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Bueno me parecio interesante la disputa que hubo entre Justin Bieber y James Hetfield, y como este ultimo le dio practicamente una leccion de caballerosidad, madurez y profesionalidad al pendejo, Aqui les dejo las dos cartas escritas por los involucrados: Justin Bieber: “He escrito esta misiva para todos los que han desatado esta catarata de agresiones hacia mi persona que se han tornado cada vez mas tensas, llegando hasta lo físico en uno de mis últimos recitales. Dejando de lado lo que puede considerarse un accidente aislado (el impacto de botella que recibí), me voy a enfocar en los jóvenes que mediante el uso de Internet expresan su aversión hacia mi música y mi persona con constantes agresiones que ya no puedo tolerar. Los jóvenes a los que aludo, son seguidores de un estilo de música que ellos llaman heavy metal. Estos adolescentes son violentos, se expresan mal y viven su vida como una condena, como algo malo. Yo solo quiero contagiar al mundo de la música con mi felicidad y ellos tratan de nublar mi obra con sus lugubres pensamientos. Nunca les falte el respeto. Nunca aludí a ellos hasta este momento, ya que yo, como todo ser humano normal, tengo un limite de lo que puedo llegar a tolerar y lo que no. Esta situación me propasa: He descubierto que hay mucha gente de este grupo nefasto dispuesto a tratar de que en la famosa red Youtube supriman mis vídeos. Al enterarme de esto, me senti muy mal. Y también mal por ustedes, cuyo afan era coartar la libertad de expresión de un artista como el que soy. ¿Les parece bien suprimir lo que les desagrada? Igualmente, sus planes maquiavelicos no tendran éxito, Youtube no va a suprimir un exito arrollador que constituye diversión sana, como mis canciones. Por otra parte, les informo que aunque no tengo nada en contra de ustedes por mas de que me hayan herido, rechazo profusamente el metal ¿Por qué? Porque es una musica insulsa, violenta, oscura, que incita a los jóvenes a caminar por la senda del pecado y encerrarse cada vez mas en una ensoñacion melancólica, melodramatica y carente de sentido. No voy a mentirles, he escuchado bandas de metal y las rechace enseguida. Para dar un ejemplo, citare Metallica: El cantante, Hetfield, es mediocre y abusa de los gritos, carece totalmente de la armonia con la cual yo nací. Y el guitarrista, solo emite ruidos ¿Donde esta la música entonces? Otra que tambien he escuchado es Megadeth. Pense que era distinto, pero me decepciono. El cantante usa un estilo de voz que me provoca aversión, algo así como que estuviera en constante llanto. Y los otros músicos de la banda… mejor no emito opinión. Pero cuidado, esto no es una agresión… es una critica constructva que hice en base a mis años de estudio de canto, gracias a lo cual llegue a ser lo que soy. En fin, vivamos y dejemos vivir. Convivamos. Apoyen la diversidad, si respetan lo mio, respetare lo suyo. Su amigo. Justin” Y en respuesta a esto el cantante de Metallica respondio de manera excelentemente educada y poniende punto final (en lo que a mi respecta) a la credibilidad de Justin Bieber, ya que el musico consiguio su exito en una carrera de años, creando gran parte de la historia del Heavy Metal y el "artista" de Justin Bieber, tiene un exito forzado por las masas y hasta el mismo capitalismo. James Hetfield: Me he visto con la necesidad de contestar a las afrentas recibidas en el día de ayer por Justin Bieber, ya que sus palabras han herido mi amor propio por haberse referido a mi arte, mi música. La verdad me sentí muy mal por la noche cuando me entere de esto porque con todos mis años con la música ya no se que hacer. Sinceramente todos mis años de carrera se ven descalificados por gente sin experiencia que mueve masas de una manera que no me agrada. Técnicamente, pude haber tomado acciones legales. Pero preferi no hacerlo dada la edad del muchacho… no quiero atormentarlo con un proceso legal. Mis fuentes me han informado que Mustaine, que esta en todo su derecho, ha decidido tomar acciones legales, pero no creo que las continúe. Sabemos que Dave es temperamental, pero tiene buen corazón y se dara cuenta que este muchachito no sabe lo que dice. Yo no voy a criticar a mi colega porque caeria tan bajo como él, eso si lo unico que quiero expresar es que aprenda sobre respeto que es lo que le falta. Debe aprender que un éxito momentaneo y transitorio no escribe la historia de la música. También quiero expresar que le queda un enorme futuro por delante y quiero que lo sepa disfrutar, con libertad y usando su criterio: No el que le imponga el mercado. Lo que mas me choco, por supuesto, es tu critica hacia mi publico, a quienes les debo todo porque ellos me hicieron quien soy. Ellos lograron que pase de ser un don nadie a ser James Hetfield de Metallica. No puedes calificarlos de deprimidos, melodramáticos y oscuros. Haciendo eso estas tratando de decir que nuestra musica los influye de tal manera que les perjudica la animosidad. En fin, es descalificar totalmente nuestro estilo. Pero se que no lo has dicho con intención de gererar una trifulca. Creo que tus palabras no las pensaste,sino que fueron influenciadas por quienes te dan trabajo. Con respecto a lo de tu accidente con la persona que te arrojo la botella, rechazo totalmente esa conducta ya que es simbolo de ignorancia y una total falta de respeto hacia la persona que esta en el escenario, poniendo todo para entretener al publico y darle aunque sea una pizca de alegria que ilumine sus vidas. La carta es breve porque me veia la necesidad de responder pero el tiempo lo tengo para gastar en cosas mejores, como aprovecharlo con mi familia. Espero que esta disputa verbal se vea terminada de este mismo momento. Me despido con un saludo cordial y tienes las puertas abiertas para visitar a la banda en nuestros proximos conciertos. Espero que nadie se vea ofendido por esto, y si asi lo es, no era mi intencion. James Para seguir con algo relacionado con el tema, hoy vi en Youtube un video de Dross, el cual contesta a la chica que subio un video defendiendo a Justin Bieber y tambien habla sobre los metaleros que subieron un video bardeando a esta misma chica: link: http://www.youtube.com/watch?v=A4b1SJz3p9s Comentario Bardo = Comentario Borrado Encore_51

Bueno gente aqui les dejo algunas criticas de algunas peliculas con las que en su mayoria concuerdo bastante, que las disfruten: Por Marta Muñoz: Calificacion (xxxx) Cine de "contagios misteriosos", un recinto cerrado en el que van cayendo los infectados uno a uno, sangre y vísceras.. a priori, REC colecciona los tópicos del subgénero. Entonces, ¿qué es lo hace que tengamos la sensación de estar ante algo original, o que dejemos las uñas clavadas en los brazos de la butaca durante esos ochenta minutos? El recurso de la cámara en mano es el gran protagonista. Balagueró y Paco Plaza nos presentan una falsa grabación en la que un programa de TV "noticias" cubre por casualidad un extraño suceso. Vemos la película a través de la cámara del programa y nos lo narra una ambiciosa periodista que se encuentra ante la historia de su vida. El método nos es familiar, un estilo de reportaje que vemos a diario en programas del tipo Madrid Directo, está en nuestra rutina. Es algo que le da a toda la historia un aire de verosimilitud y cercanía. Y precisamente eso, normalizar un tema tan extraordinario como el de un contagio zombie con un contexto tan familiar, es una de las cosas que hacen que REC dé más miedo. Con todo el juego que el recurso supone, además: giros de cámara, visión nocturna, elipsis visual y/o auditiva... Lo que en principio podía ser una apuesta arriesgada, la elección de una actriz de la cantera de Los 40 TV para el papel protagonista, es uno de los grandes aciertos de la película. El relativo anonimato en el mundo del cine de Manuela Velasco y su absoluta credibilidad con un micrófono en la mano redondea el efecto de realismo. La naturalidad es algo que define al casting al completo de la película, todo los actores contribuyen a crear una comunidad de vecinos de lo mas convincente. Quizá nos sobre la explicación final: la teatralidad de un magnetófono está fuera de lugar en una historia que se ha definido hasta los últimos minutos por provocar tensión sin excesos efectistas. La historia funciona, los personajes funcionan, nosotros saltamos en la butaca... los comentarios más repetidos a la salida de la proyección han estado en esa línea: "la he disfrutado mucho, pero... !qué mal lo he pasado!" REC es, definitivamente, un soplo de aire fresco para un género que está muy necesitado de savia nueva. Lo Mejor: el planetamiento. La dirección. Manuela Velasco. Lo Peor: no faltará el prejuicio por tratarse de una película de terror española. -------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- Por Sergio Morcillo: Calificacion (xxxxx) Mucho se ha hablado de esta producción de Paco Plaza y Jaume Balaguero, pero no ha sido hasta el festival de Sitges cuando por fin hemos podido disfrutar de ella. Antes de entrar en la sala, nos avisaron que personas con algún problema de corazón o epilepsia no era recomendable que pasasen a ver la película. A pesar de su escasa duración (80 minutos), durante ese periodo de tiempo, el espectador es protagonista de un espectáculo plagado de sustos y tensión. Durante su metraje nosotros seremos el teleespectador que va a presenciar una noche en la piel de unos bomberos de Barcelona a través de las palabras de una fantástica Manuela Velasco. Desde el minuto diez hasta su desenlace no paras de dar botes en la butaca y de gritar como un loco. Gracias a su estrectura narrativa no sabes lo que te vas a encontrar ni lo que va a pasar. Los actores están fabulososos y creíbles en sus papeles. Además, Plaza y Balagueró también saben hacernos reír, pues REC también tiene su punto cómico (pero como un punto y aparte en la película, no durante las espectaculares persecueciones). Pese a que se comentaba la mala elección de Manuela Velasco como protagonista, todos los prejuicios que podría haber contra ella se desvanecerán al ver la película, ya que como adelantó Plaza en nuestros fotos, está sensacional y da una credibilidad necesaria a un título como este. Sus gritos, su mirada, su desesperación la convierte en la nueva "Scream Queen" del cine español. El maquillaje y la realización del film es completamente brutal, el utilizado es tan realista que te hace quitar los ojos de la pantalla. Aquí no presenciaremos zombis made in Romero, si no que tendremos nuestros zombies made in Spain, muy realistas, sin complicaciones de ningún tipo y que encima, corren que se las pelan. En conclusión, Rec funciona de una forma más que efectiva, con un reparto de muerte, un argumento original dentro del género, unas interpretaciones fluidas y realistas y una realización deslumbrante. Lo mejor: Que se trate de la mejor película de Filmax, y que de una buena lección al cine americano. Lo peor: Prácticamente nada. Por Marta Muñoz: Calificacion (xxxx) Si echamos la vista atrás recordaremos que en 2007 la película más taquillera en España fue El Orfanato, la ópera prima de J.A. Bayona. No obstante, la gran sorpresa (y triunfadora) del año fue , un título por el que no se apostaba demasiado en principio y que se ha convertido en un referente del terror actual y un claro ejemplo de cómo el boca a boca (e Internet) pueden ser el mejor aliado de una película. El tremendo éxito del título de Balagueró y Plaza auguraba la llegada de una secuela. El inconveniente: que la experiencia de los aficionados al género en últimos años con la industria cinematográfica ha provocado que palabras como "secuela", "remake" o "precuela" produzcan desconfianza. Así que, para comenzar, os tranquilizamos: 2 es grande, muy grande. Preguntar si es tanto o más que su antecesora es injusto. 2 es a lo que Aliens fue a Alien. Son dos películas completamente diferentes que parten de la misma premisa. Si las principales bazas de eran su capacidad para asustarnos mediante su particular punto de vista, aquí la acción le gana terreno a los saltos en la butaca. El guión de 2, pese a ser algo tramposo, trata de huir de los clichés propios del cine zombie ofreciéndonos unos personajes creíbles, las dosis justas de humor negro y un giro a mitad de película que ayuda a que no decaiga en ningún momento. Además, la cuidadísima puesta en escena (ojo a la fotografía de Pablo Rosso) y un montaje espectacular hacen que el edificio, en el que detrás de cada puerta acecha un peligro, se convierta en un personaje más. La estética roza el puro estilo shooter, haciendo que por momentos el espectador se sienta recorriendo los pasillos ariete en mano. Nos hemos sentado en la butaca a ver 2 con la misma sensación en el estómago que teníamos con diez años al abrocharnos el cinturón en la montaña rusa (la grande, ¿eh? No la de niños) Pensando que íbamos a pasar mucho miedo. Y sí, el viaje ha sido muy bueno, pero las subidas y bajadas estaban orquestadas de otra manera. Si en Ángela (Manuela Velasco) se las apañaba para conseguir del espectador una empatía total (¿quién va a querer que le pase nada a una criatura tan mona y agradable?) aquí el espectador no tiene tan claro si quiere salvar a los "protas" o va a aplaudir cuando alguno de los más molestos sufran en pantalla (Dense por aludidos todos aquellos que batían palmas cuando... y cuando... bueno, ya sabéis) Y sí, ¡claro que hay saltos en la butaca! Pero también mucha acción y unas cuantas risas. Y, sobre todo, una complicidad absoluta con el espectador. 2 da lo que promete: noventa minutos de pura diversión. El regreso de Manuela Velasco (esto ya no era un secreto, ¿no?) y la Niña Medeiros (no nos engañemos, ésta es la verdadera protagonista de la saga) no decepcionan. Sin duda alguna, 2 va camino de repetir los éxitos de la primera entrega y demuestra que es una saga que está viva y todavía tiene mucha guerra que dar... Lo Mejor: pocas veces se puede decir que una secuela es tan buena como el original; o mejor aún, que aporte algo nuevo Lo Peor: su "tramposillo" desenlace. --------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- Por Miguel Martín: Calificacion (xx) Uno no puede dejar de pensar en los motivos que llevan a ciertos directores a realizar innecesarias secuelas de películas autoconclusivas, como era el caso de ‘Rec’. Se podría pensar que en la realización de una segunda parte se solucionará algún cabo suelto de su predecesora, que la trama evolucionará, o que al menos se intentará ofrecer al espectador algo de innovación. Desgraciadamente ‘Rec 2’ no va más allá de su primera parte en cuanto a la evolución de la idea principal, se trata únicamente de contar la misma historia desde otro punto de vista (cuando la cosa ya no da más de sí, los directores se sacan de la manga unos cuantos personajes nuevos con los que dar otro punto de vista diferente). Y lo que es peor, la supuesta innovación de ‘Rec 2’ resulta bastante pobre y rompe por completa la coherencia de la película madre, en la que se jugaba con cierta ambigüedad para explicar los acontecimientos. Digamos que es convertir de un plumazo ‘28 días después’ en ‘El exorcista’ (saga a la que se ‘homenajea’ en demasiadas ocasiones, incluso a su tercera parte). O mejor (peor) aún: cambiar radicalmente de ‘Zombie’ a ‘El exorcista: El comienzo’. Este cambio de registro dentro del género de horror es lo que lastra principalmente la película. Si uno de los puntos fuertes de la primera parte era precisamente su credibilidad, en esta segunda entrega cualquier vestigio de realidad es masacrada en pos del espectáculo (especialmente por ese cambio de identidad en los infectados). No es solo que en general las interpretaciones sean bastante pobres, sino que además algunas escenas resultan completamente increíbles desde su planteamiento (en general, todo lo que tiene que ver con los adolescentes). Tampoco funciona el humor negro más que en un par de ocasiones contadas, alejándose de la mala leche que destilaba buena parte de la película original. No todo es malo en esta película, de hecho tiene partes en las que los directores logran crear una gran tensión (en especial un par de escenas en las que el personaje del GEO argentino tiene especial protagonismo). Sin embargo es tal la cantidad de despropósitos que salpican el metraje (desde un macguffin bastante ridículo hasta el absurdo uso de la visión nocturna en su tramo final, pasando por la segunda entrada al edificio o la aparición/desaparición de los infectados a conveniencia de los directores), que es difícil tomarse esta ‘Rec 2’ mínimamente en serio. Para rematar el desaguisado, el final además de tramposo se ve venir de lejos. Un último apunte: yo de reyes me pido un móvil como el que sale en la película, menuda resolución que tiene su videocámara. ¡Mejor que la de los GEO! Por Ignacio Estrada: Calificacion (xxx) No hay duda que Paul W.S. Anderson se ha convertido en uno de esos directores a los que la suerte parece sonreír en cada proyecto. Y es que pocas personas consiguen recaudaciones tan millonarias con presupuestos tan irrisorios (para las cifras que se suelen manejar en Hollywood). Además, pese a que la calidad final de sus películas suele dejar bastante que desear, generalmente debido a sus flojos guiones, tienen un "algo" que consiguen enganchar al espectador El padre de la saga cinematográfica ha vuelto a tomar las riendas en esta cuarta parte para darse el gustazo de rodar en 3D. El resultado es el de siempre: dirección muy macarra, abuso de cámara lenta, ningún respeto con las leyes cinematográficas pero que en conjunto convierten a la película en una atracción de feria muy divertida, en la que el espectador recibe balas, vísceras, agua (y demás elementos naturales), que hará las delicias de los aficionados a la saga El argumento de "Resident Evil: Ultratumba", se limita a continuar los acontecimientos de "Extinción" y dejándonos abiertos todo tipo de cabos sueltos para una quinta entrega (que tarde o temprano acabará llegando). El argumento tiene más de lo mismo: personajes encerrados, situaciones límite, puñaladas traperas, zombis por doquier y personajes nuevos del videojuego que se incorporan a las saga como el de Chris Redfield o el zombi encapuchado con el hacha/martillo visto en el "Resident Evil 5". La calidad técnica es bastante digna teniendo en cuenta los medios aunque se abuse en exceso de los efectos digitales, lo que en algunos momentos hay fondos que parecen completamente planos. Eso sí, lo que quiere el espectador que son los mamporros y la "carne fresca" están muy cuidados. La música va acorde con el producto y el cliente: sintetizador a tope y ritmos dances acelerados para que la gente salga de la sala con el corazón palpitando y pidiendo más fiesta. Tomandandy es el encargado de esta música que tiene en común con las anteriores el estupendo tema central compuesto por Marco Beltrami. En el apartado artístico destacar como siempre a la guapísima Milla Jovovich que una vez más pega patadas, suelta frases lapidarias y pone cara de mala leche. Comentar la fugaz aparición del próximo “Capitán Trueno”, el español Sergio Peris-Mencheta, y la incorporación del prisionero mas famoso de Fox River, Wentworth Miller en el papel de Chris Redfield. Ambos cumplen con su cometido, al igual que la infravalorada Ali Larter quien algún día la empezarán a ofrecer papeles más serios. Resumiendo, "Resident Evil: Ultratumba" es el título que esperas ver en el cine. No esperes calidad a raudales, pero si un producto totalmente palomitero y con un 3D que hará que más de uno salte de la butaca. Lo mejor: Ofrece lo que esperas de ella. Lo peor: Nos gustaría ver la saga en manos de un director de más talento. Por David Sierra: Calificacion (xxxx) Seguro que, como yo, muchos de los que vimos ese gran divertimento Pulp que fue Grindhouse, se quedaron con las ganas de una segunda parte, o mejor, una adaptación de esos trailers falsos que fueron, entre otros, Thanksgiving o Machete. Estaba cantado pues, que tarde o temprano el personaje interpretado por Danny Trejo no tardaría mucho en dar el salto al largo, y aquí esta. Machete es simplemente, la película más honesta y divertida del año. Promete acción, sangre, mujeres y viejas glorias como Seagal y ofrece eso mismo: acción, MUCHA sangre y MUCHAS mujeres. Viejas glorias, a saber: Steven Seagal hasta arriba de Happy Meals, Don Johnson y Robert De Niro como malos de la función y las aguerridas Jessica Alba y Michelle Rodríguez (encasilladísima) como aliadas de nuestro mejicano favorito, o Cheez Marin en el papel de su hermano. Destacar a una decadente Lindsay Lohan haciendo de sí misma en un pequeño pero demencial papel. La cantidad de secundarios y amiguetes de Rodríguez no logran ensombrecer, no obstante, al héroe de la función, un MAGNIFICO Danny Trejo que se convierte en un mito con su interpretación del carismático espalda mojada. Por supuesto, la película tiene sus fallos, y eso la hace perder varios puntos respecto a Planet Terror. Se hace demasiado larga y su perorata sobre la igualdad social y mensaje esta cogido por los pelos. Es necesaria para entrar en materia, pero su discurso resulta aburrido, por la escasa capacidad de Rodríguez en meterles algo de profundidad a sus personajes. Además, el aspecto guarrete que tenia el metraje de Planet Terror hubiera tapado una dirección algo rácana en ocasiones, sobre todo en la batalla final. No obstante, y remitiéndonos al comienzo de la critica, Machete es honesta y divertida hasta decir basta. Se nota que se lo han pasado bien rodándola, y eso se transmite al espectador, que acabará encantado de ver a Machete utilizando intestinos como lianas o mujeres en cueros sacándose teléfonos móviles de sus partes intimas… Lo mejor: Danny Trejo es tremendamente carismático. La acción desenfrenada y desatada. Un comienzo GLORIOSO. Lo peor: Un poco larga. Si buscas algo de coherencia narrativa, esta no es tu película. Por Laura Martínez: Calificacion (xxx) Después de todo el rollo ocurrido porque la directora de la primera entrega, Catherine Hardwicke, alegara falta de tiempo para rodar esta segunda parte de la saga, fue Chris Weitz el encargado de remover una vez más miles y miles de hormonas adolescentes (y no tan adolescentes). Y la verdad es que ha sido una mejor adaptación, en cuanto a la historia contada en el libro se refiere, siendo más coherente y si me apuras hasta más madura. Nos llega ya el nuevo fenómeno mundial que ha hecho que dueños de los cines más importantes de Estados Unidos hayan programado bastantes más pases de los planteados en un inicio en pantallas adicionales. Tras el cacheo y registro de pertenencias inicial antes de pasar a la sala, la película comienza muy similar a la anterior, con una fotografía más que aceptable y con la señorita Stewart narrando el comienzo, la cual tiene una interpretación tan lineal como ya hizo en ‘Crepúsculo, y una Bella Swan desanimada por cumplir años. En un inicio se había rumoreado sobre la sustitución de Taylor Lautner por la de otro actor más cachillas, debido al importante cambio físico que sufre su personaje en la novela. Pero tras trabajar muy duro después de acabar el rodaje, volvemos a contar con Taylor, mucho más musculado, en el papel de Jacob y el ajado Robert Pattinson en el de Edward (que podría haber tomado ejemplo para evitar que le maquillasen los abdominales, aunque, a Dios gracias, en esta entrega sale poco). Al elenco de actores se unen los mismos que la anterior entrega, apareciendo también los aclamados Vulturis, que (lástima) tienen una aparición mínima en el film. Éstos son interpretados por un acertado Michael Sheen como Aro; una Dakota Fanning apropiada para el papel de Jane; un insustancial Christopher Heyerdahl que da vida a Marcus; el correcto Jamie Campbell Bower encarnando a Caius; o un Cameron Bright que no tiene apenas participación como Alec. Aparte, toma más protagonismo la tribu Quileute, que en general no está nada mal conseguida, sin embargo en alguna escena podemos acordarnos de Mortadelo al verlos transformarse en lobos. Volviendo a la película, sigue teniendo una banda sonora muy maja y continúa sin tratarse de terror como en muchos sitios la pintan; esta progresa, dejando atrás la azucarada relación entre los protagonistas y centrándose como es debido en la trama de la novela. Con ello entretiene. En definitiva, más cine comercializado en exceso, torsos gratuitos para lucimiento de los actores y efectos regularcillos (regresa el efecto purpurina de nuevo). Lo cual, sorprendentemente está haciendo de esta saga, una de las más taquilleras de la historia, batiendo récord de venta (y pre-venta) de entradas online por delante de Harry Potter, The Dark Knight y Star Wars III. …Y aún no nos despedimos de este fenómeno, ya que quedan dos libros por adaptar. Crucemos los dedos. Por splatter: Calificacion (xxxx) Estamos ante una película adaptación de la novela del mismo nombre de Stephen King de la mano del director Fritz Kiersch y estelarizada por Linda Hamilton (Terminator) y Peter Horton. Film que puede ser clasificado de Road Movie, tomando en cuenta los elementos principales: una pareja que viaja por las carreteres, de pronto se extravían y terminan en un misterioso pueblo en el cual su supervivencia será puesta a prueba. Suspenso a cada instante, acompañado del adecuado manejo de la cámara y la banda sonora utilizada; cabe mencionar las frías y excelentes actuaciones de los infantes, sobretodo de Isaac , el líder y vocero de "Aquel que camina entre las filas", cuya mirada penetrante y rostro inexpresivo nos sumergen en el misterio que ronda el pueblo. El film se desarrolla a buen ritmo, conforme avanza, la intriga, el suspenso y el horror se incrementan para brindarnos un satisfactorio final. Buena cantidad de sangre y cadáveres para los más exigentes, así como buenos efectos especiales, una película recomendable para cualquiera que se considere cinéfilo de horror. Nota: A esta le siguieron varias secuelas, de las cuales solo valen la pena las dos siguientes. Por Ignacio Estrada: Calificacion (x) Desde que "Skyline" se presentó por primera vez en la pasada Comic-Con fueron muchas las expectativas depositadas en los hermanos Strause (Alien vs Predator 2) por los aficionados a la ciencia ficción. Sin embargo, tras verla uno se pregunta si los Strause han sido abducidos por los Farrelly ya que el producto final parece más las tomas falsas de "Independece Day" que un largometraje destino a las salas comerciales. La historia, que empieza con un flash forward que no viene a cuento, es la de una invasión extraterrestre que pilla a los protagonistas dentro de un piso de lujo en medio de Los Angeles. Todo ello convertido en un esperpento de primer orden que culmina con un primer final de lo más pasteloso, para luego rematarlo con un epílogo todavía más rocambolesco. Y ojito a esos dialogos que parecen escritos del puño y letra de Ed Wood (el momento “apaga ese cigarrillo”, no tiene precio). Los hermanos Strause, que llevan toda su vida con los efectos especiales, parece que no han aprendido nada a la hora de dirigir de aquellas películas en las que han trabajado. Y es que casi toda la dirección se basa en planos de la ciudad de Los Angeles alternándolos con los interiores del edificio pero sin poner el más mínimo interés en hacer algo interesante y cuyo resultado final no tiene nada que envidiar a los subproductos de The Asylum. Además el reparto no acompaña. Eric Balfour (24, A dos metros bajo tierra) y Scottie Thompson (Trauma) demuestran que su sitio es la televisión y que la gran pantalla, aunque suena redudante, les queda grande... Sin duda "Skyline" es una de las grandes decepciones del año. Un título que no puede tomarse en ningún momento en serio ya que de lo contrario saldremos muy desilusionados del cine. Un auténtica pena. Lo mejor: Nada. Lo peor: que este tipo de productos lleguen a salas comerciales y otros como "Halloween 2" no lo hagan. Por DyP: Calificacion (xxxxx) Salir del cine con una sonrisa de satisfacción, se está convirtiendo ultimamente en tarea difícil. Las productoras insisten en suplir buenas historias con efectos especiales, 3D, parodias, "homenajes", remakes. Todo para ocultar lo que para mi es el problema actual del cine: buenas historias. Manda huevos, como diría ese político, que tengan que ser, de nuevo, los de Disney a traves de Pixar, los que nos traigan este bombon que es "Toy Story 3". Admitámoslo: poco esperamos de una tercera parte,y la segunda parte, aunque correcta, quedaba lejos de la primera. ¿Puede ser que al bajar las espectativas, la película mejore? No, no es este el caso. Empezando por el corto de antes de la película, "Noche y Día", Pixar nos da una lección de lo que es el 3D y la comparación con el 2D. IMPRESIONANTE, con todas las letras. Muy buen canapé para abrirnos el apetito. "Toy Story 3" cierra la trilogía de una manera magistral, divertida y entrañable (Servidor derramo una lagrimilla, no lo voy a negar). Está claro que Pixar cuida sus guiones de una manera que otros no lo hacen, no se pierde en "homenajes" o golpes de humor sin sentido en la historia. Todos y cada uno de los personajes son redondos, los juguetes han evolucionado, tienen claro lo que son, y su sitio en el mundo: "somos los juguetes de Andy". Con un comienzo basado en la nostalgia y en la inquietud (¿dónde iran a parar ahora que Andy va a ir a la universidad?), la trama enseguida coje velocidad y volvemos a ese ritmo frenético de huidas, carreras y situaciones al límite que caracterizan la saga. Intentaré no desvelar mucho del argumento, baste decir que los juguetes acaban donde no deberían, en un sitio donde nada es lo que parece y donde tendrán que estar más unidos que nunca para salvar el día. Diálogos inteligentes, nuevos personajes perfectamente caracterizados (Ken! por fin!) y una dirección a la que daría las gracias por no abusar del 3D, que en este caso hace más espectacular la película, pero no resta, no distrae de la narración ni de la trama. Y todo esto, en una película ¿para niños? No lo se. Se que a los frikis nos llegará más que a los niños. Que nos pega en la patata con el cambio de Andy, ya universitario, y lo que siente por sus viejos juguetes. Que nos vemos en él, que todos somos un poco Andy, no por el hecho en si de su amor por los juguetes, sino porque todas las cosas de nuestra infancia, llamadlo juguetes, juegos, películas, o consolas, todo con lo que hemos disfrutado, es lo que nos ha hecho ser como somos ahora, por lo que no podemos tirarlos sin más, debemos respetarlos, y darles las gracias por acompañarnos en nuestro viaje. Y este es el punto que Pixar entiende, y que tan bien ha reflejado en esta película. En resumen: Toy Story pasa al Olimpo de las grandes trilogías por la puerta grande. Si me permites un consejo, ni se te ocurra perdértela. Por Emilio Martínez: Calificacion (xxx) Roland Emmerich no debe dormir por las noches. Debe pasarse las noches en vela pensando en todo tipo de catástrofes que pueden acabar con la raza humana para así luego plasmarlas en la gran pantalla. Ataques alienígenas, cambios climáticos, lagartos gigantes y ahora catástrofes previstas por los Mayas hace cientos de años, son sólo algunos de los riesgos que corremos los seres humanos en su cine. Tal vez, el director alemán se ha convertido junto a Bay, Jackson o Spielberg en un habitual de las grandes superproducciones. En cada nueva película trata de ir un paso más allá y los efectos especiales ganan protagonismo respecto a los protagonistas (aunque suene irónico). Al igual que Matthew Broderick en Godzilla o Jake Gyllenhaal en El Día de Mañana, John Cusack y compañía se pasan cerca de dos horas y media metidos en una espiral delirante y palomitera. Un producto pensando por y para el entretenimiento. 2012, ese año que ahora se ha puesto de moda (apocalípticamente hablando) como en su día fue 1999, no es una película para gente que busque un mensaje en ella o para aquellos que sólo disfrutan de películas de cine estudio. 2012 es un producto completamente vacío pero tremendamente divertido. La opción ideal para aquellos que van al cine para lo que éste se concibió: entretenerse y divertirse. Al menos, si los Mayas acertaron al menos ya sabemos a lo que atenernos... Lo Mejor: Es puro espectaculo. Lo Peor: Como todo el cine de Emmerich, se alarga en exceso. Por Adrián Álvarez: Calificacion (xxxxx) Estamos ante una gran película, que está llamada a ser un clásico cuando pasen los años. El género, aunque tradicionalmente se le llama "peplum", no termina de hacer justicia con lo que aquí se cuenta, y habría que acuñar el palabro de superpeplum. 300 es una maravilla visual y, ante todo, una historia mitológica, es decir, que no es un relato de corte realista, sino un cuento transmitido al calor del fuego. En líneas generales, la historia trata de cómo el rey de Esparta Leónidas, llamado también el León de Esparta, se enfrenta en una batalla suicida, con 300 de sus hombres (su guardia personal), al ejército del Emperador Jerjes, el cual acumula decenas de miles de soldados. En teoría, la derrota tendría que ser aplastante, pero la defensa de los griegos del llamado Paso de las Termópilas les proporciona un punto estratégico con el que hacer frente a las numerosas embestidas del enemigo. Zack Snyder demuestra con este filme que está llamado a ser uno de los grandes. Si ya demostró gran talento para la barbarie en los arrolladores quince primeros minutos y en algunos pasajes concretos de la imprescindible Amanecer de los Muertos, con 300 rubrica su talento y además, su arrojo para filmar lo que le viene en gana. Es muy de agradecer que en una sociedad donde cada vez se vela más por lo correcto, a veces de forma enfermiza, un director se atreva a mostrar cercenamientos sin echar la cámara a un lado. El tono general de la película es deliberadamente ficticio e incluso anacrónico en ocasiones, y está copiado palmo por palmo del cómic, pero esa atmósfera de irrealidad aumenta la épica a niveles que no se veían desde hacía tiempo en la pantalla grande. Indagando más en la historia, cualquiera puede pensar que los espartanos quedarán como héroes casi románticos, y que, para colmo, todo tendrá un tufillo pro americano. Nada que ver: los espartanos quedan reflejados constantemente como locos (cuerdos) dispuestos a morir por preservar su libertad, y si hay que sacar una idea general es la de unos hombres libres que se enfrentan a un tirano. Y si el relato y su forma de plasmarlo son grandiosos, no lo es menos la labor de los actores. Empezando por Gerard Butler, un soberbio Leónidas que llega a dar miedo cuando grita, hasta David Wenham (Dilios), gran narrador de la historia, pasando por un irreconocible Rodrigo Santoro (busquen y comparen en Internet cómo es su Jerjes y cómo es él en realidad), la labor de los actores no tiene mácula. Quedan dos cosas por destacar. Una, los efectos especiales. El estilo visual, hermano de Sin City, impacta y subraya la historia, y en ningún momento llega a cantar. Dos, la música. Tyler Bates compone un trabajo sobresaliente, que apoya lo que se está viendo y consigue poner los pelos de punta, con una mezcla ecléctica de coros, tambores e incluso guitarra eléctrica, que sorprendentemente no queda fuera de lugar. Piezas como To Victory o Fever Dreams quedarán grabadas en tu oído nada más asomarse sus primeras notas. Lo mejor: Es una delicia, un caramelo para el cinéfilo y un postre para el espectador general, donde todas las piezas que lo componen encajan a la perfección. Zack Snyder confirma que es un gran director, muy a tener en cuenta. La música de Tyler Bates, de compra obligada. Lo peor: La accesoria historia de la Reina Gorgo, que si bien es interesante, no tiene demasiada trascendencia. Que por desgracia, intelectuales de pacotilla y defensores de la moral centrarán toda su ira en una película (y elíjase comentario: machista, xenófoba, yanqui, bárbara, incorrecta e históricamente sacrílega) que merece pasar a la historia. Por Ignacio Estrada: Calificacion (xxx) No hay duda que resulta cuanto menos curioso que el realizador de joyas como "300" o "El Amanecer de los Muertos" se decante por el género de animación. A priori tiene pinta de ser un encargo de Warner para que Snyder luego tuviese carta blanca para su ansiada "Sucker Punch". Pero lo sea o no, Snyder cumple con lo que mejor se le da hacer, una dirección maravillosa repleta de planos ralentizados y violencia, en este caso no es extrema, pues es una película ¿infantil? Sin duda Snyder a conseguido impregnar su sello, atención al plano de los búhos volando a través de un remolino en plena tormenta, maravilloso, y por supuesto la batalla final, más cercana a los combates de “300”, que cualquiera de corte infantil. También se nota que ha visto mucho cine Disney, y si no atención al homenaje a “El rey león”, que ya en su día, este homenajeaba a los films propagandísticos alemanes de la época nazi. Sin embargo, "La leyenda de los guardianes" tiene un gran problema, el guión, donde un niño pequeño se puede perder entre tanto personaje secundario y un adulto no encontrar nada que le atrape. La historia empieza con un buen planteamiento, dos hermanos rivales en la familia que cada uno elegirá su propio destino después de ser secuestrados. Sin embargo, la acción se frena en seco tratando de explicar muchas cosas en poco tiempo y con la aparición de un excesivo número de secundarios que no aportan demasiado a la trama (como los padres del personaje). Técnicamente, como todas las películas de Snyder está muy cuidada. Cada uno de los planos generales del árbol son una autentica pasada, y las secuencias de acción tiene un ritmo digno de cualquier superproducción. La animación es increíble en casi todos los momentos, digo casi, pues en algunos momentos, podemos confundir algunos personajes, ya que los rostros son muy similares debido principalmente a una falta de expresión. La banda sonora no está a la altura de un título de estas características. Se esperaba mucho más que un (cuasi) plagio del tema central de aquella serie titulado “Cuentos asombrosos”, y es que David Hirschfelder no se ha esmerado ya que para otra momentos utiliza coros de Lisa Gerrard archiconocidos o canciones pop. Respecto al reparto, solo comentar que en su versión original están doblados por grandes actores de la talla de Geoffrey Rush o Helen Mirren, y aquí hay que agradecer a Warner España que haya decidido mantener a los dobladores habituales de estos actores y no caer en la tentación de usar estrellas de la televisión o la farándula. En resumen, después del buen sabor de boca que nos dejaron las imágenes que vimos a principio de verano, todo se ha visto eclipsado por un guión flojo y a veces confuso. Aun así, los fans de Snyder deberían darle una oportunidad. Lo mejor: El estilo y la dirección de Snyder. Lo peor: El guión y la banda sonora. Por Carlos Marín: Calificacion (xxxxx) Quentin Tarantino es polémico. Y subjetivo, muy subjetivo. Es de esos pocos realizadores que, dependiendo del grado en el que ames su estilo, sus películas te entran en mayor o menor medida. ¿Cómo se afronta entonces una crítica que, curiosamente, siempre intenta ser escrita objetivamente por su redactor? Simplemente no se hace. Al principio del film suena Morricone, y unas palabras nos anuncian la situación: “Érase una vez... en la Francia ocupada por los Nazis”. Y con los pelos aún de punta, por primera vez, este comentario será escrito desde el corazón y no desde la cabeza. Así, como Tarantino, se prepara el contexto y luego... luego viene la carne en el asador. Malditos Bastardos es, ante todo, un retorno a la mezcla de géneros, aunque a diferencia de aquel díptico llamado Kill Bill, todo va al extremo. A ratos es un western, a otros una cinta bélica; por momentos es un drama cargado de suspense, a otros una comedia negrísima. Es imprevisible porque no se acoge a ninguna norma, a ninguna estructura de guión. De ritmo difuso y narración confusa (¿de dónde proviene esa voz en off que ayuda a avanzar la historia en solo dos momentos del metraje?), la cinta de Tarantino juega a lo que mejor podría hacer: ser diferente, delirante, incorrecta y, encima, funcionar perfectamente. Aún así, el film es ambiguo. Su gran problema es que no sabe enfocarse, quiere contar tantas cosas, llevarlas todas hacia la misma dirección que, por momentos, nos olvidaremos de los bastardos (o basterdos) del título. El teniente Aldo Raine y sus soldados son una pieza más en la enrevesada trama que mueve al coral reparto que desfila durante todo el metraje. Puede ser una decepción, dada la capacidad y carisma que tiene el pelotón americano, pero también echaría a perder esas tramas que, a ritmo de interpretaciones arrollantes de un casting multi-nacional (cada uno hablando su idioma nativo, como debería ser), elevan a la película a grandes niveles interpretativos. Eso es uno de los síntomas básicos de Tarantino, lo que le delata como un enfermo del cine. Y en esta ocasión, aún más. Todo gira en torno al séptimo arte; ya no sus influencias y su banda sonora, sino que la trama se atreve con el metalenguaje más salvaje: el cine como arma, como enemigo y como salvador. Cada escena es querida, mimada y adorada por el realizador, no solo debido a sus sentidos homenajes (que hay para parar un tren, incluídos los que se hace a su misma persona, al igual que en la incomprendida Death Proof), sino al amor por el suspense, la tensión y el juego que una cámara puede dar. Esa es la diferencia: el juego, el niño pequeño que trastea con las herramientas sin necesidad de utilizar a un operador con cámara al hombro y temblorosos movimientos. ¿Podemos juntar guiños a la nouvelle vague y a la caspa italiana? Por supuesto que sí. Esto es un film de Quentin Tarantino, esto es Malditos Bastardos, ¿no recuerdan donde estábamos? Eso es... érase una vez en... que más da. La cuestión no es el donde. Ni el cuando. La cuestión es como. Este film ya es una película de culto y, como tal, la audiencia y la crítica juzgará como es debido. Más subjetivo y sincero no se ha podido ser con este texto, estimado lector y ya saben: la belleza está en los ojos del que mira. Luego no digan que no les advertí. Lo mejor: A nivel interpretativo, Christoph Waltz, sin duda alguna. En otros niveles, su sincera y desmedida conexión con el público sin rigor histórico alguno. Lo peor: Demasiados flancos abiertos para un film de 2 horas y media. Por Emilio Martínez: Calificacion (xxxx) Partiendo de este argumento uno pensará que está a punto de ver una comedia zafia al estilo Scary Movie. Eso pensé yo en el primer momento. Sin embargo, a medida que avanzaba la película me iba dando cuenta de que Shaun of the Dead pretendía ser graciosa pero no a base de gags estúpidos a los que estamos acostumbrados, si no a base de humor inteligente. Además, su director Edgar Wright hace un prodigio de dirección, haciéndonos creer por momentos que estamos ante el mejor Darren Aranofsky (Requiem por un sueño). Admito que antes de ver la película no pensaba poner una crítica en aullidos. Sin embargo su humor, que pese a no arrancarte carcajadas no te quita la sonrisa de la boca, se desvanece en su segunda mitad para convertir Shaun of the Dead en una película seria y tan digna que el propio George Romero podría haber firmado y, que en ocasiones, parece una continuación de la saga Living Dead. Al igual que ocurrió en su día con El jovencito Frankenstein, Shaun of the Dead toma las bases del mejor cine de terror clásico y crea una deliciosa, divertidísima y por momentos gore película, de la que se ha dicho que probablemente sea la mejor "comedia romántica con zombies" jamás realizada. Sin duda, una grata sorpresa y una película muy inteligente con grandes diálogos, referencias de todo tipo (genial sobre todo la imitación de Hal en 2001) y unos personajes tan patéticos e indeseables a los que acabas por coger cariño. Una de las mejores comedias del año, muy recomendable y con un epílogo desternillante. Por Adrián Álvarez: Calificacion (xxxx) Que M. Night Shyamalan es un excelente director es de sobra conocido. A pesar de contar con detractores, con un mínimo de sensibilidad es fácil apreciar su inusitado talento para el suspense y para dotar de humanidad a sus personajes. Personalmente, esta película empieza una ligera cuesta abajo en lo concerniente a calidad que, espero, con la película de 'La Joven del Agua' volverá al nivel de sus dos primeros filmes. 'Señales' cuenta la historia de una invasión extraterrestre desde una ventana chiquitita. Son palabras del propio Shyamalan, y es una descripción perfecta. A lo largo de su metraje queda patente el mencionado talento de caracterización, convirtiendo a Mel Gibson en un sufrido pastor que ha perdido a su mujer en un horrible accidente de tráfico, que vive con sus hijos y su hermano. La tensión crece con los círculos de cultivo que se multiplican por el mundo, y ya en el momento de la invasión, llegamos al cenit de la película. 'Señales' es una notable película porque mantiene el suspense hasta en los momentos ridículos (con Joaquin Phoenix, siempre competente, jugando con el papel de plata) y nos brinda un par de escenas memorables: la aparición de un alienígena delante de unos niños que celebran un cumpleaños (rodada en vídeo doméstico), su sencillez es su mayor baza a la hora de transmitir ansiedad; y cuando el hombre que mató a la mujer de Gibson le asegura haber encerrado a un alienígena: Gibson se acerca a la puerta aporreada y usa un cuchillo como espejo para observar, siéndoselo arrebatado. El problema de Shyamalan es la manía de dar un giro sorprendente al final de la película. Funcionó en 'El Sexto Sentido' y 'El Protegido', dando sentido a la narración y cerrándola, pero en el caso de 'Señales' hace agua por todos lados (y nunca mejor dicho). Y es que poner al líquido elemento como un ácido para estos visitantes, y que no se den cuenta de ello cuando el aire mantiene de forma permanente un porcentaje de agua roza el ridículo; el enfoque que podría salvarlo, el de la ciencia ficción ingenua, por desgracia es incompatible con el desarrollo de la trama. En resumidas cuentas, una muestra de buen cine de un director que, parece, jamás rozará la mediocridad. Y eso es más de lo que se puede decir de otros talentos noveles. Por Adrián Álvarez: Calificacion (x) Desde el cartel promocional, se puede ver que los escasos (y diminutos) destellos de calidad de esta película provienen de la capacidad de plagio respecto a las películas que le preceden. Que nadie se engañe: ver una película que usa de forma tan nefasta unos personajes de culto no nos hace recordar con cariño las antiguas películas; pone furioso el haber ido al cine en vez de comprar cualquiera de las películas originales en DVD. En este sin sentido donde se suceden personajes planos, arquetípicos casi hasta la parodia, y monstruos, da la sensación de que no hay director, y atención, porque este filme tiene dos. De entrada, el punto de partida de ambas criaturas se desvirtúa: el misterio de las seis películas anteriores se disuelve, convirtiendo a las criaturas en algo mundano que puede suceder en cualquier sitio - entiéndase cualquier sitio al típico pueblo norteamericano donde en teoría nunca pasa nada, y en la ficción SIEMPRE PASA ALGO. Para colmo, la imagen se impone a la lógica, como la tontería de que un Depredador aterrice en el agua cuando todos sabemos qué ocurre; pero claro, queda demasiado chulo verle salir chisporroteando, aunque el guionista se olvida de que el agua afecta también a su armamento. Éste es sólo un ejemplo de cómo se cogen "prestados" escenas de las anteriores películas y las convierten en un videoclip sin música. Atención al ciclo de gestación de los Aliens, que cada día es más corto: maldito el día en que Paul Anderson decidió acortarlo en su primer AVP para no pensar demasiado. Por último, destacar que lo único salvable de la película es su desmedido sadismo. Las antiguas reglas donde los más inocentes (no, la animadora tonta no, me refiero a las embarazadas y los niños; todo el mundo sabe que los ancianos, salvo que sean Jack Nicholson o Morgan Freeman no existen en las películas) consiguen sobrevivir son violadas. En AVP:2 no se salvan ni los niños ni las embarazadas. Puede que a alguien le guste, pero las escenas donde ocurren dichas muertes son tan forzadas que se nota, y es como que te cuenten un chiste: pierde la gracia de esa manera. Lo mejor: Sadismo. Jugar a reconocer escenas de las anteriores películas plagiadas sin piedad en ésta. Una desaprovechadísima Reyko Aylesworth, la única con presencia, y no mucha. Lo peor: Todo. Desde la dirección a la fotografía, pasando por la banda sonora y el pobre aprovechamiento de los actores. El amaneramiento de Depredador, que se mueve a cámara lenta en cuanto mueve las manos. La cantidad de tonterías que se pueden hacer con un par de Aliens, un Predalien y un Depredador. El epílogo, como si alguien fuera a recordar la primera Versus. Por Emilio Martínez: Calificacion (xxxx) Todavía tendrán que pasar unos años para que echemos la mirada atrás y demos la importancia que se merece al Proyecto de la Bruja de Blair. La ópera prima de Eduardo Sanchez y Daniel Myrick, demostró que era más importante la imaginación que el presupuesto. Con apenas 60.000 Euros lograron recaudar más de 250 millones de dolares, convirtiéndose en la película más rentable de la historia del cine. Sanchez y Myrick fueron unos visionarios cuando todavía Internet no era el arma mediática que es hoy en día. Gracias a una página web, en la que te hacían creer que el metraje de El Proyecto de la Bruja de Blair era absolutamente real, hizo que el boca a boca arrastrase a millones de espectadores al cine. El resultado fue que la mitad de las personas salían con la sensación de que les habían tomado el pelo; y el resto (entre los que me incluyo) que estabamos ante una obra maestra del cine de terror moderno. Ahora, ocho años después, Eduardo Sánchez nos brinda la oportunidad de continuar viéndole crecer y madurar como director con Altered, una auténtica maravilla del cine de terror independiente. A medio camino entre los inicios de George Romero y Expediente X, Altered nos cuenta la historia de un grupo de hombres que llenos de venganza atrapan a un extraterrestre quince años después de haber sido abducidos por un grupo de ellos. Sánchez, al igual que hizo Shyamalan en su día con la brillante Señales, da más importancia a los personajes que a la acción. Situa su invasión extraterrestre en un medio rural, alejado de los rascacielos y virguerías efectistas habituales del género. Altered no es más que cuatro hombres, una mujer, un extraterrestre, un garaje y un guión ágil e ingenioso. Desde su brillante inicio, pasando por los ataques del extraterrestre, la llegada del sheriff o el juego de "Si nosotros matamos ellos nos aniquilan", la acción no decae en ningún momento. Además, no hay conversaciones absurdas ni situaciones ridiculas para rellenar el metraje, y es algo de agradecer. Por si esto no fuera suficiente, hay un par de momentos que te harán saltar de la butaca, muy buenos fx's y un extraterrestre que se "ve" lo justo y necesario. Desgraciadamente todavía no sabemos cuándo aparecera esta pequeña maravilla en nuestro país. No obstante, si alguna vez habéis pensado en comprar un DVD de Importación y todavía no os habéis decidido, Altered sería una gran compra. Lo Mejor: El golpe de efecto de Eduardo Sánchez a los que pensaban que lo de La Bruja de Blair era pura suerte. Lo Peor: Todavía no sabemos cuándo (ni cómo) llegará a España. Por Ignacio Estrada: Calificacion (xxx) ‘Iron Man 2’ cumple las expectativas de toda secuela: más personajes, más acción, más presupuesto, más tramas… es decir, más de todo. Eso sí, todos estos factores repercuten en el primer Blockbuster de este pre-verano que entretiene mucho, pero con algún que otro fallo. Era de esperar que después de una película “pequeña” como fue ‘Iron man’ se invirtiera más en la segunda parte, y más, cuando esta podría considerarse la autentica precuela de “Los vengadores”. Y es aquí donde se encuentra el primer defecto, pues han intentado llenar la película de historias secundaria que al freak de turno que conozca todos los cómics pueda satisfacer, pero que al cinéfilo común pueden llegar a descolocar. Especialmente insípidas son las que rodean al personaje protagonizado por Scarlett Johansson (Natalie Rushman/Natasha Romanoff). Sin desvelar nada de la trama comentaré que la historia principal, la que envuelve a Tony Stark y a su núcleo vital/fuente de energía, es muy interesante y haberse centrado solo en ella ya hubiera conseguido suficiente atención por parte del publico. Pero a esta se añade la consabida historia de amor entre Tony y Pepper, la del proyecto vengador, la del hijo que está equivocado frente a su padre… y podríamos continuar. Jon Favreau, pese a no ser un mal director, sabe ‘tocar las teclas pero no componer la melodía’. Y es que teniendo un producto de estas características se espera alguna que otra floritura visual de lo cuál carece al igual que la primera parte. Las secuencias de acción son bastante pobres, eso sí, aquí los efectos especiales cumplen con nota. Robert Downey Jr. es Tony Stark y de eso no hay duda, creo que cualquier otro no podría estar altura una segunda vez, incluso cuando la replica te la da un maravilloso Mickey Rourke (atentos a su perfecto acento ruso) o te enfrentas a un Sam Rockwell excepcional al hora de intentarte robar el plano. Este trío consigue que cada segundo que están en pantalla sea como una reunión con los colegas. En especial cada uno de los careos entre el primero y el ultimo, y sino atención a la secuencia que precede a la carrera de F1 en Mónaco. A pesar de estar llena de numerosas canciones, no todas de AC/DC como se nos esta vendiendo, me gustaría hacer alusión al buen hacer de John Debney (La pasión de Cristo) quien con solo un par de temas, en especial el romántico que envuelve a Tony y Pepper, sale airoso en una banda sonora casi exclusivamente compuesta por temas de Rock & Roll. Como pasó en el anterior ‘Iron Man’ tenemos la sensación que han cortado mucho metraje en la sala de montaje. De hecho, algunas escenas del trailer han desaparecido incomprensiblemente del producto final. Hay numerosos chistes freaks como ocurría en la primera parte, aquí el mas gracioso el que envuelve a otro futuro personaje de Marvel, el Capitán America. También veremos la presentación en sociedad de la maleta/traje (seguro que no defraudara a nadie) ya que era lo más aplaudido del trailer. En definitiva, cuando vayáis al cine a ver ‘Iron Man 2’ limitaros a disfrutar de lo que estáis viendo en pantalla. De este modo, lo pasaréis como niños. Lo mejor: A pesar de sus fallos, es entretenida y cumple expectativas. Lo peor: La historia que envuelve a personaje de Scarlett Johansson, totalmente insustancial. Por Ignacio Estrada: Calificacion (xxx) No es que David Yates no ponga pasión en su trabajo. De hecho Harry Potter y las Reliquias de la Muerte cuenta con grandes secuencias como el prólogo, tan triste y abrumador como terrorífico. No obstante, en determinados momentos parece que el director inglés no tiene ningún interés en el producto. Se echa de menos el toque fresco de alguien como Alfonso Cuarón, que hubiese sido el candidato ideal para cerrar la saga. Además, la oscuridad del relato encajaba muy bien con la filosofía del cineasta mexicano. Steve Kloves vuelve a repetir como guionista, y en este ocasión (y dado que se ha dividido en dos partes) ha optado por resumir poco la novela de Rowling. Aun así, notamos ciertas lagunas normales en un proyecto de esta envergadura y le agradecemos el haber mantenido integro el texto del cuento de “las reliquias de la muerte”, sin duda uno de los mejores momentos de la película, tanto visualmente como técnicamente. Como ocurre con el resto de episodios de la saga, la factura técnica es impecable. A excepción de algún que otro detalle en el que se nota en exceso "el digital", los efectos especiales son espectaculares, sin dejar de lado cierto toque realista en un universo tan fantástico como éste. El compositor Alexandre Desplat (El curioso caso de Benjamin Button) hace un trabajo maravilloso. Aun así y como apunte en este aparatado, se está rumoreando que para el final de la saga regresa el maestro Williams a la batuta. Como buena franquicia inglesa, aparte de los maravillosos secundarios que ya conocíamos (Alan Rickman e Imelda Staunton, sublimes como siempre), se incorporan nuevos rostros que incluso sorprenden pues no suelen hacer este tipo de cine. Especialmente Peter Mullan, actor habitual en películas de Ken Loach, que sale muy caracterizado en el papel de un enemigo de Potter. También podemos ver a un maravilloso Bill Nighty (Underworld) quien abre la película, y aun sorprendente a la par que absurdo Rhys Ifans (Hannibal, el origen del mal) dando vida al padre de Luna Lovegood. No es el mejor título de la saga, pero aun así no va a decepcionar a los fans. Se trata de un producto muy entretenido que en pleno apogeo te deja a medias y a la espera de ver la segunda parte que nos llegará el próximo verano. Lo mejor: El prologo y el cuento de “las reliquias de la muerte” Lo peor: La poca personalidad del director. Fuente: www.aullidos.com Comentario Bardo = Comentario Borrado Encore_51

Aca les dejo un post de mi director favorito, sacando los datos de su pagina de internet, yo se que hay casi tantos fanaticos como gente que odian sus peliculas, a mi, en particular me gustaron todas y cada una de ellas, algunas mas otras menos, solo quiero que sepan respetar eso, muchas gracias. M. Night Shyamalan Nombre Real: Manoj Nelliyattu Shyamalan Nacimiento: 6 de agosto de 1970 Nacionalidad: Mahé, Puducherry, India. Biografia: Creció en Penn Valley, Pennsylvania, un suburbio de Filadelfia (EE. UU.). A los ocho años le regalaron una cámara Súper 8, y a partir de este hecho surgió su pasión por hacer cine imitando a su héroe de aquel entonces, Steven Spielberg. A los 17 años había realizado 45 películas caseras. Estudió en la Escuela Tisch de las Artes (TSOA) de la Universidad de Nueva York, y fue en esta época cuando cambió su segundo nombre, Nelliyattu, por el de Night. Praying with Anger fue su primer largometraje, y está basado en parte en su primera visita a la India desde que su familia emigró a EE. UU. Carrera: Las características principales del cine de Shyamalan son argumentos con giros inesperados, un tratamiento realista del terror y el suspenso y la aparición breve de Shyamalan en cada uno de sus filmes. Hasta ahora, incluyendo El incidente, todas sus películas —exceptuando Praying with anger (1992)—, han sido rodadas en Filadelfia o en algún lugar del estado de Pennsylvania. El despegue comercial y crítico de Shyamalan se debió a El sexto sentido (con Bruce Willis), película que dirigió y produjo. Fue un gran éxito internacional y en EE. UU., y fue la segunda película que más recaudación obtuvo en 1999. Consiguió seis nominaciones a los Óscar, entre ellas al mejor director y al mejor guión. Tras este éxito y el éxito económico de El protegido (también protagonizada por Willis) le ofrecieron escribir la cuarta parte de la serie cinematográfica Indiana Jones —se sabe de su admiración por Spielberg, su director favorito, y Hitchcock— y dirigir la tercera película de Harry Potter, y rechazó ambas ofertas. Más tarde comenzó a producir la película que lo convirtió en el guionista mejor pagado de Hollywood cuando la Disney le dio cinco millones de dólares por Signs (Señales, 2002). Gracias a esta película, ha vuelto a recrearse en las mieles del éxito. En sus dos siguientes películas, The village (El bosque o La aldea, 2004) y La joven del agua (2006), la crítica se ha dividido: unos que apoyan incondicionalmente su cine, diciendo que estas películas superan a las anteriores, y el resto que dicen que ha iniciado un declive del que esperan que remonte. Acompañado en sus películas con el aclamado compositor James Newton Howard, nominado a los Óscar por su trabajo para The village, en 2004 han acabado siendo inseparables, logrando experiencias únicas en la sala de cine, aportándole a sus películas lo que requieren y creando fascinantes atmósferas. Una de sus características es aparentar ser películas de suspenso, cuando son mucho más que eso. Denominado por los críticos como «el director cebolla», por las capas con las que cuentan sus películas. El sexto sentido es una historia de redención —quiere salvar al niño que le recuerda a otro que en su momento no pudo salvar—, Señales sobre las dudas de fe, El bosque o La aldea como una historia de amor en condiciones adversas y, sobre todo, como una demostración de la cohesión de un grupo humano debido a una amenaza externa, algo muy parecido a lo que ocurre en EUA... y de ahí radica el éxito de su cine; es mucho más de lo que aparenta, y logra captar a más público: los que quieren pasar un buen rato y los que quieren ver más cine. En junio de 2008 se estrenó su último filme, titulado El incidente. Se concibió inicialmente como The Green Effect, pero fue rechazado categóricamente por varios estudios, hasta que la Fox le echó un vistazo y se hizo con los derechos para producirla siempre que Shyamalan reescribiese el guión de cabo a rabo. Fue la primera película del director que recibió la clasificación «No recomendada para menores de 18 años» en EE. UU. En 2010 ha estrenado su última película, con un presupuesto desorbitado, basada en la serie animada Avatar: la leyenda de Aang, The Last Airbender, estrenada en España con el nombre Airbender, el último guerrero, de Nickelodeon Movies. El reparto de la película se fijó en 2008 con actores amateurs: Nicola Peltz (Katara), Jackson Rathbone (Sokka), uno de los protagonistas de Twilight (Crepúsculo) y Noah Ringer (Aang). En enero de 2009 se agregó al reparto Dev Patel, protagonista de la película multipremiada con los Óscar Slumdog Millionaire, reemplazando a Jesse McCartney para interpretar a Zuko. Filmografia: 1992 - Praying With Anger 1998 - Wide Awake 1999 - El Sexto Sentido 2000 - El Protegido 2002 - Señales 2004 - La Aldea 2006 - La Dama en el Agua 2008 - El Fin de los Tiempos 2010 - El Ultimo Maestro Aire 2010 - Devil (Historia y Productor) Datos de sus peliculas extraidos de su pagina de internet: The Sixth Sense La Idea que empezo la pelicula: Un padre que es un reportero de escenas del crimen va a una noche de padres y maestros, y ve un dibujo de su hijo hizo, un símbolo que acababa de fotografiar en una víctima de un asesino en serie. El Tema: La necesidad de comunicacion entre la familia, los amigos y entre extraños. Las peliculas que inspiraron a esta pelicula: THE EXORCIST, THE OMEN, POLTERGEIST, JAWS, REPULSION y ROSEMARY´S BABY. Otros titulos considerados para la pelicula: PRESENCE y THE SECRET. Que demonios exorcisto con este film: El miedo a morir antes de decirle a mis seres queridos lo que yo siento por ellos. Dejando de lado mi deseo de ser un director de cine, Me di cuenta que no soy lo suficientemente complicado como para hacer eso. Trailer: link: http://www.youtube.com/watch?v=lP3483A2AlA&feature=related Unbreakable La Idea que Empezo la Pelicula: Un avión se estrella y todo el mundo muere exepto una persona, que ni siquiera esta golpeado. Más tarde el descubre que es un superhéroe de la vida real. El Tema: La sensacion de tristeza en la mañana por que no estas haciendo lo que se supone que deberias estar haciendo. Las peliculas que inspiraron a esta pelicula: PULP FICTION, SUPERMAN y DOG DAY AFTERNOON. Otros titulos considerados para la pelicula: NO ORDINARY MAN. Que demonios exorcisto con este film: La carga de las expectativas. Trailer: link: http://www.youtube.com/watch?v=usRUbT_8G4k&feature=related Signs La Idea que Empezo la Pelicula: Una invasion extraterrestre desde el punto de vista de una familia. El Tema: La creencia de que existe un plan divino. Las peliculas que inspiraron a esta pelicula: JAWS, BIRDS y CLOSE ENCOUNTERS OF THE THIRD KIND. Otros titulos considerados para la pelicula: THE ALIEN REPEAT, VISITORS, THE ALIEN BULLETIN, MAN IS NOT ALONE y THE LAST SUPPER. Que demonios exorcisto con este film: Empiezar a dudar de que las cosas tenían un significado. Trailer: link: http://www.youtube.com/watch?v=mTgO18G5zjI The Village La Idea que Empezo la Pelicula: Vi una valla de alambre de púas en las líneas de la propiedad de una antigua familia rica en Pennsylvania. Hay todo tipo de rumores sobre lo que sucede allí dentro. El Tema: ¿Puedes escaparte del lado oscuro de la naturaleza del hombre? Las peliculas que inspiraron a esta pelicula: The original KING KONG, WUTHERING HEIGHTS, SENSE AND SENSIBILITY y THE BLAIR WITCH PROJECT. Otros titulos considerados para la pelicula: THE WOODS, THE CREATURES OF COVINGTON WOODS y COVINGTON WOODS. Que demonios exorcisto con este film: Querer huir del mundo. Trailer: link: http://www.youtube.com/watch?v=oB55bv4B8LQ Lady in the Water La Idea que Empezo la Pelicula: Una historia de cama que le cuento a mis hijos. Que comienza, "¿Sabias que alguien vive en la pileta?" El Tema: Contar historias que requiere de ser vulnerable y poner un poco de ti mismo en los personajes. Las peliculas que inspiraron a esta pelicula: PRINCESS BRIDE, EDWARD SCISSOR HANDS y E.T. Otros titulos considerados para la pelicula: STORY, THE MYTH, SWIMMING POOL y THE DOOR AT THE BOTTOM OF THE POOL. Que demonios exorcisto con este film: Preocuparse de lo que otra gente piensa de mí. Trailer: link: http://www.youtube.com/watch?v=FfyUK3fXvgc The Happening La Idea que Empezo la Pelicula: Yo estaba manejando por la autopista. Había toda esta linea de árboles que bordean la carretera. Que se inclinaban sobre el camino. Pensé "wow, es como que nos están mirando". Entonces pensé "¿y si el medio ambiente se defendiera?" El Tema: Somos parte de algo mayor. Las peliculas que inspiraron a esta pelicula: CARRIE, PICNIC AT HANGING ROCK y THE BIRDS. Otros titulos considerados para la pelicula: THE GREEN EFFECT y THE NORTHEAST INCIDENT. Que demonios exorcisto con este film: Me he convertido en un padre y soy más viejo. ¿Soy demasiado suave y pegajoso?, ¿puedo hacer una película pochoclera y todavía tener una integridad creativa? Trailer: link: http://www.youtube.com/watch?v=TIQ21m1Ks08 Y en la pagina todavia no fueron cargados los datos de sus ultimas 2 peliculas, que las subire ni bien pongan los datos: The Last Airbender Trailer: link: http://www.youtube.com/watch?v=SmeRH5GB_Qw Trailer: link: http://www.youtube.com/watch?v=fUCKkfXFiFE&feature=fvst Fuente: http://www.mnightshyamalan.com/site.html Espero que les haya gustado y que sepan respetarme! Saludos! Comentario Bardo = Comentario Borrado

Por El Voyeaur En este mundo en el que las nuevas tecnologías están a la orden del día y que cualquiera puede subir un vídeo a YouTube en apenas unos minutos, es lógico que nuestra vena voyeaur esté más activa que nunca. Sin embargo... ¿qué ocurre cuando lo que vemos es algo tan fuerte como un asesinato, una posesión o el ataque de una feroz criatura? Con estas grabaciones vivimos el terror de forma subjetiva, prácticamente en "primera persona". No hay planos fijos, secuencias elaboradas ni efectos especiales. Por ello, la industria cinematográfica lleva años fijándose en este formato de terror subjetivo, de bajo presupuesto, y que en ocasiones consigue llenar las salas de todo el mundo... No se pierdan el repaso que hemos hecho a algunos de los títulos más representativos... Holocausto Caníbal (Cannibal Holocaust, 1980), de Ruggero Deodato -El prestigioso antropólogo Profesor Monroe, dirige un equipo de rescate en búsqueda de un grupo de jóvenes periodistas, tres hombres y una mujer, dados por desaparecidos en la jungla amazónica. En su periplo, el Profesor descubrirá todos los horrores del llamado "Infierno Verde" y la terrible verdad que ocultan unos rollos de película encontrados junto a los restos mutilados y semi devorados de la anterior expedición. -Pocas veces una película ha dado tanto que hablar como "Holocausto Canibal" y a día de hoy todavía hay gente que se atreve a afirmar que el contenido de la película de Ruggero Deodato es real. -Su carátula censurada y el hecho de que Antena 3 la emitiese un día en horario infantil no hizo más que incrementar la leyenda de una película, que sentó las bases de otros títulos futuros. -Y recordad, viajar al Amazonas puede que no sea del todo seguro... El Proyecto de la Bruja de Blair (The Blair Witch Project, 1999), de Eduardo Sánchez y Daniel Myrick -Un año después de la desaparición de tres estudiantes mientras realizaban un documental sobre La Bruja de Blair, se encontró el material que habían rodado. A través de él podemos revivir los cinco angustiosos días que soportaron en el Black Hills Forest, y los terribles hechos que condujeron a su desaparición. -El primer ejemplo de la herramienta de promoción que puede suponer Internet a la hora de realizar el marketing de una película. Y es que "La Bruja de Blair" consiguió recaudar 140 millones de dólares en Estados Unidos contanto con un presupuesto de tan sólo 60.000. -El boca a boca y la página de Internet creada en la que en todo momento hacía pensar al espectador que los hechos de la película eran reales, supusieron una auténtica revolución. -Eso sí, muchas personas salieron del cine con un cabreo considerable tras ver la película... Alien Abduction (Alien Abduction: Incident in Lake County, 1998), de Dean Alioto -La historia muestra las horas de horror que vive la familia McPherson previo a ser abducidos por seres extraterrestres; los extraños sucesos que ocurren durante ese lapso, y la psicosis que se provoca gradualmente en los miembros de la familia. -Un título desconocido para una gran parte de los aficionados al terror pero que nadie debería dejar de ver. Realizada un año antes que La Bruja de Blair no tuvo la misma fortuna que aquella pese a ser considerada por parte de la crítica como un título mucho más aterrador. -A través de un vídeo casero contemplamos atónitos como una familia que está celebrando Acción de Gracias recibe la inesperada visita de unos alienígenas con no muy buenas intenciones. -Únicamente algunos excesos, como el papel de la niña o la abuela con problemas con el alcohol, restan credibilidad a un título que merece el status de obra de culto. (REC, 1998), de Jaume Balagueró & Paco Plaza -Cada noche, Ángela, una joven reportera de una TV local, sigue con su cámara a un colectivo distinto. Esta noche les toca a los bomberos, con la secreta esperanza de poder vivir en directo un impactante incendio. Pero la noche trascurre extremadamente tranquila. Y cuando por fin reciben la llamada de una anciana que se ha quedado encerrada en su casa, no les queda otro remedio que seguir a un grupo de bomberos durante su "misión" de rescate. -En el edificio donde vive la anciana, los vecinos están muy asustados. Demasiado. La mujer, encerrada en su piso, lanza unos gritos desgarradores... -La aportación patria a este listado y uno de los grandes éxitos del cine español moderno. La grabación de un Reality Show se convierte en una auténtica pesadilla para un reportero y el cámara que le acompaña (y gracias al que vemos toda la acción de la película). -Un título terrorífico, inteligente y que creó dos mitos para la historia del fantástico español: Ángela Vidal y La Niña Medeiros. Monstruoso (Cloverfield, 2008), de Matt Reeves -Cloverfield cuenta la historia de la noche en la que cinco jóvenes neoyorquinos celebran la fiesta de despedida de un amigo, cuando un monstruo del tamaño de un rascacielos llega a la ciuad. -Contada desde el punto de vista de una videocámara, la película es un documento sobre los intentos de un grupo de chicos por sobrevivir durante los momentos más increíbles y terroríficos de sus vidas. -Si alguien maneja como nadie el Marketing Viral ese es J.J.Abrams, creador de series como Alias o Perdidos. Una campaña publicitaria realizada casi en su totalidad a través de Internet, puso en boca de todos este título de presupuesto reducido (únicamente costó 25 millones de dólares) y cuyo monstruo, del que llegó a decirse que sería el mismísimo Cthulhu, no se vio en ningún momento hasta que se estrenó la película. -No tardará en realizarse una secuela. EL DIARIO DE LOS MUERTOS (Diary of the Dead, 2007), de George Romero -Jason Creed y un pequeño equipo de una escuela de cine se encuentran en los bosques de Pensilvania realizando sin financiacion una película de terror. Es entonces cuando se dan cuenta de que la muerte ha empezado a recobrar vida. -El regreso de Romero al cine zombie que le dio a conocer supuso un punto de inflexión sobre las anteriores entregas. Aquí asistíamos a un apocalípsis zombi que, curiosamente, era grabado por un aspirante a director de cine de terror. -Pese a que la película cuenta con algún momento tramposo (en alguna ocasión se emplea más de una cámara a la vez), "El Diario de los Muertos" es sin duda el trabajo más interesante de la filmografía reciente de Romero. THE ST.FRANCISVILLE EXPERIMENT (The St. Francisville Experiment, 2000), de Ted Nicolaou -Se oyen rumores pero se desconoce la verdad. La investigación de la casa de la familia LaLaurie habitada por el espíritu de los esclavos que yacieron muertos en horribles condiciones en 1834. ¿Quién podía imaginarse las repercusiones parapsicológicas de esta matanza? -Surgida a raíz del éxito de La Bruja de Blair este subproducto nos cuenta como cuatro expertos en fenómenos paranormales se encierran en una casa encantada a grabar lo que ocurre en su interior. -Aburrida, carente de tensión y su resultado final no dista mucho de lo que podríamos hacer cualquiera de nosotros con una cámara junto a tres amigos . -Completamente olvidable. THE POUGHKEEPSIE TAPES (The Poughkeepsie Tapes, 2007), de John Erick Dowdle -Cuando cientos de cintas de video mostrando torturas, asesinatos y desmembramientos son encontradas en una casa abandonada, revelarán el reinado de un asesino en serio que poseía la mayor colección de evidencias homicidas que unos detectives jamás vieron antes. -Cuando a los hermanos Dowdle les ofrecieron realizar Quarantine, el remake de , los productores sabían lo que hacían. -Y es que justo un año antes dirigieron The Poughkeepsie Tapes, un título desgraciadamente inédito en España, en el que a través de las cintas grabadas por un psicópata, así como posteriores entrevistas con las personas relacionadas con el caso, nos convertimos en voyeaurs de un título duro, por momentos enfermizo, y que ahonda en la fragilidad de la mente humana. -Y su epílogo es... mejor juzgarlo vosotros mismos ;-D PARANORMAL ACTIVITY (Paranormal Activity, 2009), de Oren Peli -Una joven pareja tiene la sospecha de que en su casa ocurre algo maligno. Para tener pruebas instalan una cámara de vigilancia para así poder captar la evidencia de lo que sucede cuando duermen... -Otro de los grandes éxitos de los últimos años y una de las películas más rentables de la historia del cine. Con tan sólo 10.000 dólares y buenas intenciones, Oren Peli aterró al público de medio mundo con esta cinta en la que una casa y una pareja son sus únicos ingredientes. -Como ocurre con estas películas, mucha gente se sintió estafada, pero sus minutos finales no dejan indiferente a nadie. MUERTE DE UNA CAZAFANTASMAS (Death of a Ghost Hunter, 2008), de Sean Tretta -En 2002 la celebre cazafantasmas Carter Simms recibió una oferta de 5.000 dólares para conducir una investigación paranormal de tres noches en la mansión Masterson, donde hace 20 años el pastor Joseph Masterson y su familia fueron brutalmente asesinados. -Otro documental que lo vendían como hechos reales al igual que ocurría con "La Bruja de Blair", "Holocausto Caníbal" o "Alien Abduction", pero que no era más que una campaña para apoyar la promoción de la película. -No obstante la película de Sean Tretta es lo suficientemente interesante para merecerse una oportunidad de los aficionados al género. Fuente: http://www.aullidos.com/leerarticulo.asp?id_articulo=296&Id_Pagina=11 Espero que lo disfruten Comentario Bardo = Comentario Borrado Encore_51

Por Miguel Martín ALFRED HITCHCOCK Y EL TERROR: Alfred Hitchcock nació en Londres en 1899, y murió en los Estados Unidos en 1980. Siempre vanguardista e innovador (tanto en la temática como en la técnica de sus películas), comenzó su dilatada carrera cinematográfica como ilustrador de los títulos narrativos y las frases de diálogo de las películas mudas. Antes de dirigir su primera película, “El jardín de la alegría”, Hitchcock realizó guiones para diversos directores. Además trabajó como ayudante de dirección, como dialoguista e incluso de decorador. Su carrera como director en Inglaterra es extensa, y nos ha dejado títulos tan destacables como “39 escalones” o “El hombre que sabía demasiado”. Rozando los cuarenta años, decide probar suerte en la industria de Hollywood, donde conseguiría la fama mundial que le acompaña incluso después de su muerte. “Con la muerte en los talones” o “Encadenados”, son simples muestras de su pericia como director en su etapa americana. Amigo de las personas “acusadas injustamente”, de los “Mac Guffin” imposibles y de las rubias sofisticadas, la filmografía de Hitchcock es un completo compendio sobre crimen y sexo. Todas y cada una de sus películas, algunas de ellas terriblemente infravaloradas, son dignas de al menos un visionado. El entretenimiento, en mayor o menor medida, está asegurado. A Alfred Hitchcock se le considera el rey del suspense, y no hay mejor forma de llegar al género del terror que por medio de este mecanismo que mantiene al espectador pegado a la butaca. En sus conversaciones con François Truffaut, Hitchcock da la clave para llegar al anhelado suspense: durante una conversación trivial entre dos personas, una bomba estalla bajo la mesa. El público queda mudo por la sorpresa. Sin embargo si se enseña la bomba desde un principio, colocada bajo la mesa mientras la conversación entre las dos personas se mantiene, se hace partícipe al público de lo que está a punto de pasar. Así se llega a generar el suspense, la intriga y la tensión. Muchos capítulos del programa “Alfred Hitchcock Presenta” (que el propio director creó y presentaba, y que tanta fama le otorgó), se basaban en gran medida en este sistema. Las principales obsesiones del orondo director, y que se repiten de manera constante en su filmografía, tratan sobre ser acusado de manera injusta, sentirse asediado y perseguido por la Ley (además de por los malvados) y el eterno temor a no ser creído por los que te rodean. A menudo el terror se basa en la confrontación del Bien (en forma del protagonista acorralado) contra el Bien (en forma de policía), en otras ocasiones el terror (muchas veces en forma de suspense) viene de lo inexplicable (“Los pájaros”), de la crueldad y mezquindad del alma humana (“Crimen Perfecto”), de las psicología perturbada y frágil de los protagonistas (de obligado visionado es la escena del sueño creado por Dalí en“Recuerda”, con Gregory Peck). Su particular visión del género de terror se ve claramente influenciada por su educación jesuita, y se basa en gran medida en el sentimiento de culpabilidad y el castigo al pecador. ALABEMOS AL REY!!! Fuente: http://www.aullidos.com/leerarticulo.asp?id_articulo=57 Comentario Bardo = Comentario Borrado Encore_51

Bueno gente aca les dejo algunos de los mejores directores del mundo, seguramente hay muchisimos mas, pero estos son los que mas me gustan: George A. Romero Biografía Primeros años Romero nació en Nueva York y fue criado en el distrito de Bronx; su padre y madre -George M. y Ann Romero- eran de ascendencia cubana y lituana, respectivamente. Durante su infancia hizo algunas películas con una cámara de 8 mm, siendo sus influencias Michael Powell y Orson Welles. Romero estudió en la Universidad Carnegie Mellon de Pittsburgh. Tras graduarse en 1960, comenzó su carrera cinematográfica grabando cortometrajes y comerciales para The Latent Image, una compañía que fundó junto a John Russo y Russell Streiner. Durante este periodo, el trio se aburrió de hacer comerciales y decidieron filmar una película de terror. Romero se basó en la novela de Richard Matheson, Soy leyenda, para crear su primera película sobre muertos vivientes. Junto a John Russo, Russell Streiner, Karl Hardman y Marilyn Eastman, fundó la productora Image Ten Productions a fines de los años 60, reuniendo aproximadamente $114.000 para financiar La noche de los muertos vivientes. La película, dirigida por Romero y escrita junto a John A. Russo, fue filmada en blanco y negro utilizando una película de 35 mm y estrenada en 1968. La cinta muestra cómo los muertos vuelven a la vida, siendo sus principales características la violencia y el canibalismo, característica presente en las demás películas de la serie. Aunque la palabra "zombi" no es empleada en ningún momento, muchos consideran a la película la base de este subgénero, sirviendo además como influencia para varias otras películas y videojuegos. Tras una década de reestrenos, la película recaudó $12 millones en Estados Unidos y $30 millones a lo largo del mundo. En 2001, el American Film Institute la agregó a la lista de los 100 mejores thriller de la historia, específicamente al puesto número 93. La revista Time, por su parte, la ubicó entre las 25 mejores películas de terror de la historia. La película se encuentra en el dominio público, ya que la distribuidora original, Walter Reade Organization, no agregó el símbolo de derecho de autor en los créditos. La ley de derechos de autor de Estados Unidos necesitaba este requisito para determinar la situación de alguna obra. Image Ten había agregado el símbolo en el título original de la película, Night of the Flesh Eaters. Sin embargo, la distribuidora lo eliminó al cambiar el título. Años 70 Las siguientes películas realizadas por Romero no fueron muy populares: There's Always Vanilla (1971), Season of the Witch (1972) y The Crazies (1973). Aunque no igualaron el éxito de La noche de los muertos vivientes, estos trabajos también presentaban una crítica social. «Antes de George los zombis en las películas eran creados mediante vudú [...] Él redefinió a los zombis como caníbales creados por la ciencia, no la magia. Llevó a los zombis a un terror más apocalíptico. De repente podían estar en cualquier lugar». Max Brooks, 2008. En 1978, Romero regresó al género de los muertos vivientes con la cinta El amanecer de los muertos. La historia cuenta cómo un grupo de sobrevivientes trata de refugiarse de los zombis en un centro comercial. Utilizando $1,5 millones de dólares, la película recaudó cerca de $40 millones alrededor del mundo. El crítico de cine Roger Ebert la catalogó como "una de las mejores películas de terror jamás creadas". Fue además ubicada en el puesto número 27 de las "50 mejores películas de culto" por la revista Entertainment Weekly en mayo de 2003. En octubre de 2007, Stylus Magazine la nombró la mejor película de zombis de la historia. «George Romero creó a los zombis, él hizo las reglas, dispararles en la cabeza, si te muerden quedas infectado, los muertos regresando a la vida, George hizo todo eso». Eli Roth, 2007. Romero incluyó una tercera película a su saga de muertos vivientes, titulada El día de los muertos y estrenada en 1985. En la película, los sobrevivientes se refugian en una estación militar subterránea, surgiendo diversos conflictos entre los protagonistas. Se puede observar además una evolución en el comportamiento de los muertos vivientes, especialmente en Bub, un zombi que fue estudiado por los científicos de la estación. Años 90 En 1990 reescribió el guión original de La noche de los muertos vivientes y participó como productor ejecutivo en el remake dirigido por Tom Savini. Savini había trabajado con anterioridad junto a Romero, principalmente como encargado de maquillaje y efectos especiales en varias de sus películas. Uno de los principales cambios en la trama fue la nueva personalidad de Barbara, quien pasa a ser más independiente y fuerte. El cambio, según Romero, fue realizado con el objetivo de remediar la primera versión del personaje. El 16 de noviembre de 1999, el bibliotecario del Congreso de Estados Unidos, James H. Billington, anunció la incorporación de La noche de los muertos vivientes de 1968 -junto a otras 24 películas- al National Film Registry de aquel país. El objetivo del registro es conservar películas, documentales y cortometrajes significativos para Estados Unidos, ya sea estética, cultural o históricamente. Años 00 Universal Studios produjo un remake (una nueva versión) de El amanecer de los muertos en 2004, el cual fue dirigido por Zack Snyder. Sin embargo, Romero no formó parte del proyecto. Su opinión sobre la película fue positiva: "Fue mejor de lo que esperaba. Creo que es una gran película de acción. Los primeros 15, 20 minutos fueron geniales, pero poco a poco fue perdiendo su razón de ser. Se asemejó más a un videojuego." George A. Romero. Ese mismo año se estrenó Shaun of the Dead, película cómica del Reino Unido que hace numerosas referencias al trabajo de Romero. Fue dirigida por Edgar Wright y protagonizada por Simon Pegg y Nick Frost. La historia gira en torno a un grupo de personas que trata de sobrevivir ante la reciente aparición de muertos vivientes. La película fue bien recibida por Romero, quien felicitó a sus creadores. Finalmente, el 24 de junio de 2005, el director estrenó una cuarta película titulada La tierra de los muertos (conocida anteriormente como Dead Reckoning). Fue protagonizada por Dennis Hopper, Asia Argento y John Leguizamo, entre otros. Tuvo un presupuesto de aproximadamente $15 millones de dólares, el mayor en la historia de las películas de Romero hasta ese momento. La cinta contó con los cameos de Edgar Wright y Simon Pegg, director y protagonista de Shaun of the Dead respectivamente. La respuesta por parte de la crítica fue positiva. Romero no estuvo del todo conforme con el resultado final de La tierra de los muertos, por lo que decidió dirigir una nueva película, pero esta vez financiada de manera independiente. La película se tituló Diary of the Dead y fue presentada el 8 de septiembre de 2007 en el Festival Internacional de Cine de Toronto. La película tiene cameos de Stephen King, Quentin Tarantino, Wes Craven, Simon Pegg, Edgar Wright, Tom Savini y Guillermo del Toro, quienes contribuyeron con sus voces. La nueva película de Romero, titulada Survival of the Dead, será presentada en el Festival Internacional de Cine de Toronto. La historia narra la lucha de dos familias en medio de un mundo post-apocalíptico donde los muertos han regresado a la vida; la disputa se basa en la manera en que ambos bandos ven la situación que aqueja al planeta. La cinta es protagonizada por Alan Van Sprang y Kenneth Welsh. Crítica social Varias películas de George A. Romero muestran una crítica hacia distintos ámbitos de la sociedad contemporánea. Según palabras del director: La fantasía es un medio para las metáforas [...] y dado que estoy atascado en este género, intento buscar nuevas formas de utilizarlo. Para al menos expresar alguna opinión o satirizar cosas y divertirme. Muchas veces, los protagonistas no luchan contra los zombis, sino que entre ellos, debido principalmente a la presión del ambiente en el que se encuentran. Para Romero, los villanos en sus películas "son siempre los vivos, no los muertos". La crítica social de La noche de los muertos vivientes (1968) no fue premeditada, según Romero, el hecho de utilizar a un afroamericano como protagonista fue debido a que Duane Jones era "el mejor actor entre nuestros amigos". En la escena final, el personaje de Jones muere tras recibir un disparo en la cabeza. La situación con respecto a la raza aumentó cuando el director viajaba hacia Nueva York, con el fin de reunirse con un posible distribuidor para la cinta: "Esa noche en el automóvil, nos enteramos que Martin Luther King había sido asesinado. Así, el impacto de la película nos afectó de inmediato". Varios críticos de cine vieron en la cinta un mensaje contra la Guerra de Vietnam, el racismo y la Guerra Fría. En El amanecer de los muertos (1978), el director critica al consumismo. En una escena de la película, los sobrevivientes, que se refugiaban en un centro comercial, olvidan lo que está ocurriendo en el resto de la ciudad mientras recorren las tiendas. En otra escena, se ve cómo los zombis se dirigen al centro comercial, guiados por una especie de instinto o recuerdo. Una de las críticas que realiza la película de 2008, Diary of the Dead, es hacia los medios de comunicación, pero principalmente hacia el protagonista, quien se obsesiona con la idea de hacer un documental sobre lo que está ocurriendo. Esta actitud le crea algunos problemas con sus compañeros. El director además critíca la facilidad con que se puede informar utilizando la tecnología, "muchas veces esa información proviene desde una perspectiva o es simplemente una opinión. No se puede controlar". Filmografía • Survival of the Dead (2009) • Diary of the Dead (2008) • La tierra de los muertos (2005) • Bruiser (2000) • The Dark Half (1993) • Due occhi diabolici (1990) • Monkey Shines (1988) • El día de los muertos (1985) • Tales from the Darkside (1984, serie de tv) • Creepshow (1982) • Knightriders (1981) • El amanecer de los muertos (1978) • Martin (1976) • O.J. Simpson: Juice on the Loose (1974) • The Winners (1973, serie de tv) • Season of the Witch (1973) • The Crazies (1973) • There's Always Vanilla (1971) • La noche de los muertos vivientes (1968) Escena de "The Night of the Living Dead" Quentin Tarantino Biografía Nació en 1963 en Knoxville, Tennessee. El nombre de Tarantino hace referencia a un personaje de una serie de televisión, al herrero mestizo Quint interpretado por Burt Reynolds en Gunsmoke. Cuando tenía dos años, la madre soltera del realizador se trasladó con él a South Bay, al sur de Los Ángeles, su hogar durante las siguientes dos décadas.Su barrio en la ciudad de Torrance era una mezcla de blancos y negros por lo que estuvo expuesto a una gran variedad de influencias cinematográficas y de culturas populares. Por ejemplo, las películas de artes marciales, que se seguían poniendo en los barrios negros después de que la fiebre del kung fu se trasladara a otros sitios. Tarantino se las apañó para seguir viéndolas hasta bien entrados los años 70. Tarantino abandonó los estudios a los 17 años para dar clases de interpretación y mantenerse con trabajos esporádicos. A los 22 años encontró una especie de segundo hogar en Video Archives, en Manhattan Beach, donde sus grandes conocimientos en películas antiguas le fueron muy útiles. En parte como consecuencia de su frustración por la dificultad de poder hacer una "película de verdad" con un escritor desconocido como director, Tarantino escribió en 1991 Reservoir Dogs , con la intención de que fuera el proyecto más minimalista que se pueda imaginar: la historia de un atraco a mano armada en la que el robo tiene lugar fuera de la pantalla, páginas y páginas de diálogo que necesitan un sólo plató. Pretendía ser una película de 16mm extremadamente barata con Tarantino y sus amigotes de Video Archives interpretando todos los papeles. Afortunadamente, un ambicioso productor, Lawrence Bender leyó el guión de "Dogs" y le fascinó. Le pidió a Tarantino que le concediera un mes para intentar hacer de ella una "película de verdad". Fue Bender quien hizo llegar el guión al actor Harvey Keitel , y fue el entusiasmo de Keitel lo que atrajo a varios buenos actores y, finalmente, un presupuesto decente para la producción. Rodada en menos de un mes en Los Ángeles, con un reparto excepcional que incluía a Michael Madsen , Steve Buscemi , Tim Roth , Lawrence Tierney , Chris Penn y el propio Tarantino, además de Keitel, Dogs fue todo un éxito, primero en el Festival de Cine de Sundance y después en todo el mundo. En 1994 llegó Pulp Fiction , un collage de ficción interpretada por John Travolta y Uma Thurman .Tras tres años de descanso, Tarantino escribió y dirigió Jackie Brown en 1997, un embrollo policíaco inspirado en la novela de Elmore Leonard , Rum Punch. Pam Grier logró estar nominada tanto a los Globos de Oro como a los premios SAG por su actuación en el papel principal, y el coprotagonista, Robert Foster , fue nominado al Premio de la Academia en la categoría de Mejor Actor Secundario. Completaban este reparto único Samuel L. Jackson (nominado también para un Globo de Oro), Robert De Niro , Bridget Fonda y Michael Keaton . El primer objetivo profesional de Tarantino era ser actor y ha seguido interpretando papeles en sus propias películas como en las de otros, como en Jackie Brown, Reservoir Dogs, Pulp Fiction, The Man From Hollywood, Four Rooms, Abierto hasta el amanecer, Destiny Turns on the Radio y Girl 6 de Spike Lee. Durante los cuatro años que pasaron entre el estreno de Jackie Brown y la producción de Kill Bill, Tarantino trabajó duro en el guión de una película bélica, Inglorious Basterds, que se estrenó en agosto del 2009. Filmografía Como productor • Machete (2010) • Hell Ride (2008) • Grindhouse(Planet terror - Death Proof)(2007) • Hostel 2 (2007) • Freedom's Fury (2006) • Hostel (2005) • Daltry Calhoun (2005) • My Name Is Modesty: A Modesty Blaise Adventure (2004) • God Said, 'Ha!' (1998) • Curdled (1996) • From Dusk Till Dawn (1996) • Four Rooms (1995) • Killing Zoe (1994) • Siu nin Wong Fei Hung ji: Tit Ma Lau (1993) • Past Midnight (1991) • My Best Friend's Birthday (1985) Como director de fotografía • Grindhouse (Death Proof) (2007) Como director • Inglourious Basterds (2009) • Grind House: Death Proof (2007) • Sin City (Director invitado) (2005) • Jimmy Kimmel Live! (Episode dated 20 April 2004) • Kill Bill Vol.2 (2004) • Kill Bill Vol.1 (2003) • Jackie Brown (1997) • Four Rooms (1995) • Pulp Fiction (Tiempos Violentos) (1994) • Reservoir dogs (1992) • My Best Friend's Birthday (1987) • CSI: Grave Danger. Vol 1 & 2 Como guionista • Inglourious Basterds (2009) • Grind House: Death Proof (2007) • Peligro sepulcral (episodio de CSI: Crime Scene Investigation (2005)) • Kill Bill Vol.2 (2004) • Kill Bill Vol.1 (2003) • Jackie Brown (1997) • From Dusk Till Dawn (Del crepúsculo al amanecer / Abierto hasta el amanecer) (1996) • Four Rooms (1995) • Motherhood. Episodio de Sala de Urgencias (1995) • Dance Me to the End of Love (1995) • Abierto hasta el Amanecer (1995) • Asesinos Natos (1994) • Pulp Fiction (Tiempos Violentos) (1994) • True Romance (1993) • Reservoir Dogs (Los perros de la calle) (1992) • My Best Friend's Birthday (1987) Como actor • Sukiyaki Western: Django : Dirigida por: Takashi Miike (2007) • Grind House: Planet Terror (de Robert Rodríguez) y Death Proof (de Quentin Tarantino) (2007) • Revelación total (voz) (Alias) (2003) • Kill Bill Vol.1 (2003) (como uno de los 88 maníacos) • La Caja. Doble Episodio de Alias • Después de las seis (Alias) • Little Nicky (2000) • Jackie Brown (1997) (voz) • Girl 6 (1996) • From Dusk Till Dawn (Abierto hasta el amanecer) (1996) • Desperado (La balada del pistolero) (1995) • Four Rooms (1995) • Destiny Turns on the Radio (1995) • Dance Me to the End of Love (1994) • Sleep With Me (Duerme conmigo) (1994) • Somebody to Love (Alguien a quien amar) (1994) • Pulp Fiction (Tiempos Violentos) (1994) • Reservoir Dogs(1992) • Eddie Presley (1992) • My Best Friend's Birthday (1987) Curiosidades • El orden cronológico suele estar alterado en sus películas, mostrándose al comienzo de los mismos hechos adelantados en el futuro, para mostrar como se ha llegado a esos hechos (pasado) a medida que avanza la película. Esta estructura cronológica la encontramos en películas como Pulp Fiction, Reservoir Dogs, Kill Bill... • Es frecuente que en sus películas haya un escena de "enfrentamiento mexicano", en la que 3 o más personajes se apuntan mutuamente con pistolas al mismo tiempo. • Los personajes de casi todas sus películas tienen un alias. Por ejemplo, todo el equipo de Reservoir Dogs, los personajes de Kill Bill, o Pumpkin y Honey Bunny en Pulp Fiction. • En varias ocasiones se incluye el restaurante ficticio Big Kahuna Burger • Sus ángulos de cámara son otra seña característica de su estilo. En sus películas es frecuente ver planos de gente abriendo y cerrando puertas, primeros planos muy cercanos de la cara de actores mientras esta hablando otra persona fuera de cámara (Butch mientras habla Marcellus en Pulp Fiction o La Novia mientras habla Bill), tomas desde detrás de los actores o tomas muy cercanas de las manos de los personajes realizando cualquier acción (por ejemplo, Jules cogiendo una hamburguesa en Pulp Fiction) • Una de las marcas de Tarantino son los característicos planos desde el interior de un maletero que aparecen en todas y cada una de sus películas (excepto en Inglorious Basterds, en la que se hace una toma desde la caja de un camión). • En Kill Bill y en Pulp Fiction utiliza la misma espada samurai. • Fetichista de los pies: es normal en sus filmes que las actrices exhiban sus pies descalzos y en ocasiones en primer plano. • Otra curiosidad es el Zippo que aparece también en todas sus películas. • Una de sus características principales son las tomas de larga duración que suele incluir. • Incluye además en los personajes el consumo de cigarrillos Red Apple, o bien aparecen anunciados o como parte de la escenografía. • En una entrevista en la revista Playboy habló sobre el consumo de cannabis y éxtasis durante el rodaje de Kill Bill. • Es habitual en Quentin ver escenas en plano medio con extensos diálogos entre dos personas acompañados de un atrapante suspense en todas sus películas y colaboraciones esporádicas • Cobró un dólar a Robert Rodríguez por la famosa escena en la película basada del cómic de Frank Miller, Sin City • De la famosa videotienda Archives echó a un cliente prácticamente a patadas. Escena de "Pulp Fiction" Peter Jackson Biografía Nació en Pukerua Bay, Nueva Zelanda el 31 de octubre de 1961. A los nueve años vio King Kong y desde entonces quiso ser director de cine. Realizó cortometrajes con la cámara de vídeo que le regalaron sus padres. Jackson comenzó su carrera realizando filmes en su tiempo libre, entre los que destacó en 1987 Bad Taste, rodado el mismo año de su boda con Fran Walsh: un film gore con el que consiguió notoriedad en el festival de Cannes, comenzando así su carrera profesional en el cine y que le permitió acceder al mundo de Hollywood. Sin embargo, al contrario de otros compatriotas, ha permanecido en su país realizando sus nuevos proyectos: durante este tiempo fue adquiriendo o creando negocios para producir filmes en Nueva Zelanda. La segunda película El delirante mundo de los Feebles (Meet the Feebles), Jackson utilizó marionetas en una divertida producción en que demuestra talento como creador de originales historias. Trata sobre un grupo de teatro musical. El boom como autor de culto se disparó con Braindead, una película gore entre comedia y terror (ambigüedad debida en buena parte a su trama atrozmente sangrienta) con la cual ganó abundantes premios. Esta película está considerada una de las más gore de la historia. Este filme le permitió probar una manera de hacer cine «más normal», pero sin dejar su humor negro. Con esta película lograría su primera postulación a los premios Óscar como mejor guión y también fue premiado en el Festival de Venecia. Pero realmente Jackson ha llegado a ser famoso por dirigir la trilogía de El Señor de los Anillos, una detrás de otra durante cuatro años, con El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo ganó 4 Óscar de 13 nominaciones, El Señor de los Anillos: las dos torres recibió 2 de 6 nominaciones a los premios Óscar, y fue en la última película de la trilogía cuando Jackson consiguió el premio por mejor película, como mejor director y uno más como guionista. En total el film conseguiría ganar los 11 premios a los que estaba nominado entre ellos el de mejor película igualando así a Ben-Hur de William Wyler y Titanic de James Cameron. Como curiosidad, Peter hizo breves cameos en cada una de las películas de los Anillos. En La Comunidad del Anillo actuó como aldeano de Bree, en Las dos torres, hizo de rohir y en El retorno del Rey apareció en uno de los barcos de los hombres del sur junto a otros miembros del equipo. Su película King Kong, de 2005, fue un remake del clásico de 1933 King Kong, cumpliendo así su sueño de la infancia. A finales de 2007 se hizo público su acuerdo con las compañías Metro-Goldwyn-Mayer y New Line Cinema para que sea productor ejecutivo de dos películas basadas en la novela El hobbit, que se empezarán a rodar lo antes posible y se planea que se estrenen en 2010 y 2011, dirigidas por el realizador mexicano Guillermo del Toro, ya que él está ocupado preparando la adaptación de Las aventuras de Tintín junto con Steven Spielberg. Filmografía Como director • Temeraire (sin fecha) • The Lovely Bones (Desde mi cielo, 2009) • King Kong (2005) • El Señor de los Anillos: el retorno del Rey (2003) • El Señor de los Anillos: las dos torres (2002) • El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo (2001) • The Frighteners (1996) • Forgotten Silver (1995) • Criaturas celestiales (1994) • Braindead (tu madre se ha comido a mi perro) (1992) • El delirante mundo de los Feebles (1989) • Bad Taste (Mal gusto) (1987) Como productor • Halo (2012): productor ejecutivo • El hobbit (2011): productor ejecutivo • The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn (2011): productor • District 9 (2009) • The Lovely Bones (2007): Productor • King Kong (2005): productor • The Long and Short of It (2003): productor ejecutivo • El Señor de los Anillos: el retorno del Rey (2003): productor • El Señor de los Anillos: las dos torres (2002): productor • El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo (2001): productor • Agárrame esos fantasmas (1996): productor • Criaturas celestiales (1994): co-productor • Jack Brown Genius (1994): productor • Valley of the Stereos (1992): co-productor • El delirante mundo de los Feebles (1989): productor • Bad Taste (1987): productor Rodaje de "The Lord of the Ring: The Two Towers" M. Night Shyamalan Biografía Inicios Creció en Penn Valley, Pennsylvania, un suburbio de Filadelfia (EE.UU.). A los ocho años le regalaron una cámara Super 8 y a partir de este hecho surgió su pasión por hacer cine imitando a su héroe de aquel entonces, Steven Spielberg. A los 17 años había realizado 45 películas caseras. Estudió en la Escuela Tisch de las Artes (TSOA) de la Universidad de Nueva York y fue en esta época cuando cambió su segundo nombre, Nelliyattu, por el de Night. Praying with Anger fue su primer largometraje y está basado en parte en su primera visita a la India desde que su familia emigrara a los EE.UU. Carrera Las características principales del cine de Shyamalan son argumentos con giros inesperados, un tratamiento realista del terror y el suspenso y la aparición breve de Shyamalan en cada uno de sus films. Hasta ahora (incluyendo El incidente), todas sus películas —exceptuando Praying with anger (1992)—, han sido rodadas en Filadelfia o en algún lugar del estado de Pennsylvania. Le ofrecieron escribir la cuarta parte de la saga de Indiana Jones (se sabe su admiración por Spielberg, su director favorito y Hitchcock) y dirigir la tercera película de Harry Potter y rechazó ambas ofertas. Más tarde comenzaría la película que le convirtió en el guionista mejor pagado de Hollywood cuando la Disney le dio cinco millones de dólares por Signs (Señales, 2002).Gracias a esta película ha vuelto a recrearse en las mieles del éxito. En sus dos siguientes películas, The Village (El bosque o La aldea) (2004) y La joven del agua (2006), la crítica se ha dividido. Unos que apoyan incondicionalmente su cine, diciendo que estas películas superan a las anteriores, y el resto que dicen que ha iniciado un declive del que esperan que remonte. Acompañado en sus películas con el aclamado compositor James Newton Howard (y nominado a los Oscar por su partitura para The village en 2004), han acabado siendo indivisibles, logrando experiencias únicas en la sala de cine, aportándole a sus películas lo que requieren, y creando fascinantes atmósferas. Una de sus características, es aparentar ser películas de suspenso, cuando son mucho más que eso. Denominado por los críticos como el director cebolla, por las capas con las que cuentan sus películas. El sexto sentido es una historia de redención (quiere salvar al niño que le recuerda a otro que en su momento no pudo conseguirlo), Señales sobre las dudas de fe, El Bosque como una historia de amor en condiciones adversas... y de ahí radica el éxito de su cine. Que es mucho más de lo que aparenta, y logra captar a más público, los que quieren pasar un buen rato, y los que quieren ver mas cine. Es considerado uno de los directores más talentosos en activo, y de los que mejores augurios para el futuro tiene. En junio de 2008, se estrenó su última cinta titulada El Incidente. Se concibió inicialmente como 'The Green Effect' pero fue rechazado categóricamente por varios estudios, hasta que la Fox le echó un vistazo y se hizo con los derechos para producirla siempre que Shyamalan reescribiese el guión de cabo a rabo. Será la primera película del director que reciba la clasificación de "no recomendada para menores de 18 años" en Estados Unidos de América. Antes de comienzos de 2008, se confirmó que hara la película, de la serie animada Avatar The Last Airbender, de Nickelodeon. En octubre de 2008 se confirmo el reparto de la película, con actores amateurs, Nicola Peltz(Katara), Noah Ringer (Aang), Jesse McChartnhey (Zuko) y el uno de los protagonistas de Twilight(Crepusculo) Jackson Rathbone(Sokka). En enero de 2009 se agrego al reparto Dev Patel, protagonista de la película multiganadora de los premios Oscar, Slumdog Millonaire, reemplazando a Jesse McChartnhey, para interpretar a Zuko. Filmografía • 2010 - The Last Airbender • 2008 - The Happening • 2006 - Lady in the Water • 2004 - The village • 2002 - Señales (Signs) • 2000 - El protegido (Unbreakable) • 1999 - El sexto sentido (The Sixth Sense) Stuart Little (Guión) • 1998 - Wide awake • 1992 - Praying with Anger Curiosidades Cameos A Shyamalan le gusta salir en sus películas metiéndose en la piel de algún personaje secundario: • En El Sexto Sentido es el médico que atiende al niño sospechando de posibles malos tratos por parte de su madre. • En El Protegido aparece como un simple asistente al estadio donde trabaja el personaje de Bruce Willis quien lo cachea creyendo que trafica con drogas. • En Señales escoge un personaje más importante, al menos en el aspecto dramático, ya que es quien por accidente mata a la mujer del personaje de Mel Gibson. • En El Bosque (La Aldea) es también un personaje en cierto modo importante, es el guarda donde están las medicinas que necesita Ivy Walker. • En La dama en el agua sale caracterizado como un escritor novel que se encuentra escribiendo un libro que será muy influyente para el futuro, en esta película es en la que su aparición es más que un pequeño cameo ya que su personaje tiene bastantes apariciones a lo largo del filme. • En El Incidente (El fin de los tiempos) es Joey, el compañero de trabajo que constantemente llama a Alma Moore. Solo se escucha un "Hola" de la voz de Joey. También puede preciarse sentado en uno de los asientos de al lado en el tren el cual se detiene y se alcanza a ver que se asoma. Esta situación no es novedosa, como lo refiere la propia Wikipedia para el maestro del suspenso Alfred Hitchcock al señalar: "A partir de este momento y durante las tres décadas siguientes, dirigió películas en Hollywood a razón de una por año, reservándose en todas ellas una breve aparición (cameo), siempre sin diálogo" Escena de "Signs" Robert Rodriguez Biografía Primeros Años Nació en 1968 en San Antonio (Texas), en el seno de una familia de inmigrantes mexicanos.Rodríguez escribió el guión de su primer largometraje mientras permanecía internado en las instalaciones de unos laboratorios de investigación como paciente de un experimento clínico remunerado. Este dinero sirvió para pagar el rodaje de su película. Planeó recuperar el dinero vendiendo la película en el mercado del vídeo doméstico mexicano. La película era El Mariachi (1993), que Rodríguez escribió, dirigió, fotografió, montó y grabó el sonido con un presupuesto de 7.000 dólares. Fue entonces cuando Columbia Pictures compró los derechos y firmó un contrato de dirección de dos años con Rodríguez. El Mariachi terminó ganando el ansiado Premio del Público a la Mejor Película Dramática del Festival de Cine de Sundance. El Mariachi se convirtió en la película de menor presupuesto estrenada por un gran estudio y en la primera cinta americana estrenada en español. Carrera Más tarde, Rodríguez escribió, produjo, dirigió y montó Desperado (1995), una secuela de El Mariachi, para Columbia Pictures. Esta película dio a conocer a Salma Hayek al público norteamericano, así como a Antonio Banderas en un papel protagonista. Más tarde, formó equipo con Quentin Tarantino en la atrevida Abierto hasta el amanecer, de Dimension Films. En 2001, Robert Rodríguez pudo hacer realidad uno de los sueños de su vida y creó una película de aventuras para toda la familia. Spy Kids fue aclamada por la crítica y obtuvo un enorme éxito de taquilla, con unos ingresos que superaron los 100 millones de dólares sólo en Estados Unidos. Después le siguió Spy Kids 2, que se hizo valedora de excelentes críticas y Spy Kids 3-D: Game Over', que se estrenó en Estados Unidos el 25 de julio de 2003. La tercera entrega de la trilogía El Mariachi, El Mexicano rodada, montada y producida por él mismo, que se estrenó en Estados Unidos el 12 de septiembre de 2003. Además, participó como guionista. Un detalle que bastante gente desconoce es que es primo carnal del actor Danny Trejo, con el que ha colaborado en varias de sus películas como, por ejemplo, Abierto hasta el amanecer, Spy Kids, El Mexicano o Machete (película), la cual se estrena en 2010. Filmografía • Predators ([2010]) Productor, Guionista. • Neverackers ([¿?]) Director, Guionista, Productor. • Machete ([2010]) Director, Guionista, Productor. • Shorts ([2009]) Director, Guionista, Productor, Música. • Sin City 2 (2010) Director, Música • Planet Terror (2007) Director, Fotografía, Guionista, Montador, Producción • Las aventuras de Shark Boy y Lava Girl en 3D (2005) Director, Guionista • Sin City (2005) Director • Spy Kids 3 (2004) Director, Guionista, Montador, Musica, Producción • Kill Bill Vol. 2 (2004) Musica • Spy kids 2: la isla de los sueños perdidos (2003) Director, Fotografía, Guionista, Cinemat/Montador, Musica • Érase una vez en México (2003) Director, Fotografía, Guionista, Cinemat/Montador, Producción • Spy Kids (2001) Director, Guionista, Musica • The Faculty (1999) Director • Full Tilt Boogie (1997) actor • Abierto hasta el amanecer (1996) Director, Montador • Desperado (1995) Director, Guionista, Producción • Four Rooms (1995) Director, Guionista • Roadracers (1994) Director, Guionista • El mariachi (1992) Director, Fotografía, Guionista Escena de "Planet Terror" Zack Snyder Biografia Zack Snyder (nacido el 1 de marzo de 1966) es un director de cine estadounidense nacido en Green Bay, Wisconsin (Estados Unidos). Es conocido por su debut, realizando un remake de la película El amanecer de los muertos de George A. Romero, y por su segunda película y exitosa en taquilla 300, adaptación del cómic de Frank Miller. Después del éxito rotundo de su segundo proyecto, la Warner le consiguió los derechos de Watchmen y con ella dividió a la crítica que lo había considerado como el nuevo rey midas de Hollywood. A pesar de este pequeño resbalón consigue otro proyecto el cual cuenta con más estrellas a su cargo (y con ello más responsabilidad). Conocido como el nuevo Visionario del Cine (antes Ridley Scott). Filmografía • Guardians of Ga'Hoole (2010) con Hugh Jackman, Hugo Weaving y Ryan Kwanten. • Watchmen (2009) • 300 (2007) • El amanecer de los muertos (2004) Curiosidades • Rechazó dirigir la película S.W.A.T. porque no quería que fuera catalogada de "R" (muy violenta en EE.UU.). • Estudió Artes Visuales en Heatherlies School, en Londres. • Estudió Arte en el colegio de Diseño de Pasadena, California. Escena de "Dawn of the Dead" Paco Plaza Biografia Paco Plaza es un director de cine español nacido en Valencia en 1973 y con residencia en Barcelona. Es Licenciado en Ciencias de la Información por la Universidad de Valencia y está diplomado en Dirección Cinematográfica por la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid (ECAM). Filmografía • El segundo nombre (2002) • O. T. La película (2002) • Romasanta. La caza de la bestia (2004) • Cuento de Navidad (2005) capítulo de la serie de TV Historias para no dormir • REC (2007), junto con Jaume Balagueró • REC 2 (2009), junto con Jaume Balagueró Escena de "REC" dirigida junto a Jaume Balaguero. Jaume Balagueró Biografía Nació el 3 de noviembre de 1968 en Lérida. Especializado en el género de terror, más concretamente en la vertiente del terror “psicológico”. El cortometraje “Alicia”, con el que triunfaría en el Festival de Sitges. En su segundo cortometraje consolidaría un estilo que perduraría en sus siguientes obras, y que atraería el interés de los productores. En 1999 dirigió su primer largometraje, Los sin nombre, una adaptación de la novela homónima de Ramsey Campbell, con la que ganó el Meliès de Oro a la mejor película fantástica europea de ese año, suponiendo su despegue a nivel internacional. En 2002 dirigió junto a Paco Plaza OT: la película, un documental sobre el programa televisivo que tantas pasiones despertó ese año, donde se hacía un seguimiento de las peripecias del grupo de cantantes. Sus dos siguientes largometrajes, para los que ha podido contar con mayores presupuestos y la intervención de prestigiosos actores de Europa y de los Estados Unidos, apuntalan una obra aclamada en todo el mundo por los aficionados al género, coherente y muy personal, ya no por la revisitación de temas recurrentes que ha conseguido hacer suyos, sino por el uso de ciertos recursos expresivos (las máscaras anti-gas, los transistores de radio antiguos, los viejos retratos familiares, y el famoso “el efecto Balagueró”, una suerte de efecto estroboscópico utilizado en momentos “siniestros” con los que logra recrear una atmósfera verdaderamente desasosegante sin recurrir necesariamente a truculencias demasiado explícitas. Filmografia • 2 (2009) Junto a Paco Plaza • (2007) Junto a Paco Plaza • Fragiles (2005) • Darkness (2002) • OT - La pelicula (2002) • Los Sin nombre (1999) • Dias sin luz (1995) • Alicia (1994) Escena de "" dirigida junto a Paco Plaza. Chris Carter Biografia Nacido el 13 de octubre de 1956, es un productor y guionista estadounidense, conocido por ser el creador de la exitosa serie de televisión sobre fenómenos paranormales The X-Files. Chris Carter, hijo de William y Catherine Carter, nació en Bellflower, California. Estudió periodismo en la Universidad Estatal de California (California State University) y se graduó en 1979. Siendo adolescente, fue seguidor del programa Kolchak: The Night Stalker, protagonizado por Darren McGavin en el papel de un desafortunado periodista que era testigo de experiencias paranormales. La serie sólo duró veinte capítulos, pero dejaría una importante huella en Carter. Con motivo de la producción de la serie The X-Files en 1993, Chris Carter creó su propia productora, Ten Thirteen Productions. Con el éxito de The X-Files creciendo sin parar, en 1996 la compañía se embarcó en una nuevo proyecto; Millennium. Esta serie fue cancelada después de tres temporadas. En 1998 la compañía lanzó una película de The X-Files que se llamó The X-Files: Fight the Future. En 1999, como Millennium había sido cortada, una tercera serie fue producida: Harsh Realm, que sólo duró nueve episodios antes de ser cancelada. En 2001 decidieron crear un spin-off de The X-Files y el resultado fue The Lone Gunmen. Esta serie fue cancelada después de una única temporada. Cuando se decidió que The X-Files terminase en 2002 (tras nueve temporadas completas) la compañía decidió disolverse en lugar de continuar. Filmografía • The B.R.A.T. Patrol (1986) — Guionista • Brand New Life - Creador/Guionista • The X-Files (1993-2002) - Creador/Guionista/Director/Productor ejecutivo • Millennium (1996-1999) - Creador/Guionista/Productor ejecutivo • The X-Files: Fight the Future (1998) — Guionista/Productor ejecutivo • Harsh Realm (1999–2000) - Creador/Guionista/Productor ejecutivo • The Lone Gunmen (2001) - Guionista/Productor ejecutivo • Inventing Grace, Touching Glory (2003) — Actor • A Philosophical Investigation (2006) — Director/Guionista/Productor ejecutivo • The X-Files: I Want to Believe (2008) — Co-Guionista/Director Escena de "X-Files: Fight the Future" Steven Spielberg Biografia Steven Allan Spielberg (Cincinnati, 18 de diciembre de 1946) es un director, guionista y productor estadounidense de cine. Ha sido condecorado con la Orden del Imperio Británico y la National Humanities Medal. Creció en los suburbios de Haddonfield (Nueva Jersey) y Scottsdale (Arizona). Estudió filología en la California State University, aunque dejó la universidad al ser contratado por la división televisiva de Universal; sería en 2002 cuando recibiese su diploma de graduación. Comenzó a dirigir episodios de series de televisión, entre ellas Marcus Welby y Colombo. Realizó un largometraje para televisión titulado El diablo sobre ruedas (1972), del que se hizo una versión cinematográfica que tuvo un éxito inesperado, lo que introdujo a Spielberg en el mundo del cine. Producciones Spielberg no es solamente reconocido por su trabajo como director, sino también por sus acciones de caridad para organizaciones de la Segunda Guerra Mundial y la Righteous Persons Foundation (la cual concede dinero a varios proyectos judíos, especialmente organizaciones en memoria del Holocausto). También forma parte de la Junta de Consejeros de la Escuela de Cine-Televisión de la California State University. Steven Spielberg está casado con la actriz Kate Capshaw, a quien conoció durante las audiciones para la película Indiana Jones And The Temple Of Doom. Filmografía Como productor, guionista, montador y reparto • 1971 - Murder by the Book primer episodio de la primera temporada de la serie Columbo, (Colombo en España) - DIRECCION • 1973 - Ace Eli and Rodger of the Skies - GUION • 1974 - Sugarland Express 1er cinta que dirige • 1977 - Encuentros cercanos del tercer tipo (título en Latinoamérica), Encuentros en la tercera fase (título en España) (Close Encounters of the Third Kind) - DIRECCION • 1978 - Locos por ellos (I Wanna Hold Your Hands) - PRODUCCION • 1980: o Frenos rotos, coches locos (Used Cars) - PRODUCCION o Granujas a todo ritmo (The Blues Brothers) - REPARTO • 1981: o En busca del Arca perdida (Raiders of the Lost Ark) - DIRECCION o Continental Divide - PRODUCCION • 1982: o E.T., el extraterrestre (E.T.: the Extra-Terrestrial) - DIRECCION o Poltergeist (Fenómenos extraños en España) GUION y PRODUCCION • 1984: o Indiana Jones y el Templo Maldito (Indiana Jones and the Temple of Doom) - DIRECCION o Gremlins (Gremlins) PRODUCCION y REPARTO • 1985: o Fandango - PRODUCCION (no mencionado en los créditos) o Los Goonies (The Goonies) – PRODUCCION, GUION y MONTAJE o Regreso al futuro (Back to the Future) - PRODUCCION o Cuentos asombrosos (Amazing Stories), serie de TV, hasta 1987 - PRODUCCION o El secreto de la pirámide (Young Sherlock Holmes) - PRODUCCION • 1986: o Esta casa es una ruina (The Money Pit) - PRODUCCION o Fievel y el Nuevo Mundo (An American Tail) - PRODUCCION • 1987: o Harry y los Henderson (Harry and the Hendersons) - PRODUCCION o El chip prodigioso (Innerspace) - PRODUCCION o Three O'Clock High - PRODUCCION o Nuestros maravillosos aliados (*Batteries not Included) - PRODUCCION • 1988: o ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (Who Framed Roger Rabbit?) - PRODUCCION o En Busca del Valle Encantado (The Land Before Time) - PRODUCCION • 1989: o Indiana Jones y la última cruzada (Indiana Jones and the Last Crusade) - DIRECCION o Dolor de barriga (Tummy Trouble) CORTO - PRODUCCION o Mi padre (Dad) - PRODUCCION o Regreso al futuro II (Back to the Future Part II) - PRODUCCION • 1990: o Joe contra el volcán (Joe Versus the Volcano) - PRODUCCION o Los sueños de Akira Kurosawa (Yume) - PRODUCCION o Regreso al futuro III (Back to the Future Part III) - PRODUCCION o Roller en la montaña rusa (Roller Coaster Rabbit), corto - PRODUCCION o Gremlins 2: La nueva generación (Gremlins 2: The New Batch) - PRODUCCION o Aracnofobia (Arachnophobia), producción o Las aventuras de los Tiny Toons (Tiny Toon Adventures), serie de TV, hasta 1992 - PRODUCCION • 1991: o El cabo del miedo (Cape Fear) – PRODUCCION (no mencionado en los créditos) o Fievel va al Oeste (An American Tail: Fievel Goes West) - PRODUCCION o A Wish for Things That Work, serie de TV - PRODUCCION • 1992: o It's A Wonderful Tiny Toons Christmas Special - PRODUCCION o Tiny Toon Adventures: How I Spent My Vacation - PRODUCCION o The Plucky Duck Show, serie de TV - PRODUCCION • 1993: o La lista de Schindler (Schindler List) - DIRECCION o Lío en el bosque (Trail Mix-Up), corto - PRODUCCION o Class of '61 - PRODUCCION o Animaniacs (Animaniacs), serie de TV, hasta 1998 – PRODUCCION y GUION o Family Dog, serie de TV - PRODUCCION o Seaquest DSV, serie de TV, hasta 1995 - PRODUCCION o Rex, un dinosaurio en Nueva York (We're Back! A Dinosaur's Story) - PRODUCCION o Parque Jurásico (Jurassic Park) –PRODUCCION y DIRECCION • 1994: o Tiny Toon Adventures: Spring Break Special - PRODUCCION o Los Picapiedra (The Flintstones) - PRODUCCION o Yakko's World: An Animaniacs Singalong - PRODUCCION o Tiny Toons Spring Break - PRODUCCION o I'm Mad - PRODUCCION o Urgencias (ER), serie de TV aún en emisión - PRODUCCION • 1995: o Casper - PRODUCCION o Pinky y Cerebro (Pinky and the Brain), serie de TV, hasta 1998 - PRODUCCION o Freakazoid!, serie de TV, hasta 1997 - PRODUCCION o Balto - PRODUCCION o Tiny Toon Adventures: Night Ghoulery - PRODUCCION o A Pinky & the Brain Christmas Special - PRODUCCION o The Dig - GUION o Your Studio and You - REPARTO • 1996: o Survivors of the Holocaust, documental para TV - PRODUCCION o High Incident, serie de TV, hasta 1997 - PRODUCCION o Twister (Tornado) (Twister) - PRODUCCION o The Best of Roger Rabbit - PRODUCCION • 1997: o Men in Black (Men In Black) - PRODUCCION o The Lost Children of Berlin - PRODUCCION o El mundo perdido: Parque Jurásico II (The Lost World: Jurassic Park) – PRODUCCIO y DIRECCION • 1998: o Salvar al soldado Ryan (Saving Private Ryan) – PRODUCCION y DIRECCION o Deep Impact - PRODUCCION o La máscara del Zorro (The Mask of Zorro) - PRODUCCION o Los últimos días (The Last Days), documental - PRODUCCION o Toonsylvania, serie de TV, hasta 2000 - PRODUCCION o Pinky, Elmyra & the Brain, serie de TV - PRODUCCION • 1999 o The Haunting (La guarida) (The Haunting) - PRODUCCION o El Deseo de Wakko (Wakko´s wish) - PRODUCCION • 2000: o A Holocaust Szemei, documental - PRODUCCION o Shooting War – PRODUCCION y MONTAJE • 2001: o Semper Fi - PRODUCCION o Shrek - PRODUCCION o Evolución (Evolution) - PRODUCCION o Parque Jurásico III (Jurassic Park III) - PRODUCCION o Hermanos de sangre (Band of Brothers), mini serie de TV - PRODUCCION o We Stand Alone Together, documental - PRODUCCION o Vanilla Sky - REPARTO • 2002: o Broken Silence, mini serie documental de TV - PRODUCCION o Price for Peace, documental - PRODUCCION o Hombres de negro II (Men In Black II) - PRODUCCION o Abducidos, mini serie de TV - PRODUCCION • 2003 - Burma Bridge Busters, documental -PRODUCCION • 2004 - Voices from the List, documental - PRODUCCION • 2005 o La guerra de los mundos (War of the Worlds) PRODUCCION y DIRECCION o Munich (Munich) - PRODUCCION o Memorias de una geisha (Memoirs of a Geisha) - PRODUCCCION • 2006: o Monster House - PRODUCCION o Banderas de nuestros padres (Flags of our Fathers) - PRODUCCION o Cartas desde Iwo Jima (Letters from Iwo Jima) - PRODUCCION • 2007: o Transformers - PRODUCCION o On The Lot, Reality de TV para cineastas - PRODUCCION • 2008: o Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal (Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull) - DIRECCION o Control Total - PRODUCCION • 2009: o Transformers: la venganza de los caídos - PRODUCCION o United states of Tara, serie de TV - PRODUCCION Como director • 1959 - The Last Gun • 1961 - Escape to Nowhere • 1961 - Fighter Squad • 1964 - Firelight • 1967 – Slipstream (No terminada) • 1968 - Amblin' • 1969 - Galería Nocturna (TV) (Segmento "Eyes" • 1971 - Homicidio: De acuerdo con el libro (TV) • 1971 - Reto a la Muerte (TV) (Título en Latinoamérica), El Diablo Sobre Ruedas (Título en España) • 1971 - Duel (TV) • 1974 - Loca evasión • 1975 - Tiburón • 1977 - Encuentros en la tercera fase • 1979 - 1941 • 1981 - Los cazadores del arca perdida • 1982 - E. T.: El extraterrestre • 1983 - En los límites de la realidad (Segmento 2) • 1984 - Indiana Jones y el templo de la perdición • 1985 - El color púrpura • 1987 - El imperio del sol • 1989 - Indiana Jones y la última cruzada • 1989 - Always (Para siempre) • 1990 - The Visionary (V) (Segmento "Par of the Course" • 1991 - Hook • 1992 - Cuentos asombrosos: Libro uno (V) (Segmento "The Mission" • 1993 - Parque Jurásico • 1993 - La lista de Schindler • 1996 - Dirige tu película con Steven Spielberg (VG) • 1997 - El mundo perdido: Parque Jurásico II • 1997 - Amistad • 1998 - Rescatando al soldado Ryan (Título en Latinoamérica), Salvar al soldado Ryan (Título en España) • 1999 - The Unfinished Journey • 2001 - Inteligencia Artificial • 2002 - Minority Report • 2002 - Atrápame si puedes • 2004 - La terminal • 2005 - La guerra de los mundos • 2005 - Munich • 2008 - Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal • 2008 - Videojuego: Boom Blox • 2009 - Lincoln • 2009 - Videojuego: Boom Blox: Bash Party • 2011 - Transformers 3 • 2011 - The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn Escena de "Jurassic Park" Gus Van Sant Biografía Director inconformista de heterogénea filmografía, Gus Van Sant domina el cine vanguardista independiente (Elephant), pero también el cine de inspiración clásica claramente comercial (El indomable Will Hunting). Se declara homosexual, pero no centra sus películas en este tema. Nunca ha sido un director combativo, ni intenta vender sus películas como reivindicativas de la causa gay, ni siquiera al tratar el activismo político de un homosexual en Mi nombre es Harvey Milk. Es un gran especialista en gente joven y sus problemas de comunicación. Gus Greene Van Sant Junior nació el 24 de julio de 1952 en Louisville (Kentucky), aunque pasó toda la infancia de un sitio a otro, debido a la profesión de su padre, un viajante de comercio. El homosexual Van Sant abordaba la temática gay, pues narraba las peripecias de un estadounidense que intenta seducir a un joven mexicano menor de edad. A continuación Van Sant siguió describiendo a personales marginales en Drugstore Cowboy, durísimo retrato del infierno de las drogas, que recrea los dramas personales de cuatro toxicómanos, que atracan farmacias. El film supuso la consagración de Van Sant a nivel internacional, y un espaldarazo para Matt Dillon, que demostró su versatilidad en un momento en que había quedado un poco encasillado como ídolo de adolescentes. "La familia marca nuestra mirada al mundo, por eso creo que todas mis películas hablan de ella", comentó por aquel entonces Van Sant. El film de Van Sant más denostado por los cinéfilos es Psycho (Psicosis). Cuando le encargaron rodar el remake del clásico de Hitchcock, Van Sant tomó una curiosa decisión. Puesto que el original es una auténtica obra maestra inmejorable, decidió que la mejor opción era copiarlo plano a plano. Aportaba el color, nuevos actores (Anne Heche y Vince Vaugh como protagonistas) y aumenta el dinero que roba la protagonista, por aquello de la inflación. Pero la crítica fue implacable a la hora de denostar una cinta, que lógicamente no aportaba nada a la historia del cine. Sin duda, es mucho más interesante el siguiente drama del director: Descubriendo a Forrester. Es un film muy en la línea de El indomable Will Hunting, centrado en otro joven de excepcional inteligencia, que en este caso es un chico de color con talento para la escritura. También aquí su vida cambia por completo por su relación con un personaje adulto, un genio de la literatura huraño, que vive completamente aislado, inspirado en la figura de J.D. Salinger, el autor de 'El guardián entre el centeno'. Este personaje estaba interpretado por un insuperable Sean Connery. Con Elephant, su regresó al cine independiente de clara vocación vanguardista, con jóvenes actores no profesionales como protagonistas. Muestra con inusitado realismo la matanza del instituto de Columbine, provocada por dos jóvenes armados con fusiles de asalto. La cámara sigue a los asesinos y a varios estudiantes del instituto en los momentos previos a la tragedia. "Tomé el título de una película de 1989 sobre la violencia en Irlanda del Norte. Pensé que hacía referencia a la parábola budista de los ciegos y el elefante", comenta Van Sant. "Hasta que leí en unas notas de su director, Alan Clarke, que el título responde a un dicho popular y hace referencia a cómo la violencia es tan fácil de ignorar como el hecho de tener un elefante en el salón". Igualmente arriesgada que Elephant es Last Days, que narra la tragedia de un cantante de éxito, inspirado en el fallecido Kurt Cobain. Van Sant retomó el tema de la incomunicación adolescente en Paranoid Park, sobre un adolescente apasionado del monopatín que accidentalmente mata a un guardia de seguridad ferroviario. Pero no se atreve siquiera a contárselo a nadie. "La adolescencia es una etapa formativa, fundamental en nuestro desarrollo. Es entonces cuando nos afirmamos como personas, aprendemos a amar, a reconocernos a nosotros mismos. Es un momento de mi vida que recuerdo con afecto. Y hay una belleza especial en los jóvenes. En ellos trasunta el temor, la desesperanza, etc.", dijo Van Sant cuando se le preguntaba por este tema, recurrente en su filmografía. A continuación, decidió llevar al cine la historia real del primer político declaradamente gay de Estados Unidos. Filmografía Largometrajes • Milk (2008) • Paranoid Park (2007) • Last Days (2005) • Elefante (Elephant) (2003) • Gerry (2002) • Descubriendo a Forrester (Finding Forrester) (2000) • Speedway Junky (Peligroso y Rapido) (1999)(productor) • Psycho (1998) (director y productor) • El indomable Will Hunting (Good Will Hunting) (1997) • Todo por un sueño (To Die For) (1995) • Ellas también se deprimen (Even Cowgirls Get the Blues) (1993) Escena de Elephant: Encore_51

Bueno gente aca les voy a dejar una pequeña pasada por la historia de este fenomeno que tanto me apasiona siempre desde mi perspectiva, espero que sepan respetarla: Desde pequeño este me interesaron los fenomenos paranormales, criptozoologia, fantasmas, fenomenos extraños, etc. pero ninguno tanto como el fenomeno OVNI, primero voy a hacer una breve pasada por la historia y luego seguire con mi perspectiva del fenomerno. Breve historia del Fenomeno OVNI: Primeros avistamientos modernos: Antes de que se acuñaran los términos platillo volador u ovni, queda constancia de una serie de menciones a extraños e inidentificados fenómenos aéreos ocurridos hace años; los cuales ya no serían asociados con creencias, leyendas o mitos, como se presume que podría haber sucedido en la antigüedad. Éstas menciones datan desde mediados del siglo XIX a principios del siglo XX. Así, los investigadores del fenómeno ovni consideran como el primer avistamiento documentado moderno, el sucedido en Chile en 1868. Fue publicado en el periódico El Constituyente, de la ciudad de Copiapó, y se refería al ovni observado en el mismo como a un volátil desconocido, y, posteriormente, ese mismo año, como a un grupo de estrellas filantes o bólidos que cruzaban el cielo. El fenómeno se observó muchas veces en esa zona durante dicho año, y es considerado por los ufólogos como la primera oleada de la que se tiene constancia, y el inicio de los registros que propiamente tal se relacionan al tema ovni. Avistamientos contemporáneos: La fase definitiva de avistamientos es posterior a la Segunda Guerra Mundial y comenzó en los Estados Unidos con el avistamiento que realizó el hombre de negocios Kenneth Arnold el 24 de junio de 1947 mientras volaba con su avión privado cerca del Monte Rainier, en Washington. Informó haber visto nueve objetos brillantes con una forma parecida a la de un ala delta o a un bumerán, volando sobre una cara del Rainier y dirigiéndose hacia el cercano Monte Adams a una velocidad increíble, que estimó en, al menos, 1930 kilómetros por hora, calculando el tiempo que tardaron en viajar entre ambos montes. Marchaban velozmente como una escuadrilla y se movían como lo hace un disco que rebota en la superficie del agua. Los periódicos tergiversaron las palabras exactas de Arnold y describieron los objetos como platillos. A partir de ese momento, y debido al error de la prensa, empezaron a describirse avistamientos de objetos en forma de «platillo volante» (flying saucer), de modo que esta denominación terminó arraigando en el folclore popular, convirtiéndose en la habitual para referirse a estos objetos en los años sucesivos. Posteriormente, otros objetos con formas (de huso, triangulares) o de cigarro puro desplazaron progresivamente a los avistamientos clásicos. En julio de 1947 en Roswell, Nuevo Mexico, Marc Brazel descubre restos metalicos exparcidos por todo su rancho, este informa a las autoriadades que el 08 de julio informan haber capturado una nave extraterrestre estrellada ("Las fuerzas aéreas capturan un platillo volante en un rancho de la región de Roswell", recitaban los titulares) cosa que el siguiente dia (09 de julio) desmienten diciendo que eran restos de un globo meteorologico de las fuerzas armadas ("Ramey desmiente lo del platillo volante" Ramey era general de brigada en la base militar de Fort Worth (Texas) y se desplazó, a petición de Brazel, para ver los restos, que identificó inmediatamente como un globo meteorológico. Después la prensa fotografió los restos. En este punto nos encontramos con mentiras y encubrimientos, lo que queda por preguntar es ¿que sucedio realmente en Roswell en julio de 1947?, la evidencia esta en el comportamiento de las autoridades desmintiendo de un dia para el otro todo el asunto, algo tienen que esconder y ahi se genera otra pregunta ¿Que esconden? Incidente de Tunguska: El bólido —de unos 80 m de diámetro y probablemente rocoso— detonó en el aire. La explosión fue detectada por numerosas estaciones sismográficas y hasta por una estación barográfica en el Reino Unido debido a las fluctuaciones en la presión atmosférica que produjo. Incendió y derribó árboles en un área de 2150 km², rompiendo ventanas y haciendo caer a la gente al suelo a 400 km de distancia. Durante varios días, las noches eran tan brillantes en partes de Rusia y Europa que se podía leer tras la puesta de sol sin necesidad de luz artificial. En los Estados Unidos, los observatorios del Monte Wilson y el Astrofísico del Smithsonian observaron una reducción en la transparencia atmosférica de varios meses de duración, en lo que se considera el primer indicio de este tipo asociado a explosiones de alta potencia. La energía liberada se ha establecido, mediante el estudio del área de aniquilación, en aproximadamente 10 o 15 megatones. Si hubiese explotado sobre zona habitada, se habría producido una masacre de enormes dimensiones. Según testimonios de la población tungus —la etnia local nómada de origen mongol dedicado al pastoreo de renos— que lo vio caer, «brillaba como el Sol». Informes del distrito de Kansk (a 600 km del impacto), describieron sucesos tales como barqueros precipitados al agua y caballos derribados por la onda de choque, mientras las casas temblaban y en los estantes los objetos de loza se rompían. El maquinista del ferrocarril Transiberiano detuvo su tren temiendo un descarrilamiento, al notar que vibraban tanto los vagones como los rieles. Hipotesis: Cometa: Es la teoría más aceptada actualmente por los científicos. Un cuerpo celeste (un cometa pequeño o quizá sólo un pequeño fragmento) compuesto de hielo y polvo que estalló y posteriormente quedó completamente vaporizado por el roce con la atmósfera terrestre, permitiendo que todo el hielo sublimara directamente a gas, que se dispersó por la atmósfera eliminando todo rastro de la explosión. Al comparar los sismogramas del fenómeno Tunguska, estos corresponden a una explosión con una potencia de 30 megatones a 8 km de altura al ser comparados con los de explosiones nucleares aéreas. Según una hipótesis formulada en la década de 1930 por el astrónomo I. Astapovich y el meteorólogo F. J. Whipple, se trató del impacto de un pequeño cometa cuyo núcleo, dada la masa estimada, habría debido tener un diámetro de varios centenares de metros. La cohesión del conglomerado que constituye el núcleo de un cometa es muy débil como para permitir su desintegración rápida en la atmósfera, ocasionando una gran explosión de gran magnitud al impactarse contra el suelo y vaporizándose. Las destrucciones se deberían, fundamentalmente, a la onda de choque atmosférica y, secundariamente, a la onda térmica. Contra esta teoría, algunos científicos no logran explicar la presencia de metales tales como el níquel que supuestamente no se encuentran en cometas comunes en el sitio del impacto y es improbable que un cometa haya pasado inadvertido ante los astrónomos en días y noches anteriores del suceso; pero de la trayectoria de caída indica que el cometa procedía de una dirección muy próxima a la del Sol, dificultando su observación (como cuando ocurren los tránsitos de planetas interiores) y menos si hubiera agotado sus sustancias volátiles que producen su cabellera o cola, reduciéndose a un agregado inerte tal como un minúsculo asteroide. El día de la explosión la Tierra estuvo cerca del paso del cometa 7P/Pons-Winnecke por lo que no se descarta la posibilidad de que un fragmento del cuerpo celeste haya sido el responsable del fenómeno. Bomba de hidrógeno natural: En 1989, los astrónomos D'Alessio y Harms sugirieron que parte del deuterio de un cometa que penetró en la Tierra podría haberse fusionado nuclearmente, dejando una «firma» distinguible en forma de Carbono-14 en la atmósfera. Concluyeron que la cantidad de energía nuclear liberada habría sido casi despreciable. Independientemente, en 1990, César Sirvent propuso que un cometa de deuterio, es decir, un cometa con una concentración de deuterio anormalmente alta en su composición, podría haber explotado como una bomba de hidrógeno natural, generando la mayor parte de la energía liberada en la explosión. La secuencia habría sido, primero una explosión mecánica o cinética, e instantes después una explosión termonuclear generada por la primera explosión. Antimateria: La antimateria se desintegra al chocar con la materia. Así pues, se tendría un rayo de energía durante todo el recorrido hasta el punto donde toda la antimateria se hubiera desintegrado. La única posibilidad de que se diera una formación similar sería que la antimateria hubiera caído en vertical, hacia el centro de la Tierra y se desintegrara por completo antes de llegar al suelo. No se conoce ningún proceso por el cual se pueda formar antimateria en medio del espacio. El espacio del sistema estelar no está por completo vacío (tiene una mínima densidad de hidrógeno), así que tendría que haber una gran cantidad de antimateria para aguantar su viaje hasta la Tierra. Es difícil que existieran objetos así ya que su choque con el hidrógeno espacial, aún en su pequeña proporción, emitiría cantidades de energía significativamente perceptibles. Obviamente y como era de preveer la hipotesis de una nave extraterrestre que haya explotado se hizo presente en la sociedad, lamentablemente esta hipotesis no se sostiene ya que no hubo restos de dicha nave, podrian haberse desintegrado en la explosion pero es la hipotesis menos probable, igualmente el misterio sigue en pie. Ahora volvemos a los Estados Unidos para meternos en un nuevo misterio: el AREA 51, base aerea secreta en el desierto de Nevada, estas instalaciones estan cubiertas de misterio ya que segun los rumores la mencinada nave y sus tripulantes del accidente de Roswell fueron llevados ahi, donde desde entonces se hacen pruebas de estos mismos aparatos y naves experimentales utilizando tecnologia OVNI. Otros nombres con los que se conocen las instalaciones son: Dreamland, Paradise Ranch, Home Base, Watertown Strip, Groom Lake y Homey Airport. La región es parte de la Zona de Operaciones Militares de Nellis y conocido por los pilotos militares como "The Box" o "La Caja". Teorías de conspiración y ovnis concernientes al Área 51: La naturaleza reservada y la indudable conexión con investigaciones de aeronaves clasificadas, junto con informes de fenómenos extraños, han conducido al Área 51 a convertirse en una pieza central del folclore moderno de los ovnis y teorías de conspiración. Algunas de las actividades poco convencionales que se dijeron estar en curso en el área 51 incluyen: * El almacenaje, examen e investigación de una nave espacial extraterrestre (incluyendo material supuestamente recuperado en Roswell), el estudio de sus ocupantes (vivos y muertos) y la manufactura de naves basadas en tecnología extraterrestre. Bob Lazar afirmó haber estado involucrado en dichas actividades, y también afirmó que el motor de estas naves funcionarían por medio del elemento químico nº 115, el Ununpentium (nombre temporal dado al elemento químico), y del que sólo se han podido crear isótopos. * Reuniones o labores comunes con extraterrestres. El desarrollo de exóticas armas de energía (para aplicaciones de defensa estratégica SDI [Strategic Defense Initiative]) y dispositivos para la manipulación del clima. * El desarrollo de los viajes en el tiempo y tecnología de teletransportación. * El desarrollo de extraños y exóticos sistemas de propulsión en relación con el proyecto Aurora. * Actividades relacionadas con un supuesto y único gobierno mundial en la sombra o la organización Majestic 12. También es famosa como tema de muchas teorías de conspiración del fenómeno ovni, ya que para los seguidores y fanáticos de teorías conspiratorias, ovnis y extraterrestres, el Área 51 es una instalación militar donde el Gobierno de los Estados Unidos oculta, estudia y experimenta tecnología de origen extraterrestre. Las personas crecimos con estos rumores en los oidos, todo el tiempo que se hablaba de extraterrestres se nombraba al Area 51, y ya era parte de la cultura popular de la gente, aqui un pequeño pasaje por la misma: Esta famosa base secreta ha estado presente en el argumento de las series de televisión Futurama, Los Simpson (llamada Area 51-A), Megas XLR (llamado Area 50), The X-Files, Taken, Area 51, , Star Trek: Espacio Profundo 9, Kim Possible, Lilo & Stitch, Los Padrinos Mágicos, Stargate SG1, JAG y Johnny Test (llamado Área 51.1) , así como en las películas Groom Lake, Independence Day, National Treasure: El Libro de los Secretos e Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal. Escenarios de películas y videojuegos como Transformers y Half-Life presentan características relacionadas con el Área 51 pero son expuestas con otros nombres (Séctor 7 en la película Transformers y Black Mesa Research en Half-Life). También aparece en los videojuegos Área 51, Ben 10, Alien Hominid, Deus ex, Tomb Raider III, Attack of the Saucerman, Prey, Perfect Dark, Tony Hawk's Pro Skater, Grand Theft Auto: San Andreas (llamado Área 69 o Área Restringida), Duke Nukem 3D: Atomic, Twisted Metal 3, Rogue Trip, Hardware Online Arena, Crash Bandicoot III (donde uno de los mundos se llama "Area 51?" y consiste en una carrera con ovnis en una autopista sola) y World of Warcraft (llamado "Area 52". Aunque de estos, muchos no tienen la conspiración OVNI como eje central de la trama. También en el videojuego de Grand Theft Auto San Andreas se puede visitar y es una base militar con muchos rastros de evidencia alienígena. El Área 51 se ha usado en diversos juegos RPG como elemento principal de la trama. En el juego Conspiración X, es una base de operaciones asegurada, para las operaciones en contra de extraterrestres por parte de los jugadores. En un costado del suplemento Delta Green de la moderna Llamada de Cthulhu, la base el sitio de una conspiración sobre laboratorios estudiando e interceptando seres de otros mundos para estudios. La canción Hangar 18 del grupo Megadeth habla sobre el Hangar 18 del Area 51, donde supuestamente están guardados los restos y pruebas del Incidente OVNI de Roswell. Además aparece en varias novelas de Robert Doherty, que describe los eventos después de que científicos del Área 51 hacen contacto con extraterrestres. Tambien Área 51 es el nombre de modelo de la notebook insignia de Alienware. El pequeño pueblo de Rachel, Nevada (el más cercano a la ubicación de la base) disfruta de un estatus de celebridad al ser el "hogar oficial de Área 51". Localizado a tres horas de Las Vegas viajando en coche, Rachel recibe un número modesto de visitantes cada año, y varios negocios pequeños ofrecen alimento y alojamiento a los visitantes, junto con mercancía temática de las aeronaves y de los aliens. El número de visitantes se incrementan con la llegada de entusiastas que esperan ver las breves maniobras de ejercicio de los aviones. Un pequeño museo vende mapas, fotografías, y otro material relacionado con Área 51, y un hotel local exhibe orgullosamente una cápsula de tiempo recibida por la producción de la película, "Independence Day". Es parodiado en Grand Theft Auto: San Andreas como Fort Carson, ya que este es el pueblo mas cercano al Area 69, y el museo es parodiado como Lil' Probe Inn, donde tambien se ven fotografias y mapas acerca del misterio OVNI. Tambien el Cine nos trajo peliculas donde los directores ponian a prueba las creencias de la gente: En nuestro pais tambien tenemos avistamientos OVNIs de los mas variados, vamos a repasar algunos de los mas famosos: * Entre 1978 y 1994 hubo una serie de avistamientos extraños en las Sierras Cordobesas, de Villa Carlos Paz, mucha gente decía que aparecían pequeños triángulos blancos por las noches. También en Jujuy, en Humahuaca se observaron algunos avistamientos extraños, al igual que en Mendoza y en San Carlos de Bariloche en 1997. * El 17 de septiembre de 1985 cientos de miles de habitantes de Buenos Aires y alrededores presenciaron el paso de un objeto luminoso durante casi 12 horas. El extraño suceso fue finalmente explicado como originado en el lanzamiento de un globo estratosférico MIR frances desde Sudáfrica dos meses antes. * El más espectacular fue en 1988, en el barrio de Villa Urquiza de Buenos Aires, cuando un objeto plateado fue visto por más de 7500 personas a plena luz del día. El Aeroparque Jorge Newbery, informó que un objeto muy veloz apareció en sus radares a la dirección de la Villa General Paz aquel mismo día. Formaciones triangulares de ovnis Lenticulares, fueron registradas en Buenos Aires, a partir del año 1999 y durante cuatro años consecutivos el fenómeno anormal se reitero. Los análisis efectuados a las imágenes obtenidas de estos eventos extraordinarios fueron positivos, fueron realizados por fundaciones de renombre internacional y también por serios y experimentados investigadores del fenómeno ovni. Lo importante de las extrañas apariciones, es que en dos de estos cuatro eventos se registraron severos cortes de energía eléctrica en las zonas de la ciudad por donde se observaba el desplazamiento de las extrañas triangulaciones de lenticulares. El mejor registro obtenido de estas formaciones equidistantes, tal vez sea el del año 2001, que sucedió al anochecer del 26 de diciembre y fue emitido por la televisión nacional una semana después. Es posible que estas manifestaciones tengan relación con una específica época del año, y una determinada posición lunar, dado que los cuatro registros se obtuvieron con fases de luna creciente y con las elípticas más altas que se registran al año. Esto es medianamente así entre octubre y hasta diciembre. Hoy se pueden encontrar imágenes de estos eventos anómalos alojadas en más de 150 páginas de difusión digital por este medio. Varias de estas manifestaciones, precisamente las dos primeras (1999) y (2000), se pueden interpretar como lo que en el lenguaje ufológico se denomina flotillas ovni, debido a que las manifestaciones fueron producidas por decenas de ovnis que parecían estar encadenados de manera prolija, como generando geometrías complejas y siempre equidistantes. La velocidad de estos eventos es más bien de tránsito lento y orbital, aunque otras que comprendían las mismas formaciones lograban velocidades extraordinarias. La altitud aproximada del fenómeno puede oscilar entre los 10 000 y los 30 000 m. Este Lunes 30 de Julio una familia fotografio lo que parece ser una vaca siendo abducida por un OVNI, les dejo el video de la entrevista: link: http://www.youtube.com/watch?v=lo5qtQ65iA4 Y por supuesto entre todos estos misterios hubo fraudes, aqui algunos de los mas grandes: -El video de la autopsia extraterrestre, un engaño que fuera presentada como real por el productor Ray Santilli en Londres en 1995. -El famoso vídeo de un ovni en México que se escondía detrás de un edificio y que al ser estudiado mostraba síntomas de 'pixelización'. link: http://www.youtube.com/watch?v=u12-r8sWYVk -Los fraudes de Billy Meier. -El fraude de Metepec. -El caso de Amauri Rivera de 1988. Luego encontraremos una variada gama de videos trucados y fraudulentos sobre este tema, les dejo algunos: link: http://www.youtube.com/watch?v=xsUPEGQEWzY&feature=related link: http://www.youtube.com/watch?v=1i3dlrrqyfY&feature=PlayList&p=1AF8813D43FC1463&playnext_from=PL&playnext=1&index=3 link: http://www.youtube.com/watch?v=v2wauxK8RKA link: http://www.youtube.com/watch?v=Ac-_5c60nuk&feature=related Pero la esperanza sigue en pie y no hay que darse por vencido nunca. El 90% de los casos sobre OVNIs tienen una explicacion, pero el 10% restantes fueron clasificados como "Inexplicables"... En el Radiotelescopio de Arecibo, Puerto Rico: Se trabaja para buscar vida en otros planetas enviando ondas de radio por el espacio, es es uno de los mensajes que se enviaron: Aqui les dejo videos bastantes creibles de OVNIS: link: http://www.youtube.com/watch?v=av8ycHUkhAo link: http://www.youtube.com/watch?v=5csJNEXxSvs link: http://www.youtube.com/watch?v=iUvfjkDOZtY link: http://www.youtube.com/watch?v=P4SugPAtmQQ&feature=fvst Por ultimo una pequeña reflexion de mi parte, este es un fenomeno que a lo largo de los años dio mas preguntas que respuestas, ya que siempre se encubrieron las pruebas contundentes que habian sobre el asunto y siempre se crearon pantallas para esconder, de parte de los gobiernos, pero tampoco nunca se pudo encontrar envidencia clara ni en video ni en fotografia, y siempre quedo muy en el aire todo, en lo que a mi respecta creo que es cuestion de tiempo, hay que seguir mirando para arriba con esperanza y yo creo que no falta mucho para que ellos hagan contacto, por el momento nos queda indagar y no darnos por vencidos para encontrar pruebas. El universo no sólo es más extraño de lo que imaginamos, sino más extraño de lo que podemos imaginar... J.B.S Haldane. Fuente: Wikipedia Bueno espero que les haya gustado y sepan respetar mis creencias y posturas. Comentario Bardo = Comentario Borrado. Encore_51

Gente aca les dejo la segunda parte del post anterior, el cual me faltaron algunos directores por que no me habian entrado, espero que les guste. Michel Gondry Biografía Su carrera como realizador comenzó con la dirección de vídeos musicales para la banda de rock francesa Oui Oui, de la cual era también baterista. El estilo de sus vídeos llamó la atención de la cantante Björk, quien le pidió dirigir el vídeo para su canción Human Behavior. Esta colaboración se extendería bastante tiempo, con Gondry dirigiendo un total de siete vídeos musicales para Björk. Otros artistas con quien Gondry ha colaborado en más de una ocasión incluyen a The White Stripes, Radiohead, The Chemical Brothers y Kylie Minogue. Gondry también ha creado numerosos comerciales de televisión, siendo uno de sus más famosos el realizado para Levi's, con el que ganó el Lion D'or en el Festival de Cine de Cannes de 1994. Fue pionero en la utilización de la técnica conocida como «bullet time», utilizada posteriormente en las cintas de la saga The Matrix, notablemente en el vídeo Like A Rolling Stone en la versión que la banda británica Rolling Stones hicieron del tema de Bob Dylan y en un comercial de 1998 para la marca de vodka Smirnoff. Gondry suele ser citado, junto con los directores Spike Jonze y David Fincher, como representante de la influencia de los directores de vídeo musicales en la cinematografía mundial. "Eternal sunshine of the spotless mind (que es también su segunda colaboración con el guionista Charlie Kaufman) fue estrenada en el año 2004 y recibió numerosas críticas entusiastas. Eternal sunshine of the spotless mind utiliza muchas de las técnicas de montado de escenarios, uso de perspectiva y escasos efectos por computadora, sumado a largas tomas y un tratamiento pictórico de la imagen, herramientas con las que Gondry ha experimentado en sus vídeos musicales. Su hermano Olivier Gondry también es un director de anuncios de televisión y vídeos musicales. Futuros Trabajos Michel Gondry se está preparando para dirigir una película de ciencia ficción titulada Master of Space and Time que está basada en una novela escrita por Rudy Rucker que cuenta la historia de dos locos científicos que descubren el método para poder controlar la realidad. Gondry trabajará junto con el escritor e historierista Daniel Clowes quien se va a encargar de escribir el guíon junto con Rudy Rucker, sin embargo, no ha habido avances de dicho proyecto. Se espera que la película se estrene en 2011. Recientemente se anunció que Gondry dirigirá la película de acción "El Avispón Verde" que esta basada en los cómics de George W. Trendle y que contará con la participación del actor Seth Rogen y Stephen Chow. La película se estrenará en 2010. Filmografía • Master of Space and Time (2011) • The Green Hornet (El Avispon Verde,2010) • Le'épine dans coeur (2009) (documental sobre su tía Suzette, profesora de 80 años) • Tokyo! (2008), fragmento de Interior design, co-dirigida con Léos Carax y Bong Joon-ho • Be Kind Rewind ("Rebobine,por favor" titulada en España y en Hispanoamerica "Rebobinados",2008) • La science des rêves (La ciencia del sueño, 2006) • Dave Chappelle's Block Party ("La fiesta del barrio de Dave Chappelle", 2005) • Eternal Sunshine of the Spotless Mind (¡Olvídate de mí! en España y Eterno resplandor de una mente sin recuerdos en Hispanoamérica, 2004) • I've Been Twelve Forever (2003) (documental en el DVD de Director's Label) • Pecan Pie (2003) (cortometraje protagonizado por Jim Carrey) • Work of Director Michel Gondry, The (2003), recopilación de vídeos musicales y comerciales de Gondry • One Day... (2001) (cortometraje protagonizado por Gondry y David Cross) • Human Nature (2001) • Lettre, La (1998) • Vingt p'tites tours (1989) Videografía Lista cronológica de vídeos musicales dirigidos por Gondry: • Soleil Du Soir - Dick Annegarn (2008) • Declare Independence - Björk (2007) • Dance Tonight - Paul McCartney (2007) • King of the Game - Cody Chesnutt (2006) • Heard'em Say - Kanye West (2005) • The Denial Twist - The White Stripes (2005) • Ribbon - Devendra Banhart (2004) • Mad World (versión de la banda sonora de Donnie Darko) - Gary Jules (2004) • I Wonder - The Willowz (2004) • Light & Day (versión cinematográfica) - The Polyphonic Spree (2004) • Walkie Talkie Man - Steriogram (2004) • Ride - The Vines (2004) • The Hardest Button To Button - The White Stripes (2003) • Come Into My World - Kylie Minogue (2002) • Star Guitar - The Chemical Brothers (2002) • Dead Leaves & The Dirty Ground - The White Stripes (2002) • Fell In Love With A Girl - The White Stripes (2002) • Knives Out - Radiohead (2001) • Let Forever Be - The Chemical Brothers (1999) • Gimme Shelter - The Rolling Stones (1998) • Music Sounds Better With You - Stardust (1998) • Another One Bites The Dust - Wyclef Jean (1998) • Bachelorette - Björk (1997) • Jóga - Björk (1997) • Deadweight - Beck (1997) • Everlong - Foo Fighters (1997) • Around The World - Daft Punk (1997) • A Change (Would Do You Good) - Sheryl Crow (1997) • Feel It - Neneh Cherry (1997?) • Sugar Water - Cibo Matto (1996) • Hyperballad - Björk (1996) • Like A Rolling Stone - The Rolling Stones (1995) • She Kissed Me - Terence Trent D'Arby (1995) • Isobel - Björk (1995) • Protection - Massive Attack (1995) • Army of Me - Björk (1995) • High Head Blues - Black Crowes (1995) • Lucas With the Lid Off - Lucas (1994) • Fire On Babylon - Sinéad O'Connor (1994) • Little Star - Stina Nordenstam (1994) • Human Behaviour - Björk (1993) • Snowbound - Donald Fagen (1993) • Believe - Lenny Kravitz (1993) • La Tour De Pise - Jean Francois Coen (1993) • Je Danse Le Mia - I AM (1993) • Big Scary Animal - Belinda Carlisle (1993) • Hou! Mamma Mia - Les Négresses Vertes (1993) • She Kissed Me - Terence Trent D'Arby (1993) • This is it, Your Soul - Hot House Flowers (1993) • Voila, Voila, Qu'ça R'Commence - Rachid Taha (1993) • How the West was won - Energy Orchard (1992) • Paradoxal Système - Laurent Voulzy (1992) • Comme un ange (qui pleure) - Les Wampas (1992) • Two Worlds Collide - Inspiral Carpets (1992) • Les Voyages Immobiles - Étienne Daho (1992) • Close but no cigar - Thomas Dolby (1992) • Blow me down - Mark Curry (1992) • La Ville - Oui Oui (1992) • Ma Maison - Oui Oui (1990) • Les Jupes - Robert (1990) • Les Cailloux - Oui Oui (1989) • Dô, l'enfant d'eau - Jean-Luc Lahaye (1988?) • Les Objects - Sarah (1988?) • Bollide - Oui Oui (1987?) • Junior Et Sa Voix D'Or - Oui Oui (1987?) Bibliografia • Michel Gondry: Music Video Genius, recopilado por Jonathan Wells, res magazine | marzo/abril de 2004 Escena de "Be Kind Rewind" Eli Roth Biografía Nació en Newton, Massachusetts. Hijo de Cora, una pintora, y del Doctor Sheldon Roth, un psiquiatra y psicoanalista, además de profesor en la Universidad de Harvard. Fue educado bajo las enseñanzas de la religión judía. Roth comenzó a grabar películas a la temprana edad de ocho años, tras ver Alien, el octavo pasajero, del director Ridley Scott. Filmó alrededor de 50 cortos junto a sus hermanos Adam y Gabe, antes de graduarse en Newton South High School y de asistir a la escuela de cine en la Universidad de Nueva York. Filmografía • Trailer Trash (2012) (Anunciada) • The Man with the Iron Fist (2012) (Anunciada) • Hostel 3 (2011) (Anunciada) • Cell (2011) (Anunciada) • Inglorious Basterds (2009) (actor y director del segmento "El Orgullo de la Nación&quot • Death Proof (Grindhouse) (2007) (actor) • Hostel 2 (2007) (director, guión) • 2001 Maniacos (2005) (actor) • Hostel (2005) (actor, director, guión) • Cabin Fever (2002) (actor, director, guión) • El Vengador Tóxico 4: Ciudadano Toxie (2000) (actor) • The Rotten Fruit (2000) Escena de "Hostel" George Lucas Nacio el 14 de mayo de 1944; Modesto, California, Estados Unidos es un cineasta estadounidense, creador de la exitosa saga fílmica de Star Wars y posteriormente de Indiana Jones, presidente de Lucasfilm, LucasArts Entertainment Company, y Lucas Digital Ltd, Lucas Licensing, LucasBooks y Lucas Learning Ltd. Obra Lucas dirigió su primera obra cinematográfica, THX 1138, en 1970. La película fue producida por el estudio American Zoetrope fundado por Francis Ford Coppola, quien fue su productor ejecutivo. La película estaba basada en un cortometraje del propio Lucas ganador de numerosos premios a nivel estatal. A partir del éxito financiero de American Graffitti y Star Wars, Lucas logró comenzar su propio estudio, Lucasfilm Ltd, en el Condado de Marin en San Rafael, California. Skywalker Sound e Industrial Light & Magic, las subdivisiones de efectos de sonido y de efectos visuales de Lucasfilm, respectivamente, se han convertido entre unas de las más respetadas firmas en sus áreas. Lucasfilms Games, después renombrada LucasArts, es altamente reconocida dentro de la industria de los videojuegos. En 1973 Lucas dirigió American Graffiti, un film sobre autos y jóvenes. La película ganó el Globo de Oro, el New York Film Critics y el premio de la National Society of Film Critics. Obtuvo también 5 nominaciones al Óscar. Cuatro años después, Lucas escribió y dirigió La Guerra de las Galaxias (posteriormente rebautizada como Episodio IV: Una Nueva Esperanza), una película que rompió todos los récords de taquilla y ganó siete Óscar de la Academia. Lucas inició la historia de El Imperio Contraataca (Episodio V) y El retorno del Jedi (Episodio VI), de las cuales fue productor ejecutivo dejando las tareas de dirección a Irvin Kershner en El Imperio contraataca y a Richard Marquand en Return of the Jedi. En 1980 escribió y produjo En busca del Arca Perdida dirigida por Steven Spielberg obteniendo 5 premios de la academia. También fue co-productor y creador de la historia de Indiana Jones y el Templo Maldito, estrenada en 1984, nominada a 2 premios de la Academia y obteniendo un Óscar por efectos especiales. El último proyecto de Lucasfilm fue terminar la nueva trilogía de La Guerra de las Galaxias. La amenaza fantasma (Episodio I), de la nueva trilogía fue escrita, dirigida y producida por George Lucas y salió al público el 19 de mayo de 1999. En mayo del 2002 se estrenó la segunda parte, El ataque de los clones (Episodio II), también dirigida y producida por él. El capítulo final de la nueva trilogía de La Guerra de las Galaxias, La venganza de los Sith (Episodio III), que abre las puertas a la Trilogía clásica, se estrenó el 19 de mayo de 2005, quedando la saga finalizada. Filmografía • THX-1138 (1971): Director y guionista. • American Graffiti (1973): Director, guionista. • Star Wars: Episode IV - A New Hope (1977): Director, guionista, productor ejecutivo. • Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back (1980): Productor ejecutivo, guionista. • Raiders of the Lost Ark (1981): Productor ejecutivo, guionista. • Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi (1983): Productor ejecutivo, guionista. • Indiana Jones and the Temple of Doom (1984): Productor ejecutivo y guionista. • Howard the Duck (1986): Productor ejecutivo. • Labyrinth (1986): Productor ejecutivo. • The Land Before Time (1987): Productor ejecutivo. • Willow (1988): Productor ejecutivo. • Tucker (1988): Productor ejecutivo. • Indiana Jones and the Last Crusade (1989): Productor ejecutivo. • Jurassic Park (1993):Sus compañías ILM (Industrial Light and Magic) y Skywalker Sound Ltd crearon los efectos visuales y sonoros de la película. • The Lost World: Jurassic Park (1997): ILM y Skywalker Sound se encargan de los efectos visuales y sonoros. • Star Wars: Episode I - The Phantom Menace (1999): Director, productor ejecutivo, guionista. • Jurassic Park III (2001): ILM y Skywalker Sound se encargan de los efectos visuales y sonoros. • Star Wars: Episode II - Attack of the Clones (2002): Director, productor ejecutivo, guionista. • Star Wars: Episode III - Revenge of the Sith (2005): Director, productor ejecutivo y guionista. • Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (2008)roductor Ejecutivo y guionista. • Star Wars: The Clone Wars (2008)roductor Curiosidades George Lucas en persona hizo una aparición en la última película de Star Wars, Star Wars Episodio III: La Venganza de los Sith interpretando a un personaje extra llamado Baron Papanoida. Además está elaborando dos series de televisión para el 2008 una de ellas la continuación de Las Guerras Clon y la otra basada en los hechos acontecidos entre los episodios III y IV de Star Wars. Cuando comenzó la prepoducción de El retorno del Jedi, se le dio el nombre falso de Blue Harvest (Cosecha Azul) para despistar a los fanáticos y a la industria en general. En 2007 se anunció que iba a producir una serie de televisión sobre Star Wars, que tendrá lugar entre los episodios III y IV. Lucas supuestamente también anunció recientemente que tiene previsto hacer otras dos películas de Star Wars, que tendrá lugar después de El Retorno del Jedi, pero este rumor fue desmentido en la Celebration 4 de Star Wars en Los Ángeles, California que se celebró el 24 de mayo-28 de mayo de 2007. Cuando Steve Sansweet, director de Gestión de Contenidos y Jefe de Relaciones con los fans en Lucasfilm, fue preguntado por la propuesta de dos películas después de El retorno del Jedi afirmó que se trataba de un malentendido de lo que se explica Lucas. Según Sansweet, Lucas se refería a los dos proyectos de televisión de Star Wars, actualmente en producción: Star Wars: The Clone Wars, que es un espectáculo de animación CG que debuto en el otoño de 2008, y el segundo que todavía no se tituló la serie de televisión de acción en vivo de La Guerra de las Galaxias que debutará en 2009. Escena de "Star Wars: The Phantom Menace" Y de yapa, este no es un director, o mejor dicho, si lo es, pero un director frustrado, aunque uno de los mejores escritores del mundo. Stephen King Stephen Edwin King (Portland, Maine, 21 de septiembre de 1947) es un escritor estadounidense conocido por sus novelas de terror. Los libros de King han estado muy a menudo en las listas de superventas. En 2003 recibió el National Book Award por su trayectoria y contribución a las letras americanas, el cual fue otorgado por la National Book Foundation. King además ha escrito obras que no corresponden al género del terror, incluyendo las novelas Different Seasons, El pasillo de la muerte, Los ojos del dragón, Hearts in Atlantis y su autodenominada "magnum opus", La Torre Oscura. Durante un periodo utilizó los seudónimos Richard Bachman y John Swithen. Biografia Primeros años Stephen King nació en Portland (Maine), fue el segundo hijo de Donald King y Nellie Ruth Pillsbury. Cuando King tenía dos años de edad, su padre abandonó la familia. Su madre lo crió junto a su hermano mayor David por su cuenta, algunas veces bajo grandes problemas financieros. Tras vivir en Fort Wayne (Indiana) y Stratford (Connecticut), la familia se mudó a Durham, pueblo natal de Ruth. King estudió en Durham Elementary School y luego en Lisbon Falls High School. Cuando era niño, King presenció un espantoso accidente – uno de sus amigos quedó atrapado en unos rieles y fue arrollado por un tren. Aunque este hecho podría haber inspirado las oscuras creaciones de King, el mismo escritor desecha la idea. King empezó a escribir desde una temprana edad, basándose en películas vistas recientemente e historietas. Mientras estaba en el colegio, comenzó a vender cuentos a sus compañeros, los cuales eran copiados con la misma máquina que su hermano utilizaba para publicar su periódico llamado Dave's Rag. Sin embargo, la actividad no fue bien vista por sus profesores, quienes le obligaron a devolver el dinero ganado. A los trece años de edad aproximadamente, descubrió en la casa de su tía una vieja caja con libros de su padre, la mayoría de terror y ciencia ficción. Desde entonces comenzó a enviar sus trabajos a diferentes revistas, sin recibir una respuesta positiva. Su primer relato publicado fue incluido en la revista Comics Review de Mike Garrett en 1965. El título original era I Was a Teenage Grave Robber, pero fue cambiado por el editor a In a Half-World of Terror. Entre 1966 y 1971, King estudió inglés en la Universidad de Maine, en Orono y escribió una columna titulada "King's Garbage Truck" en la revista de la misma. King conoció a Tabitha Spruce en la biblioteca de la universidad y se casaron en 1971. El escritor tomó trabajos de medio tiempo para poder pagar sus estudios, incluso en una lavandería. Utilizó la experiencia vivida para escribir las historias The Mangler y Carretera maldita. Después de terminar sus estudios universitarios con una licenciatura en arte en inglés y obtener un certificado para poder enseñar en secundaria, King enseñó inglés en Hampden Academy (Hampden). Durante este periodo, él y su familia vivieron en un remolque. Escribió historias cortas (la mayoría publicadas en revistas para hombres) para poder satisfacer las necesidades de su familia. Durante este período King comenzó a tener problemas de alcoholismo, que mantuvo durante una década. Carrera como escritor Durante este periodo, comenzó a escribir un gran número de novelas. Una de sus primeras ideas fue la de una joven con poderes psíquicos. Sin embargo, se sintió desalentado, y la tiró a la basura. Tabitha rescató el trabajo y lo animó a terminarlo. Después de finalizada la novela, la tituló Carrie y la mandó a la compañía editora Doubleday, al pasar el tiempo se olvidó de ella. Más tarde, recibió una oferta de compra por 2.500 dólares de adelanto (no un gran adelanto para una novela, incluso en ese tiempo). Poco tiempo después, el valor de Carrie con los derechos del manuscrito fueron vendidos por 400.000 dólares (200.000 de los cuales recibió el editor). Después del lanzamiento, su madre murió de cáncer uterino, pero logró leer la novela antes de morir. Después de la publicación de The Tommyknockers, la familia y amigos de King decidieron ayudarlo con sus vicios, le mostraron su propia basura para que se diera cuenta del nivel de adicción que había alcanzado: latas de cerveza, cigarrillos, cocaína, xanax, valium, nyquil, eran algunas de las cosas que había. Solicitó ayuda y abandonó toda forma de alcohol y drogas a finales de los años 1980. Los personajes en los libros de King han ido evolucionando al pasar de los años: • Sus primeros trabajos (Carrie, El resplandor, La danza de la muerte), mostraban a familias de la clase trabajadora quienes debían luchar contra problemas financieros. • A finales de los años 1980, sus trabajos presentaban personas de clase media como profesores o autores. • A finales de los años 1990, los personajes eran pilotos de aviones, escritores o de algún otro trabajo parecido. Accidente de automóvil En el verano de 1999, King se encontraba trabajando en el ensayo titulado On Writing: A Memoir of the Craft ("Mientras escribo&quot. En ese período había terminado la sección de memorias y había abandonado el libro durante dieciocho meses, debido a la inseguridad acerca de como proceder o de si iba a molestar a terceros. King relata que fue el primer libro que tuvo que abandonar desde que escribiese The Stand décadas atrás. Habiendo tomado la decisión de continuar con el libro, el 17 de junio, escribió una lista de preguntas que le habían hecho con frecuencia sobre su forma de escribir, al mismo tiempo que otras que le hubiera gustado que le hubieran formulado; el 18 de junio, escribió cuatro páginas de la susodicha sección. El 19 de junio, a las 4:30 de la tarde aproximadamente, King caminaba por el arcén derecho de la ruta 5 en North Novell. El conductor Bryan Smith, distraído por un rottweiler incontrolado que se movía en la parte trasera de su coche marca Dodge Caravan de 1985, atropelló a King, quien aterrizó en una zanja de unos 4 metros de profundidad desde el pavimento de la carretera de la Ruta 5. El ayudante del comisario del condado de Oxford, Matt Baker, grabó que los testigos dijeron que el conductor no conducía con exceso de velocidad ni con imprudencia. Baker también informó que King fue atropellado por detrás. En la página web oficial de Stephen King se menciona que esto no es correcto ya que King iba caminando de cara al tráfico. King estaba lo bastante consciente para dar los números de teléfono de su familia al ayudante del comisario para poder ponerse en contacto con ellos, aunque se encontraba sufriendo un dolor considerable. El escritor fue llevado en primer lugar al Hospital Northern Cumberland, para luego ser trasladado desde allí en helicóptero al Hospital Central de Maine. Sus heridas - el pulmón derecho colapsado, múltiples fracturas en la pierna derecha, laceración del cuero cabelludo y la cadera fracturada - le mantuvieron en el centro médico hasta el 9 de julio, casi tres semanas internado. Ese mismo año King terminó la mayor parte Buick 8: Un coche perverso (en inglés From a Buick 8), novela en la cual uno de los protagonistas muere en un accidente automovilístico. De las espeluznantes similitudes con su propio accidente, King dice que intentó "darle demasiada importancia al suceso". La novela Misery, escrita en 1987, trata también sobre un escritor que experimenta heridas muy graves debido a un accidente de coche, pero la novela se centra fundamentalmente en la enfermedad mental de una devota seguidora que atiende al escritor. También en la serie para TV Kingdom Hospital, un escritor sufre un accidente exactamente igual al real. Después de cinco operaciones en diez días y terapia física, King retomó en julio el trabajo donde lo había dejado en la novela On Writing, aunque se resentía todavía de su cadera y solamente podía sentarse unos cuarenta minutos antes de que el dolor se tornara intolerable. Su estado físico ha mejorado desde entonces. El abogado de King y otras dos personas compraron la furgoneta de Smith por 1.500 dólares para impedir que fuera subastada a través de internet en eBay. King utiliza la historia del accidente dentro de la séptima entrega de La Torre Oscura (The Dark Tower). Años recientes En 1996, King ganó el premio O. Henry Award por su historia, "The Man in the Black Suit". En el 2003, King fue honrado con el premio a la trayectoria de National Book Awards, lo que causó un alboroto entre la comunidad literaria por la elección del escritor, especialmente de parte del crítico literario Harold Bloom. Stephen King escribió seis libros bajo el seudónimo Richard Bachman. King hizo un funeral falso para Bachman después de que el secreto fue hecho público, lo cual inspiró el libro The Dark Half. King escribió una historia corta bajo el nombre John Swithen, The Fifth Quarter, la cual fue re-publicada en 1993 bajo el nombre de Stephen King. En 2002, King anunció que dejaría de escribir, motivado aparentemente por la frustración de sus lesiones, que lo incomodaban y reducían su energía. Desde entonces ha escrito algunos libros, pero a un ritmo menor que el de antes. Desde 2003, King ha dado su punto de vista sobre la cultura popular en una columna de la página trasera de la revista Entertainment Weekly, normalmente cada tres semanas. La columna es titulada "The Pop Of King", una referencia a "The King of Pop" ("el rey del pop" en inglés), Michael Jackson. En octubre de 2005, King firmó un contrato con Marvel Comics; sería su primer proyecto oficial en éste mundo, ya que en los años 1980 participó en un cómic a beneficio para la hambruna en África. La idea sería expandir su serie The Dark Tower. La serie será ilustrada por el artista Jae Lee, ganador del premio Eisner. Marvel anunció que el proyecto será retrasado hasta el 2007 para que King tuviera el tiempo y dedicación necesarios. En enero de 2006, King apareció en la primera entrega de Amazon Fishbowl, presentada por Bill Maher. Estilo En el libro, On Writing: A Memoir of the Craft, King describe su estilo de escritura de gran longitud y profundidad. Cree que para las buenas historias es mejor crear una pequeña "semilla" y dejar que la historia crezca y se desenvuelva desde ahí. Generalmente empieza sus historias sin saber como terminarán. Es conocido por su calidad de detalles, continuidad, y referencias internas; muchas de sus historias se ven ligadas por personajes secundarios, pueblos ficticios, o eventos de libros pasados. Sus libros contienen referencias a la historia y cultura de los Estados Unidos, particularmente a la más oscura y escalofriante parte de esta. Las referencias están plasmadas en historias de los personajes, en las cuales se explican sus temores. Algunas referencias incluyen el crimen, guerras (especialmente la guerra de Vietnam), y el racismo. King utiliza un estilo de narración bastante informal, refiriéndose a sus fans como "lectores constantes" o "amigos y vecinos". Este estilo contrasta con los oscuros temas de sus historias. Stephen King tiene una sencilla fórmula para poder escribir bien: "Lee cuatro horas al día y escribe cuatro horas al día. Si no encuentras el tiempo para hacerlo no podrás convertirte en un buen escritor." Se ha declarado admirador de la serie de libros de Harry Potter de la autora J.K. Rowling, a quien, según ha mencionado en reiteradas ocasiones, considera una gran escritora. Curiosidades • Stephen King tocaba la guitarra en la banda Rock Bottom Remainders pero no ha vuelto a tocar desde hace años. Entre los miembros se encuentran: Dave Barry, Ridley Pearson, Scott Turow, Amy Tan, James McBride, Mitch Albom, Roy Blount Jr., Matt Groening, Kathi Kamen Goldmark y Greg Iles. Ninguno de ellos dice tener talento musical. Eric Alterman relata un encuentro informal de la banda con Bruce Springsteen en el libro Bruce Springsteen, nacido para el rock(2004). • King es un fan del grupo de rock AC/DC. Incluso hicieron la banda sonora de su película Maximum Overdrive. • King tambien es fan del grupo de punk rock The Ramones, que fue banda sonora de la película Cementerio de animales y que también compuso la canción Pet Sematary. • King es también un fan de la serie de televisión Lost. • En muchas de las películas basadas en sus obras se le puede ver interpretando papeles secundarios no acreditados (cameos). • En 1997 Mick Garris dirigió una nueva versión de El resplandor para televisión (más tarde editada en DVD). King no estaba contento con la primera adaptación de su novela, dirigida por Stanley Kubrick y protagonizada por Jack Nicholson en 1980. Obras completas Novelas • 1974 - Carrie • 1975 - El misterio de Salem's Lot (Salem's Lot) • 1977 - El resplandor (The Shining) • 1978 - La danza de la muerte (The Stand) • 1979 - La zona muerta (The Dead Zone) • 1980 - Ojos de fuego (Firestarter) • 1981 - Cujo • 1983 - Christine • 1983 - Cementerio de animales (Pet Sematary) • 1983 - El ciclo del hombre lobo (Cycle of the Werewolf) • 1984 - El talismán (The Talisman, escrito junto a Peter Straub) • 1986 - It • 1987 - Los ojos del dragón (The Eyes of the Dragon) • 1987 - Misery • 1987 - Los Tommyknockers (The Tommyknockers) • 1989 - The Dark Half • 1990 - Apocalipsis (The Stand: The Complete & Uncut Edition) • 1991 - La tienda de los deseos malignos (Needful Things) • 1992 - El juego de Gerald (Gerald's Game) • 1993 - Dolores Claiborne • 1994 - Insomnia • 1995 - El retrato de Rose Madder (Rose Madder) • 1996 - El pasillo de la muerte (The Green Mile) • 1996 - Desesperación (Desperation) • 1998 - Un saco de huesos (Bag of bones) • 1999 - La tormenta del siglo (Storm of the century, guión) • 2000 - La chica que amaba a Tom Gordon (The girl who loved Tom Gordon) • 2000 - Montando la bala (Riding the Bullet) • 2001 - El cazador de sueños (Dreamcatcher) • 2001 - Casa Negra (Black House, escrito junto a Peter Straub) • 2002 - Buick 8: un coche perverso (From a Buick 8) • 2005 - Colorado Kid (The Colorado Kid) • 2006 - Cell • 2006 - La historia de Lisey (Lisey Story) • 2008 - Duma Key • 2009 - Under The Dome (Under The Dome) Colecciones • 1978 - El umbral de la noche (Night Shift) • 1982 - Las cuatro estaciones (Different Seasons) • 1985 - Historias fantásticas (Skeleton crew) • 1990 - Las cuatro después de la medianoche (Four Past Midnight) • 1993 - Pesadillas y alucinaciones (Nightmares & Dreamscapes) • 1997 - Six Stories (Edición limitada de 1100 ejemplares cuyos relatos fueron reeditados en Todo es eventual y Corazones en la Atlántida) • 1999 - Corazones en la Atlántida (Hearts in Atlantis) • 2003 - Todo es eventual: 14 relatos oscuros (Everything is eventual: 14 Dark Tales) • 2008 - Después del Anochecer (Just After Sunset) Serie de La Torre Oscura (The Dark Tower) Gran parte de la obra de Stephen King se encuentra reflejada en su opus magnus: La Torre Oscura, que es una saga de siete volúmenes, con la cual, según los comentarios del autor, también culmina su carrera de escritor. • 1982 - La Torre Oscura I: La hierba del diablo (The Gunslinger) (Reeditado en 2003 como 'El pistolero') • 1987 - La Torre Oscura II: La invocación (The Drawing of the Three) (Reeditado en 2003 como 'La llegada de los tres') • 1991 - La Torre Oscura III: Las Tierras Baldías (The Wastelands) • 1997 - La Torre Oscura IV: La bola de cristal (Wizard and Glass) (Reeditado como 'Mago y Cristal') • 1998 - Las Hermanitas de Eluria (Little Sisters of Eluria) cuento incluido en Legends editado por Robert Silverberg, luego incluido en Todo es eventual: 14 relatos oscuros • 2003 - La Torre Oscura V: Lobos del Calla (Wolves of the Calla) • 2004 - La Torre Oscura VI: Canción de Susannah (Song of Susannah) • 2004 - La Torre Oscura VII: La Torre Oscura (The Dark Tower) • Childe Roland to the Dark Tower Came de Robert Browning (poema en el que se basa la serie) Bajo el seudónimo de Richard Bachman • 1977 - Rabia (Rage) • 1979 - La larga marcha (The Long Walk) • 1981 - Carretera maldita (Roadwork) • 1982 - El fugitivo (The Running Man) • 1984 - Maleficio (Thinner) • 1996 - Posesión (The Regulators) • 2007 - Blaze No ficción • 1981 - Danza macabra (Danse Macabre) • 1988 - Nightmares in the Sky: Gargoyles and Grotesques (no editado en español) • 2001 - Mientras escribo (On Writing) • 2005 - Faithful: Two Diehard Boston Red Sox Fans Chronicle the Historic 2004 Season (no editado en español) Cómics • 1982 - Creepshow • 2006 - The Secretary Of Dreams • 2007 - El nacimiento del Pistolero (The Gunslinger Born). King sólo participa en calidad de supervisor. • 2008 - El largo camino a casa (The Long Road Home). • 2009 - Treachery. Aún sin edición en castellano. • 2008 - Apocalipsis: El Capitán Trotamundos (The Stand). Aún sin edición en castellano. King dirigio una pelicula titulada "Maximum Overdrive" que contaba la historia de un grupo de personas escondiendose de la rebelion de las maquinas causadas por el paso de un cometa cerca de la tierra, la pelicula tuvo un rotundo fracaso y hasta la critica del propio director fue mala. Escena de "Maximum Overdrive" Bueno ahi esta la segunda parte del post, seguramente ustedes encontraran mas buenos directores, pero esos son los que mas me gustaron, espero que les guste.

Por Rubén Pajarón Verduras, todos las odiamos de niños. Algunos seguimos haciéndolo. Las verduras, como tantos otros arquetipos del mal, acaban pasando tarde o temprano por la batidora de la madurez, embellecidas por un aliño de razonamientos y otras salsas. Un ingenuo intento de enmascarar este rechazo primigenio y natural, pues en nuestra imprudencia hemos olvidado tres principios inquebrantables: el mal que no se arranca de raíz nunca deja de crecer, malas hierbas nunca mueren, y la naturaleza siempre se abre camino. Puede parecernos obvio que nadie se estremezca de miedo en una frutería, o de botellón en un parque, o removiendo una ensalada, o plantando una lenteja en un vaso entre algodones. Nadie espera asesinar a su novia regalándole una rosa, pero… y si… Muchos autores se han visto sacudidos por esta delirante duda en algún momento de sus carreras. Plantas antropófagas, árboles zombie, musgo fantasma, enredaderas asesinas, hortalizas con mala uva… un desfile de villanos imposibles que ha sembrado el pánico en la literatura (“Perdido en la pirámide" de Louisa May Alcott, “La Planta" de Stephen King, “El Manzano" de Daphne du Maurier), en el cómic (“Man-Thing" de Marvel, “The Heap" de Airboy, “Splatter Film" de Junji Ito) o en los videojuegos (“Obscure 1 y 2", de Hydravision, “D2" de WARP, “Waxworks" de Accolade). Pero es sin duda el cine el que mejor ha sabido exprimir esta rama del Terror, sea bebiendo de otras fuentes o aportando genialidades de su propia cosecha (y otras no tan geniales que bien merecen un tomatazo, aunque como dice el dicho, hay de todo en la viña del Señor). Os dejo con una completa macedonia de títulos, emparejados por temática, por si alguno quiere replantearse ser vegano o ecologista 1. La pequeña tienda de los horrores (Little Shop of Horrors) Dirigida por: Roger Corman (1960) / Frank Oz (1986) Una Venus Atrapamoscas del espacio exterior, enorme en tamaño y carisma, protagoniza este clásico de Corman, transformado más tarde por Frank Oz en un glorioso musical que también encontró su hueco en los teatros. Seymour, un retraído florista desafortunado en el trabajo y en el amor, ve como su suerte cambia tras comprar una pequeña planta carnívora en un bazar chino. En teoría la planta procede del espacio, teletransportada a la tierra durante un eclipse solar. Sea como fuere, Audrey II (como Seymour la bautiza en honor a su compañera de trabajo) hace que la tienda se llene de curiosos y el negocio suba como la espuma. Cuanto más crece la planta más clientela atrae, pero no todo son buenas noticias. Seymour descubre que Audrey II puede hablar (y cantar) al tiempo que conoce sus macabras exigencias. Para crecer necesita alimentarse de sangre, y para obtener dicha sangre necesita que Seymour le lleve cadáveres al sótano. Valga de anécdota, la película de Corman fue explotada previamente en la espantosa cinta softporn “Please Don’t Eat My Mother" (1971), donde la planta carnívora comparte metraje con aleatorias escenas subiditas de tono. 2. La Semilla del Espacio (Day of the Triffids) Dirigida por: Steve Sekely (1962) / Ken Hannam (1981) / Nick Copus (2009) Nadie conoce el origen de los Trífidos. Algunos dicen que sus semillas vinieron del espacio, otros que fueron producto de experimentos bioquímicos. Al principio se usaban para extraer de sus tallos un aceite mejor y más barato que el del pescado; más adelante, al comprobar que se alimentaban de moscas y otros insectos, todo el mundo quiso tener un Trífido en su jardín. Las extrañas plantas evolucionaban rápidamente, cimbraban para comunicarse, y pronto empezaron a moverse con autonomía propia. La gente estaba demasiado entusiasmada con sus nuevas “mascotas" para darse cuenta de que los roles estaban cambiado. Los Trífidos (bautizados así por su base triangular) habían adquirido una malsana inteligencia, y podían cegar a las personas clavándoles el aguijón de un largo apéndice que enroscaban en lo alto del tallo. El Gobierno obligó por ley podarles el aguijón, pero como al hacerlo su aceite perdía calidad, algunas empresas optaron por fabricar trajes reforzados para sus trabajadores. Una noche millones de luces inundaron el cielo. Gran parte de la población mundial quedó ciega al contemplar el extraño fenómeno, sólo unos pocos conservaron la vista. Los Trífidos crecieron hasta alcanzar 2 metros, y siendo mayoría, aprovecharon para masacrar a los humanos y devorar su carne descompuesta. Tanto la película como las miniseries de la BBC son adaptaciones de la novela “El Día de los Trífidos" de John Wyndham, que encontró su secuela literaria en “La Noche de los Trífidos" de Simon Clark. 3. La Invasión de los Ladrones de Cuerpos (Invasion of the Body Snatchers) Dirigida por: Don Siegel (1956) / Philip Kaufman (1978) / Abel Ferrara (1993) / Oliver Hirschbiegel (2007) El mal se está apoderando discretamente de Santa Mira. La gente se comporta de modo extraño, muchos creen que sus familiares, amigos o conocidos son impostores, personas que se parecen pero no lo son. Diferencias sutiles, sobretodo emocionales. Desgraciadamente no se trata de una epidemia de histeria colectiva. Unas vainas gigantes, procedentes de semillas extraterrestres, pretenden suplantar a todo el mundo, pueblo por pueblo. Las vainas absorben el cerebro de sus víctimas mientras duermen. Su credo es un mundo sin complicaciones donde todos sean iguales, y para ello es menester que desaparezcan los sentimientos. La película es una adaptación de la novela de Jack Finney, publicada en 1955. “La Invasión de los Ultracuerpos" fue el primero de sus tres remakes, y el más fiel a la original, aunque al ir rozando los años 80 prescindieron del mensaje anticomunista. “Secuestradores de Cuerpos" encuadra la historia en un campamento militar. Los soldados sacan las vainas del pantano y las van dejando por casas para suplantar a la gente, cubriendo sus cuerpos con largos cilios mientras duermen. Una vez clonados, los antiguos cuerpos se deshacen como cáscaras marchitas. En “Invasión", el último y menos agraciado remake, el germen alienígena viene pegado a un trasbordador caído, y se contagia escupiendo, no por vainas. 4. Godzilla VS Biollante (Gojira tai Biorante) Dirigida por: Kazuki Omori (1989) Todo fan del kaiju es consciente del colosal bestiario que calza la saga Godzilla, y de la ironía de que uno de sus adversarios más duros haya sido una rosa. Biollante es el resultado de mezclar células radiactivas auto-regenerativas de Godzilla con la energía psíquica de una rosa impregnada del espíritu de la hija difunta de su creador. Los experimentos científicos con las células de Godzilla estaban orientados a mantener el trigo con vida en los desiertos, pero el Dr. Shiragami abandonó el proyecto cuando su hija Erika murió en un accidente. 5 años después, cuando Godzilla vuelve a amenazar Tokyo, Shiragami colabora con el Ejército para desarrollar una bacteria antinuclear a partir de sus antiguos experimentos, concibiendo a Biollante. El nombre de Biollante evoca al espíritu de una planta de la mitología nórdica. Ataca dando latigazos con sus tallos espinosos y escupiendo esporas radiactivas. Su cualidad regenerativa hace que sea prácticamente inmortal. 5. Matango (Attack of the Mushroom People) Dirigida por: Ishiro Honda (1963) Un grupo de snobs en yate es sorprendido lejos de la costa por una terrible tormenta. Sumidos en una espesa niebla, los náufragos son arrastrados por las olas hacia una isla aparentemente desierta. Poco después encuentran otro barco encallado en la playa; un bergantín ruinoso, sin tripulación, que inmediatamente investigan en busca de comida y respuestas. Sin embargo lo único que encuentran es musgo verdusco por todos sitios, una suerte de moho llamada Matango, según apuntes del laboratorio de abordo. Al parecer el bergantín había estado expuesto a un estudio de energía nuclear, y según el cuaderno de bitácora los tripulantes que se habían adentrado en la isla no habían vuelto. El hongo contiene una sustancia alucinógena que daña el sistema nervioso, pero al absorber radiactividad sus efectos son más drásticos. Los tripulantes se convierten progresivamente en hongos. Al margen de la radiactividad, Matango es un hongo adorado por los indígenas de la isla, cuyo nombre significa según ellos “persona que ha abandonado su humanidad". En la profundidad de la jungla viven enormes hongos con brazos que pueden moverse y atacar si se ven amenazados. Matango es una adaptación del genial relato “Una voz en la noche", de William Hope Hodgson, incluido en su recopilatorio de historias de terror marino. 6. La Tutora (The Guardian) Dirigida por: William Friedkin (1990) El segundo escarceo de Friedkin en el terror fantástico, después de “El Exorcista", estuvo lejos de ser aplaudido por la crítica y el público, sin que fuese una mala película. Sustituyendo curas por druidas, Friedkin salta de secta a secta y se remonta a la mitología celta para esbozar este curioso thriller sobrenatural sobre la naturaleza, valga la redundancia, en un nuevo caso de dioses-árbol. La protagonista (o antagonista, según se mire) es una mujer con muchos nombres, aunque aquí la conocemos principalmente como Camilla. Mitad hechicera mitad niñera (a veces mitad árbol), Camilla invierte su eternidad honrando a un dios-árbol malvado con sacrificios de bebés. Su trabajo de niñera en la agencia Guardian Angel le pone fácil la búsqueda de bebés, y procura ser la única candidata deshaciéndose vilmente de la competencia. Una vez se ha ganado la confianza de los padres, espera el momento adecuado para secuestrar el bebé y ofrecérselo al árbol. En las noches de frenesí místico, Camilla se desnuda para fundir su cuerpo con el gigantesco árbol, que tiene en su corteza las caras talladas de los bebés sacrificados. El árbol tiene vida propia, ataca con sus ramas, y domina a los lobos del bosque. Camilla y el árbol están espiritualmente unidos, mientras uno viva el otro no puede morir. 7. El Bosque Maldito (The Woods) Dirigida por: Lucky McKee (2006) 1965. Heather, una adolescente problemática, es internada en la Academia Falburn por deseo de sus padres, después de haber incendiado un bosque tras discutir con su madre. Falburn es una escuela privada para chicas, fundada hace más de un siglo y con excelente reputación, pese a estar aislada en mitad de un bosque. La directora Traverse y todas las profesoras son estrictas con las normas, pero esconden secretos que sólo unas pocas alumnas especiales conocen. Se rumorean historias sobre una alumna llamada Clara Thompson, que ingresó en la Academia junto a sus dos hermanas hace 100 años. Clara y sus hermanas eran brujas, se pasaban todo el día mirando los árboles, escuchando voces que nadie oía, hasta que sus compañeras las pillaron haciendo un ritual y las apedrearon. Clara pidió ayuda al bosque a cambio de las almas de las chicas. Esa noche todas las alumnas se adentraron en el bosque, como hipnotizadas, y vieron como Clara mataba de un hachazo a la directora en un ritual. El bosque poseyó el alma de todas las alumnas y siguió exigiendo sacrificios durante generaciones, siempre esperando la llegada de tres chicas especiales, capaces de completar el ritual para la transferencia de espíritus. Heather es una de ellas. “El Bosque Maldito", además de un argumento confuso, incluye escenas de los árboles en plena acción, expandiendo sus ramas descontroladamente por la Academia y convirtiendo a alumnas en pilas de hojas secas. También regala un guiño a los incondicionales de Evil Dead, con Bruce Campbell luchando al final contra las ramas demoníacas. 8. Man-Thing: La naturaleza del miedo (Man-Thing) Dirigida por: Brett Leonard (2005) “X-men", “Spiderman", “Daredevil", “Hulk"… la fiebre Marvel que se extendía en los cines a comienzos de década llegó al pantano en 2005, pero no con el acostumbrado despliegue de marketing y presupuesto. “Man-Thing" formaba parte de su línea de cómics “oscuros", pese a tener crossovers y cameos con todo cristo; no estaba dirigida a niños, y ese matiz se reflejó en una notable falta de ambición y presupuesto. Fue directa al videoclub, salvo en nuestro país, donde milagrosamente sí encontró salas de cine. La película apenas guarda parecido con su fuente original. Aquí “Man-Thing" no es un científico que trata de recuperar el suero milagroso del Capitán América, sino una especie de espíritu del pantano que ayuda a los indios de Bywater para que una Compañía petrolífera no destruya la Reserva y el propio pantano. Lo que sí comparte con la criatura diseñada por Gray Morrow es el aspecto, desproporcionado, fungoso, cubierto de liquen y con ojos rojos. Atraviesa a la “mala gente" con sus ramas, y desaparece sin más una vez consume su venganza. 9. La Cosa del Pantano (Swamp Thing) Dirigida por: Wes Craven (1982) / Jim Wynorski (1989) Wes Craven, abonado de por vida al género de terror, también quiso hacer una humilde donación al mundo del cómic. Debía ser algo que pegase con su estilo, algo monstruoso, nada de apuestos superhéroes ni historias coloridas, y en DC tenían algo parecido. El caso “Swamp-Thing" vs “Man-Thing" es tan complicado como lo del huevo y la gallina. Ignoro qué fue primero, quien copió a quien, o si ambos se inspiran en cómics anteriores, pero como el espionaje es algo sobradamente popular en esto de los cómics, no merece la pena darle vueltas, no al menos en este artículo. El argumento, más fiel al cómic que “Man-Thing", atañe al científico Alec Holland y sus investigaciones secretas para el Gobierno en los pantanos de Lousiana. Su meta es crear células vegetales con núcleo animal, para que las plantas puedan moverse y pensar. Holland ama el pantano, lleva demasiado tiempo viviendo en él, junto a su hermana y el resto del equipo, hasta que sucede lo inevitable en este tipo de historias. Arcane, una corporación de egoístas sin escrúpulos, asalta el laboratorio para robar la sustancia, y Holland sufre un accidente que (¡viva la originalidad!) le hace mutar en un hombre-planta vengativo, poderoso e inmortal. 10. Ciénaga Maldita (Swamp Devil) Dirigida por: David Winning Por si no teníamos bastante con dos árboles humanoides paseando su cabreo por bosques cenagosos (sin contar a los Ents del “Señor de los Anillos", claro), David Winning nos presenta al tercero en discordia. “Swamp Devil" resume los pros y contras de colocarse fuera del marco comiquero. Por un lado no cuenta con el incentivo de pertenecer a majors como Marvel o DC, lo que explica su “discreta" audiencia y difusión, tirando de eufemismos. Pero por otro tiene la suerte de poder ir a su bola, sin restricciones de contenido o público, y volcarse sin medias tintas al género de Terror. Melanie vuelve a Gibbington, su pueblo natal, al ser avisada por un viejo amigo de que su padre está muriendo. Al llegar al pueblo descubre que es todo mentira. Su padre está buscado por asesinato, acusado injustamente de un crimen cometido por Jimmy, el supuesto amigo de Melanie que la había llamado por teléfono. En realidad Jimmy es un monstruo-árbol del pantano que trata de vengarse del padre de Melanie y varios de sus amigos (más familiares) por haberle matado hace 20 años cuando era humano. En aquel entonces Jimmy era un vagabundo recién llegado al pueblo que había asesinado presuntamente a una niña de 12 años. El padre de Melanie sospechaba de él, y reunió a sus amigos para hacer justicia por su cuenta, obligándole a confesar y ahogándole después en el pantano. El monstruo-árbol de Gibbington tiene poco de superhéroe o antihéroe, es un stalker, como Jason o Myers, y lo deja claro desde el primer minuto. Aunque es algo lento, tiene el poder de estirar sus ramas-garras a larga distancia, e incluso bajo tierra. 11. Las Ruinas (The Ruins) Dirigida por: Carter Smith (2008) Volvemos a las adaptaciones literarias. Scott Smith se ocupa de guionizar su propia novela, la última de terror botánico que sería llevada al cine hasta la fecha. “Las Ruinas" nos traslada al interior de una pirámide maya ocupada por una enredadera asesina. Los lugareños se afanan en evitar que los turistas accedan a ella, a sabiendas del peligro que corren, pero con cierta gente toda precaución es poca, y los momentos gore no se hacen esperar. La malvada enredadera se expande por toda la pirámide, puede moverse, pensar, e incluso imitar sonidos y voces haciendo vibrar los cilios de sus flores. Se alimenta de sangre humana, introduciéndose en las heridas de sus víctimas y extendiéndose bajo la piel, de forma que es imposible sobrevivir a su contacto. Al ser antiquísima los pájaros han aprendido a no sobrevolar la zona. Los mexicanos evitan que se expanda más allá de la pirámide echando sal a su alrededor. 12. Doctor Terror (Dr. Terror’s House of Horror) Dirigida por: Freddy Francis (1965) Dentro de esta antología el relato que nos interesa lleva por nombre “Creeping Vine", otra siniestra historia sobre enredaderas asesinas. A bordo de un tren, el Dr. Terror predice el futuro a sus acompañantes con las cartas del Tarot. Todos son destinos aciagos y esperpénticos difíciles de creer. Las cartas desvelan a Dick que al volver de vacaciones se encontrará con una extraña enredadera en la pared de su casa. Extraña entre otras cosas porque grita al intentar arrancarla, porque las tijeras salen volando al tratar de poderla, y porque estrangula al perro cuando escarba en sus raíces. La enredadera se encuentra a medio camino entre el reino vegetal y el animal, un paso adelante en la evolución de las plantas, inteligente y carnívora. Examinando su sangre descubren que tiene cerebro, y sobra decir que lo emplea con maldad. 13. Cuentos de Locura (Tales that Witness Madness) Dirigida por: Freddy Francis (1973) Casi 10 años después Francis repite con otra antología, nuevamente para Amicus, y nuevamente con un tributo al horror botánico. El tercer segmento, relatado por el Dr. Tremayne, narra la asombrosa relación entre uno de sus pacientes del manicomio y un… sexy tocón de madera. Haciendo footing, Brian se queda prendado de un leño y decide llevarlo a casa. Hay algo artístico en él, algo que despide carácter, e incluso erotismo. Su nombre es “Mel", o al menos el nombre que tiene tallado en su corteza. Brian pule y descascara a Mel para acentuar su hermosura, descubriendo que tiene formas femeninas. Bella, la esposa de Brian, termina perdiendo la paciencia con la parafilia de su marido; siente celos del leño, le da mala espina, pero no va a resultar nada fácil deshacerse de él. Mel tiene vida propia y el férreo propósito de compartirla con Brian. Se mueve cuando nadie la ve, y por si acaso esconde cuchillas en sus ramas. 14. El Enigma de Otro Mundo (The Thing from Another World) Dirigida por: Christian Nyby y Howard Hawks (1951) / John Carpenter (1982) / Van Heijninger (2011) Deficiente como adaptación, y depredada por un remake que no es tal, “El Enigma de Otro Mundo" tipifica uno de esos casos de “clásicos" entrecomillados que ni la nostalgia ni el renombre de su director han podido salvar del limbo cinematográfico. Se trata de una más que libre adaptación del pulp “Who goes there?" escrito por John W. Campbell en 1935; un relato, cabe mencionar, peligrosamente parecido a “En las Montañas de la Locura", la novela de H.P. Lovecraft escrita pocos años antes. La película del Nyby y “Haws" (cuya implicación sigue cuestionándose) toma del relato la idea de fondo y poco más; ni los Polos coinciden. El ser que aquí acecha al equipo de exploradores es, citando a uno de sus científicos, una “remolacha gigante", lejos del simbionte polimorfo presentado por Campbell y rescatado en los 80 por Carpenter, cuya adaptación, a excepción del toque fatalista, es estrictamente fiel al relato y solo toma de la película la tipografía del título a modo de homenaje. Es irónico que tras el error generalizado de llamar remake a esta adaptación, hayamos tropezado en la misma piedra llamando precuela al remake encubierto de 2011. La criatura del “Enigma de Otro Mundo" resulta ser una evolución de los vegetales paralela a la de los animales, pero en otro planeta. De apariencia humanoide, sangra savia y se reproduce por esporas. Alimenta a sus nuevas plantas con sangre humana para que crezcan. 15. The Navy vs Night Monsters (The Navy vs Night Monsters) Dirigida por: Michael A. Hoey (1966) La Meseta Antártica, un vasto paraje helado y desconocido lleno de misterios. EEUU envía una partida de intrépidos exploradores en busca de sus secretos, y regresan triunfantes con un espécimen vegetal de la Edad de Hielo. Sin embargo, en su viaje de vuelta en avión, el piloto se ve obligado a hacer un aterrizaje forzoso en la base naval de Gow Island. Nadie sabe qué ha podido ocurrir, las hélices del avión están obstruidas con extrañas enredaderas, y el piloto es el único superviviente, aunque está en estado de shock. Las plantas prehistóricas que transportaban crecen en el bosque que rodea la base, convirtiéndose en árboles andantes asesinos con savia ácida. Sólo el fuego parece destruirlos, y cuando los cócteles molotov se quedan cortos de potencia, los marines despliegan sus cazas para bombardear a los árboles con misiles aéreos, cargándose prácticamente toda la isla en el proceso. 16. El experimento del Dr. Quatermass (The Quatermass Xperiment) Dirigida por: Val Guest (1955) Turno para el hombre-cactus en otro clásico del pulp. La policía trata de contener el revuelo que ha despertado la colisión de un cohete espacial en Oakley Green (Inglaterra). La nave está destrozada, pero hay un superviviente, Victor Carron; del resto de la tripulación sólo quedan sus trajes, y un tejido orgánico gelatinoso con hojas de planta que podrían ser sus cuerpos. El Dr. Quatermass, especializado en casos raros, toma el mando de la investigación. Victor es llevado urgentemente al hospital, su pulso y presión sangrienta son bajos, su piel está agrietada y sus huesos han cambiado. La situación empeora al fugarse, cuando accidentalmente destruye un cactus de un manotazo. Progresivamente su organismo se va fusionando con el del cactus, creciendo en tamaño a medida que se alimenta de personas, a las que absorbe los jugos hasta dejarlas secas como cáscaras. 17. Mutación Criminal (Freakmaker) Dirigida por: Jack Cardiff (1974) Una pandilla de freaks de circo liderados por Lunch (“El hombre más feo del mundo" ha llegado a la ciudad. Lunch secuestra chicas para el Dr. Nolter a cambio de que cure sus malformaciones, ignorando que éste sigue su propio orden de prioridades. Nolter está obsesionado con las plantas, pretende impedir que empodrezcan y revitalizar las que están marchitas. Su proyecto más ambicioso es la creación de una especie que mezcle las virtudes de los animales y las plantas, consiguiendo así un mundo sin hambre ni guerras, que nos deje tiempo para descubrir nuestro auténtico potencial, aunque sea bajo un aspecto vegetal. Las plantas de Nolter se mueven, piensan y sangran, y los sujetos de laboratorio se transforman en plantas humanoides que no atienden a razones y terminan por rebelarse contra su creador. 18. Womaneater (Womaneater) Dirigida por: Charles Saunders (1958) Al término de su expedición en un punto remoto e inexplorado del Amazonas, el Dr. Moran, del Club de Exploradores, regresa a Londres acompañado de un nativo hechicero llamado Tanga y un exótico árbol/arbusto, regalo de la tribu. Dicho souvenir no es un árbol cualquiera, sino un dios-árbol, capaz de segregar una sustancia que permite resucitar a los muertos. El handicap es que el árbol exige sacrificar mujeres en rituales para alimentarse, cosa que al Dr. Moran no parece suponerle una molestia. Tanga hipnotiza a las mujeres tocando los bongos, y una vez dejan de oponer resistencia, el dios-árbol les da un abrazo mortal con sus ramas y protuberancias. 19. From Hell It Came! (From Hell It Came!) Dirigida por: Dan Milner (1957) Paul Blaisdell, que en paz descanse, fue un grande del género. Puede que apenas se recuerde su nombre, pero sí los monstruos que creó en los años 50 para películas como “Beast With A Million Eyes", “Earth vs The Spider", “Voodoo Woman" o “Invasion of the saucer man". En “From Hell It Came" hizo su contribución al horror botánico diseñando a Tabanga, un carismático árbol-zombie. En una isla paradisiaca de la Polinesia, Kimo, príncipe de una tribu vudú, es condenado a muerte injustamente por los suyos, sólo por relacionarse con dos científicos estadounidenses que habían venido a investigar la gravedad de una explosión nuclear cercana a la isla. Kimo jura vengarse antes de morir, un capricho que puede permitirse gracias a los efectos del ocultismo y la radiación. Su espíritu renace dentro de Tabanga, un árbol-zombie andante que no tarda en hacer estragos en la tribu. La edición especial española del DVD (en V.O.S.E.) incluye el mediometraje “Ramar of the Jungle", de 1953, muy a juego con la temática de la película. 20. La Isla de la Muerte (Island of the Doomed) Dirigida por: Mel Welles (1967) Un islote próximo a costas italianas guarece el castillo del Barón von Weser y sus diabólicos experimentos. El Barón, un ermitaño aficionado a la botánica clandestina, invita a un variopinto grupo de extranjeros con el pretexto de presentarles una planta con sabor a carne de buey. La intención oculta del mad doctor es que los propios invitados sirvan de alimento al abominable árbol-vampiro que ha creado. Las frondosas ramas del árbol se mueven como serpientes (algo torpes, dicho sea) sobre el cuerpo de sus víctimas, a las que chupan la sangre con el estambre de las flores que tiene en los extremos de cada rama. Como curiosidad, la película es una coproducción española-alemana y fue rodada en Barcelona. 21. Voodoo Island (Voodoo Island) Dirigida por: Reginald Le Borg (1957) Por si no teníamos suficiente Dr. Moreau wannabe en la lista, con esta serie B volvemos a los mestizajes vegetales y animales, y subiendo el listón. Una isla del Pacífico es el habitat de plantas-cobra caníbales del Cretácico que devoran mujeres. Habitat que además comparten con hechiceros vudú y zombies. Ignorando semejantes “atracciones" para los turistas, el empresario Howard Carlton envía una partida de exploradores a la isla (supuestamente deshabitada) para comprobar si es urbanizable, ya que tiene en mente construir un Resort de hoteles. Sólo una persona regresa con vida (y en trance) de la expedición. Preocupado por el futuro de su negocio, y la mala prensa que pudiera acarrearle el incidente, Carlton envía al especialista Phillip Knight para que desmienta los fenómenos sobre vudú. Knight, que esperaba encontrarse sólo con un puñado de nativos locos, tendrá que sobrevivir al ataque de las peligrosas plantas-cobra que se mimetizan con la jungla. 22. Los Chicos del Maíz (Children of the Corn) Dirigida por: Fritz Kiersch (1984) / David Price (1993) / James Hickox (1995) / Greg Spence (1996) / Ethan Wiley (1998) / Kari Scogland (1999) / Guy Magar (2001) / Donald Borchers (2009) / Joel Soisson (2011) ¡¿Pero si esto va de niños asesinos, qué hace aquí?! Calma… Quien haya tenido el valor y la paciencia de tragar las (hasta ahora) 9 películas, más el proto-mediometraje “Disciples of the Corn", entenderá que su presencia en la lista está justificada. Cuesta creer que un relato corto de Stephen King haya dado para tanto. “El que camina detrás de la fila" (Pt.1), “El que camina detrás de la hilera (Pt.2) / de las hileras" (Pt.3)", “El que camina detrás del maíz" (Pt.5), “El que camina detrás de la rosa" (Pt. 6), todos son el mismo ser, camine detrás de lo que camine, un dios-monstruo del maíz al que sirven, veneran y honran con sacrificios los niños de Gatlin (Nebraska), generación tras generación. Su credo es acabar con todos los adultos, responsables de la ruina del mundo con sus avances y sus pecados, y dejar el futuro a los niños para que cuiden y vivan de la tierra. Todos los niños de Gatlin caen bajo el influjo de esta criatura, pero sólo uno de cada generación tiene el don de comunicarse con ella. Estos portavoces (Isaac, Micah, Eli, Josiah, Jacob, Zachariah, Abel) son los responsables de predicar los sermones, organizar los sacrificios e iniciar a los recién llegados en el ultraconservadurismo de la secta, cuyo bautismo de fuego comprende el asesinato de los padres. Sólo la sangre de los adultos garantiza una buena cosecha. Cuando los niños cumplen 19 años, ellos mismos se ofrecen voluntariamente como sacrificio. “El que camina detrás de la fila" vive en la cosecha, controla el maíz como si fuera parte de sí mismo y asesina a los adultos con sus hojas, aunque por lo general son los niños los que blanden en alto sus guadañas y hoces para darles caza. 23. The Crawlers (Creepers / Contamination .7 / Troll 3) Dirigida por: Joe D’Amato y Fabrizio Laurenti (1993) Saltamos a otro pequeño pueblo de EEUU, Littleton. Vida sencilla, gente sencilla, niños y adultos conviviendo en paz, y un malvado empresario liándola parda como de costumbre. El exceso de ambición y la falta de escrúpulos mueven al dueño de una Central Nuclear a verter toneladas de residuos radiactivos en el bosque. Sólo Taylor, uno de sus empleados, parece darse de cuenta de la gravedad de la situación, pero al ser un alcohólico nadie le hace caso. La contaminación provoca que una gran cantidad de árboles marchite, pero también conlleva ciertos efectos secundarios inimaginables. Las raíces cobran vida y claman venganza; se mueven, acechan a los humanos, se enredan en sus cuerpos y los estrangulan hasta la muerte. A otros los destripan y devoran, ya que la mutación genética ha hecho que ahora sean carnívoras. Los cadáveres también presentan altos niveles de radiación, y para colmo de males les crecen raíces por todas partes. Cualquier parecido con “Troll" o “Troll 2" es un espejismo, el clásico tic italiano de colgarle números a títulos ajenos para venderlos como secuelas a los despistados, aunque en este caso cueste entender el tirón comercial. 24. Semilla Negra (Seedpeople) Dirigida por: Peter Manoogian (1992) Seguimos sin salir de pueblos agrícolas, esta vez bajo el sello de la mítica Full Moon. Charles Band, “el hombre que soñaba con muñecos y un bidón de merchandising", artesano de “Puppet Master", “Demonic Toys", “Blood Dolls", “Gingerdead Man" y otras muchas frikadas entrañables de serie B, ideó una línea de figuras de acción con monstruitos-planta para que Peter Manoogian los llevara a la pequeña pantalla. Tom ha vuelto a su pueblo de la infancia, Comet Valley, llamado así por las pinturas indias de una cueva que profetizaban la caída de un cometa. El pueblo apenas ha cambiado desde que Tom se fue, pero está a punto de hacerlo radicalmente. Un meteorito ha caído recientemente en el huerto de un granjero local, como vaticinaban las pinturas de hace 500 años, pero lo más raro es que de él ha germinado un árbol con flores grotescas. Cada flor infecta de distinta forma a los curiosos que se acercan a husmear, transformándolos en criaturas-planta; un total de 3 monstruitos carismáticos (el que vuela, el que rueda y el que se arrastra) que siembran el pánico en Comet Valley, asesinando y polinizando a la gente. Al igual que en “The Crawlers", a las víctimas mortales les crece hierba en el cuerpo. El meteorito en realidad es una semilla espacial, y sólo es la minúscula parte de un enorme meteorito que está enterrado en el bosque. Los monstruos fuerzan a los habitantes a ingerir semillas para controlar su mente, y son utlizados para desenterrar el enorme meteorito, que contiene un millar de semillas espaciales. Sólo la luz ultravioleta puede anular la hipnosis y destruir a las criaturas. 25. El ataque de los tomates asesinos (Attack of the Killer Tomatoes) Dirigida por: John DeBello (1978 / 1988 / 1990 / 1991) No hacen falta presentaciones, ¿verdad? “El ataque de los tomates asesinos" es un icono de la cultura friki, una oda al cine trash. Hasta la canción de su tema principal ha sido acogida como un himno entre coprófilos del cine. John DeBello no imaginó en el 78 que esta atrocidad spoof se fuese a convertir en un título de culto, pero tampoco estaba dispuesto a dejar pasar su suerte. Las 3 secuelas se hicieron del tirón, pero por mucho que trató de repetir la fórmula e imitarse a sí mismo, el milagro no volvió a repetirse. “El regreso de los tomates asesinos", “Los tomates asesinos atacan de nuevo" y “Los tomates asesinos se comen Francia" buscan el mismo humor bizarro, casposo y descerebrado que su predecesora, pero demasiado forzado y artificial; carecen de su ingenuidad, su cutreza natural y el auténtico look retro. Ni siquiera son tomates naturales, en estas son peluches. Aún así la segunda parte suele recordarse por el detalle de ver a un jovencísimo George Clooney haciendo el ridículo, antes de que se convirtiese en un respetado sex-symbol superstar. La historia original narra la rebelión de un millar de tomates alterados genéticamente, unidos para aplastar a la humanidad. Sólo un esperpéntico grupo de élite puede hacerles frente, aunque la única forma de acabar con ellos es poniéndoles una nefasta canción llamada “Puberty Love" para que encojan de tamaño y puedan ser pisoteados. Las secuelas, esbozadas a groso modo, cuentan como una pareja de niños y su tomate mascota TF se entrometen una y otra vez en los planes del megalómano Dr. Gangrena y sus malvados tomates antropomórficos. Esta línea argumental fue reciclada en una serie de dibujos animados para TV con mejor calidad que las películas. La película original encontró su peculiar homenaje en la novela “El ataque de las patatas asesinas". 26. Fungicide (Fungicide) Dirigida por: Dave Wascavage (2005) Fungicide entra en el mismo saco que los Tomates Asesinos, pero en el extremo opuesto, una prueba de que este repaso no atiende a criterios de calidad o de popularidad, sino de contenido, y de que cualquier huerta que se precie necesita al menos un poco de fertilizante. David Wascavage firma esta pequeña gran boñiga, la quinta y peor desgracia de su filmografía (que ya es decir). ¿Qué pasa cuando tratas de hacer serie Z amateur con pretensiones a spoof movie y no hace ni p**** gracia? La respuesta es Fungicide. Como no podía faltar, otro mad doctor juega a experimentar con compuestos químicos en su casa, que por desgracia caen accidentalmente sobre champiñones, haciéndolos mutar en champiñones gigantes carnívoros que se dedican a matar personas, conducir coches o hacer el ninja. La película es una sucesión de gags chapuceros, rodados y montados con distinto aspect ratio para mayor cutrez, y con actores que no son tal cosa, sino familia del director. Lo más llamativo, sin duda, son los champiñones gigantes, a veces hechos con un CGI que dejan los FX de la productora Asylum a la altura de Industrias Light&Magic, y otras con gente embutida en disfraces de mercadillo que dan aún más pena. 27. Trees (Trees) Dirigida por: Michael Pleckaitis (2000 / 2004) Hazeville es una idílica ciudad circundada por bosques. Un lugar tranquilo donde vivir, lleno de gente sonriente y amable, hasta que empiezan a morir asesinados por un pino cabreado. Pleckaitis no se corta un pelo a la hora de plagiar/homenajear/parodiar “Tiburón" (Jaws), el clásico de Spielberg, incluso la cita textualmente al inicio, un gag copiado a su vez de “El Ataque de los Tomates Asesinos", que ya citaba de la misma forma a su propio clásico parodiado, “Los Pájaros" de Hitchcock. Sustituye el gran tiburón blanco por el gran pino blanco, un árbol monstruoso que acecha y asesina en primera persona (como Tiburón) a los campistas que han invadido su bosque. Y para combatirlo, sustituye al guardacostas de Tiburón por un guardabosque que incluso se parece físicamente al personaje interpretado por Roy Scheider. Por supuesto, también incluye rifirrafes con empresarios codiciosos que se niegan a cerrar el negocio aunque esté muriendo gente. 4 años después, Pleckaitis vuelve a la carga con más horrores arbóreos en la secuela “Trees 2: The Root of All Evil", recuperando al guardabosque Cody, que esta vez debe enfrentarse a una legión de abetos (digitales) asesinos que aterrorizan Hazeville por Navidad. 28. Eden Log (Eden Log) Dirigida por: Franck Vestiel (2007) Scifi/Horror moderno made in Francia, lo que debería bastar para entrever el conjunto. Experimental, claustrofóbica, oscura, sucia, minimalista, lenta y rallante. Una crítica sociopolítica embutida en una paranoia arty y gafapasta. Como de costumbre en este tipo de historias, el protagonista despierta amnésico en un entorno post-apocalíptico y hostil, sin saber siquiera su nombre, y se pasa todo el metraje persiguiendo dos necesidades, recuperar la memoria y salir con vida del lugar. Siendo el típico sujeto desvaído, pasivo y contemplativo, mudo para más inri, Tolbiac (nombre del personaje) recurre a la única forma de conseguir ambos objetivos a la vez, la exploración. Los paseos por el ruinoso subsuelo, recargado de maquinaria, escombros y raíces de árbol, incluyen grabaciones y proyecciones de memorias que poco a poco van desgranando lo ocurrido al personaje y al espectador. En este futuro distópico, Eden Log es una corporación que ofrece trabajo a los inmigrantes en el subsuelo, a cambio de la promesa de tener su “paraiso" en la superficie cuando terminen la tarea. Dicho trabajo consiste en extraer “renzo" (una savia energética) de un gigantesco árbol cuyas raíces se expanden descontroladamente bajo tierra. Según Eden Log el árbol es capaz de generar energía a toda una ciudad, pero es mentira, la ciudad de la superficie, donde sólo vive gente adinerada, obtiene la electricidad de los inmigrantes del subsuelo, que son asesinados y encerrados en cubos de cristal para absorberles toda su energía. Por si fuera poco, la planta se vuelve tóxica a medida que crecen sus raíces, y se defiende de las extracciones haciendo mutar a los trabajadores hasta convertirlos en monstruos canibales. En la superficie no saben nada de lo que ocurre en el subsuelo, y en vista del amotinamiento de varios trabajadores, Eden Log envía a sus “policías" para silenciarlos indefinidamente. Tolbiac riza el rizo de la trama con su revelación final. Al parecer es diferente a los demás, tiene la capacidad de revertir el efecto, es decir, revitalizar a las propias raíces, haciéndolas crecer hacia la superficie para que la ciudad pruebe su propia medicina. 29. Habitat (Habitat) Dirigida por: Rene Daalder (1997) En la línea de “Eden Log", aunque menos oscura y más volcada a la Ciencia Ficción, Habitat dibuja otra distopía donde nuestra especie ha vuelto a cargarse el ecosistema, y donde la solución vuelve a ser peor que la enfermedad. La capa de ozono está destruida, el mundo se ha convertido en un desierto, y a los humanos les cuesta demasiado adaptarse a las nuevas condiciones. Hank Symes, biólogo molecular y mad doctor de turno, está obsesionado con encontrar una solución al problema para salvar a la humanidad, aunque sea haciendo experimentos ilegales que ponen en peligro a su propia familia. Durante uno de estos experimentos, un accidente desintegra su cuerpo en moléculas. Lo milagroso es que Symes no muere, pasa a un estado superior de la materia, una nube etérea de partículas verdes con vida, consciencia e inteligencia, que se desvanece y reaparece a voluntad. Otro efecto secundario afecta a la propia casa del laboratorio, que se convierte en una extrañísima biosfera con vida propia, rebosante de frondosa y colorida vegetación. La casa acoge y transforma a aquellos que quieren fusionarse con ella, pero se defiende de los organismos hostiles que suponen una amenaza, dándoles una desagradable muerte. 30. Acacia (Akasia) Dirigida por: Ki-hyeong Park (2003) Adusta, surrealista y pausada, como todo el terror koreano de principios de siglo, Acacia aparca las trifulcas interespecie para explorar otro tipo de violencia psico-emocional más íntima y cercana, pero a la par mística y abstracta. Una paranoia. Es la historia de una pareja que al no poder concebir hijos decide adoptar uno. El niño, excesivamente callado y formal, parece más encariñado de una acacia del jardín que de sus padres; se queda junto al árbol día y noche sin mediar palabra, y la razón, como más adelante descubre el matrimonio en palabras del niño, es que esa acacia es su madre. Al margen de la rallada de propuesta, lo más llamativo es su despliegue de imaginería y simbolismo, quede o no claro su significado. 31. Semillas de destrucción (Seeds of Destruction) Dirigida por: Paul Ziller (2011) Paul Ziller tuvo un comienzo prometedor con el slasher “Pledge Night", pero terminó amoldándose a la ley de la oferta y la demanda, y ahora es todo un maestro del cine catastrófico barato para televisión, un Roland Emmerich versión “low cost". Así lo corroboran telefilms de sobremesa como “Terremoto de Hielo", “Collision Earth", “Ghost Storm", “Stonehenge Apocalypse" o “Tormenta Magnética", ideales para echar una cabezadita después del café. Con “Semillas de destrucción" Ziller insiste en destruir el mundo, usando esta vez raíces gigantes que arrasan por donde pasan. El Proyecto Alamut del Dr. Jeremy Frame tenía como fin crear plantas que pudiesen absorber la polución y convertirla en aire puro. Curiosamente las hojas de estas plantas también podían curar heridas, una propiedad que interesaba especialmente a la gente equivocada. La hecatombe se desata cuando un empleado de Frame roba varias de estas semillas, y caen accidentalmente en un entorno no controlado. Frame encontró estas semillas en una excavación de Turquía, las “semillas del Jardín del Edén", un mito de la Biblia. Adam y Eva, después de ser expulsados del Paraíso, robaron semillas para plantar un nuevo Jardín del Edén, pero se perdieron con el Diluvio Universal. Sus raíces crecen y se expanden descontroladamente, y son altamente destructivas. 32. El Incidente (The Happening) Dirigida por: M. Night Shyamalan (2008) Probablemente la cinta de ecoterror definitiva, y también una de las más infravaloradas. “El Efecto Verde", como resolvía su título provisional, destripa por etapas el fin de la humanidad a manos de la naturaleza. Ya no hablamos de flores, semillas, tomates o árboles en casos aislados, en esta masacre participan TODAS las plantas del mundo. El incidente comenzó a las 8:33 en Central Park (NY) y terminó sólo un día más tarde, dejando un balance de millones de víctimas mortales al Nordeste de EEUU. Los científicos hablan de una neurotoxina liberada por las plantas y transportada por el viento, capaz de desbloquear nuestro instinto de supervivencia. Los síntomas son alteraciones en el habla, desorientación, y finalmente suicidio. Existe la teoría de que este complot del reino vegetal responde a una venganza contra los hombres por la contaminación y el calentamiento global, pero los motivos reales siempre serán un misterio. 33. Living Hell (Organizm) Dirigida por: Richard Jefferies (2007) En 1958, el científico ruso Yevgeni Tarasov, que había desertado de la Unión Soviética, fue acogido por el Ejército de EEUU para desarrollar un arma biológica con la que eliminar enemigos a un coste mínimo. El experimento se basaba en la combinación de células vegetales y tejido animal, expuestas a diferentes niveles de radiación, voltaje y temperatura. Tarasov, que en el fondo era un megalómano misántropo, quería crear un organismo indestructible capaz de resistir ataques convencionales, químicos o nucleares, para aniquilar a la humanidad. Los repetidos fracasos le condujeron a la depresión y el cuasi abandono, hasta que descubrió que la clave estaba dentro de él y se inyectó la cepa en su propia sangre. Tarasov empezó a sufrir una cadena de mutaciones, sus células sanas fueron sustituidas por las malignas, y al final su cuerpo se transformó en un destructivo organismo vegetal en forma de raíces. El organismo quedó confinado en el Subnivel 3 de la base militar, absorbiendo materia orgánica y expandiéndose en la sombra gracias a su poder de autopolinización. Décadas más tarde, cuando las raíces consiguen salir de su confinamiento, no les supone esfuerzo masacrar a todos los militares que encuentran a su paso. Han crecido desmesuradamente, son imparables, y para más inri se alimentan de las armas del enemigo: fuego, electricidad, disparos, luz, etc. Sólo las células del hijo Tarasov son inmunes al organismo, y sólo esas células pueden destruirlo, pero para eso deben llegar al origen de la raíces, el cadáver de su padre. 34. Nick Carter, aquel loco, loco, detective (Adéla jeste nevecerela) Dirigida por: Oldrich Lipský (1977) Con sus carencias y sus virtudes, la literatura pulp siempre ha sido (y será) un filón de oro para los exploradores de fantasía. Incontables autores han aportado su granito de arena, unidos más o menos por el mismo patrón. El pulp detectivesco, una de las ramas más explotadas, partió de celebridades como Holmes o Poirot para crear su propia escuela de superdetectives, entre ellos Nick Carter, protagonista de numerosas historias. Esta que nos ocupa podría incluirse en el saco, de no ser una parodia; una parodia extraña, absurda y casposa, dicho sea, casi cartoon; las comedias checas son cuanto menos cuestionables, pero eso ya depende de gustos y el sentido del humor de cada uno. En esta nueva aventura, el famoso detective Nick Carter viaja a Praga para investigar el caso de un perro desaparecido. Un misterio de fácil resolución, se lo ha comido una planta carnívora llamada Adela. Adela es el último experimento del botánico loco Robert von Kratzmar. Una planta con sentimientos y decenas de ojos que crece cuando le tocan piezas de Mozart con violín. Von Kratzmar es el criminal más misterioso del siglo. Pasó un tiempo en la selva amazónica en compañía de indígenas, donde un chamán le enseñó la planta carnívora de la tribu. La planta fue perdiendo el apetito y enfermó, pero von Kratzmar la curó con un extracto hecho por él, y la tribu le nombró sucesor del chamán. Más tarde, en USA, von Kratzmar se convirtió en un peculiar ladrón que allanaba pisos altos trepando por habichuelas gigantes. En California se casó con la viuda del Rey de las Manzanas, y se hizo millonario vendiendo manzanas del tamaño de un barril. Poco después mató a su esposa de un manzanazo y heredó su fortuna. Con Adela, von Kratzmar pretende vengarse del profesor Albin Bocek por haberle suspendido un examen en la universidad. Para él fue una situación humillante y traumática. Además quiere casarse con la nieta de Bocek, Kvetuse Bockova, y matar también a Nick Carter, por haber desbaratado sus malvados planes en el pasado. 35. Semillas de Maldad (The Gardener) Dirigida por: James H. Kay (1975) Cerramos la lista con otro híbrido. Aunque gran parte del metraje parece un pastel romántico de Corin Tellado o Mónica McCarty, “Semillas de Maldad" destapa su lado turbio a partir del segundo acto, incluyendo muertes bizarras y un jardinero que ya no seduce tanto cuando saca a relucir sus verdaderas ramas. La nueva casa de Ellen abarca un enorme y exuberante jardín. Su antiguo jardinero, Carl, es recontratado por Ellen y su marido John, en principio para compartir la tarea con su propio jardinero, aunque a los pocos días éste se ve obligado a dimitir por una extraña enfermedad, tan extraña como la muerte de la antigua dueña de la casa. Carl es un jardinero peculiar. Se pasea por el jardín sin camiseta y desnudo por las noches, siempre hablando con las flores y colocándolas por toda la casa. Al principio todo marcha bien, el jardín crece y mejora a un ritmo antinatural, y Ellen es seducida por el guapo y misterioso jardinero, hasta que empiezan a morir miembros del personal y amigas suyas, y decide indagar en el pasado de Carl para acallar rumores sobre él. Al parecer todas las mujeres que habían contratado a Carl estaban muertas. La conexión del jardinero con las plantas es sobrenatural, florecen al instante, y espían cada rincón de la casa. El propio jardinero acaba revelándose como un hombre-árbol. PLUS: Treevenge (Treevenge) Dirigido por: Jason Eisener (2008) Como “Trees 2: The Root of All Evil", este simpático cortometraje canadiense vuelve a regalarnos abetos asesinos por Navidad, aunque mucho más sangrientos, y acompañados por la BSO de Holocausto Caníbal". La historia nos traslada a un idílico bosque nevado de Canadá, donde unos malvados leñadores arrasan un bosque de abetos que gritan, lloran y suplican (con subtítulos y ruiditos) sin poder detener la masacre. Los árboles de peor calidad son quemados en una pira, y los demás vendidos a familias como decoración navideña. El regocijo de sus propietarios no dura mucho, los árboles se vengan en Año Nuevo despedazándolos con sus ramas y adornos. Gore a go-go en los minutos finales. INVITADOS DE HONOR: Sería imperdonable cerrar el artículo sin mencionar tres clásicos del Terror que, a su manera y en su medida, han plantado su semilla en este subgénero. Las dos antologías de “Creepshow", basadas en relatos de Stephen King, incluyen segmentos de horror botánico. En la primera cinta, dirigida por George A. Romero en 1982, el relato “La solitaria muerte de Jordy Verill" cuenta como un redneck retrasado (interpretado por el propio King) encuentra un meteorito en su granja. Verill calcula que vendiéndolo podría ganar millones de dólares, pero al echarle agua se parte por la mitad, como sus ilusiones. La peor parte viene al tocar la superficie del meteorito. El cuerpo de Verill y toda su granja comienzan a cubrirse de hierba y musgo, hasta que no queda ni un resquicio de humanidad en él. En “Creepshow 2" no encontramos relatos sobre vegetales, pero sí una monstruosa planta carnívora en la historia que se desgrana por interludios en forma de dibujos animados. “Evil Dead" ya fue mencionada como guiño en el repaso de “El Bosque Maldito", pero eso no la excluye de merecer su propio espacio en este artículo. Los altercados entre Ash y las fuerzas del Mal son sobradamente conocidos. En las dos primeras películas (que son la misma en realidad) el Necronomicon hace surgir del bosque demonios, fantasmas, esqueletos y brujas, pero el propio bosque está hechizado. En “Evil Dead" presenciamos la bizarrísima violación de un árbol a una chica, pero Raimi va mucho más lejos en la secuela, y convierte a un árbol monstruoso en el demonio más poderoso de la película. Por último y no menos importante, ¿quién no recuerda la pesadillesca escena del árbol en “Poltergeist"? Ese árbol del jardín cuya forma intimida al pequeño Robbie, hasta que le da verdaderas razones para sentir miedo de él.

Bueno gente esto es solo una reflexion mia y una opinion, estaria bueno que comenten armando un debate pero un debate no una discusion, respetando tanto las opiniones del posteador como de los que comenten. Yo se que es largo pero intenten leerlo que fue escrito por mi y es para que todos opinen Soy estudiante de Cine y ultimamente me pregunto cual es el BUEN CINE, por que en Argentina, estamos inundados de Hollywood y muchas veces las personas que no estan especializadas en el cine se creen o piensan que es el unico cine, por ejemplo: El otro dia fui a alquilar una pelicula con un amigo e ironicamente le digo "alquilemos esta!" señalando la caja de AVATAR, el rio, pero un señor que estaba al lado me dice "alquilenla chicos, es muy buena esa!", asi que caigo en lo que hoy digo en este post, empezemos por Avatar. Avatar, de James Cameron, si, gasto 400000000000 de dolares, la fueron a ver 5000000000000 personas, esta en IMAX, en 3D, en DVD, en BLU RAY, en cines comunes, dura como 2 horas y pico, y ahora por si fuera poco, se REESTRENA con unos 10 minutos agregados (¬¬) pero.... ¿la historia? ¿los personajes interesantes? ¿los personajes? por mas que Avatar tenga sea la pelicula mas vista o la que mejores efectos tenga (que de esto, tengo muchisimas dudas) le falta historia, ya que la que tiene es sorprendentemente parecida a la antigua historia de la aborigen "Pocahontas" y no solo a esto sino tambien tiene detalles de la serie LOST, de JURASSIC PARK y de MATRIX, uno puede estar 10 años esperando a que la tecnologia avance, como hizo James Cameron con Avatar, para lograr lo que queria con su pelicula, pero, a mi parecer, estaria bueno en esos 10 años lograr una historia que nos atrape y OJO!!! no tiene por que ser algo muy raro, puede ser atractiva y comercial y a la vez tener una excelente historia, un ejemplo excelente de esto es la comedia romantica (500) Days of Summer que aparte de estar contada de una forma muy original, es atractiva y comercial y su historia identifica a mas de una persona, pero ustedes dira: "no se puede comparar esta pelicula con Avatar" ya que las dos aparte de distinto genero la busqueda de la experiencia visual es diferente, si, pero se podria haber hecho Avatar con una historia mas interesante o con personajes reales y no animados, al menos el principal, es como que le falto sentimiento, aparte obviamente de que si duraba 1 hora menos hubiese sido mas entretenida, a la gente le gusto pero por estar acostumbrada a holllywood y por que los que publicitaron la pelicula lo hicieron de una forma magnifica, no son ningunos boludos, ni ellos ni el director, pero, teniendo tanta plata, ¿por que no un poco de creatividad y originalidad a la hora de hacer el guion? bueno, por ahora dejemos el cine internacional de lado y veamos algo del propio. El mismo dia en el que fui a alquilar la pelicula con mi amigo paso otra cosa que quiero comentar, mientras mirabamos las estanterias de las peliculas entro un hombre a alquilar un estreno y pregunto "cual tenes nueva?" y el dueño le dice "esta, Carancho!" el hombre le contesta "uuuhh si me dijeron que esta buenisima!" entonces al ver la tapa se da cuenta que es Argentina y dice "aaahh es argentina, nooo no me gustan las Argentinas, me llevo esta!" y se llevo Prince of Persia. En este ejemplo que vivo, curiosamente podemos ver y resumir CASI todas las actitudes del espectador medio frente al cine nacional. Yo mismo tenia esa actitud pero cuando empeze a estudiar obviamente cambio al ver lo que realidad hay en este pais, el Cine Argentino tiene su propio estilo de hacer peliculas, desde mi parte Nueve Reinas y El Secreto de sus Ojos tienen el mismo estilo, igualmente esas son dos grandes monstruos Argentinos. Como en todos lados tambien hay gansadas que ni siquiera me voy a molestar en nombrar, pero aparte de las grandes producciones como las ya nombradas existen las "Producciones Independientes" y lo pongo entre comillas por que a medida que se pasa el tiempo estas producciones se va mejoran y su calidad no alcanza a la de los grandes pero estan a pasos. Farsa Producciones es un claro ejemplo de lo que les hablo, ellos ERAN (ya que ahora son un productora madura y con mucho talento, sin mencionar lo solicitados que son) unos chicos con una camara y muchisimas ideas y con un poco de ayudas conseguida por ellos mismos lograron muchisimo mas que solo hacer su primer pelicula (PLAGA ZOMBIE) sino que incentivar la produccion independiente sin importar los medios, Pablo Pares resume muy bien lo que les digo en un video: link: http://www.youtube.com/watch?v=dTazO1J2K_s Creo que resume bastante bien lo que digo, aparte de Farsa Producciones hay miles de miniproductoras haciendo Cine, tanto clasico, dramatico y/o fantastico como los de Farsa, es como un mini Hollywood de bajo presupuesto y de alta calidad, hay muchisimos talentos dando vueltas por ahi, asi que cuando haya una presentacion de cortos y/o peliculas independientes en el galpon a la vuelta de tu casa NO DUDES ni un segundo de que te vas a llevar una experiencia satisfactoria. Y saliendo de las producciones independientes y entrando en las grandes producciones, en Argentina, tambien podemos encontrar excelentes historias como por ejemplo PAJAROS VOLANDO con el genio de Diego Capusotto una comedia absurda excelente, muy graciosa, muy argentina, y con muchisimos personajes que te aseguro que todos y cada uno de ellos te hara reir, tambien hay drama como la aclamada EL SECRETO DE SUS OJOS, que no esta aca por que gano un Oscar, sino por que es una muy buena pelicula y peliculas de la historia del cine argentina podria nombrar a HOMBRE MIRANDO AL SUDESTE Una pelicula atrapante que no podes dejar de ver, la cual trae todo lo que uno no ve en los denominados "locos" en los hospitales, la cual tiempo despues fue plagiada por Hollywood con el nombre de K-PAX. Y por ultimo tambien queria hablar sobre el Cine de Hollywood, que pareciera que lo critico mucho pero realmente es el que mas veo, pero siempre tratando de encontrar peliculas que valgan realmente la pena como por ejemplo EL SEXTO SENTIDO o RESCATANDO AL SOLDADO RYAN, o por ejemplo una mas contemporanea, el drama de Peter Jackson, THE LOVELY BONES o si querian accion tiros y explosiones tambien podemos encontrar buenas peliculas con buenas tramas y buenos directores/as como THE HURT LOCKER que tiene 6 Oscars bien merecidos, el problema que quiero tratar es el FAN BOY, y las peliculas y los millones derrochados para ese tipo de publico, podemos decir que los millones derrochados en DRAGON BALL: EVOLUTION fueron derrochados al vicio y lo mismo pasa con los "reinicios" o los "regresos", SUPERMAN RETURNS o la que esta por salir SPIDERMAN: EL REINICIO, son peliculas hechas para los denominados FAN BOYS que lo que quieren ver es a Spiderman llendo a la secundaria y teniendo problemas con matones o a vampiros emo enamorados, otro punto a destacar son las peliculas aqui en Taringa! la cual esta llena de FAN BOYS que apenas sale un poster de NARNIA 4 ya crean un post, lamentablemente ahora lo que gana es hacer peliculas para ese publico y lamentablemente esas peliculas son de baja calidad y no tecnicamente sino narrativamente carecen de todo, luego de haber visto CREPUSCULO puedo decir que el nuevo cine fantastico esta apuntado a los FAN BOYS. Tambien nos estamos encontrando con cosas muy buenas en el cine de hollywood como THE WALKING DEAD la serie basada en el comic y que no hay que perder las esperanzas para los que nos gusta este tipo de cine fantastico. Y para terminar quiero decir que una experiencia que tuve muy util fue experimentar una amplia gama de tipos de cine, como por ejemplo, el Argentin, el Oriental, el Norteamericano, el Europeo, etc. y ahi uno decidir cual es el tipo de cine al que le va a llamar BUEN CINE, para mi AKIRA KUROSAWA es un director de la puta madre pero STEVEN SPIELBERG para mi tambien lo es, estar entre medio de todos los gusto es muy bueno ya que te nutris de todos los tipos de cine, sin mas que decir les digo que busquen ver buen cine, con argumentos interesantes y narraciones originales y no solo efectos visuales y cosas impresionantes, a veces uno encuentra lo bueno donde menos se lo esperaba Bueno yo que se que me queda mucho por decir del cine viejo, Spaghetti western, en inicio de los zombies con George Romero y sobre Hitchcock pero lo hare en un futuro post, lo aclaro para que no piensen que no tuve en cuenta esa parte del cine. Espero no haber ofendido a nadie y que sepan respetar mis opiniones como yo voy a saber respetar las de ustedes. El BARDO va a ser borrado, la critica constructiva y el debate no. Encore_51