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El arte de Rocambole Nombre y Apellido: Ricardo "Mono" Cohen Signo: Tauro Instrumento: Pincel Lugar de Nacimiento: La Plata El origen del nombre Según cuenta el mismísimo Ricardo "Mono" Cohen, Rocambole es un apodo que surgió por un folletín del siglo pasado "Las hazañas de Rocambole", que relataba las aventuras de un ladrón, un tipo muy malo que después se vuelve bueno. En El Juguete Rabioso, la novela de Roberto Arlt, hay un personaje, Astier, que leía los cuarenta tomos de Rocambole. "Mi viejo tenía esos cuarenta tomos- relata el Rocambole actual, el dibujante de Patricio Rey y artista- , y yo los leía cuando era chico. Una vuelta que puse un taller de estampado, donde hacía las remeras con estampados que les copiaba a los grandes diseñadores, usé Rocambole como marca. Y me dio suerte, así que después la usé para hacer ilustraciones. Yo quería separar el arte serio del arte popular. Dije: 'Cuando hago historietas o ilustraciones, firmo Rocambole'. Y resulta que Rocambole se hizo más famoso que yo. Y lo dejé ahí. No puedo luchar contra Rocambole. El Rocambole original Uno no podría describir el campo del folletín francés del siglo 19 sin mencionar a Victor-Alexis Ponson du Terrail (1829-1871), el autor de la saga Rocambole, una estupenda saga publicada entre 1857 y 1870. Rocambole fue creado y escrito por Victor-Alexis Ponson du Terrail (1829-1871). El personaje Rocambole era un aventurero que se inició en el lado equivocado de la ley y que luego se pasó a las fuerzas del bien. Tal como Sherlock Holmes, Rocambole eventualmente se valía de un grupo de asistentes, que elegía de varias clases sociales, dispuestos a dejar todo para seguir a su maestro. Rocambole dominaba las habilidades físicas del Oriente y heredó parte de los secretos del Antiguo Tibet y otras civilizaciones exóticas. De hecho, el término "rocambolesco" ("rocambolesque" se hizo común en Francia para denominar cualquier clase de aventura fantástica. El origen de Rocambole aún se mantiene en misterio. En su primera aparición es un jovencito tutelado por el satánico Sir Williams. Rocambole se presume un huérfano, que luego es adoptado como hijo por Maman Choupart, una horrible y malvada anciana. En estas primeras historietas, Rocambole era claramente un villano de excelentes habilidades, muy astuto y siempre motivado por la avaricia, que incluso además de robar, llegó a cometer algunos asesinatos a sangre fría, que la historia terminó por perdonarle. Rocambole cae preso en determinado momento y se gana fama en la cárcel como el Convicto No. 117. Luego logra escapar de la prisión de Toulon, donde estaba encerrado (La Resurrección de Rocambole) y experimenta una especie de redención convirtiéndose en un héroe del bien y se une a Baccarat, una heroína que solía ser su peor enemiga, para comenzar a usar sus talentos en ayuda de los pobres y oprimidos. En las últimas adaptaciones de la serie, Rocambole es descripto como un aventurero que vive solitario en un castillo con su fiel sirviente y su perro: Kid. Periódicamente, es llamado por el Servicio Secreto Londinense para llevar a cabo misiones peligrosas que sólo él puede realizar. Rocambole fue inicialmente lanzado en pequeños folletines. Luego, algunos periódicos reagruparon las series en volúmenes que no siempre conservaban las formas y los nombres originales de los episodios. Quizás la masividad del personaje se alcanzó cuando se produjo la aparición regular de los cómics, quienes difundieron las aventuras por toda Europa. Rocambole fue llevado al cine en varias ocasiones: 1914, 1924, 1932, 1947 y 1962. Con la aparición masiva de la televisión, se lograron hacer algunos de los capítulos de la historieta en formato serie para su difusión televisiva en Francia durante los años 70. Rocambole fué primeramente una serie de aventuras criminales, pero logró crear y virtualmente definir el arquetipo del heroísmo moderno y la ficción superheroica de estos tiempos. En pocas palabras, Rocambole era mucho más que un hombre común... el fué el primer superhéroe de la literatura moderna. Las aventuras de Rocambole fueron abruptamente interrumpidas por la repentina muerte de su creador en 1871. Apuntes sobre el rock Cuando el rock nació, en la década del cincuenta, nadie -ni aquellos que integraban la mezcla de confluencias que le dio origen- se dio cuenta de lo que representaba como fenómeno cultural. Así fue como nosotros, adolescentes de aquella época, nos apropiamos instintivamente de él, convirtiéndolo en una propuesta de cambio contra todo un sistema cultural, atacando la hipocresía de la sociedad, y contra la represión, la alienación y la masificación. Se cuestionaba la existencia misma de la cultura. Más tarde, otras generaciones de jóvenes encontraron en el rock un territorio libre donde incorporar sus propuestas de creatividad, sus filosofías, sus políticas o sus viajes personales. Las más diversas formas de folklore mundial se sumaron sin que nadie les achacara falta de ortodoxia; gracias a esa apertura no se anquilosó ni envejeció, y a través de la música muchos jugamos a esa temida experiencia llamada libertad, buscando una verdadera revolución total, una mutación en la misma psiquis del hombre, pensando que las instituciones eran estructuras artificiosas e impuestas que no nos daban respuestas valederas. Fue en aquel momento que la mayor o menor fortuna de los músicos que, habiendo desechado los sacos plateados de los tavoritos del sistema, subían a los escenarios con la misma ropa que su público, se basaba no en sus incipientes calidades o sonidos magnificados sino en su grado de representatividad. Perseguido o relativamente tolerado por el sistema, el rock aglutinó a grandes multitudes y -en consecuencia- las miradas de los mercaderes que habiendo quedado afuera le apuntaron sus miras y por desgracia le acertaron, atravesándolo con un proyectil de vanidad. Los músicos volvieron a los trajes de luces, limitándose a cuidar la sofisticación de sus sonidos y -como si nada hubiera pasado- descubrieron que en lo profundo de sus almitas quizá siempre quisieron ser estrellas rutilantes y frívolas. (...) Musicalmente hablando, se nota una general tendencia a regresar a formas del rock superadas y confortables tal vez en los años cincuenta. 0tros, ante la desesperación frente al hecho de no verse incluidos en el proceso de cambio de la sociedad argentina en su totalidad (es evidente que el camino de la liberación elegido por el pueblo no tiene puntos en contacto con el actualmente propuesto por el rock), lo llevaron al populismo y la demagogia, perdiendo genuinidad ideológica. Con estas debilidades, el rock es blanco fácil para xenófobos que lo descalifican negándole inserción en la "realidad nacional" (otra cosa hubiera pasado con Moris, Tango o los Manal de la primera época). Mientras tanto, los verdaderos héroes del rock fueron sus seguidores: el público de los recitales es el que probablemente haya sufrido en forma fuerte y humillante los efectos de la represión, el hijo de la clase media y por supuesto mucho más el chico pauperizado de la villa que encontró en el rock una posibilidad de experiencia auténtica de libertad y autodeterminación. El "reviente" ha sido tal vez el sector de la juventud que pudo haber dicho no a la cultura oficial, pero en cambio la afirmó con su adicción, convirtiéndose su paranoia -como el sistema quería- en simple delincuencia. El "reviente" no pudo afirmar, ni siquiera realizar su propia cultura desarrollándose; eligió en cambio el camino del suicidio para lavar su pequeña culpa de rebeldía, no tuvo una opción de libertad real e independiente, sino que se autoalienó. Ricardo Cohen Un obrero del lapiz y el papel Revista de distribución gratuita "Rockaloca" - Número 5 (1999) Ricardo "El Mono" Cohen o Rocambole es el artista plástico de Los Redonditos de Ricota. En los comienzos de Patricio Rey diseñaba el vestuario del ballet ricotero, los volantes y las entradas. Más tarde, sus dibujos ilustraron, de una vez y para siempre,las tapas de los discos y las escenografías de los shows. "Tengo el dudoso honor de que mis dibujos estén en todas las cárceles argentinas. Casi todos los presos los tienen tatuados. A veces me pregunto: ¿Si esto era la fama, cómo será el anonimato?", lanza Rocambole con ojos serios y sonrisa chispeante mientras ojea la tevé de un barsucho de Recoleta. "Hoy parece que no pasan Los Simpsons", piensa en voz alta. ¿Qué significa ser el otro? Es difícil serlo, porque uno vive aquí adentro. Tan difícil que así estamos, que nos la pasamos haciéndole al Otro todas las herejías posibles. El problema es que cuando uno se siente El Otro, se transforma en una víctima. Aunque para mi, lo más difícil es ser yo. No es fácil encontrarse y reconocerse. Pero hay personas que te hacen sentir más uno mismo. Eso me ocurre cuando estoy enamorado. Pero a esta altura de mi vida ya pienso en el amor como en una locura de los sentidos. ¿Y en sus dibujos te ves reflejado? No sé, a mi dibujar me sirve para comprender algunas cosas. Renuncié a entender al mundo desde un entendimiento sistemático. Busqué entenderlo de una manera analógica, sin lógica. Por eso elegí las artes plásticas. Miro al mundo con curiosidad, casi como si fuera un marciano, con una mirada de gran asombro. ¿Y ese asombro se transforma en un dibujo? A veces sí, pero el 90% de mis dibujos los tiro. Son ensayos, experimentos que después se transforman en otra cosa. Lo más atractivo del arte es que siempre se le puede buscar una vuelta nueva. Pero intento hacer mi trabajo como un buen zapatero hace el suyo. Soy sólo un obrero del lápiz y el pincel. ¿Qué les dirías a los pibes sobre el SIDA? Yo no bajo ninguna línea. Vengo de una época donde no existía el Sida. Creo que el Sida es una catástrofe. En los 60, temíamos que el futuro fuese una catástrofe y quizás de eso se trate no? ¿Y Patricio Rey podrá hacer algo por nosotros? Patricio Rey es una entidad omnipresente, como Dios. Y ha dado que hablar. Que fenómeno notable, no? Es una realidad aparte. Es curioso, Los Redondos siempre fueron La Otra banda, los independientes, los distintos, pero a la vez son la banda más popular de la Argentina... Quizás fue un castigo. Cuando empezamos, que hubiera más de 3 tipos que estén de acuerdo con nosotros significaba que ya nos estábamos poniendo viejos. Hacerse famoso era malo. Era mucho mejor ser los otros. La bestia pencil Ricardo Mono Cohen, Rocambole, es el artista plástico cuyas obras están reproducidas con más frecuencia en las remeras de la monada. Claro, es que él es quien se encarga de ilustrar las tapas de los discos de los Redondos desde sus inicios. Pero detrás de los dibujos, hay mucho más: un tipo sencillo, un docente, un laburante de las imágenes que vale la pena conocer. Hablar de Rocambole implica, hablar de Los Redondos. Y en la historia de Los Redondos hay sólo un disco que es considerado un "oficial pirata". Si bien En Directo fue editado por ellos, le falta algo. A ver, ¿canta El Indio? Sí, claro. ¿Skay toca la viola? Por supuesto. ¿Están Semilla, Walter y Sergio? Desde ya. Bueno, entonces es un disco oficial, en vivo y punto, porque en la tapa hay dibujos de Rocambole... ¿No? ¡No! ¡Ahí está! Esto confirma nuestra teoría, casi una certeza, de que para que un disco de Los Redondos sea de Los Redondos, tiene que estar ilustrado por Rocambole. Pero es el mismo Rocambole, un personaje casi mítico en el Mundo Ricotero, quien mejor define esta situación: "De esta manera los arqueólogos del futuro podrán identificar los discos. Yo con la gente de Los Redondos soy amigo desde hace muchísimos años. Y dentro de ese grupo de amigos, el que estaba más vinculado a la plástica era yo. Era una cosa lógica, entonces, pedirle al Mono que haga el diseño para un afiche o unas entradas. Y bueno, cuando apareció el tema de grabar discos, era obvio que se dijera 'Mono, vení a hacer la tapa'. Muchos se preguntan 'Cómo te vinieron a buscar para hacer las tapas? ¿Cómo se enteraron de vos?... Y no, yo era un amigo, uno más de la barra. Rocambole cuenta que ha hecho de todo: desde cartelones para circos, colectivos, ilustraciones de todo tipo, historietas hasta... ¡la decoración de una calesita! "Es por eso que cuando me piden una suerte de biografía, me defino como dibujante. Siempre me he ganado la vida con un lápiz, o un pincel, en la mano. Ya sea enseñando o pintando carteles". O sea, puede haber un Rocambole en algún lugar anónimo de la ciudad... Debe haber por todas partes. ¿Está tu calesita todavía? Sí, pero no voy a decir dónde queda... . Rocambole elige definirse como un artista entre comillas: "Prefiero definirme como dibujante de la misma manera que un zapatero se define como zapatero: como un trabajador de las imágenes. O sea, yo me gano la vida con eso y trato de hacerlo lo mejor posible y, en muchos casos, de expresar sueños y mundos interiores. Pero es muy fuerte mi vinculación a esto por motivos de supervivencia. Por eso tomo cierta distancia del arte rimbombante, con mayúsculas, porque no me gusta que el arte se transforme en un objeto valioso que forme parte del mecanismo capitalista". Y en su visión del arte, las remeras ocupan un lugar preferencial: "Yo prefiero una remera bien hecha a un cuadro colgado en una galería que el día de la inauguración van los amigos del pintor y después no va nadie más. Volviendo a Los Redondos, para mí el fenómeno se produce cuando está el público y están ellos tocando. Ahí está el fenómeno. La misa. Yo no vendo mis cuadros. No me gustaría pensar que uno de mis cuadros va a estar colgado en la casa de alguien y que lo vea ese tipo y sus amigos. Prefiero tener mis obras yo, y llevarlas cuando me invitan a exponer. Igual, he regalado bastantes". Decíamos que Rocambole es el artista cuya obra figura en más remeras. "He buscado una forma alternativa de exponer mis obras. No estoy dentro del circuito de las galerías de arte, así que utilizo otro canal. Nunca imaginé que iba a pasar esto con mi obra. Nadie se imaginaba el fenómeno de la magnitud como ha sido dado. Todo empezó como propuesta de hacer un poco de arte, nomás. Nomás, digo, nada menos. Todo eso, de repente, se transformó en un fenómeno que es inabarcable, para mí, para Skay, para el Indio, para la Negra Poly, y para todos los participantes del fenómeno. Es como que nosotros somos un epifenómeno del fenómeno". De la reproducción de remeras no ves un mango, ¿o sí? No, pero no me importa. Yo en mis tiempos de estampador de remeras, esto fue hace bastante, me copiaba todo lo que funcionaba. Hacía, por ejemplo, remeras de Yes y otras bandas. Entonces ahora me toca a mí pagar mi parte... Es el único caso de un artista que haya hecho todas las tapas de la carrera de una banda. En término de diseño, sos el responsable de la imagen corporativa de Los Redondos... Puede decirse eso. Pero lo que pasa es que esto es parte de otras cuestiones. Pero eso te abrió la posibilidad de llegar a un montón de gente a la que de otra manera no hubieras llegado... Muchas veces se ha planteado qué pasaría si no hubiera hecho las tapas de Los Redondos: y, pasaría que, obviamente, seguiría trabajando en lo mismo. Pero no estaría difundido ni me conocería toda esta gente. Eso ha permitido la difusión de mi obra. A lo largo de la charla, Rocambole nos contó varias anécdotas de su profesión docente. Y siente que su vinculación con Los Redondos le ha permitido un mejor acercamiento con sus alumnos del secundario. "De alguna manera, que los pibes reconozcan mi obra me reconforta, porque sigo haciendo docencia. De alguna manera, hacer entrar en la plástica a un grupo que, por ahí, ha sido descuidado. Muchos amigos míos que son pintores de galería me dicen: "Vos lo que hiciste fue aprovechar un público que nosotros desaprovechamos'. O sea, dentro de algunos años. Muchos de esos pibes, a lo mejor, estarán establecidos y hasta alguno tendrá dinero. Y te van a comprar las obras". (risas) De todos modos, cree que, sin saberlo, todos consumimos artes plásticas. "Los chicos consumen artes plásticas en calcomanías, remeras, historietas y todo eso. Pasa que nunca le pusieron el pomposo nombre de artes plásticas a eso. Pero en realidad así debería ser el arte. La manifestación humana de uso común. Por ahí, en la división del trabajo que ha producido el capitalismo es que, de repente, el arte sea una cosa para las elites, o que cueste tanto una reproducción o un original de un artista en particular. Pero el arte tendría que ser como los almanaques de Molina Campos, que era una forma de plástica totalmente popular". ¿El hecho de que vos no entres al circuito de las galerías de arte es deliberado? No sé si es absolutamente una opción. Yo nunca me preocupé mucho por exponer en galerías, pero tampoco ninguna galería se preocupó mucho porque yo exponga. Sí hago muchas exposiciones en el interior del país, porque me vinculo con las direcciones de cultura municipales o provinciales. Hay funcionarios que no son tan viejos o son afectos a la cultura rock. Piensan, entonces, que es bueno hacer una muestra de mis originales. Todo empezó en General Roca hace como nueve años. Había un Museo Municipal de Arte, y a una funcionaria que era amiga se le ocurrió llamarme para exponer. Fue una forma de hacer un entre para que los pibes más jóvenes reparen en que había un museo. Se hizo una muestra y se llenó de pibes. Desde entonces, muchos jóvenes van al museo, se armó una especie de movimiento que está muy bueno. Expuse en Santa Fe, en Rosario, en Mendoza, en San Pedro... "Me encanta eso de ir a exponer, porque hacés nuevos amigos, comés asados bien regados y pasás un muy buen rato". "Como antiguamente, las cosas son de proceso colectivo", afirma Rocambole. Y ese proceso implica tanto las canciones como las letras y las músicas. "Al principio, en la época de Oktubre yo por ahí estaba en un asado, en una guitarreada donde estaban todos. Y por ahí Skay tenía un riff y lo mostraba con la guitarra criolla, el Indio tenía una letra y me lo mostraba, todos charlaban, todos opinaban. ¿Qué te parece esto? Con esto vamos a hacer un disco y hay que ir pensando qué se puede hacer. Cuando el disco estaba más definido, llegaba el momento de hacer una reunión seria: basta de asado, basta de empanadas, basta de todo". Entonces comenzaban las reuniones en las que reinaba el brainstorming. O sea, mandar cualquiera y anotar todo. "Después del brainstorming, viene la tachadura de las cosas con menos consistencia y junto las cuatro o cinco cosas que definen lo que llamamos el concepto. Otras veces, el Indio, que es el que generalmente habla más que todos, porque Skay es un poco más tímido, por ahí viene con un concepto. Una vez que está definido el concepto, yo me pongo a estudiar sobre ese contexto". "El tipito de Oktubre" se ha transformado en un ícono ricotero. Rocambole cuenta que "era uno de los dibujos que quería que desapareciera, porque no me gustaba. Y se hizo solo, también. Es el menos elaborado de los trabajos que hice, porque surgió de un día para el otro. Yo llegué a la casa de Skay y me dijeron 'Vamos, rápido, que tenemos que llevar un aviso al diario ya...'. Y les digo 'No, te lo traigo mañana'. Y me dicen que había que llevarlo ya. Entonces fui a comprar un marcador y lo hice así como salió. Rellené todo y se lo llevaron. Y si me lo dejaban arreglar, quizás no hubiera sido tan popular. Es más imagen de Oktubre que la mismísima tapa". Oktubre es la tapa que más conformó al maestro ¿Por qué? Simple: "Me parece que un buen diseño es aquel que con un mínimo de elementos produce lo máximo. Tenía que ser a pocos colores (tiene gris, rojo, negro y el fondo del papel, que es blanco) tenía que ser una cosa fácil de imprimir en serigrafía. El concepto es el homenaje a todas las revoluciones, banderas. Me fijé en todas las estéticas que puedan tener eso, y la que más me convenía tenía que ver con las vanguardias rusas. Por lo menos, tenía que tener ese aspecto como de estampado filográfico. Me pareció que en el logotipo tenía que haber algo soviético. Le di vuelta una letra y quedó con el alfabeto parecido al cirílico". Para Rocambole, quedaba claro que con su último disco Los Redondos estaban cruzando una barrera entre el pasado y el futuro. Y de alguna manera había que evidenciarlo: "Me pareció que las perspectivas futuras del diseño gráfico van a estar dentro de las imágenes que hoy aparecen en el videogame. El desarrollo que ha tenido toda esa gráfica es impresionante. Hace muy pocos años, los objetos que se movían en los videogames eran absolutamente planos y cuadraditos. El Pacman, cuando incorporó una formita redonda, fue un triunfo. Hoy en día, las perspectivas y las cosas que hay son extraordinarias". Todo esto, cree Rocambole, tiene una vinculación directa con el desarrollo gráfico de la humanidad: "Al principio, los egipcios hacían todo plano; después apareció una perspectiva tipo medieval; y en el Renacimiento se descubre la perspectiva cónica y aparece el espacio, que es lo que está pasando ahora con los videos. Entonces, bueno, me parecía que como concepto estético para hacer un salto al futuro, tenía que hacer ese tipo de estética". Por otra parte, tener una tapa tan rara hizo que la mayoría de los compradores prefirieran el disco original. "Con lo cual este es el disco menos pirateado de Los Redondos", se jacta. Hiciste, también, los videos de presentación de los shows de Racing ¿Se te ocurrió hacer un videogame? Es que la idea fue esa. Cuando me reuní con mis socios (los chicos que trabajan conmigo: Juan Manuel Moreno y Silvio Reyes), les dije:"Vamos a idear primero un videogame, y con lo que salga de eso hacemos la tapa'. El videogame está, por eso las imágenes se hicieron en estudio, con un programa realista. Después capturamos las imágenes de esa especie de videogame que hicimos, pero quedó mucho material, incluso material de animación. Y con eso fue que se hizo el video". ¿El videogame tiene una lógica de juego? "Sí. Es un disco que tiene muchos acertijos, y hay que buscarlos. Encontrarlos forma parte del juego. Hay algunos que los han encontrado, me han dicho". La propuesta histórica, a lo largo de las tapas de Los Redondos, fue utilizar una estética diferente. "Ahora habría que hacer algo minimalista, con tierra y con un poco de arpillera. O una cosa con pasta: una tapa hecha con una empanada... Ya saldrá", dice el maestro. ¿Quién fue el verdadero Rocambole? Rocambole es un apodo que surgió por un folletín del siglo pasado, Las hazañas de Rocambole, que relataba las aventuras de un ladrón, un tipo muy malo que después se vuelve bueno. En El Juguete Rabioso, la novela de Roberto Arlt, hay un personaje, Astier, que leía los cuarenta tomos de Rocamboles. "Mi viejo tenía esos cuarenta tomos- relata el Rocambole actual, el dibujante- , y yo los leía cuando era chico. Una vuelta que puse un taller de estampado, donde hacía las remeras con estampados que les copiaba a los grandes diseñadores, usé Rocambole como marca. Y me dio suerte, así que después la usé para hacer ilustraciones. Yo quería separar el arte serio del arte popular. Dije: 'Cuando hago historietas o ilustraciones, firmo Rocambole'. Y resulta que Rocambole se hizo más famoso que yo. Y lo dejé ahí. No puedo luchar contra Rocambole." Bang! Bang! Estás ilustrado Mariano de Aguila para la revista "RTM - Rock Tercer Mundo" - Edición 8 (04/2000) Rocambole, el artista plástico que vistió a la generación ricotera con sus dibujos, sostiene que el eje de la animación mundial pasa por Japón y que pronto será difícil diferenciar la imagen digital de la real. Como al pasar, adelanta las sorpresas de los shows en River. Rocambole se tuvo que hacer aliado de un teléfono celular. El pronóstico del tiempo no lo dice pero el huracán Patricio estaba al caer. Entonces, el hombre que le pintó la cara a los discos de Patricio Rey y sus Redonditos de ricota y que vistió sin quererlo a generaciones ricoteras, tuvo que poner manos y cerebro a la obra. No está escrito, pero los shows en River Plate requieren cierto marco, más allá de los estandartes que puedan aportar las bandas. El señor Ricardo Cohen - alterego del ilustrador/videasta/diseñador/docente/artista plástico/compositor-, se encargó de las proyecciones fílmicas sobre el escenario detrás de la banda, como durante el estacionamiento del Último Bondi en Racing. El Mono Cohen hizo un tajo en su agenda y busca una silla para estar cómodo. Es difícil imaginar donde está, porque borra todos los rastros: "Tengo varios refugios en el centro de La Plata, y por los alrededores. Ahora estoy en City Bell" desliza. Hombre de la logia del perfil bajo desde La Cofradía de La Flor Solar, aquella unión de preceptos hippies que chocó con la fuerza de los hermanos Beilinson, Carlos Solari y el germen de Los Redondos. De ahí le viene el nombre de Rocambole: "Era la marca de unas remeras que hacía. Aerografías, estampados. Paisajes y estrellas." Desde los '70, ha sido el biógrafo visual de La Banda de bandas. ¿Qué implica tanto tiempo juntos: libertad total o más interdependencia? "Bueno, con los Redondos nos conocemos desde hace mucho. No necesitamos explicarnos nada. Me entero de qué es lo que están haciendo ellos y empiezo a laburar. Después tenemos una reunión donde todos tiran ideas. Y en los últimos momentos me mando solo. Sus canciones son muy evocadoras y la poesía suscita muchas imágenes". Para el Último Bondi, en el que los Redondos se fueron poniendo tecnos, el ilustrador no perdió el rumbo: "La tapa puede ser algo de como Submarino Amarillo de Los Beatles... No sé, también hay mucho de Veinte mil leguas de Viaje Submarino". ¿Cómo te llevás, desde tu actividad de ilustrador, con las computadoras? Es un ítem nuevo para mi trabajo. Una herramienta a la que tuve que acudir ahora. Los tiempos cambiaron y ya no puedo ir a una editorial sin un zip o un diskette. Así y todo, me encanta. ¿Cuántos años tenés? El secreto de mi edad está oculto, enterrado en una tumba europea, cerca de Transilvania, sí. Pero me fui adaptando. "En los tiempos de las cavernas de Altamira usé el carbón, en el renacimiento, óleo, y ahora en el 2000, una Macintosh". Una Macintosh G-4, para ser más preciso: algo así como una Ferrari en el ámbito de la digitalización y el diseño. Sin edad definida, aunque maduro docente en la Universidad de Berisso, entre otros lugares donde da clases, a Rocambole lo pueden los jueguitos electrónicos: "Me impresiona mucho la estética de los videogames. Al principio eran muy cuadrados, toscos. Ahora manejan la idea de tres dimensiones. Pronto será difícil diferenciar la imagen digital de la real. La estética es fría, pero muy real. El futuro de los ilustradores va a estar signado por la estética". También aplaude al animé japonés: "El eje de la animación mundial pasa por Japón. Empezó con Meteoro y los robots como Mazinger, de movimientos muy limitados. Y lo que hacen ahora, "Akira", "Ghost in the shell", es sorprendente. Hay mucho clima, me recuerdan a algunos directores japoneses; directamente a Akira Kurosawa, la atención que le prestan a los paisajes". Y ahora vas a ser jurado en Digitalización y Arte Bizarro para el Primer Concurso Nacional de Comics. Bueno, para juzgar, parece que hay que elegir a alguien, lo cual ya es bastante difícil. Pero alguien tiene que hacerlo. Mi consejo es que exploren cada medio que tengan a mano, pero que finalmente usen el cerebro. Las máquinas ofrecen mucho, pero sólo sirven si hay una idea en la cabeza". En el mundo de Rocambole, el equilibrio entre contenido y envase nunca corrió peligro. Gulp!, casi artesanal con un aire de Jackson Pollock. Oktubre, revolucionario y con la Catedral de La Plata en llamas. Un Baión para el ojo idiota, bombardeando a los medios e incorporando un muñeco de la hija de Cohen. Luego Bang Bang estás liquidado y el homeaje a Goya, y La Mosca y la Sopa: "Un cuadro de tres metros por dos metros y pico. Collages, relieves y un gato muerto". ¿Un qué? Un gato muerto que encontré en la terraza de casa. Estaba perfectamente conservado, casi momificado. "Esto puede servir para algo", pensé en un momento y así fue". El viejo estilo sinestro Martín Correa para la revista "La Maga" (Julio del 2000) "Los Redondos son sólo una parte de mi vida, pero debo agradecer que mi obra, haya trascendido de la mano de ellos", desliza el plástico Ricardo Cohen entre anécdotas de sus tiempos en la Cofradía de la Flor Solar, del exilio y de la docencia. La vida de un artista de La Plata que supo estar en el momento justo, en el lugar indicado. Ricardo "Mono" Cohen, Rocambole, tiene su arte dando vueltas por las ciudades. Su arte viaja en remeras, va en mochilas, vive en pañuelos, flamea en banderas rojas y negras, y todavía convive con la nostalgia y la sortija de la calesita que una vez decoró. Rocambole es el responsable de la estética de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, pero también es un sobreviviente de aquellos beatniks de los sesenta, de las comunidades que le huían a lo establecido y armaban cofradías con el objetivo de elucubrar cómo cambiar el mundo. Ricardo "Mono" Cohen, Rocambole, vive en La Plata. Ahí pinta, ahí enseña lo que le fue escondido en sus tiempos, ahí se queda con su arte antigalerías. Amante de todas las técnicas, exploró por todos los rincones que pudo, y en eso anda todos sus días. Siempre llegando. ¿Cómo vive Rocambole? Por un camino indirecto, creo que he llegado a disfrutar de una ancianidad confortable. A lo largo de todos estos años he hecho una cuantas cosas, pero recién ahora me doy cuenta. En general, la mayor parte del tiempo lo he pasado deslumbrándome con cuanta cosa me aparecía. Pocas veces le he dado el tiempo necesario a una técnica. Veo el aerógrafo y quiero laburar con aerógrafo. Veo la tinta aguada y quiero hacer con tinta aguada. Las técnicas siempre me estuvieron deslumbrando. ¿Cuándo nace el artista? No me recuerdo sin dibujar. No sé si hay una cuestión genética o es algo que te señala en la vida, pero yo siempre supe que lo que tenía que hacer era dibujar. Y tampoco el hecho de dibujar "para algo", es decir "voy a ser famoso", o "voy a ganar guita". Es una manera de entender el mundo. Si al mundo no lo dibujo, no lo entiendo. Debo tener un tipo de cerebro que es visual: te están explicando algo o estás hablando por teléfono y te encontrás haciendo unos garabatos que te ayudan a entender lo que está pasando. Es una manera de ver el mundo y entenderlo. Hay algunos que eligen entender el mundo desde lo conceptual, desde lo literario, desde lo práctico. Yo fui elegido para ver el mundo de una manera gráfica. ¿Nunca otros caminos? Es que siempre traté de ganarme el peso con el pincel o el lápiz en la mano. Esquivando algunos bultos he podido hacerlo desde chico. En una época pinté colectivos, y hasta una calesita. 0 la decoración de un parque de diversiones de La Plata, los letreros del Tren Fantasma. Después aprendí a admirar a Goya, que fue un maestro total de toda la vida, o a James Ensor, a Schielle, y a muchos otros que intentaba copiar desesperadamente. Todo ese cóctel fue dando finalmente lo que uno hace. Bizarro Mundo Hay quienes ubican a Rocambole dentro de lo caracterizado como bizarro. Tal vez tengan razón. Es cierto que sus figuras no lucen felices ni ostentan sonrisas fáciles. ¿Qué despierta ser considerado un artista bizarro? El término bizarro es un neobarbarismo, porque bizarro para el idioma castellano significa heroico, valiente. Pero el término cambió. Fue a partir de Superman, donde el Mundo Bizarro era totalmente torcido, de ángulos agudos, con extraños duendes. Para el mundo de la historieta, el término bizarro denota imágenes un poco duras, fuera de las imágenes amables. Yo lo uso en esa lógica. De mis imágenes, algunos han dicho que es el viejo estilo siniestro. Busco imágenes efectistas, contundentes, oscuras, nada de buenaventura. Más bien dramáticas, quizás exageradamente dramáticas. Por ahí unos dicen "expresionistas", pero el expresionismo era un poco más profundo que lo que yo hago, porque no apelaba a los efectos. Comunidad La Cofradía de la Flor Solar fue el refugio de varias mentes ardientes. En una casa liberada se juntaban unos cuantos compañeros de Bellas Artes de La Plata. Música, libros, pintura, escultura, artesanía, ideas. ¿Cómo decidieron fundar La Cofradía? Fue cuando vino el golpe de Onganía. Yo paralelamente estaba vinculado al Centro de Estudiantes, y habíamos ganado las elecciones con una agrupación independiente que gritaba los slogans del Mayo Francés. Pero se hizo un poco irrespirable la situación en la Facultad de Bellas Artes, y fue ahí cuando emigré con alrededor de 15 o 20 estudiantes. Ése es el origen de La Cofradía de la Flor Solar. Nos fuimos a vivir a una casa todos juntos, y organizamos un comedor universitario. Queríamos hacer una universidad paralela, dar clases con los profesores que habían sido echados por el régimen de facto. Pero se fue diluyendo, porque se hizo más importante la parte que se dedicaba a la música. Cuando se terminó La Cofradía empecé mi viaje por la artesanía. Para el año 67, 68, iniciamos la "Artesanía urbana" que acá duró bastante en las plazas, en las ferias. Éramos amigos de Los Picacobres, los iniciadores en la Galería del Este de toda esa historia del metal repujado. También Marlon Vilella, un personaje muy conocido de aquella beat generation argentina. El nos inició en el repujado del cuero. Fundamos ferias, como la de Mar del Plata, la de La Plata, la de Plaza San Martín en Buenos Aires, Fuimos esos artesanos que la policía corría todo el tiempo. La Diáspora Cuando volvió la democracia -con Cámpora, en el 73- la policía tuvo que parar un poco. Pero se sabe: la primavera no duró. ¿Era un buen momento, 1973? Sí. Algunos amigos que habían quedado en Bellas Artes me dijeron: "Vení que ahora está todo bárbaro, terminá la carrera, no seas boludo". Entonces fui, y completé toda la cursada. Como andaba bien en dibujo me nombraron ayudante, y cuando me tocaba tomar el cargo, en marzo del 76, había unos señores con borceguíes, perros y uniformes en la puerta. Tenían una lista con mi nombre, y no me dejaron pasar. Entonces yo recordé a mis amigos que estaban en Brasil, y me dije que era saludable hacerles una visita. ¿En qué parte de Brasil fue el exilio? En San Pablo... Las playas tipo Buzios me aburren... a mí me gustan la ciudades densas, con arrabales, con smog... Es que el arte bizarro se da con las ciudades densas. Ahí vi que había fuerte arte, y decidí buscar laburo por ese lado. Llevé unas muestras de las cosas que hacía, e inmediatamente conseguí laburo en un estudio gráfico. Allí se hacían, casualmente, gráficas para rock. Y empecé haciendo afiches para Rita Lee, y después terminé haciéndole una tapa... la del disco que traía Lanzaperfume. Rita Lee tenía una vida similar a la de ustedes en la Argentina... ¡Os Mutantes, claro! ¡Yo era admirador! Fue un grupo paradigmático, un grupo avanzado para su época. En el 69 teníamos al disco de Os Mutantes en un altar. ¿Había relación con ella? Si venía al estudio, regalaba las entradas. Recuerdo que para esa época la metieron en cana en su propia casa. Arresto domiciliario por fumar porro. Todos se van La Cofradía vagó por el mundo. El grueso se había ido a Europa, porque uno se ganó la lotería, el primer premio, y compró pasajes para todos: Pinchevsky, Morsi, Cubero, entre otros. En Inglaterra entablaron relación con el sello Virgin, Más tarde fueron a Francia y grabaron con Miguel Abuelo. Pisaron España, Marruecos, y volvieron ya como Punch junto a Miguel Cantilo. El periplo de La Cofradía fue Baires-Londres-Amsterdam-París-Ibiza-Marruecos y nuevamente Ibiza. ¿Se carteaban en aquella época, seguían en contacto? Siempre. Los de La Cofradía seguimos hoy en día en contacto total. Nosotros decirnos que La Cofradía nunca se separó, porque no era una pastilla que se disolvía. Algunos ya murieron -algunos incluso en su ley- como Hugo Pascua, que murió a flechazos en el Amazonas. ¿A flechazos? El siempre quiso ser indio, y tenía el aspecto. Se fue a Brasil, hacía artesanías, y una vez volvió a la Feria de San Pablo vestido de indio, vendiendo arcos y flechas. Se había emparejado con una india, con la que tuvo un hijo. No sé qué transa tuvo con los indios - se portó mal parece - y lo encontraron acribillado a flechazos. Pero al nene lo encontraron bien, y ahora vive en La Plata con su abuela. Vos lo ves y es un pibe posmo. Deuda Docente Se acercaba el siguiente intento primaveral, el del 83, y los que iban a intervenir en la abandonada Facultad de Bellas Artes eran los viejos amigos de los viejos tiempos. Y así fue que Rocambole llegó a otro lado más. ¿Cómo surgió la vocación docente? Surgió porque a mí me costó mucho investigar en las técnicas, A mí nadie me decía nada. Aquel que sabía una cosa se la guardaba. Tenías que investigar, observar, robar, buscar mil fuentes. Todo ese esfuerzo a mí me signó. Me dije que cuando yo pudiera, esto lo iba a regalar. La docencia me permite expresar toda la cosa que para mal o para bien aprendí, para que a algún otro le pueda servir. Así desarrollé la técnica de la aerografía, de la acuarela, del óleo acrílico, y en un momento dado vi las posibilidades de la computadora, que en realidad no me es demasiado deslumbrante, porque lo asimilo a lo que es el collage. Lo que pasa es que todo eso se hace fácilmente con una pantalla y una serie de botones y de ratones. Y a aquellos que leímos ciencia ficción desde adolescentes no nos es tan misterioso, porque suponíamos que todas esas cosas iban a existir. Están los artistas más puristas, que reniegan de la computadora... Lo que pasa es que siempre que aparece algo nuevo hay un miedo. ¿No será superior? ¿No será que yo he vivido al pedo y que todo lo que he aprendido no me sirve para nada? Pero te metés y ves que las cosas tienen las mismas dificultades. El día que me digan que se inventó una máquina para dar ideas, ahí voy a sacarme el sombrero y renunciaré. Los Redondos En el 77 empezaron Los Lozanazos, primeros shows de Los Redondos. Skay Beillinson, la guitarra, siempre estaba formando grupos. Rocambole le hacía la parte de los afiches, los volantes. Fue el mítico origen de Patricio Rey. ¿Cómo se dio esta sociedad artística con Los Redondos? Con mi amigo Paúl habíamos puesto una industria de remeras trabajadas con sopletes, y nos fue bárbaro. Hacíamos pilas de remeras aerografiadas. Ellos estaban tocando y pensaron en un circo para el escenario. Nos pidieron también la ropa de las chicas que iban a bailar. Inmediatamente hicimos una mallas con estrellas, unos disfraces de Superman, un delirio. El show de River va a ser diferente, pasaron los años.. En River es todo absolutamente virtual. Y no les digo más nada porque Los Redondos no son nada más que algo de toda la historia de mi vida, una fracción de todos mis trabajos. Sin embargo trascendiste públicamente de la mano de la banda... Yo debo agradecer mucho. Tengo dos cuestiones: una, que a mí me une fundamental y profundamente una amistad con Skay y con la Negra Poli, y estamos más allá de lo que pueda explicarse. Yo a Poli la siento profundamente en el corazón, y a Skay lo siento profundamente por una admiración que tengo por su música. Con Skay prácticamente no nos comunicamos hablando, porque él no es un personaje de hablar. Pero cuando yo escucho la música de Skay me siento invadido por una sensación notable de vastedad. Soy un fanático de Skay. Y con respecto al Indio, admiro profundamente su ingenio y su lírica. Me resulta absolutamente asombrosa su capacidad de poder producir una extraña asociación entre las palabras, extraña asociación que a mí me golpea. Además nos une la amistad, y la amistad -según me he dado cuenta ahora que disfruto de una vejez confortable- es lo más importante. Yo agradezco como un pedo del destino haber participado de la estela de Los Redondos, porque ha difundido mi obra. ¿Y que más puede pedir un artista -o más bien alguien que practica el fenómeno artístico- que su obra la vea la mayor cantidad posible de personas? ¿Qué más? "Soy un consumidor de imagenes" Marcelo Crespo y Germán Gómez para el diario "La Capital" de Rosario (9 de Julio de 2000) Ricardo Cohen, El ilustrador de los discos de Los Redonditos de Ricota define su estética entre la plástica y el comic. El Bar de las Artes, en la ciudad de La Plata, no dice nada, es chiquito y su frente de vidrio que da a Plaza Rocha se confunde con los de otros boliches. Pero ese detalle lo distingue: queda a metros de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata, y al final de cada cursada alumnos y profesores se congregan en él. Y Ricardo Cohen, docente de esa facultad, también: "Siempre vengo acá a tomar el desayuno del mediodía", dice Rocambole a los cronistas. A fines de los 60 cursó en esa facultad. Y todavía le quedan resabios del espíritu de la época: no es amante del arte de galería, ni de las exposiciones; aprecia los medios de reproducción masiva, todos. "Prácticamente mi vida está signada por la reproducción gráfica. Es lo que consumo, lo que vivo, lo que más me gusta", dice Rocambole. "Entonces para mí, no sé si llamarla obra de arte o qué, pero para mí una imagen tiene que ser reproducida. La veo consolidada cuando está reproducida; incluso, yo no valoro mucho mis propios bocetos o los originales, por ahí los guardo como recuerdo y eso, pero me parece que la cosa se termina cuando está impresa". Rocambole es un plástico particular: goza de cierta presencia entre los jóvenes, y su obra, o mejor dicho, sus dibujos circulan por miles: remeras, pósters, banderas, calcomanías y otros productos. Sucede que este cincuentón, de aire tranquilo, calvo y de una entrecana y estudiada barba, es el responsable del diseño de arte de las tapas de los discos de la banda de culto más masiva de la historia del rock argentino: Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Pero no sólo es ilustrador, también ha probado con el celuloide. Rocambole guarda un tesoro que miles de pibes desearían ver: una película en la que actúan los Redondos. "Hice un mediometraje con ellos, que no se ve pero que está, lo tengo", dice Cohen. Y la pregunta se dispara sola: ¿Por qué no lo muestran? "Lo que pasa es que ellos no quieren, pero todo el material que se guarda es porque algún día vamos a hacer, a lo mejor, una cosa más vasta. Además hice uno que se llama "Olor a tigre", en el '89: son dos recitales de los Redondos y todo lo que pasa adentro, en los vestuarios, con el público. El Indio todavía tenía bigote". El sueño del pibe Para definirse, el Mono Cohen parafrasea a Borges: "Más que un realizador de imagen, soy más bien un buen consumidor de imagen: en todos los lugares que he vivido los tapo de revistas de imágenes, de diseño, fotografía, reproducciones de arte...". En algunos de sus trabajos más reproducidos, se nota; inclusive en sus murales deja ver donde abreva estéticamente. "Yo fui formado desde chico por las historietas. Amé las historietas, amé las imágenes, las revistas. Desde chico leía historieta, coleccionaba revistas". Rocambole nunca perdió su interés por ese género. "Para más o menos el año '79, '80, empecé a ver que en Francia había una publicación que era Los humanoides asociados, un grupo de artistas donde estaba Moebius y otros que le estaban dando un color nuevo a la historieta. Entonces me fasciné con eso y fui a buscar a Quique Peñas, el que hizo los dibujos de los videoclips de los Redondos, y le dije: vamos a hacer una revista. Empezamos a planificarla, le pusimos un nombre: se iba a llamar Garage, en homenaje a una historieta de Moebius, El garage de Jerry Cornelius, y empezamos a hacer algunas cosas pero no llegamos a terminarla. Es un sueño de pibe tener una revista de historieta". Lo que algunos llaman dictadura de mercado se interpone entre el sueño y el artista: "Hace rato que perdí esa fantasía de ganar plata con algo", se resigna. "Vislumbrarlo como negocio es imposible. La historieta acá, en la Argentina, desapareció; murió con la revista Fierro". Como en casi en todos los ámbitos de la actividad humana, hay un elemento que siempre escasea para llevar adelante proyectos. A Rocambole no le sobra. Dice: "Fundamentalmente tiempo. Y otra cosa, tampoco puedo dejar de hacer cosas de trabajo porque yo no soy una persona rica, si bien por ejemplo trabajar con los Redondos es relativamente lucrativo, trabajás una vez por año o quizá una vez cada dos años". Mural-man Pasó desapercibido. Pero ese gran hombre que con un lápiz rompía unas gruesas cadenas en el afiche que promocionaba en diarios y revistas los conciertos de los Redondos en River, continúa estoico a metros de la estación de Gonnet, cerca de La Plata. "A ese personaje le decía mural-man. Es un dibujo nuevo del mismo personaje que está rompiendo una cadena. Era lo que se me había ocurrido como alegoría sobre la libertad de escribir, o la libertad de prensa", dice el ilustrador. La libre expresión: esa había sido la consigna de la municipalidad de La Plata, que conjuntamente con la facultad de Bellas Artes, decidió encarar la realización de una serie de murales y así recuperar algunas paredes de la ciudad. "Era una pared que estaba toda pintada con carteles políticos, la mayoría eran del intendente. Así que, digamos que para saldar una deuda con el barrio, (el intendente Julio) Alak dijo que sería bueno que hubiera un mural. Yo andaba cerca de la municipalidad por un proyecto que estaba haciendo de restauración y me dijeron si quería hacerlo". Pasaron esos históricos conciertos, y los músicos ya tienen el próximo disco cocinado. Como siempre, Rocambole está preparando la tapa: "Tengo varias ideas. Las ideas ahora giran muy presionadas porque al principio yo hacía las tapas tipo un divertimento", dice el dibujante. "Empecé a colaborar como colaboraban todos los amigos de acá de La Plata, cada cual con su talento para hacer de ese circo algo atractivo. Entonces, me divertía muchísimo diseñando o haciendo cosas lo más loco posible y cuando llegó el momento de grabar también, porque dijeron ahora tenés que hacer la tapa para un disco. Bueno, fantástico. Para Oktubre todavía era bastante divertido, después se transformó en una especie de trabajo, y en la obligación de hacer otra que sea mejor. Tiene que ser mejor es la orden". Y es esa tapa, "Oktubre", la que más le gusta. "Sí, es la que más me gusta por el resultado", dice él. "Para mí es la mejor, por el hecho que ahí se reunían elementos que hacen a la pieza de diseño: una estética adecuada que representaba perfectamente la cosa y además se adecuaba a los medios técnicos con que iba a ser reproducida. Era justo la pieza clásica de diseño. Encima el público adoptó mucho esa estética, la amaron los pibes. Es como que está resuelta, es una cosa redonda". La docencia La historia es conocida: cuando el Onganiato hizo sentir sus bastonazos en la Universidad, el aire se volvió irrespirable. Rocambole se fue de Bellas Artes, y junto a otros compañeros fundó la mítica comunidad "La cofradía de la Flor Solar", en cuyo disco el dibujante debutó como ilustrador. Ya recibido, en 1984 volvió a la Universidad. Y se metió de lleno. "Antes cuando era chico me interesaba por los docentes", dice Cohen. "Aquel tipo que pudiera decirme algo que me interesaba, yo lo amaba y corría detrás de él a hincharle las bolas, y nunca me olvidé de eso, así cuando pude dar algún detalle que pudiera servir a alguien me pareció fantástico". Ahora él está frente a una cátedra. Y por más que lo esquive, para muchos de sus alumnos no es un profesor más. Es casi un rito y se repite días antes de cada recital de los Redondos. Una frase suena constantemente: "Profesor... me firma la entrada". Y es lógico: dado el hermetismo que rodea al grupo, Rocambole es el más expuesto del entorno ricotero. Aparte de la aureola heredada del mítico grupo, el profesor Rocambole tiene destellos propios, rompe con algunos escrúpulos inmovilizantes. Dice: "Cuando veo algo que me fascina quiero ver cómo se hace. Y la única manera de aprender cómo se hace es agarrar y copiarlo. Tratar de hacerlo igual..."; y aconseja: "Yo creo que una de las mejores formas de aprender es esa: agarrar y practicar cosas que han hecho otros y uno quiere hacer". Rocambole y los discos Revista Rock.Ar - Año 1 - Número 1 Detrás del trío sostén de la banda, existe un grupo de gente que colabora estrechamente en diversos aspectos relacionados a la banda. Ricardo "El Mono" Cohen, Rocambole, es el encargado de la imagen redonda desde el origen del grupo y es el responsable de los discos, afiches callejeros y las escenografías de cada misa ricotera. En este especial, Rocambole cuenta el significado de las imágenes que adornan las tapas de los álbumes de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Rocambole cuenta los secretos por detrás de las tapas de Patricio rey y sus redonditos de ricota. Gulp! "Era el debut y había que presentar a la banda: la tapa tenía que tener impacto. Yo venía trabajando en ilustraciones de rock desde que estaba en la Cofradía. La producción fue muy artesanal porque ése era nuestro modo de vida: vendíamos remeras, cosas de cuero. Yo en esa época estaba haciendo experiencias con chorreaduras abstractas que, además, eran fáciles de reproducir: pasamos un rodillo con tinta de grabado y aplicamos serigrafía con las letras en plasticola de color. No me acuerdo cuántos hicimos: estuvimos una semana armando las tapas, eran brigadas de trabajo, un término que se coló de la izquierda cubana." Curiosidad: los originales eran fluorescentes y las letras tenían textura. Oktubre "Es una tapa más conceptual. Las ideas salieron de una noche de fernet: el Indio veía banderas, multitudes.Primero iba a ser todo rojo y negro, pero cuando lo fui haciendo más abstracto le agregué el gris. La tipografía parece soviética al estar invertida una letra. En el reverso se ve la catedral de La Plata en llamas: un símbolo revolucionario. Me resulta raro ver mis obras en remeras y tatuajes: la gente se apropió de cosas como el puño y la cadena, hechas en 15 minutos para un aviso. En Palladium personifiqué a Patricio Rey con un viejo óptico." Curiosidad: el Che Guevara que se ve a la derecha, en el boceto estaba más grande y nítido. Un baión para el ojo idiota "Son referencias al título: estaba el televisor pero no se me ocurría una imagen de la idiotez. Hasta que un día encontré una instalación hecha por mi hija: era un muñeco con collares, antifaz, chupete. Después le agregué el perro, que es una constante de la literatura solariana. El grupo se hizo más popular y mis obras empezaron a reproducirse: prefiero que estén en la calle que en un museo. A mí siempre me interesó más el arte de las historietas que el de las muestras a las que va un montón de gente a tomar vino y charlar." Dato: en el sobre aparecen las fotos de los Redondos en un "antiidentikit". ¡Bang! ¡Bang!... Estás liquidado "Es un homenaje a Goya y su obra los fusilamientos del 3 de mayo, pero con un ejército de la Cruz Roja. En una biografía había leído que Goya vio los fusilamientos por la ventana y me pareció una imagen muy potente. Quise agregarle una persiana americana pero remitía a una música más fashion. En la reedición agregué otro cuadro mío: ahí se ve a un tipo matando de un tiro a otro con pinta de marino. Siempre me costó entender por qué durante la Dictadura ningún padre calentón se tomó venganza de su hijo desaparecido y toda la lucha descansó en la figura maternal." Curiosidad: en el CD se reveló una incógnita. El tipo de la correa lleva un perro con cabeza de pistola. La mosa y la sopa "Es una pintura mía. Hacía rato que tenía guardado un gato momificado que había encontrado así en un techo. En ese tiempo Enrique Symns era gran amigo de la banda y decidí poner cerdos y peces por la revista donde colaboraba el Indio. Estaba también lo de los jubilados comiendo gatos en plaza Lavalle. Entonces incrusté al gato. En esa época ya había abogados diciéndome que podía hacer juicio por las reproducciones: nunca me interesó porque en otros tiempos nosotros nos ganamos la vida reproduciendo cosas sin autorización." Curiosidad: incluye "Fusilados por la Cruz Roja", que inspiró la tapa anterior. Lobo Suelto-Cordero Atado "Son todas aerografías gigantes creadas en relación a los textos evocando los personajes de las letras. Yo me encargué del álbum más oscuro. Además, había muchas ganas de mostrar el trabajo de Semilla Bucciarelli, que es tan músico como artista plástico. Yo siempré fui admirador de la época de las grandes tapas del rock, de los primeros setenta, algunas hechas por el artista Lucas Gatti. Pero siempre consideré que el peor ilustrador es aquel cuyo trabajo toma más valor que la obra para la que trabaja." Curiosidad: las tipografías corresponden a un alfabeto creado por el bajista Semilla Bucciarelli. Luzbelito "Intenté evocar los viejos álbumes de música clásica, esas colecciones con lomo de cuero. El muñeco que se ve en la tapa fue una de mis primeras experiencias trabajando con volumen, está hecho con arcilla e inspirado en la foto de un negro esclavo. La idea original era que sea un holograma, pero desistimos por las dificultades de fabricación. Ahí empezamos a trabajar con computadoras: no tiene sentido que me ponga en una posición rebelde, sería estéril. Aprender a usar computadoras es un largo proceso. Por eso me rodeé de chicos que tienen la chispa cibernética." Curiosidad: el Luzbelito de la tapa fue robado en una exposición Último bondi a Finesterre "Es la llegada de la revolución tecnológica. Los filmé en video, los metí en una computadora y los convertí en muñequitos animados digitales con un programa de 3D. Con eso hice el videoclip que se vio en los shows de Racing Club. Originalmente iba a ser una caja metálica que se abría como una navaja. El relieve que tiene está tomado de la caja del whisky Chivas Regal. El final no es muy alegre porque hay un tipo metido en su realidad virtual mientras alrededor hay una tragedia." Curiosidad: es la primera vez que se vio a Los Redonditos de Ricota en la tapa de un disco: aunque no son ellos sino sus clones digitales. Momo Sampler "El concepto del arte del disco es la impostura de la impostura, por eso el Momo Sampler. El disco está hecho en goma y metal, y de la tapa puede desprenderse el medallón, que para construirlo tuvimos que armar una fundición en La Plata y trabajó mucha gente. El momo pesa 38 gramos y posee un número. El rostro de Momo representa el rostro de cualquiera, porque en el carnaval de nuestras vidas podemos desempeñar el papel que las circunstancias nos indiquen." Curiosidad: el medallón del Momo se desprende de la tapa y puede colgarse a modo de escapulario, cerca del corazón. De Goya a Momo Sampler Guillermo del Zotto para el Suplemento El Subsuelo, Diario Popular (Domingo 8 de julio de 2001) Considera que lo que le pasó con Los Redondos es un epifenómeno, algo que nunca hubiera esperado. Pero le alegra estar en las remeras y saber que siempre hay posibilidad de dar "una vuelta más", nombre con el que define a la revolución. Rocambole, un artista en cuya expresión conviven Goya, el rock y el arte digital. Rocambole: Tan cerca y tan lejos del fenómeno redondo: "Revolucion es evolucion" Cuando en abril del 2000 el Indio Solari dijo: "No fué tan efímero" y heló el alma de miles de ricoteros en River, amenazando con el último recital, evidenció algo que entre los hacedores del fenómeno redondo se viene hablando desde hace tiempo. Según Rocambole, el artista plástico de la cofradía ricotera, muchas veces se preguntaron "¿hasta cuando?" y se plantearon varias veces la posibilidad de pasar a algo nuevo. "A todos nos sorprendió- dijo Ricardo Cohen, que es quién se esconde bajo el seudónimo Rocambole- que algunas de las cosas que hacíamos como movida cultural se hayan transformado en el fenómeno que hoy significan los Redondos. Para nosotros es quizás más sorprendente que para la gente que está afuera. De ninguna manera, jamás, se pensó que esto iba a pasar." Y sobre todo tanta permanencia... Claro, también eso. Hace ya muchos años que hemos hablado y nos venimos preguntando: "¿hasta cuando va a durar esto?". Esto ya tendría que haber terminado, tendríamos que empezar a pensar en otra cosa. Pero la cosa sigue y sigue, y por un lado es una alegría que todo se mantenga y dé la posibilidad de realizar cosas que a todos nos gusta hacer desde los primeros tiempos. El fenómeno no estaba calculado. ¿Ustedes se fueron aggiornando al ritmo de la popularidad o solamente son representativos por una coincidencia mágica con el sentir de tantos? En lo que a mí respecta, no podría detectar un aggiornamiento, porque siempre estoy haciendo lo que se me ocurre, sin estar pensando que sea más nuevo o que esté más adelante o atrás. Es más, a veces me he definido como nada de posmoderno, sino como un preantiguo. En general las formas que utilizo para el dibujo y la gráfica son más bien tradicionales. Quizás sean un poco contundentes o provocativas las imágenes, pero tampoco es algo que trastorne a la plástica o esté en alguna vanguardia. Yo me defino como dibujante y me gustan las imágenes hereditarias de la historieta, que es algo que amé desde chico y lo sigo haciendo hoy. ¿Cuáles son los maestros universales admirados? Soy un ferviente admirador de Goya, de la pintura española sobre todo, el Greco y Velázquez. Y más en general de algunos expresionistas alemanes o algunos contemporáneos ingleses como Francis Bacon. Pero también admiro la obra de dibujantes y pintores argentinos, a la que considero en un nivel mundial; entre ella a la de Carlos Alonso, que para mí es como un faro. Alguien que también hoy está teniendo su repercusión hoy con su muestra en Bariloche. Creo que él es verdaderamente un trabajador de las imágenes, no tiene mucho tiempo para andar promoviendo sus obras. El que realiza una obra importante, es más bien un hombre de taller. Y Carlos Alonso es un hombre de taller que se refugia en su estudio en Córdoba y por ahí pasan años sin salir afuera. A veces sale para alguna muestra, pero no es alguien que necesite buscar promoción. ¿Este trabajo de "orgullosa soledad", como decía Arlt, es también leit motiv de su actividad? Sí. Y repito que esto de estar en las remeras de los chicos es un epifenómeno para mí. Una consecuencia inesperada. Hay en una de sus obras una característica que podría llamarse "el grito Rocambole". ¿Cuál sería el sentido de esa boca abierta, ese desgarro? Quizás es una influencia que está en mi inconsciente. Fijate que hay una obra expresionista muy importante que es justamente "El Grito", de Edward Mung. Pero no pretendo explicar mucho a nivel del lenguaje de las obras, porque si lo lograra de esa manera no estaría dibujando o pintando. Verbalmente no soy muy claro, prefiero por eso usar el mundo de las imágenes en el que me siento más cómodo. No sé si podría definir exactamente lo que dibujo o pinto porque mi visión es la del que está cerca de una cosa. Al estar yo contiguo conmigo mismo, se me hace muy difícil observarme o explicarme. Prefiero entonces que lo hagan los demás. Muchas veces me he encontrado con interpretaciones que han hecho los chicos y en realidad las he encontrado mucho más ricas que las que a mí se me habrían ocurrido. Pero convengamos en que así como hay obras que susurran, estas evidentemente gritan... Quizás yo apelo como recurso al contraste, como efecto. Entonces, por ahí puede ser que se siente como un sonido más fuerte. S

El arte de Rocambole "Donde se está bien y hay libertad, ahí esta la patria" Pulga Pavlovich para la revista electrónica "Lado B" (http://ladob.8m.net) City Bell es una localidad - no sé si hay que llamarla ciudad o qué - cercana a La Plata. Debo decir que no es el lugar más recomendable para estar a la deriva un sábado si llueve. Es más que difícil encontrar un bar o un lugar donde sentarse a tomar algo. Allí visitamos a Ricardo " Mono" Cohen, más conocido como Rocambole, por ser el ilustrados y artista plástico de Patricio rey y sus Redonditos de Ricota. En esta primera parte bucearemos por los comienzos artísticos del Mono y como se fue llegando a La Cofradía de la Flor Solar. No sólo las artes plásticas le quedan bien. Las papas fritas que hizo para acompañar el pollo estaban más que buenas. Mientras sonaba Oconnor, empezamos a charlar y se me ocurrió encender el grabador. La conversación venía en torno a la versión que hizo Oconnor de "Eleonor Rigby" y el video que a él le gustaría hacer con ella. LadoB... ¿Cómo te lo imaginás al video? Hay unas olas negras de contaminación... que se van llevando a toda la gente. LadoB... Me habías contado que estabas laburando en un video... Sí. estoy haciendo un video para unos músicos de La Plata. LadoB... ¿De qué va la cosa? Digamos, un demo, una música con una letra que habla de todo el proceso de la Argentina, es como muy actual, como imágenes de una película, que se repite, la historia de la Argentina es como una película... Tengo unas imágenes donde aparece una película de guerra, las Malvinas, una película de la mafia Todo aparece en fotogramas que se repiten. LadoB... Ahora que hablábamos de películas, me acuerdo que hacías alusión, del libreto de Tango Feroz, que daba una visión de los años sesenta, que no correspondía con la versión que vos viviste, ¿cómo es esa versión? La que yo viví es una versión de los sesenta muy provinciana. Ahora parece que cuando pensás en los sesenta todo era el Di Tella, pero en realidad a su alrededor existía como una especie de desierto cultural. Y había mucho provincialismo, en el sentido que había muy poca comunicación con el exterior. Por otra parte había una condición de los argentinos muy provinciana y atrasada en cuanto a sus propias relaciones, su prestigio, yo creo que todavía se vivía como en la década de los cuarenta, una década donde en la argentina parecía que faltaban todavía muchas mujeres. Fue esa época donde trajeron las mujeres de Varsovia y de París, porque aquí era un país de hombres, entonces al ser un país de hombres era todo muy pajerizado, y bueno... en los sesenta seguía esa pajerización. Todavía los jóvenes iban a un baile donde estaban las familias sentadas en las mesas mirando y vigilando a las chicas, con quién iban a bailar y en el escenario había siempre una orquesta típica porque no podía zafarse del desastre: alguna orquesta de tango y después una orquesta mediocre que hacía temas internacionales (se llamaba "Característica". Ese era el panorama que tenían los jóvenes, que para encontrar pareja tenían que ir a estos bailes, donde bailaban una música que no les interesaba. A nadie le interesaba el tango en esa época, por el contrario todos lo detestaban, el tango era la imagen de la paja, y creo que la irrupción del rock, cuando de repente lo conocemos, es una puerta que se nos abre para poder hacer mierda ese tango que nos hinchaba las pelotas y nos aplastaba. En ese momento el tango, para los jóvenes de mi época era el símbolo de la opresión y de la pajerización, nos contaban historias de machos tristes, jodidos, una vida que a nosotros no nos interesaba en lo absoluto. Entonces, no había nada que nos representara, de hecho a mi la música no me interesaba, si iba a algunos de esos bailes era porque quería conocer a alguna chica... La gente se vincula al arte de diferentes maneras. Hay gente que se siente tocada a determinada edad y otra parece nacer con ello. El Mono es de estos últimos, con un entorno que no lo favorecía mucho. A pesar de eso y sin sorprenderse por las cosas que se le fueron dando, llegó a ser el artista plástico que seguramente más reproducido en el sur de América: sus obras están en un incalculable número de remeras. LadoB... ¿Cómo fueron tus primeros vínculos con el arte en general? Yo creo que los primeros vínculos que una persona hace con el arte son a nivel sensible. O sea, forman parte de la historia personal. Creo que soy parte de una familia que por su posición socioeconómica o algo así, no tenía nada que ver con el arte. Creo que este hecho sucede a menudo, de repente nace un chico o una chica, alguien sensible dentro de un ambiente poco sensible. Fue arduo, como la vida de todo sensible, no estaba en el lugar que me tocaba, pero lo tuve que hacer... o sea, te tenés que construir tu geografía. Obviamente, como muchas personas vinculadas a ese territorio, yo me consideraba in marciano, no tuve nada que ver con mi familia a ese respecto. Hay muchos fenómenos parecidos... Cuando me aficioné a la lectura, creciendo en mi propia historia, me doy cuenta de repente que por un pedo del destino, un pedo genético o lo que sea, se nace en el lugar poco propicio. De hecho es así, nadie puede agarrar y generar un resentimiento con respecto a su familia ni nada por el estilo, pero si a veces comprendes que no sos parte en algún punto, y en ese sentido yo soy un caso clásico. Por ejemplo, no tengo un antecedente artístico ni nada por el estilo, y lo tuve que hacer, construirlo palmo a palmo, rechazando a lo mejor constantemente todas las cosas que se me proponían de momento. Además te digo que creo que hay una aristocracia con respecto a esto, hay personas que son aristócratas en otro sentido, que no es la aristocracia de la cuna, si no es la aristocracia de la sensibilidad... Vos no sos parte de tu entorno y de repente buscas tu entorno y a lo largo de tu vida lo logras encontrar. Muchas veces digo ya es bastante para el hijo de Don Paco (Don Paco es mi viejo) las cosas que he echo, ya es bastante... Le pregunta a Daniela qué está mirando. Me meto y digo que ella está mirando con ojos de admiración - no, me mira raro...- dice el Mono y Daniela, como siempre, ríe. Yo tenía tres años y ya sabía, tenía cinco años y ya sabía perfectamente a donde yo quería llegar. No se si les debe de pasar a todos, a mí me pasó de saber todo lo que me va a pasar, es como una seguridad, pero no de saber quien va a ganar las carreras o qué número va a salir, si no saber perfectamente que por ejemplo, ponele, estás en el medio de un accidente de autos, y en el instante que estás chocando vos sabes que en esa no te morís, y lo sabes, es así... Es como que hay algo que te hace saber lo que va a pasar, yo sabia perfectamente todo lo que iba a pasar conmigo en determinadas cosas. No me sorprenden las cosas que me pasan a mi, o sea, es como que esta película ya la vi, pero no del todo... LadoB...¿Cómo te fuiste integrando a esa "aristocracia de la sensibilidad"? Nunca me integre. Vamos a verlo con respecto a las artes plásticas. Yo no soy parte de las artes plásticas, yo no soy parte del circuito, no estoy integrado. Tampoco estoy integrado a la música, yo me vincule al rock por que me gustó a los trece años y de repente me hice amigo de gente que tocaba rock, al principio hice una trayectoria mas o menos lógica porque por mis gustos musicales vinculé la parte que yo hacia que era la. Esto es muy nuevo, a mí me gustaba el rock y cuando tenía trece años jamas pensé que me podía integrar al rock por el lado de la plástica. Eso imaginate que jamás lo podría haber planificado, pero yo siempre pensé que dentro del rock algún lugar tenía que tener... Esta pregunta hubo que hacerla varias veces. Nunca pensé que la respuesta podía ser tan maravillosamente larga. Esto implicó que nos fuéramos a la infancia del Mono, una infancia mágica en varios distintos. Como llegamos a "La Cofradía de la flor Solar" o "como hacer la república propia" podrían ser títulos para este bloque. LadoB... ¿Cuándo aparece La Cofradía de la Flor Solar? Desde bastante chico me gustó armar cofradías, armar magias siempre fue una cosa que me gustó. Entre los diez y los doce años hice una república, me junté con unos amigos que estabamos hartos del mundo en que vivíamos, declaramos que el mundo estaba loco, y habíamos leído de una república que existía en el Uruguay que se llamaba Parva Domus. Creo que si investigas en el Uruguay sobre la república de Parva Domus vas a encontrar cosas... Parva Domus la había armado un grupo de gente que era pancista y que era fanática de Lautremont, y bueno esta república se armo en el Uruguay al comienzo de la primera guerra mundial. Querían hacer un especie de movimiento dadaísta, viste que el dadaísmo se arma después de la primera guerra en Suiza, como el Uruguay era la "Suiza de América", parece que se juntan unas personas, unos millonarios juntan y forman Parva Domus. En un momento dado leímos en la revista Selecciones acerca de esta república. Entonces dijimos: "esta es la verdad, vamos a formar una república porque no nos bancamos el mundo". Hacemos una constitución y el primer articulo era "el resto del mundo esta loco" y el segundo: "como el resto del mundo está loco nosotros vamos a armar nuestro propio país". Y bueno, armamos una constitución, un poder ejecutivo, nos reuníamos teníamos un presidente, teníamos ministros... LadoB... ¿Cuántos eran? Éramos diez, doce pibes... Teníamos un ministro de caramelos de menta, que era el encargado de traer caramelos de menta a las reuniones. La república, siguiendo el estilo de Parva Domus, también la nombramos en latín, la nuestra se llamaba Ubi Bene (N de R: disculpad, pero no se si se escribe así). En realidad era un nombre mas largo que quería decir: "donde se está bien y hay libertad, allí está la patria". LadoB... Sorprende por la edad toda esa cantidad de información, lo de Parva Domus, el manejo del latín... Leíamos Selecciones. En esas épocas no había tanta disponibilidad de información cultural. Y Selecciones, una revista hecha por la CIA para meter una impronta cultural en Latinoamérica, era lo único cultural que teníamos para leer. Igual podía ser una lectura transformadora; ya te digo, nos dábamos cuenta de ese tipo de penetración cultural. Incluso hacíamos una revista en sátira a Selecciones, con artículos que por ejemplo se titulaban "Viva feliz con su cáncer" o " Su sordera puede ser una ventaja". Y luego, alrededor de los quince años, cuando leímos las biografías de Van Gogh, de Gaughin, decidimos hacer un movimiento artístico. Hicimos una exposición en el Colegio Nacional, que era donde íbamos... Y nos oponíamos al informalismo que estaba en boga en esa época. A nosotros nos gustaba aprender a dibujar y de repente el informalismo era desprenderse absolutamente de todo. Nosotros decíamos: "¿pero cómo? Uno lo que quiere es aprender..." y el arte que estaba en boga se desprendía de todo eso. Reaccionamos contra eso e hicimos un arte que en ese momento era tratar de dibujar bien. Yo había hecho un curso de niño en Bellas Artes y ya podía dibujar bastante... Y falta, falta mucho... La idea es dejarlos con las ganas de "seguir escuchando" al Mono, un tipo que suele hablar poco, pero cuando lo hace es más que difícil dejar de prestarle atención y siempre quedar con gusto a poco. Intentando preguntarle por la formación de La Cofradía de la Flor Solar, nos fuimos metiendo en un final de infancia - o comienzo de la adolescencia - con mucho de particular y desde ya, artístico. Así que, ya que estábamos, proseguimos en forma cronológica, disfrutando de una época que no vivimos. Y ese fue el momento en que me fui de mi casa, porque estaba todo el día ahí pintando y después ya no volvía a dormir. Mis padres no hicieron demasiado para que no fuera así, por el hecho de que ya estaba creciendo mi hermana y vivíamos en una casa pequeña... Las veces que volvía yo tenía que dormir en un sillón. LadoB... ¿Y los vínculos con los músicos cómo se fueron dando? Yo te estoy hablando de 1956, imaginate la época: recién aparece un disco de Elvis y recién se había estrenado la película "Semilla de maldad", con el primer rocanrol; y el diario "El Día" de La Plata uso la palabra "rock and roll" por primera vez, describiendo ese hecho. Todos los jóvenes se vestían de traje; hasta los once años usaban pantalones cortos y después pasaban a los largos y se vestían como los padres. En la vidriera de una casa de deportes aparece el primer vaquero como novedad, y todos los chicos lo iban a ver, algunos lo podían comprar, entre ellos yo... Y de repente empecé a comprar aquellos primeros discos - no los de vinilo, los de pasta - que tenías que comprar uno por semana, porque a cada rato se te rompían, de tanto uso. Pero el advenimiento del rock dura una temporada y se pasa a otra cosa. Nosotros nos quedamos como locos, porque nos querían vender el Calypso y desaparece el rock, totalmente... Entonces nos ponemos a investigar. Y no había mucha manera, no había mucho contacto... Pero algunas películas clase B traían rocanrol y estábamos alerta. Vamos conociendo de a poco a Chuck Berry y otras cosas. Por ahí alguien viajaba al exterior y traía cosas. Hubo una época como negra, no se conseguía casi nada... Todavía no existían los cassettes ni nada para grabar, era terrible!! Entre 1956 y 1960 no podías conseguir nada y no podías grabar tampoco, no podías hacer nada... la única luz era una radio uruguaya: la de Elías Turubich, Radio Carve. Era arduo seguir el rocanrol, era como una especie de cosa secreta, de militancia... ¿Cómo hizo este tipo para vincular su vocación y su habilidad con la música? Según él, es una cuestión de elección. Yo le creo, pero también creo que a veces no es muy fácil elegir. Estamos frente al caso de un cóctel realmente resuelto. Vos en determinado momento empezás a elegir las cosas que te gustan. A lo largo de tu vida eso va conformando una especie de cóctel, donde al final lo resolvés o no... Yo creo que al final lo resolví: a mí me gustaba la plástica, el dibujo, el rock. LadoB... ¿Los primeros músicos con los que te juntaste? El primer músico que cantó un rocanrol en la ciudad de La Plata se llamó Mario Leiman (N. De R: suponemos se escribe así). Era un amigo mío que sabía inglés - el único de nosotros - y nos introdujo en la parte de las letras del rock. Mario Leiman cantaba bastante bien y en las fiestas cantaba los rocanroles que más nos gustaban, a toda la barra. En realidad, el rock le gustó en un momento dado y la cantaba porque sabía hablar inglés, pero lo que más amó fue la música de Frank Sinatra. De hecho, en un momento dado se fue a los Estados Unidos y se hizo norteamericano, que era lo que realmente amaba. En los años 60 había como algo en el ambiente y a través de Radio Carve escuchamos los primeros temas de los Beatles (1961-62). LadoB... ¿Tus primeros vínculos con los Redondos? Yo no tengo vínculos con los Redondos, porque los Redondos es algo que les pasó a uno amigos míos, que yo los tenía hace rato. Yo no conozco a los Redondos, yo conozco a Skay, conozco a Poli, conozco al Indio... A Poli la conozco alrededor de mis quince años de la siguiente manera: yo iba al Colegio Nacional, con traje, corbata y todo eso... Nos íbamos a tomar café a la París, caminando por la calle 49; salíamos de 1 y 49 - donde quedaba el Colegio Nacional - y por la 49 llegábamos a la París, donde tomábamos café de traje y corbata. En una de esas vemos afuera unas motos y me resultó raro ver una chica en una moto - no estaba manejándola tampoco - sentada atrás, eso ya era raro... En algún momento yo fui al baño (o algo así) y así, me encontré con ella, algo nos dijimos... Ya te digo, yo de traje y ella media desarrapada (risas varias). Creo hasta tenía campera de cuero ella. Y no sé bien qué nos dijimos, pero no había mucha amistad en ese momento. Después, más tarde y en otros bares, cuando yo iba, ella me saludaba y comenzamos a hablar y hablar... y así empezamos a ser amigos. Y ya que pregunté por los Redondos, vamos a afilar el escarbadientes y que comiencen las presentaciones: Mono, Skay... Skay, Mono... Pero debo reconocer mi error y mi tontera. No era momento de preguntar por Skay. Cuando te estoy hablando de esto, Skay estaba en un moisés, qué se yo... (rosas varias) Tendría seis años, nada más... A Skay lo conozco en la ya armada Cofradía. LadoB... Que todavía no me contaste cómo se armó. La Cofradía de arma a partir de la Facultad de Bellas Artes, que era Escuela en ese momento (N. De R. Digamos que es algo similar a lo que hoy sucede en Montevideo). En 1964 ingreso a la Facultad de Bellas Artes, después de haber pasado algunos años en la Facultad de Humanidades, donde había empezado a estudiar Psicología... Decido estudiar artes plásticas y me meto en la Escuela Superior de Bellas Artes. Allí conozco un montón de gente impresionante... En 1967 entre todos esos amigos armamos una agrupación y peleamos las elecciones del Centro de Estudiantes, y ganamos. Ganamos siendo una agrupación independiente que peleaba contra las agrupaciones que estaban más o menos organizadas por los partidos políticos. El PC en ese momento estaba muy fuerte y también el peronismo de la resistencia. Justo en ese momento se produce el golpe militar de Onganía y se disuelve en Centro y toda esa mano... Y se nos tornó difícil la existencia. Por eso agarramos y decidimos irnos en masa; tratando de formar una especie de escuela paralela. En realidad, lo que queríamos era una universidad paralela, no andábamos con chiquitas. Empezamos a armar un comedor, porque también habían cerrado el Comedor Universitario y lo armamos en el Sindicato de Correos, que nos ofreció el lugar. Y empezamos a darle de comer a unos doscientos y pico de estudiantes... Por lo menos a los de Bellas Artes empezamos a conseguirle la comida. Y todo ese hecho de trabajo conjunto nos hizo decir "vamos a alquilar una casa y vamos a vivir todos juntos" y lo hicimos. Se van dando circunstancias que lo transformaron en una especie de comunidad. Vuelve el Uruguay a tener relevancia en esta historia, porque nosotros nos basamos en unas carpetas que habíamos conseguido de una comunidad que existía en Uruguay: la Comunidad del Sur, cosa que también tendrías que investigar. Era una comunidad anarquista y creo que de allí surgen los tupamaros. En esas carpetas había como fórmulas de cosas: ante tal situación, haga tal cosa... Esa carpeta era como la luz para nosotros. LadoB... ¿Cuántos vivieron en esa casa? Fue variando, por ahí eran quince, por ahí llegaban a ser veinte. Y tenía las alternativas de convivencia que se pueden tener en esas circunstancias, las peleas de limpieza, por situaciones sentimentales, etc... La subsistencia estaba basada en los trabajos de artesanía y en cualquier tipo de organización: decoración de boliches y todas cosas así. En un momento dado, estaba la Cofradía en La Plata; hacíamos recitales y todas esas cosas... y caen, recién llegados de Europa con unos formidables equipos, los hermanos Beilinson. Arman un grupo y vienen como con la idea de evangelizar a La Plata. Y se produce un shock, porque en La Plata ya estaba existiendo una movida. LadoB... Tu primer trabajo que tuviera que ver con lo musical, ¿cuál fue? Seguramente habrán sido las ilustraciones para bailes de Colegio, que se remontan a la prehistoria. Su primer laburo discográfico fue para el disco debut de La Cofradía de la Flor Solar, realmente un laburo entre amigos (¿podríamos decir concubinos?) La Cofradía graba un disco y entre Kubero y yo hacemos las tapas, el interior y lo demás. Después del primer disco de Pedro y Pablo, hay una historia donde Miguel viene y me dice que quiere que le haga una tapa. Hago una tapa terrible basada en el tema "Apremios ilegales". Miguel se lleva el original de la tapa, pero no se lo dejan hacer y queda el que tiene las caras de los integrantes. Luego hubo varias situaciones musicales que no se concretaron del todo. En 1972 se disuelve la Cofradía, también por cuestiones de represión. Me quedo en Mar del Plata y me dedico a la artesanía hasta 1975, que me voy a Brasil. En el 76 me radico un año allá y laburo en un estudio de diseño que se dedicaba a hacer cosas de rock y hago una tapa para Rita Lee, en la época de "Lanza perfume", afiches y toda la bola... Cuando vuelvo, pongo una empresa para hacer remeras estampadas y por allí comienzan las deformidades que dan lugar más tarde a Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. De todas formas, yo ya había hecho muchas gráficas de cosas antes de los Redondos. LadoB... Por allí se vincula el nombre de Patricio a Rey a cierto recital en Salta, te acordás cómo fue eso? Esos son mitos. Yo tenía un boliche de artesanías en La plata, en la calle 8. Le compré unas telas estampadas a un taller que tenía el hermano de Skay, Guillermo, en el cual trabajaba el Indio. Y sí, le compré muchas veces y tuve deudas con ellos, pero en ningún caso eso sirvió para el viaje a Salta o algo por el estilo. No sé de dónde sale eso... Uff!! Ha llegado el momento de las preguntas obvias. A ritmo del buen vino y el acabose de las papas fritas, con su ritmo pausado y cuidadoso en la elección de las palabras, el Mono se fue soltando y, siempre en lo que tiene que ver con lo que él hace, no rehuyó ninguna pregunta que tuviera que ver con los Redondos, cosa que explícitamente nos pasó con Sergio Dawi LadoB... La gráfica de Gulp! Uno la mira y parece ser la menos elaborada, vos pensás eso? No, para nada. Cada trabajo ha tenido su elaboración. En esos momentos, yo trabajé como un diseñador, pensando absolutamente en el destinatario de la pieza de diseño. En ese caso, lo que había que privilegiar era el nombre del grupo que no lo conocía nadie, solamente los entenados que iban a los recitales. Había que poner el disco en las bateas y que lo que llegara fuera el nombre, fue una decisión a contramano de lo que a mí me gusta hacer, que son las imágenes. Entonces, para fondo decidí usar unos pasajes de rodillo con una pintura asfáltica, las letras las hice a mano alzada con un pequeño tubito de plasticola que rellené con pintura sintética. Le agregué una sombrita para que pareciera un relieve y eso fue impreso después en serigrafía. Pero no fue muy espontáneo, hice como cuarenta versiones de eso. LadoB... Si te preguntan cuál es la tapa que más te ha gustado diseñar? Te diría que siempre me lo preguntan (risas varias por la originalidad). Y siempre contesto lo mismo: Oktubre es la pieza diseño en la cual con lo menos se hizo lo más. Y de hecho, es la que más han adoptado las bandas, en las remeras, en los tatuajes... Como la impresión había que hacerla en serigrafía, había que usar pocos colores y la imagen tenía que ser muy sintética. Y la estética que daba para ello era la estética soviética, por el hecho de que encima el disco era un homenaje a las revoluciones. En tres colores, solucionamos la cuestión. Se eligió el nombre Oktubre por ser un mes revolucionario y a mí no me bastaba. Entonces, decidí dar vuelta la "k" para darle un tono más soviético aún. LadoB... Una de las cosas que a mí más me sorprendió fue el diseño del Último bondi... Es una antítesis. Es como una cosa que te recuerda un poco a los libros para niños donde con una serie de recortes se armaba una página. Tiene un poco de eso: lo artesanal del recorte. Por ahí solamente las ideas de plástica dan como para una imagen moderna de videogame. El hecho del desarme que tiene es también bastante artesanal. LadoB... ¿Cómo evaluás el hecho de ser uno de los artistas más populares por estar en tantas remeras, por ejemplo? No lo evalúo. Me parece que todo lo que esté pegado a la saga de los Redondos va a ser muy popular. Es muy difícil determinar cuánto hay de cada cosa; cómo despegar el hecho de las imágenes con respecto a los Redondos? Esa pregunta me parece de lo más pertinente para cerrar esta segunda parte. Pero miren que, si bien se han acabado las papas fritas y ya no queda mucho vino, la cosa sigue y en forma por demás interesante: el Rocambole docente, cuál es su momento artístico actual y unas tres preguntas finales sobre los Redondos. Un poco más de suspenso... ¿le romperá las pelotas hablar de los Redondos? LadoB... ¿Cómo es el Rocambole docente? Yo trato de ser lo más claro posible. Mi situación es la de llegar a clarificar, no a inmolar todo en una especie de discurso enigmático... más bien tiendo a la práctica. Siendo docente de dibujo no busco tanto el modo discursivo, sino el modo práctico de la cosa. Hoy mismo te decía que a mí me encantaba cuando me enseñaban a dibujar, desde lo más clásico y aburrido. Pienso que el dibujo es eso, más allá que con el dibujo se puedan lograr otro tipo de estéticas, para mí lo básico es la tradición con respecto a la enseñanza clásica del dibujo. LadoB... Hoy por hoy parece que lo que más te mueve es la animación... Por ahí no te diría que es lo que más me cuelga, pero es una cosa que tenía pendiente desde que era chico, fue una cosa que me gustó siempre. Por ahí por algún tipo de intuición, nos pusimos a trabajar justo a tiempo en algo que está ahora en la cresta de la ola. La animación siempre me gustó, pero han sido las últimas posibilidades a nivel digital lo que me ha permitido hacerlas, pero en otros tiempos para hacer una animación tenías que tener un Tío Rico. Eran cosas inalcanzables apara mí... y ahora con una computadora lo puedo hacer. Me pasa bastante seguido que cuando aviso que voy a hacer las dos últimas preguntas, comienzan a aparecer en mi cabeza varias más. Por tanto, la del estribo termina convirtiéndose en todo un rato más... Y, temiéndome un “sí” rotundo como respuesta, trasladé mi incógnita acerca de si le jodía que le preguntaran por los Redondos. En las notas siempre terminan preguntándote sobre los Redondos, aunque yo les advierto al comenzar que de los Redondos no les voy a decir nada: ninguna anécdota ni nada. Y que no me pregunten del Indio qué come ni qué hace y qué sé yo... Bueno, después de eso, empiezan a ver por donde pueden sacar algo de línea: “¿cómo hacen cuando tenés que hacer una tapa?, ¿te reunís, qué hacen...? Y así... Pero siempre digo lo mismo también: siempre dibujé y hubiera dibujado en cualquier situación, porque es lo que a mí me mueve; y el hecho de que algunos amigos míos – que los conocí en cualquier circunstancia, como lo que te conté de la Negra Poli o de Skay – se hayan transformado en un fenómenos como son los Redondos ha posibilitado que yo, de una manera indirecta, pueda exponer mis cosas de una manera impensada. Y cualquier realizador gráfico lo que más quiere es que sus cosas se vean. Entonces, ¿lo programé yo? ¿habré hecho yo las cosas para que mi obra se difunda o mi obra se difundió por un pedo del destino? No sabemos, pero de todas maneras agradezco estas circunstancias. LadoB... En los créditos de los discos siempre figura Rocambole. Te considerás parte, como un redondo más? Yo no me considero nada... yo soy amigo de Skay, soy amigo de Poli; me convocaron como me convocaban antes de los Redondos para hacer otras cosas. No sé bien qué son los redondos. Quizás, si vos me hubieras preguntado a mí qué nombre le vamos a poner a este grupo, ni en pedo le hubiera Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota porque me parece un nombre horrible. No sé, yo he intervenido en lo que he podido, que son las cosas que he hecho. Más allá de eso, la música de Skay me gusta mucho – no habría hecho lo que hice si no me hubiera gustado -, la poesía del Indio me pareció siempre sensacional, su voz metida dentro de eso me pareció siempre impecable... Pero no sé, a lo mejor como un redondo más hubiese dicho: no, los Redonditos de ricota no, así no!! (risas varias aquí) Y así se cerró esta nota/conversación, charlando de esas cosas que no suele hablar en demasía, ya que – y todos los ricoteros lo saben – Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota es una banda que tiene voceros y líderes claros: el Indio, Skay y Poli. Pero más allá de ese detalle en la vida de Rocambole, Ricardo Cohen o el Mono simplemente, importaba su visión del arte y también de la vida; visión de un tipo que estuvo inserto en la movida cultural rocanrolera desde que esta misma comenzó en el Río de la Plata. "Los chicos creen que las obras son mas de ellos que mias" (La Plata) El autor de Luzbelito, la escultura que había sido robada hace 9 años y fue recientemente recuperada por la Policía, contó que varias veces sufrió intentos de robo de sus obras. Además, consideró al hecho un "secuestro". "Me enteré porque llegué a la Facultad y alguien me mostró el diario". Ricardo Cohen, más conocido como "Rocambole", amaneció con la noticia, tan inesperada como grata, del hallazgo de Luzbelito, la escultura que le habían robado en 1996, durante una exposición que realizaba en el Pasaje Dardo Rocha. Rocambole, que se desempeña actualmente como vicedecano de la Facultad de Bellas Artes de La Plata, y fue el encargado de la gráfica de los discos de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, contó ayer a Trama Urbana que la cabeza del diablo Luzbelito, realizada en arcilla roja y de unos 30 centímetros de alto, fue creada el mismo año en que desapareció. Sobre el episodio, Cohen denunció que las autoridades del museo "no se hicieron cargo", lo que determinó que el artista decidiera no realizar "nunca más una muestra individual en La Plata". "Sentí lo que siente cualquier persona cuando es despojada de algo que le pertenece", recordó, aclarando que su único deseo es que sus obras lo acompañen, porque prefiere que sean expuestas a la vista de todos antes de que estén guardadas en una casa. Sin embargo, Rocambole consideró que más allá de que en el museo fallaron las medidas de seguridad, los intentos de sustracción de sus dibujos y esculturas se han repetido en la mayoría de las exposiciones. "Los chicos creen que las obras son más de ellos que mías, y tienen razón", aseveró, con una cuota de humor. Contó que durante una muestra que realizaba en Florencio Varela dos adolescentes fueron interceptados por la policía cuando se retiraban llevando unos dibujos de su autoría. Y en otra oportunidad, durante una exposición en la provincia de Mendoza, desapareció otra de sus obras, aunque en ese caso el "ladrón" la devolvió un día después. En cuanto al robo de Luzbelito, el artista no cree que haya sido un impulso de un fanático suyo o de los Redondos, sino más bien de un "secuestro", ya que tras el hecho recibió varias llamadas extorsivas pidiéndole dinero como rescate. Claro que Rocambole nunca accedió a dialogar con los "captores": "Los mandaba al diablo", contó. El artista platense se presentó en la comisaría Cuarta, que realizó el procedimiento que permitió recuperarla, y confirmó que en realidad se trataba de su escultura realizada para el disco de Los Redondos (Luzbelito, 1996). Sobre el significado de esta obra, Rocambole aseguró que tiene muy pocas esculturas: "Por eso le tengo mucho cariño". Y agregó: "No es que uno hace pinturas o esculturas a granel para vender, sino que las hago cuando quiero expresar algo". Cohen admitió que siempre confió en recuperar la estatuilla robada, convencido de que cualquiera que la tuviera iba a conservarla bien. "Tarde o temprano el largo brazo de la ley llega a su objetivo", remató. El artista mantuvo a Luzbelito un rato entre sus manos, la reconoció como propia y los policías volvieron a colocarla en una caja, ya que la denuncia de la sustracción fue realizada por la Dirección de Cultura, que ahora deberá entregársela al autor. Como un símbolo, Rocambole dejó entrever que tal vez ese acto ponga fin a la larga disputa y sus obras vuelvan a exponerse en La Plata. Luzbelito y el esclavo, las historias de los iconos ricoteros Germán Escobar para el http://www.diariohoy.net (28 de Mayo de 2006) A uno lo secuestraron y el otro desapareció. El de Oktubre nació de apuro, para ilustrar un aviso. Después se convirtió en una de las imágenes más difundidas del país. Pero su creador, que es el actual vicedecano de la Facultad de Bellas Artes, no vio "ni un peso". De todos modos, dice que no piensa entablar demandas porque alguna vez él también estampó remeras "sin pedirle permiso a nadie". El original se perdió para siempre. A Luzbelito, en cambio, está a punto de recuperarlo. Luzbelito sabe que su destino es de soledad, ve también que los demás se dan cuenta de la risa que le da... (Beilinson - Solari) Luzbelito y las sirenas encabezó, allá por los años 90, el disco con el que Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota construyó uno de los grandes capítulos de su apasionante historia socio-musical. Aquel trabajo, sólido por donde se lo aborde, conmovió con un himno (Juguetes perdidos), agitó con un clásico (Mariposa pontiac) y sorprendió con un novedoso arte de tapa cuyo protagonista central terminó escribiendo su propia aventura. Luzbelito, la escultura, nació de las manos e inspiración de Rocambole; animó una muestra en la que fue secuestrado; luego lo rescataron y ahora, como bien dice su letra, está inmerso en la más profunda de las soledades. Restan un par de minutos para el mediodía y La Plata, ciudad en la que nació la mítica banda de rock, comienza a reeditar su agotadora rutina de calles superpobladas. Adentro, en la Facultad de Bellas Artes, hay afiches que se pisan entre sí, un par de esculturas que esperan ser restauradas y una agradable melodía que proviene de algún salón, allá a lo lejos. El vicedecano -Rocambole, el Mono Cohen o como se lo quiera llamar- está en su oficina del primer piso. Atiende el teléfono, escucha a una estudiante que golpea la puerta en busca de un cambio de horario, y se entrega a una charla larga y distendida, que transcurrirá por la vida de dos de sus más afamadas creaciones: Luzbelito y, por supuesto, el Esclavo de Oktubre. Soledad Luzbelito no nació a partir de la letra terminada, sino que se fue gestando con ella. Skay (Beilinson), el Indio (Solari) y el artista se reunieron en interminables veladas para narrar la historia, compartir la poesía y confrontar pareceres, hasta que cayó en la cuenta de que esta vez el volumen reemplazaría al dibujo. Primero lo asoció con el dolor de un esclavo encadenado, al que alguna vez había visto en un libro; después imaginó la forma que le daría y, cuando dejaba fluir su inspiración, se vio obligado a acelerar el proceso porque los músicos habían terminado de grabar y comenzaban a ponerse ansiosos. Decidido, se encerró en el taller, amasó el barro rojo y al cabo de dos o tres horas salió con el primero de los Luzbelitos terminado. Sí, el primero, porque en realidad fueron dos: el que habita en el interior del disco, y el que fue a parar a la tapa. El de la tapa no le gustó, y lo deshizo después de tomar las fotos con las que compuso la imagen. Al otro, en cambio, lo cobijó bajo su ala y ese mismo año lo expuso en el Pasaje Dardo Rocha, donde fue secuestrado. "No sé si es un demonio o un condenado. En todo caso, que cada uno le dé la interpretación que quiera, como se hace con las letras...", resume el escultor. Durante el tiempo en que el pobre muñeco -de unos 30 centímetros de alto y 9 kilogramos de peso- estuvo cautivo, su dueño recibió varios mails; para ser precisos, al menos uno por año. "Tengo a Luzbelito, cuánto pensás pagar" y "Sé dónde está..." son dos de los que recuerda sin necesidad de forzar la memoria. Cree que algunos eran truchos, y otros quizás no; de todos modos, nunca estuvo dispuesto a radicar la denuncia, ni a pagar el rescate que recién se produciría en noviembre de 2005. Fue cuando una causa penal que nada tenía que ver con el secuestro, llevó a la policía a allanar el departamento en el que lo habían escondido (adentro de una caja y en compañía de los recortes periodísticos que hablaban sobre el delito). Pasaron nueve años hasta que el artista volvió a tenerlo entre sus manos. Aquel fue un encuentro emotivo, pero efímero; entre otras cosas porque tras el reconocimiento lo volvieron a guardar en la comisaría, desde donde -y por su condición de prueba- fue a parar al despacho de un juez. Cohen asegura que ahora está solo pero bien guardado en una bóveda de seguridad, en la que espera por su liberación y el reencuentro final que está a poco de producirse. El más famoso Oktubre es más viejo que Luzbelito. Nació a mediados de los ‘80 y, entre otras genialidades, incluye Jijiji, tema al que es muy fácil considerar como la obra cumbre del rock nacional. La placa está asociada al dibujo de un Esclavo que levanta las cadenas y, fronteras adentro, está casi tan difundido como la clásica imagen del Che. Acompaña a las banderas en las canchas de fútbol, ilustra las tapas de las carpetas escolares, se roba el protagonismo de las remeras, adorna las mochilas, mancha las paredes y se torna recurrente en materia de tatuajes corporales. Es, podría decirse, la cara misma de la recordada banda rockera. "Si te cuento cómo nació no me lo vas a creer", desafía entusiasmado. El disco ya estaba en la calle cuando lo llamaron de apuro para decirle que tenía un par de horas para ilustrar el aviso, que al día siguiente saldría publicado en la Capital Federal. Sin tiempo para el titubeo, Rocambole se cruzó al kiosco, compró un marcador negro, líquido corrector y enfiló para la casa de Skay, donde le dio la forma que pudo. "Lo hice a las apuradas, sin mayor dedicación", y aunque por pudor no quiera decirlo, le salió redondo. Es más, asegura que no sería el mismo si le hubieran dado el tiempo que realmente necesitaba para hacer el trabajo. Pero aquel dibujo terminó ilustrando al CD que se editó más adelante. "Me inspiré en el Himno nacional Oid el ruido de rotas cadenas, y le puse la impronta heroica del grito de libertad". Con el tiempo apareció en todos lados y le hizo ganar dinero a infinidad de personas, entre las que no se encuentra su creador. "Nunca vi un mango, ni me interesa verlo. De última, me quedo con la emoción de verlo en las remeras, y con la certeza de que ya no es mío, sino de la gente (...) Cuando me preguntan si pienso hacerle juicio a los comerciantes, respondo que no sería honesto de mi parte; sobre todo porque allá lejos en el tiempo, yo mismo me las rebusqué estampando (en remeras) imágenes de Yes y de los Stones, sin pedirle permiso a nadie. En todo caso, les agradezco que me sigan haciendo publicidad". Entre orgulloso y conmovido, Rocambole suspira y cuenta. "La otra vez, buceando en internet, me encontré con una página que mostraba una serie de imágenes pintadas en las paredes de Canadá, y entre las seleccionadas estaba la de este Esclavo. ¿Qué sentí? Una emoción muy grande, como la que experimenté cuando iba en el Falcon y me pasó un auto, de esos modernos, con la calcomanía de ese al que le decís muñeco en la luneta trasera. No te miento, pero creí que me saludaba" mientras se lo iba devorando la distancia. Lo llamativo es que, tal como ocurrió con Luzbelito, el artista perdió contacto con el original; sólo que aquella vez fue para siempre. Lo entregó para que realizaran la promoción y jamás lo volvió a ver. Es muy probable que lo hayan tirado, sin sospechar lo que la música y la plástica serían capaces de hacer en tan perfecta armonía. En todo caso, será el propio Luzbelito el que pueda consolarlo cuando regrese a sus brazos. Le dirá que "Verte feliz no es nada, es todo lo que hacemos por ti". Gente eso es todo, espero que les haya gustado.

Muchas veces nos llaman la atención las portadas de discos, ya sea por su originalidad, por chocantes o por su aparente incoherencia, pero los artistas la mayoría de veces eligen una portada por un motivo. Es el caso del disco del grupo británico Muse, "Black Holes & Revelations", un disco con un profundo significado detrás. A continuación mi hermano Cellsius os explicará los detalles de esta portada. "Por que a veces lo simple es lo mas complejo." Podria ser la frase que resumiría todo lo relacionado con el que fuese el último disco de estudio hasta la fecha publicado por la banda británica "Muse", Black holes & Revelations. Ya de por si mucha gente considera este grupo como muy especial, por su virtuosismo, por sus líricas cargadas de denuncias sociales y paranoias varias, por sus excelentes directos y reinventarse a cada disco que publican. Con BH&R, dieron un paso mas allá, explotando otra faceta, la de los mensajes subliminales, esos que no ves a simple vista, pero que están ahi. Y la portada del disco BH&R es una de las mayores muestras conceptuales sobre los mensajes ocultos que podemos encontrar en estos dias. Un mensaje duro que golpea brutalmente a nuestra sociedad, pero que no son muchos los que estan capacitados para verlo, por ello hoy, quiero transmitiroslo. Que veis en esta portada? 4 tios sentados alrededor de una mesa en un desierto? Eso es lo simple, lo que muchos pensaran, lo que muchos no entenderan. La realidad es otra. Para comenzar a descifrar el acertijo, hay que empezar por el título del disco, Black Holes & Revelations, y quedarnos con una de las palabras, "Revelations". Quien piense que su significado es "Revelaciones" estará cometiendo el primer fallo. No significa "revelaciones", sino "Apocalipsis". En la biblia, el apocalipsis es el último libro, y en ingles, recibe el nombre de "Book of revelations". Tenemos la primera pieza. Lo que mas recuerda la gente sobre el apocalipsis son sus 4 caballeros, y mirad por donde, aparecen 4 personas sentadas en la mesa. Casualidad? No, pero vamos a relacionar a los caballeros con algo del disco. La única relación posible esta en la última canción del disco, "Knights of Cydonia" (Caballeros de Cydonia). La palabra caballeros está ahi, pero como relacionarla con esos hombres de la portada? Pasamos a la siguiente palabra clave, "Cydonia". Cydonia en vista aerea No muchos sabrán que es Cydonia, pero con google seguro que lo descubris. De todos modos os lo digo, Cydonia es una region del planeta Marte. Concretamente una region donde se descubrieron lo que se llamaria "Las caras de marte", una serie de estructuras donde aparecian con forma de caras, lo que suscitaba a teorias sobre civilizaciones antiguas en marte. Que pinta marte en todo esto? Bueno, volvamos a la portada antes de que nos estalle la cabeza. Vamos a hacer un juego, mirad la portada durante medio minuto, intentad buscar la relacion con Marte, y sinó, mirad la respuesta en el siguiente párrafo. Lo habeis encontrado? Exacto. La clave está en 2 detalles. La primera, el color rojizo de la tierra, como la de marte. Pero como esto puede pensar la gente que tambien hay zonas de la tierra con el color del suelo muy rojizo, vamos al segundo detalle: La propia tierra y la luna aparecen en la parte alta de la imagen. Tierra rojiza y la tierra en el fondo, esta claro que es marte. Concretamente Cydonia, en referencia a Knights of Cydonia, y esta misma habla de unos caballeros en Cydonia, 4 exactamente son los que aparecen en la portada, 4 al igual que el libro del apocalipsis, que tiene su referencia en el titulo del disco. Conclusión, todo esta conectado, el titulo del disco, de la última canción, y la imagen la corrobora. Pero esto no es todo por que, que clase de mensaje hacia nuestra sociedad es recrear a los 4 jinetes del apocalipsis en medio de marte? Ahora viene la segunda parte, la de la chicha, la del puñetazo en la cara para todos nosotros. Como podeis observar, cada jinete tiene un traje distinto, uno dorado, otro con espejos, otro con ojos dibujados, y otros con simbolos religiosos de todas las religiones. El significado es directo, los trajes simbolizan a 4 problemas de nuestra sociedad actual, y digo problemas por que si estan simbolizados en los jinetes del apocalipsis, esta claro que no los estan pintando como cosas buenas. En las propias palabras del lider de Muse, Matthew Bellamy, cada traje representa uno de los 4 males de la humanidad actualmente. Y esos males son estos: El dinero y los ricos, representado por el traje dorado; el gobierno esta representado por el traje con ojos, metáfora de que "el gobierno todo lo ve y lo controla"; los simbolos religiosos son referencia clara a la religión. Y por último el traje de espejos, imitando a unos paneles solares, son los recursos naturales, aunque mas bien sería la explotación de estos. Recreación 3D de la "cara" de Cydonia. Curiosamente, en la mesa vereis que hay unos caballos pequeñitos, en lo que Dominic Howard, bateria de Muse, explico que es una metáfora que viene a decir que los jinetes del apocalipsis que se simbolizan en la imagen del disco, han dejado pequeños los pecados de sus propios caballos, por eso aparecen pequeños, estos 4 han superado en maldad a los corceles, que en el libro del apocalipsis, simbolizaban al anticristo, la guerra, el hambre y la muerte. Tambien esta el detalle de que solo se ven 3, a lo que pensareis que es una errata pero no, el 4º caballo está en esa imagen, ahora os la comentaré. Vamos a centrarnos en otro aspecto de esta imagen, las miradas de los jinetes. Si, tambien cuenta la mirada. Observadlos fijamente. Veis como por ejemplo el jinete dorado que representa la clase alta y el dinero, mira al gobierno fijamente, y da la espalda a la religión, que la mira fijamente, una referencia de como la alta sociedad intenta contar con el apoyo del gobierno, o incluso formar parte de él, tambien la conexión que aparentemente hay entre ellos (aunque el gobierno no devuelve la mirada, pues tiene algo que le preocupa mas), mientras que los ricos han olvidado y renunciado a cualquier conexión con la religión. También fijaos de que el brazo derecho del hombre con el traje dorado, esta sobre la mesa, en dirección al hombre de espejos que representa los recursos naturales. Signo de que los ricos intentan sacar tajada de los recursos naturales, para enriquecerse mas. Esto se puede ver en nuestra actual sociedad con el caso de los jeques de paises árabes, que se enriquecen explotando el petroleo, materia prima codiciada por las sociedades desarrolladas. El gobierno en cambio mira fijamente a el hombre de espejos, los recursos naturales, alusión del control que quiere tener el gobierno sobre estos y su explotación. También el hecho de que esté de espaldas es un signo de que el gobierno no muestra a la sociedad sus verdaderas intenciones, su verdadera realidad; solo nos enseñan su presencia, y lo que quieren que veamos, sus ojos que nos vigilan. El hombre que representa la religión mira fijamente al dinero, clara descripción de como la religión a lo largo de la historia a usado esto para enriquecerse. Pero ademas este hombre tiene unos tapa ojos (o como se llamen) que simboliza la misma ceguera que provoca la fe en las personas. Por cierto, el tapa ojos de caballos es la referencia al 4º corcel desaparecido. Por último los recursos naturales, miran fijamente al gobierno, conscientes todos de que estan siendo sobreexplotados. La mirada la explicaré al final del todo. Es fascinante todo lo que se puede sacar de esta simple imagen, pero no acaba la cosa aqui. Algo tenia que representar la tierra en la imagen, además de decirnos que estan en marte (un lugar desolado y desértico, otra simbologia de como quedará nuestro mundo si ganan estos "jinetes&quot. No es muy dificil deducir que la tierra representa a la sociedad, a todas las personas que no pertenecen a ninguno de estos 4 males, a la gente corriente. El mensaje es claro, estos 4 "jinetes" estan totalmente fuera de nuestro alcance, al igual que no podemos o es casi imposible actualmente llegar a marte, es imposible llegar a donde estan los ejes centrales que controlan estos 4 males. Pero por otro lado, al igual que la tierra que vemos en la imagén, cada dia vemos a los 4 "jinetes" actuar, vemos los movimientos del gobierno, la sobreexplotación de recursos, sin poder evitarlo, la religión en el dia a dia de millones de personas, y el dinero de los acomodados actuar. Los vemos ahí pero son casi innalcanzables para nosotros, estan muy lejos de nosotros, casi tanto como de la tierra a marte. Como coletilla final a la portada del disco, una referencia con otra de las canciones del disco: City of Delusion. Pero esta vez no es con el título, sino con la letra, concretamente 4 frases que representan a cada uno de los caballeros del apocalipsis. El primero, la religión, estaría relacionada con la frase: I will avenge and justify my reasons with your blood (“Vengaré y justificaré mis razones con tu sangre”). Es una clara alusión a las innumerables guerras, batallas y muertes que se han realizado a lo largo de la historia, en nombre de dios, actualmente lo podemos ver en "la guerra santa" que proclaman movimientos islamicos, en nombre de Alá. La religión y la fe como justificación para matar y segar vidas, una realidad como pocas. Al gobierno le corresponde la frase: I choose to hide, from your all-seeing eye (“Elijo esconderme del Ojo que todo lo ve”). Aunque mas que una frase que describa al gobierno, es una frase que describe la sociedad en su afín de evitar que el gobierno tenga el control absoluto de sus vidas. A la alta sociedad y el dinero le corresponde la frase: Do not deny, that you live and let die (“No niegues que vives y dejas morir”). Referencia clara a como la clase alta vive por todo lo alto, omitiendo y despreocupandose del resto de la sociedad, sin importar si estos viven o mueren, indiferencia total. Por último los recursos naturales, le corresponde esta frase: You’ll not rest and settle for less, until you squander what’s left (“No descansarás ni te calmarás hasta que derroches lo que queda”). Una frase que describiría la situación de los recursos naturales frente a los gobiernos, el inminente agotamiento de las reservas de petroleo, la deforestacion y desertizacion, la extinción de especies de animales... Hubo una teoria en la que la representacion del hombre de espejos se cambiaba de los recursos naturales por los medios de comunicación, por eso de que los espejos serian una metáfora de que los medios de comunicación "reflejan" a los otros, pero solo la fachada, el exterior, siendo manipulada y controlada por el gobierno, quien la mira fijamente. Pero si habeis llegado hasta aqui, vereis que aunque no es mala teoria, no casa del todo, sobretodo con la frase de City of delusion. Definitivamente, el hombre de espejos es la explotacion natural. Dejé para el final lo que significaba la mirada final del hombre de espejos que representa a los recursos naturales. Como vereis, los 4 jinetes estan sentados de manera que parece que esten hechando una partida de poker, y los recursos naturales, miran fijamente al gobierno. Esto significa que el gobierno es el siguiente en jugar carta en este juego maldito (de hecho, no se le ve las manos en la imagen, pero se le ven los codos flexionados, apoyando los brazos en la mesa, como cuando juegas a las cartas) , y que el hombre de espejos depende de esa jugada, de si el gobierno quiere finalizar la partida, ayudando a los recursos naturales, o en cambio, quiere el gobierno continuar con este juego, un juego que dejaria a nuestro planeta tan muerto y tan desertico como las rojizas tierras de cydonia Fuente: http://blogs.gamefilia.com/xxxrakuexxx/17-06-2009/23737/portada-black-holes-revelations-de-muse-un-mensaje-oculto

link: http://www.youtube.com/watch?v=ASMUcHElHlI&feature=related

¡Hola taringueros! Hoy les dejo un archivo de opinión que me pasaron y me interesó mucho. Habla sobre lo falsa que resulta para ellos la democracia. Creo que no es necesario agregar demasiado más, ya que el texto es explicativo. Sólo quiero aclarar que los comentarios con intención de crear forobardo serán eliminados. Espero que les interese. La cultura occidental ha embanderado la democracia como máxima manifestación del humanismo y la conciencia política; pese a toda la noble ideología que la envuelve, la democracia difícilmente existe, es sobre todo una fachada debajo de la cual se perpetúa un régimen plutocrático. La cultura occidental celebra la democracia como una especie de bien universal, canto político al humanismo y bandera del progreso de la civilización. Si existe un sistema democrático en un país, se nos dice, este debe der abrazado (y protegido) por la comunidad internacional. Por los ideales de la democracia —secular espiritualidad— es válido y honroso morir: una guerra tiene sustento humano solo si está maquinada para proteger estos ilustres ideales. Más allá de los nobles principios de la democracia que se originan en la cultura griega —patria ideológica de Occidente—, este sistema político, en la práctica, casi como el comunismo, es utópico. La historia muestra que la mayoría de las llamadas democracias son en realidad fachadas de plutocracias y oligarquías que logran ocupar el poder con relativa facilidad justamente porque son capaces de promover la idea de la democracia. De los griegos también obtenemos el arte de la retórica y de la demagogia, que actualmente se transforman en la propaganda y el marketing y los cuales, aunados al poder de sugestión de los medios de comunicación, constituyen la parafernalia con la cual se construye la ilusión de que vivimos en una democracia. Traducido: "Dos alas del mismo pájaro... Vote todo lo que quiera, el plan de vuelo no cambiará." Escribiendo para Al-Jazeera el profesor de Yale, John Stoehr, se pregunta si la democracia es solo una ilusión. Stoehr recupera la teoría marxista para explicar el capitalismo en tiempo del libre mercado y del llamado 1% contra el que se manifiesta el movimiento de Occupy Wall Street. Y es que si el modelo antiguo de la democracia proviene de los brillantes filósofos y políticos griegos, en la actualidad la democracia que vivimos parte del capitalismo y de sus difusos promotores —que disuelven fronteras entre academia, gobierno y empresas. Por supuesto este modelo tiene su punta de lanza global en Estados Unidos, el país que ha mezcaldo indisolublemente el american dream y el star system con la democracia —y por lo tanto ha mezclado un sistema económico basado en el libre mercado (y en el consumo) con un sistema político que supuestamente permite la autodeliberación de la mayoría. Es un cliché, pero la manifestacion de esta democracia se da, sobre todo, como la posibilidad de elegir qué producto comprar o qué programa de TV sintonizar. Marx y Engels hicieron una observación básica: en cualquier periodo de la historia las ideas que las personas consideran generalmente como las mejores y las importantes son usualmente las ideas de las personas en el poder: las ideas dominantes de cada época son las ideas de la clase dominante. Esto es así fundamentalmente porque la clase dominante cuenta con los medios para promover sus ideas —medios a través de los cuales pueden promover estas ideas y estilo de vida sin que parezca que están promoviendo sus propias ideas y sacando ventaja de lo mismo (estos medios son los medios de comunicación masiva y también la misma clase política que, aceitada por el cabildeo, sirve para promover las ideas de la clase dominante con la que en ocasiones se interpenetra). En Estados Unidos el neoliberalismo —responsable, en palabras del mismo Alan Greenspan, de la crisis inmobiliaria— ha evitado ser discutido a fondo como sistema económico justamente porque supone que todos los ciudadanos son libres de conseguir su sueño y que cualquiera puede alzarse y obtener la riqueza prometida. Esto evita que se debata seriamente la redistribución de la riqueza. Se cree en teoría que, puesto que se vive en la democracia, las reglas (y las posibilidades) son iguales para todos. Uno de los ejemplos más notorios con los que se sesga la democracia hacia la plutocracia en Estados Unidos es a través de los Comités de Acción Política (PACs por sus siglas en inglés). Bajo decisión de la Suprema Corte de Justicia estos comités no están sujetos a las leyes financieras de campaña. Los PACs no representan formalmente a ningún candidato y por lo tanto tienen la libertad de expresar su visión política —y su dinero— de la misma forma que se protege en la Constitución la libre expresión. En teoría esta es una norma que favorece la igualdad. Un ciudadano puede gastar su dienro para promover o atacar cualquier asunto político que desee. Pero, como apunta John Stoehr, Estados Unidos no es una sociedad igualitaria. Un buen ejemplo de esto es la elección del candidato republicano a la presidencia. Los PACs pueden recaudar cantidades ilimitadas de dinero siempre y cuando no apoyen o se opongan explícitamente a un candidato. Pero según el Center for Responsive Politics, solo en el 2012 han recaudado 130 millones de dólares y gastado más de 75 millones de dólares en publicidad. De este total el 25% proviene de solo 5 personas. El candidato republicano que se perfila a representar a su partido en la elección presidencial, Mitt Romney, en los últimos dos meeses ha contado con 37 millones de dólares que el comité de acción política Restore the Future ha gastado para apoyar su campaña. Aunque este dinero supuestamente no es un apoyo directo a la candidatura de Romney, es evidente no solo que este dinero se está empleando para favorecerlo, sino que es la clave de su ventaja, especialmente porque Romney no conecta con las bases duras del Partido. Si bien en otros países existen leyes que supuestamente garantizan el proceso democrático, también es cierto que la mayoría de ellos —si no en todos— existen mecanismos para que el poder económico influya en una elección y pueda colocar a un candidato. En México, por ejemplo, tenemos el caso de una televisora propulsando a un candidato, casi como si fuera su agencia de comunicación personal, desde años antes de que este iniciara el proceso para obtener la candidatura de su partido. Esta ventaja es difícil de librar —incluso si por otro lado se cuenta con el aparato del Estado impulsando a su propio candidato. Hay veces que los recursos de la iniciativa privada son mayores que los del gobierno y en todo caso se da una pelea entre dos facciones que son representativas de la mayoría. Para concluir queremos hacer referencia a un estudio realizado por el investigador Iain Couzin de la Universidad de Princeton. Aplicando conocimientos de sistemas biológicos a la política, la investigación de Couzin concluyó que para que una democracia se mantenga al interior de una sociedad debe existir un número limitado pero suficiente de personas que sepan todo sobre ciertos temas y que, en consecuencia, actúen como líderes para el resto, mayoría esta que se desintegra cuando surgen numerosos puntos de vista que tiran hacia diferentes direcciones. De ahí que Couzin hable de una especie de “punto medio de la ignorancia”, un sector imprescindible de personas que impidan el derrumbe del sistema en una anarquía caótica de minorías o en la imposición de una de estas para todas las demás. El trabajo de Couzin postula la existencia necesaria de una élite informada o una élite intelectual que lidere a las “masas ignorantes” e impida la desintegración del sistema. El problema de que la democracia solo sea sustentable con la existencia de una élite es que supone que esta élite tendrá una cualidad ética suficiente para no exigir o simplemente arrebatar —como un dulce a un niño— una mayor cantidad de poder y recursos. Una clase política similar a los filósofos que propone Platón para su utopía. Lo que sucede generalmente es que esta élite descubre que tiene conocimientos o recursos para manipular a la mayoría que no cuenta con la misma información o los mismos medios para promover sus propias ideas. Y generalmente la mejor forma de orquestar esta manipulación y mantener el poder que detentan es difundir la idea de que todos pueden acceder a ese poder —ellos están ahí solamente temporalmente, en virtud de la voluntad del pueblo y la libertad que brinda la democracia. Esta es la democracia que vivimos: la realidad se convierte en simulacro. Para terminar algunas frase célebres sobre la democracia, que tanto nos entusiasma pero que tan pocos resultados entrega: “Democracia es una superstición muy difundida, un abuso de la estadística”, Jorge Luis Borges. “Si votar cambiara algo, lo harían ilegal”, Emma Goldman. “La diferencia entre una democracia y una dictadura es que en una democracia votas primero y luego recibes ordenes, en un dictadura no tienes que gastar tu tiempo votando”, Charles Bukowski. “Que no vengan a alabarnos el mérito de Egipto y de los tiranos tártaros! Estos aficionados antiguos no eran sino unos maletas petulantes en el supremo arte de hacer rendir al animal vertical su mayor esfuerzo en el currelo. No sabían, aquellos primitivos, llamar “señor” al esclavo, ni hacerle votar de vez en cuando, ni pagarle el jornal, ni, sobre todo, llevarlo a la guerra para liberarlo de sus pasiones”, Louis Ferdinand Celine. “Aquellos que votan no deciden nada, aquellos que cuentan los votos deciden todo”, Joseph Stalin. “Es inútil para las ovejas pasar una resolución a favor del vegetarianismo mientras que los lobos mantienen una opinión diferente”, William Inge. Espero que les haya interesado. Los comentarios quedan abiertos, ya que siempre es enriquecedor armar y participar en un debate. Reitero que cualquier comentario insultante o mal intencionado será borrado. ¡Si te gustó recomendá en el MI!

Lizard Puntuación: 10/10 Mejor tema: Lizard Los temas en este color son muy buenos; cuando estan sin color, normales; y cuando estan de este color son malos 01. Cirkus 02. Indoor games 03. Happy family 04. Lady of the dancing water 05. Lizard Strauss_14 dijo:Todo lo que pongo acá es totalmente subjetivo. Es imposible pedir la objetividad pura, y eso se sabe... Además, mi objetivo es dar una opinión sobre los discos y bandas. No me creo el poseedor de la verdad absoluta, ni nada por el estilo. Estoy abierto a que los demás escriban sus opiniones en los comentarios. King Crimson debía cambiar de estilo: con la muestra de The devil’s triangle en su anterior LP el futuro cambio de sonido y estilo de la banda era inevitable. Además, la concepción sus dos primeras obras eran una mina de oro invaluable. Pero esas minas de oro se agotan, y es cuando el grupo TIENE que cambiar de estilo. Igualmente es imposible que un grupo como éste se quede estancado en un solo concepto. Yendo a la formación de los músicos, Lake se decide por abandonarla, y Gordon Haskell es incorporado en el bajo y la voz. Andy Mc Cullough pasa a ser baterista en una posición muy incómoda debido a un cambio estilístico algo violento: paso de ser baterista de una banda de jazz, a tocar para Robert Fripp. Vamos a los temas. El disco empieza con Cirkus: una loca composición, llena de efectos de mellotrón, guitarras locas y baterías incansables. Las improvisaciones de Fripp en la acústica son realmente místicas, contienen una carga impresionante de demencia y crueldad. Otra cosa a destacar de este tema es el impecable solo de saxo alto. Las partes de voz de este LP son raramente destacables. No hay ninguna melodía como para decir “Dios mío, me rindo ante los pies de esta impresionante voz”. La magia y esencia del álbum se basa en su extravagante instrumentación. Para concluir con Cirkus, también se puede destacar la forma en que el tema termina: un torbellino de mellotrones, vientos y cuerdas insanas. Indoor games es un espléndido tema con brillantes bandas de vientos que suenan a un circo en que los payasos son pedófilos, los animales locos, etc. Otro gran tema. Generalmente hablando, las características de Cirkus se repiten. Nada más que aquí hay un momento de descanso, en que los fuertes mellotrones paran, y dan lugar a un gran despliegue de catastróficos y agonizantes guitarras y saxos. Cuando escucho esas improvisaciones, una imagen de un loco revolcándose en una habitación acolchada, gritando dolidamente por su liberación y calmado con electrochoques aparece inevitablemente en mi cabeza. La parte de clarinetes me encanta, esa melodía separadora que es casi el único indicio de que ése es Indoor games, y ningún otro tema. Entonces llega mi preferida de la primera parte: Happy family. ¡QUE ALUCINANTE COSA! No puedo creer la demencia volcada en esta composición, una realmente loca y psicodélica. Todo instrumento aquí ejecutado toma su camino e improvisa sin parar, creando algo realmente fantástico. ¿Oyeron los mellotrones? ¡DIOOOOOOOS! ¡AMO ESTO! Ese corto de mellotrones que también funciona de identificador, es realmente fantástico. Es aquí donde la vesania de King Crimson se ve potenciada a gran escala, conformando algo realmente espectacular. Nunca imaginé que me podría llegar a gustar algo tan bizarro y raro. Llega un momento en que creo loco a Fripp, cuando toca esos drogadictos teclados. Además, la voz de Haskell es puesta con un buen efecto, uno que cuadra perfecto con todo el disco, que parece un monstruo gritando por su salvación. Lady of the dancing water es una buena balada que da gran tranquilidad, y funciona para separar las dos partes del disco. La verdad que la voz de Gordon da asco. Sobre todo aquí, un tema que debería sr vocalizado por Lake: esa voz tan imponente y melancólica es indispensable en temas como este. Esta composición conforma la parte de menor nivel del disco. Es disfrutable, pero no llega al nivel de ningún otro tema. Llega la suite oficial del disco, desplegada en su inicio por un raro acorde de teclado: Lizard. Aquí es cuando quiero tener al lado a Fripp para abrazarlo, y decirle que estoy a sus servicios. Los coros bastante pop de la primera parte son muy buenos, y tienen como invitado al cantante de Yes. Además el piano interpretado aquí es muy bueno, da una sensación de melancolía y misterio a la vez. Para concluir esta primera parte (no voy a nombrarla por sus subnombres porque es una tarea algo cansadora y estructurada), se escucha una épica melodía de coros y mellotrones. ¡Que grandes improvisaciones las del medio! Van desde el jazz hasta la música clásica, recorriendo repertorio de oboe, trompeta, saxo soprano y trombón. ¿Oyeron al piano? Si lo escuchan con atención, al principio hace un acompañamiento clásico y relajante, que se va tornando cada vez mas loco, yendo al extremo, y tornándose totalmente jazzero. El ambiente free-jazz de esta canción es realmente genial. Llega un punto en que cada instrumento recorre una tonalidad diferente, y se vuelve algo loquísimo, totalmente multitonal. Un trabajo de vientos realmente apreciable. ¡Qué gran melodía la interpretada por el oboe! Una realmente genial, memorable. Y ni hablar de la impresionante parte en que los mellotrones, que parecían muertos, reviven y aportan un ambiente de violencia y guerra sangrienta. Las bandas de vientos son también infaltables en esta parte. La flauta que se escucha de fondo es realmente extravagante, parece interpretada por un hippie drogado que entro al estudio con una flauta traversa. Me encanta la parte más rocker del disco: cuando la guitarra, las bandas, baterías y demás instrumentos se concentran para formar un caos que demuele paredes. Al final del tema, se escucha un saxofón realmente genial. El mismo hippie que antes tocaba la flauta, robó algún saxo por ahí y se puso a tocarlo. Es en los últimos 3 minutos del disco en que se escucha la parte más parecida a Islands: esas delicadas improvisaciones de guitarra a bajo volumen, dotadas de maestría en el que las ejecuta. El álbum se concluye con un rarísimo corte de circo, que le da más psicodelia al LP. Cuando hablamos de Lizard, hablamos de un cambio estilístico muy grande en Crimson. El sonido de este disco es inigualable, es uno que raramente se pueda oír alguna otra vez en la historia del rock. Además, los instrumentistas siguen siendo espectaculares (como en toda la historia del grupo). Comenzaré a hablar de algo que apenas toque en todo el texto: la vocalización de Haskell. Si, admito que es la peor de la historia del Rey Carmesí. Es muy mala. Pero si nos fijamos, las partes cantadas del disco son muy pocas, y esto es un gran punto a favor. La magia de todo este disco está en la instrumentación, y no en la voz. Si consideramos la parte de voz del disco, y le bajamos puntos al mismo por ésta, considero yo que es algo totalmente injusto. Los instrumentos se lucen como muy pocas veces lo han hecho en el rock, y esto concluye un disco que se merece un 10/10 indudable. Las variadas atmósferas del mismo son geniales. Hablando de variación ¿Se dieron cuenta de los estilos fusionados aquí? Se encuentran presentes el rock, obviamente, el jazz, algo (muy poco) de pop, y también música clásica. Las partes de redoblantes de la batería interpretadas en las improvisaciones de los vientos, le dan un aire de Ravel a la composición. Es indudable la influencia de los boleros de este compositor. ¿Qué vendrá luego? Nos preguntamos al terminar este disco. Sabemos que King Crimson no podría sobrevivir en un solo estilo (como dije antes), pero también estamos seguros de que es imposible que el nivel del grupo caiga. Robert Fripp tiene una mente llena de ideas, que no creo que puedan agotarse. Otras reseñas que te pueden interesar: Pescado Rabioso Desatormentándonos (1972) | Revisión del disco Pescado 2 (1973) | Revisión del disco Artaud (1973) | Revisión del disco Invisible Durazno Sangrando (1975) | Revisión del disco El jardín de los presentes (1976) | Revisión Almendra Almendra (1969) | Revisión del disco King Crimson In the wake of Poseidon(1970) | Revisión In the court of the crimson king (1969) | Revisión

A 18’ del sol Puntuacion: 9.5/10 Mejor tema: ¿Dónde está el topacio? O Toda la vida tiene música hoy. Los temas en este color son muy buenos; cuando estan sin color, normales; y cuando estan de este color son malos 01. Viento del azur 02. Telgopor 03. Viejas mascarillas 04. A 18’ del sol 05. Canción para los días de la vida 06. Toda la vida tiene música hoy 07. ¿Dónde está el topacio? 08. La eternidad imaginaria Strauss_14 dijo:Todo lo que pongo acá es totalmente subjetivo. Es imposible pedir la objetividad pura, y eso se sabe... Además, mi objetivo es dar una opinión sobre los discos y bandas. No me creo el poseedor de la verdad absoluta, ni nada por el estilo. Estoy abierto a que los demás escriban sus opiniones en los comentarios. A 18’ del sol es de los mejores discos concebidos por nuestro rock nacional. Si señores, se acerca al nivel de discos del Flaco como Almendra, Artaud, Desatormentándonos y demás. Es ésta una gran obra maestra de nuestro querido Luis Alberto. Tal vez no tenga highlights uno tras otro, pero contiene las atmósferas más delicadas que jamás escuche. ¡Si! Se acerca al nivel de Shine on you crazy diamond (aunque hay que considerar que este es solo un tema, no un disco) y otras genialidades del rock. Ese ambiente suave, que parece que están constantemente acariciándote con plumas de los más nobles pavos reales. Éste es un disco en el que el amor ( a mi forma de ver ¿no?) es representado de forma perfecta. Si, ese amor que te acaricia esta materializado aquí. Y no por sus letras, más que nada por su música. Para mí, el Flaco dentro de su etapa jazz-rock, también tiene otras sub-etapas: cuando el jazz-rock es más rock que jazz; y cuando el jazz-rock es más jazz que rock. La primera es indudablemente la parte Invisible, pero la segunda está comprendida solamente por este disco. Viento del azur es un jazz con muy buena melodía aportada por la voz, y con unos arreglos corísticos de la introducción hermosos. Otra cosa a destacar es el especial y espectacular sonido que le saca el Flaco a su guitarra, acompañada de ese genial sintetizador, infaltable en este LP. Las improvisaciones son demasiado buenas. Éstas son precisas, no tienen ni una nota de mas ni una nota de menos, son realmente sobrehumanas. Tal vez el virtuosismo no domine sobre ellas, pero indudablemente el gusto musical, sí. Sin dudas, una joyita. Telgopor es el primer instrumental que nos brinda el LP. La verdad que este no es tan destacable como el tema homónimo, pero sin embargo es bastante disfrutable. Otra vez las guitarras aportadas por Spinetta son perfectas, y la batería es muy ágil, junto con el bajo. Los trabajos menos destacados en este tema son los del teclado, ese sonido que meten después de la primera improvisación guitarrística no me gusta para nada. El tono de teclado que sí me gusta es ese que parece una campana sonando, que es el predominante en el disco. Una composición bastante ágil, movediza y dentro de todo entretenida. Nada realmente genial. Viejas mascarillas es otro de esos temas que aportan mucho a la hermosa atmósfera. Esa cosa tan alucinante, volátil, te sumerge en un mar de guitarras y teclados bastante apreciable. Igualmente, no deja de ser un tema inferior a, por ejemplo, Viento del azur. Viene A 18’ del sol para salvar el disco, y mantenerlo casi todo el tiempo en un nivel de excelencia impresionante. La introducción es realmente linda, esa guitarra acústica acompañada de piano queda muy bien con el resto del tema. Esta es una composición en que todo instrumento merece estar nombrado como fundamental. Ningun instrumentista es malo, cada uno aporta lo suyo, logrando así una obra impresionante. Algo que me encanta son los acordes sueltos que tira la guitarra atrás del teclado. El solo de la guitarra posee un sonido impresionante, un sonido tan brillante como el de la trompeta. Otro tema bastante movido. Sin duda los teclados y la guitarra son los grandes solistas, pero la base hace su espléndido trabajo soportando estas geniales improvisaciones. El tema anterior termino, y una guitarra acústica llorosa nos invade el alma. Ésta si que es una canción deprimente y melancólica. Un número realmente precioso, la parte de voz es muy, pero muy delicada, caompañada de esa genial poesía. Lo único que pude entender de ésta poesía, es que esa persona que canta, tiene alas que le permiten volar, es decir, tiene elementos para continuar por la vida, para superar a esa gente de pie. Y esas alas están cuidadas por “gnomos de lata”, seres místicos que la misma persona imagina y construye. Esa persona, agradece que “le hayan puesto manos para hablarle a las cosas de mí”, osea, le han puesto dones que ningún otro animal tiene: hablar de las cosas, hacer poesía, crear. Hay otras cosas que me fueron imposibles de meter en todo esto, pero es lo que puedo decir. Además la poesía del Flaco no solo se entiende, SE SIENTE. Esas palabras son sentimientos expresados en oraciones. Me encanta cuando entra la otra guitarra acústica, que parece que se había guardado un grito doloroso por mucho tiempo, y se decidió a gritarlo en un preciso remate. Un tema memorable. Muchas personas acusan a la canción de monotonía, pero teniendo una tan pero tan bella melodía, esta acusación pasa a ser más buena que mala. Otra gran composición de Luis. Además, las guitarras que están encima, meten notas que hacen que el aburrimiento sea imposible. Todas estas características hacen a este un reposo acústico de todo el entorno jazz. Toda la vida tiene música hoy es otro gran tema, con una gran melodía e impresionantes improvisaciones en el medio. Los acordes que tira Spinetta en el solo de teclado son muy buenos, como en A 18’ del sol. Bueno, no hace falta decir que los solos son espectaculares y que los músicos se lucen nuevamente, ¿no? Me encanta esa gran suspensión que se produce al separar la parte cantada de la improvisada. Otra pieza de oro en el disco. ¿Dónde está el topacio? Es otro tema al estilo del anterior: una genial melodía, impecable instrumentación, y, obviamente, erizante atmósfera. Otra cosa a destacar es el buenísimo estribillo de la canción, muy místico y llevadero. Entonces, para concluir esta majestuosa obra viene La eternidad imaginaria. Un tema con predominio en la voz. La melodía de ésta es muy rara, pero eso es lo que hace a la canción especial. Además, los pequeños aportes de guitarra tienen nuevamente ese genial efecto similar a una trompeta. La verdad, este tema no alcanza el nivel de otros grandes del disco, pero sin embargo es disfrutable, y está muy bien elegido como final del disco. En síntesis: A 18’ del sol es un disco con predominio estilístico del jazz-rock, con grandes, impecables y pasmantemente hermosas atmósferas. Es un disco que no está plagado de geniales temas, pero sin embargo tiene esa tan preciosa sensación, que convierte al LP en una preciosidad. Además esta vez la voz del flaco se destaca como nunca. Esos vibrattos son perfectos: no muy exagerados, y siempre en notas largas, cosa que hace que no se tornen aburridos. La afinación es perfecta. La ejecución guitarrística también es impresionante, inigualable. Luis Alberto nos demuestra nuevamente el músico que es, el gran genio, el dios argentino que tenemos en América. Los primeros 10 años del flaco son casi perfectos. Todos sus discos son obras maestras, grandes composiciones, pero hay solo dos que de alguna forma manchan un poco esa perfección: Spinettalandia y sus amigos, y El valle interior. Almendra II es muy discutido, y todavía no me decido como ponerlo. No puntúo al disco con 10 porque no está dotado de geniales temas uno tras otro, pero el disco en general es perfecto, y se merece la calificación de 9.5/10. Otras reseñas que te pueden interesar: Pescado Rabioso Invisible Almendra King Crimson

Buenos días, tardes, noches, o lo que sea Taringueros!. Me dedico a la reseña de discos de todo tipo (aunque por ahora sólo me manejo en el ambiente rock y derivados). Jamás crean que pienso que tengo la verdad del mundo y los secretos enterrados de la opinión musical: solo soy un grano de arena entre todos los revisores de la web.    Soy amante del progresivo clásico, y del rock en general. Vivo en una familia de músicos: todos los miembros de ésta se dedican o se han dedicado alguna vez a la música como profesión. Soy de clase media y he estudiado durante 5 años la teoría de la música, aunque en estos momentos, debido a cuestiones personales, abandoné los estudios. Toco el saxo, el clarinete y la guitarra criolla, aunque en este momento mi "instumento principal" es la guitarra.    Se preguntarán cómo es el sistema con el que reviso mis discos: tomé esta manera de calificación de la primera página de reseñas que leí: El muro del rock (www.angelfire.com/rock3/thewall/). Sin embargo, modifiqué esta forma, tomando la usada por Dr. Musicstudio (www.)  Les dejo el texto del primer blog, en el cual Isaac Arias, el autor de éste, explica cómo es su sistema. isaacarias dijo: [...] Mi sistema de calificación es de los mas sencillos que se puedan encontrar, del cero al diez. Hay sitios en la red que suelen usar una calificación absurda ¡de centésimas! no manchen ¿Qué diferencia puede haber entre un 7. 89 y un 7.9, digo, es que son ... bueno, ya digo no nada. En cambio en mi sistema de calificación se pueden dar cuenta de que hay una diferencia bien dada entre un disco de 6 y 7, así esta bien, sin décimas o centésimas. Yo particularmente pienso que si no se diferencia bien un álbum y otro ( por ejemplo 6 y 6.5), el comprador se puede confundir, por eso yo trato de ser GENERAL, . Para eso siempre lee mi revisión antes de obtener definitivamente un disco. . Mi sistema de numeración es mas o menos así: Un diez es para aquel álbum que merece TODOS los respetos en toda la Tierra, un disco mas que perfecto. Un nueve es para un disco casi perfecto que por un pelito no se llevo el diez. El ocho es para un disco muy bueno. El siete es para uno que es bueno y puede ser disfrutable. El seis es para uno regular/promedio. Y a partir del 5 el disco es descartable. [...] Ok, esta claro que es del 1 al 10, entonces ¿Por qué hay discos con un signo de +? Significa que son álbumes que les doy una "mención honorífica" en la categoría que se encuentran, por ejemplo, un disco de 7+ es levemente superior a un disco de 7 (sin signo). Esto puede ayudar a que mi sistema de calificación no sea tan general. Mi sistema de calificación no es tan ordinario y común como algunas revistas que revisan discos o algunos sitios web por ahí; por ejemplo: ellos lo que hacen es que si en un álbum les gustan todas las canciones, le ponen un diez y se acabo. Yo no hago eso, soy ESTRICTO, tengo que pensar bastante bien cuando un disco merece 10, tiene que hacerme disfrutar AL MÁXIMO, después de todo estamos hablando de Rock ¿no? Debe ser música de lo mejor del mundo y de la más alta calidad para que se lleve el 10. De hecho hay críticos que ponen dieces y nueves sin pensarlo demasiado, yo no soy así, en realidad, es muy difícil incluso que un álbum a mi gusto se lleve el 8, por eso un disco de 8 ya es bastante recomendable. Mi sistema de calificación trata de ser PAREJO (general) con todo el rock del mundo, NO ESTOY SIENDO RELATIVO. Por ejemplo: El disco de Pink Floyd A momentary lapse of reason en comparación con las obras maestras que hizo esta agrupación puede llamarse basura, pero si lo comparamos también con obras ABISMALMENTE malas como grupos de, nu metal por ejemplo, podemos ver que en realidad no era tan malo como parecía.   Muchos de ustedes se preguntarán, como puedo tener un sistema de calificación general con todos mis discos cuando hay géneros INCOMPARABLES. Como por ejemplo, que un disco de Coldplay ( brit - pop suavecito) tenga el mismo sistema de rankeo que uno de Metallica (trash bien pesadito). No estoy comparando ni nada por el estilo, simplemente estoy midiendo EL NIVEL DE DISFRUTE. A ESO se resume esta página, al escuchar el disco solo mido EL NIVEL DE DISFRUTE, no me importa si es un disco revolucionario, reconocido, o alabado por el público o la crítica. O que tipo de música haya.    En cuanto al nivel de disfrute, yo solo lo mido y me tiene sin cuidado que banda haya hecho el disco o que tanto el álbum es mundialmente reconocido como una obra maestra o una porquería....Esos son solo aspectos externos, yo solo escucho el disco y no me importa que piense en general la gente o la crítica de él. Por ejemplo: si una banda "menor" como Coldplay me hace disfrutar igual que un disco que tenga reconocimiento, que haya requerido mucho trabajo y que venga de una "banda gigante" (Dark side of the moon de Pink Floyd, por ejemplo), les pongo la misma nota. Punto, No me importa que sea "Pink Floyd" o un "Dark side of the moon" que generalmente están calificados como grandes. Ahí estaría siendo un tanto prejuicioso.   Hay críticos que tienen la idea de que si todas las canciones de un álbum resultan ser clásicos, se lleva el diez, esa es su filosofía y es totalmente respetable. Pero yo no estoy muy de acuerdo, porque? porque pueden haber algunos inconvenientes por ahí, por ejemplo, puede que todos los temas del álbum sean clásicos, pero que al juntarse en una sola unidad, ya no resulta tan satisfactorio el disco (Tommy, The Bends) esto se puede deber a la: monotonía, la antioriginalidad, la intrascendencia, etc. Si yo tuviera la filosofía de esos críticos, le habría puesto al White Album de los Beatles un 9 ó un 8, ¿Por qué? Porque indiscutiblemente tiene relleno, nadie lo puede negar, pero al juntarse todas las canciones en una sola unidad, hacen una obra maestra incomparable; es decir, yo SIEMPRE tomo a un álbum regular de estudio como un ROMPECABEZAS ARMADO, si esta correctamente armado, si se le dio una buena secuencia a las canciones y si al juntarse todas ellas logran estar en armonía perfectamente, el álbum se lleva el diez, no me importa como suenan las canciones independientemente e individualmente del disco; simplemente escucho al álbum DE PRINCIPIO A FIN, y si no tengo el más mínimo problemilla para disfrutarlo como debe ser, se lleva el 10. Yo, a esas reglas asignadas les agregué lo siguiente: Además de agregarle al número un + para indicar una leve superioridad, uso los - para indicar un punto de inferioridad. Para ayudarme y ayudarlos a entender más las razones de mi calificación, marco los temas más destacables de un disco en rojo, y los malos en verde. A los que no son ninguna de las dos cosas, los dejo en color blanco. Hace bastante que vengo subiendo estas revisiones a T! y la gente que las lee, en términos generales, salen satisfechas. Espero que con los nuevos lectores (y también con los viejos) pase lo mismo. Mi blog:

Puntuación: 10+ Mejor tema: difícil... ¡ya sé! Thick As A Brick! Tracklist 01.Thick as a brick (Part 1) 02. Thick as a brick (Part 2) Bueno. Luego de mi magnificente retorno estuve algo ausente debido a mi viaje de egresados en Bariloche (fue genial, algún día escribiré un cuento al respecto), y para volver decidí una obra colosal como Thick As A Brick. Escribir sobre un disco tan complejo suele ser difícil, pero en el caso de Thick As A Brick, creo que todo podría resumirse con una sola palabra: "perfecto". Particularmente, creo que Thick As A Brick es un disco perfecto. Es mi favorito dentro de lo que he escuchado del progresivo, junto con esa otra maravilla que es Selling England By The Pound. Y ahora vamos con mi muletilla que es la siguiente pregunta retórica: ¿qué es lo que lo hace tan genial? Su música. Sí, dije una obviedad, pero es que no hay otro modo de explicarlo. Era 1972, el auge del rock progresivo, y Jethro Tull se mete de lleno en esta nueva movida con una propuesta muy ambiciosa: un disco de una sola canción. Así es, los dos lados son en realidad la misma canción, y si están separados es sólo por una cuestión técnica. Obviamente, esto traía muchos riesgos. Un disco de una sola canción puede hacerse inabarcable, y de hecho es muy difícil que uno pueda centrar realmente la atención en las primeras oídas. ¿Cómo hace el loco de Ian Anderson para solucionar esto? Haciendo música de la más alta manufactura. Mientras todos los demás grupos de prog se peleaban por ver quién hacía la cosa más bizarra, quién experimentaba más, Anderson ensaya una "descomplejización de la complejidad". ¿A qué me refiero con esto? Simple: hace parecer fáciles cosas que no lo son. Esta larga suite no suena para nada difícil: no es desentrañable, no se enrieda, no parece ser realmente complicada. Pero en realidad se trata de música muy compleja, con demasiadas ideas, demasiados matices, sólo que la banda encuentra la manera de ordenar todo de manera perfecta y tal que no nos demos cuenta de lo difícil que es en realidad todo. Esto me parece que es lo más resaltable del disco: cómo logran mucho sin dejar de sonar accesibles. Pasando a la música en sí, es realmente un delirio. Lo que más me asombra del disco es la cantidad de ideas y cómo logran hacerlas fluir. Es una canción formada por varias partes, cada una genial a su modo, y todo encaja perfectamente. Uno puede oír una balada folk, luego una especie de marcha medieval, sobresaltarse con un riff de hard-rock al segundo siguiente, y en ningún momento la cosa suena emparchada o agregada a la fuerza. Las transiciones entre las distintas secciones de la suite siempre se dan naturalmente, con elegancia, con belleza, y nunca dejan de suceder cosas. Esto también es increíble: la cantidad de cosas que suceden a nuestro alrededor. Las canciones dentro de la gran canción están repletas de matices, flautas saliendo de la nada, campanitas, vientos, contrapuntos, riffs, coros, cambios de ritmo. Nunca dejan de pasar cosas, y uno nunca deja de descubrirlas. Realmente me sorprende cómo Ian podía tener tantas ideas en la cabeza. Y por si esto fuera poco, las piezas en sí son obras maestras. Y perfectamente ejecutadas. Las melodías son excepcionales y la banda logra una inmensa variedad de sensaciones: desde una balada emotiva, hasta un rock furioso, atravesando apacibles pasajes de folk inglés, endemoniadas marchas cuasi-incas, logrando una obra realmente diversa. Y todo esto respaldado por una gran actuación de Anderson en la flauta. ¡Qué estilo tan distintivo! La flauta de Anderson está añadiendo belleza por todos lados, y esto aporta una gran cuota de originalidad y distinción. Martin Barre también se destaca como un GRAN guitarrista acústico, y además aparecen pianos, campanas, órganos, masas de vientos, orquestas de cuerdas, mandolinas, clavicordios, cornos y todo tipo de instrumentos para hacer más barroca la experiencia. Me parece importante destacar a John Evan, el tecladista, que nunca es nombrado pero aquí cumple una labor excelente, no sólo aportando masas de teclados sino líneas de piano realmente hermosas y hasta un solo de rock pesado. Repito: no puedo creer la cantidad de cosas que tenía Ian metidas en la cabeza, y lo bien que las logró transmitir. Pero vamos a la gigantesca canción. Thick As A Brick (Part 1) abre con una línea delicadísima de guitarra, y cuando entra esa frasecita SUBLIME de flauta, ya nos damos cuenta de que estamos ante algo grande. Y cuando encima aparece de la nada ese acorde mastodóntico de "Your deafness a SHOUT!", meneamos la cabeza asombrados. ¡Y van sólo 30 segundos! La balada acústica que da forma a la primera parte de la suite es de una belleza extenuante, con un estribillo hermoso, pero de a poco va subiendo la tensión. Y cuando digo de a poco, es realmente de a poco: primero se agrega un sutil acompañamiento algo jazzero, luego entra la batería con todo para el estribillo, y después todo vuelve a callarse hasta que un trallazo eléctrico nos revuelca por la habitación. ¿Ven lo que les digo cuando hablo de cómo fluye el sonido? Pasamos de una balada acústica a un hard rock, y lo hicimos casi sin darnos cuenta. Volviendo a la realidad, comenzamos la segunda parte de la suite, con un riff espectacular y un ritmo vertiginoso. Le agregamos un solo de teclado que suena psicodélico y rockero a la vez, y tenemos otra genialidad. Luego, de la nada, volvemos a la línea de guitarra que había abierto al disco, y aquí se va produciendo de a poco otra excelsa transición hacia la tercera parte del tema, que consiste en una especie de balada épica medieval de gran melodía respaldada por una masa de sonido IMPONENTE y que, encima, se da el lujo de encajar en el medio un diálogo entre guitarra eléctrica y flauta que me despedaza por completo. ¿Alguien se preguntó si una flauta podía rockear? Aquí tienen la respuesta. Posteriormente todo se calla, y quedan sólo la flauta y el teclado. Y después solo el teclado, que en medio minuto muta para brindar un riff antológico que luego es repetido por la flauta en el punto cúlmine de la genialidad. La melodía de esta parte vuelve a ser excelente, y además la actuación de la flauta es particularmente brillante. ¡Escuchen ese solo que se manda en el minuto 14:13! Puedo morir tranquilo. De nuevo el tema va mutando, y en el minuto 16:05 nos sorprende un barrido perfecto de guitarra acústica, que nos introduce a la última sección de la primera parte de la suite, que consiste en una balada realmente hermosa, con pianos tan exuberantes que empalagan, una melodía suave y subyugante (hasta tiene unos "na na na" por ahí), una flauta como siempre sensacional y unas campanas que terminan de transfigurar una de las secciones más bellas que jamás oí. La escena es sobrecogedora: me imagino en un campo, de noche, observando un lago y meditando sobre cómo se nos va la vida, pero a la vez disfrutando inmensamente el hecho de poseerla. Perdón, pero esta parte es demasiado para mí. Y por si todo esto fuera poco, la melodía sigue siendo genial. ¡Maldito Anderson! ¿De dónde sacaba melodías tan buenas? A los 18:16 se va agregando otra imponente masa de vientos, y todo termina de manera sobrenatural. La transición con la segunda mitad se produce con menos maestría que el resto de la suite, ya que el lado A termina con un ruidoso aunque efectivo riff metálico, que se me hace interesante para escuchar con auriculares por cómo el sonido va saltando de un lado a otro. Y así pasamos a Thick As A Brick (Part 2), la segunda parte del disco. El comienzo se da con una repetición algo caótica del rocker inicial, con un extenso solo de batería, que luego da paso a una sección algo experimental de diálogos mezclados con agudísimas flautas. Como dije, la transición entre los dos lados pierde un poco la elegancia del resto de la obra. A los 4:05 comienza la misma preciosa línea de guitarra que daba inicio al álbum, y Anderson vuelve a demostrar su genialidad inventando una melodía diferente sobre LA MISMA LÍNEA DE GUITARRA. E IGUAL DE HERMOSA. ¿Se dan cuenta de lo que hablo? Es una cosa de no creer. Y además, está matizado por un intermezzo notable de flautas y pianos. Una breve pero linda melodía da paso a la siguiente sección, una excelsa y nuevamente épica balada. Comienza con una melodía conmovedora, matizada por brillantes punteos de guitarra y una flauta macabra que en el estribillo se transforma en una paloma llena de paz. Cómo te hacen variar los estados de ánimo en segundos, qué tipos genios. A los 8:02 se mete la batería con un ritmo sobrecogedor acompañando a una flauta cada vez más fascinante. Todo va subiendo, todo va haciéndose cada vez más interesante. La batería ensaya algunos cambios de ritmo demenciales. La guitarra y el órgano comienzan a sumarse, haciendo todo una marcha cada vez más frenética e impactante. La transición entre esta parte y la siguiente es PERFECTA, con mayúsculas. Comienza sólo la flauta, tan sombría como siempre, se van agregando algunas cornetas o no sé qué carajo son, la batería se hace cada vez más pesada, y para cuando se agrega la guitarra ya flotamos en un mar de felicidad. Y cuando ya nos creíamos inmunes, Ian saca de la galera OTRO RIFF tan genial como los anteriores. ¡Alguien que lo frene a este tipo! Así da comienzo a una melodía devastadora, épica, increíble que nos va acercando al final. Y cuando me toca describir el final ya me siento incapaz. Todo va subiendo, se agregan más y más instrumentos, capas de sonido, melodías que se entrecruzan, secciones que cambian y se entrelazan y surgen de la nada y desaparecen y todo un océano de complejidad tocado con la más absoluta sencillez. No puedo, no puedo no rendirme ante tamaña demostración de creatividad. ¡No puedo! Hablo de cosas como el riff de flauta del 14:08, la frenética melodía del 14:50 (iniciada por una alarma que me parece un detalle maravilloso) o cómo frena todo de golpe en el 15:20 para dar paso a una marcha más lenta y fúnebre pero igualmente conmovedora. Pero aquí todo es volátil, y rápidamente volvemos a la misma melodía de siempre que ya parecíamos haber olvidado, y cuando Anderson queda por un momento a capella parecemos perder la noción del tiempo. La otra melodía regresa, la frenética, y nos vemos impulsados en un remolino que termina abruptamente a los 18 minutos. Ya estamos en la parte final, que repite la melodía del fin del lado A, pero con un trasfondo instrumental distinto y aún más épico. ¡Escuchen el riff del 18:38! Me deja helado. Luego todo se acelera, pero es un engaño, y vuelve la misma melodía por un rato, hasta que la batería se pone pesada, la flauta se pone escandalosamente genial, las guitarras florecen de la nada y yo ya no sé dónde estoy parado. Y ahí estoy, sumergido en el caos, cuando al 19:52 aparece una orquesta DE LA NADA, que me termina de convencer de que este disco es una absoluta obra maestra. ¡Escuchen esa hermosura! ¿Quién se esperaba una maldita orquesta en el último minuto de la obra? Es el toque final, el último golpe del genio de Anderson que corona todo. Bueno, en realidad no es el último. Porque todo sigue, igual de frenético que antes, salvaje, demencial, atroz, perfecto. Y de pronto todo se hace más agudo, y cuando al 20:30 florece la misma, la estúpida misma línea de guitarra del principio, ya no sabemos qué pensar. ¿Cómo hizo? ¿Cómo carajo hizo para darnos tantas vueltas, para llevarnos a tantos lugares, para hacernos sentir tantas cosas y después volver al principio? ¡Volvió al principio! ¡Como si nada! Es increíble. Y así nos parece, y así quedamos, atontados. Y Anderson lo sabe, y cuando recita la última frase se ríe. "And you wise men don't know how it feels / To be thick / (Risa) / As a brick". Esa risita leve me termina de matar. El tipo se mandó una obra maestra de 45 minutos para volver al principio, y encima el final es lo más alejado de lo pretencioso posible. El tipo se ríe. Realmente no somos dignos de algo así. No lo somos. Espero haber podido expresar correctamente mi devoción por este pedazo de música. Cómprenlo. Escúchenlo. Muéstrenlo. Ámenlo. Yo lo hice. Un 10+, ¿todavía no quedó claro? ¿No entendés como califico los discos? Entrá al Visitá el perfil de @silver_sorgo Nuestro blog:

Artaud El tercer y último disco de Pescado Rabioso. En realidad, este disco lo grabo Spinetta junto con otros músicos (no los de pescado) porque cuando iban a grabarlo el grupo se separo y quedo el Flaco solo. Este disco fue una forma de decir que Pescado Rabioso era Spinetta en escencia. De Pescado 2 a Artaud hay un gran cambio en la música de Spinetta, se observa a el Flaco como luego va a ser en Invisible. 01.Todas Las Hojas Son Del Viento 02.Cementerio Club 03.Por 04.Superchería 05.La Sed Verdadera 06.Cantata de Puentes Amarillos 07.Bajan 08.A Starosta, El Idiota 09.Las Habladurías del Mundo “¿Acaso no son el verde y el amarillo cada uno de los colores opuestos de la muerte, el verde, para la resurrección y el amarillo para la descomposición y la decadencia?” Antonin Artaud (carta a Jean Paulhan, París, 1937) Pescado Rabioso es una idea musical creada en 1971 por Luis Alberto Spinetta. A través de esta idea tocaron en grabaciones y actuaciones los siguientes músicos: Juan Carlos Amaya, Osvaldo Frascino, Carlos Miguel Cutaia y David Oscar Lebón. Los músicos que aparecen en este disco sólo están ligados a la idea Pescado Rabioso por las circunstancias de la grabación y a expreso pedido de Luis Alberto Spinetta. Informe frío: Todas las palabras y las músicas de este disco pertenecen a Luis Alberto Spinetta. Spinetta ejecuta guitarras acústicas y eléctricas, voz, maracas y platillos. En “Cementerio club” y “Bajan” participan Carlos Gustavo Spinetta en batería y Emilio Del Guercio en bajo. En “Superchería” y “Las habladurías del mundo” participan Rodolfo García en batería, cencerro y coros y Emilio del Guercio en bajo y coros. Efectos: Juan Carlos Robles Robertone en “La sed verdadera”. Norberto Orliac y Pedro en “A Starosta, el idiota”. Tapa original: Juan O. Gatti sobre diseño de Luis Alberto Spinetta. Bagajes: Gito Ingeniero: Norberto Orliac. Rodolfo García y Emilio Del Guercio aparecen, además, por cortesía de “Aquelarre”. Este LP se denomina “Artaud” porque está dedicado a Antonin Artaud, poeta francés (1895-1948). Producido por Luis Alberto Spinetta –1973– Buenos Aires. Antes que nada un indice para ubicarse bien: si la letra de la cancion esta de este color, es porque la cancion esta buena. si esta de color normal, la cancion es normal . y si esta de este color, es porque es medio mala Calificacion del disco:8+/10 1) Todas Las Hojas Son Del Viento 2) Por 3) La Sed Verdadera 4) Bajan 5) A Starosta, El Idiota 6) Cementerio Club 7) Superchería 8) Cantata De Puentes Amarillos 9) Las Habladurías Del Mundo Mejor tema: Cantata de puentes amarillos Bueno, bueno, bueno... ¿Qué pasó aquí? ¡Estoy comentando sobre un álbum argentino! Pues ocurre que este álbum argentino en particular es bastante bueno así que no tengo ningún problema en agregarlo a mi página, a ver si le sacamos un poco esa mala costumbre de puro rock anglosajón. En fin, Artaud es el último álbum de la banda argentina Pescado Rabioso, cuyo más conspicuo integrante es el Flaco Luis Alberto Spinetta, uno de los dos o tres cantantes y compositores más renombrados del rock argentino. Para estas alturas, la banda (que incluía a gente como Juan Carlos Amaya y David Lebón), estaba prácticamente disuelta y en rigor el álbum es puro Spinetta solista. Solo bien solo está el pobre Flaco, apenas asistido por algunos músicos de sesión que no tienen demasiado que ver con Pescado Rabioso y que tampoco tocan mucho. Como sea, el talento compositivo de Spinetta y su calidad interpretativa bastaron y sobraron para hacer un buen disco como Artaud, que aún hoy sigue siendo la opción más popular como mejor álbum de rock argentino. Musicalmente Artaud está lejos de ser muy elaborado, y tampoco es tan rockero como los trabajos previos del grupo (Desatormentándonos): casi lo único que escuchamos de principio a fin es a Spinetta armado de una somera guitarra acústica o un piano, cantando en forma de balada sus hermosas poesías surrealistas. Los arreglos son despojados, acústicos en su mayor parte y sin ornamentos excesivos. Cada tanto florecen algunas buenas guitarras eléctricas para agregar color al asunto, pero nunca se descontrolan más de lo normal. La sencillez del álbum nos regala un momento intimista y nocturno, en el cual Spinetta y su guitarra nos llevan de la mano por un extraño universo creativo de laberintos sombríos, imágenes surreales y densas atmósferas líricas. Para serles sinceros la cosa no llega a volarme la cabeza, porque la mayoría de las canciones no son exactamente lo mejor jamás escrito, pero las poesías son intrigantes (aún sin tener demasiado sentido), las melodías no convencionales te envuelven como un humo enigmático, y las delicadas líneas de guitarra, cargadas de tintes de jazz y bossanova, son atrapantes. Es un gran álbum realmente; un trabajo único en su tipo... No es para regodearse con virtuosismos, sudar de rock ni atragantarse de ganchos, sino más bien para reflexionar, dejarse ir, hundirse en la melancolía de una noche sin eventos, una noche más de una vida rutinaria. Eso sí, la extraña y ocasionalmente desafinada voz de Spinetta puede requerir cierta aclimatación, pero una vez que te acostrumbrás no pasa nada, la disfrutas como a cualquier otra. De entrada arrancamos con uno de los highlights absolutos, el clásico Todas Las Hojas Son Del Viento, con esa melodía fantástica en la cual Spinetta canta con varios doblados de su propia voz; el tema es muy sencillo y cien por ciento acústico hasta que al final aparece un simplísimo, pero resonante, solo de guitarra eléctrica para llevar la balada a su rápida conclusión. Temazo. Luego tenemos un pequeño boceto acústico en Por, cuya letra consiste en una repetición de diferentes palabras inconexas (Clavo, coito, Dios etc.) que si bien no genera ningún tipo de coherencia, al menos produce algunas combinaciones interesantes de escuchar. Claro, es relleno, relleno obvio, pero no tiene nada de horrible o pesado y se termina antes de llegar a los dos minutos. Mucho mejor es la balada La Sed Verdadera, cuya combinación de acordes menores te sumerge en una atmósfera mágica, secreta, de esas que te hipnotizan y te impregnan de sentido aunque no sepas bien qué sentido es exactamente. De pronto algo sucede. Spinetta se cansa de las guitarras acústicas y ceba un poco de distorsión para regalarnos la soberbia Bajan, una balada cuyo romántico estribillo es el mejor de todo Artaud; es de esos que los escuchás por primera vez y ahí, en ese momento, te das cuenta que es un clásico. También son dignas de mención las fluidas líneas de bajo y además, cuando llega el solo eléctrico del final, tenés un pasaje musical digno de una obra maestra. Es en este punto que el álbum se subsume casi sin decirlo en un túnel de oscuridad; las guitarras dejan lugar a un piano que, martillando secamente unos acordes, introduce una bellísima melodía vocal que está para recortarla y pegarla en un cuadrito sobre la pared. Se trata de la bizarra suite A Starosta El Idiota (no hay relación con Starostin). En cuando Spinetta canta su enigmático y proverbial "Vámonos de aquí", la cosa degenera en un collage de zumbidos y sampleos varios (incluido un sonoro She Loves You directamente de los Beatles). Luego hay un pequeño fragmento acústico que oficia de breve puente hacia la melodía principal. Es lo más raro y experimental del álbum, lo cual no quita que su melodía en la parte de balada sea de las mejores. A continuación tenemos el melancólico y lánguido ensayo de puro blues Cementerio Club, con un bajo terriblemente penetrante que hace que las paredes de mi cuarto retumben como en un terremoto. También unas económicas líneas de guitarra que ofrecen el principal atractivo melódico de toda la pieza, donde también pueden escucharse frases como "Qué calor hará sin vos en verano"... Justamente por eso se me pinta en la cabeza una tarde de verano muy triste, solitaria y ociosa, de esas en las que no hay nada para hacer ni nadie con quien conversar. Triste, muy triste. Superchería arranca con tarareos de una HERMOSA (Hermosísima) melodía, pero en seguida se revuelve en un filoso (aunque no tan impresionante) rocker, para volver con unas líquidas guitarras eléctricas y después, inesperadamente, derivar en un groove bien jazzero ("Cuando te das cuenta que es tu amigo quien te da la mano". Es una de las características del álbum; todas o casi todas las canciones son como mini-suites repletas de ritmos de ideas melódicas. Entretenido, digo yo. La que no es ninguna mini-suite, sino que es una SEÑORA SUITE es Cantata De Puentes Amarillos, que ahora mismo y con los ojos cerrados nombro como la mejor canción aquí. Es que en nueve minutos se deslizan hacia nuestros oídos todo tipo de increíbles cascadas acústicas, melodías de ensueño, improvisaciones jazzeras y destilaciones del más puro surrealismo. Una auténtica maravilla que transcurre de principio a fin sin el más mínimo atisbo de aburrimiento, logrando que los nueve minutos se me hagan demasiado cortos. Unos fraseos de guitarra acústica nos abren la puerta... y una vez que el Flaco canta "Todo camino puede andar", arrancan esos hermosos acordes que nos meten de lleno; estamos adentro, ya nos rodea y la noche es fría. De improviso algo ocurre, hay una interrupción anunciada por unos golpeteos y florece como si nada un fenomenal blues ("Sube al taxi nena" que va humeando paso a paso, ritmo a ritmo, entibiándonos la sangre. Nuevamente los golpeteos sobre la madera de la guitarra, y arranca una melodía musitada sin palabras, una melodía completamente nueva allanando el terreno para algo, algo como ese tremendo rasguido acústico que desgarra la noche como un velo, mientras tintinean las maracas. La última parte de la suite es quizá la más fascinante de todas; de pronto nace una virulenta guitarra eléctrica garabateando una de las melodías más espectaculares y misteriosas que oí salir de ese instrumento. Y así, mientras el Flaco canta "Ya es mañana" y la guitarra sigue con su marcha marcial, se termina. Imposible que sean nueve minutos, sencillamente imposible. Viene otro clásico en Las Habladurías Del Mundo, un semi-rocker alegre y con más adrenalina, que tiene una de las estructuras rítmicas más entretenidas que he escuchado y que a través de sus fluidas plataformas eléctricas va anunciando que Artaud llega a su ocaso. Realmente se trata de un álbum ÚNICO que vale la pena al menos un puñado de oídas. La riqueza expresiva y musical de la obra es innegable, y creo que Antonin Artaud (pionero del movimiento surrealista) tuvo en manos de Spinetta un muy buen homenaje... un homenaje en forma de poesía que navega entre gradientes acústicas y sutiles reacciones melódicas. No, no es la más grande obra maestra de la humanidad ni nada que se le parezca, pero qué va! Todas las canciones son buenas y algunas, en su intencional y descarnada falta de espectacularidad, llegan a ser espectaculares. ¿Paradoja? Compruébalo por ti mismo. Fuente: http://www.drmusicstudio.cmact.com Queres ver un megapost de Pescado? ENTRA ACA