerdote que viaja en avioneta de pueblo en pueblo en el estado de Nuevo México . El último de sus documentales que duró 30 minutos sería The Seafarers, su primer trabajo en color. Para esta época Kubrick ya había renunciado a su trabajo en Look y se dedicaría de lleno a la industria del cine. Day of the Fight (1951) link: http://www.youtube.com/watch?v=cfgiZXyFBjM Flying Padre (1951) link: http://www.youtube.com/watch?v=U4BIAcQyThI The Seafarers (1953) link: http://www.youtube.com/watch?v=rUbjoYV8ZiY Para mas post sobre el septimo arte no dudes en darle clik a George A. Romero para ir a mi perfil y revisar mis anteriores trabajos y tambien ir al cielo y seguirme. Para ir a las mejores comunidades sobre cine y mantenerte informado, encontrar reseñas y demas pasa por la siguientes... ○ ● ● ● COMUNIDAD CINÉFILA ● ● ● ○ Películas en T! Bueno gente, espero que les haya gustado el post. No olviden dejar su comentario. Si crees que a alguien le va a gustar este aporte dale click a alguno de los botones que hay abajo! Hasta la proxima!!!

Buenas gente de T! ¿Sabían que en Nueva York hay una muestra de pinturas y afiches dedicados a la obra y gracia de Quentin Tarantino y los hermanos Coen? ¡Y vos que pensabas que las galerías de arte eran un embole! La cuestión es que el grupo de artistas Spoke Art abrió el 7 de abril en la Bold Hype Gallery de Manhattan una muestra titulada "Quentin Vs. Coens", en la que presentarán más de 100 cuadros dedicados a la filmografía de estos populares, reconocidos e influyentes cineastas. Algunas de las obras en cuestión son geniales, como no podremos asistir a la muestra para vislumbrarlas en vivo y en directo, les dejo una galería de imágenes con varias de ellas. Disfrútenlas. Eso es todo por ahora, para mas post de este calibre pasen por mi perfil Espero que le haya gustados Comenten y recomienden. Hasta la proxima

Buenas gente de T!, el post de hoy esta dedicado a la serie que comenzó a publicar la revista Fierro (cuyo director es nada mas ni nada menos que Juan Sasturain) llamada "Historieta por la Identidad". En esta primer entrega tenemos el prologo escrito por Laura Vazquez, y dibujos de Matias Trillo. Sin dar mas vueltas, ya que en el prologo esta todo dicho, los dejo con la historieta. Prologo - Laura Vazquez "Historieta por la Identidad" - Matias Trillo Esta es la portada de la Fierro 55, donde se encuentra esta historieta Para ver mas obras de Matias Trillo les dejo el enlace a su blog Para pasarse por la pagina de la Fierro este es el enlace Para mas post de este calibre pasen por mi perfil, o pueden seguirme, lo que mejor les parezca. Bien locos y locas, hasta aquí por el momento, esta serie continuara, así que por mes estaré haciendo este aporte. Espero sus comentarios y recomienden. Hasta la próxima.

Hola gente de T!, hoy les dejo en este humilde aporte una serie de fotografias de Anton Corbjin con las que intentare recorer un poco su obra. Espero que les guste. Anton Corbjin dijo: Anton Corbijn ( 20 de mayo de 1955 en Strijen, Holanda) es un fotógrafo y director de videos musicales, entre ellos "Personal Jesus" de Depeche Mode (1989), "One" de U2 y "Heart-Shaped Box" de Nirvana (1993). Corbijn empezó su carrera como fotógrafo durante un concierto en 1972. En 1979 se muda a Londres, donde empezó a trabajar con bandas de rock como Joy Division y Public Image Ltd. Durante este periodo Corbijn también empieza su trabajo como fotógrafo para prestigiosas revistas como Vogue y Rolling Stone. Después de convertirse en un importante fotógrafo, Corbijn también decidió empezar a hacer videos musicales. Corbijn dirigió la película Control sobre la vida del cantante de Joy Division Ian Curtis en 2006. La película está basada en el libro de Deborah Curtis Touching From A Distance sobre su difunto esposo. Corbijn tiende a dejar a un lado la fotografía glamour tradicional, dándole a su trabajo un toque más natural, frecuentemente en blanco y negro. La gente a la que fotografía dan la impresión de estar calmados y lejos de la vida cotidiana. Sus fotografías muestran emociones naturales. Su patentado e influencial estilo de imágenes en blanco y negro ha sido imitado o copiado a tal punto en que se ha convertido en un cliché del rock y una parte vital del lenguaje visual en los años 1990. En el 2005, Palm Pictures lanzó una colección en DVD del trabajo de Corbjin como director de videos musicales. Además de un cuadernillo de 56 páginas, el DVD también incluye escenas cortadas, cortos y documentales comentados en los videos por los artistas. Además Corbijn ha puesto múltiples exposiciones en países de latinoamérica como Perú o Argentina entre otros donde han sido un verdadero éxito entre los conocedores Para recorrer la obra de este autor divididire el post en diferentes partes, la sección fotografías en series, Black, Brown, Blue, Colour, Portadas de disco, Joy Division, portadas de revistas, luego pasaremos a parte de su videografia, y para cerrar una reseña de su film Control. Serie Black Serie Brown Serie Blue Serie Colour Portadas de discos Joy Division Portadas de revistas Videografia Joy Division - Atmosphere link: http://www.youtube.com/watch?v=GQSpJfpVHmg Red Hot Chilli Peppers - My Friend link: http://www.youtube.com/watch?v=0kT5w27YxyI Travis - Re-Offender link: http://www.youtube.com/watch?v=0v5TMgimk6U Nirvana - Heart Sheped Box link: http://www.youtube.com/watch?v=n6P0SitRwy8 Johnny Cash - Delia´s Gone link: http://www.youtube.com/watch?v=Y1iKEPzF1Js Danzig - Dirty Black Summer link: http://www.youtube.com/watch?v=0kRtTtpG8Ls Control Sinopsis dijo:Basada en las memorias Touching from a Distance, de Deborah Curtis, la película de Anton Corbijn se convierte en un excelente retrato de la historia de Joy Division y de su líder Ian Curtis. Corbijn narra la historia de Joy Division como cualquier fan podría esperar. Pero Control no es sólo eso, va mucho más allá. Corbijn nos presenta una bella película sobre las catastróficas consecuencias del amor y del arrepentimiento, y de la salvación que todos buscamos en el arte. Surgidos tras la exitosa irrupción del punk de los Sex Pistols, Joy Division, con su sonido oscuro, representaban la versión minimalista del nuevo sonido emergente. Sus integrantes no tardaron en convertirse en héroes de culto, en parte gracias a su atormentado líder, Ian Curtis (interpretado por un brillante Sam Riley). Corbijn hace un magnífico trabajo recreando la música y los directos de la banda, acercándonos toda su esencia. Gran parte del mérito se debe a los tres actores que interpretaron a los otros tres miembros de Joy Division. Eran ellos los que tocaban todos los instrumentos, captando perfectamente la fuerza y la presencia de la banda, que trasladaba a sus directos y a sus discos el sonido propio de una crisis existencial. A través de Control, también somos testigos de su compleja relación matrimonial con Deborah Curtis (Samantha Morthon) y asistimos a una estética manifestación de su dolor, tanto físico como emocional. Corbijn evoca el dolor y el aislamiento de Curtis con honestidad y sutileza. Como fotógrafo que es, Corbijn hace cada plano con un realismo total, en blanco y negro, como si se tratara de una foto perteneciente a un album que el público nunca debería ver, haciendo así el dolor de Curtis más evidente y su suicidio mucho más trágico. Es difícil no comparar el suicidio de Kurt Cobain con el de Curtis, pero mientras siempre se ha hablado de que el suicidio del líder de Nirvana fue debido a la enorme presión que sentía, debido a su status de estrella del rock, el de Curttis, tal y como nos la cuenta Corbijn, fue debido a un dolor tan grande por el que nadie podría pasar. Trailer link: http://www.youtube.com/watch?v=7c2_B_cWK_M Bien amigos, hasta aqui llegamos con este post, espero que les haya gustado la obra de este genial fotografo y director. Para mas post sobre el cine y arte les dejo el link a mis post para que les peguen una mirada. Nada mas por hoy. Hasta La proxima!!!

Bradbury y el Cine Ayer por el medio día cuando amanecí me desayune la noticia de que Ray Bradbury había fallecido, por un momento no me detuve en ello porque el día exigía ponerse a trabajar con otras cosas. Pero quedo en stand by repensar a este autor, y lo primero que me vino a la cabeza fue un documental que había visto en I-Sat el año pasado llamado The Sci Fi Boys (que dejare al final del post), el cual homenajeaba a los grandes del genero, tanto cinematográfico, literario como artistas y dibujantes del mundo del cómic, esa triada mágica que nombrare varias veces en el articulo que por lo menos a quien escribe marco a fuego y genero varias de sus hoy profesiones - barra - obsesiones. Bradbury es el Sci Fi Boy por excelencia, fue el único, o de los pocos, que logro reunir la triada entera en si mismo, desarrollándose en cada una de ella con excelencia y profesionalismo. Personalmente tal vez la obra que mas me marco fue Farenheit 451, pero revisionando el total de la obra veo a este hombre como trascendental en la cultura moderna, fue padre de muchas cosas que hoy nos parecen normales cuando vemos una película, leemos un libro o un cómic, como por ejemplo que cualquier cosa que nos ocurra en el tiempo, el futuro esta en el planeta Marte. Hoy como un poco mas de tiempo decidí sentarme a escribir sobre este hombre ilustrado que ayer nos dejo y vaya a saber uno cuantos futuros nos hemos quedado sin saber ahora que se fue, hasta siempre Ray Bradbury... Siempre ha pasado algo extraño en cuanto los escritores Sci Fi o suspenso/terror como Philip K. Dick, Stephen King, o bien Bradbury, y es que el cine jamas les ha dado su merecido tributo llevando alguna de sus historias de manera fiel sin convertirlas de alguna manera o quitandole varios de los aspectos que formaban sus historias reduciéndolas a simples historias de acción o terror, despojándolas de sus aspectos políticos y humanos que las hacen, a las obra literarias, trascendentales en nuestra cultura. Es fácil recordar en este aspecto el enojo de un grande como King con otro grande como Kubrick a partir de "El Resplandor" (The Shining - 1980) a la cual según el primero el segundo le quito la esencia de la historia que era la relación Padre/Hijo para reducirlo a una simple historia de terror, o la eterna critica que tiene Blade Runner en cuanto a la obra de Dick (Ver articulo). Pero estamos aquí para hablar de Bradbury, al cual, como se dijo al principio de esta reseña, nunca tuvo una adaptación como el merecía. Pero contrariamente a ello, la relación Bradbury/Cine fue de las mas estrechas, y lo posiciono a el como un hombre fundamental en la triada de la explosión Sci Fi de los años 50´s Cine - Cómics - Literatura. Durante aquellos años Bradbury escribió historias breves para diferentes revistas y fanzines, escribió guiones y otros historias fueron adaptados a comics para la EC Comics cuyos manuscritos fueron luego recopiladas en dos libros The Autumn People (1965) y Tomorrow Midnight (1966). Portada de Weird Fantasy n°18 Diferentes historias fueron realizadas en los ciclos televisivos de aquellos como Tales of Tomorrow, Lights Out, Out There, Suspense, CBS Television Workshop, Jane Wyman's Fireside Theatre, Star Tonight, Windows y Alfred Hitchcock Presents, y otras fueron representadas en radio teatros. And So Died Riabouchinska (1956), parte del programa Hitchcock Present, basada en una historia de Bradbury La llegada de Bradbury al cine se da en 1953 cuando el productor William Alland envió a Harry Essex a realizar la adaptación el trabajo "Atomic Monster" en guion de lo que termino siendo "It Came from Outer Space" un clásico del cine de genero de la época. El mismo año fue contratado fue contratado para trabajar en el guion de Moby Dick donde actuo Orson Welles. Con el paso de la decada era comun ver a Ray en los grandes estudios de Hollywood. It Came From Outer Space [1953] Full Movie Llegado el 66 aparece en los cines Farenheit 451, dirigida por François Truffaut y protagonizada por Oskar Werner y Julie Christie. La película fue tal vez la primer propuesta a gran escala sobre una novela del autor, no solo por el tipo de producción que requiere un film de esas características, si no tan bien por la aparición de un director de renombre con Truffaut sumado a un elenco de primeras figuras para desarrollar los roles de Montag y Clarisse. La película estéticamente propone un futuro estancado en los 60´s, la arquitectura, el vestuario, los peinados, todo remite al mismo tiempo en que el film fue realizado quitandole veracidad al relato, quien no sintió estar viendo la mítica Batman de Adan West cuando estaba frente una película basada en una novela cuya carga política es junto a 1984 o Un Mundo Feliz de las mejores escritas en nuestra historia. Portada de la edicion dvd de Farenheit 451 Pero es ente ultimo sentido donde la película es fiel al relato, en su sentido político, el mensaje disparado por la novela del 53 esta presente y claro en el film, tal vez la sensación de opresión que debería esta mas presente es vaga, pero en su esencia, esta allí, se reconoce y se entiende. François Truffaut en el rodaje Como hecho cinematográfico a grandes rasgos no es EL film que merecía, pero es el mejor en cuanto a adaptación propiamente dicho. Tampoco es un punto alto en la filmografia de Truffaut (Los 400 Golpes entre otras) el cual cambio a la proyección a color y cambio el francés por el ingles. Algunos años mas tarde seria llevada a la pantalla El Hombre Ilustrado con el ganador del Oscar Rod Steiger, dirigida por Jack Smight. La película presenta varias historias del libro de Bradbury como "The Veldt", "The Long Rain", y "The Last Night of the World" las cuales fueron adaptadas por Howard B. Kreitsek. La narración del film intentaba unir los diferentes relatos inconexos entre si cuyo resultado pobre logro que las criticas en su momento y hoy en día sean deplorables hacia el film. Durante la siguiente década Bradbury y sus historias fueron olvidadas por Hollywood, algo que cae de maduro teniendo en cuenta la corriente de directores y cine que florecía en el norte, post Vietnam el cine americano se puso serio, disparando tal vez la ultima gran era de films y directores hasta hoy en día, así que no fue hasta finales de los 70´s cuando la ciencia ficción vuelve al frente con "Star Wars" sumado a Spielberg y su "Encuentros Cercanos del Tercer Tipo" que el espacio volvió a ser un punto de interés. Ojo! Los resultados no fueron espectaculares (Recordar a David Lynch y su versión de Dune) pero fue suficiente para que una historia de Bradbury vuelva a escena, en este caso "Cronicas Marcianas", en la cual no vale la pena detenerse cuando el mismo dijo que la mini serie de tres capítulos fue "Just Boring" (Simplemente aburrida). Mas allá del fracaso de la mini serie las historias de Bradbury volvieron a la television, tal vez el medio que mejor le sentó, tanto en series como en telefilms, varios de ellos exitosos como The Ray Bradbury Theater, en el cual, al estilo Hitchcock se encargo de hacer diferentes cameos y poner su voz en off para las narraciones. También fue adaptado en la URSS. Mas cerca en nuestro tiempo algunos films fueron lanzados vagamente inspirados en sus relatos como A Sound of Thunder y The Butterfly Effect. El ultimo enredo de Ray con el séptimo arte fue de una manera diferente con Michael Moore y el film Farenheit 9/11, cuyo nombre hace referencia a la novela, Moore pidió permiso al mismo Ray, pero este, de pensamiento conservador no estaba de acuerdo con el tratamiento del documental, aun así Moore ya estaba promocionando su film y decidió conservar el nombre, pidiéndole disculpas por no poder revertir la situación. Asi Bradbury cerro sus enredos con el séptimo arte, uno de los grandes Sci Fi Boys de todos los tiempos. Nos ha dejado un gran legado, sobre todo para los amantes del cine de genero, la literatura y los comics, esa hermosa triada para disparar cerebros que la cultura nos ha regalado. Enlaces Externos Ray Bradbury Wikipedia [Español] Ray Bradbury Wikipedia Sitio Oficial Ray Bradbuy IMDB The Sci Fi Boys Ficha IMDB Bueno amigos/as, espero que hayan disfrutado de este post. Para ver el resto de mis aportes denle clik y al bocho de George A. Romero que los enviara directo a mi perfil. Si te interesan este tipo de aportes no dudes en seguirme. Las mejores comunidades sobre el Septimo Arte Eso es todo... Hasta la próxima!

Grandes Directores Pequeñas Obras [Parte IV] Y un día llego la parte cuatro de esta serie que arranco hace como un año (faaaaaaaaaa) donde se intenta reunir a los grandes directores del cine con sus obras iniciales, y no tan iniciales. Hace un tiempo cuando realice la tercera parte de este "especial" parecía que había agotado todas las propuestas en cuanto cortometrajes, peeeeeeeeeero, con el paso del tiempo y con una exhausta investigación de muchos meses (La parte III tiene casi seis meses al dia de hoy, ah, y si, hace seis meses que estoy buscando material) comenzó a presentarse nuevo material, y asi por suerte, un nuevo post. Con esta cuarta entrega aparecerán algunos nombre que ya estuvieron en los tomos anteriores, pero nuevos asoman, Jean Pierre Jeunet, Lars Von Trier, Melies, Buñuel, Ridley Scott, Seth Macfarlane, y repiten Scorsese, Lynch, Polanski, y David Cronenberg... mas un bonus track en manos de uno de los mejores directores contemporáneos. Para cerrar esta introducción vale decir que a partir de esto realmente ahora si parece que he agotado todas las posibilidades, es probable una quinta entrega dandole continuacion a los cortos animados, y una sexta de la mano de documentales, pero no hay promesas de nada por el momento... Bienvenidos! Pasemos a los cortos... Vale aclarar que como en todas las entregas anteriores, los cortometrajes se encuentran en su idioma original, es jodido que aparezcan así, por lo cual imaginen que subtitulados seria una misión imposible. Camera - David Cronenberg (2000) Sobre el Director David Paul Cronenberg (n. Toronto, Canadá; 15 de marzo de 1943) es un director de cine y guionista canadiense. Es uno de los principales exponentes de lo que se ha denominado horror corporal, el cual explora los miedos humanos ante la transformación fisica y la infección. Inaugura y abandera el concepto de la "nueva carne", eliminando las fronteras entre lo mecánico y lo orgánico. En sus películas, usualmente se mezcla lo psicológico con lo físico. En la primera mitad de su carrera exploró estos temas en el género fantástico, principalmente a través del horror y de la ciencia ficción, aunque su trabajo hace tiempo se ha extendido más allá de estos géneros. Junto a John Carpenter y a Wes Craven se le ha llegado a considerar dentro de un grupo denominado de "las tres C" del cine de horror contemporáneo. En 2002, fue nombrado Oficial de la Orden de Canadá. Sobre el Film Cámara es una película de 2000 de Canadá corta escrita y dirigida por David Cronenberg . El corto de seis minutos fue uno de varios hechos en la celebración del 25 aniversario del Festival de Cine Internacional de Toronto. El corto trata sobre un actor experimentado ( Leslie Carlson , en su cuarta colaboración con Cronenberg) analizando el estado actual del cine, mientras que un grupo de niños pequeños introducen a hurtadillas como el equipo de producción que lo filmara. Los niños están enamorados de la cámara, que el actor considera como una presencia infecciosa, malévolos. El Film link: youtube The Life of Larry - Seth Macfarlane (1995) Sobre el Director Seth Woodbury MacFarlane (Kent, Connecticut, 26 de octubre de 1973) es un dibujante, guionista, productor, actor y director estadounidense conocido por ser el creador de las sitcoms animadas Padre de familia, American Dad y The Cleveland Show, donde presta sus voces en cada una de las series. Actualmente tiene su propia productora, Fuzzy Door Productions. Como actor, ha hecho apariciones en programas como Las chicas Gilmore y La Guerra en Casa. Su pasión por la ciencia ficción y la fantasía le ha llevado a realizar cameos como artista invitado en Star Trek: Enterprise y doblar a Johann Kraus en la película Hellboy II: The Golden Army de Guillermo del Toro al igual que en los créditos de apertura de Futurama: Into the Wild Green Yonder donde aparecía cantando. Sus producciones animadas son conocidas por las parodias que se llevan a cabo de las referencias culturales del cine y la televisión. En 2008 creó su propio canal de YouTube llamado Seth MacFarlane's Cavalcade of Cartoon Comedy. Como cantante, es conocido por su notable voz a la hora de actuar en Broadway con sus propios espectáculos. En 2009 hizo una aparición en el Proms de la BBC donde realizó su mejor actuación, allí, MacFarlane cantó durante un momento con la voz de Stewie. Sobre el Film La vida de Larry y Larry y Steve son dos cortometrajes de animación creados por Seth MacFarlane en la década de 1990 que finalmente condujo al desarrollo de la serie animada Family Guy . MacFarlane creó originalmente La vida de Larry como una película de tesis en 1995, mientras estudiaba en la Rhode Island School of Design . Su profesor de RISD presento a MacFarlane a Hanna-Barbera , donde fue contratado un año más tarde. Más tarde ese año, MacFarlane creó una secuela de La Vida de Larry llamada Larry y Steve , que contó con la protagonista de su primera película, el Larry de mediana edad, y un perro llamado Steve intelectual. El corto fue transmitido como uno de Cartoon Network 's World Premiere Toons . El Film link: youtube What's a Nice Girl Like You Doing in a Place Like This - Martin Scorsese (1963) Sobre el Director Martin Charles Scorsese (Queens, Nueva York, 17 de noviembre de 1942) es un director, guionista, actor y productor estadounidense de cine, ganador de un Óscar, tres Globos de Oro y dos premios BAFTA, así como de otro del Directors Guild of America (gremio de directores de Estados Unidos), además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. Condecorado con la Legión de Honor francesa en 1987. Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención católicos romanos, el machismo y la violencia endémica en la sociedad estadounidense. Es también conocido por su afición a la música, mundo al que ha dedicado alguna de sus películas (No Direction Home sobre Bob Dylan y Shine a Light, sobre los Rolling Stones). Scorsese es ampliamente considerado como uno de los directores más influyentes de su generación. Sobre el Film Corto realizado en tono de comedia en 1963, junto con Vesuvious VI fueron parte de sus trabajos como estudiante en la New York University's Tisch School of the Arts. Trata sobre un escritor obsesionado con una pintura que cuelga en una de sus paredes. El Film link: youtube Boy and Bicycle - Ridley Scott (1965) Sobre el Director Scott nació el 30 de noviembre de 1937 en South Shields hijo de Isabel y el coronel Francis Percy Scott. Por el oficio de se padre éste no estuvo muy presente en la infancia de Scott. Después de la Segunda Guerra Mundial, su familia se muda a Teeside. Le gustaba mucho ver películas, siendo sus favoritas Ciudadano Kane de Orson Welles, Lawrence de Arabia de David Lean y Los siete samuráis de Akira Kurosawa. Estudió en la Royal College of Art, donde ayudó a establecer el Departamento de Cine. Dirigió una película en blanco y negro titulada Boy and Bicycle y protagonizada por su hermano Tony Scott y su padre. La película tenía las características visuales que serían marca de Scott en sus futuras películas. En 1963 consiguió un trabajo como escenógrafo en prácticas en la BBC y trabajó en la serie Out of the Unknow. En 1968, junto con su hermano Tony, funda Ridley Scott Asociados. Durante los años setenta dirige anuncios televisivos y participa con Alan Parker, Hugh Hudson y Hugh Johnson. Sobre el Film El cortometraje comienza en el propio dormitorio de Ridley Scott, donde mediante cámara subjetiva trata de representar el punto de vista del protagonista, un adolescente interpretado por su hermano, el también cineasta Tony Scott, cuando se despierta y mira alrededor de su habitación. La película, de marcado carácter experimental, sigue al chico que decide hacer novillos y visitar diferentes lugares de la ciudad con su bicicleta. Durante todo este tiempo, escuchamos sus pensamientos a través de la voz en off del propio Ridley Scott, quien años más tarde declararía que el guión está inspirado en el Ulises de James Joyce. El monólogo revela las frustraciones de un adolescente cualquiera, burlándose de las figuras que representan la autoridad para él, como sus maestros, padres u otros adultos. Scott incluye diferentes elementos visuales con los que ya se intuye el talento del joven cineasta: la toma del perro muerto, el sol poniéndose entre nubes de rigurosa tormenta o la aridez espeluznante con que retrata una playa, que recuerda bastante a El Séptimo Sello de Bergman. La madre del chico de la bicicleta es la madre real de Scott y el enigmático pescador que aparece hacia el final sorprendiendo al joven que entra en la casa a fisgonear, también es el propio padre del cineasta. El Film link: youtube L'homme a la tête en caoutchouc - Melies (1901) Sobre el Director Georges Méliès (8 de diciembre de 1861 – 21 de enero de 1938) fue un ilusionista y cineasta francés famoso por liderar muchos desarrollos técnicos y narrativos en los albores de la cinematografía. Méliès, un prolífico innovador en el uso de efectos especiales, descubrió accidentalmente la sustitución del stop trick en 1896 y fue uno de los primeros cineastas en utilizar múltiples exposiciones, la fotografía en lapso de tiempo, las disoluciones de imágenes y los fotogramas coloreados a mano. Gracias a su habilidad para manipular y transformar la realidad a través de la cinematografía, Méliès es recordado como un «mago del cine». Dos de sus películas más famosas, Viaje a la Luna (1902) y El viaje imposible (1904), narran viajes extraños, surreales y fantásticos inspirados por Julio Verne y están consideradas entre las películas más importantes e influyentes del cine de ciencia ficción. Méliès fue también un pionero del cine de terror con su temprana película Le Manoir du Diable (1896). Sobre el Film Un químico en su laboratorio coloca sobre una mesa de su propia cabeza, viva, a continuación se fijan sobre su cabeza una goma de tubo con un par de fuelles, que comienza a soplar con todas sus fuerzas. Inmediatamente la cabeza aumenta de tamaño y sigue creciendo hasta que llega a ser verdaderamente colosal, mientras que hace caras. El químico, por temor a reventar, se abre un grifo en el tubo. El jefe inmediato contrae y se vuelve a su tamaño original. A continuación, llama a su asistente y le informa de su descubrimiento. El asistente, con el deseo de experimentar por sí mismo, se apodera de los fuelles y la golpea en la cabeza con todas sus fuerzas. La cabeza se hincha hasta que se rompe con un golpe, derribando los dos experimentadores. El químico se inicia a continuación, literalmente, su ayudante de laboratorio en la ira. El Film link: youtube Un Perro Andaluz - Luis Buñuel (1929) Sobre el Director Luis Buñuel Portolés (Calanda, Teruel, Aragón, España; 22 de febrero de 1900 - Ciudad de México, México; 29 de julio de 1983) fue un director de cine español naturalizado mexicano. La gran mayoría de su obra fue realizada en México y Francia y es considerado uno de los más importantes y originales directores de la historia del cine. Sobre el Film Un perro andaluz (en francés Un chien andalou) es un cortometraje de diecisiete minutos, mudo (no fue hasta la versión de 1960 que se incorporaron los motivos de Tristán e Isolda de Richard Wagner y un tango), escrito, producido, dirigido e interpretado por Luis Buñuel en 1929 con la colaboración en el guion de Salvador Dalí, gracias a un presupuesto de 25.000 pesetas que aportó la madre de Luis Buñuel. Fue estrenada el 6 de junio de 1929 en el cine Studio des Ursulines de París (Francia). Posteriormente se exhibió durante nueve meses ininterrumpidamente en el Studio 28 de la misma ciudad. El rodaje duró quince días. Según refiere Buñuel a De la Colina y Pérez Turrent, Un perro andaluz nació de la confluencia de dos sueños. Dalí le contó que soñó con hormigas que pululaban en sus manos y Buñuel a su vez cómo una navaja seccionaba el ojo de alguien. Un perro andaluz está considerada la película más significativa del cine surrealista. Transgrediendo los esquemas narrativos canónicos, la película pretende provocar un impacto moral en el espectador a través de la agresividad de la imagen. Remite constantemente al delirio y al sueño, tanto en las imágenes producidas como en el uso de un tiempo no lineal de las secuencias. El nombre Un perro andaluz fue elegido porque no guardaba relación alguna con los temas del filme. Lorca se sintió aludido por el título, pero Buñuel negó dicha alusión, alegando que era el de un libro de poemas que él tenía escrito desde 1927. En primer lugar pensó que la película se llamara El marista en la ballesta (según el título que tenía un caligrama de Pepín Bello) y luego Es peligroso asomarse al interior, como inversión del aviso que tenían los trenes franceses: C'est dangereux de se pencher au dehors ('Es peligroso asomarse al exterior'). Pierre Batcheff se suicidó en 1932, unos años después de rodar el film. El mismo fin tuvo su compañera de reparto Simone Mareuil. El Film link: youtube Foutaises - Jean-Pierre Jeunet (1989) Sobre el Director Nacido el 3 de septiembre de 1953 en la ciudad de Roanne,Loira en la región de Ródano-Alpes. Empezó en el arte de la dirección a los 17 años, cuando se compró su primera cámara. Creó varios cortos mientras estudiaba animación en los Cinémation Studios. Se hizo amigo de Marc Caro, diseñador y artista de cómics el cual se convertiría en su colaborador y co-director por largo tiempo. Jeunet y Caro dirigirían varias películas de animación premiadas. Su primer filme con personas reales fue The Bunker of the Last Gunshots (1981), un corto sobre soldados en un mundo futurista. Jeunet también ha dirigido varios anuncios publicitarios y vídeos musicales, como Zoolook de Jean Michel Jarre (otra vez con Marc Caro). La mayoría de sus primeras películas, se enmarcan en el género de la distopía retro-futurista, culminando en el film La ciudad de los niños perdidos de 1995. Su película más popular es Amélie, que obtuvo cinco nominaciones a los Premios Oscar y otros diferentes premios cinematográficos. Su último largometraje, Micmacs à tire-larigot, protagonizado por Danny Boon, una comedia que aborda el tráfico de armas, fue estrenada en España en junio de 2011. Sobre el Film Foutaises es un cortometraje dirigido por Jean-Pierre Jeunet en 1989, poco antes de dar el salto al largometraje junto a Marc Caro en la fantástica Delicatessen. Protagonizado por su actor fetiche Dominique Pinon, se basa en la definición de su protagonista a través de las cosas que le gustan y las cosas que odia. La misma técnica que más tarde utilizó el director para presentar los personajes en la fabulosa Amélie. Una película que considero (sin ningún temor a exagerar) una auténtica obra de arte, y de la que ya se puede apreciar una parte de su particular y extraordinaria esencia, en este cortometraje. El Film link: youtube Occupations - Lars Von Trier (2007) Sobre el Director Nace en Copenhague (Dinamarca) el 30 de abril de 1956. El director danés Lars von Trier es reconocido mundialmente por su visión crítica del mundo expresada a través de sus películas dramáticas las cuales han generado tanto el clamor por parte de los expertos como también críticas por los métodos de filmación. Lars von Trier fue uno de los creadores del Dogma 95, un movimiento cinematográfico con el cual se llama al regreso de historias más creíbles en la industria fílmica apartándose de los efectos especiales y dirigiéndose principalmente hacia un uso técnico mínimo. Su primera película como graduado de la escuela de cine fue Forbrydelsens Element (El elemento del crimen). A pesar de alcanzar un mayor reconocimiento con películas como Europa (Zentropa) von Trier se consagró como uno de los directores de cine más importantes de Europa en 1996 con Rompiendo las olas. Esta última producción, junto con "Dancer In The Dark" (que cuenta con las participaciones de la cantante islandesa Björk, la actriz francesa Catherine Deneuve, y la del sueco Peter Stormare) y "Los Idiotas" o "Dogma #2", forma la trilogía de "Los Corazones de Oro". Actualmente Von Trier prepara una nueva trilogía en torno a Estados Unidos, cuya primera entrega corresponde con "Dogville" (2003), donde actúa la actriz australiana Nicole Kidman. La segunda parte, titulada "Manderlay", fue estrenada el Febrero del 2006 en España. Lars von Trier también pinta cuadros, uno de los cuales está expuesto en la última planta del castillo de Hillerod (Dinamarca). Refleja un universo casi monocromático y angustioso, como en sus películas. Sobre el Film "Occupations" y es un segmento que rodó Von Trier para Chacun son cinéma ou Ce petit coup au coeur quand la lumière s'éteint et que le film commence, film coral compuesto de una serie de cortometrajes que realizaron diversos directores (Polanski, Lynch, Kitano, los Coen...) para conmemorar el 60 aniversario del festival de Cannes. También presentó el proyecto en el último Seminci (Semana Internacional de Valladolid). Un crítico de cine y empresario no para de molestar a un hombre que intenta ver la película (interpretado por el propio director). Finalmente, éste buscará la solución adecuada para acabar con esta situación... El Film link: Vimeo Cinema Erotique - Roman Polanski (2007) Sobre el Director Su primer cortometraje lo realizó a la temprana edad de 21 años. Se trataba de Rower (La bicicleta, 1955), en el que él también actúa con el papel principal. Le siguieron Rozbijemy zabawę... (1957), Uśmiech zębiczny (1957), Dwaj ludzie z szafą (1958) (conocida en castellano como Dos hombres y un armario), Lampa (La lámpara, 1959) y Gdy spadają anioły (1959) (Cuando los ángeles caen en España). Durante el rodaje de esta película el joven Polanski, de 26 años, comenzó un romance con la actriz principal, Barbara Kwiatkowska-Lass, de 19 años, con la que se casó en ese mismo año y de la que se divorció en 1962. Esto le sirvió para poder realizar su primer largometraje en Polonia: El cuchillo en el agua (rodada en 1961 pero estrenada en 1962), con el que consiguió una nominación a la mejor película extranjera en los Óscar de 1963. La película ya mostraba algunas de las características de sus siguientes producciones, por su gusto por los ambientes claustrofóbicos, al colocar a tan sólo tres personajes (una pareja y un desconocido) que navegan en un pequeño barco. Poco después Polanski realizó sus últimos cortometrajes: Le Gros et le maigre (1961), que rodó en Francia y con el que consiguió varios premios, y Ssaki (1963). Sobre el Film En medio de una función, una longeva pareja se descompone en una sala de cine por los gemidos de un espectador en el fondo de la sala. El Film link: Vimeo Absurda - David Lynch (2007) Sobre el Director David Keith Lynch (n. Missoula, Montana, Estados Unidos, 20 de enero de 1946) es un director de cine y guionista estadounidense. Su actividad artística se extiende asimismo al terreno de la pintura, la música, la fotografía e incluso el diseño de mobiliario. Su amor por el dadaísmo y el surrealismo queda patente en algunas de sus películas, cuya misteriosa y hasta inquietante atmósfera mezcla lo cotidiano con lo soñado escapando a veces a la comprensión exhaustiva del espectador. Como ejemplo de ello pueden citarse Eraserhead y la serie de televisión Twin Peaks. Posteriormente realizó algunas producciones más accesibles como The Straight Story, aunque manteniendo su toque personal. En la actualidad, algunos de sus proyectos cinematográficos y de animación son sólo accesibles a través de su sitio Web, de pago. Sus películas tienden a describir los entresijos de pequeñas comunidades de los Estados Unidos, como es el caso de Twin Peaks: Fire walk with me o Blue Velvet. Lynch siente también predilección por los secretos ocultos de los barrios periféricos de Los Ángeles, retratados en Lost Highway y Mulholland Drive. El sonido en sus películas es de gran importancia, y por ello cada banda sonora es trabajada con esmero. El responsable de conseguir ese sonido es el compositor Angelo Badalamenti. Sobre el Film Corto presentado por David Lynch en el festival de Cannes de 2007. En él vemos una escena que se representa en una sala de cine y que nos muestra una habitación donde hay una persona, unas tijeras a medio plano entra la pantalla y la sala y las voces de un chico y una chica que hablan sobre una bailarina. Sencillamente inquietante. El Film link: Vimeo [Bonus Track] My Best Friend´s Birthday - Quentin Tarantino Este bonus es nada menos que el primer film de Quentin Tarantino My Best Friend´s Birthday, el cual estuve a punto de incluir en el tomo anterior de esta colección, pero por razones que no recuerdo preferí dejarlo fuera. En si esta obra de Quentin no es un cortometraje, es un film en si, pero tras un incendio se perdio gran parte del material. por lo cual la version final fue de alrededor de 30 minutos. Aqui solo incluire la info basica del trabajo, pero para quien lo desee puede ir al post dedicado integramente a la pelicula. My Best Friend´s Birthday - Quentin Tarantino Sobre el Director Nació en Knoxville, Tennessee, en 1963, hijo de Tony Tarantino, actor y músico amateur nacido en Queens, y Connie McHugh, una enfermera. Su padre es de ascendencia italiana y su madre es de ascendencia irlandesa y cheroqui. El nombre de Tarantino hace referencia a un personaje de una serie de televisión, el herrero mestizo Quint interpretado por Burt Reynolds en Gunsmoke. Cuando tenía dos años, la madre soltera del realizador se trasladó con él a South Bay, al sur de Los Ángeles, su hogar durante las siguientes dos décadas. Su barrio en la ciudad de Torrance era una mezcla de blancos y negros por lo que estuvo expuesto a una gran variedad de influencias cinematográficas y de culturas populares. Por ejemplo, las películas de artes marciales, que se seguían poniendo en los barrios negros después de que la fiebre del kung fu se trasladara a otros sitios. Tarantino se las apañó para seguir viéndolas hasta bien entrados los años '70. Abandonó los estudios a los 17 años para dar clases de interpretación y mantenerse con trabajos esporádicos. A los veintidós años encontró una especie de segundo hogar en Video Archives, en Manhattan Beach, donde sus grandes conocimientos sobre películas antiguas le fueron muy útiles. Sobre el Film Es el cumpleaños de Mickey y su novia le ha dejado, así que su amigo Clarence decide organizarle una fiesta de cumpleaños que nunca olvidará... Primera película del realizador Quentin Tarantino. Su duración inicial eran 69 minutos, pero hubo un incendio en donde se guardaba y sólo pudieron recuperarse 35 minutos de metraje. Al estar incompleta, es Reservoir Dogs (1992) la cinta que está considerada su debut. A posteriori, el guión de esta película fue la base para el de la cinta Amor a quemarropa, que acabaría dirigiendo Tony Scott. El Film link:youtube Si te perdiste los post anteriores de Grandes Directores Pequeñas Obras aca te los dejo para que puedas verlos. Parte I Parte II Parte III Bueno amigos/as, espero que hayan disfrutado de este post. Para ver el resto de mis aportes, todos ellos relacionados al septimo arte, denle clik y al bocho de George A. Romero que los enviara directo a mi perfil. Si te interesan este tipo de aportes no dudes en seguirme. La mejor comunidad para mantenerte informado, leer criticas, reseñas y demás cosas del séptimo arte unite a... Eso es todo... Hasta la próxima!

Grandes Directores Pequeñas Obras [Parte V] Parte V, cinco, خمسة, cinq, חמש, пять o como sea, este tomo de la saga no estaba pensado, para nada, en si es una casualidad, ¿Por Que?, porque fueron una sucesión de hechos inesperados lo que llevo a reunir el monto mínimo y requerido para sacar un Grandes Obras, Pequeños Directores (Ese monto es diez cortos mínimo). Por un lado estaba en mis planes largar un Greatest Hits, o sea, en un solo post juntar aquellos a los grandes grandes posta, y sacar del camino a aquellos que estaban mas que nada por gusto personal, o porque mas allá de mi gusto debían a aparecer. Pero ante la idea me sentí un estafador , por lo cual elimine la misma. Días mas tarde comencé a realizar la investigación para una quinta parte de nuevo con la animación, pero me sentí bastante mentiroso, ya que conocía menos obras de las que creía, y por otro lado varios cortos que estaban siendo considerados para la entrega realmente no venían de nombres relevantes en cuanto el tema en cuestión. Y en ese momento vino a mi cabeza en forma de susurro un nombre olvidado... "Wes Anderson"... y dije "Che, nunca puse nada de este loco", y asi varios nombre empezaron a caer de tipos que realmente admiro, y que por no se que jamas fueron parte de esta serie, Michel Gondry, Terry Gillian, Gaspar Noe, Spike Jonze, Paul Thomas Anderson, Sam Raimi, Michael Haneke, Tony Kaye y Guy Ritchie... y asi se formo la alinacion final para salir a la cancha en este post... La advertencia como siempre, los cortos en su idioma original, y como siempre digo, lo que vale es la oportunidad de poder visualizarlos. Sam Raimi - Within the Woods (1978) Sobre el director Sam Raimi es un director de cine estadounidense, de etnia judía, nacido en Royal Oak, Míchigan el 23 de octubre de 1959. Hermano del actor Ted Raimi, comenzó su carrera como director con filmes de terror de bajo presupuesto como la trilogía de The Evil Dead. También le gusta actuar en filmes realizados por sus compañeros, como los hermanos Coen, para quienes también ha sido ayudante de dirección. Raimi es una estrella de culto que no abandonó ese género hasta 1999 con Entre el amor y el juego. En 1990, Raimi también trabajó para la televisión, como productor de series como Hércules los viajes legendarios y Xena: la princesa guerrera. Más conocido actualmente por ser el director de la saga de Spider-Man. Sobre el film El cortometraje era sencillo, Bruce (Bruce Campbell) es un chico que se adentra en el bosque con su novia Ellen (Ellen Sandweiss) para tener un poco de intimidad. La chica se queda dormida mientras el chico va a explorar el terreno, donde desentierra varias cosas de un sepulcro indio que acaban resucitando al demonio, un ser maligno que acaba poseyéndolo. A partir de aquí, Bruce se convierte en algo abominable que, con voz gutural (lo cual debía acojonar en esa época) intenta a toda costa matar a su novia y sembra el mal en el bosque. Todo esto al ritmo de una invitación “Join Us!” Mientras tanto, otra pareja está bebiendo y jugando en la cabaña sin darse cuenta de lo que sucede en su interior… de momento, claro. Pronto tendrán que buscar todos la mejor manera de salir vivos de allí. El fiilm Terry Gilliam - The Crimson Permanent Assurance (1983) Sobre el Director Gilliam nació en Medicine Lake, Minnesota, en los Estados Unidos, y estudió Ciencias Políticas en el Colegio Occidental de California. Más conocido por las animaciones, en las que recortaba fotografías y las volvía surrealistas, que por los papeles raros que realizó (papeles siempre secundarios). De entre sus personajes más conocidos destaca Patsy, el escudero del rey Arturo en Los caballeros de la mesa cuadrada, película que llevó a cabo con Terry Jones, e interpretó también al cardenal Fang de los sketches de la temible Inquisición Española. Realizó papeles siempre grotescos y enloquecidos. Como director ha deambulado por los límites de la realidad, los sueños y el tiempo. Sus películas, de estilo surrealista, están marcadas por los viajes en el tiempo (Los héroes del tiempo y Doce monos) y la realidad confundida por los sueños, la fantasía o la imaginación (Brazil, Las aventuras del Barón Munchausen, El rey pescador, Miedo y asco en Las Vegas o El imaginario del Doctor Parnassus), siempre aderezado con mucho humor o ironía. Sobre el film Un imaginativo cortometraje dirigido por Terry Gilliam. Se incluyó al comienzo de El Sentido de la Vida de los Monty Phyton. Se tratat de una ácida crítica a las formas y maneras imperantes en el mundo de los negocios, máxime tratándose de una época que como la descrita se caracterizó por la presencia de individuos de escasos escrúpulos ocupando los puestos principales de las grandes corporaciones inversoras; unos tiempos en los que palabras como tiburones, junk bonds, fusiones y absorciones y caballeros blancos ocupaban las portadas de los principales diarios financieros. Para armar su argumento el director acude al recurso de utilizar los tópicos propios de las películas de piratas, criticando al tiempo no sólo los modos de actuar de esas grandes corporaciones sino también a la clase media-alta inglesa, anclada aún en los tiempos en los que Gran Bretaña aún poseía un imperio. El film Gaspar Noe - Eva (2005) Sobre el director Radicado actualmente en Francia, lugar donde ha realizado la mayoría de sus largometrajes. Personaje que dentro del desarrollo cinematográfico ha ejercido cargos como camarógrafo, montador y productor. Su carrera comienza con el mediometraje Carne en 1991, pero es en el 2002 cuando entra por la puerta grande al mundo del cine con su presentación en el Festival de Cannes con la obra Irreversible, película que inicia con la aparición del protagonista de su primer largometraje, Solo contra todos así como de su cortometraje Carne. Sobre el film Titulado Eva, rodado en colaboración con el Festival de Cannes de 2005. Con la presencia de la modelo Eva Herzigova y donde nuevamente descubrimos el carácter experimental, provocador y sexual de este autor. El film Tony Kaye - This Is Not Sex Sobre el director Kaye nació en Londres , Reino Unido . Ha realizado varios videos musicales. Su debut cinematográfico fue American History X (1998), un drama sobre el racismo protagonizada por Edward Norton y Edward Furlong . Norton fue nominado más adelante para el Premio de la Academia al Mejor Actor por su interpretación en la película.La segunda película de Kaye, Black Water Transit (2010) protagonizada por Laurence Fishburne , Karl Urban , Evan Ross , Brittany Snow y Stephen Dorff . El tercer largometraje fue Destacamento (2011), un drama sombrío y realista sobre el declive del sistema educativo en las escuelas secundarias estadounidenses. Sobre el film El corto fue parte de la promoción de Zack and Miri Make a Porno, una comedia dirigida por Kevin Smith, no hay mucho sobre como llego Kaye a realizar el cortometraje. Lo que se ve es a los protagonistas del film hablando a cámara como si fuese una grabación de backstage hablando sobre... sexo El film Spike Jonze - How They Get There (1997) Sobre el director Nacido bajo el nombre de Adam Spiegel en Rockville (Maryland). El 26 de junio de 1999, Spike se casó con la directora Sofia Coppola. El 5 de diciembre de 2003, Coppola pidió el divorcio citando “diferencias irreconciliables”. Coppola tiene un papel protagonista en el vídeo musical que Spike dirigió para la canción de los Chemical Brothers, "Elektrobank". Sus trabajos más importantes incluyen la comedia negra de 1999, Being John Malkovich (Cómo ser John Malkovich o ¿Quieres ser John Malkovich?) y el filme de 2002, Adaptation (El Ladrón de Orquídeas), ambas escritas por Charlie Kaufman. Co-creó y fue productor de la serie de televisión de MTV, Jackass, y de Jackass: La Película. Ha actuado en algunos vídeos y filmes y también escribe. Cofundó y fue editor de la revista Dirt, también fue un editor para la Grand Royal Magazine. Sobre el film How They Get There, un cortometraje financiado con el dinero de una beca, fue su primer trabajo. Una historia corta, divertida y sin pretensiones, resuelta con un uso inteligente de la música, el montaje y la planificación. Toda una lección de economía narrativa y síntesis dramática. El film Guy Ritchie - Star Sobre el director Guy Ritchie debutó en 1995 con el corto The Hard Case a la que siguió su primer largo Lock, Stock and Two Smoking Barrels (Juegos, trampas y dos pistolas humeantes) en 1998 la que se convertiría en una película de culto y crearía una fiel legión de seguidores. La película fue aclamada por su ingenio y puso de manifiesto su particular estilo de dirigir, con repartos corales y varias tramas que acaban entrelazándose. Lock & Stock, por su parte, le dio la oportunidad de trabajar en la gran pantalla al actor Jason Statham y al ex futbolista Vinnie Jones, quien a partir de ahí comenzó una fructífera carrera artística. Snatch: Cerdos y diamantes, del 2000, fue sin duda otro gran éxito y quizás la película que hizo despegar la carrera de Guy Ritchie a nivel internacional. Gran parte de ello se debe a Columbia Tri Star, la compañía que apoyó el proyecto económicamente y que le dio una distribución digna de cualquier película de Hollywood. Por este gran apoyo, la película tuvo un amplio elenco de artistas, entre los que destacan Brad Pitt, Benicio del Toro y Dennis Farina, además de sus actores fetiche, Jason Statham y Vinnie Jones. Sobrel el film Star corresponde a una serie de cortometrajes financiados por BMW para publicitar sus vehículos. Los cortos tienen como protagonista a Clive Owen. El corto dirigido y escrito por Guy Ritchie esta co protagonizado por Madonna, a la cual Clive Owen llevara a un paseo que no olvidara. El film Michael Haneke - Lumiere and Company Sobre el director Michael Haneke (23 de marzo de 1942 en Múnich, Baviera, Alemania) es un director y guionista de cine germano-austriaco conocido por su estilo sombrío y turbador. Sus películas a menudo tratan problemas de la sociedad moderna, y suelen causar controversia. Haneke ha trabajado en televisión‚ teatro y cine. En 2005 obtuvo el premio a la mejor dirección por su película Caché en el Festival de Cine de Cannes, así como el premio de la FIPRESCI y el premio del Jurado Ecuménico del mismo festival. Ese año Caché sería la gran triunfadora en los Premios del Cine Europeo con cinco galardones, entre ellos los de mejor película y mejor director. El 24 de mayo de 2009 obtiene la Palma de Oro en la 62ª edición del Festival de Cannes por su trabajo Das Weiße Band (la cinta blanca). Sobre el film Con el nombre de Lumière and Company, se conoce la colaboración de cuarenta directores de primer orden de todas las nacionalidades a los que se solicitó dirigir una película con la cámara original de los hermanos Lumière, para conmemorar los cien años del estreno comercial de sus primeros trabajos. Para ello, se les platearon una serie de limitaciones: la duración del film -52 segundos-, el sonido -no sincrónico- y el número de tomas -tres-. He aquí la propuesta de Michael Haneke. El film Paul Thomas Anderson - Cigarettes and Coffee (1992) Sobre el director El interés de Anderson en el cine comenzó a una temprana edad. Durante sus épocas en la secundaria, realizó un documental satírico de 30 minutos de duración titulado The Dirk Diggler Story (1988), acerca de un joven estrella porno (inspirado por John Holmes, quien más adelante también serviría como principal inspiración para Boogie Nights). Después de un breve período en Emerson College y un período aún más corto en la Universidad de Nueva York, Anderson comenzó su carrera como asistente de producción en telefilmes, videoclips y shows en Los Angeles y Nueva York. En unos pocos años, Anderson hizo su largometraje debut, Sydney, que posteriormente sería retitulado Hard Eight. Sobre el film Cigarettes and Coffee (1992), un cortometraje de cinco viñetas y ambientado en una cafetería (no confundir con Coffee and Cigarettes de Jim Jarmusch). El corto fue proyectado en el Festival de cine de Sundance de 1993, donde recibió elogios considerables. El film Michel Gondry - Pecan Pie (2003) Sobre el director Su carrera como realizador comenzó con la dirección de vídeos musicales para la banda de rock francesa Oui Oui, de la cual era también batería. El estilo de sus vídeos llamó la atención de la cantante Björk, quien le pidió dirigir el vídeo para su canción Human Behavior. Esta colaboración se extendería bastante tiempo, dirigiendo un total de siete vídeos musicales para Björk. Otros artistas con los que ha colaborado en mas de una ocasión fueron The White Stripes, Radiohead, The Chemical Brothers y Kylie Minogue. Por otro lado Gondry también ha creado numerosos comerciales de televisión, siendo uno de sus más famosos el realizado para la marca Levi's, con el que ganó el Lion D'or en el Festival de Cine de Cannes de 1994. Fue pionero en la utilización de la técnica conocida como «bullet time», utilizada posteriormente en las cintas de la saga The Matrix. Esta técnica se la puede observar en el video Like a Rolling Stone en la versión que la banda británica Rolling Stones hicieron del tema de Bob Dylan y en un comercial de 1998 para la marca de vodka Smirnoff. Sobre el film Pecan Pie es un cortometraje de Michel Gondry , protagonizada por Jim Carrey , en la que el personaje principal conduce por las calles en una cama mientras canta una canción al estilo de Elvis Presley . También cuenta con dúo cómico francés Eric et Ramzy como el personal de la estación de gas. El film Wes Anderson - Bottle Rocket (1992) Sobre el director El cineasta nació y creció en la ciudad de Houston, en el estado de Texas, donde el joven Anderson ya soñaba con el mundo del celuloide, grabando en super-8 e incluso haciendo sus pininos en los pequeños teatros de la escuela. El director estudió filosofía en la universidad de Texas, donde conoció a Owen Wilson, quien con Anderson escribió su primer largometraje titulado Bottle Rocket. Sobre el film El cortometraje fue filmado en 1992, pero no vio la luz hasta 1994, co escrito con Owen Wilson y dirigido por Anderson el cortometraje fue el punto de inicio para la que seria su primer film de mismo nombre. El film Si te perdiste los post anteriores de Grandes Directores Pequeñas Obras aca te los dejo para que puedas verlos. Parte I Parte II Parte III Parte IV Bueno amigos/as, espero que hayan disfrutado de este post. Para ver el resto de mis aportes, todos ellos relacionados al septimo arte, denle clik y al bocho de George A. Romero que los enviara directo a mi perfil. Si te interesan este tipo de aportes no dudes en seguirme. Las mejores comunidades sobre el Septimo Arte Eso es todo... Hasta la próxima!