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Las Tribus Urbanas Las tribus urbanas se caracterizan por mantener una estética canonica entre varios individuos de la misma tendencia. Suele ser acompañado de fuertes convicciones sociopoliticas o creencias religiosas o de carácter místico, dependiendo del movimiento o tribu urbana perteneciente. Sin embargo, dentro de las tribus urbanas también se pueden encontrar personas denominadas Poseur (poser), que usan la estética y/o comportamiento de la tribu urbana, pero olvidando por completo la filosofía e ideologías propias del movimiento. Hippies: Los "hippies" (singular, hippy o hippie) fueron parte del llamado movimiento de contracultura de los años 1960. Adoptaban un modo de vida comunitario o estilo de vida nómada, basado en el amor y la paz a todo su actuar diario, renegaban del nacionalismo y la Guerra de Vietnam, tomaban aspectos de religiones como el budismo, el hinduismo, y también de las religiones de los indios norteamericanos. Estaban en desacuerdo con valores tradicionales de la clase media estadounidense. Ellos consideraban el paternalismo gubernamental, el militarismo, las corporaciones industriales y los valores sociales tradicionales como parte del sistema, que no tenía legitimidad. Los hippies se basaban en una automarginación que practicaban de la sociedad, buscando transformarla en una en donde la paz y el amor fuesen valores más importantes. Esto los hizo oponerse a gran parte de las doctrinas, valores o costumbres comúnmente aceptados. Sus principios tienen conexión con los principios del Liberalismo Social. Goticos: La subcultura (o cultura underground) gótica es un movimiento subcultural existente en varios paises. Empezó en el Reino Unido entre finales de los ’70 y mediados de los ’80, en la escena del Rock gótico, una derivación del Post-Punk. Su estética e inclinaciones culturales provienen principalmente de las influencias de la literatura gótica del siglo XIX y las películas de horror. La subcultura gótica comparte gustos estéticos, musicales y culturales en común. A pesar de que la música gótica abarca varios subgéneros y estilos, todos estos comparten una tendencia hacia una apariencia y un sonido “dark” u “oscuro”. Los estilos de vestimenta dentro de la subcultura toman influencias del death rock, el punk, el estilo andrógino, y hasta el estilo de vestimenta del Renacimiento; sin embargo, los góticos tienen una estética propia, que se centra en el color negro: trajes negros, maquillaje para resaltar palidez en el rostro, peinados que cubran la cara y hasta lápiz labial de color rojo aplicado atropelladamente en los labios. Es importante aclarar, sin embargo, que no todo aquel que se viste de acuerdo al estilo gótico es considerado gótico por los miembros de la subcultura. De la misma manera, no todos los góticos visten de negro ni siguen siempre el estilo. Grunge: El movimiento grunge es un género musical, inspirado en el punk y en el heavy metal, con toda la esencia del indie rock. Surge a finales de la década de los ochenta y a principios de los noventa, con miembros provenientes de la época conocida popularmente como la Generación X*. Bandas provenientes de las ciudades del Pacífico Noroeste de los Estados Unidos, como Seattle, Olympia, Washington, y Portland, Oregon, hicieron del grunge un género músical muy popular. *GENERACION X: La Generación X consiste normalmente en las personas nacidas en los años 1970, aunque se debaten las fechas exactas que definen a esta generación, mayormente son los nacidos entre 1961–1981. También se ha definido como las personas que vivieron sus años de adolescencia en los años 1980, nacidos tras los del baby boom. Este concepto es más cultural que demográfico, y como tal describe un periodo cultural y no el conjunto de todas las personas de todos los países del mundo que nacieron en una determinada generación. Se define también a esta generación como aquella que ha vivido de todo: desde las TV en blanco y negro, a los TFT más nítidos. Gente que ha jugado a las canicas , a la cuerda, y al Playstation. La Generación X, como muchas otras, fue definida por su música, especialmente la de tipo Indie Rock, con grupos como Sonic Youth, Pixies, Dinosaur Jr. o R.E.M. Destacó también el Punk-Rock, que, en combinación con el Hard Rock dio como resultado otro fenómeno musical y cultural importante de finales de la década de los ochenta y comienzos de los noventa, el Grunge, con grupos como Soundgarden, Alice In Chains, Mudhoney, Nirvana o Pearl Jam. Heavy Metal: se desarrolló como una contracultura que ponía énfasis en la oscuridad por sobre la luz, y tendía a desechar el final feliz del pop con la visión de las cosas que no siempre funcionan en este mundo. Aunque los fans del estilo defienden que el tema de la oscuridad no es el mensaje de la música, el género ha sido repetidamente acusado por ensalzar los aspectos más negativos de la vida. Así, no son ajenos a esa corriente temas como la guerra, la aniquilación nuclear, los asuntos ambientales o la propaganda religiosa o política. La canción de Black Sabbath "War Pigs" o la de Ozzy Osbourne "Thank God for the Bomb" son claros ejemplos. Sin embargo, estos comentarios pierden a menudo su eficacia lírica debido al abuso de dicotomías como el contraste entre luz y oscuridad, esperanza y desesperación, el bien y el mal o el nosotros y ellos, que le restan profundidad al planteo cuando el asunto requiere una descomposición en grises. Rastafaries El Movimiento rastafari es un movimiento religioso y socio-político que surgió en Jamaica en los comienzos de los años 1930 a partir de profecías bíblicas sobre la divinidad de Haile Selassie, de las aspiraciones sociales y políticas de la comunidad negra y de las enseñanzas del publicista y organizador nacido en Jamaica Marcus Mosiah Garvey. Aunque la visión política y cultural de Garvey inspiró a los fundadores del movimiento, que le consideraron como un profeta, él nunca se identificó a sí mismo con el movimiento. Había cerca de 1.000.000 de rastafaris en el mundo en el año 2000. De los jamaicanos, un 60 por ciento aproximadamente se identifican a sí mismos como rastafaris. El rastafarianismo surgió entre la población negra de clase trabajadora en Jamaica, y permaneció durante un tiempo como un defensor de la supremacía negra. Hoy en día, sin embargo, se ha extendido a lo largo de gran parte del mundo a través de la inmigración. Hay dos tipos de ceremonias religiosas rastafaris. Un razonamiento es un evento simple donde los Rastas se reúnen, fuman cannabis y discuten cuestiones religiosas y sociales. La persona con el honor de encender la hierba da una corta oración antes de hacerlo, y la pipa es siempre pasada en el sentido contrario a las agujas del reloj. Un binghi o grounation es una fiesta; se cree que la palabra se refiere a una antigua, y ahora extinguida, orden de militantes negros del África oriental que hicieron voto de acabar con la opresión. Los binghis se caracterizan por las frecuentes danzas, canciones, festejos y el fumar ganja, y pueden durar varios días. Mods: Mod (o, por su nombre completo, Modernism) fue un estilo de vida basado en la moda y la música que se desarrolló en Londres, Reino Unido a finales de la década de 1950 y que alcanzó su culmen durante la primera mitad de la década de 1960. Los seguidores de esta corriente fueron conocidos como Mods, y se localizaban sobre todo en el Sur de Inglaterra, aunque también eran numerosos en ciertas ciudades del Norte (como Manchester, o incluso Liverpool). Los mods fueron el producto de una cultura de cambio contínuo, y tal vez fue inevitable que la escena se devorara a sí misma. Al tiempo que Bobby Moore sostenía la Copa del Mundo en el verano de 1966, la escena mod estaba en plena decadencia. Según florecieron la música psicodélica y la cultura hippie, mucha gente se fue pasando a la nueva escena desde el movimiento mod. La cultura hippie defendía una actitud pasiva en la vida, completamente opuesta a la energía frenética del ethos mod.Bandas como The Who y The Faces evolucionaron en esta dirección en sus estilos musicales y dejaron de mostrarse como mods. Punk: El punk es un movimiento musical de origen urbano (tribu urbana) que apareció a finales de los años 70 en inglaterra. Por debajo de sus aspiraciones musicales (su objetivo era recuperar el espíritu del rock de los orígenes), el punk es también una corriente socio-cultural juvenil: normalmente, las personas que integran este movimiento defienden los principios de igualdad y equidad; no tienen ninguna ideología política concreta pero muchos apoyan el anarquismo, el socialismo o el comunismo, además de otras corrientes ideológicas izquierdistas. A diferencia de otras expresiones culturales juveniles, en el punk la idea principal es modificar la sociedad en sus fundamentos mismos, y en ningún caso es un lamento disimulado por estar de alguna forma marginados de esa misma sociedad que justamente se desea cambiar. Rude Boy: El movimiento Rude boy (chico rudo) surgió en Jamaica en la década de 1960 con la aparición del ritmo musical ska, pero no fue hasta 1966 con la aparición del rocksteady cuando los rude boys adquirieron su mayor fuerza. El nombre de rude boy surgió debido a que la mayoría de estos jóvenes jamaicanos, que procedían de guetos, pertenecían a la clase más pobre del país o eran convictos. Su vestimenta tradicional era la típica de los obreros de la época: pantalones de vestir doblados hasta los tobillos, ya que en aquellos tiempos eran muy caros y los protegían de esa forma mientras ejecutaban su tradicional skankin (baile tradicional del ska), tirantes sobre la camisa, debido a que aún no era muy popular el uso del cinturón y, como complemento del atuendo, un sombrero de doble ala. Muchos Rude Boys, al ser de clase pobre obrera, emigraron a Inglaterra cuando Jamaica obtuvo su independencia. Allí se unieron con el movimiento Mod para luego formar el movimiento Skin head. Aun así, Los Rude Boys no desaparecieron, de forma que este movimiento continúa hasta nuestros días. Su ideología proviene de los Punks ingleses, y de aquí surgió el género Ska-punk, de la unión del punk inglés con el ska jamaicano. Los Rude Boys tienen ideologías muy similares a las de los Punks. Entre ellas podemos encontrar el Antifascismo, el Antiracismo, el Antimilitarismo, el Antiimperialismo. También defienden la libertad y la igualdad social. SkinHeads: Los Mods se hicieron más radicales cuando el movimiento Hippie se hizo más grande, rapándose la cabeza y convirtiéndose así en Hard-Mods. Pronto crearon una nueva estética que los diferenciaba: botas con punta de acero y tirantes, como tributo al obrero, y el pelo muy corto, como señal de marginalidad o en contraposición a los Hippies. Esta corriente se extendió por toda Inglaterra. En el año 1969, en lo que se denomina espíritu del 69, podían encontrarse skinheads blancos y negros juntos caminando las calles de las grandes urbes inglesas; apareciendo un movimiento al que las autoridades no supieron contrarrestar. Coincidió también con una época en la que hubo una gran inmigración de paquistaníes y las peleas entre ellos y los skinheads eran constantes. Debido a los enfrentamientos a estos Skinheads se les acusó de racismo, aun habiendo jamaicanos negros entre ellos. Para combatir usaban todo tipo de armas, pero la más famosa era el peine de acero. Hoy en día existen infinidad de variaciones en sus ideales y su forma de vestir, pero siempre manteniendo sus ideales básicos. Algunos también toman como ejemplo la película La Naranja Mecánica de Stanley Kubrick, (adaptación de la novela homónima de Anthony Burgess), para elaborar en torno a estas obras toda una ideología extrapolada. Rockabilly Los rockabilly son la reencarnación del rock clásico, de vida parda y copetes a lo Elvis. Su música se basa en estribillos sencillos, y en lírica son letras por las mujeres, el rock, las peleas y temas de los años 60´s El principal elemento de los géneros "Billys" es el uso del contra-bajo

Los Simpson y la Filosofía Más allá de unos dibujos animados Los Simpson, grandes filósofos ocultos en Springfield ¿Son la familia Simpson unos simples dibujos animados que reflejan a la familia media estadounidense y gusta a un público muy heterogéneo? ¿O por el contrario la serie tiene una reflexión intrínseca que se acerca bastante a los pensamientos de los grandes filósofos?. Han pasado mas de 20 años y la familia Simpson sigue sin pasar de moda. Su secreto está en que no es una serie animada cualquiera que cuenta las desventuras de una familia común. Es, a riesgo de contradecir a muchos y al contrario de lo que aparenta, una serie inteligente con dobles sentidos y con una presencia cultural excepcional. De esta forma define a la serie en su introducción el libro ‘Los Simpson y la filosofía’, un volumen que hace una radiografía filosófica de cada uno de los personajes y las situaciones que acontecen en Springfield. No se trata de otro producto de merchandising ni se asemeja a cualquier otro libro publicado sobre la serie. ‘Los Simpson y la filosofía’ se atreven a analizar la esfera moral de los Simpson desde su punto de vista, y compararla con las teorías de filósofos de la talla de Nietzsche o Kant. ¿Tendrá razón Homer al manifestar a su mujer de pelo largo azul en el episodio ‘La familia va a Washington’ que “las series animadas no tienen significado profundo. Sólo son unos dibujos estúpidos para pasar el rato”?. Desde luego una veintena de filósofos, coordinados todos por el profesor del King’s College de Pennsylvania William Irwin, no piensan así. ‘La filosofía y los Simpson’ es la prueba de todos estos editores para certificar que hay un trasfondo en la serie animada. Aunque, como ellos mismos afirman, no se trata de un libro que trata sobre la “filosofía de los Simpson” ni de “Los Simpson como filosofía”. No reflejan, por tanto, ningún mensaje de Matt Groening o los guionistas. La familia Simpson, destripada filosóficamente ¿Es Homer un ejemplo de persona admirable? Es egoísta, glotón, codicioso, estúpido y la comida y la bebida son sus vicios. Aún así, su personaje resulta, filosóficamente hablando, admirable por su humanidad carente de maldad, y el amor que siente por los suyos independientemente de su bajo nivel económico y otras dificultades que se le presentan. Por su parte, Marge y Lisa son la piedra de toque de la moralidad de Springfield, aunque cada una de ellas con diferentes matices, como reflejan William Irwin y sus compañeros. La matriarca de la familia posee las virtudes que Aristóteles enumera en la ‘Ética Nicomáquea’: valentía, moderación, liberalidad y magnificencia. Las virtudes de Lisa son otras: es precoz, sofisticada, inteligente, siempre tiene la respuesta correcta a los problemas y no sólo distingue a la perfección el bien del mal, sino que lucha por aquello en lo que cree con todas sus fuerzas. La tesis de Sartre explicaría en gran parte el silencio de la pequeña Maggie, mientras que Bart podría ser la personificación del ideal nietzscheano. El pequeño travieso representa el peligro del nihilismo, teoría que puede ejemplificarse en muchos capítulos de la serie y que ‘Los Simpson y la filosofía’ rescata. Las alusiones forman parte de la ironía de los Simpson El sexto capítulo del volúmen, William Irwin y J. R. Lombardo comienzan recordando unas palabras de Matt Groening: "Los Simpson es una serie que te premia por prestarle atención". En ella, el sarcasmo y la sátira están servidos, sin embargo, lo que dan a Los Simpson un valor añadido son las constantes alusiones a todo tipo de referencias: películas de Hitchcock, pinturas de El Bosco, escritores como Any Rand o series como Dallas o Embrujada. A unas alusiones se las reconoce antes que a otras y no todos los telespectadores captan las referencias culturales, pero su estética hace, como indica el capítulo del libro, "aumente el disfrute de quien las detecta y no entorpezca la diversión del público para el que pasan desapercibidas". ¿Por qué la familia Simpson atrae? La normalidad de los personajes, el humor y sus singulares formas animadas son rasgos fundamentales de la serie. El libro, que se divide en cuatro secciones: personajes, temas simpsonianos, la ética de Los Simpson y Los Simpson y los filósofos, presenta datos y puntos de vista que agradarán a los millones de forofos de la serie. Da luz a su vez a algunas cuestiones como si es una serie machista (tan sólo 15 mujeres aparecen más de una vez), si refleja a una sociedad capitalista, o qué religión profesa Springfield. Habrá que hacer caso a Matt Groening: "Una de las cosas buenas de Los Simpson es que, si has leído algunos libros, pillarás más chistes" Resumen del libro en Español : http://revistadefilosofia.com/41-10.pdf Libro Completo en Ingles: http://www.mohamedrabeea.com/books/book1_10168.pdf

LOS MEJORES 20 DISCOS DEL PUNK ROCK 20. Milo Goes to College - The Descendents Si a Bad Religion se le dio el merito de combinar el punk con la melodia cuando salio su disco "Suffer" a fines de los 80. Los Descendents con este disco (que es del 82) unieron el hardcore mas peleon con harmonias muy sesenteras. Esta combinacion y este disco dio a conocer lo que pronto se llamo "hardcore melodico", por eso su importancia. Es que este es uno de esos discos clasicos pero para un cierto publico, muy desconocidos. Nada mas que decir sobre Milo, con tan solo afirmar que es uno de los grandes discos de punk de la historia, y no por su extensión, que aparte es de menos de media hora, sino por lo que significa link: http://www.youtube.com/watch?v=phzbGnUPu9o 19. Damned Damned Damned - The Damned Para muchos Los Damned habían sido los primeros punks en salir de las cuadras. Su obra debut Damned Damned Damned de una u otra manera se había convertido en la quintaesencia de punk-rock británico. Si bien "Never Mind the Bollocks" es el primer disco en la historia del punk británico, Damned Damned Damned es el encargado de instituir el género esta magnífico obra fue una de las claves para la explosión del estilo en tierras inglesas. Liderados por el trabajo en la escritura del guitarrista Brian James, el poderío instrumental de Captain Sensible (guitarra/bajo) y la impronta vocal de Dave Vania, los Damned, bajo producción de Nick Lowe, crearon un disco repleto de arrojo, aceleración rítmica, energía y fuerza melódica. Al margen de fatuos alardes, el grupo desarrolla grandes temas en base a escasos acordes como "Neat, Neat, Neat", "Fan Club", "Stab Your Back", su famoso sencillo "New Rose" o la versión/tributo ("I feel Alright" a uno de los grupos precursores del punk, The Stooges, creando un trabajo esencial de este visceral y revolucionario movimiento. link: http://www.youtube.com/watch?v=9qtEjFN1Aqk 18. The Undertones - The Undertones Si los Buzzcocks pavimentaron el camino para fusionar con eficiencia el Pop con el Punk, los Undertones fueron los que más lejos llegaron en menos tiempo. Mientras los primeros cuidaban todavía que su música tuviera un toque peligroso, agresivo y mordiente, el quinteto norirlandés no dejaba que nada le estropeara un buen filón Pop. Y de eso este disco está lleno.. quizás no representen la cara más representativa del Punk, pero de aquí ninguna canción supera los 3 minutos, lo cual denota que estaban muy influidos por la ética Punk de tradición ramonesca. De hecho, la triada Ramones, Buzzcocks, Undertones debería ser de estudio obligatorio. Hay un hilo de continuidad evidente entre las tres bandas, una evolución lógica que une Pop y Punk de diversas formas, pero con un sonido totalmente distinto entre las tres. Y cualquiera que sea la primera elección para el que se adentre en este mundillo no será nunca una mala decisión. link: http://www.youtube.com/watch?v=LnLwcsFt_qo 17. Group Sex - Circle Jerks El disco Group Sex contiene catorce canciones en poco más de dieciséis minutos, es decir el punk reducido a su mínima expresión: cuatro líneas, dos o tres acordes y se acabó la canción sin tiempo para ningún tipo de complicación más. Por eso, en los primeros veintisiete segundos de “Deny Everything” da tiempo a hacerse una idea de cómo suenan Circle Jerks en este disco, guitarra, bajo y sobre todo batería sonando a una más que considerable velocidad, la voz atropellada y una letra cuyo significado social se puede resumir en las dos primeras líneas: Innocent until I’m proven guilty / Deny everything, deny everything. Eso sí, consiguen evitar la uniformidad al dar a cada una de sus canciones algo parecido a una melodía, y porque tienen una serie de influencias, como los Stooges y los Ramones, de las que de vez en cuando sentimos ráfagas en las distintas canciones. Y, aunque tampoco se puede decir que fuesen los reyes de la sutileza, lo cierto es que en canciones como “I Just Want Some Skank” daban con soluciones bastante interesantes, como comenzar la canción con un tempo más pausado y una letra bastante apañada sobre un hombre a quien le ha dejado la novia: Empty frame on the wall / Cat and mouse when she don’t call / All I do is think of her / TV screen picture’s blurred, contrastando con la segunda parte de la canción, mucho más acelerada y de tono socarrón, en la que el mismo protagonista decide lo siguiente: I just want some skank. Group Sex es, por tanto, un retrato imprescindible sobre Los Angeles en 1980, en primera persona, lleno de gangsters, skaters, prostitutas, traficantes, etc: una de las obras maestras del hardcore de Los Angeles. link: http://www.youtube.com/watch?v=qtB-4oc1uMQ 16. Los Angeles - X Producido por Ray Manzarek (si, si, Ray Manzarek) “Los Ángeles” se publica en 1980 sin obtener la mas mínima relevancia comercial, sin embargo, desde el primer momento la critica lo acoge como uno de los discos más importantes del momento que sin duda alguna gana y gana con los años. Y es que “X” poseían una sensibilidad especial que les diferenciaba del resto bandas con las que compartían escena, sin duda de haber surgidos en Nueva York su suerte habría sido otra. Que “Los Ángeles” es un disco punk es evidente, es rápido, furioso, sin embargo, es mucho más que un disco punk generacional, es un disco que contrasta con la teatralidad y la estrechez de miras de los grupos punks del momento anteponiendo a esa inmediatez tan visceral el talante creativo y el uso certero de unas influencias bien asimiladas, piensa en The Clash o quizás en Television y sabrás a que me refiero. link: http://www.youtube.com/watch?v=3_javePvr3o 15. In The City - The Jam (1977) Mientras en la Inglaterra de 1977, cientos de jóvenes frustrados se colgaban alfileres de gancho en la cara siguiendo el ejemplo de The Sex Pistols, The Clash, The Damned y Buzzcocks, The Jam salían a escena uniformados con trajes negros de corte italiano y camisas blancas, convirtiéndose en la cara políticamente correcta del punk y de la new wave inglesa, aunque tampoco fue tan correcta (también querían pelearse con la Reina). debuta en marzo del 77 con In the City, el primero de sus seis álbumes. Grabado en apenas once días, este primer LP entra en competencia, mejorando la oferta de sus contemporáneos del punk con sensibilidad pop. Sin intenciones de revivir el sonido de los sesentas, la banda de Paul Weller no desconoce el Northen Soul ni el pasado beat de los los primeros Kinks, The Who y Small faces, pero tampoco traiciona los ideales del punk, ocupando el sonido y la imagen mod para hacer un disco, ante todo, rápido, accesible y callejero (el tag de su portada puede dar cuenta de ello). link: http://www.youtube.com/watch?v=ZcK5Go8CzRc 14. Zen Arcade - Husker Du Hüsker Dü ganaron notoriedad como banda punk hardcore con tempos trash y gritos en sus canciones, con un toque melódico y conmovedor, que se hizo más pronunciado en la mitad de su carrera al alejarse de su sonido original, convirtiéndose en una de las primeras y más influyentes bandas del Rock alternativo estadounidense. Un disco rápido y agresivo a la vez que pop, psicodélico, acústico y experimental. ¿El primer disco conceptual punk? "una historia sobre las aventuras y, sobre todo, desventuras de un chico que vive en una granja y se escapa de casa para vivir por su cuenta, duda si entrar en el ejercito o en una secta, se hace musico y termina trabajando para una empresa informatica, cuando se despierta y descubre que todo ha sido un sueño". Abren con "Something I Learned Today"como una declaración de intenciones, como si Husker Du quisiera demostrar de una vez por todas que son - fueron- la principal banda de hardcore en América. En muchos sentidos, es imposible dejar de apreciar el impacto de Hüsker Dü y Zen Arcade tuvierón en el rock subterráneo de América en los años 80s y 90s link: http://www.youtube.com/watch?v=N4CB82jJQhA 13. Horses - Patti Smith No se puede fabricar una artista como Patti Smith. No existe un molde cuando eres el génesis del punk y tus líricas provienen de un rincón de la mente al cual solo su compositora puede acceder. Tampoco se puede replicar un disco como Horses, el magnifico debut de la poetiza (convertida en rockera) lanzado en 1975 y producido por John Cale (ex Velvet Undeground). Lírica y estéticamente imaginativo, Horses propone una madurez necesaria en la música popular para garantizar su existencia. Temas adultos desde la lupa de una mujer con corazón por la literatura beatnik llena de irreverencia y brutalidad. Todas las rolas tienen narrativas fascinantes llenas de simbolismo. El lesbianismo sugerido en “Redondo Beach”, La muerte como un inicio y no como el final de “Birdland” o el sentimiento de escape nunca antes mejor ejemplificado que en la fantástica “Land”. Tomar el rock como una forma de expresión seria e introspectiva no siempre es cosa fácil. Al fin y al cabo, el rock siempre ha sido y seguirá siendo un genero hibrido, hijo bastardo de otras formas a su vez crudas y rudimentarias (lo cual no es necesariamente malo). La clave esta, en la honestidad e imaginación del artista para transmitir muchas veces los mismos mensajes que otros han escupido en el pasado. Pero Patti te hace sentir como si nunca los has oído con la debida atención. Dense la oportunidad de descubrir este fantástico disco, rareza del rock, pieza angular del espíritu punk y joya monumental en la carrera de esta compositora única e irrepetible. link: http://www.youtube.com/watch?v=kPGUAwqgIJw 12. Bad Brains - Bad Brains Entre los fans del hardcore, muchos acordarán en que el santo grial del género es este homónmio debut que los Bad Brains, editado originalmente sólo en cinta por el sello ROIR en 1982. Hay que tener claro que los dos álbumes que siguieron a éste contenían perlas de la misma magnitud que este disco, (Si bien la mitad de "Rock for light" se nutre de canciones aparecidas aquí) pero quizá éste tenga una importancia especial debido a las circunstancias que rodearon su producción. El trabajo conocido también como "ROIR cassette" fue grabado con un esfuerzo tremendo, mientras los componentes del grupo hacían malabarismos para sobrevivir sin techo y totalmente arruinados en el Lower East Side, en un estudio improvisado en una tienda de cristalería abandonada, que había sido convertida por el productor de la banda en el centro nervioso de una creciente comunidad como era el NYHC. Temas como "Sailin' On" "Attitude" "Banned In D.C" o "Pay to Cum" fueron en su tiempo la música más rápida jamás grabada en una cinta. Por no mencionar que el álbum fue creado por cuatro tipos negros, rastafaris obsesionados, que venían del jazz fusión antes de dar el salto al hardcore punk. Lo que crearon no ha envejecido ni un ápice, y esa situación no tiene visos de cambiar. link: http://www.youtube.com/watch?v=BBtc26TO3f4 11. Singles Going Steady - The Buzzcocks Another Music in a Different Kitchen (1978) tiene el arrebato del debut: esa necesidad por meter tantas caras como tenía la banda. O tantas como creía tener. Junto a canciones absolutamente mágicas como ‘I Don´t Mind‘, aparecen auténticas barbaridades como la extrañísima ‘Sixteen’ (¿existe el britflamenco-punk?), explosiones adolescentes a las que les faltó un cocinado (’Fiction Romance‘, uno o dos peldaños por debajo de singles como ‘What Do I Get‘, que también está incluidos como extras en el primer cd) y los siete minutos como unos The Fall sin mala baba de ‘Moving Away From The Pulsebeat‘. Nota Another Music Este debut, aún siendo inferior a las canciones que los Buzzcocks sacaron fuera de él (claro que, a ver quién podía repetir diez veces algo como ‘Orgasm Addict‘, es sin duda uno de los mejores discos largos del punk y en esta completa edición especial aún parece más enorme. link: http://www.youtube.com/watch?v=_yjTp2EMIdo 10. Walk Among Us - The Misfits Damas y caballeros… con todos ustedes The Misfits. Sin duda, una de las mejores y más influyentes bandas de punkrock de la historia. Formados en 1977, han sido (obviamente) compañeros de escena de otros grupos de punkrock sobradamente conocidos, pero en su caso con importantes matices que les diferencian del resto… y es que, mientras el resto de bandas hablan exclusivamente de política, en las canciones de The Misfits aparecen temas relacionados con las películas de terror (de serie B), de ciencia ficción, esqueletos, calaveras, zombies, vampiros, monstruos y cuentos desde la cripta, todo ello aderezado con una estética muy peculiar y muy característica, que les ha acompañado a lo largo de los años y que ha inspirado a tantísimos otros grupos. Así pues, tenemos ante nosotros ‘Walk Among Us’ que con tan sólo 25 minutos de duración empaquetan 13 cortes pegadizos, rápidos y agresivos. Con un Glenn Danzig en plena forma vocal y un Jerry Only apoyando en los coros de una forma excelente. Por otro lado, Misfits se han caracterizado siempre, como muchos otros grupos de punkrock, por tener una influencia y un regusto muy 50s y 60s, pero en su caso mucho más marcado que los demás (especialmente en la creación de melodías vocales). El disco cumple, técnicamente, con el estereotipo punk: técnica simple, producción escasa y contundencia e inmediatez. Pero no cabe duda de que The Misfits son uno de los grupos que mejor se desenvuelven con los ‘power chords’ y los punteos simples. El trabajo más elaborado y contundente está, sin embargo en las pegadizas melodías. ‘Walk Among Us’ es un disco imprescindible para cualquier aficionado al punk, al horrorpunk, a la música y, por supuesto, a The Misfits. Es un clásico que nadie que esté interesado en el punkrock debería perderse. Una de esas piedras angulares que han contrubuído a escribir la historia de este género y sin el cual, no me cabe la menor duda, las cosas no sería como han sido. Imprescindible. link: http://www.youtube.com/watch?v=n7qp6q52iRo 9. Germ Free Adolescents - X-ray Spex Me escucho hoy “Oh Bondage! Up Yours!”, el primer single que publicaron X-Ray Spex en otoño del 77, y me pregunto por qué me gusta tanto. Porque si aíslo las piezas que lo levantan, hay algunas que me horrorizan: concretamente un riff de guitarra bastante chabacano y un saxo que quizás diferenciaba al grupo de sus contemporáneos pero que es tirando a vulgar (no, no es el de James Chance, precisamente). Pero luego está esa letra en plan himno bondage-riot: un arma arrojadiza que escribió la gran Poly Styrene. Casi un monigote de dibujos animados, el histrionismo del personaje que se creó la letrista y cantante Marianne Elliott comunicaba todo lo que debía comunicar el punk: desfachatez, angustia, provocación, diversión, rebeldía y, muy especialmente, afirmación individual y derecho a la identidad (muchas canciones se expresan explícitamente desde el YO: “Art-I-Ficial”, “Identity”, “I Am A Poseur”, “I Am A Cliché”, “I Can’t Do Anything”, “I Live Off You”...). link: http://www.youtube.com/watch?v=k6IzDA-3UsQ 8. Suffer - Bad Religion Los Minor Treath de Ian Mcaye en su etapa pre Fugazi, los Black Flag del pitbull Henry Rollins, Adolescents, Social Distortion, 7 Seconds y un largo etc. formaban parte de la escena norteamericana encargada de gritarle al sistema. Pero esa nueva definición del punk que vino a llamarse Hardcore se amplió por parte de 5 jóvenes idealistas. Como vocal de las injusticias que el gobierno creaba, Greg Graffin despertó a una juventud desencantada, sin líderes ni referencias, de una forma clara y directa. Fue como tirar una jarra de agua fría en mitad de un cómodo sueño, y la cristalina voz de Graffin entró directamente, sin llamar, por la puerta principal de nuestras escondidas esperanzas de futuro, haciéndolas aflorar y dotándolas de un sentido hasta entonces desconocido. Bad Religion se iban a convertir en los Mesías de la mala religión, en “speakers” de un (nuestro) negro futuro que teníamos la obligación de cambiar. Sólo con escuchar los celéricos primeros acordes de “You´re the Goverment”, tema que abre el disco, comprobando la frescura que desprendían las guitarras de M. Brett y Greg Hetson, unida a una base rítmica monocorde de la que se encargaban Jay Bentley al bajo, y Pete Finestone a la batería, nos ofrecían un estilo hasta ese momento desconocido, a la par que familiar. “Best for You”, “Do What You want”, “1000More Fools” eran títulos explícitos e irónicos acerca de la realidad social. Greg Graffin y Mr. Brett se iban a convertir en dos de los mejores escritores de canciones de su generación, mejorando con el tiempo, como se iba a comprobar en “No Control” (Epitaph, 1989) y “Against the Grain” (Epitaph, 1990). Estos dos títulos, unidos a Suffer, forman la trilogía del Hardcore melódico por excelencia. link: http://www.youtube.com/watch?v=00z2mAcECPg 7. Damaged - Black Flag “Damaged” es el disco que hay que tener si se quiere entender de qué va eso del Hardcore Punk, aunque no estoy muy seguro de que queráis hacerlo. Esto es mucho más aspero y duro que los Dead Kennedys, en parte porque la voz de Henry Rollins es mucho más áspera y dura que la de Jello Biafra y en parte porque Black Flag, en este punto de su carrera, representaba esa faceta del Punk que le interesaba hacer el mayor ruido posible y tocar lo más rápido posible. La música exclama “AGRESIÓN”, como la mismísima portada del disco, así que quien se adentre en los infiernos del Hardcore que vaya advertido: esta no es música para sensibleros… si esos sentimientos no se corresponden a ganas de partir la televisión con un bate de béisbol, claro está. Parece mentira que el Hardcore Punk tuviera su mayor esplendor en los 80, en esa época de los sintetizadores, las cajas de ritmo y las voces afectadas. ¿Quién sabe? Igual habría sido Punk si hubiera vivido esa época… link: http://www.youtube.com/watch?v=bZmyTPaexoU 6. 13 Songs - Fugazi Pocas bandas me inspiran tanto respeto y admiración como Fugazi, la eterna banda de culto del ex Minor Threat Ian MacKaye, eso si, de culto por decisión propia y nunca, pero nunca, por falta de suerte y/o talento, algo que no estoy en condiciones de afirmar para la gran mayoría de artistas que se autodenominan de esta manera. ¿Por que por decisión propia?, porque la música de Fugazi viene acompañada de una fuerte ideología política, social y económica que choca de lleno con el negocio de la industria musical, una mirada crítica y antisistémica por la cual la banda ha sabido negarse, entre otras cosas, a firmar para una multinacional, a cobrar más de 5 dólares por concierto, a dar entrevistas a grandes medios, a comercializar merchandising, a filmar videoclips, etc., etc., etc. Y que quede bien claro una cosa, a mi en la música las cuestiones ideológicas ni me van ni me vienen, pero no por ello voy a ignorar que mucha gente se ha hecho eco del pensar y sentir de esta banda, y que por tal motivo para muchos Fugazi no es solo un buen grupito de rock americano, no señor, esta banda representa algo así como un modelo de vida a seguir, y al menos yo los siento mucho más coherentes y convincentes que otros supuestos revolucionarios antiimperialistas del rock (¿alguien dijo RATM?...) En el plano estrictamente musical, la clave de Fugazi pasa por un estilo intensamente simple y extremadamente personal, un sonido propio e inconfundible al que la mayoría ha bautizado como post-hardcore, otros como indie rock (supongo que por ser unos eternos cultores de lo independiente, del “hazlo tu mismo”), hay quienes de paso también le endosan la etiqueta punk, que para mi es más bien una de sus tantas influencias, tan notoria como la del post punk británico, y en este sentido la lista es muuuy larga, por lo que a mi también me gusta llamarlo simplemente rock alternativo (un poco ambiguo, lo se), pero más allá de esta batalla perdida, e innecesaria, que es tratar de encuadrar a Fugazi bajo un único género, de lo que si puedo (y quiero) dar fe es que su música contiene una energía muy singular, la mezcla perfecta entre las pelotas de King Kong y la delicadeza de Bambi, actitud y sensibilidad en partes iguales, y en este disco, ambas se encontraban en su máximo estado de pureza. link: http://www.youtube.com/watch?v=iklIE9XUUQs 5. Fun House - The Stooges Hoy en día si escuchamos cualquier radióformula convencional estilo Los 40 principales, costaría pensar que la música rock un día pudo ser considerada como algo peligroso, dañino y subversivo. Pero hubo un momento en que las cosas fueron distintas y dicha teoría, que hoy día nos puede parecer ingenua, estuvo mas próxima a la realidad con algunos ejemplos que hicieron que todo esto no fuera solo (aunque en la mayoría de casos, si) la obsesión de determinadas mentes demasiado conservadoras en su cruzada contra un estilo musical concreto y rompedor de normas. En 1969 la década de los 60 y todo lo que elló conllevó eran prácticamente historia, de los grupos nacidos en aquellos años solo algunos como The Doors o The Velvet Underground se mantenían realmente vivos o en un momento creativo aún inspirado, aunque en una etapa oscura: supervivientes de un bonito sueño que estaba muerto y enterrado. "Fun House", el segundo disco de los STOOGES, todavía contiene todas las razones por las que el rock´n´roll fue alguna vez calificado de peligroso y pernicioso para la sociedad. Es violento, salvaje, ruidoso, agresivo y sexy. Llama a la revuelta callejera, quemar rueda y gasolina, consumir drogas baratas y no cumplir con las normas esenciales de la buena educación. Explora la delgada y peligrosa línea que separa la agresión del contacto sexual, y se precipita a ambos lados. Es eléctrico y rápido. Perezoso y dejado. Bruto, estúpido y sin refinar, pero también muy sofisticado. Es un disco de rock´n´roll perfectamente imperfecto e imperfectamente perfecto. Una auténtica obra maestra casi accidental. link: http://www.youtube.com/watch?v=CMRP4qo137I 4. Nevermind the Bollocks - The Sex Pistols Si ha habido algo corrosivo en la historia musical, es ésto. Mucho los tachan de fraude, etc. La cuestión es que ellos inventaron el Punk anarquico y rebelde, inventaron el pogo!!!. la corriente más importante acaecida en el Rock hasta ese momento. 1977, ése fue el año mágico. Antes habían estado Ramones o Clash, e incluso antes MC5 y los Stooges, pero los que nos ocupan fueron los definitivos 12 pistas que son cañonazos en la cara, desde la contagiosa melodía de Holidays In The Sun (hoy el festival de Punk, Hardcore y Oi! más importante de Inglaterra se llama así, `para que os hagáis una idea de la importancia de nuestros protagonistas y su legado), pasando por la suciedad enorme de Bodies y el descaro sin límites de No Feelings. Con God Save The Queen, me dan ganas de repartir puñetazos en la cara al primero que me encuentro. Cantar con esa ácidez e ironía en la Inglaterra de los setenta "Dios salve a la reina" no era muy aconsejable ni políticamente correcto. Y ese final: 'No future, No future, No future for you, No Future, No Future, No Future for me' Joder, más punki imposible. En esos simples versos se resume toda la actitud nihilista propia de la generación Punk. Problems es muy rockera, y es que si algo tuvo bueno este grupo, fue a Steve Jones. La guitarra suena cerdísima, pero al mismo tiempo bien tocada, con correctos solos de claro aire cincuentero, ya que bien sabido es que los Punks admiraban en imagen y sonido a los rockers antiguos como Little Richard o Chuck Berry por su provocación y transgresión. Anarchy In The U.K. es otro hito enorme. 'I am the antichrist', reza Johnny Rotten con su rasgada voz al comienzo del tema, llamando a la juventud inglesa a la rebelión. Mágico. El resto del disco transcurre por similares caminos, siendo Pretty Vacant especialmente memorable, a mí es que me emociona ésta canción, como todas las del álbum. Es un disco magistral, una absoluta obra maestra que todos los que lean ésto deberían poseer en sus estanterías. No tiene un solo tema de relleno, es asombroso en su conjunto, pero yo me he dedicado a comentar lo más representativo para orientar por encima. En días como hoy, en que llaman Punk a mierdas como Avril Lavigne y Tokiohotel descubrir éste disco es necesario. Que aprendan algo útil las nuevas generaciones, o al menos que respeten el pasado. link: http://www.youtube.com/watch?v=EB7xiNh3sJA 3. Fresh Fruit For Rotting Vegetables - Dead Kennedys El debut de Dead Kennedys marcó un antes y un después en la historia de las canciones, de la música con letra o de la letra con música, según jerarquize cada cual. Supuso la irrupción en el mundo de una banda con una personalidad propia tan gigantesca que se convirtió de la noche a la mañana en el centro de atención de mucha gente en muchos lugares del mundo, dando lugar a ilustres secuelas. La primera canción del disco arranca alto y claro proponiendo el exterminio de los pobres mediante bombas de neutrones, para así eliminar "lo superfluo" sin destruir la propiedad privada, que de esta eficaz manera podría pasar limpiamente a los ricos, para su uso y disfrute. Esta canción salió también en un single cuya portada representaba una enorme excavadora que se llevaba cientos de los consiguientes cadáveres. Irritante y monstruoso, ¿verdad? Todo por la ironía, lo que sea con tal de desenmascarar a los ricos, a los gobiernos, a las grandes empresas y demás "malos" de la película de la vida, a base de exagerar sus intenciones hasta lo inconcebible (o no). En las últimas décadas se han escrito folios y folios de crítica social, de queja o exigencia de cambios, pero no como éstas. Aquí está la fuente de la que tantos han bebido después. No es posible seguir comentando las catorce temazos que conforman el disco, siempre aceleradas y poderosas, sin escribir una especie de tesina de naturaleza filosófica, así que me quedo con un par de ellas que me tocan la fibra especialmente: la terrorífica Let’s lynch the landlord (el título lo dice todo) y la más terrorífica aún si cabe Holyday in Cambodia (en fin, tres cuartos de lo mismo). La primera es de esas canciones rematadamente bonitas de DK, cuya belleza es un arma arrojadiza usada para dar mayor teatralidad a una letra demoledora; la segunda es directamente demoledora sin más toda ella, como una bola de esas con las que se derrumba edificios, y estalla en un estribillo que me pone los cataplines por pajarita. Y es que la música de esta gente solía volverse más melódica y bailable cuanto más cafre se iba poniendo la letra. Angelitos. link: http://www.youtube.com/watch?v=sZzWcOYxCNQ 2. The Clash - The Clash Más que un disco, lo que tengo hoy en mis manos es un trozo de historia, un momento clave en la evolución del rock, 14 canciones (15 s/la versión americana) que constituyen mucho más que el contenido de un homónimo disco debut, se trata de un documento que avala al punk como el movimiento más amenazante y crítico de la económicamente devastada y monárquica Inglaterra de los 70. Un álbum tan clave e indispensable como el Never Mind The Bollocks de los Sex Pistols, banda con la cual compartieron el liderazgo de un mismo movimiento, pero enfocado con ópticas totalmente distintas. Mientras que los Pistols se aferraron al nihilismo para manifestar su desencanto ante el desolador presente que los rodeaba, The Clash apostó fuerte por la ideología para transmitir ese mismo desencanto y enfado del cual se nutrían todas las bandas precursoras del punk ingles. Los Pistols y The Clash representaban las dos caras de una misma moneda, la nihilista e iconoclasta vs la ideológica y participativa, ambas despotricando contra el presente, pero esta última sin resignarse a la idea de que se puede construir una sociedad más justa y equitativa. Resaltar canciones por sobre el resto es una tarea meramente caprichosa y circunstancial, sobre todo si nos basamos en la calidad como único parámetro, ya que de ser así debería afirmar que estamos en presencia de uno de los discos más parejos que recuerde. Pero aún así hay clásicos (varios por suerte), pero no porque sean mejores que el resto, si no talvez su condición de singles o por tratarse de canciones que resultaron perpetuadas a lo largo del tiempo en sus directos. (White Riot, London Burning, Police & Thieves) The Clash (disco y banda) se prestan para invertir litros de tinta en cuestiones musicales y extramusicales. Al fin de cuentas estamos hablando de Strummer-Jones, una de las duplas compositivas más sagaces, creativas y comprometidas de la historia grande del rock, de ahí que quien nunca haya reparado en este álbum lamentablemente se está perdiendo mucho más que un disco... link: http://www.youtube.com/watch?v=r-BglLn9E7c 1. Ramones - The Ramones El podio como no podia ser de otra manera es para el debut de los Ramones, el disco que inventó el Punk, ese género que revitalizó al Rock y lo libró de bandas cansinas e indeseables. Fue ésta la ópera prima del grupo más importante del Punk, y uno de los más importantes de la Historia Del Rock. ¿Qué decir de éste álbum? ahí tenemos la inmortal "Blitzkrieg Bop", la genial "Beat On The Brat", el precioso medio tiempo "I Wanna Be Your Boyfriend", la dura y peligrosa "53rd & 3rd" y su letra autobiográfica... En la América de los años 70, donde todo parecía estar gobernado por dinosaurios aburridos en algunos casos, o música disco que para el rockero medio era demasiado hortera, surgieron estos chavales dispuestos a comerse el mundo a base de 3 acordes y letras inocentonas y emocionantes. Porque básicamente, las canciones de los Ramones indicaban que era lo que querían en ese momento o lo que no querían, indicado por títulos que empezaban muchas veces por "I Wanna" o "I Don't Wanna", lo que es, en definitiva, una reivindicación absoluta del Carpe Diem, de que disfrutes del momento, de que no te preocupes por lo que venga y te limites a ver lo que está frente tus ojos en ese mismo momento. Una filosofía natural que permitía sobrellevar mejor la dura vida de miles de chicos y chicas como ellos en los duros EEUU setenteros, así como al otro lado del charco, con los descontentos y parados adolescentes ingleses. En fin, nos encontramos ante una obra maestra por derecho propio y ante un álbum base que todo el que se precie de amar el Rock, en el más amplio sentido de la palabra, debe poseer en su discoteca particular. Un disco que, como he comentado, refleja la inmediatez, el instante, como si de una fotografía de 2 minutos se tratase, en perfecto blanco y negro, sin colores innecesarios y recargantes, como bien refleja la portada. Uno de los mejores discos de la historia musicalmente y uno de los más importantes por lo que significó en la vida de mucha gente. Viva Ramone! link: http://www.youtube.com/watch?v=lbqWFf-L9_E

Antonin Artaud, Locura y genialidad. link: http://www.youtube.com/watch?v=VJS9SKz7yog "No ha quedado demostrado, ni mucho menos, que el lenguaje de las palabras sea el mejor posible" esta frase del genial Antonin viene genial para ilustrar un poco lo mucho que me transpone esta alucinante canción. De alguna manera un homenaje al genial frances por parte de la banda de Northamptonshire, una excelente carta de presentación para un post de este gran escritor y una oportunidad irresistible de vibrar y bailar con las sombras de nuestra propia locura. Aunque son muchos los nombres que recordamos al momento de hablar sobre el surrealismo (Dalí, Buñuel, Cocteau, etc.), sin duda de entre todos ellos destaca el de André Breton, a quien se considera el fundador del movimiento en especial porque tuvo el mérito de resumir un cúmulo de inquietudes —algunas heredadas, otras totalmente novedosas y por ello todavía inaprensibles para la mayoría— que se respiraban en las corrientes artísticas y de pensamiento desarrolladas en el llamado período de entreguerras. Breton, en 1924, dio unidad a estos vectores antes dispersos al redactar y publicar el Primer manifiesto surrealista, documento en el que repudiaba los cuestionables logros de «la actitud realista» y, apoyándose un tanto en las recientes ideas de Freud y otras de poetas franceses de generaciones anteriores como Apollinaire y Nerval, invocaba la pertinencia del inconsciente en la creación artística, la posibilidad de que la literatura, por ejemplo, se hiciera no por medio de la voluntad dirigida por la razón y el juicio, sino con el automatismo de quien se abandona al pensamiento en su estado más puro, más libre, más absoluto. Uno de los conflictos más importantes en la historia del surrealismo se dio en 1927, cuando Breton y otros surrealistas prominentes (Aragon, Éluard, Benjamin Péret y Pierre Unik) decidieron ingresar al Partido Comunista, a pesar de que ya entonces comenzaban a sugerirse las prácticas totalitarias y represivas a las que Stalin, en la URSS, el polo irradiador del comunismo de Estado, daría libre curso apenas dos o tres años más tarde. Pero su decisión no la compartieron ni siguieron todos los surrealistas, entre cuyos disidentes se contó uno tan importante como Breton, con talento y genialidad semejantes pero, políticamente y quizá también en cuanto a personalidad, su inverso, la antítesis necesaria para desatar el nudo de la creación artística: Antonin Artaud. Allí donde otros exponen su obra yo solo pretendo mostrar mi espíritu. A. A., El ombligo de los limbos Artaud nació en el mismo año que Breton, 1896, solo que en septiembre, el día 4. Provenía de una familia de griegos asentados en Marsella y desde muy joven sufrió una condición nerviosa que terminó por conducirlo a la reclusión clínica. Antes, sin embargo, vivió una vida ajetreada y de vaivenes, en especial luego de su llegada a París, a los 24 años, donde simultáneamente se reveló la fertilidad de su escritura y comenzó a entrar en contacto con distintos círculos artísticos y de las letras. A Breton, por ejemplo, lo conoció en octubre de 1924, poco antes de que este diera a conocer el Primer manifiesto y ya cuando Artaud había publicado varios poemas —de los que sobresale Tric trac del cielo— y dejado de trabajar en el Thé"tre de l’Atelier, logros ambos que le auguraban un futuro sólido como poeta y dramaturgo. Simone Breton, esposa de André, dijo esto de Artaud en una carta a su prima Denise Lévy: «bello como una ola, simpático como una catástrofe». Quizá por todo esto poco después de su encuentro Breton confió a Artaud el “Comité de investigaciones surrealistas”, oficina encargada de «recabar por todos los medios apropiados las comunicaciones relativas a las diversas formas susceptibles de propiciar la actividad inconsciente del espíritu». Desde esta posición Artaud se convirtió, un poco de facto, en la cabeza más visible del movimiento surrealista, en detrimento de Breton. Durante los siguientes años la inquieta vivacidad de Artaud se revelaría como rasgo inequívoco de su genio al dar a la imprenta otros poemas importantes como El ombligo de los limbos y El pesa nervios, dirigir la revista del surrealismo (La Révolution surréaliste) y fundar, junto con Roger Vitrac y Robert Aron, el Thé"tre Alfred Jarry. Por desgracia la cercanía entre Breton y Artaud no duró más allá de 1927. La ruptura se dio por la negativa de Artaud de seguir a sus compañeros en su afiliación al Partido Comunista. Estos no vacilaron entonces en denostar a Artaud, en señalar la banalidad de sus obras que eran la respuesta obvia a su nulo compromiso político. En una carta pública, suscrita por Aragon, Breton, Eluard, Péret y Unik, llamaron a Artaud «enemigo de la literatura y de las artes», para después respirar aliviados: «Hoy hemos vomitado a esa canalla». Artaud por su parte contestó no menos visceralmente. Los suyos eran motivos más elevados que los del, aun en toda su grandeza, simple surrealismo. La vanguardia es un medio, no un fin, quiso decir en A la gran noche o el bluff surrealista: «El surrealismo nunca fue para mí más que una nueva especie de magia. La imaginación, el sueño, toda esta intensa liberación del inconsciente que tiene por objetivo hacer aflorar a la superficie del alma lo que habitualmente tiene escondido, debe necesariamente introducir profundas transformaciones en la escala de las apariencias, en el valor de significación y en el simbolismo de lo creado. […] El más allá, lo invisible, rechazan la realidad. El mundo ya no se sostiene. Es entonces cuando uno puede comenzar a acribillar los fantasmas, a detener los falsos semblantes […]. »Que la espesa muralla de lo oculto se derrumbe de una vez por todas sobre todos estos charlatanes impotentes que consumen su vida en desaprobaciones y en vanas amenazas, sobre estos revolucionarios que no revolucionan nada». La cultura no está en los libros ni en las pinturas ni en las estatuas ni en la danza, está en los nervios, en la fluidez de los órganos sensibles, en una especie de maná que duerme y que puede colocar al espíritu en una actitud de receptividad muy alta y de inmediata receptividad total que permite actuar en el sentido más digno, elevado y también más penetrable y fino. A. A., en carta a Jean Paulhan (19 de julio de 1935) A pesar del rompimiento con el grupo surrealista, Artaud no abandona su labor artística. Pero más allá de sucesos y publicaciones sin duda importantes en la historia de la literatura, el siguiente étage de verdadera trascendencia personal en el que recala es un viaje a México realizado en 1936, con la intención de descubrir una cultura que quiere virgen, ajena a las perversiones de la racionalidad europea y cartesiana, que desconozca la lógica occidental, la mecanización de la vida, la burocratización del arte, «una cultura mágica que aún es posible desentrañar del suelo indígena», pensaba Su viaje, sin embargo, y quizá por su misma personalidad, su fragilidad nerviosa y mental, obedecía menos a impulsos materiales o circunstanciales que a un secreto deseo de renovación espiritual. Artaud viajaba, dice Luis Mario Schneider, «decidido a arreglarlo todo para cambiar de vida». Acaso como si en el país existiera una gigantesca pero invisible piedra imán que lo atrajera, una creada exclusivamente para sincronizarse con sus deseos y sus inquietudes, Artaud llegó a México y si bien dictó conferencias para la Universidad Nacional y escribió para dos o tres periódicos de renombre, terminó encaminándose, casi inevitablemente, al que llamó “el país de los tarahumaras”, el corazón de la Sierra chihuahuense. Y aquí la historia se enturbia, no porque la información al respecto sea escasa o confusa, sino por las condiciones mismas de la travesía de Artaud, como si seguirle el paso en su traslación espiritual, por personalísima, se vuelva una empresa difícil y quizá imposible. ¿Cómo hablar de la experiencia de Artaud entre los tarahumaras si él mismo, en los escritos que dedicó al tema, trastabilla y duda, como si hubiera llegado a ese punto en el que, como quería Kafka, «ya no hay regreso posible» y en el que se revela además de la insuficiencia de las palabras, la banalidad de estas? Ese momento inefable de comunión espiritual en el que el ser se siente despojado de todas las ataduras y vicisitudes del mundo, ajeno y aislado e inesperadamente satisfecho, vuelto uno con ese hálito primero que recorre a todos los seres insuflándoles vida y sentido. «Yendo hacia Dios hallé a los tarahumaras», escribió Artaud. Como sabemos, durante su estancia con los tarahumaras Artaud buscó y presenció diversos ritos, ansioso como estaba de atestiguar la esencia viva de una tradición distinta a la europea dominante. «No quiero colocarme en el punto de vista de lo pintoresco para relatar este viaje, sino en el de la eficacia», escribió a su amigo Jean Paulhan, con quien se carteaba a menudo. Además de una ceremonia que Artaud remonta a la Atlántida en la que se sacrifica un toro, el rito que marcó para siempre al poeta fue su contacto con el peyote, no como una ingesta cualquiera, sino enmarcado total y estrictamente en la cosmovisión de los indígenas, en la cual «el ciguri no es solo “una planta” sino un ser y que el peyote es “un principio magnético y alquímico maravilloso”». «Tuve la impresión», dice Artaud rememorando su experiencia, «de despertar a algo con respecto a lo cual hasta entonces era yo un mal nacido y estaba mal orientado, y me sentí colmado por una luz que nunca había poseído». Artaud mismo batalla para fijar en palabras dicho episodio. Recuerda sin embargo una temporada, aproximadamente veinte días, en la careció por completo de voluntad y casi de conciencia, como si se resistiera a abandonar ese estado de gracia que pudo conocer gracias al peyote. Recuerda, por ejemplo, que lo subían y bajaban del caballo sin que él interviniera en la acción. Hasta que un día llegó un brujo que, para pesar suyo, lo devolvió a este mundo y esta realidad. Aunque no completamente: desde entonces una parte de Artaud vivió siempre en ese otro lado, atenta u obsesionada por descifrar el suceso, por encontrar las palabras justas que expresaran y revelaran a sus semejantes el goce la comunidad, la completud, el radiante éxtasis después del cual nada vuelve a tener luz propia en este mundo de sombras y siluetas. Durante años —y las fechas mismas de sus escritos lo consignan— Artaud volvía sobre su experiencia con el peyote, sobre los pasos de este viaje que terminó, como él quería aunque quizá no de la forma que esperaba, por renovar su espíritu. Hubo un tiempo en que el artista era un sabio, esto es, al mismo tiempo un hombre culto, un taumaturgo, mago, terapeuta y hasta gimnasiarca. A. A. Lo que vine a hacer a México Fue poco después de su viaje a México, ya de regreso en Francia, cuando Artaud acuñó una de las nociones dramatúrgicas más arriesgadas y la que terminaría por echar sobre su figura un velo de misterio y culto que pervive hasta nuestros días. Al idear el llamado “Teatro de la Crueldad”, Artaud intentó devolver al arte ese elemento catártico que este había perdido desde que se tornó coto exclusivo de los valores positivos de la burguesía: «Sin un elemento de crueldad en la base de todo espectáculo, el teatro no es posible. En el estado de degeneración en el que nos encontramos es por la piel por donde volverá a entrar la metafísica en nuestro espíritu». Si bien Artaud fue un tanto ambiguo, acaso deliberadamente, al momento de establecer directrices para llevar a escena obras que persiguieran dicho fin, queda claro por lo menos que se proponía rescatar ese elemento del arte —sea bajo la forma del cine, la literatura o cualquier otra disciplina— que conmueve al espectador, que lo confunde y lo trastorna, que lo saca de su normalidad por un instante y le muestra posibilidades que antes no había contemplando, situaciones insólitas, realidades inimaginadas, de preferencia poniendo en juego algo más que la mente y los sentimientos, llevando a cuadro el cuerpo mismo, su fragilidad, sus reacciones, los humores que despide en momentos de crisis y peligro. Un poco a la manera de Kafka: «Si el libro que leemos no nos despierta como un puño que nos golpeara en el cráneo, ¿para qué lo leemos? ¿Para que nos haga felices? Dios mío, también seríamos felices si no tuviéramos libros, y podríamos, si fuera necesario, escribir nosotros mismos los libros que nos hagan felices. Pero lo que debemos temer son esos libros que se precipitan sobre nosotros como la mala suerte y que nos perturban profundamente, como la muerte de alguien a quien amamos más que a nosotros mismos, como el suicidio. Un libro debe ser como un pico de hielo que rompa el mar congelado que tenemos dentro». Estabas muerto, y he aquí que, una vez más, te sientes vivo, —SOLO QUE, ESTA VEZ, ESTÁS SOLO. A. A. El arte y la muerte Artaud terminó sus días atormentado por el demonio de la locura y la enajenación. Después de pasar varios años entrando y saliendo de distintos manicomios, desde 1942 hasta 1946 estuvo recluido en el hospital psiquiátrico de Rodez, al sudoeste de Francia, donde, a pesar de todo, continuó escribiendo, cartas sobre todo y algún otro texto de intenciones mayores, como Van Gogh, el suicidado de la sociedad. También dibujaba y componía conjuros, además de elaborar cartas astrales (porque Artaud desde siempre creyó en la astrología, «no como un medio de baja adivinación analítica y objetiva, sino como una serie de indicaciones interiores, de los trayectos y de las modificaciones afectivas»). Al final, como si Artaud supiera de antemano cómo transcurrirían sus últimos días y se hubiera apresurado a dejarlo por escrito mientras todavía tuviera lucidez, se cumplió lo que dejó consignado en El soñador defectuoso: «lo único que pido es una cosa, que me encierren definitivamente en mi pensamiento». Obras Artaud - Artaud el momo.pdf Artaud - Carta a los poderes.pdf Artaud - Cuadernos de Rodez.pdf Artaud - El ombligo de los limbos.pdf Artaud - El teatro y su doble.pdf Artaud - Para terminar con el juicio de dios.pdf Artaud - Poemas.pdf Artaud - Teatro de la Crueldad.htm Artaud - Van Gogh, el suicidado por la sociedad.pdf Soy metafisica violenta Soy surealista apocalíptico Soy la encarnación de Napoleón y estoy condenado a un manicomio Esperando en la tarde la dosis que calma el miedo Soy distorción intelectual Soy verborrea visceral Estoy negado y encerrado Esperando en la tarde la dosis que calma el miedo Esperando en la tarde la dosis que calma el miedo Soy el organo motor Soy el rojo saturado Soy metafisica violenta Estoy loco e ignorado Esperando en la tarde la dosis que calma el miedo Esperando en la tarde la dosis que calma el miedo..... "Antonin Artaud -Zapato 3"

Caricaturas de Robert Smith

Ok Computer - Radiohead (1997) Artista: Radiohead Publicación: 1997 Discográfica: Parlophone Calificación:10 Mejor canción: Paranoid Android/2º Puesto: Lucky Canciones: 1.Airbag/2.Paranoid Android/3.Subterranean Homesick Alien/4.Exit Music(For A Film)/5.Let Down/6.Karma Police/7.Fitter Happier/8.Electioneering/9.Climbing Up The Walls/10.No Suprises/11.Lucky/12.The Tourist/ Las nuevas tecnologíasn y un odioso sistema acaparan el mundo y a Thom le aterra esa idea, toda esa autodestrucción parece ser inminente y el mundo no hace nada, y Yorke, no más puede hacer que transportar la deshumanización a la música. Pero como todo tiene una cara y un reverso, la banda consigue sacarle algo bueno a las tecnologías, para hacer, el que es para muchos el mejor disco de los 90s y sus posteriores obras.Radiohead alcanza su máximo punto de creatividad en Ok Computer, con unos miembros perfectamente compenetrados y llenos de ideas. The Bends vacilaba entre la simplicidad y falta de inspiración de Pablo Honey y la experimentación y la incursión de nuevos sonidos de Ok Computer. Afortunadamente supieron escoger. En una época donde, la música brit de Oasis y el grunge de Nirvana, controlaba el mundo, Ok Computer fue una ruptura con toda esa monotonía, mostrando diferentes formas de ver la música, mezclando influencias tan dispares como la electrónica, el art-rock, o el rock progresivo de gente como Pink Floyd. También reconocen que querían conseguir algo parecido a Bitches Brew. Ok Computer es un álbum que crea texturas y atmósferas, que realmente parecen espaciales, cada canción tiene su mensaje y es perfectamente transliterado al lenguaje musical. Tampoco olvida esa vena lúgubre/depre que predomina en cada canción de Radiohead y que les hace tan característicos. Otro aspecto que destaco es el trabajo de Jonny Greenwood a la guitarra, a mucha gente no le gusta la técnica de este hombre. Yo lo adoro. link: http://www.youtube.com/watch?v=Ec4rSXjvk_I Abre Airbag, un denso tema con unas guitarras espectaculares, bastante más rockeras de lo que nos tienen acostumbrados y una batería sintetizada consiguiendo un efecto casi electrónico, al estilo de DJ Shadow, y tras esa base, cientos de instrumentos, inflando el tema, y alejándolo por momentos de la Tierra, sensación que Thom tiene después de que un airbag le salvase la vida, como volviendo a nacer. link: http://www.youtube.com/watch?v=tdbLTPy9low Sigue Paranoid Android, "la gran suite de los '90s", y su apodo no es para menos. Dividida en varias partes, comienza con una enfermiza sección, entre guitarras acústicas, gemidos y extrañas percusiones, culminados en un sollozo "What's Thaaaaaaat" mientras una voz de fondo se oye decir "I may be paranoid, but not an android" más todo eso se va al garete cuando la potente guitarra de Jonny aparece con un riff no apto para abuelitas sobre el que Thom grita con rencor "You don't remember, you don't remember, why don't you remember my name?" que cae en una solemne "procesión" bajo la lluvia: "Rain down, Rain down", dando un giro completo a lo que el tema era en un principio. La canción trata principalmente sobre la inestabilidad mental y cambios de estado de animo. link: http://www.youtube.com/watch?v=OwgWsE2k4eA Continúa con Subterranean Homesick Alien...¿Alienígenas? Quién sabe si los habrá, pero si los hay están escondidos en las cuerdas de las guitarras de este tema, capaz de crear una atmósfera realmente espacial con cien arreglos que te hacen olvidarte de tu existencia...y la de otros. link: http://www.youtube.com/watch?v=iMqXj-eVCjI Sigue Exit Music (For a Film), uno de los temas más abrumadores de Radiohead y también uno de mis preferidos. El final de Romeo y Julieta dejó impactado a Yorke, y de eso va el tema, lo que debería haber ocurrido. Comienza con Thom solo frente a las luces, con una acústica acompañándole, y cantando una melodía capaz de bajarle a cualquier persona la moral "Wake from your sleeps". Un teclado parece imitar a un coro eclesiástico, y mientras canta "You can laugh, a spineless laugh" un bajo altamente saturado crea un ambiente oscuro y negro. link: http://www.youtube.com/watch?v=j0R0knoS9qI&feature=related Let Down es de lo más lindo que Radiohead haya hecho jamás, pero su onda habitual. Se acerca más al pop que a nada, con un bajo predominante, que no se nota bajo todas esas capas y capas de arpegios guitarreros, creando un ambiente muy agradable, pero lo mejor es su estribillo, excesivamente pegadizo: "Let down and hanging around". La letra va sobre la sensación de que las cosas no van para bien y tu no puedes hacer nada por arreglarlo, o al menos así la veo yo. link: http://www.youtube.com/watch?v=MWqaCcTVL-4 Sigue el highlight Karma Police. "Tus actos serán los culpables de tu destino", más o menos de eso trata el karma, y Yorke lo metaforiza con el "policía del karma". Una de las canciones más conocidas y sonadas de la historia del rock. La melodía es muy amena y se te queda con facilidad: "Karma police, arrest this man, he talks in maths", acompañada siempre de la incesante guitarra acústica de Thom, y del precioso, PRECIOSO piano a manos de Jonny. link: http://www.youtube.com/watch?v=0P0CL1EqLVc&feature=related Fitter Happier, es un experimento, en la que un robot cuenta la rutina de cada día, mientras un piano y diferentes sintetizadores crean un fondo realmente paranoico. Funciona como enlace entre Karma Police y Electioneering. link: http://www.youtube.com/watch?v=gqhbncZb-j8&feature=related Un tema que no me gusta mucho es Electioneering, el verso y el riff son aceptables, llenos de furia y arremetiendo con todo pero el estribillo es realmente feo, la voz suena fatigada e intenta cantar con potencia, para lo cual no le da. Se salva por el genial verso. link: http://www.youtube.com/watch?v=EgDPkqiXrjc Climbing Up the Walls es lo más perturbador que haya podido oír, Street Spirit es nada al lado de esto. Marcan el ritmo unos porrazos a un bombo y una genial linea de bajo. La voz distorsionada se muestra solitaria, como si un psicópata cantase. Los arreglos de guitarra son insanos, vuelven a uno más loco de lo que el tema está. link: http://www.youtube.com/watch?v=2Lnltl3YoqQ Sigue No Suprises, una de sus mejores baladas. El riff inicial de metalófono (o algo por el estilo) es bellísimo y no menos es la melodía, que fluye por si sola. La letra es abrumadora y apática, diciendo resumidamente, que como todo lo que hagas no valdrá para nada, lo mejor es dejarse caer... link: http://www.youtube.com/watch?v=yIG6883FZxU Lucky es otro de los mejores momentos de Ok Computer. Sigue la linea de otros temas del álbum como Exit Music o Karma Police, pero este es mucho más corpulento y con gran influencia de Pink Floyd, en especial esa aguda guitarra por parte de Jonny Greenwood, que realiza un genial trabajo aquí, con arreglos de wah-wah. La guitarra de Thom, suena muy sincera en este tema, siendo un perfecto acompañamiento para esa irónica melodía, todo un anti-himno al optimismo. link: http://www.youtube.com/watch?v=1Sb3tYXAKrg Cierra The Tourist, tema idóneo para ello, funcionando casi como coda. La melodía es más pobre, pero tiene un deje delirante que la hace majestuosa, especialmente en esos coros "Hey man slowdown, slowdown!". Sin duda el papel más importante aquí lo tiene Jonny realizando un par de solos para ensueño. Quizá algún día la deshumanización sea total. Mientras tanto, ¡disfrutemos de Ok Computer!

Candidatos a Presidente Falta un mes y medio para las elecciones primarias obligatorias del 14 de agosto y muchos no sabemos a quien votar bueno aca estan los candidatos Frente para la Victoria Cristina Fernández de Kirchner: Candidata a Presidenta Amado Boudou: Candidato a Vicepresidente Cristina Fernández de Kirchner: Actual Presidenta de la Nación Argentina. El 21 de junio de 2011 confirmó públicamente su postulación para la reelección, la misma fue una decisión que, según sus propias declaraciones, había tomado desde la sorpresiva muerte a fines de 2010 de Néstor Kirchner, quien era su cónyuge desde 1975, ex Presidente de la Nación (2003-2007), Presidente del Partido Justicialista y firme candidato del Frente para la Victoria para los comicios presidenciales. La actual mandataria recibe el apoyo manifiesto de diversos sectores, entre ellos: el secretario general de la Confederación General del Trabajo (CGT) Hugo Moyano, el secretario general de la Unión Obrera Metalúrgica (UOM) Antonio Caló, el Secretario General de la Federación de Tierra y Vivienda (FTV) y Central de Movimientos Populares (CMP) Luis D'Elía, así como también el de varios gobernadores, legisladores, funcionarios, las asociaciones de Madres y Abuelas de Plaza de Mayo (presididas por Hebe de Bonafini y Estela de Carlotto, respectivamente) y Hugo Chávez (Presidente de la República Bolivariana de Venezuela) quien afirmó, durante la entrega de una distinción en la Facultad de Periodismo de la Universidad Nacional de La Plata, que la mandataria "es la mujer que Argentina necesita ahora para seguir con el rumbo de esta nave". Según encuestas realizadas en junio de 2011 por la consultora Management & Fit y el Centro de Estudios de Opinión Pública (CEOP) posee entre un 33% y 49% de intención de voto, respectivamente. Su compañero de fórmula será Amado Boudou, actual Ministro de Economía y Finanzas Públicas desde el año 2009. http://www.frenteparalavictoria.org/ Unión Popular Eduardo Duhalde: Candidato a Presidente Mario Das Neves: Candidato a Vicepresidente Eduardo Duhalde: Ex Vicepresidente de la Nación (1989-1991), ex Gobernador de la Provincia de Buenos Aires (1991-1999) y ex Presidente interino de la Nación por aplicación de la Ley de Acefalía entre enero de 2002 y mayo de 2003. Lanzó formalmente su precandidatura presidencial el 20 de diciembre de 2010 en un acto en Costa Salguero ante cinco mil personas, con un discurso que duró poco más de cuarenta minutos. Se presentó como el candidato capaz de "pacificar y ordenar" la Argentina, apelando en varias oportunidades al apego al orden y la ley. Duhalde puso como ejemplos a varios presidentes latinoamericanos, tal es el caso de Lula da Silva, Michelle Bachelet y José Mujica; además estableció cuatro puntos principales de su propuesta electoral: políticas de Estado, la restitución de la autoridad y de la paz, la plena vigencia de los derechos humanos "del pasado, del presente y del futuro" y la construcción de un progresismo moderno "con respeto a las instituciones democráticas". Aseguró que con el jefe de gobierno porteño, Mauricio Macri, y otros sectores políticos, ha firmado acuerdos de políticas públicas y que existe la posibilidad de futuras conversaciones. Participó en la preinterna partidaria por regiones del Peronismo Federal frente a Alberto Rodríguez Saá pero, ante graves entredichos con su contrincante, decidió abandonarla y posteriormente alejarse del partido formando un nuevo espacio denominado "Unión Popular".[19] Su compañero de fórmula será Mario Das Neves, gobernador de la Provincia del Chubut. http://www.partidounionpopular.org.ar/ Peronismo Federal Alberto Rodriguez Saa Alberto Rodríguez Saá: Actual Gobernador de San Luis (2003-2007 y reelecto hasta el año 2011). Cerró su campaña el 31 de marzo de 2011 con un acto en el Predio Ferial de La Rural en el cual hizo un repaso de su gestión en San Luis y proyectó sus logros en la provincia a la Nación como parte de su plan de gobierno. http://www.peronismofederal.com/ Unión Cívica Radical Ricardo Alfonsin: Candidato a presidente Javier Gonzales Fraga: Candidato a Vicepresidente Ricardo Luis Alfonsín: Actual Diputado Nacional e hijo del ex Presidente Raúl Alfonsín, quien gobernó entre 1983 y 1989.[22] [23] Lanzó su precandidatura presidencial el 3 de diciembre de 2010 con un acto presenciado por treinta mil personas en la intersección de la calle San José y Avenida de Mayo (Capital Federal). Su eslogan de campaña es "transformar el crecimiento en desarrollo". Manifestó que la prioridad en su plan de gobierno estará centrada en terminar con la pobreza extrema (piensa en un Plan Crianza que contenga a los menores de 5 años), modernizar la matriz energética, darle valor agregado a la industria, federalizar los recursos y acercar la ciencia y la tecnología a la producción, entre otros ejes. Fue declarado candidato oficial del partido tras el abandono de la candidatura presidencial por parte de Ernesto Sanz y Julio Cobos. En junio confirmó que su compañero de fórmula será Javier González Fraga, economista y expresidente del Banco Central, a la vez que oficializó un acuerdo electoral con Francisco De Narváez, integrante de Unión Celeste y Blanco (rama conservadora del Partido Justicialista). http://www.ucr.org.ar/ Coalición Cívica Elisa Carrio: Candidata a Presidenta Adrian Perez: Candidato a Vicepresidente Elisa Carrió: Actual Diputada Nacional desde 2009, fue electa además en los períodos 1995-2003 y 2005-2007. Ex candidata presidencial en el año 2003 (quinto puesto) y 2007 (segundo puesto). Presentó su candidatura el 12 de diciembre de 2010 en el barrio porteño de Recoleta ante poco más de dos mil personas. Su compañero de fórmula es el diputado nacional Adrián Pérez. En el acto de lanzamiento realizó fuertes críticas al kirchnerismo, al Jefe de Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires (Mauricio Macri) y a la Unión Cívica Radical. También se leyeron adhesiones de la pata radical en la Coalición Cívica y del partido de Patricia Bullrich, Unión por Todos; contó además con la presencia de emisarios de Ricardo López Murphy. Durante una conferencia en la Universidad de Belgrano, en diciembre de 2010, dio a conocer los dos principales ejes programáticos: una nueva Ley de Coparticipación "que termine con la chequera que extorsiona a los gobernadores e Intendentes" y una nueva Ley de Educación, al tiempo que afirmó que su gobierno será "el único de los últimos años que va a asumir sin ningún compromiso con las corporaciones económicas o sindicales". http://www.coalicioncivica.org.ar/ Partido Socialista Hermes Binner: Candidato a Presidente Norma Morandini: Candidata a Vicepresideta Hermes Binner: Actual Gobernador de la Provincia de Santa Fe (desde 2007), y ex Intendente de la Ciudad de Rosario.[23] En declaraciones al periodismo en marzo de 2011 comunicó su intención de ir como candidato a la presidencia y volvió a distanciarse de Rubén Giustiniani, senador y Presidente del Partido Socialista. Es alentado desde Proyecto Sur para encabezar la fórmula presidencial.[30] El 11 de junio de 2011, Binner anunció que se presentará como candidato a presidente y eligió como vicepresidente a la senadora nacional por Córdoba, Norma Morandini. http://www.partidosocialista.com.ar Frente de Izquierda y de los Trabajadores Jorge Altamira: Candidato a Presidente Cristian Castillo: Candidato a Viceprisedente Jorge Altamira: Ex-Legislador de la Ciudad de Buenos Aires y dirigente histórico del Partido Obrero, fue electo como candidato a Presidente por el Frente de Izquierda y de los Trabajadores, alianza electoral conformada por el Partido Obrero, el Partido de los Trabajadores Socialistas e Izquierda Socialista en el último congreso de su partido. Otros partidos menores de izquierda también han adherido al Frente. Su compañero de fórmula será Christian Castillo, docente universitario y dirigente del Partido de los Trabajadores Socialistas (PTS). http://www.pts.org.ar/ Proyecto Sur Alcira Argumedo: Candidata a Presidenta Alcira Argumedo: El Movimiento Proyecto Sur, liderado por el Diputado Nacional y candidato a la Jefatura de Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, Fernando Solanas, resolvió finalmente no adherir al Frente Amplio Progresista y concurrir a las elecciones presidenciales con listas propias. La candidatura esta enmarcada en una coalición denominada Movimiento Proyecto Sur, conformada por el Partido Proyecto Sur, el Movimiento Socialista de los Trabajadores (MST), Humanismo y Liberación y el Partido Socialista Auténtico (PSA). http://www.proyecto-sur.com.ar/

Luego del discreto debut de la banda en Kill 'Em All y el sorprendente salto musical y evolutivo de Ride The Lighting, los cuatro jinetes del apocalipisis nos traen de vuelta el mismo sonido con Master Of Puppets, aunque esta vez con un toque diferente. Y es que el álbum, si bien sigue con la potencia, la velocidad y las características básicas de la banda, encontramos acá un nuevo aire que ya se insinuaba, pequeñamente, en su obra anterior. En cuanto a la producción, suena más clara, menos amateur que antes, puesto que el sonido es un poco más limpio y la voz de Hetfield suena muchísimo más entonada. Y ahora sí, amén de los ya conocidos virtuosismos de Burton y Hammet, encontramos a un Ulrich fuera de sí, dando en este Master Of Puppets velocidad y fuerza en la batería, algo tímidamente expresado antes. Y es por todo esto que para mí Master Of Puppets resulta más redondo que sus discos anteriores, en conjunto. Aún podemos disfrutar del mejor Burton, componiendo e influenciando a la banda fuertemente, con ese sabor psicodélico y con toques progresivos, haciendo de Master Of Puppets el disco más importante del thrash metal y uno de los clave en la evolución del metal en general. No hay mucho que agregar, todos sabemos ya la importancia de este plástico. El thrash aquí está adornado con técnica, melodía y cuidadosos arreglos, sin perder ni un poco de su potencia original. Abre el disco con una entrada acústica relajante, para luego explotar en tu cabeza y presentar esos acordes y riffs asesinos en Battery. Líneas clásicas del metal son "lashing of reaction, returning of the action, cannot kill the baterry", tomando un ritmo trepidante y con un solo por parte de Hammett que improvisa y llena de virtuosismo al tema. Sobresaliente. Y luego, un clásico. Un número vital en la historia de Metallica es, señores, el tema Master Of Puppets. La introducción, una serie de power chords atronantes, y luego una serie de riffs para entrar con la potencia de la canción. Y ese coro épico que dice "master, master, master of puppets I'm pulling your strings, twisting your life and smashing your dreams", denunciando en cierta forma a las sectas y a sus líderes que manipulan a la gente de manera opresiva. ¿Y qué hay de la parte intermedia? Una total innovación para una banda trash del calibre de Metallica. La guitarra aquí toma formas de la música clásica, mientras que la sección rítmica incluso se “sensibiliza”, cosa que no sucede muy a menudo en el metal, y la verdad, amigos lectores, este puede ser el mejor momento (musicalmente hablando) de la historia de Metallica. Melodiosa, épica. Para después volar de nuevos los sesos con otro solo de Hammett, un virtuosismo que pone loco a cualquiera. Aquí todos los instrumentos se acoplan, absolutamente todos suenan atronadores, veloces y llenos de fuerza. Un temazo por donde se lo vea, pesado, con partes melódicas en las guitarras y la garra siempre presente. The Thing That Should Not Be es un poquitísimo menos efectiva, y es que tener como antecesor al tema por excelencia del trash es algo muy difícil de superar, aun así, es un tonelada llena de riffs que convierten una linda pradera en un infierno pesado, donde el ambiente es más denso y más oscuro, incluso que las anteriores. Como complemento del álbum puede ser, pero no es un tema básico. A continuacion, Welcome Home (Sanitarium), una balada que viene a hacer el número lento que ocupaba lam maravillosa Fade To Black, a mi juicio, con resultados algo inferiores que su predecesora. Pues porque Welcome Home (Sanitarium) no es en sí una balada como la anterior, sino más bien otro número con partes lentas, y épicas, combinadas con la pesadez de siempre. Otro enfoque, dicho está, donde tiene ritmos trepidantes, y el solo final es muy detacable, en una mezcla de feeling y rapidez por parte de Hammett. Y un Burton que sencillamente sale de sí mismo para demostrar el señor bajista que fue. La segunda parte del disco comienza con Disponsable Heroes, otra demostración técnica de sus integrantes, en lo que ya se convirtió en una pesadilla metálica. Definitivamente no es de los números más conocidos del disco, pero la rescato las letras, con un Hetfield fuera de sí cantando "you will die when I say, you must die", en un manifiesto anti-bélico crudo y realista. Lepper Mesiah me sorprende por la cantidad de riffs aplastantes y cortantes que tiene la canción. Tiene más empuje que la anterior, incluso con un espíritu más rockero y menos metalero. Entramos, aquí, de lleno a la joya del disco, pues Master Of Puppets es la mejor canción, y este es EL instrumental. Hablamos, como no, de Orion, una pieza pesada y a la vez melódica. Comienzan los efectos de Burton en su bajo, hipnótico, distorsionado, para dar entrada a unos power chords y una emoción nunca antes vista en las guitarras. Aquí se puede notar que no todo es virtuosismo, que a pesar de todo siempre quedan momentos para demostrar que la banda podía salirse fácilmente de su repertorio. Y en la parte intermedia encontramos de nuevo a un Burton luciéndose, arpegiando en las cuerdas de su bajo y entrando a mundos que para el oyente casual pueden resultar tan extraños como fascinantes, mientras un Hetfield, con líneas sencillas, le da contrapartida, en una calma sobria, donde la guitarra transmite una sensación de depresión y tristeza, poderosa. Pero de pronto, ¿qué escucho? Sí, señores, un solo de PUTA MADRE del maestro de las cuatro cuerdas que encaja poderosamente en el contexto del instrumental. Definitivamente, Burton es y siempre será EL bajista de Metallica y aquí lo demuestra con creces. Y el final, retomando de nuevo el ritmo principal en fade-out, es otra muestra de que después del descanso hay que volver a romper oídos. A mi parecer Orion es la obra maestra de Burton, y lo mejor hecho por Metallica, salvo excepciones, hasta ese momento. Una muestra del camino que hubieran podido tomar de seguir Cliff Burton vivo. Y cerrando aparece la ultravelocísima Damage, Inc. de nuevo con los ingredientes necesarios para explotar, con un Hetfield más temerario que nunca. Un cierre de lo más espectacular. Una experiencia arrolladora, única en el género. Master Of Puppets está ahí, en la cima del trash metal por darle a éste nuevos aires, nuevas metas a alcanzar. En gran parte, sobre todo, por el gran Cliff Burton, un bajista que no sólo se contentaba con tocar heavy metal, sino que también exploró nuevos caminos, nuevas formas de dotarle al género de más innovaciones. Su última obra con Metallica, resultó ser una despedida a lo grande, sin saber que realmente era el final. Aun así, queda como testimonio esta placa, la que hizo a Metallica un mounstruo en las giras y en los conciertos. Y la que se convertiría en su magna obra maestra, claro, junto al siguiente disco (...And Justice For All).

Año 1980 después de Cristo. Nos situamos a finales del mes de marzo del mencionado año en Sacramento, la capital del estado de California en E.E.U.U. Se han repartido invitaciones a lo ancho y largo del planeta Tierra. En ellas figura el siguiente texto: “Lunes 31 de marzo de 1980 a las 24:00 horas, cementerio de Sacramento, THE CRAMPS en concierto”. En el reverso de la misma aparece la imagen de una cripta junto a un plano para la localización del lugar del evento. No cesa de llover. Ni los más viejos del lugar recuerdan una tormenta de tanta duración y con tamaña intensidad eléctrica. Uno de los ancianos, tachado siempre en su barrio de loco visionario, dice que la tormenta se debe a ese concierto de unos tipejos llamados The Cramps, pero nadie le hace caso. Pero ¿quiénes son esos Cramps? Cuentan que ocho años después vuelven desde Nueva York a la necrópolis donde hicieron por primera vez el amor un tal Erick Purkhiser y Kristy Wallace (conocidos artísticamente como Lux Interior y Poison Ivy). Los diarios relatan que con sus versiones de “Surfin bird” de los Thrashmen, “The way i walk” de Jack Scott, “Domino” de Roy Orbison, “Lonesome town” de Ricky Nelson y esa composición propia titulada “The human fly”, han devuelto el interés por los orígenes del rockabilly y por el garage de los 60. También se dice que en una de sus actuaciones en un sanatorio mental consiguieron poner a bailar y hacer felices a todos los enfermos psíquicos, terapia con la que algunos de ellos pudieron reinsertarse activamente a la sociedad. Además, ciertos sectores ya los consideran como el mayor bastión de un revival muy genuino de los estilos anteriormente indicados, denominado a tal efecto psychobilly, el cual proliferará con carácter de culto durante la década de los 80. Asimismo, otros rumores también se aventuran en afirmar que estos Cramps no son humanos sino vampiros, hombres-lobos o incluso muertos vivientes. Es noche de luna llena. Tres velas alumbran tenuemente el escenario. Una sombra comienza a realizar una especie de ritmo tribal. Acto seguido un foco ilumina el contorno de esa oscura silueta. Es Nick Knock que aporrea con firmeza su batería. Un segundo y un tercer foco marcan las progresivas entradas de las guitarras. Primero la distorsionada e infernal de Brian Gregory, y después la sugestiva e hipnótica de Poison Ivy. Con una atípica originalidad, parece ser que aquí no hace falta bajo que valga. Al compás de los primeros acordes, un tipo con tupé de dimensiones superiores a un par de palmos agarra el micrófono y vocifera: "...Ladies and gentleman, The Crampsssssss!!!..." El espectáculo está servido. Un cuarto foco se dirige hacia la cara de una especie de poseído y perturbado cantante llamado Lux Interior. Está sonando “Tv set”. link: http://www.youtube.com/watch?v=r_a2TruOfjs Los espectadores miran atónitos el acontecimiento. Entre los mismos se hallan caras conocidas tales como el cantante y productor Alex Chilton, ex-lider de Big Star o The Box Tops, o el ejecutivo musical Miles Axe Copeland, hermano del batería de The Police, los cuales comienzan a dudar si esto pudiera ser una nueva visión sideral a medio camino entre Link Wray y Rocky Erickson de los 13th Floor Elevators. link: http://www.youtube.com/watch?v=Vz3CnvGrxCs Nada más lejos de la realidad porque todos los focos se dirigen ahora hacia el satélite natural de la Tierra mientras estos espectros rescatan y ejecutan a velocidad de vértigo el “Rock on the moon”, uno de los dos únicos singles que Jimmy Stewart & The Nighthawks grabaron a finales de los 50. Esto es rockabilly a tumba abierta y lo demás son cuentos chinos. link: http://www.youtube.com/watch?v=573O2P5W7Hk No hay tregua. El señor Lux Interior reclama toda la atención al mutarse en líder de despojos y desperdicios humanos en “Garbageman”. Menuda osadía la suya, que corra la sangre porque aquí hay un gamberro capaz de enterrar el punk, el rockabilly, la psicodelia y el garaje con sus mismas armas. link: http://www.youtube.com/watch?v=KxzAf0KTgnY Estremecedor. Bryan Gregory luce una sonrisa perversa mientras los focos iluminan sus extraños colmillos. Suena “I was a teenage zombie” y Lux salta de un amplificador a otro cual si fuera un animal salvaje. En la adolescencia fue un hombre lobo pero ahora se desgañita proclamando que es un monstruo. Algunos asistentes se miran petrificados unos a otros. link: http://www.youtube.com/watch?v=Kxj1Uc-FkOg Con “Sunglasses after dark”, un tema que le iría al pelazo a algunos de los films de Tarantino, llega el delirio. Vaya versión espasmódica que se cascaron del clásico de Dwight Pullen aunque yo lo único que veo aquí es a Link Wray y su instrumental “Fastback”. link: http://www.youtube.com/watch?v=H5gGkTSabyk “The mad daddy” es rockabilly primitivo, sucio, salvaje, canibalesco, una maravilla. link: http://www.youtube.com/watch?v=RN2YsocjxGs Pero con “Mystery plane” no se quedan cortos con sus estridencias que van desde la psicodelia hasta los Stooges o los Ramones. link: http://www.youtube.com/watch?v=XLWAs5q5AAE Vamos con “Zombie dance”. Ni un puto ni un santo muerto es capaz de quedarse estático y no abrir sus lápidas para menear el esqueleto. link: http://www.youtube.com/watch?v=BtkAlZrgCuU Con “What’s behind the mask” se divisa lo que se avecina. Por fin, loado sea el Santísimo Omnipresente. La hiedra venenosa succiona sin contención. link: http://www.youtube.com/watch?v=_VooYj9WK1A Gloriosa versión del “Strychnine” de los Sonics. Ya iba siendo hora. Había tenido que transcurrir una década más un lustro para que alguien se acuerde de que hubo un grupo maravillosamente troglodita, maestros y abanderados del mejor garage-rock. link: http://www.youtube.com/watch?v=grnrVJTnte0 Ahora ya todos los asistentes pueden corear al unísono “I’m cramped”, claro que sí. link: http://www.youtube.com/watch?v=iCQ4QLFl01g Orgulloso desde su tumba debió sentirse Johnny Burnette con la tremenda versión de ese clásico del rockabilly llamado “Tear it up”, link: http://www.youtube.com/watch?v=U9LAbfSAvqM pero no menos orgulloso se sentiría el mismísimo Elvis Presley cuando escuchara desde el más allá su adaptación del “Fever”, original de Little Willie John. Después, la concurrencia volvió a sus casas entre calambres, contracciones y espasmos. Muchos pensaron si aquello fue real y les invadió el temor. Otros comprendieron que este grupo era una rara avis de la naturaleza y se compraron al día siguiente el vinilo de “SONGS THE LORD TAUGHT US". A partir de ese momento, esa minoría de raros adolescentes aprendió a masturbarse también con los malditos y con los clásicos ocultos del rock&roll por culpa de aquellas canciones que los Cramps les enseñaron. Se dice pronto. Cramps forever!!!

En plena efervescencia del movimiento Grunge y del auge de la escena de Seattle, muchas fueron las bandas que tuvieron su particular e inesperada oportunidad para asomar la cabeza y dejarse oír con fuerza a comienzos de los '90. Este fue el caso sin duda de Stone Temple Pilots, originarios de la ciudad californiana de San Diego, quienes en 1992 firmaron un más que importante contrato discográfico con Atlantic Records, que les permitió dar el gran salto y mostrarse ante el mundo con su excelente disco debut titulado escuetamente como Core (1992), un álbum que casualidades de la vida fue publicado el mismo día en que también vió la luz Dirt (1992) el segundo álbum a cargo de Alice In Chains.Un impresionante y variado álbum que a los pocos meses de su salida contó con la fuerte oposición de la crítica especializada de Estados Unidos, llegando a catalogar a la banda como una vulgar copia de Pearl Jam. Una odiosa comparación muy lejana a la realidad, y que quizás tiene su único fundamento en el parecido del tema Plush, canción que a la postre les catapultó al éxito, con algún que otro tema del grupo liderado por Eddie Vedder. Pero las malas críticas no lograron mermar la popularidad de Stone Temple Pilots si no más bien al contrario y poco a poco el cuarteto de San Diego fue arrasando las listas Norteamericanas, llegando a colar el mencionado Plush, segundo single extraído de este álbum debut, en el puesto #1 de la lista de Billboard de Rock, y situando a Core (1992) entre los discos más vendidos de la historia de Estados Unidos, con cerca de 5 millones de copias registradas y un total de 8 discos de platino. Los doce cortes que componen este excelso Core (1992) deambulan a medio camino entre el Grunge de los '90 y el HardRock de los '80, aunque con una personalidad propia y muy marcada, gracias en parte al versátil y enérgico papel de su vocalista Scott Weiland, proyectando una imagen y una actitud que llegó a calar realmente hondo entre el público Norteamericano. Una popularidad que no logarían jamás en el resto del mundo, con las miradas más centradas en los 4 grandes de Seattle, léase Nirvana, Alice In Chains, Pearl Jam y Soundgarden. No obstante, analizando una a una las canciones que dan forma a Core (1992), nos encontramos ante una banda esencial, única y vibrante, con una interesante y efectiva propuesta, a la que añadir la espectacular voz de Scott Weiland, sin duda en uno de sus mejores momentos. Temas como Sex Type Thing, Plush, Creep, Naked Sunday, Crackerman o Where the River Goes, dan buena muestra de ello. link: http://www.youtube.com/watch?v=TY9s989TXGAEl álbum da comienzo con Dead & Bloated, donde la distorsionada voz de Scott Weiland da paso a un riff pesado e incisivo, que se torna más melódico con la llegada del estribillo, y ciertamente más oscuro con el paso del puente antes de volver a una nueva estrofa, cuando Weiland nos canta aquello de "corro por el mundo pensando en el mañana", sin duda el primero de los himnos que nos brindaron. link: http://www.youtube.com/watch?v=oIBLwgbDzIQ&feature=results_video&playnext=1&list=PLAD3EB8C870ED806BLe sigue la mítica Sex Type Thing, el verdadero pepinazo del disco, y también primer single de Core (1992), una verdadera dosis de Rock enérgico y pesado, del que más tarde abusarían sin duda Velvet Revolver, demostrándonos con un soberbio golpe en la cara, una gran y amplia base de influencias más allá de la etiqueta Grunge que recayó injustamente sobre ellos. link: http://www.youtube.com/watch?v=IN1UORq4KQ8Wicked Garden nos deja unas pequeñas pinceladas del que sería sin duda el sonido más característico y propio de la banda, combinando la crudeza del Rock con ciertas y alegres melodías más cercanas al Pop, todo un espejo en el que muchos grupos quisieron reflejarse, pero ante el que solo Stone Temple Pilots pudieron y supieron desenvolverse con cierta soltura. link: http://www.youtube.com/watch?v=d3rnlagdaF8Continua el disco con No Memory, una breve pero intensa balada instrumental en la que Dean DeLeo deja fluir sus emociones, recordándonos levemente a Metallica o más especialmente a los primeros años de Héroes del Silencio. Sin tiempo casi para tomar aire, se abre paso a golpe de riff el tema Sin, en donde nuevamente la banda al completo muestra sin tapujos el sonido que les definiría y marcaría irremediablemente en su trayectoria, amalgama de densos pasajes y dosis de frescura en los estribillos, temas con riffs cortantes a la par que delicados apoyados por una contundente y sólida base rítmica, y en primer plano la siempre polifacética voz de Weiland. link: http://www.youtube.com/watch?v=0rEuEBrxN7UNos asalta poco después Naked Sunday, con un ritmo de batería registrado con la energía suficiente para otorgarle un sonido heredero de Led Zeppelin a cargo del mismísimo John Bonham, una inspiración que Scott Weiland se encarga de ensalzar aún más con los coros iniciales. link: http://www.youtube.com/watch?v=GJGU3IulNU4Tras cruzar el ecuador de este álbum, llega el momento para las guitarras acústicas, los arpeggios sosegados y las letras espirituales, registrado todo ello en la inconmensurable Creep, la balada por antonomasia de Stone Temple Pilots, el tercer single extraído de este impresionante Core (1992) y uno de los temas más celebrados de la banda de San Diego. A destacar sin duda el hipnotizante juego de voces entre Scott Weiland y Robert DeLeo utilizado en los coros de los estribillos. link: http://www.youtube.com/watch?v=UgcpCSGnAxkY tras la calma, vuelve de nuevo el tiempo para los riffs densos y pesados con Piece Of Pie, en donde los constantes tonos desgarrados y agudos de Scott Weiland nos recuerdan a Soundgarden y su lider Chris Cornell, al igual que a unos primerizos y todavía contundentes Alice In Chains. link: http://www.youtube.com/watch?v=qIP1hTFbuq4Hay que ver la cantidad de azotes y de vituperios que recibió Weiland en el que para mí es uno de los mejores temas de la década: Plush. Un descomunal ejercicio de Hard Rock, con una excelente interpretación de Weiland en el que sí es verdad que está bastante sobre-actuado, sobre todo si observamos el vídeo, recordándote al instante en las gesticulaciones a Eddie Vedder, pero eso no es óbice para que vuelva a deleitar con una actuación soberbia y una voz deliciosa, intensa y sentimental como pocas.link: http://www.youtube.com/watch?v=2PePVMTdNO8Le sigue un breve corte, Wet My Bed, en donde Weiland interpreta el papel de un marido drogadicto y alcohólico que ignora donde se encuentra su mujer, por nombre Mary, ¿quizás fuera un presagio del futuro?. Y ya casi atisbándose el final del disco que hoy nos ocupa, Core (1992), nos encontramos con el acelerado y reiterativo ritmo de Crackerman, otro de los temas imprescindibles y más aplaudidos de Stone Temple Pilots, cuya brillante interpretación para el Mtv Unplugged que registrarían en 1993 merece ser escuchada una y mil veces. link: http://www.youtube.com/watch?v=6eeNOt3A_AUPara despedirse Weiland y los suyos se desquitan con Where The River Goes, toda una oda al RockAlternativo de los '90 de casi nueve minutos de duración, que bien podría estar perfectamente incluida en el repertorio de Alice In Chains o Soundgarden, sin desmerecer este hecho ni mucho menos a la banda de los hermanos DeLeo. Además resulta realmente gratificante oír, en el tramo final de Where The River Goes, a Scott Weiland y a la banda emulando a Jim Morrison y a The Doors respectivamente. En definitiva este Core (1992) es un disco realmente esencial, sobre todo si se quiere entender y analizar la época dorada del RockAlternativo de los primeros '90, que nos demuestra además que había mucha, muchísima, vida más allá de las fronteras de Seattle. Un excelente álbum de debut para una banda, Stone Temple Pilots, que no debiera pasar por alto tampoco para los amantes del buen Hard Rock.