badabach

link: http://www.youtube.com/watch?v=BT-ddLvUjbE link: http://www.youtube.com/watch?v=e1jYEYPbnaA link: http://www.youtube.com/watch?v=9FFwUVOhdoA link: http://www.youtube.com/watch?v=Xj2bsu8shGE

"La ciencia y la vida ni pueden ni deben estar separadas. Para mí la ciencia da una explicación parcial de la vida. Tal como es se basa en los hechos, la experiencia y los experimentos… Estoy de acuerdo en que la fe es fundamental para tener éxito en la vida, pero no acepto tu definición de fe, la creencia de que hay vida tras la muerte. En mi opinión, lo único que necesita la fe es el convencimiento de que esforzándonos en hacer lo mejor que podemos nos acercaremos al éxito, y que el éxito de nuestros propósitos, la mejora de la humanidad de hoy y del futuro, merece la pena de conseguirse”. Así se expresaba Rosalind Franklin hacia 1940, cuando tenía veinte años, en una carta dirigida a su padre con quien, discrepaba en varias cuestiones. Rosalind es la científica con cuyos datos Watson y Crick formularon en 1953 el modelo de doble hélice que describe la estructura del ADN, uno de los hitos de la Biología del siglo XX. ¿Por qué son ellos los únicos descubridores? Pese a ser la científica que obtuvo los datos que por fin definir que el ADN tiene estructura de doble cadena helicoidal, no fue premiada con el Nobel. Había fallecido en 1959. Lo más patético, si se puede llamar así es que el premio se lo dieron a las personas( Watson, Crick y su colaborador) que habían usado sus datos a escondidas sin su permiso y por lo que luego han manifestado, le mostraron su desprecio como científica y le amargaron todos su carrera de científica de dos años que paso en el centro de King’s College de Londres. ¿Un mundo regentado por los hombres? Parece ser que si. Rosalind Franklin nació en Londres el 25 de julio de 1920, hija de un banquero judío obtuvo un título en física, química y matemáticas, en Universidad de Cambridge. En esos años, a las mujeres Cambridge no les otorgaba el grado de Licenciado, no las consideraba parte del claustro y limitaba el número de doctorandas a un 10% como mucho. Antes de trabajar con el ADN, Rosalind estudió la porosidad del carbón y tras obtener su doctorado se especializó en la técnica de difracción de rayos X, la que luego sirvió para obtener una fotografía ya célebre, la foto 51 que Maurice Wilkins mostró sin su consentimiento y sin ningún tipo de pudor a un joven americano Watson y a su compañero Crick que estaba terriblemente obsesionado con el descubrimiento de la estructura del ADN para ganar a su oponente. Secretos ocultos. En el tremendo culebrón provocada por la Foto 51, que sirvió claramente para el descubrimiento de la doble cadena del ADN. La estructura que sale en la foto se había sacado con otro tipo de forma ( la forma A) la anterior experimentada era la forma B, pero no se distinguía bien la forma, la estructura del ADN, la había obtenido Rosalind Franklin utilizando la forma B del ADN. Hasta entonces solo se disponía de datos de otra forma, la A, mucho menos hidratada y con la que no se había podido sacar ninguna conclusión. Watson deja bien claro en su libro de “La doble hélice” que una tarde a m Enero de 1953 Wilkins no solo le comentó los resultados de Rosalind, sino que le mostró la foto sin que ella lo supiera. Watson y Crick también conocían el informe que Rosalind había enviado para una evaluación, algo que supuestamente es confidencial pero que a su evaluador no le importó mucho. En su informe se redactaba que en la estructura del ADN las bases se sitúan hacia el interior, un dato crucial para resolverla, y en su foto 51 quedaba claro que la estructura era una doble hélice. Rosalind solo tuvo que hacer pequeñas correcciones al manuscrito que ya tenía preparado para enviarlo a la revista Nature cuando Watson y Crick enviaron su modelo. Abajo escribe de su puño y letra.: “Así, nuestra idea general es coherente con el modelo propuesto por Watson y Crick”. ¿Por qué la obviaron? Nunca sabremos si Rosalind Franklin llegó a saber que se habían divulgado sus datos sin su permiso, los otros actores de la historia nunca lo afirmaron pero tampoco lo negaron. Ni Watson ni Crick la nombraron en sus discursos de aceptación del Nobel. Fue Wilkins, precisamente el elemento del trío con quien Rosalind tuvo más problemas, a quien Crick convenció para que la mencionase. Cuando se trasladó a la Universidad de Birkbeck fue prácticamente obligada a abandonar el trabajo sobre el ADN y comenzó a trabajar sobre la estructura de los virus. Watson hablo de este tema exactamente pero no la menciono ni una sola vez. No parece que Rosalind tuviese rencores frente al hecho de que su trabajo sobre la estructura del ADN solo ocupó el tercer lugar en el número de la revista Nature en la que se publicaron a la vez la teoría de Watson y Crick, los resultados de Wilkins y los de ella misma. En 1959 murió de cáncer de ovario, pero no se saben si fueron razones laborales, debido a que su trabajo con los rayos X era muy duro. El Debate. En 1968 Watson publicó su libro en el que casi no habla bien de nadie salvo de sí mismo, pero la parcialidad de lo que cuenta de Rosalind Franklin removió la historia del descubrimiento clave de la Biología del pasado siglo. ”. Sus conclusiones se han criticado por dar demasiado peso al sexismo de los ambientes científicos de la Inglaterra de mediados de siglo. Lynn Osman Elkin ha escrito: “Hubo suficiente gloria en el trabajo de los cuatro como para que pudiera ser compartida”. Pero yo diría que lo que hubo en el descubrimiento de la doble hélice fue suficiente para que la estructura del ADN no solo sea una lección de intuición y trabajo científico, sino una excelente fuente para evaluar el comportamiento de los científicos a la luz de la ética. En Abril de 1953 aparecieron publicadas en la revista Nature dos pequeños artículos firmados por dos jóvenes investigadores, el norteamericano J.D. Watson y el británico F.H. Crick.Los artículos proponían un modelo estructural para una molécula hasta entonces enigmática y polémica, presente en todos los seres vivos y que respondía al enrevesado nombre de Ácido Desoxirribonucleico. Afortunadamente, este nombrecito se abrevió en tres letras, ADN para los hispanohablantes, DNA para los anglosajones. Hay veces que un hecho marca el inicio de una nueva época, abre nuevas puertas y conduce a caminos hasta entonces desconocidos.La publicación de los artículos de Watson y Crick fue la señal de salida para una nueva ciencia, o subciencia, la genética molecular. Algo que ha traido cola, cincuenta y tantos años después, y que seguirá haciendolo durante en el futuro, sin duda.Las repercusiones de los avances científicos se hacen sentir al cabo del tiempo, no de forma inmediata. Y la dilucidación del modelo estructural del ADN, en esa elegante doble hélice, ha traído y traerá repercusiones de toda índole en la vida cotidiana. La historia de cómo se concibió el fantástico modelo tiene varios protagonistas principales: *los honorables Watson y Crick, jóvenes investigadores un tanto desaliñados, independientes y casi deshauciados profesionalmente que, en el último momento, publican un descubrimiento que sacude los cimientos de la Biología *El señor Maurice Wilkins, director de un departamento científico que ofrece a los anteriores las pruebas que necesitan par construir su modelo de chapas y alambre...y que también se llevó el Premio Nobel. Rosalind Franklin, la gran olvidada de esta historia* La olvidada Rosalind Franklin. Fue, literalmente, quien le hizo la foto al ADN, quien descubrió una serie de medidas y periodicidades sin las cuales Watson y Crick jamás hubieran podido construir su modelo. Era considerada por Wilkins como una "simple ayudante". Nadie le sugirió que se uniera al equipo que estudiaba el ADN, a nadie se le ocurrió preguntarle si quería participar en el artículo de Nature, los del Nobel no se acordaron de ella tampoco en 1962. Murió de cáncer, a los 37 años. Trabajaba con los peligrosos Rayos X. Nadie puede discutir el mérito de Watson y Crick. Lo extraordinario ha sido cómo la historia oficial menospreció y olvidó el trabajo fundamental de un investigador de la talla de R. Franklin, ¿quizás por el mero hecho de ser mujer?..... Hoy en día se asiste a una rehabilitación de su nombre y su prestigio como científico. De hecho, uno de los edificios del King's College, su centro de investigación, lleva su nombre. ¿Por qué la doctora británica Rosalind Franklin, uno de los personajes clave en el hallazgo, ha quedado fuera de la historia de este avance genético? La historia registra, a nivel popular, sólo al británico Francis Crick y al estadounidense James Watson como descubridores de la estructura del ADN. Pero el Premio Nobel de Medicina o Fisiología de 1962 se entregó también a Maurice Frederick Wilkins. En esa ceremonia, sin embargo, faltaba un personaje fundamental en los trabajos que llevaron al premio concedido a estos tres científicos, la doctora Rosalind Franklin, personaje omitido con demasiada frecuencia en la historia del inicio de la genética moderna, excluida de un premio que se otorgaba a Crick, Watson y Wilkins, según el Comité del Nobel, «por sus descubrimientos referentes a la estructura molecular de los ácidos nucleicos y su importancia en la transferencia de información en el material vivo». Estas palabras explicaban, en el austero estilo de los premios Nobel, que Crick, Watson y Wilkins habían determinado por primera vez en la historia la estructura del ácido desoxirribonucleico, una sustancia aislada por primera vez apenas en 1869 por el médico suizo Friedrich Miescher. En 1944 se demostró que el ADN era un «principio transformador» que llevaba información genética, lo que se confirmó plenamente en 1952. La doble hélice Crick y Watson son los más conocidos en la saga del descubrimiento de la estructura del ADN porque fueron ellos los que en 1953 establecieron que el ADN estaba formado por una doble hélice. Su descubrimiento, publicado en abril en la reconocida revista 'Nature', estaba destinado a dar inicio a una de las mayores revoluciones en la historia de la biología. Pero es necesario saber cómo llegaron a esta conclusión los dos científicos para poder determinar con certeza el papel que jugó en esta historia la científica británica Rosalind Elsie Franklin, biofísica, física, química, bióloga y cristalografista de rayos X, una lista de logros académicos impresionante, máxime si tenemos en cuenta que la consiguió en una vida trágicamente breve, pues nació en 1920 y murió de cáncer en 1958. Sería muy sencillo determinar la forma de la molécula de ADN con un potentísimo microscopio de tunelado por escaneo. Este microscopio, inventado en 1981, puede 'ver' perfiles tridimensionales a nivel de átomos. Es un logro tal que sus creadores ganaron el Premio Nobel de Física en 1986. Pero en la década de 1950, las herramientas al alcance de los investigadores eran mucho más limitadas. Uno de los sistemas utilizados era la cristalografía de rayos X, un método indirecto para determinar la disposición de los átomos en un cristal. Al pasar un haz de rayos X por un cristal, los rayos X se difractan, sufren una distorsión que cambia según el medio por el que se mueve la onda electromagnética. (La difracción de la luz es la responsable de que un lápiz en un vaso de agua parezca quebrarse al nivel del agua.) Los ángulos e intensidades de los rayos X difractados captados en una película fotográfica permiten a los cristalógrafos generar una imagen tridimensional de la densidad de los electrones del cristal y, a partir de ello, calcular las posiciones de los átomos, sus enlaces químicos y su grado de desorden, entre otros muchos datos. En enero de 1951, la joven doctora Rosalind Franklin entró a trabajar como investigadora asociada al King's College de Londres, bajo la dirección de John Randall. Éste la orientó de inmediato a la investigación del ADN, continuando con el trabajo, precisamente, de Maurice Wilkins. Lo que siguió no suele salir en las películas y narraciones porque fue el duro y poco espectacular trabajo de Franklin para afinar sus herramientas (un tubo de rayos X de foco fino y una microcámara), y determinar las mejores condiciones de sus especímenes para obtener imágenes útiles. En este caso, el nivel de hidratación de la muestra era esencial. Habiendo determinado la existencia de dos tipos de ADN, se dividió el trabajo. Wilkins se ocupó de estudiar el tipo 'B', determinando poco después que su estructura era probablemente helicoidal. Rosalind Franklin, por su parte, trabajó con el tipo 'A', generando imágenes que descritas como poseedoras de una gran belleza, y abandonando la teoría de la estructura helicoidal sólo para retomarla después, afinada y perfeccionada. La 'fotografía 51' Una de las fotografías de difracción de rayos X tomada por Franklin en 1952, y que es famosa en el mundo de la ciencia como la 'fotografía 51', fue vista por James Watson a principios de 1953, cuando todos los científicos se apresuraban por resolver el enigma ante el fracaso espectacular del modelo de ADN propuesto por Linus Pauling. Esa fotografía sería fundamental para consolidar el modelo de Crick y Watson. Rosalind Franklin había redactado dos manuscritos sobre la estructura helicoidal del ADN que llegaron a la revista especializada 'Acta Cristallographica' el 6 de marzo de 1953, un día antes de que Crick y Watson finalizaran su modelo del ADN. Ese mismo día, Franklin dejó el King's College para ocupar un puesto en el Birbeck College y su trabajo quedó al alcance de otros científicos. Pero ella, al parecer, nunca miró atrás. El trabajo de Rosalind Franklin se publicó en el mismo número de 'Nature' que el modelo de Crick y Watson, como parte de una serie de artículos (incluido también uno de Wilkins) que apoyaban la idea de la estructura helicoidal doble de la molécula de la vida. Como la idea de esa estructura helicoidal rondaba por todos los laboratorios de la época, el debate de quién fue el verdadero descubridor de la forma del ADN probablemente no se resolverá nunca. Lo que es claro es que tanto Crick como Watson, Wilkins y Franklin fueron los padres comunes de este descubrimiento que literalmente cambió nuestro mundo y nuestra idea de nosotros mismos. El modelo de Crick y Watson no fue aceptado y confirmado del todo sino hasta 1960, cuando Rosalind Franklin ya había fallecido. Y como al concederse el Premio Nobel a los descubridores de la doble hélice, el reglamento del galardón impedía que se diera el premio de modo póstumo, Rosalind Franklin quedó sin el reconocimiento al que tenía, sin duda alguna, todo el derecho, como los otros tres premiados, y cayó en un olvido del que apenas se le empezó a rescatar en la década de 1990. A veces parece que las mujeres no han tenido ninguna importancia en los grandes descubrimientos mundiales, pero no es cierto. Rosalind Franklin es un claro ejemplo de ello. Considerado como el logro médico más importante del siglo XX, el modelo de la doble hélice del DNA abrió el camino para la comprensión de la biología molecular y las funciones genéticas; antecedentes que han permitido llegar al establecimiento, en estos días, de la secuencia "completa" del genoma humano. La historia dice que sus descubridores fueron Watson y Crick. Aunque lo cierto es que nunca hubiesen podido descubrir la forma del DNA sin la ayuda vital de ROSALIND FRANKLIN. Esta mujer nacida en Inglaterra el 25 de julio de 1920, murió en Londres el 16 de abril de 1958. Rosalind Franklin se graduó de la universidad de Cambridge en 1941, no sin antes salvar la oposición paterna. Hizo estudios fundamentales de microestructuras del carbón y del grafito y este trabajo fue la base de su doctorado en química física, que obtuvo en la Universidad de Cambridge en 1945. Después de Cambridge, pasó tres productivos años (1947-1950) en París, en el Laboratoire de Services Chimiques de L'Etat, donde aprendió técnicas de difracción de Rayos X. En 1951, volvió a Inglaterra como investigadora asociada en el laboratorio de Juan Randall en King's College, Cambridge. Para Rosalind era la oportunidad de aplicar sus conocimientos a la biología y el laboratorio de Randall se encontraba en el mejor nivel de desarrollo. En el laboratorio de Randall ella cruzó su trayectoria con la de Maurice Wilkins. Aunque ambas estaban referidas al DNA, lamentablemente, la misoginia y la competencia llevaron la relación a un conflicto permanente con Wilkins. Este llevaba largo tiempo trabajando en ADN y había tomado la primera fotografía relativamente clara de su difracción cristalográfica. Wilkins había sido el primero en reconocer en ésta los ácidos nucléicos y no estaba dispuesto a la competencia interna. En ese tiempo se conocía la forma deshidratada de la molécula (forma A), la que no sugería una forma helicoidal. Rosalind se concentró primero en interpretar los patrones de difracción utilizando las laboriosas fórmulas de Patterson. Las primeras imágenes obtenidas en Londres con el ADN deshidratado se conocieron en Cambridge. Watson había tenido ocasión de asistir a la clase que dio Franklin en noviembre de 1951 sobre el avance de sus investigaciones. Rápidamente, con Francis Crick se pusieron a la tarea de imaginar su estructura y para ello, trabajaron principalmente con modelos atómicos a escala. Este primer intento terminaría en un fracaso rotundo. Watson y Crick invitaron a Franklin y Wilkins a Cambridge para darles a conocer su propuesta. Esta consistía en un modelo helicoidal con tres cadenas. Iones de Magnesio sostenían unidos los fosfatos y hacia la periferia las pentosas y las bases nitrogenadas. Rosalind Franklin pulverizó sus argumentos. La cantidad de agua en el modelo no correspondía al de los estudios de difracción. Los fosfatos y, por lo tanto, el “esqueleto” de la molécula tenían que estar en el exterior de la misma. No existía en realidad ningún indicio consistente de que la estructura fuera helicoidal. La conocida flema inglesa seguramente impidió la catástrofe. De todos modos, el rumor llegó a la cabeza del laboratorio: Sir Lauwrence Bragg, quien decidió prohibir a Watson y Crick que sus estudios en el ADN continuaran. La astucia se impuso: James Watson se concentró en el estudio del virus del mosaico del tabaco. Este tiene al ARN como uno de sus constituyentes fundamentales. Dilucidar esta estructura le permitiría acercarse al ADN y de paso profundizar sus conocimientos en cristalografía. Mientras tanto, durante 1952 Rosalind Franklin repitió los estudios cristalográficos con diferentes grados de hidratación. Al hidratarse la difracción era completamente distinta (forma B). Como sabemos ahora, las fibras de ADN se alejan entre ellas y toman su forma nativa. A principios de 1953 Wilkins mostró a Watson uno de las fotografías cristalográficas de Franklin de la molécula de DNA, cuando Watson vio la foto, la solución llegó a ser evidente para él y los resultados fueron publicados en un artículo en Nature casi inmediatamente. Sin autorización de Rosalind, Wilkins se las mostró primero -las imágenes de la forma B (hidratada)- a James Watson y, posteriormente, un informe de Rosalind Franklin a Sir John Randall fue entregado a Watson y Crick. Francis Crick había trabajado en descifrar cómo se verían las estructuras helicoidales de las proteínas en imágenes de cristalografía. Y eso era justamente lo que tenía al frente en el informe de Franklin. Más aún, el reflejo de 3.4 Å en la meridiana implicaba que esa era la distancia entre los nucleótidos de una misma cadena de ADN. Al aplicar estas mediciones a la forma A y corregirla por la contracción y la densidad de la molécula sólo había lugar para dos nucleótidos en cada plano transversal. Si eso era así, lo más lógico es que las cadenas fueran también dos. Franklin murió prematuramente, de cáncer de ovario, en 1958 en Londres. Con toda probabilidad, esta enfermedad fue causada por las repetidas exposiciones a la radiación durante sus investigaciones. En 1962 se les concedió el Premio Nobel en Fisiología y Medicina a Watson, Crick y a Wilkins, sin hacer ninguna mención de la importancia que tuvo Rosalind Franklin. Sus compañeros, incluso Watson -famoso por la mordacidad con que se refería a sus colegas y por algún comentario de mal gusto sobre Rosalind- expresaron repetidas veces su respeto personal e intelectual por ella. En la actualidad, existe un amplio movimiento reivindicativo del papel primordial que Rosalind Franklin tuvo en el descubrimiento del ADN. En cualquier caso, Rosalind Franklin merece ya el lugar que ha llegado a ocupar, como icono del avance de las mujeres en la ciencia. http://es.wikipedia.org/wiki/Rosalind_Franklin http://www.mujeryciencia.es/2008/10/04/rosalind-franklin/

Cuerpo de pajilleras del Hospicio San Juan de Dios de Málaga. En diciembre de 1840, se autorizaba la creación (merced a una especialísima dispensa del Obispo de Andalucía) del Cuerpo de Pajilleras del Hospicio de San Juan de Dios, de Málaga. Las pajilleras de caridad (como se las empezó a denominar en toda la península) eran mujeres que, sin importar su aspecto físico o edad, prestaban consuelo con maniobras de masturbación a los numerosos soldados heridos en las batallas de la reciente guerra carlista española. La autora de tan peculiar idea, había sido la Hermana Sor Ethel Sifuentes, una religiosa de cuarenta y cinco años que cumplía funciones de enfermera en el ya mencionado Hospicio. Sor Ethel había notado el mal talante, la ansiedad y la atmósfera saturada de testosterona en el pabellón de heridos del hospital. Decidió entonces poner manos a la obra y comenzó junto a algunas hermanas a "pajillear" a los robustos y viriles soldados sin hacer distingos de grado. Desde entonces, tanto a soldados como a oficiales, les tocaba su "pajilla" diaria. Los resultados fueron inmediatos. El clima emocional cambió radicalmente en el pabellón y los temperamentales hombres de armas volvieron a departir cortésmente entre sí, aún cuando en muchos casos, hubiesen militado en bandos opuestos. Al núcleo fundacional de hermanitas pajilleras, se sumaron voluntarias seculares, atraídas por el deseo de prestar tan abnegado servicio. A estas voluntarias, se les impuso (a fin de resguardar el pudor y las buenas costumbres) el uso estricto de un uniforme: una holgada hopalanda que ocultaba las formas femeniles y un velo de lino que embozaba el rostro. El éxito rotundo, se tradujo en la proliferación de diversos cuerpos de pajilleras por todo el territorio nacional, agrupadas bajo distintas asociaciones y modalidades. Surgieron de esta suerte, el Cuerpo de Palilleras de La Reina , Las Pajilleras del Socorro de Huelva, Las Esclavas de la Pajilla del Corazón de María ,y algunas mas. Ahora vean cómo desde internet se tergiversa todo y cada cual lleva agua a su molino; en este caso alguien de derecha agrega al fin del comentario anterior una frase, que pongo en cursiva: El éxito rotundo, se tradujo en la proliferación de diversos cuerpos de pajilleras por todo el territorio nacional, agrupadas bajo distintas asociaciones y modalidades. Surgieron de esta suerte, el Cuerpo de Palilleras de La Reina, Las Pajilleras del Socorro de Huelva, Las Esclavas de la Pajilla del Corazón de María y ya entrado el siglo XX, las Pajilleras de la Pasionaria que tanto auxilio habrían de brindarle a las tropas de la República. Desde el link http://www.farodevigo.es/opinion/2009/09/27/falacias-internet-ordenes-pajilleras/372072.html, alguien da su versión del asunto con mucha gracia y pocas vueltas; vean: A mí no me parecería mal que por fe en algún Dios y solidaridad con las necesidades más elementales de los hombres, que suelen ser sexuales, hubiera existido una orden de monjas de la Misericordia Corporal especializada en estas artes manuales para ayudar al enfermo. Sería un acto quizás piadoso. Pero no es más que una de las rotundas mentiras que circulan por Internet y que siguen la lógica fascinante que Goebbels inyectó al nazismo y luego copiaron los publicistas contemporáneos: una mentira repetida mil veces se convierte en una verdad. No hace falta firmar en Internet y muchísimas veces nadie es responsable de lo que está escrito o publicado. Todos quieren salir de su anonimato, todos quieren ser periodistas en un día y la bazofia inunda la red. Con las pajilleras, alguien podría dudar pero la sospecha de falsedad aumenta cuando el autor habla sólo de las de La Pasionaria al servicio de la República y no cita ninguna orden al servicio del ejército de Franco, que era mucho más de Dios y por tanto más merecedor de tales prebendas. No, no, jamás hubo tal Orden aunque sí sabemos que, sin salir de Galicia, hay muchos pajilleros entre nuestros hombres públicos. Tan seguros estamos de eso como que dentro de poco, tras la lectura de este artículo, aparecerá una ONG de pajilleros, porque las oenegés son como órdenes pero sin Dios. La versión contemporánea y laica de la antigua misericordia religiosa. Hay oenegés de todo pero esa, la de pajilleros, no la tenemos.[/color

Esto sucedió en 2008: Un escándalo de polleras estalló en el FMI. Según reveló ayer el diario The Wall Street Journal, se abrió una investigación para determinar si el director gerente del organismo, el francés Dominique Strauss-Kahn, tuvo una "relación impropia" con una ex empleada del Fondo Monetario. El organismo ya contrató una agencia externa, Morgan, Lewis & Bockius, para que haga la pesquisa. Y Strauss-Kahn afirmó que dará su "cooperación". Dijo que fue "un incidente que ocurrió en mi vida privada en enero de 2008. En ningún caso abusé de mi posición como director del Fondo". Ex ministro de Finanzas en Francia, vinculado al Partido Socialista y de 59 años, Strauss-Kahn asumió la jefatura del FMI en septiembre de 2007. Es padre de cuatro hijos y casado en terceras nupcias con la periodista francesa de televisión Anne Sinclair. Según el Journal, la historia involucra a una economista que reportaba al Departamento de Africa del organismo. Se trata de la húngara Piroska Nagy, separada desde hace años del argentino Mario Blejer, ex presidente del Banco Central argentino. La sospecha que planteó el diario es de nepotismo vinculado a relaciones íntimas, pues, especula, Strauss-Kahn habría salvado a Nagy de una poda que hubo en el organismo este año, por la cual echaron a 600 empleados. Luego, Nagy renunció (el diario abre dudas sobre el monto de la indemnización que habría recibido) y hoy trabaja en el Banco Europeo para la Reconstrucción y el Desarrollo. El BERD dijo ayer que "fue contratada de modo normal y está altamente calificada para el trabajo que cumple". Un portavoz de Nagy, Robert Litt, afirmó que la prima de retiro fue similar a otras para personal de su rango. La poda del Fondo tuvo que ver con que la mayoría de sus gobiernos clientes ya la pegaron sus deudas y no quisieron seguir recibiendo su asistencia, dado el desprestigio en que cayó el organismo. Así, los ingresos del Fondo han caído extraordinariamente. Según averiguó Clarín, Blejer no planteó el problema al FMI, como señala el diario estadounidense, que alude al descubrimiento de presuntos mails entre Strauss- Kahn y Nagy. Su separación lleva años y mientras ella vivía en Washington, Blejer lo hacía en Londres con una hija de ambos de 11 años, a la que la madre visitaba periódicamente. Blejer sí respondió al comité de investigación cuando fue citado, dijo una fuente, y sus declaraciones se realizaron vía telefónica desde Buenos Aires. Se sospecha que el manto de sombras que se quiere echar sobre el titular del FMI surge de internas del organismo. La causa se inició a instancias del representante de Egipto, Shakour Shaalan, uno de los más antiguos miembros de la mesa directiva del FMI. "El tuvo el eco de algunas acusaciones este verano (boreal)", dijo el vocero del Fondo Monetario, William Murray. A Shaalan lo asesoraron delegados de Estados Unidos y Rusia. El escándalo sucede 15 meses después que un escándalo sexual acabó con la presidencia del estadounidense Paul Wolfowicz en el Banco Mundial, un organismo emparentado al FMI y con sede también en Washington. Wolfowicz, ex "halcón" del gobierno de George Bush, habría favorecido a una empleada con la que tenía relaciones. Tradicionalmente, el encargado del directorio del Fondo es un europeo y del Banco Mundial, un estadounidense. El Journal investigó que la relación entre Strauss-Kahn y su presunta amante comenzó a principios de este año, durante una conferencia celebrada en Europa. Se cree que el estudio Morgan, Lewis & Bockius informará sus conclusiones al consejo de administración del FMI a fin del corriente mes. Esto sucedió en 2011: El Fondo Monetario Internacional (FMI) informó que John Lipsky, segundo funcionario al mando, asumirá el cargo de Director Gerente Interino de la institución global ante la ausencia del líder actual, Dominique Strauss-Kahn, quien fue acusado de agresión sexual y tentativa de violación. El portavoz del FMI, William Murray, dijo que Lipsky se reuniría ayer mismo con miembros del panel del Fondo para informarles sobre el estado actual de la situación. El panel es el principal supervisor de las operaciones diarias del organismo con sede en Washington. “En línea con los procedimientos estándares del FMI, John Lipsky, primer vicedirector gerente, es el director gerente interino mientras el Director Gerente no se encuentra”, declaró Murray. Horas antes, el FMI desmarcó del proceso legal por el que atraviesa Dominique Strauss-Kahn y advirtió que el organismo “permanece operativo y funcional”. En un escueto comunicado de apenas cinco líneas, la directora de Relaciones Externas del Fondo, Caroline Atkinson, informó: “El director gerente del FMI, Strauss-Kahn, fue arrestado en la ciudad de Nueva York”. Y marcó la distancia al referir: “El señor Strauss-Kahn tiene un abogado personal y el FMI no tiene comentarios acerca del caso”. Agregó finalmente que todos los requerimientos de información sobre el caso tendrán que ser dirigidos a su abogado personal y a las autoridades locales. Apenas el jueves pasado, el propio Strauss-Kahn dio a conocer la decisión de John Lipsky de no buscar un segundo periodo en el cargo de Subdirector Gerente, quien dejaría el cargo en agosto. LO DETIENEN DENTRO DEL AVIÓN Strauss-Kahn fue detenido en Nueva York por la agresión sexual a una camarera de hotel, tras ser bajado de un avión minutos antes de su partida hacia París, informó la policía. Strauss-Kahn responde la instrucción de cargos de acto sexual criminal, intento de violación y privación ilegítima de la libertad. Agentes del aeropuerto John F. Kennedy lo obligaron a bajar del avión de Air France el sábado por la tarde y lo entregaron a la policía de Nueva York, indicó el vocero policial Paul J. Browne. Su abogado, Benjamin Branfman, no respondió de inmediato a las agencias de información. Mientras tanto, Francia despertó este domingo con la noticia y reaccionó con sorpresa y algo de suspicacia. Comentaristas en Internet se preguntaron si la acusación no sería parte de una campaña de calumnias del presidente Nicolas Sarkozy, cuya popularidad va en picada, contra su principal rival de cara a las elecciones del año próximo. LA DECLARACIÓN La camarera de 32 años, quien ayer identificó al funcionario del FMI en la Comisaría de Nueva York, dijo a las autoridades que entró a la suite de 3,000 dólares de Strauss-Kahn en el lujoso hotel Sofitel -cerca de Times Square, en el centro de Manhattan- alrededor de la 1 de la tarde del sábado y él la atacó, dijo Browne. Le habían dicho que aseara la suite en la que no había nadie. Según la declaración de la mujer a la policía, Strauss-Kahn salió desnudo del baño, la persiguió por un pasillo, la arrastró a un dormitorio donde intentó atacarla sexualmente. Ella aseveró que logró soltarse, pero él la arrastró a un baño donde la obligó a realizar sexo oral y trató de arrancarle la ropa interior. La mujer pudo escapar y denunciar lo sucedido al personal del hotel, que inmediatamente llamó a la policía. Cuando llegaron los detectives, Strauss-Kahn ya había partido, dejando olvidado su teléfono celular. “Parece que se fue con mucha prisa”, comentó el vocero de la policía. La policía descubrió que estaba en el aeropuerto y dio aviso a los agentes, que bajaron al directivo del FMI de la primera clase del vuelo de Air France que estaba a punto de tomar pista. La camarera recibía auxilios por lesiones menores en un hospital. (Con información de Yolanda Morales) Dominique Strauss-Kahn Hombre polémico y carismático Su carrera como Director del FMI ya se vio amenazada en octubre del 2008, al revelarse su relación extramarital con una economista húngara de la institución, pero fue absuelto de toda acusación de abuso de poder por parte del Consejo de Administración del Fondo. Nació el 25 de abril de 1949, es profesor de Economía y abogado de negocios, políglota y dueño de un aspecto elegante y relajado. Doctor en Ciencias Económicas, profesor, exdiputado y exministro de Industria y Comercio Exterior. Su imagen y su fortuna son tema frecuente para las revistas mundanas. Su aliado más valioso es su esposa, Anne Sinclair, con quien se casó en terceras nupcias en 1991. Periodista de TV, dejó el cargo en 1997 para no obstaculizar la carrera de su marido, nombrado Ministro y quien lo perdonó de su relación extramarital. Strauss-Kahn es padre de cuatro hijos en sus dos matrimonios anteriores. Acusan a Dominique Strauss-Kahn de acoso sexual, lo detienen en Nueva York antes de abordar el avión a Francia. Esto demuestra que: el zorro pierde el pelo pero no las mañas (con mis sinceras disculpas a los zorros)

Las chicas buenas van al cielo, las malas van a todas partes. Mae West (actriz estadounidense) Contrariamente a la mayoría de las mujeres creativas de nuestra época, yo no he imitado al hombre ni me he convertido en un hombre. Anaïs Nin (escritora francesa) El corazón de una mujer debe ser de cierto tamaño y no más grande. De lo contrario hay que comprimirlo; como los pies de las mujeres chinas. George Eliot (escritora británica) Diré lo que siento y hablaré de mí misma hasta la última página, y no pediré perdón. Elizabeth Smart (escritora canadiense) No es cobarde mi alma. No tiembla, en la espera del mundo, turbada por tormentas. Emily Brontë (escritora británica) Siempre me pareció que las minas buenas son aburridas. A mí me gusta remar contra la corriente, desafiar la autoridad. Es algo que traigo desde la cuna. Y me encanta mantener mi fama de mala. Rita Lee (cantautora brasilera) Cuando soy buena, soy muy buena, pero cuando soy mala, soy mucho mejor. Mae West No quiero la terrible limitación del que vive tan sólo aquello capaz de tener sentido. Yo no: quiero una verdad inventada. Clarice Lispector (escritora brasilera) No se nace mujer, se llega a serlo. Simone De Beauvoir (escritora e intelectual francesa) Como mujer, he encontrado que es sumamente embarazoso estar en una reunión y darme cuenta que soy la única en el cuarto con “pelotas. Rita Mae Brown (escritora estadounidense) El sexo forma parte de la naturaleza. Y yo me llevo de maravilla con la naturaleza. Marilyn Monroe (actriz estadounidense) Si pudiera encontrarlo..., si pudiera encontrar un hombre inteligente y al mismo tiempo con magnetismo corporal, con atractivo. Puesto que estoy en condiciones de ofrecer esa combinación, ¿por qué no esperarla de un hombre? Sylvia Plath (poeta estadounidense) Lee y conducirás, no leas y serás conducido. Santa Teresa de Jesús (mística española) Un día miserable. Por la noche he pasado horas pensando en los males del desarraigo. Cada vez que se deja un lugar, se deja morir algo precioso que no debería acabar. Katherine Mansfield (escritora neozelandesa) ¿Para qué casarse y hacer sufrir a un hombre cuando se puede hacer felices a muchos? Mae West Mi única ambición es llegar a escribir un día más o menos bien, más o menos mal, pero como una mujer. Victoria Ocampo (escritora e intelectual argentina) ¿Con quién estoy furiosa? ¿Conmigo misma? NO...Estoy furiosa... con todas las madres que conozco que han querido que fuera lo que realmente en el fondo yo no quiero ser, y con la sociedad que parece querer que seamos lo que en el fondo no queremos ser. Sylvia Plath Todos nuestros deseos son contradictorios... Deseo que el hombre al que quiero me quiera también. Pero si se entrega completamente a mí, deja de existir y yo dejo de amarle. En cambio, si no se me entrega completamente es que no me ama lo bastante. Hambre y hartazgo. Simone Weil (filósofa francesa) Qué cosa tan extraña, o qué extraña no-cosa, es escribir. Los escritores tiene que construirse una importancia, una vocación sagrada, para no sentir que están perdiendo el tiempo. Millones de demonios vuelan alrededor, tentadores. Cortar por lo sano. Bajar la cabeza y embestir. Elizabeth Smart ¿Tienes una pistola en el bolsillo o es que te alegras de verme? Mae West

Sir Lawrence Alma-Tadema (Dronryp, Holanda, 1836-Londres, 1912). Pintor neerlandés-británico. Su nombre original era Lourens Tadema. ] Estudió en la Academia de Bellas Artes de Amberes entre 1852 y 1857 y fue discípulo de Hendrik Leys. Sus primeras obras se inspiraron en la historia de los francos y los merovingios. En 1862, a raíz de un viaje a Londres en el que conoció sus museos, cambió su repertorio por escenas del antiguo Egipto. ] Se casó en 1863 y pasó la luna de miel en Italia, donde hizo numerosos apuntes y fotografías, especialmente en Pompeya y Herculano. La Antigüedad clásica sería, a partir de entonces, su tema preferido. En 1864 conoció en París al marchante Ernest Gambart, quien dio a conocer sus obras en Bruselas y en Londres. En 1870, a raíz de la muerte de su primera mujer, se trasladó a Londres. Un año después se volvió a casar con la artista Laura Epps y adquirió la nacionalidad británica. Sus amplios conocimientos de la arqueología, la arquitectura y el arte de Grecia y Roma le permitieron reconstruir detalladamente las escenas cotidianas de la Antigüedad clásica y adaptarlas al gusto victoriano. ] También hizo retratos y diseñó espectaculares decorados de teatro, muebles y trajes. Vivía tan inmerso en la estética clasicista, que sus dos residencias en Londres fueron decoradas como palacios pompeyanos. Alcanzó gran éxito entre los británicos y ejerció una extraordinaria influencia en Hollywood, especialmente en los decorados de las películas de los directores de cine David W. Griffith y Cecil B. de Mille. En 1876 fue nombrado asociado de la Royal Academy londinense, en 1879 académico de número y en 1905 fue condecorado con la orden del Mérito. En 1887 Ernest Gambart, que entonces era cónsul de España en Niza, donó el lienzo que custodia el Museo del Prado, Escena pompeyana (la siesta), pintado como un friso, al estilo de la cerámica de figuras rojas, e inspirado en la Hélade romántica de los parnasianos, visión poética y hedonista anhelada por Théophile Gautier, Louis Ménard, Leconte de Lisle o Baudelaire. ]El óleo describe una escena de indolente y plácida sensualidad homoerótica en la que un anciano reclinado y un joven tumbado, tal vez maestro y discípulo, disfrutan, bajo la protección de Venus, de la música que extrae de la flauta una bella joven. En 1870 Lawrence Alma-Tadema se estableció en Londres. Atrás quedaron los años de aprendizaje y de joven pintor independiente en Amberes y Bruselas que hemos visto en un artículo anterior. Su decisión no pudo ser más exitosa porque al poco tiempo adquirió la nacionalidad británica y se convirtió en uno de los mejores y más representativos pintores victorianos. Desde su llegada a Londres su estilo se definió por completo. * Se centró en la Antigüedad romana básicamente como temática de sus cuadros. A diferencia de otros pintores academicistas que prefirieron un mundo griego idealizado, Alma-Tadema prefirió tratar momentos, anécdotas, de la sociedad romana más hedonista y opulenta: sus ritos religiosos, sus fiestas, los rituales de cortejo entre amantes, los baños, personajes y anécdotas... ] ] Pero poniendo siempre como protagonista a la mujer, a la que también representa calma en la intimidad de sus domus. * Sus obras son composiciones que beben en muchas fuentes literarias y arqueológicas. Se puede decir que Alma-Tadema es un pintor que hizo una pintura popular que atrae a través de los sentidos, pero a su vez también buscó crear una complicidad con un público selecto y erudito. * Técnicamente su obra también atrajo por numerosas razones. 1. Sus cuadros son un goce sensual por el dominio que tiene en la plasmación de las texturas y de la calidad de los objetos. Es el maestro de los mármoles, de las flores, de las telas lujosas, de las cráteras de plata, de la piel delicada...] 2. Sus colores son brillantes y armónicos, de una belleza cromática ideal. 3. Aquellos cuadros ambientados en parajes con fondos de mar y cielos azules, que pudieran ser del golfo de Nápoles, nos muestran un dominio de la luz comparable a la de Joaquín Sorolla. 4. Algunas de sus composiciones son muy atrevidas, especialmente me gustan las de las mujeres que se asoman a un vacío buscando con la mirada a algo o a alguien fuera del cuadro. Nos centraremos en Esquina panorámica (1895) por lo representativo que es de todo lo que he comentado más arriba.] Representa a tres mujeres que asomadas en una terraza de mármol contemplan los barcos que se acercan a la costa. El artista pinta una perspectiva espectacular. El lugar podría ser una villa marítima de Capri (la de Tiberio) o de la ciudad de Baiae, en definitiva el Mediterráneo. ] Las mujeres parecen ricas aristócratas vestidas a la moda con finos vestidos y adornadas con flores y joyas. La luz del medio día deslumbra al reflejar sobre las aguas y el mármol. Todo es placer y sensualidad. Valoración histórica de su obra. En 1912 moría Alma-Tadema, justo cuando en Gran Bretaña se apreciaba un cambio de gusto estético. La batalla entre la Academia y los pintores postimpresionistas se decantaba hacia estos últimos. La obra de nuestro pintor pasó de ser elogiada a convertirse en el símbolo denostado del antiguo orden. Entre las décadas de 1920 y 1960 la reputación de la pintura victoriana decayó. Sirva de ejemplo que cuadros como El hallazgo de Moises (1904) no halló comprador en estos años. Sin embargo, de los 70 acá la pintura de Tadema ha experimentado un renacimiento sorprendente y el mismo cuadro se vendió en 1995 en la sala Christie´s de Londres por 1.562.500 libras. La pintura prerrafaelista ha estado considerada por muchos críticos, y gran parte de la sociedad, como un arte meramente romántico calificado a su vez de cursi, protagonizado por magos y hechiceros, héroes legendarios y frágiles. A pesar de ello, la dura crítica también ha reconocido, por otro lado, que el gran valor estético de los cuadros prerrafaelistas no tiene parangón con el arte victoriano.] Este arte es un reflejo de la lucha social que intenta eludir los traumas de la Revolución industrial, y por el que los artistas se sumergen en un mundo idílico y disfrazan la realidad con bellas metáforas. Los artistas se vuelcan en el mundo medieval y clásico, en las ciudades legendarias, en un mundo dominado por la estética femenina y la figura de la mujer, elemento este último que se toma como tema principal de todos sus cuadros. La mujer Las pinturas de Alma-Tadema más conocidas son las que se adentran en el mundo romano y griego. De ellos toma la predilección por el mármol, material al que hizo un gran homenaje en todos sus lienzos. Tadema es el elogio del mármol, de la sutileza, la poética pictórica y la serenidad. Sus ambientes están creados para acoger a sus personajes femeninos. El paisaje se adapta con su calidad y cromatismo a los cuerpos y rostros de sus mujeres. ]Fue un gran conocedor y apasionado de la cultura clásica. Su admiración por Pompeya, cuyas ruinas fue a visitar, se refleja en los muros de sus espacios pintados, en los que aparecen numerosas escenas que se pueden constatar históricamente. Su aportación al mundo plástico del Reino Unido (considerado en vida como el más grande de los pintores de la época victoriana) le valió el reconocimiento de Sir en el año 1899, a pesar de su origen holandés. Ideal femenino El universo plástico de transparentes colores de los cuadros de Sir Lawrence se enriquece con las posturas, gestos y delicados rostros de sus mujeres. Las mujeres de Sir Lawrence distan mucho de las de sus colegas prerrafaelistas, Tadema juega con los sutiles ritmos de las manos y con el ritmo de los estilizados cuerpos. Sus mujeres están llenas de luz y en ellas se representa el ideal clásico de la belleza. ] A través de la plasticidad de la pintura, Tadema recrea a sus mujeres con similares características que las esculturas de la Grecia Clásica y postclásica. Los mismos peinados de Afrodita o Ariadna, los mismos tratamientos de la piel remarcando la tersura, el frescor y la firmeza. Las mujeres de Tadema se divierten, sonríen y escuchan complacientes. Las escenas están repletas de luz y los movimientos de sus cuerpos se representan con la misma delicadeza que se refleja en las flores que esmaltan el entorno. El mundo femenino recreado por Alma Tadema es cándido, ingenuo, sugerente y sensual. Los cuerpos se modelan con suavidad, y los velos crean una sinfonía plástica con la transparencia de luces, eludiendo en todo momento las sombras. La mujer burguesa En un momento en que surgía el movimiento feminista por el que se pedía el derecho al voto de la mujer, se producía la Revolución Industrial y la mayor parte de la población vivía hacinada en casas insalubres, las pinturas de Alma-Tadema no reflejan esa realidad, su realismo pictórico se aleja mucho del realismo contemporáneo. Tadema representa a la mujer burguesa, culta, delicada, cultivada y sensible al arte, la música. Una mujer divertida, amena, de rostro agradable. Goza representando a la mujer joven, de piel tersa, y se centra en las miradas y los rostros sonrosados. La riqueza de ropajes, de telas vaporosas, sedas casi transparentes, adornados con flores frescas dan el toque de distinción que en aquellos momentos distinguían a las grandes damas. Refinada, sensual, sugerente, con una idea maniquea, por lo tanto victoriana, de lo femenino, la pintura de Alma-Tadema -contemporáneo de Vincent Van Gogh y, en su absoluto éxito como pintor y en la temática pictórica, su perfecto reverso- cayó en el olvido a su muerte y en la actualidad resurge el interés por ella. link: http://www.youtube.com/watch?v=qeAsg68YjDQ fuentes http://www.mujeractual.com/ocio/arte/almatadema.html http://algargosarte.lacoctelera.net/post/2010/09/05/lawrence-alma-tadema-ii-madurez-del-artista

[b]Actriz y cantante (11 de octubre de 1904 - 24 de diciembre de 2002) Nombre completo: Laura Ana Merelli Tita Merello no necesitó crear un personaje. En sus más de setenta años de trayectoria artística, simplemente recurrió a expresar los matices de su propia vida, entregando al público lo peculiar de su personalidad. No tuvo maestros. Tuvo abandono temprano, calle y tristeza, donde forjó la prepotencia que la caracterizó toda su vida, fiel reflejo de los papeles que le tocó interpretar en el teatro y en el cine. Un ejemplo de esto, es aquella memorable escena, una de las mejores de todo el cine argentino, de la película "Los isleros". En ella personifica a "La Carancha" (ave nocturna que ataca y devora a los animales más pequeños), mujer agresiva que forma pareja con un hombre tranquilo, un campesino manso. En la escena ella ataca verbalmente a su hombre y este resiste, hasta que lo llama "toruno" (buey o toro castrado), entonces el hombre reacciona y le pega rebencazos hasta amansarla, para finalmente poseerla físicamente. No nació para cantar. De joven decía con humor tangos reos. Más adelante, a medida que su repertorio se fue ampliando, al intentar sostener las notas, desafinaba. Pero tenía ángel y era aceptada por su público, tanto es así, que de varios temas realizó creaciones inolvidables y de tal magnitud, que ninguna otra cantante se atrevió a incluirlos en su repertorio sin salir mal parada. El tango Arrabalera -del film del mismo título, basado en la obra teatral de Samuel Eichelbaum, "Un tal Servando Gómez"-, "El choclo", "Se dice de mí", "Pipistrela" y "La milonga y yo", que fuera creada especialmente para ella por el autor y compositor Leopoldo Díaz Vélez, también para una película, son emblemas de su repertorio. Bajita, morocha, de bellas piernas, labios gruesos y sensuales, y ese gesto de mirada insinuante y provocadora, de quien todo lo sabe y todo lo ofrece. Esa era ella y su personaje. Y así fue. Buscó todo con rabia, exultante, consiguió muchas cosas pero también perdió. [/b] Fue registrada como Laura Ana Merello, nacida en la calle Defensa 715, el 11 de octubre de 1904. Hija de Santiago Merello de profesión cochero. Extrañamente no figura en su partida el nombre de su madre. Cuatro años más tarde una muchacha uruguaya llamada Ana Gianelli o Ganelli, se reconoce como su madre en la misma partida de nacimiento. Su padre ya había fallecido con sólo 30 años de edad. «Yo conocí el hambre. Yo se lo que es el miedo y la vergüenza», con estas frases comenzó el relato de los duros momentos vividos en el asilo donde pasó sus primeros años. «Mi infancia fue breve. La infancia del pobre es más breve que la del rico. Era triste, pobre y fea». Ya más grande, declaró sin pudor, "haber hecho la calle". Y acto seguido confiesa que ya siendo reconocida en el ambiente artístico, un periodista famoso, al saludarla y tomar su mano, luego de observarla procazmente con intenciones "non santas", le dijo: «Usted en otra vida debió haber sido cortesana.» Y ella contestó: «¿Y ahora qué soy?» Llega al escenario al enterarse que se necesitaban coristas en un teatro cercano el puerto, de esos característicos que vemos en las películas, frecuentado por marineros y gente del bajo fondo. Un periodista de la época lo describe como un teatrillo de mala muerte, casi pornográfico, de nombre "Ba ta clán", a partir de entonces, a las coristas se las llamó "bataclanas", y este término se convirtió en sinónimo de "mujer alegre". Tiempo más tarde pasó a ser una "vedette" y la bautizaron "La vedette rea". En esta condición estrena la obra "Leguisamo solo", creada por el director musical de la compañía, un italiano acriollado amante del turf, Modesto Papavero, y resulta un notable éxito. Un famoso crítico teatral que la conoció antes de los años '30 dijo de ella: «Es una de las actrices más temperamentales, más fogosas y de carácter más fuerte de la escena nacional, a la par que es muy picara, muy rápida para las réplicas, muy inteligente, e interpreta los tangos como actriz. Cada tango es un pequeña obrita de teatro.» Comenzó en el cine con el cine mismo. Aparece en la primera película sonora argentina reconocida como tal, "Tango", del año 1933. Otras posteriores apariciones suyas fueron de "segunda damita joven", pero de personalidad opuesta a la primera actriz que hacía el papel de "cándida" y con quien, en definitiva, se quedaba el galán, todo en un marco de comedia. Pero cuando en 1937 filma "La fuga" se revela como actriz dramática, desconcertando a productores y directores, por su naturalidad, su expresión y su desenvoltura. Otras películas importantes de su trayectoria en el cine, que la consagran en forma definitiva, fueron: "Morir en su ley", "Filomena Marturano" (del actor y dramaturgo italiano Eduardo De Filippo), "Los isleros", "Arrabalera", "Pasó en mi barrio", "Guacho", "Para vestir santos", "Amorina" y muchas más hasta superar las cuarenta. Con el tiempo y en pleno desarrollo de sus éxitos actorales es requerida por el teatro, la televisión y por la radio, medio, este último, en el que continuó hasta su vejez. Ya era "Tita de Buenos Aires". Como cancionista llegó al disco en el año 1927, para el sello Odeón, con dos temas: "Te acordás reo" (de Emilio Fresedo) y "Volvé mi negra" (de José María Rizutti y letra de Fernando Diez Gómez). En el año 1929 pasa a la Victor donde graba 20 temas, destacándose "Tata ievame p'al centro", "Che pepinito" y "Te has comprado un automóvil". Luego de un largo paréntesis vuelve a los estudios de grabación, en el año 1954, de la mano de Francisco Canaro, siendo esta su época consagratoria. Allí surgen discos inolvidables como "El choclo", "Se dice de mí", "Arrabalera", "Niño bien", "Pipistrela" y "Llamarada pasional", este último dedicado a Luis Sandrini y del cual es autora. En las décadas del sesenta y del setenta graba más de cuarenta temas, con las orquestas de Carlos Figari y Héctor Varela. Todo lo hizo con ímpetu arrollador. Fue mujer de muchos hombres, pero siempre reconoció un solo amor, el del actor Luis Sandrini (fallecido en 1980), con el que vivió alrededor de una década y quien luego la abandonara por una actriz más joven, Malvina Pastorino (fallecida en 1994). «Mi mejor personaje es el mío. Una actriz dramática se llora a si misma cuando interpreta un personaje teatral.» Obtuvo premios como actriz, pero lo más importante fue el reconocimiento del público, que la consagró como un símbolo de la mujer del tango y de Buenos Aires. Con el tiempo y los peronistas en el gobierno ella se encargará de rectificar sus despojos de identidad. Y cambiar el Merelli paterno por Merello, como bien se la conoce. Se crió en un asilo, y allí conoció el hambre y el miedo. "Yo se lo que es la vergüenza y el miedo. Cuando estaba en el asilo, una noche me desperté con dolor de barriga, y vi con horror que mi bombachita estaba manchada de caca. Siento todavía el frío del piso debajo de mis pies yendo al baño, y mis manos debajo del agua helada, para lavarla y volver a mi cuarto sin que nadie me escuchara ni me viera, además era la única bombacha que tenia" En 1924, ya era una figura destacada en el teatro Maipo, integrando la compañía de Roberto Gayol, en los programas se la anunciaba como "La vedette rea". Allí cultiva un tango de contenido humorístico, parecido al que hacía Sofía Bozán, pero con una modalidad interpretativa que se alineaba en la intencionada picardía de los cuplés y en la gracia de las tonadilleras españolas que tuvieron su apogeo en el Río de la Plata, entre 1900 y 1920. En su estilo se recogían los elementos propios del sainete, donde se alternaba el recitado y el canto. Su versión de "Se dice de mí", su grabación más famosa y una especie de autorretrato, son el ejemplo más representativo y definen la modalidad de un repertorio, que ella siempre mantuvo, entre los límites de lo cómico y lo grotesco. Cantando tangos, Tita Merello descubre una verdad que después explotaría en su extensa y exitosa carrera de actriz; "la gente siente las cosas de la piel para adentro", manifestó en más de una oportunidad. Ella tenía el lenguaje que le había dado la calle y perfeccionó, arriba del escenario, haciendo los sainetes. El tango, fue su compañero de toda la vida. Este siempre le permitió expresar lo que sentía y en ocasiones lo cantó sensible, amable, valiente y rebelde como en el caso de "Arrabalera": "Mi casa fue un corralón/ de arrabal, bien proletario/ papel de diario el pañal/ del cajón en que me crié./ Para mostrar mi blasón,/ pedigré bastante sano,/ soy Felicia Roberano,/ mucho gusto, no hay de qué." Era otra de las maneras de crear su estilo. El escritor argentino Horacio Salas, en su libro, "El Tango", la define así: "Tita Merello asumió desde el humor la representación de los sectores marginales, que nacidos en la más extrema pobreza arribaron al centro con el objeto de sobrevivir en el mundo del tango. Algunas de las letras de su repertorio son recuerdos de la picaresca de los primeros años y representan, en la misma asunción de su origen, una burla a la tilinguería del medio pelo porteño abocado a ocultar el ámbito en que transcurren los años de la infancia y las dificultades económicas sufridas hasta que llega el momento del éxito". La actriz Tita Merello siempre quiso hacer teatro y la oportunidad se la brindó el actor y cómico argentino Luis Arata en 1936. Un año después iría, por primera vez, a Montevideo para hacer "Santa María del Buen Ayre". Nadie la conocía, nadie le tenía confianza. Al terminar la función, la noche del estreno, el autor, Enrique Larreta, le preguntó en los camarines, de dónde había sacado la emoción de esa noche, con la ironía, que ya formaba parte de su personalidad le respondió: "De las letras de los tangos, doctor Larreta". Diez años después, le diría al escritor, periodista y hombre de radio argentino Héctor Bates: "Voy a ser la gran actriz de Buenos Aires. No sé cuándo, no interesa, pero lo seré y no creo que esto sea una insolencia ni una pretensión. No sé si será cuando tenga cuarenta y cinco años, pero de que lo seré, estoy convencida". Justamente a los cuarenta y cinco años, en 1949, se había convertido en la actriz que había soñado. Su papel de Filomena Marturano, lo representaría quinientas veces. Las otras películas, en las que demostró su gran talento dramático, fueron: "Los evadidos", "Para vestir santos", "Mercado del Abasto", "Pasó en mi barrio", "Arrabalera", "Guacho". Fue, sin duda, la Ana Magnani del cine argentino, pero no una Ana Magnani en miniatura, sino entera y cabal. Pequeño era su mercado comparado con el de la artista italiana, pero igual en su genio y carisma. Al producirse el golpe de Estado que derribó a Perón, en setiembre de 1955, Tita Merello, que se había constituido en figura descollante del cine argentino, fue definitivamente raleada. La discriminaron y la prohibieron. Le levantaron la censura a Libertad Lamarque y comenzó la de ella. Viajó a México, en 1957, para ganarse el pan, nuevos lauros y olvidar otro dolor mucho más hondo. Luis Sandrini, el gran amor de su vida, desde que se conocieron durante la filmación de la película "Tango", en 1933, decide dejarla en soledad y casarse con la joven actriz Malvina Pastorino. Volvería unos años después a Argentina, donde nuevamente se subiría a los escenarios, volvería a filmar, actuaría en radio y televisión, esas serían las ventanas abiertas al cariño de un público que la admiraba y adoraba como a pocas. El historiador y presidente de la Academia Porteña del Lunfardo, José Gobello, la define en forma rotunda: "Con barro de frustraciones y fuego de triunfos, fue modelada esta mujer admirable, este ídolo que vaya a saber de qué están hechos sus pies, porque todo el oro lo reservó para su corazón." En los últimos diez años (muere en 2002) estuvo internada y cuidada en la Fundación Favaloro. Dicen que cuando se sentaba a tomar el fresco en la puerta de la Fundación Favaloro los colectiveros la saludaban haciendo sonar sus bocinas: el saludo más espontáneo y lógico para una mujer del pueblo hasta sus últimas consecuencias. A su pedido, el dinero que podría haberse destinado a flores para su funeral será entregado a la institución que la cobijó a lo largo de la etapa final. Toda una mujer x Álvaro Loureiro Es cierto que a lo largo de sus 98 conscientes años hubo quienes compararon la intención y el desenfado de Tita Merello con similares atributos de Edith Piaf, mientras los especialistas en analizar temperamentos dramáticos no dejaban de referirse a la Magnani o a Bette Davis, sin olvidar al que, aquilatando el atractivo de las piernas y la carga sensual de la mirada, la asociara a la también legendaria Marlene Dietrich. El mérito de Tita, sin embargo, era, antes que todo eso, el haber sido la creadora de una imagen propia, nacida de la fibra personal de eterna sobreviviente y destinada a ser reproducida y destacada en los escenarios, el cine, la radio, los discos y la televisión. Nadie sabe empero cómo fueron en detalle los primeros difíciles, muy difíciles tiempos de la muchachita pobre que aprendiera a leer después de cumplir 20 años, cuando comenzaba a brillar en la revista. Atrás quedaban la niñez en el medio rural -hay hasta quien sostiene que Tita vio la luz en San Ramón, Uruguay- haciendo tareas de boyerito, en medio de una orfandad que le hizo conocer las paredes de un asilo. El traslado a Buenos Aires no apuntó en principio a la esquina de Corrientes y Esmeralda sino a los adoquines del bajo, recorriendo oficios, de sirvientita a copera en la milonga y ainda mais, como deja traslucir en el libro semiautobiográfico La calle y yo. ¿Qué mejor título podrían tener las memorias de esta mina cuyo temprano atrevimiento la impulsara a plantarse delante de cualquiera, abrir los ojos, fruncir el labio superior, mostrar las piernas y decir el verso con la ironía y el tono cachador de una intérprete de primera línea? El arte entonces la transformó y le abrió caminos. El pasado fue su escuela y se reflejó en cada una de sus actuaciones. Ojos, boca y voz. Más atrás venían un cuerpo bien torneado, la melena lacia y la carga provocativa que se escapaba por los poros. No era hermosa a primera vista, pero en un par de minutos se convertía en irresistible imán. Los primeros éxitos fueron en el viejo Bataclán y luego en el Maipo, animando cuadros tangueros en espectáculos de revista. A nadie se le ocurriría no obstante pensar, en plena década del 20 bonaerense, que esa misma Tita conquistaría, años después, el teatro "serio" para brillar no sólo en títulos como El conventillo de la Paloma, una obra un poco a su imagen y semejanza, sino además en vehículos realmente dramáticos como los que ofrecían La tigra de Florencio Sánchez, Filomena Marturano de Eduardo de Filippo o el intenso retrato de mujer abandonada que afloraba en Amorina, de Eduardo Borrás. Para llegar allí, le sirvieron el cine en donde pasó de tanguera protestona a gran figura y los discos de pasta que la radio difundía a toda hora. La mayor parte de los temas que cantaba o decía -mejor ambos términos- habían sido escritos para Tita, o Tita se adueñaba de ellos. Tal lo que sucediera con "Arrabalera", en cuya letra dejaba bien claro cuán orgullosa se sentía de serlo, la infaltable "Se dice de mí", toda una invitación para que se la viera en camisón, la graciosa "Pipistrella", una gloriosa versión de "El choclo", "Qué hacés, qué hacés" (pronúnciese "hashés" de modo de captar toda la carga de ironía), y "La milonga y yo", en donde la frase "vamos subiendo la cuesta" le serviría de leitmotiv para colorear inolvidables participaciones en los Sábados Circulares de Mancera. En unos y otros, con o sin el apoyo de la batuta del maestro Francisco Canaro, no hubo como Tita para pronunciar términos como "niño bien", "pretencioso", "engrupido" y otros epítetos que subrayaban que con esa mina no se jugaba. Si el feminismo no había llegado al Río de la Plata desde afuera, Tita, desde adentro, lo inventaba y patentaba. Por vivencias y elección, la Merello era una mujer independiente. Sólo siendo independiente pudo sobrevivir cercada por la miseria, el analfabetismo y los golpes y caídas en el empedrado. Esa misma mujer independiente no se sintió más tarde disminuida al decidir dejar su carrera en un segundo plano para seguir a su amado Luis Sandrini a México o a donde fuese. Esa especie de silencio voluntario y feliz se prolongó por casi toda la década del 40 hasta el momento en que Sandrini volviese la mirada en dirección de Malvina Pastorino. El fin de la relación no significó en absoluto el olvido para Tita por parte de quien siempre llamó el gran amor de su vida. Había habido y hubo igual otros hombres -un juvenil Tito Alonso que encarnaba a su hijo en Arrabalera la acompañó durante un tiempo-, sin desprenderse ella, por cierto, del recuerdo de aquel sentimiento que, años más tarde, la impulsaría a escribir el tema "Llamarada pasional". En el plano personal y profesional, de todas maneras, Tita se imponía el silencio y rehuía reencuentros y comentarios. Si bien se la conocía por manifestaciones como "no soy rencorosa, pero jamás olvido a los que me golpearon, despreciaron o insultaron", las contradicciones inesperadas formaban también parte de su marca de fábrica. O quizás no, ya que, católica practicante a su manera, faltaba más, Tita se las arreglaba para bajar la guardia y permitir aflorar una generosidad pronta a apoyar innumerables obras de caridad o a solidarizarse con colegas en dificultad. En las buenas, las muy buenas y las malas, Hugo del Carril, por ejemplo, fue uno de los grandes que se le acercó y la apoyó y ella hizo otro tanto. La Merello había bailado tangos y milongas con Tito Lusiardo, podía mostrar las uñas y sacarse chispas con Olinda Bozán en la pantalla o sobre un escenario y aceptar con entusiasmo y sabiduría papeles de mujer mayor, como lo hiciera en Los isleros y Pasó en mi barrio, obteniendo lauros de todas las tiendas. El marco peronista parecía entonces el ideal para promover el ascenso de una figura proveniente de las clases bajas que no se molestaba en ocultarlo y era capaz de enarbolarlo por dentro y por fuera de sus personajes. Por mérito propio, la Merello fue una gran estrella en la época de Perón y, pasado el ostracismo con el cual se intentó rodearla después de la caída del líder, no hubo tantos obstáculos a la hora de reverdercer los laureles. Para recuperar posiciones, supo utilizar las armas de mujer independiente mediante las cuales se abriera camino desde niña. Es que no resultaba tarea sencilla identificar a Tita con un grupo determinado. Más fácil, en cambio, se volvía descubrirla cerca de la gente anónima que se acercaba para pedirle ayuda o consejo. El consultorio sentimental -y existencial- de la Merello no sólo accedía a las páginas de una de las revistas de mayor venta. Más de uno se le presentaba en el estudio o en el teatro para contarle sus problemas. A las mujeres, por lo pronto, se las metía en el bolsillo cuando, entre el tango de rigor y las réplicas a Mancera, miraba a ese lente que tan bien conocía -"¡Ché, no me vayás a enfocar el bandoneón!", le lanzaba al camarógrafo señalándose el cuello y el mentón- sin dejar nunca de dirigirse a las "señoras" que la miraban y, sin duda, admiraban su sinceridad, porque sabían que, llegado el caso, se hallaban ante alguien que, con o sin razón, nunca se callaba y era capaz de poner a raya a cualquiera, desde la reina de Inglaterra para abajo. Tita Merello se había convertido en una señora capaz de lucir un modelo con elegancia natural y, al rato, irrumpir en el estreno de un compañero sin maquillaje y de pañuelo a la cabeza. Es probable que no haya nacido en San Ramón, por más que quería tanto a Montevideo como para mantener un apartamento en Pocitos al que se venía a descansar junto al inseparable Corbata. Los últimos años se le hicieron un poco largos en la soledad -o independencia- elegida. Es que, a lo mejor, de a ratos, Tita se olvidaba de que estaba bien acompañada por una legión de hombres y mujeres a los que emocionó, divirtió y hasta enseñó. Como no podía ser de otra manera, se fue el día de Nochebuena. (Diario La Répública, ROU) Se dice de mí Merello nunca renegó de su origen ni de su pasado y en un reportaje reconoció haber "hecho la calle". Hasta los 20 años fue analfabeta y fue un amante "culto" quien le enseñó a leer. Su gran amor, fue Luis Sandrini, el hombre que la marcó eternamente y con quien compartió diez años de su vida hasta que la dejó repentinamente después de un viaje, sin explicación alguna. A ese amor, que fue público, se comenta que le escribió el tango, "Llamarada pasional", canción que tuvo un gran éxito. Cuentan sus allegados que en su casa había una silla vacía, la que usaba Sandrini y que nadie volvió a utilizarla después de él. En 1992, la conductora televisiva Susana Giménez juntó a la veterana actriz y cantante (tenía 88 años) con la esposa de Sandrini, Malvina Pastorino. Ambas actrices aceptaron juntarse con la condición de no hablar del actor. Sin embargo en un momento del programa Merello dijo "el que te dije debe estar contento: acá estamos las dos, ella (por Pastorino) fue su mujer y yo, tal vez, haya sido su amor". Aunque nunca fue una militante, simpatizaba con el peronismo, la fuerza popular que dominó la historia política argentina y que la legitimó socialmente. Con la caída del gobierno de Juan Domingo Perón, Tita ya no tuvo el mismo trabajo, le fueron negadas muchas posibilidades e incluso llegó a ser atacada a la salida de una radio por grupos que apoyaban al golpe militar del 55, que derrocó a Perón. Así es como fue proscripta. Para poder mantenerse trabajó recorriendo el interior del país y en parques de diversiones y circos. Luego decidió viajar a México, desde donde retornó hacia la Argentina, en 1957. Retomó su trabajo, sorprendiendo al público con su participación en la televisión. Tita también figura entre los grandes nombres de la radio argentina: participó en ciclos con una gran repercusión, como "Mademoiselle Elise", con libro de Luis Mario Moretti y "Gorriona", con textos de Roberto Gil. Es en ese mismo medio, en la década del 70 donde emite su famosa muletilla: "Hacete el papanicolao" (examen ginecológico femenino que detecta enfermedades como el cáncer). Con el paso de los años y para ocultar su decadencia física la radio fue el medio en el cual se recluyó. En la radio trabajó hasta después de los noventa años en espacios semanales donde se convirtió en una especie de conciencia moral de los argentinos, dando mensajes de cuño cristiano. fontes http://literaturarioplatense.blogspot.com/2010/01/tita-merello-uno-de-los-grandes-mitos.html http://tango.idoneos.com/index.php/Biografias/Tita_Merello http://www.clubdetango.com.ar/articulos/tita_merello.htm

Bella, muy talentosa, inteligente y apasionada, ¿por qué una criatura destinada a la plenitud, terminó sus días de la manera más cruel y solitaria? El enigma de Camille Claudel nos interpela, son preguntas vigentes que vale la pena intentar responder. Sólo hasta 1970, cuando artistas e historiadoras de arte feministas se preguntaron por la presencia de las mujeres en el hecho artístico, la obra de Camille Claudel comenzó a ser reconocida. Esta mujer nacida en 1864, pasó gran parte de su vida junto al famoso escultor Auguste Rodin, como su amante y colega, además de ser las manos ocultas que esculpieron numerosas obras de quien protagonizaría la historia y ocuparía un lugar en los museos. Pero este no es el único vestigio: antes de ser expulsada de las páginas sepia de la historia, fue separada de la academia francesa. Comenzó a moldear sus primeras esculturas entre los 12 y 15 años y, en vista de que las mujeres no podían ingresar a la escuela de Bellas Artes, se hizo alumna de Alfred Boucher quien guiaría sus primeros pasos. A los 19 años conoció a Rodin, encargado de reemplazar temporalmente a Boucher; no pasaría mucho tiempo para que Camille, 24 años menor que él, se convirtiera en su modelo, y colaboradora. En 1886 Rodin firmó un contrato en el que se comprometió a sostenerla como artista, casarse con ella y renunciar a otras mujeres. Viajaron juntos, dieron vida a un taller convirtirtiendo sus obras en espejo de sus tormentos personales. Mientras la fama de Rodin aumentaba la de Camille quedaba oculta entre cinceles y piedras. La inconformidad y el sentimiento de abandono la condujeron a sentir celos, protestar y experimentar violentas tensiones. Rodin la echó de su estudio, comenzó a recibir a otras mujeres y en 1898 interrumpieron su comunicación. La artista quedó devastada y aislada en su taller, las continuas crisis emocionales la llevaron a destruir gran parte de su obra. La estudiosa en temas de género Marcela Lagarde, cuenta que esta historia es una fiel representación del ideal de amor romántico (caracteristico de una época histórica y extendido hasta hoy) que conduce a las mujeres al despojo de si mismas, cediendo toda su energía creativa al engrandecimiento de otros. Su padre murió en 1913, mientras ella vivía entre la pobreza y el abandono familiar; ocho días más tarde la madre firmó el certificado de ingreso de Camille en un hospital psiquiátrico, donde no podía recibir visitas ni correspondencia. Durante 30 años estuvo internada. Murió entre salas psiquiátricas el 19 de octubre de 1946, pasaron varios años para que su hermano, el poeta Paul Claudel, se ocupara de su cuerpo. Camille Claudel fue una genialidad no reconocida y distorsionada, que revela a una artista de fin de siglo que sufrió la dictadura de la cultura dominante misógina y androcéntrica. La primera retrospectiva de su obra se realizó en el Museo Rodin en 1951, pero sólo obtuvo reconocimiento público con la segunda muestra realizada en 1984, después del esfuerzo feminista por construir una genealogía de mujeres artistas. LA PASION DE CAMILLE CLAUDEL Drama Biográfico. Dirigida por Bruno Nuytten. Duración:170 min. Intérpretes: Isabelle Adjani; Gerard Depardieu Francia, 1988 Nominada 2 veces al Oscar como mejor película extranjera. Premio Cesar a la mejor película y a la mejor actuación. Sinopsis: La película nos muestra la vida de la artista Camille Claudel, quien desde pequeña siente gran placer por el arte y la escultura, a la que le dedica gran parte de su vida con la complicidad y el apoyo de su padre. Su madre, por el contrario, siente celos de su genialidad y establece una relación de rivalidad. Su hermano, el famoso poeta y diplomático Paul Claudel, también la reprueba y abandona por su comportamiento libertario. A los 19 años conoce a Rodin, su maestro, se convierte en su inspiración como modelo, musa y escultora. Inician una tormentosa relación con numerosas crisis y rupturas. Al morir su padre, Camille es encerrada en un manicomio donde vive durante treinta años. Su reclusión injustificada, estuvo mas cercana a la desobediencia frente a las normas sociales patriarcales que a la curación de una supuesta locura. (De: http://nuestracovacha.blogspot.com/2009/12/el-arte-y-la-locura-camille-claudel.html) El arte y la locura: Camille Claudel No me gusta la idea que propone que un artista genial debe estar loco. En algunos discursos, pareciera ser que la locura es la que está provocando esa genialidad en el artista. Varias veces me he encontrado con esa idea al hablar sobre Vincent van Gogh, incluso hay quienes relacionan su estado mental con la técnica de pintura que utilizaba. Varias veces dije que van Gogh, en sus ataques de locura, Vincent no pintaba absolutamente nada. Y es que en los ataques de locura, él estaba inmerso en su delirio, no en la belleza de su arte. Hay una escultora que pasó los últimos treinta años de su vida encerrada en un manicomio: Camille Claudel. El primer contacto que tuve con Camille Claudel fue probablemente el estreno de la película del mismo nombre (con Isabelle Adjani y Gerard Depardieu) en el legendario programa de televisión de Canal 7, "Función Privada". Quizá tuviera once o doce años cuando la ví. De la película, varias imágenes me quedaron grabadas, pero sobre todo la primera escena: en la madrugada, Camille juntando barro en un baúl para poder realizar sus esculturas. La película me quedó en la memoria, volvía a verla en las repeticiones del cable pero nunca busqué alguna otra información sobre la vida de la escultora. Fue el año pasado, en el marco de la exposición "La era de Rodin" en el Museo Nacional de Arte Decorativo, que tuve la oportunidad de encontrarme con algunas de sus obras y quedar profundamente impresionada. Camille Claudel Camille Claudel nació en 1864 en una familia burguesa francesa y desde los diecisiete años estudió en escuelas y academias de arte en París, en una época en la que era muy difícil que se permitiera a una mujer hacer tal cosa. En 1883, a los diecinueve años, conoció a quien sería su maestro, su amante, y en cierto modo, su más cruel enemigo: el escultor Auguste Rodin. Juntos realizaron obras bellísimas en las que se nota la influencia del uno sobre el otro. Apenas puede decirse quién influyó más, si Rodin en Camille o si Camille en Rodin. Pero Rodin estaba unido a otra mujer y, después de algunos años, decidió abandonar a Camille a su suerte. Para hablar del abandono, Camille realiza esta escultura: Absolutamente expresiva en su trabajo, ver una escultura de Camille Claudel es una experiencia extraordinaria. Son escenas breves y apasionadas, relatos hechos en bronce o en mármol que sin necesidad de estar adoctrinado en arte, uno empieza a recorrer con la mirada y los pies (1) si tiene la oportunidad de verlas en persona. Las fotografías apenas le hacen justicia al mármol en particular, siempre me asombra cómo los grandes escultores pudieron hacer piel a partir de una piedra tan dura como el mármol. Camille Claudel, La Valse/Les Valseurs, 1899-1905, escultura en bronce - 43,2 x 23 x 34,3 cm. Noten el movimiento de la escultura casi en espiral, cómo sale de un macizo escarpado para terminar en la delicadísima piel de los dos personajes y, sobre todo en esas dos manos que apenas se tocan. En lo poquito que pude ver de Camille, las esculturas son temblorosas, agitadas, como si estuvieran tratando de encerrar en el mármol o el bronce un instante o una emoción. Recuerdo que en el mar de esculturas que era el Museo de Arte Decorativo en ese momento, llegué al final a ver las de Camille para quedar profundamente emocionada con sus obras. Camille Claudel, Sakountala. Camille Claudel conoció tanto la fortuna de las buenas críticas en los diarios como el posterior desprecio, el amor de Rodin y su abandono, el apoyo de su padre y el desprecio del resto de su familia, sobre todo de su hermano, el escritor Paul Claudel. Se dice que algunas de las obras de Rodin fueron hechas por ella y firmadas por el escultor, lo que no es extraño, eso hacían la mayoría de los grandes artistas con talleres propios y gran reconocimiento en su época. Al ser abandonada por Rodin en 1898 se dedicó a esculpir encerrada en su habitación, apenas salía. Se sumió en la pobreza y finalmente en la paranoia y llegó a destruir gran parte de sus esculturas. Su familia, avergonzada, aprovechó la muerte de su padre para encerrarla en un manicomio en 1913. Un año después la trasladaron a otro manicomio donde vivió hasta el final de su vida, en 1943 después de muchísimos pedidos, tanto de ella como de amigos y médicos, a su familia, de que le permitieran salir. Durante ese tiempo, no volvió a esculpir nada. Camille Claudel murió completamente sola y fue enterrada en una fosa común para los enfermos olvidados en el manicomio por sus familiares. Tiempo después el asilo decidió ampliar sus terrenos y esas fosas fueron eliminadas por lo que en la actualidad se desconoce la ubicación de sus restos. Camille Claudel en el manicomio de Montdevergues. (1) La mejor forma de apreciar una escultura es girando alrededor de ella, si el escultor es sabio, la misma obra nos lleva directamente a caminar en círculos. http://cinematria.blogspot.com/2010/05/la-pasion-de-camille-claudel.html

Me mira. Con esos ojos que tiene, atentos siempre a lo que yo haga, en un punto suplicantes, color ámbar insondable. La quiero, me enamoré de ella desde que la vi por primera vez. Parecía una osita entonces, yo bajaba del colectivo y ahí estaba: en brazos de una mujer que la ofrecía al mejor postor. Dormía, oscilaba por el sueño. Conocí a Matilda cuando me bajé del colectivo una parada antes de la que me correspondía. La mujer me explicó que la regalaban porque la madre había tenido muchos cachorros y sólo se podían quedar con uno. ¿Por qué bajé una parada antes? Evidentemente porque Matilda y yo teníamos que encontrarnos. . Yo venía pensando en tener una mascota desde hacía tiempo. No un gato, pensaba en un perro: un perrito adorable y compañero, peludo y chiquitín. Todo eso se resumía en Matilda, me inundé de amor al verla y, sin pensarlo dos veces, le dije a su ex dueña que me la quedaba. Tenía cuatro meses, se adueñó de la casa, de mi corazón y de mi tiempo. Cuando pude sacarla fue fácil que se acostumbrara a hacer sus necesidades en la calle, que le resultó un formidable territorio lleno de olores que perseguía con fruición. No quiero exagerar con las habilidades de mi Matilda pero rápidamente hizo sus deposiciones solo en los árboles que encontrábamos a nuestro paso. Pero la verdadera dicha fue encontrar una plaza que parecía una pradera en la que muchos perros campaban a sus anchas. Entonces pude soltarle la correa y descubrí que era una gran corredora. Otro descubrimiento fue que nadaba como un pez: la llevé a pasear a un parque con lago y allí demostró que no en vano es cruza con Beagle. El tiempo siguió pasando y Matilda cumplió 9 meses. Ya venía notando que sus amigos machos de la pradera intentaban montarla en cuanto podían, eso me alarmaba pues además de considerarla muy joven ya había decidido que no tuviera crías. Y al fin llegó el dichoso celo y los consejos a veces desatinados y a veces sensatos de dueños de perros y veterinarios: no la saques ni por broma (¡durante 20 días!!), sácala o muy temprano o muy tarde, cuando no haya perros (¿hay algún momento en que no hay perros?) cuando la saques, llévate un palo para espantar a los perros sueltos (¿¿querrían decir los perros salidos??) Y en eso estoy: cuidando la virginidad de mi perrita Matilda, armada con un palo para amedrentar a sus posibles conquistadores, madrugando cada día a las 6 de la mañana, rogando para que el celo pase de una vez y vuelva a corretear libremente por la pradera.

Nacido en Buenos Aires en 1906 en el seno de una familia acomodada, Horacio Coppola se educó en un ambiente interesado por el arte, la música, la literatura y la filosofía. A los 21 años, estimulado por su hermano Armando, realizó sus primeras fotografías, en las cuales ya mostró la preocupación por la luz y los encuadres que distinguirían su obra. Aquellas imágenes de la ciudad se utilizaron para ilustrar la primera edición del libro "Evaristo Carriego", de Jorge Luis Borges. Horacio Coppola, es uno de los maestros fundadores de la fotografía argentina y protagonista principal de una época de oro dominada por un puñado de fotógrafos que se han convertido en clásicos, como Annemarie Heinrich, Grete Stern, Anatole Saderman y Juan Di Sandro. En 1929 participó de la fundación del primer Cine Club de Buenos Aires, del cual fue su presidente y poco después realizó un fugaz viaje a Europa, del que regresó con una cámara Leica de que nunca más se separaría. Pero será segunda incursión por el Viejo Mundo, en 1932, la que resultará decisiva en su vida y su carrera. Alemania vivía por entonces un período de singular desarrollo en todos los campos del arte, una expansión que se sintetizaba en la escuela Bauhaus, que fundara Walter Gropius, uno de los padres de la arquitectura moderna. Coppola fue admitido en la Bauhaus y permaneció en esa institución capital para la historia del arte del siglo XX hasta que fue cerrada por el nazismo en 1933 y él se marchó a París. En Francia, realizó sus primeros trabajos de proyección internacional: el libro L'Art de la Mesopotamie, con fotografías de las colecciones de arte sumerio del British Museum y del Louvre, y los retratos de Marc Chagall, considerados las fotos más impactantes que existen del artista francés. En 1934, Coppola se casa con la fotógrafa Grete Stern, a quien había conocido en la Bauhaus, y viajaron a Buenos Aires. Animados por Victoria Ocampo, presentaron en la redacción de la revista "Sur", una exposición conjunta que habría de constituir el puntapié inicial de la fotografía argentina moderna. Como resultado de esa muestra, la municipalidad de Buenos Aires le encarga la realización de un libro sobre la ciudad. En esos momentos se preparaba la inauguración del Obelisco como parte de la celebración de los 400 años de la primera fundación. El libro se llamó "Buenos Aires 1936" y contribuyó a la difusión de su nombre y al reconocimiento de su trabajo en el país. A partir de ese momento, Coppola realizó innumerables trabajos, entre los que pueden mencionarse el relevamiento fotográfico de las piezas de arqueología precolombina del Museo de la Plata y de la obra del gran artista colonial brasileño El Aleijandinho. En la década del 60, Coppola se ubica entre los primeros fotógrafos que encararan la realización de fotografías en color. Con ese material realiza dos muestra en la galería Van Riel: las series de paisajes "Nahuel Huapi" y formas abstractas que agrupo bajo el nombre de "Divertissement". En 1969 realiza la exposición más importante de su carrera en el Museo de Arte Moderno: "Cuarenta años de fotografía" es una gran retrospectiva de su obra, que será luego exhibida en Austin, Texas, y en Ann Arbor, Michigan, Estados Unidos. Olvidado durante los años setenta, su obra es "redescubierta" en la década siguiente y se lo invita a participar en la exposición "Fotografie Lateinamerika Von 1860 bis Heute", que se realiza en Zurich. Vuelve a exponer en la Argentina y es convocado como jurado para el Salón Nacional de 1987. Con la energía de siempre, se integra al medio fotográfico a través de los Encuentros Abiertos de Fotografía, que habría de tenerlo a comienzos de la década del 90 como uno de sus animadores. El haber estado emparentado con el cine le permitió un manejo de la luz que lo caracterizó, esta es una de las características de mas particulares de su fotografía. Dejó de fotografiar pero brindó enseñanzas a los alumnos que descubren en él a un MAESTRO.