leaisdead

Frank Kozik Dibujar para no trabajar. Frank Kozik, artista gráfico que ha trabajado con Nirvana , Pearl Jam , Stone Temple Pilots , los Red Hot Chili Peppers , The Melvins , The Offspring y Butthole Surfers .Kozik es ademas, el director Man's Ruin Records, un medio de comunicación, discográfica y editorial, y ha publicado varios libros incluyendo Man's Ruin: Posters and Art by Frank Kozik y Desperate Measures Empty Pleasures. Kozik es denominado como "el pibe de los mejores posters del rock", y se entrevistó en la revista Rolling Stone . Portada de Man`s Ruin Portada de Desperate Measures Empty Pleasures Cualquiera que haya tenido una banda durante los '90, sabe que en aquel entonces las cosas se hacían de manera muy distinta a como se hacen ahora. Mientras que hoy cualquier banda crea un evento en Facebook, arma un flyer con el Corel o Photoshop y sube sus canciones grabadas con la PC a Internet, antes la movida era más artesanal, y era normal ver a los miembros de los grupos repartir volantes a la entrada/salida de los shows (armados y dibujados a mano, por supuesto) y distribuir los demos o álbumes en casete y, al final de la década, en CD. Frank Kozik era uno de los tantos que -como cualquier otro- se entretenía dibujando flyers, posters y tapas de discos. La principal diferencia fue que él lo hizo para bandas como Soundgarden, Pearl Jam, Red Hot Chili Peppers, Stone Temple Pilots, Jane's Addiction, Offspring, Melvins, Nirvana y Beastie Boys. Aunque Kozik suene balcánico, nació en España, y de chico se mudó a Estados Unidos. En los '80 se supo meter en el ambiente del rock, que en aquel entonces comenzaba a experimentar el revival punk que derivaría en el grunge. Además de su trabajo como artista, dirigió clips para Soundgarden y fundó el sello Man's Ruin Records, con el que editó los primeros discos de bandas como Kyuss, Queens of the Stone Age, Melvins, Turbonegro, The Hellacopters y los argentinos Natas. En la actualidad, Kozik combina su fanatismo por los juguetes con el street art, el pop art, el rock y su lectura política, que resulta en unos chiches irresistibles, anárquicos y tentadores. Kozik mostrará algo de lo suyo en el Puma Urban Art, el 28 y 29 de mayo en el Centro Cultural Recoleta. "También voy a salir de noche por ahí, y comer, cosas que sé hacer muy bien", dice. Serie de púas diseñadas por Kozik. Entrevista con Rolling Stone Lo que empezó como un hobby se transformó en tu trabajo hasta hoy. ¿Cuándo te diste cuenta de que podías hacer plata con eso? Creo que la primera vez que el dueño de un club me dio 20 dólares para que haga un afiche de un show, me hizo pensar que era mejor ganar 20 dólares así que en una obra en construcción. No es difícil imaginarte como un fanático de los juguetes. ¿Cómo fue tu infancia? ¿Tuviste muchos? Mi infancia fue... distinta a la del resto. Fue tan compleja que necesitaría mil páginas de una novela psico-dramática para explicarla. Digamos que me alegro que haya quedado en el pasado. No tenía tantos juguetes, lo normal, nada extraordinario. Pero sí definitivamente soy un fanático de los juguetes y muñecos. Los colecciono desde hace 30 años: tengo viejos, de plomo, japoneses, y muchos más. Hace 12 años, Man's Ruin publicó Ciudad de Brahman, de Natas. Lo curioso es que, en 1999, Natas no era una banda muy conocida en la Argentina. ¿Por qué los elegiste? Recuerdo que me gustó mucho el demo que me enviaron, realmente. Y lo mejor fue que era gente muy profesional y con la que fue muy fácil trabajar. El resultado fue excelente. En 2002 el selló cerró. ¿Qué fue lo que pasó y porqué te retiraste del negocio de la música? Me quemó la cabeza, me cansó y me aburrió. Es un negocio muy complicado y lo fue más todavía durante la crisis que empezó a sufrir la industria en 2001. La verdad es que ahora no tengo idea de cómo está todo, no estoy muy metido en eso. De vez en cuando voy a ver alguna banda que le gusta a mi mujer, pero eso es todo. Lo único que hago es escuchar viejos discos de heavy, black metal y grindcore. Lo que más extraño de aquellos tiempos es el pelo que tenía, nada más. Posters made in Kozik Juguetes made in Kozik Bien gente, hasta aqui este post. Para mas post de este calibre pasen por mi perfil. Espero que les haya gustado Hasta la proxima! Comentar es salud.

Buenas gente, como les va, en el dia de hoy les dejo este video donde Andrew Ainsworth (el creador original de los cascos para la saga Star Wars)nos deja un instructivo sobre como crear nuestro propio casco de soldado clon.Personalmente ya lo vi, es un quilombo, y se necesitan algunas cosas que si bien las podemos suplantar no se si el resultado seria el mismo.(Este es el encargado de este tutorial)En fin los materiales son:Plastilina... mucha plastilina.EspatulasPolvo de metal, aluminio y filliteHilos de fibra de vidrioPulidoraPegamento PVCViniloGuantes, lijas, tornillos y demas cosas que podemos tener en nuestra caja de herramientas...Y obviamente una mascara para no terminar drogados...Y finalmente el video para seguir paso a paso...link: http://www.youtube.com/watch?v=09CmSZVBIj0Resultado final...Bien locos, este fue el tema del dia, espero que les haya gustado, y a ver quien lo hace!!!Para mas post de este calibre denle click a las chicas de Faster Pussycat KILL! KILL! KILL!Hasta la Próxima!!!

Cine de control total.Futuros perfectamente imperfectos.El cine, desde su primer film, ha fantaseado con el futuro, en Viaje a la Luna (Le Voyage dans la Lune - 1902), Georges Méliès da una visión del futuro, que tal vez hoy en nuestros tiempos, nos parece infantil e inocente, pero seguramente en aquella Francia de principio del siglo XX, donde las artes estaban en expansión, a lo mismo que las economías, junto a un continuo estado de liberación de los estados, era el futuro que se “esperaba”. Pero con el paso de las guerras, las crisis económicas, los avances tecnológicos, la carrera espacial transmutada a guerra armamentística y el continuo miedo de una interminable catástrofe mundial se comenzó a dibujar un nuevo futuro.En fin, en un punto la humanidad construyo su futuro en diferentes Utopías que luego con el paso del tiempo se transformaron en Distopias.Esos nuevos futuros, que desde la década de los 70s se comienzan a representar en el séptimo arte y demas estilos de arte, dan como base para ese perfecto control de las sociedades una unión de tres soportes básicos y necesarios, variables entre ellos en cuanto su lugar de privilegio, pero que confluyen hacia un único fin. Estas tres variables no son otras que la Tecnología, las Instituciones y el Miedo. Todos estas ficciones prevén una dictadura, un estado totalitario, una supresión de las libertades de los hombres y mujeres. ¿Pero de que maneras se proponen este quite de libertades?En el film Fahrenheit 451 (François Truffaut – 1966) la idea es simple, lo que propone para llegar a un estado de plena felicidad es no pensar, ¿como?, a partir de un estado que condiciona el acceso a la información a la población, sirviéndole todas las variantes para que la persona se sumerja en un mundo sin preocupaciones ni obligaciones.Las instituciones, en vez de proporcionar libertades y derechos se presentan como un regulador insaciable de estos. Tanto el film como la novela en la que está basada (Ray Bradbury – 1953), muestran como principal enemigo la palabra escrita, portadora del pasado y presente, y de ideales que no son positivos para lograr un estado pleno del ser humano. En un mismo plano se encuentra 1984, la cual ha tenido adaptaciones y versiones fieles de la novela de George Orwell (1949), pero en la cual todas confluyen también en un estado formado por instituciones que proporcionan las herramientas de censura y corrección constante del pasado y presente. Tal vez este aspecto de todos por los que transcurre la novela es la que se presenta con más fuerza en el film de 1984 escrito y dirigido por Michel Radford.Pero hay un punto de control, que se presenta con mucha fuerza dentro de la novela de Orwell que no se presenta de tal manera en su adaptación cinematográfica, que se trata de la supresión del lenguaje, un intento de reducción de las posibilidades expresivas que propone ese estado controlado por el Gran Hermano, que en su tesis proporcionara una nueva forma de creación cognitiva controlada y sin posibilidad de fugas ni subversiones.Este punto desde mi lectura de la novela ha sido el que mas me ha fascinado, ya que es tal vez el que se presenta en nuestra realidad social actual.Otro punto clave en la novela es también el sistema riguroso de educación, donde los pequeños y jóvenes son educados con conceptos de espionaje y reconocimiento de ideas que atentan con el régimen.En films más modernos como Equilibrium (Kurt Wimmer – 2002) también se puede leer como las corporaciones (aquí farmacológicas), son participes necesarios, o incluso más importantes que la persona en la cual cae la responsabilidad del “poder”, estas nociones de las corporaciones como parte de los estados son conceptos mas actuales que se presentan a partir de mediados de los 80s y finales de la década cuando cae la Unión Soviética y el sistema capitalista se transforma en el sistema único económico seguido de la globalizacion de las comunicaciones. Cerrando este parte, se puede decir, que el estado propone sociedades "felices", despojándoles de su propia racionalidad. Las entidades gubernamentales son entes regulatorios encargados de espiar, perseguir, y eliminar todo tipo de amenazas al bien común. El final feliz o no para los anti héroes de estas historias nombradas hasta aquí es diferente entre si. La mayor parte de los filmes que proponen este estado regulador son adaptaciones de novelas literarias de la primer mitad del siglo.Pero no todos los filmes ponen en lugar clave para el control el perfeccionamiento de las instituciones como gran regulador. Existen filmes donde la tecnología aparece como el principal eje para mantener el orden social. Las tecnologías, en algunos casos están puestas al servicio de los entes reguladores para suprimir las voluntades sociales, como ocurre en 1984, Fahrenheit 451, o la clásica Metrópolis.Pero hay historias donde estas cobran vida propia, y se convierten en déspotas con conciencia propia y sentido de la ley y la moral.Matrix (Larry y Andy Wachowski - 1999) es un ejemplo claro de ello, la tecnología se convierte en un “ser” independiente, un software que ha apresado a los humanos en una suerte de realidad virtual en el cual realizan sus vidas dentro de una sociedad pasada creada por consenso entre todos los habitantes, mientras su cuerpo humano se encuentran en un estado de sueño conectados en linea a un servidor.Similar es el futuro propuesto por la saga Terminator (James Cameron – 1984), donde un Software llamado Skynet ha tomado control de todos los medios de la tierra y propone la aniquilación del hombre.Inclusive Stanley Kubrick en 2001: A Space Odyssey (1969) muestra a la inteligencia artificial como un dictador por medio de HAL 9000, quien responde a su propio analizáis de los hechos y toma decisiones por cuanta propia por sobre las directivas humanas. 2001, propone un panóptico por el cual el ojo de HAL todo lo ve, y regula las acciones de los tripulantes de la nave. HAL responde a una orden superior por lo cual debe evitar poner en riesgo su misión a costo de cualquier cosa.Pero el film realmente novedoso en este tipo es THX - 1138 (George Lucas - 1969). Aquí las instituciones han sido conquistadas por los medios tecnológicos. El estado se convierte a sí mismo en una religión, personificada por Om, un cubículo electrónico que posee dentro una pintura de Jesús, que actúa de confesor y sirve de utilidad para controlar mejor a la población. Las fuerzas de represión, también son maquinas en servicio del orden social, que responden a un código mayor. Esto, sumado a un riguroso método de supresión de los sentimientos a partir de medicamentos, se lee así un gran manejo de las corporaciones farmacológicas dentro de la sociedad.Por otro lado en esta película la economía es otro de los aspectos de control, los humanos están “condenados” a una vida de producción y consumo sin fin, algo que se une con el punto anterior, las corporaciones mandan, los hombre aquí son piezas motoras al mejor estilo “Tiempos modernos” de Chaplin, y la única existencia se sustrae a la física y sensitiva. En fin, las tecnologías pueden ser puestas al servicio de las instituciones, caso que generalmente propone la literatura, Pero también puede ser ella misma quien ocupe ese lugar institucional y se encargue de regir el destino de los humanos, este segundo aspecto en la historias de ficción que aparecen en los filmes es propia y novedad del cine, pero no exclusiva, ya que los cómics y demás han tomado también esto para construir sus relatos.Pero hay un elemento que se mueve independientemente por arriba y debajo de estas dos variantes, El Miedo.El Miedo es un elemento de control que ha sobrepasado las ficciones, es tal vez, de todas estas variantes, la más real, la que más se ha presentado dentro de la historia de la humanidad. El miedo perpetúa presidentes y dictadores. El miedo es legitimado inclusive, no solo en la ficción, si no también en la realidad.En el cine y también la literatura al miedo se lo ha personificado, como Sauron en la saga de El Señor de los Anillos de J. R. R Tolkien, Darth Veder en la saga Star Wars (George Lucas – 1978). Inclusive la saga de Harry Potter utiliza el miedo como fuente de poder del villano Lord Voldemor. Así el miedo es representado en déspotas (algo que digamos se forma a partir de nuestra realidad histórica), que con el uso de su propia fuerza ponen bajo régimen a los pueblos (en sus respectivas ficciones). Pero esta representación del miedo en alguien de carne y hueso da siempre como resultado una esperanza al resto, digamos, la posibilidad de destruir o matar al portador de ese poder siempre deja una posibilidad de victoria y liberación.Pero hay una representación del miedo que pocos han sabido utilizar verdaderamente bien. Esa representación se da a través de la generación de un sentimiento que atraviesa las sociedades, un sentimiento que regula el comportamiento de las personas, un miedo hacia algo o alguien que puede existir o no, tener poder real o no. En este sentido, es tal vez la mejor representación del panóptico que propone Foulcault, que en si y a grandes rasgos dice que el ser humano tiene en si una autoregulacion de su comportamiento a partir de aceptar y saberse controlado y vigilado.Este tipo de representación se ve mas difícil de vencer. Ya que para la superación sobre este sentimiento se debe generar otro sentimiento mas fuerte, mas emotivo, incluso para vencer este miedo aveces es necesario generar un miedo mayor.Ejemplo de ello se presenta en el film Watchmen (Zack Snyder - 2009), donde para evitar una eminente guerra nuclear entre la U.R.S.S y U.S.A se crea una nueva amenaza mas fuerte que la anterior, la cual recae sobre el Dr. Manhattan, un arma nuclear andante. Este plan elaborado por Ozymandias sale a la perfección, Manhattan se convierte en el enemigo publico numero uno y Soviéticos y Norteamericanos se unen para defenderse de el. Pero sobre este film, también es ese mismo uso del miedo el que en la ficción ha logrado mantener en el poder durante tres mandatos a Nixon, quien mantiene a la población norteamericana en estado de terror constante y el ocupa el lugar de único capaz de mantener la paz a base de poder militar y de la ya nombrada arma nuclear andante.Ejemplo de este tipo de poder es el que propone V for Vendetta (James McTeigue - 2006), la sociedad es controlada por el gran hermano quien no es mas que un rostro que las corporaciones ponen como representante del poder mientras son los dueños de estas corporaciones quienes regulan a la sociedad. Aqui tambien aparece un nuevo factor que son los medios de comunicacion, los cuales son los voceros del poder y el canal por el cual el sentimiento se transporta dentro de la sociedad. V el heroe de esta ficcion tiene la dificil tarea de levantar a la sociedad dormida y atemorizada. Caso contrario a Watchmen, V, se propone despertar un sentimiento positivo y pone su rostro como icono de ese despertar. Para cerrar, El Miedo es variable como herramienta de poder, se dispara de manera disfrazada sobre la sociedad. Puede ser personificado sobre una persona o presentarse de manera de sentimiento que atraviesa la sociedad. Es tal vez dentro de las modalidades de control en las distopias la mas dificil de vencer. Para mantener ese sentimiento dentro de la sociedad es vital el uso de diferentes medios de comunicacion como voceros del estado.Contenido ExtraVocabulario ClaveDistopiaPanopticoUtopiaDistopias en Obras CulturalesEste articulo fue escrito por mi, originalmente fue escrito para el blog La Cuarta Pared, en dicho blog hasta la fecha solo fue posteada la primer parte de tres previstas.En este post aqui en T! encontraran las tres partes en esta única entrega.Espero que les haya resultado mas que interesante el tema en cuestión.Dejo como certificacion de que el escrito es propio el link al posteo en el blogLa Cuarta Pared Para mas post sobre el septimo arte visiten mi perfil.Info, novedades, reseñas, y demas cosas del septimo arte pasen por...○ ● ● ● COMUNIDAD CINÉFILA ● ● ● ○Espero que les haya gustado este aporte, llevo mucho tiempo el armado del post, sumado a toda la búsqueda de info e investigación para el armado del articulo.Seguramente hay muchas peliculas que habran quedado fuera del articulo, pero la idea era ejemplificar los casos presentados.Espero sus comentarios y opiniones.Muchas gracias por pasar, hasta la próxima!

Hola gente de T!, durante toda esta semana estuvimos viendo aquí muchos post donde mostraban a Superman haciendo un monologo sobre porque dejaba de ser un ciudadano Norte Americano, hoy encontré un articulo que da a entender y pone un poco mas de información sobre el porque, y nos devela el dato de que algo parecido había ocurrido varias décadas atrás con el Capitán América. El articulo salio en Pagina/12 y fue escrito por Sandra Ruso Esta semana, los lectores de este diario nos enteramos a través de Ariel Dorfman de un curioso dato de contexto en relación con el asesinato de Bin Laden y el emisor excluyente del mensaje sobre esa muerte, el presidente Barak Obama. Obama es, a la manera norteamericana, el Billy Cristal del espectáculo de la muerte de Osama. Y en esa línea, la muerte de Osama estuvo doblemente destinada a terminar con su vida y a ser exhibida como un espectáculo de poderío y don de mando. La Fox ahora elogia a Obama. El dato que aportó Dorfman, un escritor históricamente atento a los correlatos de la política y la cultura de masas, es que unos días antes, en la revista Action Comics, donde sale ahora, Superman había renunciado a su ciudadanía norteamericana. Ahora bien: ¿cómo leer eso tan drástico? Algo así, tan grave, no pasaba desde los ’70. Fue entonces que el Capitán América hizo lo propio cuando el Watergate era inminente. El Watergate fue una humillación “a lo norteamericano”, no porque fuera la primera ni la última vez que “lo norteamericano” se desviaba hacia lo políticamente delictivo, sino porque sí fue la primera vez que la prensa hacía visible lo invisible. La renuncia del Capitán América puso en suspenso valores que tenían que ser reconstruidos. Los norteamericanos, que son raros y tienen pasión por las armas, se comunican a sí mismos rasgos importantes de su idiosincrasia a través de sus superhéroes, que no necesitan armas porque tienen poderes. Son, así, irresistibles: funcionan como el alter ego de millones de personas que se sienten los verdaderos ciudadanos de primera clase del mundo, y que por alguna razón creen que sus vidas son más valiosas que las de otros seres que viven más allá de sus fronteras, en los reinos bárbaros. El Capitán América no tenía poderes tan especiales como Superman, pero su fuerza era tan arrolladora que ganaba todas las batallas. Fue contemporáneo de Superman, pero tuvo un origen más rastrero y explosivo: fue en principio un superhéroe creado como propaganda para las tropas de la Segunda Guerra, y encarnaba los valores que los norteamericanos reclamaban para sí: los democráticos, el american way de la democracia, que debe ser como la de ellos, bipartidista y tan garantista del establishment que el primer presidente negro de su historia, demócrata, Nobel de la Paz si fuera poco, termina caracterizando un asesinato como “un acto de justicia”, y proclamando un mundo más seguro, que paradójicamente ahora espera un próximo atentado y su nueva guerra. De cómic. El Capitán América había nacido en la Gran Depresión, en Ohio, y llegó a sus veinte cuando Estados Unidos estaba por declararle la guerra a Alemania. Su enemigo era Hitler, el mismo enemigo del neoliberalismo en sus orígenes. En esa polaridad de hace más de medio siglo –la democracia liberal norteamericana versus los regímenes totalitarios europeos– se forjó la personalidad del Capitán América, y es desde esa polaridad de la que todavía los norteamericanos y las derechas portadoras de ese relato quieren hablarnos a los latinoamericanos, dándonos sus definiciones sobre la libertad de expresión –equiparándola con la libertad de mercado– o explicándonos qué debemos hacer con nuestras economías, justo cuando la de ellos tambalea y por aquí logramos reponernos del desastre al que nos indujeron, no sin succionarnos. Superman venía de Kripton, pero se había convertido en un hipernorteamericano, nada menos que periodista, un oficio vinculado con la búsqueda de la verdad. El Capitán América era un perfecto mortal y encima un alfeñique, quiso ser soldado y no lo aceptaron. Pero lo vieron tan interesado en combatir al enemigo que le propusieron integrarlo al protocolo de un experimento: le suministraron unas drogas para convertirlo en un Super Soldado, y eso fue. Su cuerpo quedó desproporcionado, pero con todos los atributos de su fuerza extraordinaria a la vista. Era un flor de patovica al servicio de la libertad. Tenía alitas con forma de cuerno en su cabeza, y un escudo con una enorme letra “A”, de América. Desde entonces, los norteamericanos se llamaron a sí mismos americanos, en un notable exceso semántico. Con el fin de la guerra llegó la decadencia del Capitán América, aunque unos años después intentaron reflotarlo para que cazara comunistas. No pudieron reconvertirlo con éxito, porque para esa lucha ya no se necesitaban soldados, sino agentes de la CIA. No obstante, siguió su vida en cómics, y en los ’70 el Capitán América renunció a su nacionalidad, y anunció que de ahí en más lucharía tanto por la libertad como por la igualdad. Murió poco después. A principios de mayo, por su parte, Superman anunció que renunciaba a su ciudadanía, harto de que sus apariciones sean tomadas como “acciones de la política norteamericana”. Recientemente, a Superman se le había ocurrido volar hasta Teherán para integrarse a una manifestación pro democrática, y recibió una lluvia de críticas por eso: lo acusaron de intervencionista y de injerencia en un país extranjero, tal como ahora el gobierno paquistaní acusa al norteamericano. La hostilidad de los iraníes contra Superman fue de temer: pasó 24 horas de pie e inmóvil, mientras los manifestantes de un lado (los oficialistas) le tiraban bombas molotov, lo escupían y lo insultaban, y los simpatizantes lo ovacionaban. Superman reaccionó advirtiendo que el mundo ya no es lo que era, que está globalizado, y afirmó que “la verdad y la justicia y los valores norteamericanos ya no son suficientes, porque el mundo es demasiado pequeño y está muy conectado”. Renunció a la ciudadanía, esta vez no por humillación, como la del viejo Capitán América, sino por ansias de hacer justicia en todo el mundo sin que le reclamen nada. Lo norteamericano, que ya era “americano”, ahora va por lo global. Continuará, seguro. Bien gente, hasta aquí este post, espero que les haya gustado. Para otros post sobre el séptimo arte les dejo el enlace a mi perfil. Hasta la Proxima!

Buenas gente de T!, este es otro post sobre el septimo arte, en este caso, la ciencia y el cine.Es muy interesante esta nota que fue publicada en el suplemento Futuro de Pagina/12, escrita por Claudio Sanchez, donde se dan ejemplos de como ciertas cuestiones científicas son significativas en las tramas, y como pueden formar realidades al respecto. Basta de intro, los dejo con el postAunque no se propongan como un estricto espacio de divulgación, el cine y sus películas influyen férreamente en la construcción de la imagen que una sociedad se hace de la ciencia y de sus investigadores, un hecho nada despreciable que despierta varios interrogantes: ¿que se trate de ficción disculpa la habitual invención, tergiversación o deformación de conceptos? ¿Por qué los científicos son retratados siempre como locos, despistados y sin vida social? ¿Se puede enseñar física, biología y geología a partir de los errores o lo único que queda es resignarse?2001: Space Oddity2001: Space Oddity y la física espacialdijo:No se supone que uno vaya al cine a aprender ciencia. Sin embargo, son muchos los casos en los que una película plantea alguna cuestión científica interesante. Por ejemplo, en una famosa escena de 2001: odisea del espacio el protagonista debe regresar a su nave espacial sin su escafandra. De alguna forma logra hacerlo, a pesar de permanecer unos pocos segundos en el espacio exterior, sin protección. Muchos piensan que eso es imposible. Que en el vacío del espacio el cuerpo estallaría como un globo o que los ojos saltarían de sus órbitas. El principal peligro que amenaza a un astronauta en esas condiciones es que los gases disueltos en la sangre y en los fluidos internos comenzaran a burbujear produciendo serias lesiones internas que lo matarían en pocos segundos. La escena de 2001 quizás esté en el límite de lo admisible. Sin embargo, la resistencia del cuerpo es suficiente como para que no estalle. Esto pudo comprobarse en 1971, cuando fallaron los dispositivos de presurización de la nave soviética Soyuz. Los astronautas murieron por falta de oxígeno pero sus cuerpos no estallaron y sus ojos no saltaron de sus órbitas.Superman IIISuperman y la espectrografíadijo:En Superman III el villano, interpretado por Richard Pryor, trata de envenenar al hombre de acero con kriptonita fabricada artificialmente. Un error en la fórmula (reemplazando un ingrediente no identificado por alquitrán de tabaco) hace que Superman no muera sino que se vuelva malvado. Hay que ver la película para enterarse de los detalles. Pero lo interesante es cómo hace el villano para encontrar la fórmula de la kriptonita: programa un satélite para que dispare un rayo sobre un fragmento del planeta Kriptón y, analizando el destello que hace el fragmento al estallar, una computadora descubre la fórmula.dijo:Lo que hace la computadora se llama análisis espectral y se basa en el hecho de que la luz que emite una sustancia al ser llevada a la incandescencia depende de su composición química. De los elementos que la forman. A cada elemento le corresponde un color, o conjunto de colores que le son propios y únicos, como una huella digital: no hay dos elementos con los mismos colores. De modo que, analizando los colores que emite una sustancia desconocida, se puede saber cuáles son los elementos que la forman. La espectrografía fue desarrollada a principios del siglo XIX por el físico alemán Joseph Fraunhofer, inventor de la red de difracción, un dispositivo que, a semejanza de un prisma, separa un haz de luz en los colores que la componen. Sin embargo, el fenómeno no se comprendió totalmente hasta 1913, cuando el físico danés Niels Bohr desarrolló un modelo atómico que daba cuenta de las propiedades de los espectros atómicos.dijo:La espectrografía refutó una célebre afirmación del filósofo francés Augusto Comte que, a mediados del siglo XIX, dijo que “hay cosas que están, y siempre estarán, fuera del alcance de nuestro conocimiento”. Ponía como ejemplo la composición de las estrellas: nunca sabremos de qué están hechas las estrellas porque están tan lejos que nunca nadie podrá ir a una y traer una muestra para analizarla. Y sin embargo, en 1868 el francés Pierre Janssen y el inglés Norman Lockyer analizaron el espectro de la luz solar durante un eclipse y encontraron líneas que no correspondían a ningún elemento conocido. Dedujeron correctamente que se encontraban ante un nuevo elemento y lo bautizaron helio, por el dios griego que representaba al sol: Helios. Fue la primera sustancia descubierta en el espacio antes que en la Tierra. Más tarde, en 1895, el helio fue efectivamente encontrado en nuestro planeta. Comte había muerto en 1857.El SantoEl Santo y la fusion friadijo:En la película El Santo, con Val Kilmer en el papel de Simón Templar, el protagonista es contratado por un magnate ruso para robar la fórmula de la “fusión fría”. Se trata de una técnica que permitiría obtener energía abundante a muy bajo costo, sacando a Rusia de una grave crisis. ¿Es esto de la fusión fría una fantasía del guionista? Hasta donde se sabe, sí... y no. Ocurre que la fusión es una reacción nuclear que tiene lugar cuando dos núcleos livianos se unen para formar uno mayor. Es lo contrario de la fisión, donde un núcleo pesado se divide en dos o más núcleos más livianos, como ocurre en una central nuclear o cuando estalla una bomba atómica. Las reacciones de fusión liberan muchísima energía y son las que hacen funcionar al Sol y a las demás estrellas. El problema es que se producen a temperaturas muy altas, de millones de grados. Eso es tan caliente que no hay recipiente capaz de contener el material en fusión sin quemarse, derretirse o evaporarse. Eso no es problema para el Sol o para una bomba. Pero si hablamos de construir un generador de energía alimentado por fusión, las altas temperaturas en juego presentan dificultades, hasta ahora, insalvables.dijo:Eso explica el revuelo que se produjo en 1989 cuando los químicos Martin Fleischmann y Stanley Pons, de la Universidad de Utah, anunciaron en una conferencia de prensa que habían producido reacciones de fusión, con la consiguiente liberación de energía, a temperatura ambiente: la fusión fría. Como en El Santo, el descubrimiento de Fleischmann y Pons permitiría producir energía abundante a muy bajo costo, resolviendo para siempre la escasez de energía en el mundo. Cuando se publicaron los detalles del experimento, laboratorios de todo el mundo trataron de reproducirlo. Es decir, de repetirlo y obtener los mismos resultados. Pero no pudieron. En ningún caso se liberaron cantidades apreciables de energía ni aparecieron indicios de que se estuviera produciendo una reacción de fusión. A raíz de esto, Fleischmann y Pons decidieron retirar su comunicación y no volvieron a hablar del asunto. No se sabe si quisieron engañar al mundo o si, simplemente, se equivocaron. Desde entonces, cada tanto aparece algún trabajo relacionado con el tema. Pero, por el momento, la fusión fría es una fantasía.El Gran TrucoEl Gran Truco y Nikola Tesladijo:En El gran truco, dos magos rivales realizan el mismo acto, un truco de teletransportación: el mago desaparece por una puerta, en un extremo del escenario, y reaparece inmediatamente por el otro, a varios metros de distancia. Cada mago emplea una técnica diferente y conspira para descubrir la de su rival. Uno de los magos recurre a la ayuda de un inventor llamado Nikola Tesla (interpretado ni más ni menos que por David Bowie), que, supuestamente, habría inventado una máquina capaz de desmaterializar las personas y las cosas con ayuda de la electricidad. Lo interesante es que Tesla existió. Fue el que desarrolló las máquinas de corriente alterna (motores y generadores) que hicieron posibles las aplicaciones domésticas e industriales de la electricidad. Por ello se lo llamó “el hombre que inventó el siglo XX”. Protagonizó una famosa polémica con Thomas Edison, que era partidario de la corriente continua.dijo:Aunque no se sabe que haya intentado desarrollar una máquina de teletransporte, Tesla era efectivamente un hombre excéntrico y con gusto por lo espectacular. Una de sus excentricidades fue su nacionalidad. Nació en Smiljan, en la actual Croacia, pero en una época en que ese país oscilaba entre los dominios de los imperios austríaco y húngaro. De hecho, la formación de Tesla es austro-húngara: estudió en Graz y Praga comenzó su carrera profesional en Budapest. Además, aunque croata por nacimiento, Tesla pertenecía a una familia de origen serbio. Muchas enciclopedias lo dan como yugoslavo, ya que Croacia perteneció a Yugoslavia durante la mayor parte del siglo XX. Para complicar más las cosas, Tesla emigró en 1884 a los Estados Unidos y, pocos años después, adquirió la ciudadanía norteamericana. La imagen de Nikola Tesla aparecía en el antiguo billete yugoslavo de cinco dinares y un importante museo en Belgrado perpetúa su memoria.FuentePara mas post del septimo arte click sobre la chica linda.Eso es todo amigos...

Buenas gente de T!, bienvenidos a una nueva entrega de Grandes Directores Pequeñas Obras, esta serie que intenta unir a los grandes directores de la historia con sus obras iniciales, aquellas realizadas en sus años de estudiantes o cuando aun sus nombre no figuraban en la grandes carteleras del mundo.En esta edicion apareceran directores como Oliver Stone, Stephen Spielberg, Stanley Kubrick, David Cronenberg, James Cameron, Walt Disney, Darren Aronofky entre otros.La mayoria de las obras estan en su version original, muchas de ellas no estan con subtitulos, igualmente como digo siempre lo que vale aqui es visualizar estos tesoros.Walt Disney - Alice in Wonderland (1923)Sobre el director y el FilmDespués de dos años en Film Ad, Disney creyó que había adquirido la experiencia suficiente como para emprender un nuevo negocio por su cuenta. En 1922, fundó la empresa Laugh-O-Gram Films, Inc., dedicada a realizar cortometrajes animados basados en cuentos de hadas populares y relatos para niños, como Cenicienta o El gato con botas. Entre sus empleados estaban Iwerks, Hugh Harman, Rudolph Ising, Carmen Maxwell, y Friz Freleng. Los cortos se hicieron famosos en la zona de Kansas City, pero sus gastos de producción excedían a los ingresos que proporcionaban. Tras crear su último corto, la mezcla de acción real y animación Alice's Wonderland, el estudio se declaró en bancarrota en junio de 1923. Disney decidió entonces trasladarse al floreciente centro de la industria cinematográfica, Hollywood. Vendió su cámara y obtuvo el dinero suficiente para un viaje de ida en tren a California. Dejó atrás a sus amigos y antiguos empleados, pero se llevó con él la película de Alice's Wonderland. Llegó a Los Ángeles con cuarenta dólares en el bolsillo y una película sin acabar en su maletín. Su propósito era abandonar el cine de animación, creyendo que no podría competir con los estudios de Nueva York. Pretendía convertirse en director de películas de acción real, y recorrió sin éxito todos los estudios buscando trabajo. Al no encontrarlo, optó por volver a intentarlo con la animación. Su primer estudio en Hollywood fue un garaje en casa de su tío Robert. Envió la película Alice's Wonderland a la distribuidora neoyorquina Margaret Winkler, quien mostró un gran interés por la película y contrató a Disney para producir más películas combinando animación e imagen real. Se reunió con su hermano Roy, que se estaba recuperando de una tuberculosis en un hospital de veteranos de Los Ángeles, y le convenció para que se encargase de la gestión económica del estudio. Roy estuvo de acuerdo. A petición de Disney, la actriz protagonista de Alice's Wonderland —Virginia Davis— y su familia se trasladaron a Hollywood desde Kansas City. Lo mismo hicieron Iwerks y la suya. Este fue el comienzo del Disney Brothers' Studio, el germen de la futura The Walt Disney Company. Las nuevas películas, llamadas "Comedias de Alicia" (Alice Comedies), tuvieron bastante éxito. Después de Virginia Davis, quien dejó la serie al no aceptar Disney las exigencias de aumento salarial de sus padres, fueron protagonizadas por las actrices Dawn O'Day y Margie Gay. Más adelante Lois Hardwick asumió brevemente el papel. Por el tiempo en que concluyó la serie, en 1927, el centro de atención eran más los personajes animados —en particular un gato llamado Julius que recordaba al gato FélixEl Cortometrajelink: http://www.youtube.com/watch?v=H58meqbp5PsStephen Spielberg - Amblin´ (1968)Sobre el director y el filmDespués de mudarse a California, presentó una solicitud para asistir a la escuela de cine University of Southern California Escuela de Teatro, Cine y Televisión en tres ocasiones, pero no tuvo éxito. Él era un estudiante, posteriormente, de la California State University, Long Beach. Mientras asistía a la Estatal de Long Beach en la década de 1960, Spielberg se convirtió en miembro de la fraternidad Theta Chi. Su verdadera carrera comenzó cuando ingresó en Universal Studios como pasante no remunerado, siete días a la semana y fue invitado al departamento de edición. Después de ello, Spielberg se hizo famoso, la USC le otorgó un doctorado Honoris Causa en 1994, y en 1996 se convirtió en miembro del consejo de la Universidad. Como interno y de evaluación de Universal Studios, Spielberg hizo su primer cortometraje para su presentación en salas, la película de 24 minutos Amblin'(1968), cuyo título Spielberg más tarde utilizó para dar nombre a su productora, Amblin Entertainment.El cortometrajelink: http://www.youtube.com/watch?v=_ni9DjWHBjAJames Cameron - Xenogenesis (1978)Sobre el director y el filmPor motivos de trabajo de su padre se trasladó al condado de Orange, California, en 1971. Después de terminar sus estudios en la Universidad de California se casó en 1974 con la camarera Sharon Williams con la que empezaría su larga lista de matrimonios y divorcios. Mientras tanto Cameron trabajó en diferentes ocupaciones como maquinista, camionero y conductor de autobús escolar, por las noches podía hacer lo que le gustaba así se dedicó a su afición, escribir historias y también pintar. En 1977, al ver La Guerra de las Galaxias entendió que lo suyo era el cine y por eso se dedicó en pleno a ello. A los 25 años, después de varios trabajos poco importantes, le llegó la oportunidad de dirigir, aunque tal experiencia le decepcionó un tanto, por esta razón jamás volvió a dirigir una película que no hubiera sido escrita por él mismo. James Cameron destaca como uno de los creadores cinematográficos que más y mejor ha aportado a la ciencia ficción. De sus siete películas (hasta la fecha), seis de ellas pertenecen a este género. Ya desde sus inicios, Cameron mostró predilección por relatos futuristas. No en vano, dirigió el cortometraje Xenogenesis, muy influenciado por 2001 y por Star Wars, un trabajo cuyo mayor mérito consiste en anticipar modelos e ideas que cuajarán en obras futuras.El cortometrajelink: http://www.youtube.com/watch?v=HIBaLZRnNhoDavid Cronenberg - Stereo (1969)Sobre el director y el filmDespués de dos sketches y dos cortometrajes de art cinema (Stereo, en blanco y negro, y Crimes of the Future, en color), Cronenberg se asoció con Ivan Reitman. El gobierno canadiense proveyó financiamiento a las películas de Cronenberg durante la década de 1970. Cronenberg alternó sus originales películas de horror corporal como Shivers, con proyectos que reflejaban su interés en las carreras de autos y las pandillas de motociclistas. Rabia explotó el insospechado talento en la actuación de la estrella porno Marilyn Chambers (la primera elección de Cronenberg había sido una desconocida joven llamada Sissy Spacek). Rabia fue una revelación con la distribución internacional, y sus dos siguientes películas de terror ganaron un apoyo más sólido. Durante su carrera, sus películas han seguido una progresión definida, un movimiento del mundo social a la vida interior. En sus primeras películas, científicos modificaban cuerpos humanos, lo cual daba lugar a anarquía social (p.ej. Shivers o Rabia). En su período intermedio, el caos causado por el científico es más personal, (The Brood, Scanners, Videodrome). En el período más reciente, es el científico el que es alterado por su experimento (p.ej. el remake de The Fly). Este periodo concluye con Dead Ringers (Inseparables)- presumiblemente su mejor obra - en la cual un par de ginecólogos gemelos se adentran en la codependencia y la adicción a las drogas. Sus más recientes películas tienden más hacia lo psicológico, a menudo contrastando con realidades subjetivas y objetivas (eXistenZ, M. Butterfly, Spider). Cronenberg ha dicho que sus películas deberían ser vistas "desde el punto de vista de la enfermedad" y eso, por ejemplo, él identifica con los personajes en Shivers luego de que han llegado a infectarse con los parásitos anárquicos. Esta perspectiva está ilustrada en The Fly cuando el héroe descubre que ha sido genéticamente fusionado con un insecto. En vez de decir "Mi telepod se ha descompuesto", dice "Mi telepod se ha transformado en un empalmador genético".El cortometrajelink: http://www.youtube.com/watch?v=dFttIMfI6_cKevin Smith - The Flying CarSobre el directorKevin Smith nació y se crio en Highlands, Nueva Jersey, ciudad de la que se siente muy orgulloso, lo cual se puede constatar en todas sus películas. Su primera película, Clerks, fue filmada en la tienda en la cual trabajaba y para hacerla tuvo que vender su colección de cómics[1] que recuperó tras el éxito de la misma. Ganó el premio más importante en el festival de Sundance, en 1994, y fue distribuida posteriormente por los estudios Miramax. Es una de las películas que más recaudación obtuvo respecto a lo que costó tras El proyecto de la bruja de Blair[2] la película caló tan bien que los estudios firmaron a Smith para que hiciera más películas siguiéndola Mallrats. Durante el rodaje, Smith reunió a sus amigos y estrellas cercanas de su próxima película, Ben Affleck y Jason Lee y su nueva novia, Joey Lauren Adams. Smith ha dicho que su relación con Adams fue una inspiración para su siguiente película, Persiguiendo a Amy, el drama de la comedia de Smith que ganó unos pocos premios independientes. Por la misma época de Persiguiendo a Amy, conoció a la que sería su esposa, Jennifer Schwalbach. Después de Persiguiendo a Amy, Smith dirigió Dogma, una película polémica acerca de la Cristiandad. La esposa de Smith dio a luz a su primera hija, Harley Quinn Smith (en honor al personaje de Batman y extraña pareja sentimental del Joker, la villana Harley Quinn). Harley Quinn y Jennifer tienen dos pequeños papeles en la que sería su próxima película, Jay y Bob el Silencioso contraatacan. En esta comedia, los héroes de culto, Jay y Bob el Silencioso quieren parar la producción de una película que se hace acerca de ellos, encontrar el amor verdadero, y salvar a su mono. Smith ha escrito también guiones para Daredevil o Green Arrow. Escribió también un guion para una película nueva de Superman, pero le hicieron dejar el proyecto. Smith tiene tres películas más en las que trabajar para los próximos años y ha abierto una tienda de cómics, tiene una compañía de producción, escribe artículos para la revista Arena, y hace las películas cortas para el show de Jay Leno. Sus últimas películas hasta el momento han sido la segunda parte de su exitoso primer film, llamada Clerks II y la película Zack and Miri make porno. Es consultor creativo y dirigió el primer episodio de la serie Reaper.El cortometrajelink: http://www.youtube.com/watch?v=drofSvwe-m0George Lucas - Electronic Labyrinth THX 1138 4EBSobre el director y el filmGeorge Lucas fue criado en un rancho de Modesto, California, lugar de cultivo de nueces. Su padre era dueño de una tienda de venta de escritorios y tenía tres hermanos. Durante su adolescencia estudió en la Downey High School y era un fanático de las carreras de automóviles, incluso tenía planeado convertirse en un piloto de carreras profesional. Sin embargo sufrió un terrible accidente con su coche poco tiempo después de graduarse en la secundaria, estuvo hospitalizado por varios días y estuvo a punto de morir. Este accidente cambió definitavente su manera de ver la vida. Decidió ir al Modesto Junior College antes de enrolarse en la escuela de cine de la University of Southern California. Como estudiante de cine hizo varios cortometrajes incluyendo: THX-1138: 4EB (Laberinto Electrónico) que ganó el primer premio en el festival nacional de películas de estudiantes 1967-68. También en 1967 Warner Brothers le concedió una beca que le permitió observar el rodaje de Rainbow de Finian (1968) dirigida por Francis Ford Coppola. Cuando comenzó su aprendizaje en los estudios de Warner Brothers dijo que deseaba trabajar en el departamento de animación. Justamente, cuando él llegó era el último día de dicho departamento; luego fue cerrado. Estuvo casado con Marcia Lucas desde el 22 de febrero de 1969 hasta el año 1983, cuando se divorciaron. Con el tiempo Lucas y Coppola se transformaron en buenos amigos y juntos crearon en 1969 una compañía llamada American Zoetrope. El primer proyecto de la compañía era una versión largometraje de THX 1138. En 1971, Coppola comenzó a dedicarse a la producción de la película El padrino la cual se estrenó en 1972, entonces Lucas creó su propia compañía, Lucasfilm Ltd. En 1973 Lucas dirigió American Graffiti, un film sobre autos y jóvenes, a principios de los años 60. La película ganó el Globo de Oro, el New York Film Critics y el premio de la National Society of Film Critics. Obtuvo también cinco nominaciones al Óscar.El cortometrajelink: http://www.youtube.com/watch?v=5PAePOxImiMStanley Kubrick - Day of the Fight (1951)Sobre el director y el filmDurante su juventud Kubrick iba frecuentemente al cine Loew's Paradise y al Museo de Arte Moderno de Nueva York. Poco a poco nació en él la idea de abandonar su trabajo en Look y dedicarse a la realización de películas. Cuando Kubrick aún concedía entrevistas, se refería a Max Ophüls y Sergéi Eisenstein como sus dos referencias cinematográficas más influyentes, el primero por su trabajo con la cámara, y el segundo por su técnica de montaje. Day of the Fight sería su primera filmación a modo de documental de 13 minutos, en 1951 (sobre la base de un trabajo fotográfico hecho por él mismo para Look acerca del boxeador Walter Cartier), que financió con su propios ahorros a los 23 años, aprendiendo a usar el equipo por la persona que se lo alquiló.3 El documental fue comprado por RKO para incorporarlo en la serie This is America que fue proyectada en el Paramount Theatre, en Nueva York, dándole a Kubrick un pequeño beneficio económico. La propia RKO le adelanto dinero para el siguiente documental de 9 minutos llamado Flying Padre (a través del cual sacó el título de piloto, aunque años más tarde se negaría a seguir volando), que narraba la vida de un sacerdote que viaja en avioneta de pueblo en pueblo en el estado de Nuevo México . El último de sus documentales que duró 30 minutos sería The Seafarers, su primer trabajo en color. Para esta época Kubrick ya había renunciado a su trabajo en Look Tras esto se metería de lleno en la industria del cine.El cortometrajelink: http://www.youtube.com/watch?v=C3bw-9S2-n8Santiago Segura - Perturbado (1993)Sobre el director Estudió la carrera de Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid debido a su gran afición y talento en el dibujo,4 aunque su padre quiso que fuese banquero y se sacase unas oposiciones, ya que su padre pensaba que su carrera no le iba a dar dinero y las finanzas sí, en donde cultivó el personaje de Torrente ya que apenas ligaba con las chicas,3 aunque el verdadero nacimiento del personaje se produjo cuando fue a comer a un restaurante chino y observó cómo un hombre se mostraba borde con la camarera y los que compartían mesa con él se mostraban avergonzados,8 y se dedicó a ver cine, series americanas y leer historietas.En 1994 recopiló muchos de sus cortos en un VHS del que él mismo distribuyó 666 copias firmadas. Lo tituló "JIStory", en homenaje al recopilatorio de Michael Jackson "HIStory", en él se incluían sus trabajos como director,10 como son Relatos de medianoche, Evilio, Pertubado y El purificador (Evilio vuelve), en donde también incluyó varios extras como el Making off o el Storyboard.El cortometrajelink: http://www.youtube.com/watch?v=bPFDfLODTKkOliver Stone - Last Year in VietnamSobre el directorWilliam Oliver Stone nació en Nueva York. Su padre era un agente de bolsa judío y su madre, francesa y católica; él más adelante se convertiría al budismo. Estudió en las universidades de Yale y de Nueva York. Participó como soldado en la guerra de Vietnam, en la que fue herido dos veces. Este hecho marcó su vida y es protagonista de algunos de sus mejores trabajos. Su producción cinematográfica se inspira en hechos reales. Sus primeros contactos con la industria del cine (sin contar los trabajos de guion y/o dirección en películas menos conocidas) fueron como guionista de gran éxito. Suyos son los guiones de El expreso de medianoche, de Alan Parker (1978), de Conan el Bárbaro, de John Milius (1982), y de Scarface, el precio del poder, de Brian De Palma (1983).El paso al primer plano de la actualidad cinematográfica se produce con la dirección de Pelotón (Platoon) en 1986, con la que obtendrá el Óscar a la mejor dirección. En 1987 realizó Wall Street, una de sus mejores películas, y en la que narraba las peripecias de un tiburón de las finanzas, bien interpretado por Michael Douglas, que ganó un Óscar por este papel.Tras una breve pausa con la menos ambiciosa Talk Radio, Stone regresó con su segunda película sobre Vietnam, que sería muy diferente en enfoque y objetivos respecto a Platoon. Born in the fourth of July (Nacido el 4 de julio), protagonizada por el ascendente Tom Cruise, quien sería nominado al Óscar, es el relato de un veterano del conflicto, discapacitado por sus heridas de guerra, quien pasará de ser un fervoroso soldado a un activista en contra de la guerra. Sería el segundo y hasta ahora último Óscar como director para Oliver Stone.El cortometrajelink: http://www.youtube.com/watch?v=P5p9y8HHPskDarren Aronofsky - Fortune CokkieSobre el directorEl debut de Aronofsky como director de largometrajes se remonta al año 1998, fecha en la que se estrenó la película Pi. Esta cinta narra la vida de un brillante matemático (Max) que está obsesionado con la idea de que, pese al aparente caos que rige el universo, existe un sistema numérico capaz de prever y controlar todo cuanto sucede en él. Centrándose para ello en el estudio del mercado bursátil, Max cada vez se acercará más a desentrañar el misterio que se oculta tras esa fórmula matemática que aparentemente controla todo, y que le lleva inexorablemente al número Pi. Ansiosos por hacerse con el increíble descubrimiento que Max está a punto de revelar, una agresiva firma de Wall Street y una secta judía le acosarán para hacerse con tan preciado botín.Aparte de realizar estos largos, Darren Aronofsky también es el autor de cortos como Supermarket Sweep (1991), Fortune Cookie (1991) y Protozoa (1993).Su último trabajo, Black Swan (Cisne negro), se estrenó en Estados Unidos el 1 de diciembre de 2010. La película, considerada un thriller psicológico, cuenta con la participación como protagonista de Natalie Portman (papel que le valió un Oscar como Mejor Actriz) interpretando a Nina, una bailarina de ballet de una compañía en Nueva York. La habilidad de Aronofsky logra captar en el film todo el perfil obsesivo y exigente que ronda el mundo de la danza como disciplina consiguiendo atrapar al espectador.El cortometrajeParte Ilink: http://www.youtube.com/watch?v=Oq_FBlEYlHEParte IIlink: http://www.youtube.com/watch?v=0fPcINYPePMBueno, esto es todo por esta entrega, quienes quieran ver las primeras dos partes de este trabajo paseen por mi perfilTodas las novedades, criticas, y demas cosas del septimo arte paseen por la ● ● ● ● COMUNIDAD CINÉFILA ● ● ● ●Espero que le haya gustado.Hasta la próxima.

Buenas gente de T! este post es para recordar a uno de los dioses del olimpo de los actores de genero, junto a Bela Lugosi, Boris Karloff y Christopher Lee, hablo nada mas ni nada menos que de Vincent Price. Este es su post homenaje. Vincent Price Vincent Leonard Price, Jr. (San Luis, Misuri, 27 de mayo de 1911 – Los Ángeles, California, 25 de octubre de 1993) fue un actor de cine estadounidense, conocido principalmente por las películas de terror de bajo presupuesto en las que trabajó durante la última etapa de su carrera. Hijo de Marguerite Willcox y Vincent Leonard Price, quien era presidente de una compañía productora de caramelos. Price entró al St. Louis Country Day School. Posteriormente estudió historia del arte y bellas artes en la Universidad Yale y en el Courtauld Institute de Londres. Se interesó por el teatro en los años 1930, actuando por primera vez en 1935 en la obra Chicago. Colaboró además junto a Orson Welles en el Mercury Theatre, compañía de teatro fundada por Welles en Nueva York. En junio de 1936 Vincent Price realizó su primera aparición en radio, en una escena de la radionovela There's Always Juliet junto a Cornelia Otis Skinner. Durante sus primeros años como actor, Price recibió los consejos de Helen Hayes, quien le recomendó permanecer algunos años en el mundo del teatro antes de dedicarse al cine. Finalmente, tras varias audiciones, Price realizó su debut cinematográfico en la cinta Service de Luxe, en 1938. Monstruos y fantacias Su primer rol dentro de una película de terror fue en Tower of London (1939), donde actuó junto a Boris Karloff, famoso por haber interpretado al monstruo de Frankenstein en 1931. En los años 1950 se adentró al cine de terror con La casa de cera (1953), la primera película en 3D, y La mosca (1958). Además actuó en la versión original de House on Haunted Hill (1959) como Fredrick Loren, un excéntrico millonario. En el remake de 1999 el apellido del personaje de Geoffrey Rush es Price, en honor al actor. Aunque ya asociado al cine de terror, Price tocó papeles muy diversos, y en 1956 rodó el melodrama Serenade, junto a Mario Lanza, Joan Fontaine y Sara Montiel, y participó en la superproducción Los diez mandamientos de Cecil B. DeMille. Durante los años 60 participó en varias películas de clase B dirigidas por Roger Corman, las cuales eran adaptaciones de obras del escritor Edgar Allan Poe, como La caída de la casa de Usher (1960), Pit and the Pendulum (1961), Tales of Terror (1962), El cuervo (1963), La máscara de la muerte roja (1964) y La tumba de Ligeia (1965). Al estar basadas en relatos cortos, se debieron agregar elementos nuevos a la trama, los cuales trataban en detalle ciertos temas o explicaban algunas situaciones. Vincent Price estaba familiarizado con el trabajo del escritor desde mucho antes de comenzar a rodar las películas: "las historias de Poe me cautivaron desde el momento en que las leí cuando era niño".7 Según Price, gran parte de las historias de Edgar Allan Poe eran sátiras, las cuales presentaban una importante cuota de humor, por lo que era necesario incorporar esa esencia en las películas.8 Vincent Price encarnó al personaje Egghead (conocido como Cascarón), villano creado especialmente para la serie de televisión Batman de los años 1960. En 1964 protagonizó The Last Man on Earth, película basada en la novela Soy leyenda del escritor Richard Matheson. En 1968 interpretó a un excéntrico artista en el musical Darling of the Day junto a la actriz Patricia Routledge. Esta fue su primera y única participación en un musical de Broadway. Lo esencial de Vincent Price (según Axel Kuschevatzky) link: http://www.youtube.com/watch?v=tZiF7pep95o La union junto Tim Burton Vincent fue para Burton lo que Bela Lugosi para Ed Wood Vincent Mientras trabajaba como artista conceptual, Burton hizo amistad con el ejecutivo Julie Hickson y el encargado de desarrollo creativo de Disney, Tom Wilhite. Ambos se mostraron impresionados por su talento, aún cuando la empresa había rechazado sus colaboraciones en The Fox and the Hound y The Black Cauldron. En 1982, Wilhite lo financió con $60.000 dólares, para producir una adaptación del poema Vincent, que Burton había escrito poco tiempo antes bajo el concepto original de microrrelato infantil. Durante dos meses, Burton colaboró con animadores especializados en stop motion para producir el corto de cinco minutos de duración, mismo que fue filmado en blanco y negro, influenciado directamente por las películas alemanas de los años 1920, las cintas estelarizadas por Vincent Price y las adaptaciones de los relatos de Edgar Allan Poe. Narrado por el propio Price, el corto Vincent marcó el inicio de una buena amistad entre el actor y Burton, la cual persistiría hasta la muerte del primero, ocurrida en 1993. Burton declararía más tarde, que (la muerte de Price) había sido, probablemente, una de las experiencias más cruciales en su vida». Vincent Tim burton - Narrado por Vincent Price link: http://www.youtube.com/watch?v=ZH3R5ntFK3c Edward Scissorhands Tim Burton le pidió a Vincent Price que interpretase al inventor en su película. La razón es que Tim Burton amaba el trabajo que hizo este hombre en el cine y quería que apareciera en su película como homenaje. Sin embargo, el actor había abandonado la serie en la que trabajaba en ese momento y su papel en la película fue más corto de lo que se tenía pensado, debido a que Price estaba enfermo. Ésta sería su última película Trailer link: http://www.youtube.com/watch?v=XApG5iDWePg Carteles de sus films ] Bien gente, hasta aqui llega este post dedicado a Vincent Price, espero que les hay gustado. Para mas post de este calibre pasen por mi perfil. Como siempre un gusto postear sobre el septimo arte. Recomienden este laburo y que toda Taringa conosca la obra de este gran actor. Eso es todo por el momento Comenten! Hasta la proxima! Saludos desde el mas alla!

Estamos de vuelta con el cine, y revisionando sus clásicos.Este post es la segunda parte de Monstruos y Fantasías, un post donde se podían ver en versión completa algunos films de la primera década del siglo XX sobre criaturas fantásticas que con el tiempo se han vuelto clásicos. En este aporte nos adentramos en el tiempo, algunas décadas, y encontraremos otros clásicos personajes y films del genero fantástico y de terror. Basta de introducción vamos al post.Dr. Jekyll y Mr. Hyde (1920 film)ReseñaDr. Jekyll y Mr. Hyde es una pelicula de 1920 del cine mudo basado en la novela de Robert Louis Stevenson El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde y protagonizada por el actor John Barrymore .La película fue dirigida por John S. Robertson y co-protagonizada por Nita Naldi . El diseño de escenarios fue realizado por Clara Beranger y la película es actualmente de dominio público .Esta historia de doble personalidad , tiene el Dr. Jekyll el cual cree que todo el mundo tiene dos lados, uno bueno y otro malo. Usando una poción, sus personalidades se dividen, creando el caos.CuriosidadesEl estado de la película de dominio público hace que su uso sea común en los documentales sobre cine mudo y las películas de terror .Personajes interpretados por Tim Daly y Anthony Lysette se muestran viendo una escena de esta película en el Dr. Jekyll y Hyde señora .En el séptimo episodio de la serie de HBO televisión Boardwalk Empire, Lucy Danziger ( Paz de la Huerta ) le suplicar a su amante, Nucky Thompson ( Steve Buscemi ) para ir con ella. El uso de esta película pone de manifiesto la dualidad expresada por muchos personajes en el episodio.El Filmlink: http://www.youtube.com/watch?v=ho8-vK0L1_8The Hunchback of Notre Dame (1923 film)ReseñaEl jorobado de Notre Dame es un film estadounidense protagonizada por Lon Chaney como Quasimodo y Patsy Ruth Miller como Esmeralda , y es dirigida por Wallace Worsley . La película es la segunda adaptación más famosa de la novela de Victor Hugo, aclamada por la crítica, y fue reeditado 1939. El cuento fue casi irreconocible en la adaptación libre versión de 1996 de dibujos animados de Disney. La película fue la joya de los estudios Universal en 1923 y fue su mayor éxito del cine mudo , recaudando más de $ 3 millones.La película es más notable ya que recuerda al París del siglo 15, y el desempeño de Lon Chaney con su interpretación, sumado al espectacular maquillaje como el torturado campanero de Notre Dame . La película elevo a Chaney, ya un conocido actor de carácter, a condición de estrella total en Hollywood. También ayudó a establecer un estándar para muchas más películas de terror , incluida la de Chaney El fantasma de la ópera en 1925. Hoy en día, la película es de dominio público .Sobre la conservación del filmLas copias originales de la película fueron en nitrato de celulosa y casi todas sus copias se fueron perdiendo por descomposición de la cinta o fueron destruidos por el estudio (sobre todo este último). Las imágenes sólo sobreviven por las copias de 16 mm que eran vendidas por el estudio Universal para uso hogareño por los años 1920 y 1930. La mayoría de las ediciones de vídeo de la película provienen de aquellas copias, que se distribuyeron por la empresa Blackhawk en los años 1960 y 1970. Su version en DVD tambien proviene de aquellas copias que fueron restauradas y fue lanzada por Image Entertainment el 9 de octubre de 2007.El filmlink: http://www.youtube.com/watch?v=7boNOrs-v4gWhite Zombie (1932)ReseñaWhite Zombie es un film de 1932 norteamericano, producido de forma independiente, y que establecio un Pre-Código para las peliculas de terror. Dirigida y producida por los hermanos Victor Halperin y Edward Halperin, respectivamente. El guión de Garnett Weston cuenta la historia de la transformación de una mujer joven en un zombi en manos de un maestro vudú del mal. Béla Lugosi interpreta al antagonista y villano, mientras Madge Bellamy aparece como su víctima. Otros miembros del reparto incluyen Robert W. Frazer , John Harron y Cawthorn José. Una gran parte de la filmacion de White Zombie fueron filmados en el Universal Studios, aprovechando asi accesorios y escenarios de las películas de terror de la época. White Zombie se estrenó en Nueva York con una recepción negativa, su parte mas criticada fueron las débiles actuaciones. Aunque la película obtuvo una buena recaudacion, resultó ser la menos popular en la taquilla de las películas de terror de la época.White Zombie es considerado el primer largometraje película de zombis . Una secuela de la película, titulada La rebelión de los Zombies , abrió sus puertas en 1936. La recepción actual de White Zombie ha sido más positiva desde su lanzamiento inicial. Los críticos han elogiado la atmósfera de la película, aunque se mantiene una opinión desfavorable sobre la calidad de la actuación del elenco.LegadoWhite Zombie es considerado como el primer largometraje de cine de zombies y ha sido marcada como el arquetipo y modelo de todas las películas de zombies, tales como las personas que regresan de la muerte y otras mitologías zombies. Estas películas son: El castillo maldito (1940), Rey de los Zombies (1941), I Walked with a zombie (1943), y La plaga de los zombies (1966). Estas películas contienen elementos de White Zombie como las miradas de ojos en blanco, los tambores del vudú. Victor Halperin dirigió una secuela de White Zombie, La rebelión de los zombis , que fue lanzado en 1936. Béla Lugosi fue considerado para el papel de villano Armand Louque, pero el papel fue interpretado por Dean Jagger . El director de fotografía Arthur Martinelli y productor Edward Halperin regresaron para la secuela. Allmovie ha clasificado a White Zombie con tres estrellas de cinco, mientras le daba a La rebelión de los zombis sólo una estrella y lo consideró muy inferior a la original. En 2009 se anunció que Tobe Hooper dirigiría una nueva versión de White Zombie . El guionista Jared Rivet trabajó en el guión en 2007 con Hooper. El proyecto fue interrumpido debido a cuestiones de derechos, Rivet explico que White Zombie "es claramente de dominio público, pero no hay problemas con los creditos del film".Escenas de White Zombie han aparecido en otras películas como La mano que mece la cuna , Nadja , y Ed Wood. La banda de heavy metal White Zombie se ha apropiado el nombre de la película. El vocalista Rob Zombie habla de la película diciendo: "Es una gran película que no mucha gente sabe acerca de que es. Me sorprende que una película que es tan fácilmente de conseguir este tan oculta y poca gente sepa de ella¨.El Filmlink: http://www.youtube.com/watch?v=5N5-UzUxBssThe Cabinet of Dr. Caligari (1920).ReseñaEl gabinete del doctor Caligari (titulada originalmente Das Kabinet des Dr. Caligari en alemán) es una película muda de 1920 dirigida por Robert Wiene, a partir de un guion cinematográfico de Hans Janowitz y Carl Mayer.La cinta es considerada la primera película expresionista de la historia y una de las películas expresionistas alemanas más influyentes. El expresionismo fue una edad dorada del cine, en donde los mayores representantes fueron: Fritz Lang, George Wilhelm Pabst, F.W. Murnau y Paul Wegener. El expresionismo influiría luego, por ejemplo, en Alfred Hitchcock.Esta película es citada como la primera que introdujo la vuelta de tuerca en el cine. Fue una de las primeras películas producidas en los estudios alemanes UFA. Destacan los decorados distorsionados que crean una atmósfera amenazante, por lo que es considera una de las mejores películas de terror de todos los tiempos.El Film y el Expresionismo AlemanCine expresionista alemán es el nombre que se le da a un grupo de producciones cinematográficas con ciertos aspectos en común. Este estilo de hacer cine tiene su correspondencia con la corriente expresionista, llamada así por contraste con la corriente impresionista del siglo XIX en pintura, es decir, con aquél tipo de pintura en la que prima la «expresión subjetiva» sobre la representación de la objetividad. Esta pintura recurría a colores hirientes y ritmos lineales muy fuertes. Arraigó fundamentalmente en Alemania, de donde surgió el movimiento Die Brücke (el puente), fundado en 1905 por unos estudiantes de arquitectura.Al cine llega, de forma tardía, con El gabinete del doctor Caligari, película inspirada en una serie de crímenes sexuales que tuvieron lugar en Hamburgo, Alemania. Narraba los estremecedores crímenes que cometía Cesare, bajo las órdenes hipnóticas del doctor Caligari, que recorría las ferias de las ciudades alemanas exhibiendo a su sonámbulo. La idea de los guionistas era la de denunciar la actuación del Estado alemán durante la guerra.Pero Robert Wiene, que será quien la dirija, añadirá dos nuevas escenas al guión, una al principio y otra al final, que cambiarán todo el sentido de la historia, pues se convierte en el relato imaginario de un loco que cree ver en el director del hospital psiquiátrico en el que se halla al terrible doctor Caligari.El principal atractivo de la película reside en su anormalidad escenográfica, con chimeneas oblicuas, reminiscencias cubistas y ventanas con forma de flecha, todo ello con una función meramente dramática y psicológica, y no como algo decorativo. Es cierto que el azar va a contribuir a realzar ese dramatismo, ya que, debido a la limitación de la iluminación en el estudio donde se rodó, se decidió pintar los decorados con luces y sombras.Otra característica a destacar será el maquillaje de los actores, y su interpretación. El gabinete del doctor Caligari obtendrá un gran éxito. Será, junto al personaje de Charlot, el primer gran mito de la historia del cine. Los críticos franceses acuñaron la palabra caligarismo para designar las películas alemanas de la nueva estética. Wiene dirigirá varias obras más en años sucesivos, pero jamás conseguirá alcanzar el éxito ni la calidad artística de Caligari. Con la llegada de los nazis al poder decide exiliarse y fallece en París en 1938.El Filmlink: http://www.youtube.com/watch?v=xrg73BUxJLIHasta aqui este post, para mas de este tipo de cosas click a la fotito de abajo.● ● ● ● COMUNIDAD CINÉFILA ● ● ● ●Buenas noches para todos y hasta la proxima.

Buenas gente de T!, el post de hoy va dedicado a tres películas de monstruos y fantasías de principio de siglo XX, The Wonderful Wizard of Oz (1910), Frankenstein (1910) y la clásica Nosferatu (1922). Las tres hoy son clasicos, y parte importante de la historia del cine por diferentes cuestiones. Nosferatu es un ejemplo del expresionismo del cine Aleman, y hoy en dia sigue siendo estudiada en la gran parte de las escuelas del mundo. Frankenstein vale ya que es un film producido por Edison, hombre fundamental en el cine americano por sus avances en tecnologia. T.W.W.OZ es uno de los primeros musicales. The Wonderful Wizard of Oz Reseña Wikipedia El Maravilloso Mago de Oz de 1910 es una pelicula de genero fantástico y la película es la primer versión de la novela de L. Frank Baum de 1900. Esta realizada por la empresa Selig Polyscope sin permiso directo de Baum. Esta basada en los musicales que se realizaban por aquellos años. Gran parte de la película trata de la Malvada Bruja del Oeste , que no aparece en el musical. Curiosidades No hay ninguna pruebas definitivas de quienes están en el reparto, o quien dirigió la película. Otis Turner pudo haber dirigido la película, pero Marcos Evan Swartz señala que es muy poco probable que ambos Otis Turner y Babe Daniels trabajaron en la película, ya que se encontraban en diferentes partes del país en ese momento (Turner en Chicago, Daniels en California), y tampoco había un fuerte impulso para el viaje. Dorothy se parece a las fotos contemporáneas de Daniels, lo que haría improbable la dirección de Turner. Michael Patrick Hearn lo niega, y ha encontrado amplia evidencia de que ambos estaban en California en el momento . El personaje de la vaca no aparece en la novela. La vaca fue utilizada como un reemplazo para el perro Toto en la escena musical. Muchos de los trajes y gran parte del maquillaje en esta película, a pesar de todo, no del Leñador de Hojalata , se asemejan a los utilizados en el 1902 Broadway musical El Mago de Oz . El Film La pelicula hoy en dia es de dominio publico y se puede descargar desde el siguiente enlace Frankenstein Sobre el film Frankenstein es una película de 1910 basada en la novela Frankenstein o el moderno Prometeo, de Mary Shelley y dirigida por J. Searle Dawley. Esta cinta de 16 minutos es la primera adaptación a la pantalla de los personajes de la novela de Mary Shelley y fue producida por Thomas Alva Edison. La película fue rodada en cine mudo y cámara fija en plano general durante toda su duración.Se rodó en tres días en los edificios Edison Studios del Bronx en Nueva York, a pesar de que Edison era su productor no tuvo una participación activa en la película, únicamente puso su nombre. El director, J. Searle Dawley la escribió y dirigió para su visión en el Quinetoscopio. Se estrenó el 18 de marzo de ese mismo año y fue una adaptación libre de la novela. El personaje de Víctor Frankenstein de 35 años; no era muy fiel a la visión que plasmó Shelley en su novela, no era tan complejo ni minucioso, y tenía un semblante parecido al de un mago, en vez de un científico. En su primera versión Frankenstein creó al monstruo en un caldero hirviendo a diferencia de otras posteriores en las que se valía de la energía de un rayo. La toma se realizó quemando un muñeco del mosntruo que tenía un esqueleto como armazón y luego fue montada invirtiendo el tiempo, de esta forma parece que la sustancia se va adhiriendo a los huesos mientras se ve el humo y el fuego descender. Esta recurso tiene que ver con el tratamiento mágico que hacen del fuego los alquimistas para 'condensar' el tiempo. Argumento Victor Frankenstein es un joven estudiante de 35 años de edad, que trata de crear la criatura perfecta. Sin embargo, sus experimentos lo llevan a crear a un terrible monstruo deforme; que constantemente ataca. Pero aquella criatura desaparece cuando Victor Frankenstein se enamora. Sobre Edison y el cine Las aportaciones de Edison al mundo del cine también fueron muy importantes. En el año 1889 comercializa la película en celuloide de formato 35mm, aunque no la pudo patentar porque un tiempo antes George Eastman ya lo había hecho; aunque sí pudo patentar las perforaciones laterales que tiene este tipo de película. En 1894 los quinetoscopios de Edison llegan por primera vez a Europa; más concretamente a Francia. Dos años después, en 1896, presenta el vitascopio en Nueva York con la pretensión de reemplazar a los quinetoscopios y acercarse al cinematógrafo inventado por los hermanos Lumière. Por último, en 1897, Edison comenzará la llamada «guerra de patentes» con los hermanos Lumière respecto al invento de la primera máquina de cine. Carteles del film El Film (en dos partes subtitulado) Parte I Parte II Nosferatu Reseñas Nosferatu Wikipedia Thomas Hutter es un empleado de una compañía inmobiliaria en Wismark, Alemania, que vive tranquilamente con su esposa. Un día su jefe, Knock, recibe una extraña carta escrita con símbolos que reconoce como del Conde Orlok, quien desea comprar una casa en Wismar. Knock envía a Hutter a los Cárpatos para concretar con el Conde Orlok la venta de la casa. Hutter deja a su esposa Ellen en casa de su amigo Harding y se embarca. Cerca de su destino, Hutter se hospeda en una posada en la cual menciona que se dirige a ver al Conde Orlok. Todos los presentes se aterran de sólo escuchar el nombre del Conde y tratan de convencerlo de no ir. Hutter encuentra en su cuarto un libro sobre vampiros el cual tilda de supersticioso, pero que mantiene consigo como material de lectura. Al día siguiente parte hacia el castillo. Un cochero contratado lo lleva hasta el bosque que rodea el castillo, pero se niega a cruzar el puente que cruza hacia este. Al rato, un cochero misterioso se identifica como cochero del Conde. Éste lo lleva a una velocidad naturalmente imposible. En el castillo es recibido por el Conde Orlok quien le invita una cena, pero mientras Hutter come, éste se dedica a leer la carta de parte de Knock. En un momento, Hutter se corta el dedo y Orlok trata de chuparle la sangre, pero es detenido por el crucifijo que portaba en el cuello. Hutter se queda finalmente dormido y al despertar amanece con dos heridas en el cuello que atribuye a los mosquitos. La casa de Orlok en Wisborg, para la que se utilizó un almacén de Lübeck. A la noche siguiente concreta la firma de los documentos legales para la transacción de la casa. Hutter encuentra el libro sobre vampiros en su maleta y empieza a sospechar que Orlok es un vampiro. Conforme la noche avanza, Hutter se esconde en su habitación, pero la puerta es abierta por Orlok, quien entra. Al mismo tiempo, Ellen es descubierta caminando dormida y cae en un estado como de coma precisamente después de gritar el nombre de su esposo. El grito parece provocar que Orlok deje de lado a Hutter. A la mañana siguiente, Hutter explora el castillo y descubre la cripta donde Orlok duerme en un ataúd durante el día. Paralizado por el miedo, logra llegar a su cuarto donde observa, por la ventana, que se están llevando los ataúdes y que en el último va el Conde Orlok. Finalmente, se descuelga por una ventana, pero cae herido. Durante el viaje a Wismark, el barco en que Orlok viaja es invadido por ratas que salen de los ataúdes y sus tripulantes mueren misteriosamente. Por otro lado, Hutter se encuentra en un hospital, del cual trata de escapar para avisar a los pobladores de Wismark acerca de la amenaza que les acecha. En Wismark, la llegada del vampiro causa una plaga de ratas que causa la muerte de sus pobladores. Hutter también llega y se reúne con su esposa. Ella lee el libro sobre vampiros, a pesar de la negativa de su esposo, y aprende que para matar al vampiro una mujer de corazón puro debe entregarse voluntariamente antes de que cante el gallo. Finalmente, Nosferatu se dirige hacia ella, quien se entrega voluntariamente a él precisamente cuando el gallo inicia su canto. Nosferatu muere en una nube de polvo y con él, la plaga. IMDB La película es la primera adaptación cinematográfica de la novela "Drácula" de Bram Stocker. Aunque cuando Murnau finalizó el rodaje fue demandado por la viuda de Bram Stoker, por considerar la película una adaptación nada subrepticia de la novela. Murnau había pedido los derechos antes de filmar Nosferatu, pero no le fueron concedidos. La viuda de Stoker ganó el juicio, y muchas copias de Nosferatu se quemaron. No puedo negar que visionar hoy día esta película puede resultar bastante pesado y hasta incluso aburrido si no se está preparado de antemano. El objetivo de ver este filme es descubrir los recursos utilizados allá en los comienzos del cine, y de hecho, cuando una revisa obras como éstas, encuentra un cúmulo de méritos que hay que saber valorar y respetar. Este filme es un referente del expresionismo alemán, donde se da preponderancia al ambiente y a los escenarios sobre los personajes, la utilización de contrastes lumínicos como recurso para lograr escenas claroscuras y así obtener la ambientación adecuada para producir miedo en este caso. El filme utiliza el montaje en paralelo, un recurso utilizado para narrar dos situaciones que ocurren al mismo tiempo en distintos lugares, algo poco usual en esa época. La cinta tiene mucho de lirismo y romanticismo en sus conceptos, sin dejar de lado lo terrorífico de la atmósfera lograda por Murnau, gracias a los recursos antes mencionados a los que hay que sumar las grandes caracterizaciones, en especial la de Max Schreck como el Conde Orlok, un híbrido monstruo-vampiro de rasgos aterradores. Una composición muy bien lograda, un diseño del personaje muy interesante gracias a un magnífico maquillaje. Murnau posee intención de asustar a través de la mitología, de la angustia y el dramatismo sobrenatural que produce un relato de estas características para la época. Algo a ser tenido en cuenta es la caracterización psicológica del personaje de Ellen Hutter (Greta Schröder). Ella cae en una depresión al ver que su amado emprende el viaje a Transilvania y partir de allí una fuerza maligna se apoderará de ella. Entonces nos sentimos identificados por la fuerte lucha interna que hay en ese personaje por repeler ese sentimiento de atracción hacia el vampiro. Un filme con mucho terror poético, muy buena banda sonora acorde y con lúgubre ambientación, toda una experiencia de ponernos en contacto con los comienzos del cine de terror bien logrado. Film Affinity Obra clave del expresionimo alemán, "Nosferatu" es un clásico del cine de vampiros en el que queda grabada en la memoria el terrorífico Max Schreck, un ser esquelético de mirada sobrecogedora, uñas largas y orejas puntiagudas. No sólo pasa por ser uno de los films de terror más poéticos de todos los tiempos, es que además... ¡da verdadero miedo! Historia del film Murnau quiso realizar una adaptación cinematográfica de la novela Drácula, de Bram Stoker, pero su estudio no logró hacerse con los derechos de la historia. De modo que decidió filmar su propia versión de la novela y el resultado es una película que tiene un gran parecido con la historia original de Stoker. El nombre de "Drácula" se cambió por el de "Nosferatu" y también se cambiaron los nombres de los personajes: el Conde Drácula es aquí el Conde Orlok, por ejemplo. Su papel fue interpretado por Max Schreck (Schreck significa terror en alemán). Harker es Hutter, Mina es Ellen y la Inglaterra victoriana es la ciudad de Viborg, o de Bremen en la versión francesa, así como también en la inglesa. Sin embargo, la viuda de Stoker demandó la película por infracción de derechos de autor y ganó el juicio. El tribunal ordenó que se destruyeran todas las cintas de Nosferatu, pero un reducido número de copias de la película ya había sido distribuido por todo el mundo y permanecieron escondidas por particulares hasta la muerte de la viuda de Bram Stoker. Con el paso de los años se hicieron más copias de esas cintas (algunas de muy baja calidad y con cortes importantes). Nosferatu se labró la reputación de ser una de las mejores películas sobre el mito del vampiro y uno de los máximos exponentes del Expresionismo alemán. Rodada en escenarios naturales, una práctica poco habitual ésta que la aleja de los postulados del cine expresionista alemán, abundantes planos de Nosferatu están inspirados en pinturas románticas. Ahora, la obra Nosferatu de Murnau pertenece al dominio público en Estados Unidos, y existe un gran número de copias en vídeo, generalmente de muy baja calidad ya que provienen de copias hechas a partir de otras copias de las primeras cintas distribuidas para la exhibición internacional. Muchas de ellas presentan diferencias notables de metraje, puesto que en cada país se exhibió una versión diferente de la película. Así pues, la copia francesa no es la misma que la alemana, por dar un ejemplo. No obstante, recientemente se han publicado ediciones restauradas de la película en las que se ha recuperado casi todo el metraje completo de la película original. La reconstrucción más fiel de la película fue presentada en el Festival de Berlín de 1984. Significado de la palabra Nosferatu Se alude a ella simplemente como el vocablo rumano para designar al vampiro; Stoker empleó el término como un calco del inglés undead o no-muerto. Esta atribución es patentemente falsa, puesto que la palabra nosferatu carece de significado conocido (aparte del introducido por la novela y las películas) en ninguna fase histórica del rumano. Una etimología alternativa sugiere que el término proviene originalmente de los nosóforos griegos (*νοσοφορος), es decir, de los agentes transmisores de enfermedades. Sobre Murnau Friedrich Wilhelm Murnau (Bielefeld, Westfalia, 28 de diciembre de 1888 - Hollywood, 11 de marzo de 1931), director de cine de origen alemán, cuyo verdadero nombre era Friedrich Wilhelm Plumpe. Fue uno de los más influyentes directores de la era de cine mudo. Estudió literatura, historia del arte, filosofía y música en la Universidad de Heidelberg antes de instruirse en teatro y cinematografía junto a Max Reinhardt. Cuando estalló la Primera Guerra Mundial, Murnau se unió al combate luchando como piloto aéreo, sufriendo un grave accidente aéreo en Suiza. Adscrito al movimiento expresionista dentro del cine alemán que se desarrolló durante la década de 1920, gran parte de su obra se ha perdido. Maestro de la puesta en escena, en el empleo de los escenarios y la naturaleza como expresión emocional y lírica, y en el manejo psicológico de unos personajes significados, por lo general, por el fatalismo y la búsqueda en un contexto infausto. Carteles del film El film el film se encuentra de forma completa en youtube, pero solamente con intertitulos en ingles. Bueno, eso es todo por hoy. Para mas post de este calibre pasen por mi perfil. Espero que les haya gustado. Espero sus comentarios. Hasta la proxima!

Buenas gente de T!, este post es una recapitulación de post anteriores, donde solo abarcaba pequeñas cosa sobre los orígenes del cine. En esta primer entrega están incluidos Los Hermanos Lumiere, creadores del cinematógrafo y primeros "documentalistas", y George Melies, a quien se le adjudica el primer film de la historia, "Viaje a la luna". Espero que lo disfruten. Hermanos Lumiere Sobre Los Hermanos Lumiere Reseña Wikipedia Auguste Marie Louis Nicolas Lumière (Besançon, 19 de octubre de 1862 – Lyon, 10 de abril de 1954) y Louis Jean Lumière (Besançon, 5 de octubre de 1864 – Bandol, 6 de junio de 1948) fueron los inventores del proyector cinematográfico. Ambos nacieron en Besançon, Francia, pero crecieron en Lyon. Su padre, Antoine Lumière, tenía un taller fotográfico y ambos hermanos trabajaban con él, Louis como físico y Auguste como administrador. Louis hizo algunas mejoras en el proceso de fotografías estáticas. A partir de 1892 los hermanos empezaron a trabajar en la posibilidad de imágenes en movimiento. Patentaron un número significativo de procesos notables. Crearon un aparato que servía como cámara y como proyector: el cinematógrafo, que se basaba en el efecto de la persistencia retiniana de las imágenes sobre el ojo humano. Al comienzo ellos mismos cargaban las piezas de la cámara filmadora en un cajón para su traslado de un lugar a otro. Sobre el cinematógrafo La invención del cinematógrafo fue obra de los hermanos Lumière a finales del siglo XIX. El 28 de diciembre del 1895 tuvo lugar la primera exhibición con público del cinematógrafo Lumière en un salón del Grand Café París . El programa constaba de once películas de 15 a 20 metros cada una. La duración total fue de 20 minutos y el precio de las localidades de un franco. Estas películas estaban realizadas por Louis Lumière e interpretadas por sus familiares y amigos. De entre las películas destacan La salida de los obreros de la fábrica Lumière ; La llegada del tren , pelicula tratada con profundidad de campo y El jardinero regado , una comedia considerada la primera. película narrativa de la historia del cine.El cine (abreviatura de cinematógrafo o cinematografía), es la técnica de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo (o película, o film, o filme).Etimológicamente, la palabra cinematografía fue un neologismo creado a finales del siglo XIX compuesto a partir de dos palabras griegas. Por un lado κινή (kiné), que significa "movimiento" (ver, entre otras, "cinético", "cinética", "kinesiología", cineteca). Y por otro de γραφóς (grafós). Con ello se intentaba definir el concepto de "imagen en movimiento". Sobre la Persistencia Retiniana Fenómeno visual descubierto por el científico belga Joseph Plateau que demuestra como una imagen permanece en la retina humana una décima de segundo antes de desaparecer completamente. Esto permite que veamos la realidad como una secuencia de imágenes ininterrumpida y que podamos calcular fácilmente la velocidad y dirección de un objeto que se desplaza; si no existiese, veríamos pasar la realidad como una rápida sucesión de imágenes independientes y estáticas. Plateau descubrió que nuestro ojo ve con una cadencia de 10 imágenes por segundo, que nosotros no vemos como independientes gracias a la persistencia visual. En virtud de dicho fenómeno las imágenes se superponen en la retina y el cerebro las "enlaza" como una sola imagen visual móvil y continua. El cine aprovecha este efecto y provoca ese "enlace" proyectando más de diez imágenes por segundo (generalmente a 24), lo que genera en nuestro cerebro la ilusión de movimiento. Los cortos documentales de los Lumire (estan todos en un solo video) link: http://www.youtube.com/watch?v=4nj0vEO4Q6s Algunos de los carteles de la época George Melies - Le Voyage dans la Lune Referencia Wikipedia Le Voyage dans la Lune (titulada Viaje a la luna en español) es una película francesa de 1902, en blanco y negro, muda y de ciencia ficción dirigida por Georges Méliès y escrita en compañía de su hermano mayor Gaston Méliès. Está basada en dos grandes novelas literarias, que son: De la Tierra a la Luna, de Julio Verne y The First Men in the Moon, de Herbert George Wells. La película dura 14 minutos con 12 segundos a una velocidad de 16 fotogramas por segundo, y algo más de ocho, proyectada a 25 f/s. Le Voyage dans la Lune es una película muy popular actualmente y la crítica de cine la reconoce como la más importante de las creaciones cinematográficas de Georges Méliès. Además es, en cierto modo, el primer film de ciencia ficción de la historia del cine. La imagen de la cara de la luna recibiendo el impacto de un cohete espacial disparado por una bala de cañón, es uno de los planos más conocidos de la historia del cine. Méliès intentó distribuir comercialmente el filme en Estados Unidos, pero técnicos que trabajaban para Thomas Edison lograron hacer copias del film y las distribuyeron por todo el país. A pesar de que fue un éxito en ese país, Méliès nunca recibió dinero por su explotación. Referencia IMDB 67 años antes que que el Apolo XI llegara en realidad a concretar el viaje, a un mago francés se le ocurrió, basado en novelas de Julio Verne y H.G. Wells, relatar en forma sucinta con mucho trucaje y efectos especiales dicha aventura. De esta manera surge la primera cinta de ciencia ficción, basada en mucha imaginería y con ciertas dosis de humor que hoy día hacen posible que nos maravillemos y disfrutemos con una sonrisa de poder observar una obra tan relevante para la historia del cine por los prodigios técnicos que posee y por la desbordante e impactante originalidad en escenarios, vestuario, fotografía, superposición de imágenes y efectos especiales. Así, el ensueño y los anhelos se trasladan a la ficción del cine, y quién podría imaginarse que dicho sueño luego se convertiría en realidad. Referencia Film Affinity Seis valientes astronautas viajan en una cápsula espacial de la Tierra a la Luna. La primera película de ciencia-ficción de la historia fue obra de la imaginación del director francés y mago Georges Méliès (1861-1938), que se inspiró en las obras "From the Earth to the Moon" (1865) de Julio Verne y "First Men in the Moon" (1901) de H. G. Wells. Se trata de un cortometraje de 14 minutos de duración realizado con el astronómico presupuesto para la época de 10.000 francos, suponía nada menos que la película número 400 del realizador francés, y abría al mundo del cine una nueva puerta para contar historias fantásticas y de ciencia-ficción mediante el uso de trucos y efectos especiales. Sobre Georges Méliès Nació el 8 de diciembre de 1861 en el boulevard Saint-Martin de París. Director de teatro y actor, su padre era un conocido empresario del calzado parisino. Desde pequeño mostró interés y habilidad en el dibujo. Durante su estancia en Inglaterra, y debido a que su falta de soltura con el lenguaje le impedía comprender las obras de teatro, entró en contacto con el mundo del ilusionismo al frecuentar la "Egiptian Hall", sala de variedades dirigida por el célebre mago Maskelyne. Más tarde regresa a París, y a pesar de sus intenciones de ingresar en la Escuela de Bellas Artes, es obligado por su familia a participar en el negocio del calzado. Se encargó de la reparación y el perfeccionamiento tecnológico de esta industria, mostrando las habilidades mecánicas que posteriormente le resultarían tan útiles. Cuando su padre se retiró del negocio, Méliès se negó a continuar con el mismo, utilizando su parte del reparto para comprar en 1888 el teatro "Robert Houdin", del que era asiduo visitante. Cuando el 28 de diciembre de 1895 Méliès asistió invitado por los Lumière a la primera representación del Cinematógrafo, decidió comprarles una máquina inmediatamente, pero ellos se negaron a vendérsela. Empeñado en hacerse con el invento, optó por construir su propia máquina cinematográfica. El 5 de abril de 1896 proyectó las primeras películas en su teatro Robert Houdin; eran pequeñas escenas al aire libre, documentales similares a las de los hermanos Lumière. Su estilo evolucionó rápidamente buscando crear películas parecidas a sus espectáculos de ilusionismo. Fue pionero en la utilización del truco de sustitución de elementos mediante el parado de la cámara, y también lo fue en la exposición múltiple del negativo (doble sobreimpresión) y los fundidos a negro y desde negro. Invirtió una gran cantidad de dinero para la creación del que se consideró el primer estudio de cine, en el que se utilizaron sistemas mecánicos para ocultar zonas al sol, trampillas y otros mecanismos de puesta en escena. De 1915 a 1923, Méliès montará, con la ayuda de su familia, numerosos espectáculos en uno de sus dos estudios cinematográficos transformado en teatro. En 1923, acosado por las deudas, tuvo que vender propiedades y abandonar Montreuil. En 1925 se reencuentra con una de sus principales actrices, Jeanne d'Alcy. Ella regenta un quiosco de juguetes y golosinas en la estación de Montparnasse. Méliès se casó con ella ocupándose juntos de la tienda. Allí será reconocido más tarde por Léon Druhot, director de Ciné-Journal, que lo rescatará del olvido. Carteles promocionales del Film El film Bien gente, hasta aqui este post. Para mas post de este calibre pasen por mi perfil. Espero que les haya gustado Hasta la proxima! Comentar es salud.