Diseño Grafico - Teoria 2 - parte 1

MARCA

marca: Provincia, distrito fronterizo. / Instrumento que se usa para medir la estatura de las personas, medida cierta y segura que debe tener una cosa. / Acción de marcar. Señal que se hace en una persona o animal o cosa. / En ciertas pruebas deportivas, tiempo que se emplea o distancia o altura que alcanza un competidor. / Galicismo por cicatriz, señal. / Marca de fábrica: distintivo o señal que pone el fabricante a los productos de su industria. / De marca mayor o de más marca: expresión figurativa con que se declara que una cosa es excesiva en su línea y que sobrepuja a la común.



Si nos preocupáramos por encontrar el origen de esta palabra, es decir, retroceder en la historia con el fin de encontrar la primera marca, la primera necesidad de marcar, deberíamos bucear varios siglos atrás, en anécdotas universales que poco interesan. Lo que sí nos proponemos, alejados del campo del diseño, es imaginar situaciones primarias de marca, situaciones de marca espontánea.
Así podemos hablar de una marca desde yerra de un ganado, la pintura de guerra de algunas tribus indias, las huellas de un caballo, la firma de una persona, el humo de un incendio, la cicatriz de una herida…
Fuera de los distante que puedan parecer estos ejemplos, es posible encontrar algo en común: cada una de estas marcas está hablando, comunica.
Representa algo más allá de la marca misma, habla de sus referente en ausencia (la yerra, del dueño del ganado; la pintura, de guerra; las huellas, del caballo).
De esta forma, las marcas quedan planteadas como signos.
Los signos generan un estímulo cuya imagen mental está asociada en nuestro espíritu a la imagen de otro estímulo que ese signo tiene por función evocar, con el objeto de establecer una comunicación.
La función del signo es re-presentar –substituir–, ocupar el puesto de otra evocándola a título de sustituto. Señala la ausencia del objeto de sustituido, una ausencia en sí misma. Representa algo que ya fue presentado.
Para que el signo funcione como tal debe repetirse, sin repetición no habría reconocimiento. Actúa dentro de una contexto –temporal, físico y cultural– determinado. Además, existe para un grupo de personas –receptores–.



Según la forma en que el signo representa –designa– a su referente, puede ser clasificado de la siguiente manera:
índice: mantiene relación directa con el objeto al que se refiere. No surge intencionalmente (cicatriz-herida; huella-animal; humo-fuego; relámpago-tormenta).
ícono: signo que sustituye algo tomando de éste sus rasgos pertinentes. Posee alguna semejanza o analogía con su referente pero no tiene propiedades en común con el objeto, sino con el modelo perceptivo del mismo (comic, mapa, un retrato fotográfico).
símbolo: hecho sensible que en un grupo social determinado se toma por representación de otro hecho, en virtud de una convención o por alguna analogía que el entendimiento percibe entre ellos (el símbolo de la paz, la cruz médica, los aros olímpicos).
Lo simbólico de una representación es un valor no expreso, intermediario entre la realidad reconocible y lo místico. Media entre lo consciente y lo inconsciente.
La convención puede, o no, ser arbitraria. Que la paloma simbolice la paz o el águila agresión son convenciones pero no son arbitrarias, apelan a asociaciones inconscientes.
señal: signo que aporta una información tendiente a promover una conducta, a determinar una reacción en el receptor. Es intencional, premeditada (semáforo, barrera, señal de contramano).
Los primeros signos empleados por el hombre con el fin de darse a entender fueron los gestos, ya sea con movimientos de manos o expresiones de la cara. El lenguaje fonético representa una instancia posterior.
La vida en comunidad llevó al hombre a distinguir y señalar la propiedad de diversos objetos (nombre, firma, sello, monograma). El significado de estar marcas de propiedad se transformó cuando los animales u objetos fueron puestos a la venta en el mercado, con la economía de intercambio. El comercio incorporó el concepto de calidad a la idea de propiedad.
Por la necesidad de transportar e intercambiar se hizo necesario que las marcas identificaran los productos que se encontraban dentro de los envases, así como su origen y calidad. En la economía de mercado se hace imprescindible establecer diferencias en relación con el resto y generar una verdadera indentidad a través de una marca (gráfica).
La marca caracteriza los productos o servicios de una empresa o institución. Es la instancia primera del programa de indentidad visual.

Clasificación

Podemos clasificar las marcas en:

1. logotipo: marca en la cual la palabra funciona como imagen.
2. isotipo: marca donde la imagen funciona sin texto.
3. isologo: interacción de logo e isotipo.

En referencia a los isotipos, es necesario tener en cuenta que dentro de la categoría existen diferencias que hacen a la posibilidad de subclasificación:

• icónico: isotipo en el cual la imagen tiene rasgos que la asemejan al objeto representado.
• diagramático: isotipo en el cual la imagen no tiene rasgos que la asemejan al objeto representado. Se trata de una imagen construida a partir de determinados elementos representativos del objeto, los cuales remiten al referente. Por lo general, son imágenes abstractas.
• monogramático: isotipo en el cual la imagen se construye a partir del uso de la o las iniciales de la empresa representada. A través de su tratamiento formal se la carga de significación, asociándola a elementos icónicos o diagramáticos.

Es importante entender esta clasificación sin esquematismos. Los conceptos no son absolutos y muchas veces interactúan apelando a lo icónico y a lo abstracto, a lo simbólico y a lo convencional.

Como punteo básico planteamos aquí las propiedades y funciones que creemos indispensables para que un isotipo sea efectivo:

1. información: transcripción fiel y segura del mensaje al receptor.
2. indentificación: distinción del elemento como único en su contexto.
3. representatividad: extracción de los significados más cercanos a su género.
4. legibilidad: compresión rápida y correcta de las formas.
5. pregnancia: capacidad de captación y participación inmediata de las formas.
6. persuasión: inducción empática y seductora de las formas con el propósito de ser la mejor elección.
7. síntesis: economía de recursos sin pérdida de funcionalidad y calidad.
8. originalidad: aplicación de nuevas soluciones y recursos únicos.
9. memorabilidad: factibilidad de alta fijación en el tiempo.
10. perdurabilidad: posibilidad de permanencia y actualidad al margen de las modas (vigencia de estilo).

PASOS DEL PROCESO CRATIVO

Introducción

Una realidad es que suele producirse un bloqueo creativo. Generalmente la idea no parece salir, no se nos “enciende la bombilla” y no hay nada que podamos hacer…¿o sí?.

Tenemos un concepto equivocado de la creatividad. Pensamos que esas “chispas” de conocimiento vienen o no vienen, y que las personas somos más propensas o menos a tener buenas ideas.
No es cierto. Al menos, no del todo.

Los eventos nos que llevan a que surjan esa ideas debemos generarlos de forma intencionada. La creatividad es, ante todo, un proceso.
Éstos son los cuatro pasos del proceso creativo:

1. Búsqueda y recopilación de información
2. Transformación de la información en ideas
3. Evaluación de las ideas
4. Ejecución

No es forzosamente un proceso lineal e iremos saltando de un paso a otro.
El bloqueo creativo ocurre cuando uno intenta saltárselos y llegar al punto 4 sin dar al resto el tiempo y la oportunidad de trabajar.



1. Búsqueda y recopilación de información

Analiza a fondo el tema. Cuando comienzas cualquier proyecto en donde debes ser creativo, lo primero que debes hacer es coleccionar toda la información que puedas conseguir sobre ese tema.
Lee, hazte preguntas, explora y averigua todo lo que puedas. La clave aquí es mirar de todo y no enfocarse en nada. Consigue una visión global de todo el panorama y deja lo detalles para después.



2. Transformación de la información en ideas

El paso siguiente es convertir toda información coleccionada en nuevas ideas.
Organiza todo lo que has coleccionado y extrae los elementos esenciales. Es la vinculación cruzada de todos estos datos con tu objetivo la inspiración que necesitas. Estas asociaciones producirán lo que conocemos como “elementos disparadores” (la manzana de Newton).

Deja trabajar al subconsciente

Si no llegan las ideas no desesperes, sigue ordenando y asociando conceptos. Tarde o temprano surgirán, pero no necesariamente cuando quieras.

Inconscientemente nuestro cerebro trabajará (día y noche) y, curiosamente, nos lanzará respuestas cuando dejemos de pensar conscientemente en el problema. Deja trabajar al subconsciente.



3. Evaluación de todas las ideas

De la cantidad surge la calidad.

Sólo cuando tengamos bastantes ideas para escoger es el momento de empezar a evaluar cuáles son las mejores. Te darás cuenta de que casi nunca es la primera que se nos vino a la cabeza.

Antes de ponerte a trabajar date un tiempo para reflexionar sobre la idea elegida. Los ojos con los que miramos nuestro trabajo un día no son los mismos en otro.



4. Ejecución

Las ideas que no se llevan a cabo no sirven demasiado. No olvides esto.
Debes procurar que las fases del proceso creativo duren lo suficiente sin que te falten fuerzas luego para pasar a la acción.
Afortunadamente, dentro del campo profesional siempre tenemos un timming pisándonos los talones que no nos permiten este clase de lujos.

ESTILO DE LA ILUSTRACION: A TODO COLOR

La ilustración a todo color comprende una inmensa gama de estilos, desde al realismo a lo extraño y fantástico. Por lo tanto, le da al diseñador amplias posibilidades de presentar imágenes gráficas en formas frescas y originales. Desde los días de la acuarela, la ilustración en color ha evolucionado hasta incluir el uso de muchos medios distintos. Aunque los mismos tienden a producir sus propios estilos, también pueden aplicarse a imágenes del pasado. Más aún: muchos ilustradores modernos combinan las técnicas actuales con imágenes del pasado en un intento de insuflar nueva vida a productos ya consolidados.







En algunos diseños, el color se usa para crear un fondo de conjunto, Se trata de una plicación útil, que le permite al diseñador invertir los elementos. Obviamente, si el diseño está impreso en papel blanco, entonces estos elementos serán blancos, pero se puede considerar la impresión en papel o cartón coloreado, lo cual puede ser muy efectivo.




Elección

El diseñador toma importantes decisiones sobre la naturaleza de la ilustración en color a usar cuando evalúa todos los elementos del diseño. El predominio que se le quiera dar a la ilustración y el cómo tenga que desplegarse la misma, afectarán a la elección del diseñador sobre el estilo de la ilustración. Un diseño puede ser preparado con destino a públicos distintos a base de explotar la ilustración en color. Por ejemplo, una tapa de una caja de bombones puede llevar un color obscuro y discreto. La inclusión de un dibujo cuidadosamente encargado puede darle alproducto un atractivo para un mercado diferente.

ESTILO DE ILUSTRACION: BLANCO Y NEGRO

La ilustración es tan variada y versátil como quienes la producen, de tal forma que la mayoría de los ilustradores tienen un estilo identificable. Las ilustraciones en blanco y negro se usan comunmente en periódicos y revistas. Desde los dibujos que se encuentran en la prensa en blanco y negro, hasta el estilizado trabajo de vanguardia que se usa para apoyar los materiales editoriales, existe una amplia gama de estilos de ilustración atractivos y adaptables. Sin embargo, a medida que avanzan sus carreras, los ilustradores tienden a identificarse con un campo específico, y la mayor parte de su trabajo irá a un mercado o medio particulares.







Ilustradores

La mayoría de los ilustradores profesionales tiene gustos y habilidades específicas, por lo que se aprovechan mejor sólo en un contexto apropiado. Es tarea del diseñador encontrar un ilustrador cuyo estilo se adapte al del proyecto que tiene entre manos. Sin embargo, algunos ilustradores tienen fama por su inclinación a aceptar retos y hacerse con proyectos que caen fuera de su repertorio normal.

ELABORACION DEL ESTILO

Una cuestión básica para conseguir el diseño adecuado para el mercado es la manera cómo se escogen, combinan y exhiben los elementos visuales.

Estudiando la información visual del pasado se puede aprender a producir sutiles y efectivos diseños para los mercados actuales.

Pensar en los mercados.

No hay reglas que gobiernen la combinación de estos elementos, por lo que el diseñador debe confiar en la intuición que haya adquirido para intentar la clase de diseño que tiene más probabilidades de atraer al público que se busca.

Gran parte del éxito de un estilo de diseño en llegar a su mercado depende de lo bien que el diseñador ha sintonizado con el público y de su capacidad para mantener el entusiasmo a través de las dificultades para resolver el problema de diseño.

Unidad de diseño.

Tenemos que tener en cuenta como se interrelacionan los diversos elementos del diseño para prodcir un estilo determinado. Obsevemos como cada elemento desde el tipo de letra hasta la ilustración, complementa o moldea los otros, potenciando así la unidad del diseño.
Uno puede observar una amplia variedad de talentos del mundo del diseño gráfico profesional, queda clara la gran variedad de enfoques y uno debería ser también capaz de distinguir la mano de cada diseñador.

Pensemos en la clase de persona a la que va dirigido el producto que determina un estilo, y la pregunta... ¿A quién va dirigido?... no es sencilla en absoluto. Por ejemplo, la etiqueta de una lata de conservas puede tener una imagen tradicional, pero ¿Quién compra conservas en la actualidad?. La cantidad de investigación de mercado que se podría hacer sobre este tema es infinita, y, al cambiar la respuesta al hacerse mas detallada, el diseño tendrá que ser modificado. La pregunta ¿Quién compra esto?, debe plantearse en relación con cada una de las categorías de estilo presentadas. En cada caso se debe analizar detalladamente el diseño a fin de comprender las fórmulas aplicadas.

ELABORACION DEL ESTILO: ESTILO TRADICIONAL

Cuando la especificación del cliente pide un atractivo "tradicional" para un producto o servicio, el diseñador debe preguntarle al cliente, y reflejarlo, qué es lo que quiere decir exactamente y decidir entonces cómo hay que interpretarlo. Un producto o servicio tradiional tendrá un surco trazado en público claramente definido. Al contrario, si es nuevo, el mercado al que va a adaptarse habrá sido identificado por la investigación como de tipo tradicional.





Producto y Mercado

Un producto servicio tradicional es el que está consolidado desde hace tiempo, que proyecta ideas de confianza, ofrece artesanía cuando corresponde, y exhibe profesionalidad en cualquier caso. Además, da un sentido de permanencia, haciendo confiar a sus clientes en que su inversión monetaria les ha proporcionado un valor y una calidad duraderos.




Los consumidores de un producto o servicio tradicional no tienen características específicas o prefijadas. El producto o servicio se refiere generalmente a un público amplio, aún cuando la gama de producto no sea adecuada para todos los consumidores. Un enfoque agresivo para las ventas, raramente combina con la promoción de estilos tradicionales. No es necesario en ningún caso, ya que el enfoque tradicional se convierte en atractivo para la mayoría de la gente en algún punto de su vida. esto no quiere decir que tales productos o servicios tengan un atractivo de masas. Es más bien una cuestión de tono y de ser conscientes de que el público al que se dirige va hacia el producto, y no al revés.

ELABORACION DEL ESTILO: ESTILO CLASICO

UN DISEÑO QUE TIENE un atractivo clásico es inevitablemente una realización de importancia histórica, una obra maestra de su tiempo. A lo largo de la historia ha habido diseñadores que han creado obras memorables y ejemplares que han tenido ala vez altura y longevidad. Tales diseños, vengan del sector de la industria del diseño que vengan, han atraído una gran atención. En algunos casos, su rechazo de las convenciones les distanció al principio de lo que era generalmente aceptable.


Diseño gráfico clásico

Los diseños clásicos pueden surgir en cualquier sector del mercado. El «Escarabajo» de Wolkswagen empezó como un coche barato y funcional producido para el mercado de gran consumo. El Rolls Royce, con su emparrillado y la mascota de la dama voladora característicos, ha sido durante mucho tiempo símbolo del lujo. Ambos diseños de coche han alcanzado ya el estatus de clásicos. En el diseñográfico, ciertas obras tienen la misma cualidad de permanencia que el «Escarabajo» y el Rolls Royce.
Productos reconocidos internacionalmente como Coca-Cola, Pepsi-Cola y Perrier han sobrevivido gracias a la sutil calidad de sus diseños. Los logotipos de empresas establecidas desde hace tiempo, aunque puedan ser retocados para adaptarlos a los gustos modernos, normalmente conservan una fuerte sugestión de la calidad que los hizo tan originales en el pasado y que ha garantizado su éxito continuado. Hablando en puridad, se debe distinguir un diseño clásico del que describiríamos mejor como clasicista. En tiempos, este último se refería exclusivamente a una obra que evocara el espíritu de la antigüedad de Grecia y Roma por su estilo simple, armonioso, bien proporcionado y contenido. Sin embargo, más modernamente los dos términos se han utilizado indistintamente.





Herencia clásica

Muchos diseños se basan fuertemente en la herencia clasicista (Grecia/Roma), especialmente al desplegar una noble elegancia con un adorno mínimo. Una vez se ha captado la naturaleza de lo que es visualmente clasicista, los elementos requeridos para que un diseño exprese esta tendencia casi se seleccionan por sí mismos. Los tipos de letra deben ser sensibles y esbeltos, confiados pero no extrovertidos. Los rebordes pueden ser apaciblemente líricos y los colores deben ser similarmente contenidos. La ilustración puede ser moldeada para adaptarse a temas clasicistas, pero la fotografía, que es un elemento de diseño relativamente moderno, debe usarse con discreción y de forma subordinada. Evítese a toda costa la simple parodia del estilo clasicista que se deriva de un diseño insensible.





Comprender los clásicos

Volviendo al diseño clásico, es aplicable la misma precaución. Para reinterpretar un estilo clásico se deben respetar y mantener las características principales del diseño original, de lo contrario se producirá una versión diluida, incluso burlesca del mismo. Es preciso comprender las estructuras que subyacen en el diseño clásico. Abram Games dijo que el buen diseño puede ser comparado a la ingeniería: la infraestructura invisible debe estar tan bien diseñada como lo que se ve. Considérese siempre la estructura subyacente antes de aplicar la decoración y asegúrese entonces de que esta última es la apropiada.

ELABORACION DEL ESTILO: ESTILO RETROSPECTIVO

EN LOS ULTIMOS AÑOS, las modas de estilo de diseño retrospectivo han ido variando en respuesta a las modas cambiantes de la sociedad. En los años sesenta, las imágenes Modernistas o Art Nouveau de fin del siglo XIX eran las que predominaban en toda clase de diseño. Posteriormente, en las modas de estilo retrospectivo se está evocando una gama más amplia de períodos.
Los estilos retrospectivos se han puesto de moda en la promoción de productos y servicios. Para reflejar cualidades específicas de tiempos pasados, los diseñadores pugnan por casar imágenes del pasado con un estilo actualizado, de forma que pueden ser ampliamente comprendidas. Los productos o servicios que son tratados de esta manera, puede muy bien que tengan equivalentes en el pasado que sean familiares al público en general. Por ejemplo, un servicio actual de entregas a domicilio puede ser relacionado con la práctica entre las familias victorianas acomodadas de tener un mayordomo.





Adecuación del producto

El propio producto o servicio, para ser adecuado para este enfoque, debe poseer ciertas cualidades. Debe aparecer convincente cuando se describe gráficamente y debe actuar con efectividad en la práctica. Pero la estilización no necesita ser históricamente ajustada. Lo que hay que conseguir es un terreno común que el público pueda relacionar subliminalmente: No todos los miembros del público al que se dirige la promoción conocerán de hecho las imágenes utilizadas. Sin embargo, esto no quiere decir que se les vaya a engañar, ya que tendrán en común asociaciones subconscientes que el diseñador no puede permitirse ignorar. Por ejemplo, ya que las familias más modernas tienen fotografías de su propio pasado reciente y quizá de las generaciones anteriores, es fácil jugar con esta familiaridad con el pasado repre sentando modas antiguas y coloreando la imagen.






Elementos

Ciertos tipos de adorno pueden recordar el pasado, sugiriendo, por ejemplo, los salones del salvaje oeste americano o el circo victoriano. El propio método de impresión puede ser seleccionado para que evoque las asociaciones deseadas. Los caracteres borrosos o rotos evocan la época en que la composición neta y uniforme todavía no existía. Para identificar los elementos apropiados a usar en el estilo de un proyecto es importante investigar concienzudamente la época seleccionada en busca de componentes visuales efectivos. Una vez ya se esté completamente inmerso en la época, se poseerá una cierta movilidad en la elección de los elementos. También se encontrará que uno puede forzar las reglas usando equivalentes modernos. Lo que se está haciendo no es una recreación rigurosa de la época, sino haciéndole la cirugía estética para que se adapte al público actual.

ELABORACION DEL ESTILO: ESTILO JUVENIL

Diseño para niños

Tomando primero el grupo de edad más joven, se deben poder interrelacionar las tendencias actuales que influencian a los niños. Desgraciadamente, no hay ninguna imagen definitiva, sino más bien un revoltijo de imágenes procedentes de la televisión, los films, los libros y comics, la música pop y los propios compañeros de juego. Por supuesto, los estilos gráficos que atraen más a los niños son los coloristas e inventivos. Sin embargo, las imágenes que se seleccionen deben relacionarse también con los conocimientos y la experiencia de los niños, y es por ello que hay que comprender las influencias que se ejercen sobre sus vidas.






Cuanto mayor es la edad del grupo para el que se diseña, mayor es el reto. Las imágenes se hacen más difíciles de descubrir y el trabajo requiere todavía una mayor sutileza. Los niños mayores normalmente tienen muy buen ojo para los detalles y son capaces de reconocer una pobre imitación a primera vista. Esto significa que las promociones que usan sus héroes del momento son mejores si se basan estrechamente en materiales originales. La mayoría de los niños ya no dependen totalmente de la opinión de sus padres y a menudo eligen con independencia. A la vez que se reconoce este hecho, también se debería tratar de apelar al sentido de responsabilidad de los mayores.






Diseño para Teenagers

El mercado de los teenagers presenta diferentes problemas de estilo, ya que los gustos en esta edad varían desde lo ostentoso hasta lo altamente sofisticado. Sin embargo, la mayoría de los jóvenes aspiran a los valores de un grupo de edad que está justamente por encima suyo. Este hecho debe guiar la investigación y debe reflejarse en el diseño que se cree. La cultura pop, tal como aparece en la televisión y el vídeo, proporciona la mayor parte del estilo con que se relacionan los teenagers más jóvenes. Pero hacia los quince años empiezan a buscar imágenes nuevas, quizá misteriosas. A esta edad, el joven tiene un deseo autoconsciente de ser visto como un individuo, sin dejar de ser identificable como perteneciente a un grupo. Las imágenes que atraen a este grupo de hacia quince años varían por todo el campo visual, desde las aficiones artísticas a las mundanas.
El mercado de los jóvenes mayores exige estilos de diseño altamente creativos, a menudo inhabituales. Los héroes clásicos, la tecnología de moda o las visiones anárquicas, cualquier fuente temática puede ser saqueada para cumplir con las exigencias de este mercado, con su vasta capacidad de compra, de estilos impresionantes, convincentes y, sobre todo, originales.





Mercado de adultos jóvenes

El estilo para el mercado de adultos jóvenes requiere un mayor grado de sofisticación, pero también debe tomar en consideración la amplia variación en los gustos y la capacidad de compra que aparece en esta edad. El diseño puede ser para cualquier cosa, desde un Porsche a un paquete de aperitivos, pero cada producto requiere una técnica muy afinada y agresiva para proyectarla en un mercado extremadamente competitivo.
Al buscar las influencias sobre el grupo de adultos jóvenes, hay que investigar las imágenes a las que responden, explorando las oscuras a la vez que populares publicaciones que leen. A menudo los diseñadores para el mercado más joven pertenecen ellos mismos a la nueva generación de diseñadores. Vale la pena, por lo tanto, examinar su trabajo para buscar las formas y los estilos del futuro. Otro enfoque es darle un estilo al trabajo que impacte los sentidos. El trabajo logrado de este tipo crea a la vez una identidad nueva y única y atrae al joven consumidor a base de separarse de lo que es visto como aburrido y convencional.
Los elementos usados en el estilo para jóvenes consumidores varía desde rotulación de chicle hasta tipografía de alta tecnología e ilustraciones digitalizadas. Constantemente aparecen nuevos estilos de fotografía e ilustración. El diseñador debe mantenerse en contacto con las novedades si tiene que producir diseños que se dirijan exclusivamente a este poderoso sector de mercado.

ELABORACION DEL ESTILO: ESTILO DE GRAN CONSUMO

Antes de preparar un diseño para el mercado de gran consumo se debe considerar primero a qué sector del mismo va dirigido el producto o servicio y familiarizarse con el «argumento de venta específico» ( unique selling point = USP).
Casi todos los productos o servicios tienen una identidad que los distingue de la competencia. Para atraer al mercado de gran consumo, el estilo del diseño tiene que saltar por encima de las divisiones entre los distintos sectores del público. En resumen, su atractivo tiene que ser universal. Un buen diseño expresará honesta y claramente las cualidades propias de aquello que se ofrece. En el caso de productos de supermercado, dado el amplio surtido disponible, la mejor clase de diseño es la que comunica la función del producto de forma directa y basándose en hechos.



El diseñador actual también tiene que aprovecharse de la marca del producto. En un producto que se distingue de esta manera, su calidad y uniformidad están garantizados por el nombre corporativo. A menudo, una nueva adición a una familia de productos o servicios es más probable que tenga éxito cuando está ligada a una marca conocida que si se lanza bajo otra desconocida. Las empresas que fabrican marcas pueden proteger con gran fuerza la identidad de sus productos. Un buen ejemplo de esto ocurrió cuando a una importante empresa de diseño se le encargó que rediseñara la etiqueta de las famosas latas de alubias cocidas Heinz. La empresa juiciosamente preparó 57 diseños acabados, todos los cuales eran utilizables y diferían visualmente del original. Pero Heinz fue tan cautelosa que al final decidió cambiar sólo el estilo de los tipos de letra. Una vez se ha conseguido hacerse con el mercado de consumo propio, lo más inteligente es continuar dándole imágenes familiares. En el otro extremo de la escala de productos se aplica todo lo contrario. En el caso de los coches, la marca es primordial para asegurarle al cliente las cualidades de lo que está comprando. Pero mientras que el público puede que no quiera ver que su lata de alubias cocidas tiene un aspecto diferente, sí quiere ver cambios en el diseño de los coches y, por lo tanto, también debe cambiar el grafismo usado para pro mocionar nuevos modelos. El único elemento del antiguo material promocional que es probable que aparezca será el logotipo de la empresa.












Familiaridad

Generalmente, el público confía en las imágenes familiares y favoritas, y este importante hecho debe tenerse en cuenta cuando se escoge los elementos de diseño. En concreto, los tipos de letra deben ser de estilo apropiado para el producto, pero, mucho más importante, deben comunicar de forma efectiva e inspiradora de confianza. Los colores deben escogerse para que reflejen y realcen las mejores cualidades del producto o servicio. Recuérdese, sin embargo, que las modas en los colores pueden ser irrelevantes para un producto consolidado o tradicional que requiere que el estilo que se está produciendo genere años de ventas.



Ilustración y fotografía.

En muchos de los anuncios del mercado de gran consumo, la ilustración juega en el diseño un papel de apoyo al reforzar la imagen proyectada o llamar la atención de nuevos consumidores. Sin embargo, la fotografía es un componente importante para la promoción de productos y servicios, pudiéndose conseguir un vasto surtido de estilos, efectos y clasificación de imágenes. En cualquier caso, es importante seleccionar el fotógrafo adecuado para el trabajo y darle unas instrucciones claras y precisas.



Trucos de marketing

En la promoción de productos de gran consumo es normal ver que se ponen en juego personalidades y hechos de actualidad o factores estacionales. Este truco se usa normalmente para complementar el di seño global y centrar más estrechamente la atención del público en el producto. Sin embargo, el estilo del propio producto se mantiene constante. También se han hecho comunes los concursos como medio de promover el interés por el producto, a base de ofrecer incentivos mientras que se subrayan en un nivel subliminal las cualidades del producto.

Los estilos del mercado de gran consumo constituyen un campo tan vasto y variado que cada sector, desde la promoción de una bombilla de luz hasta el diseño de una revista popular, requiere una investigación especializada aunque estimulante. Encontrar un estilo que tenga un atractivo universal exige intuición y buen juicio, respondiéndose mejor al reto mediante un estudio detallado de las imágenes con éxito en los mercados de gran consumo actuales.

















POR AHORA LES DEJO ESTO ...CREO QUE EN OS OTROS POST HABIA ALGO DE ESTO PERO SON OTRAS TEORIAS DE DISTINTOS AUTORES...ESPERO QUE LES GUSTE!!!


UN SALUDOS A TODOS!!!