desbrozado

Nos hemos familiarizado tanto con el helado exclusivamente gastronómico se derrite en el contexto social en que se comen las pipas. La vieja pasión por el helado encierra una paternidad discutida y orígenes que se remontan a los tiempos en que el hombre mezcló leche y nieve para refrescarse. No hay lugar en el mundo, con la excepción de los polos, donde no se coman helados. Por cierto, los polos son también una expresión popular para referirse a los sorbetes de hielo y zumo de frutas que se incluyen dentro de este género alimentario. Los helados se comen y se beben. La paternidad italiana del helado es uno de los asuntos espinosos más discutidos en la propia Italia. De tal manera que se atribuye indistintamente a un tal Ruggeri, de Florencia; a un paisano suyo, Bernardo Buontalenti, y a otro prójimo de Palermo llamado Procopio Cultelli, al que algunos tienen por napolitano para contribuir a una mayor confusión. Cultelli fue quien descubrió, en cualquier caso, la fórmula ideal para mejorar la preparación del helado, añadiendo azúcar en lugar de miel, y mezclando el hielo con la sal marina para conservarlo más tiempo, cosa que, por otra parte, ya se le había ocurrido mucho antes al infatigable Marco Polo. Francesco Procopio Cultelli abrió en 1686, en París, enfrente de la Comédie Française, el célebre café Chez Procope, para despachar granita (agua helada) y helados de diversos sabores, de flor de anís, de flor de canela, de zumo de naranja y el demandado sorbete de fresa. La nieve la traían de los Alpes por medio de un servicio rápido de estafeta, que gozaba de prioridad para el cambio de caballo en las postas del camino. Voltaire, Victor Hugo, Balzac y hasta el propio Napoleón, muy aficionado a los helados, pasaron por el café del siciliano Cultelli. De la misma manera que el helado se coronó literariamente en las evocaciones de Proust de los postres del Ritz: los famosos obeliscos de frambuesas de Albertine, «cuyo granito rosa haré fundir en el fondo de mi garganta, a la que refrescarán mejor que los oasis». La Biblia cuenta cómo Isaac le ofreció a Abraham leche de cabra mezclada con nieve y le dijo: «Come y bebe; el sol quema y así podrás refrescarte». La procedencia del helado es objeto de controversia. En la historia más remota se atribuye a Roma, en cuyos sótanos se instalaban cámaras frías para conservar el hielo proveniente de los Alpes y los Apeninos y, también a los árabes, que se hacían servir jarabes enfriados con nieve a los que daban el nombre de charbets. De donde es fácil concluir que vienen los sorbetes. Incluso se ha llegado a hablar de China, tierra en la que supuestamente mil años antes de la era cristiana, almacenaban bloques de hielo natural en las cuevas húmedas para refrescar distintas bebidas aromatizadas con rosa, lichy o jazmín. Con el paso del tiempo, nos hemos familiarizado tanto con los helados que su interés exclusivamente gastronómico ha acabado por derretirse en el mismo contexto social en el que uno come un paquete de pipas o de chufas. Sicilia es la verdadera patria del helado en todas sus versiones: la granita, la gramolata, el sorbete y el helado propiamente dicho. En la isla, hay un culto al helado superior al que existe en ningún otro lugar del mundo, por extendida que se encuentre la tradición, incluido Nápoles que también lo reivindica como una seña de identidad. Los sicilianos comen los helados hasta en bocadillos, intercalando el corte en un brioche, como aquí se servía y se sirve entre dos galletas. La autoría del helado la reivindican los toscanos, los napolitanos y los sicilianos. En Italia se ven con frecuencia heladerías llamadas Venezia o Rialto. Pero es Sicilia, la que cultiva la pasión con mayor entusiasmo. El spumone del Etna, chocolate recubierto con zabaione, es uno de los helados más populares del mundo. Igual que el de pistacho o almendras, dos variedades indiscutiblemente sicilianas que todos los heladeros de la Magna Grecia se esfuerzan por mejorar. El helado de gelsomino (jazmín) es una especialidad que en Trapani, al oeste de la isla y enfrente de las costas africanas, no se puede obviar, lo mismo que el cuscús de pescado. Se suele comer en brioche o acompañado de un croissant en los desayunos. La granita (granizado), al igual que la cassata, es típicamente siciliana. En la de almendra (mandorla) o limón, se mezcla la pasta del producto, una cuarta parte, con agua helada y azúcar, según el gusto. Los sicilianos suelen acompañar el granizado de limón con las cervezas para hacerla aún más refrescante durante el verano. Suele ser costumbre pedir una birra con un poco de granita. Los aficionados a los helados deben saber que hay un libro absolutamente imprescindible sobre ellos que se titula Trattato di gelateria, de Enrico Giuseppe Grifoni, editado por primera vez en 1911. En España no se encuentra, pero sí se han hecho ediciones actuales de él en Italia. Muy recomendable para hacerse con una pequeña cultura sobre los helados, su historia, fabricación y cualquier otra curiosidad. ¿El helado? Una locura totalmente siciliana», dijo Vitaliano Brancati, nacido en Pachino, cerca de Siracusa, y autor de una de las novelas, Don Juan en Sicilia, que mejor han definido el carácter de sus paisanos. Me gustan especialmente los de gelsomino (jazmín) y la scorzonera que procede de una flor, como sucede con el anterior. Comerlo es una señal siciliana de arrepentimiento, su mejor versión se halla en la heladería más antigua de Palermo, por el Foro Itálico Umberto I. Si caen por allí...

Ante la tumba que minutos después, recibiría el cadáver de Ofelia, el príncipe Hamlet pregunta al sepulturero: -¿Cuánto tiempo puede estar un hombre enterrado sin descomponerse?- Y el extraños clown le responde, con inoportuno chiste:-A decir verdad si no está podrido antes de morir... os vendrá a durar ocho o nueve años... pues su pellejo está tan curtido por razón de su oficio, que resiste mucho tiempo al agua. Según el sepulturero, técnico oficial en la misteriosa alquimia encargada de cumplir la sentencia (pulvere reverteris) a que está destinada toda carne, se necesitaban de ocho o nuevo años, para que un cadaver normal, sin embalsamar, quedase reducido a ceniza. Pero ¿quien es capaz de dar con el sepulturero de Hamlet, una regla general en cosa tan variable?. Ciertamente levantar la losa de los sepulcros es una de las ciencias auxiliares de la historia. El problema que interesaba a Hamlet, en la escena que se ha aludido, quedará una vez más sin respuesta en cuanto se refiere a las gentes comunes y corrientes, que no gozan de los honores de la exageración. Pero a lo largo de la historia los héroes, los reyes y personajes históricos, parecen querer mostrarnos cada uno para si, los extraños avatares de sus cenizas. Hay multitud de espectros y cada uno señala en dirección distinta. Tanto el sepulturero como el poeta quedarán siempre igualmente ignorantes de las misteriosas leyes que rigen esa antesala del valle Josafat que se llama la tumba. El pueblo egipcio fue el que más orden bibliotecario introdujo en el misterioso alcázar de la muerte. Sus necrópolis son auténticos ficheros, y la incógnita de lugar y tiempo que las envolvía antes que comenzasen a excavarse de un modo sistemático no es más que una cosa ficticia si se compara con el abandono y la relativa garantía de permanencia que reina en los cementerios modernos. ¿Por qué se sabe donde está la tumba de Tutankh-Amón, y en cambio se ignora el paradero de la de Cristobal Colón o de Luis XI?. Otras como Gengis y Atila, fueron escondidos por sus propios súbditos. Grandes héroes están en la lista de desaparecidos, y ante el enigma de su ausencia nos sentimos tentados a suponer que tal vez con sus cenizas pudo taparse un barril de cerveza o el agujero de un muro para resguardarnos del cierzo del invierno. En agosto de 1793, el año del terror y la guillotina en París, la Convención Nacional de París procedió a la profanación de los principales monumentos funerarios de la Basílica de San Dionisio. Muchas obras de arte fueron derribadas en el acto, especialmente tumbas meroviengias, se encontró poca cosa de valor: puluis et umbra. Lo verdaderamente siniestro pasó más adelante, en que un grupo de obreros tocados con gorros de frigios, equipados con picos y palas, bajaron al panteón subterráneo de los Borbones con sus antorchas iluminadas que proyectaban en los muros las sombras de los profanadores, que se agitaban en bandálica actividad. Pronto no quedó piedra sobre piedra, aparecieron los cadaveres de María Leczinska, esposa de Luis XV, Luis XIII, Maria de Médeci, Ana de Austria, Maria Teresa de España y el delfín Luis (hijo de Luis XIV, muerto antes de heredar la corona), por último fue descubierto también el cadaver del Rey Sol. Los profanadores hicieron con todo aquello una fosa común en donde quedaron barbaramente confundidos los restos de los reyes, la fosa parecía sonreir subversivamente recordando que había sonado la hora de la igualdad. Descartes ha pasado a la posteridad por un descubrimiento positivo: la creación de la geometría analítica. Pero se le conoce más por una universilacización discutible: haber revolucionado toda la ciencia de su tiempo. Pero ¿fue Descartes el verdadero fundador del racionalismo? y el craneo que se encuentra en el Museo de Historia Nacional de París ¿es el auténtico?, en ambas cosas estamos obligados a dudar. El peligroso enemigo de D'Artagnan que dominaba al propio Luis XIII, que luchaba contra católicos y hugonotes, que llevaba unas botas altas con espuela bajo su púrpura cardenalicia, Armand Jean Du Plessis, duque de Richeliu, tuvo una vida y una historia más novelesca que cuantas cosas haya podido imaginar Dumas. Después de la muerte del cardenal Richeliu hubo un problema de la autenticidad de su cráneo debido a los malos tratos que sufrió el cadáver. Su tumba fue profanada y su cadáver despedazado, faltando la cabeza desde el primer día, más tanto le entregaron un cráneo pero dudaron de su autenticidad. En 1866 tras varias traslaciones, Francia decide la apertura y examen oficial ofreciendo a su gran hombre el cráneo verdadero según sus estudios. Hay muchos casos célebres de restos mortales dudosos, el esqueleto de Dante también tuvo su trascendencia histórica de ello. Murió en Ravena a los 65 años, su monumento funerario erigido cien años después de su fallecimiento. Pero su patria Florencia, que después de haberle desterrado y condenado a muerte reclama sus huesos en 1516, se vio defraudada de lograr su deseo, pues los monjes Franciscanos que lo custodiaron se negaron a entregarlo, y lo escondieron en un lugar seguro. En 1677 excavando el convento en obras se encontró una caja de madera que ostentaba esta sobria inscripción -Dantis Ossa- .El precioso recuerdo fue colocado en el interior del monumento de Lamberti, que el legado del Papa en la Romagna, hizo restaurar en 1692. Florencia tuvo sin embargo que renunciar a sus pretensiones de poseer los restos del principe de los poetas toscanos.

Fiódor Dostoievski, un rostro torturado, una mirada de visionario. Retrato, por Vasily Perov, 1872 Tanto en lo religioso y lo cultural como en lo social, Rusia presenta una fuerte peculariedad con respecto a Occidente. Al llegar al siglo XIX, aún seguía siendo un país feudal de señores y siervos, como en la Europa Medieval. La época de Dostoievski corresponde a dos reinados: Nicolás I(1825-1855) y Alejandro II(1855-1881). El primero fue un déspota, el segundo en cambio era de espíritu más tolerante: abolió la servidumbre realizó ciertas reformas políticas y administrativas. Hospital Mariinski de Moscú donde nació Dostoievski. En el terreno ideológico, fueron tiempos de fuertes tensiones entre corrientes progresistas y tradicionalistas. De Occidente llegaban doctrinas liberales y revolucionarias: el socialismo utópico prende a muchos jóvenes(se llamarán en Rusia nihilistas). Se les oponen entre otros los esclavistas que rechazan las ideas occidentales en nombre de los valores tradicionales del alma rusa, simbolizado por el Zar y la iglesia Ortodoxa. Dostoievski en 1876 La literatura aparece marcada por la peculiaridad histórica del país. Romanticismo y Realismo tienen en Rusia perfiles muy particulares. La transición del Realismo está representada por Gogol(1809-1852), cuyas obras inmortales, como El Abrigo o Almas Muertas, significa el arranque de la gran novela rusa. Se desarrolla en Rusia uno de los grandes ciclos novelísticos de la literatura universal, magno conjunto que el que junto a Turguéniev, Tolstoi y otros se sitúa la figura cimera de Dostoievski. Pero el Realismo ruso será mucho más amplio y complejo que el europeo: junto al reflejo de la realidad cotidiana, la novela dará cabida a la fantasía, al lirismo... VIDA Y TEMPERAMENTO DE DOSTOIEVSKI Fiódor Dostoievski nació en Moscú en 1821, de familia noble aunque de mediana posición. Su padre era de carácter durísimo(acabaría asesinado a manos de sus siervos) y le había obligado entrar en la escuela de Ingernieros Militares.Pero acabado los estudios , Dostoievski decide consagrarse de lleno a su vocación literaria y alcanza la fama ya con su primera novela Pobres Gentes-1846. A la vez entra en círculos revolucionarios y en 1849 es detenido y condenado a muerte. El episodio fue terrible: se espera hasta el último momento, ya ante el pelotón de ejecución, para comunicarle que el Zar le ha conmutado la última pena. Dostoievski como ingeniero militar. Sigue 10 años de deportación en Siberia: tras cumplir cuatro años de trabajos forzados, se ve obligado a alistarse en el ejército. En 1857 se casa en Siberia con una viuda enferma, que morirá unos años después. En 1859 se le autoriza a volver a Rusia, y al poco se instala en San Petersburgo. Se entrega intensamente en su trabajo y recobra la fama. Pero su vida se ve desordenada(en especial su pasión por el juego) y lleva a pasar agobiantes necesidades económicas. En 1866, precisamente con Crimen y Castigo, comienza su época de plenitud. Al años siguiente contrae segundas nupcias con Ana, veinticuatro años más joven que él, pero que será su colaboradora y compañera abnegada hasta el final. Con ella reside y escribe durante cuatro años(1867-1871) en Europa. Tuvieron cuatro hijos, de los cuales murieron de temprana edad. Sus últimos años fueron de trabajo agotador. Minado por el gigantesco esfuerzo, murió en San Petersburgo en 1882, un año después de haber terminado Los Hermanos Karamázov. Su esposa Anna Grigórievna Snítkina. El temperamento de Dostoievski se caracteriza ante todo, por su sensibilidad exacerbada, que raya(y entra) en lo patológico: en efecto desde muy joven sufrió ataques epilépticos. Esto unido a las penosas circunstancias que jalonan su vida, explica gran parte de su personalidad. Fue un alma torturada por los espectáculos del dolor humano, de la miseria o del odio, y anheló sin tregua la paz y el amor. Sintió una angustiosa necesidad de penetrar en el sentido de la vida y el mundo. Tuvo mucho de visionario y de exaltado, pero su espíritu era una tormenta de contradicciones. Como escritor se sentía poseído por una elevada misión. Pero acaso, ante todo creación fue una necesidad de dar salida a su potente y desgarrado mundo interior. IDEAS Dostoievski profesó en su juventud ideas revolucionarias: un socialismo utópico y ateo. Un giro radical le haría adoptar más tarde una linea conservadora y espiritualista. Pero la nota común es en el fondo la misma en sus distintas etapas: una profunda aversión a la civilización burguesa, combatida primero desde un socialismo de procedencia occidental y luego desde una ideología arcaizante y un misticismo esclavista basado en la exaltación de los valores de la Rusia tradicional, a la que se le asigna una misión redentora del mundo, y en la reverencia al trono y altar. Su estudio. Tal cambio se inició en la prisión siberiana, en donde lee la Biblia y se apasiona por Cristo. Desde entonces sus anhelos religiosos no lo abandonaran, aunque no dejo nunca debatirse entre su ansia de Dios y sus dudas torturantes. Ello se refleja en su obra, de la que son parte fundamental los problemas religiosos y morales, desde un misticismo elevado hasta la rebeldía contra Dios que parece permitir la injusticia y el dolor de los inocentes. Su evolución política se acentúa en sus contactos con Occidente. En la sociedad burguesa europea no vio más que una vida materializada y una nueva esclavitud del pueblo. Convencido del fracaso de los ideales liberales y progresistas, combatió con creciente denuedo su penetración en Rusia, y defendió una sociedad pre-capitalista basada en una armonía ideal entre nobleza y pueblo. Sin embargo la obra de Dostoievski desborda arrolladamente sus ideas. Y hoy más que sus doctrinas, queda su agudísima sensibilidad social, en potentes gritos ante las injusticias y la miseria, su inmenso amor por los desheredados y los débiles, por los humillados y ofendidos. ¿DOSTOIEVSKI REALISTA? El realismo ruso difiere notablemente del occidental. El mismo Dostoievski se llamó-realista en el más alto sentido-queriendo indicar con ello que no se podía encerrar su obra en los límites de la escuela natural. En efecto lo natural y sobrenatural conviven en sus novelas, junto a notas realistas y hasta naturalistas muy crudas, da entrada a los ideales más elevados, a lo fantástico y a lo alucinante. La realidad es para él infinitamente más rica y compleja que para un Balzac o un Zola. Tras el exilio. La asombrosa profundidad de su mirada, su imaginación potente y su fuerza creadora no pueden contentarse con un reflejo de la superficie gris de lo cotidiano, de lo común. En Dostoievski todo es excesivo: lo noble y lo deleznable, las grandezas y las miserias. Sus páginas que alumbran insospechados abismos en la vida humana, son a menudo visiones de pesadilla. Y sin embargo, Dostoievski les impone un excepcional espesor de realidad(acaso debería hablarse de superrealidad). En ese sentido, cabría hablar del realismo en Dostoievski. Su firma. SU MUNDO NOVELISTICO Como consecuencia de lo dicho, la concepción novelística de Dostoievski es amplíma: en su obra, se funden lo social, lo psicológico y las ideas. Se trata en suma de una novela total. Tumba de Dostoyevski en el Monasterio de Alejandro Nevski. La pintura social es extensa: sus obras nos dan un panorama completo de la Rusia de su tiempo, del campo a la ciudad, de los nobles orgullosos a las pobres gentes, pasando por los comerciantes, funcionarios, estudiantes... Su atención se centra en los desheredados: la visión de la miseria ocupa en Dostoievski páginas sobrecogedoras. Su pintura de ambientes es de un fortísimo relieve: no es prolijo en las descripciones, pero acierta a darnos con los rasgos juntos una impresión imborrable de los escenarios, sobre todo interiores. Pero Dostoievski es sobre todo un pintor de almas. Es el corazón del hombre lo que le atrae, por eso se le ha considerado el gran maestro de la novela psicológica. Nadie sin duda ha sondeado como él los repliegues y los abismos de la naturaleza humana. A diferencia de los realistas típicos, no se interesa por las gentes vulgares, sus personajes tienen siempre algo excepcional: son seres poseídos por intensas pasiones, frecuentemente tipos patológicos, inmersos en su nobleza o en su depravación, ambas presente a veces en un mismo personaje. Pero hasta los tipos más extraños o monstruosos se nos imponen como verdaderos. Y se trata de seres siempre con su propia vida: piensan, hablan y actúan como independientes del autor. Lo complejidad psicológica alcanza proporciones inusitadas en algunos tipos como Raskólnikov. Para su analisis Dostoievski se sirve de los más variados procedimientos: el retrato, comportamiento, monólogo, sueños...Debe subrayarse especialmente su atención por lo inconsciente, por las fuerzas oscuras que agitan a los personajes, en esto se adelantó genialmente a los descubrimientos del psicoanalisis. Nietzsche dijo de Dostoievski: Es el único que me ha enseñado algo en psicología. Por otra parte, las novelas de Dostoievski son novelas de ideas, y hasta han sido calificadas de filosóficas. Los grande problemas que le preocuparon, religiosos, éticos, filosóficos y políticos constituyen el entramado más profundo de sus grandes obras. Sin embargo, no se trata, salvo en algún caso, de novelas de tesis: las ideas aparecen encarnadas en los distintos personajes o en la acción misma. Son frecuentes los largos diálogos ideológicos y hasta muchos monólogos son lo que Unamuno llamaba autodiálogos. En ellos se proyectan las contradicciones del propio autor y los debates de su tiempo. Pero cada personaje expone sus ideas con toda su fuerza, a veces como en el caso de Ivan Karamázov llega a suceder que las ideas de un personaje, opuestas a las del autor, alcancen más fuerza que las del propio Dostoievski. EL ARTE NARRATIVO La acción de sus novelas, es en general vertiginosa: en un breve lapso de tiempo, se concentran los acontecimientos, la trama central suele se sencilla, pero con ella se entrelazan diversas acciones secundarias en una apretada secesión de episodios y en un incesante pulular de personajes. Aunque parezca sorprendente, la estructura del relato, en Dostoievski debe mucho al de la novela folletinesca: apariciones insolitas de personajes, encuentros casuales, escenas melodramáticas, giros inesperados de la acción, sorpresas, recursos para suspender el ánimo del lector...Pero Dostoievski con su poderoso genio, confirió a tales rangos una dignidad, una eficacia y una altura inigualables. Raskólnikov y Marmeládov, por Mijaíl Klodt. No fue un escritor obsesionado por la perfección, sino por la intensidad. Es cierto que se preocupaba por meditar el plan de sus novelas y que en ocasiones rehizo varias veces una obra(ocho veces por ejemplo El Idiota). Pero en su ejecución solía proceder con una rapidez febril. De ahí que la narración sea a veces difusa, y hasta caótica. A pesar de todo, su fuerza, su grandeza y su ritmo fulgurante y arrollador hacen que su lectura sea siempre una aventura apasionante como pocas. OBRAS Estos son los títulos más importantes distribuidos en tres etapas: La primera iría hasta su deportación en 1849. Se inicia en Pobres Gentes(1845) muy influida por Gógol, pero ya se advierte ese interés del autor por el dolor humano y su amor por los humildes. De esta época son diversos cuentos y novelas cortas como El Doble, Noches Blancas...En ellas junto al fiel reflejo de la realidad, se encuentra el lirismo y hasta el humor. Casa de Florencia donde terminó de escribir la novela El Idiota Tras un largo paréntesis se inicia una nueva etapa con su regreso de Siberia en 1859, aquel mismo año publica La aldea de Setpánchikovo, novela festiva pero con agudas visiones del mundo campesino. Tras ella compone ya dos obras maestras: Apuntes de la casa muerta(1860) recoge de forma sobrecogedora la vida en el penal siberiano en Humillados y Ofendidos(1861) aparece el contrate doloroso entre los débiles y una nobleza pervertida. En 1866 se inicia su etapa cumbre con Crimen y Castigo, su obra más importante, del mismo año es El Jugador, en donde refleja una pasión que conocía muy bien. Le siguen esas magnas novelas que son El Idiota(1867), Demonios(1871), El Adolescente(1875), y los hermanos Karamázov(1878-80), su obra más ambiciosa. Por otra parte, desde 1873, ha ido publicando Diario de un escritor, de gran interés para conocer sus ideas. Ciudad de San Petersburgo, vista de la Catedral de San Nicolás- Benjamin Patersen Fotograma de la película de 1910 El Idiota de Piotr Chardynin-1873 - 1934 El Idiota ha sido calificada de el Quijote ruso. Dostoievski, que admiraba a Cervantes por encima de todos, hace de Mishkin, el protagonista, una personificación de bondad y del amor absolutos, que choca con la mezquina realidad. Demonios es según el propio autor, una novela panfleto contra los revolucionarios nihilistas. En personajes como Stavroguin, se unen con una fuerza indecible el crimen y la capacidad de sacrificio. Los hermanos Karamázov es una obra asombrosa, casi sobrehumana.Tal vez nunca ha recogido la novela con tanta fuerza los contrastes entre el amor y el odio, pureza y depravación(absolutas o mezcladas), impulsos místicos y rebeldía contra la divinidad. Personajes como Ivan, Dimitri, Alioscha... son imborrables. La novela es sin duda, la cima de la complejidad y la potencia creadora de Dostoievski. CRIMEN Y CASTIGO CONCEPCION Y ELABORACION La concepción inicial de Crimen y Castigo se remonta a sus años de cárcel en Siberia: el trato con criminales hizo nacer en Dostoievski el deseo de analizar una novela de motivaciones, pensamientos y sentimientos de un asesino excepcional. A ello se añadió más tarde la impresión que produjeron en el autor algunos famosos procesos judiciales de la época. Dostoievski compara a ciertos criminales con grandes hombres(Napoleón sobre todo) que han derramado aún más sangre y sin embargo han sido elevados a los máximos honores. Y todo ello se inscribe en sus perpetuas interrogantes sobre la naturaleza del Bien y del Mal, y sobre todo la salvación por el amor y por el sufrimiento. Por fin en 1865, traza el plan de la obra y empieza a escribirla en primera persona, como confesión del protagonista. Cuando ya llevaba mucho escrito, volvió a empezar dándole la forma definitiva. Será una de sus novelas más elaboradas, y la postre más perfecta. Crimen y Castigo se publicó por entregas en una revista de Moscú(El Mensajero Ruso) a lo largo de 1866. Al año siguiente, retocada de nuevo apareció en libro. CONTENIDO: ELEMENTOS INTEGRANTES La trama central de la novela es la de un crimen: sus motivaciones, las zozobras posteriores del criminal, Raskólnikov, sus contactos con la policía(en un juego del gato y el ratón) y su decisión final de confesar. Se ha dicho que en este esqueleto argumental hay mucho de novela policiaca. Ello es plausible, teniendo en cuenta además muchos detalles, pero naturalmente tal aspecto queda ampliamente trascendido por la profundidad psicológica y la densidad de ideas. El gran actor francés Pierre Blanchar interpreta a Raskólnikov de la versión cinematográfica de Crimen y Castigo realizada en los años 30 por Pierre Chenal. En torno a este hilo principal, Dostoievski según su costumbre, entrelaza otros que dan espesor y contrastes al tema. Así por ejemplo la historia de Marmeládov, que en su origen fue concebida como un relato independiente(el autor lo había proyectado tiempo antes con el título de Borrachines); integrada ahora en la novela, dará origen a uno de sus personajes fundamentales: Sonia, otras acciones secundarias corresponden a la madre y la hermana de Raskólnikov y en relación con estas historias de Svidrigárlov. Gracias a la acumulación y entrecruzamiento de estos elementos diversos, Dostoievski dispone de varios puntos de vista para observar al personaje principal, para desarrollarlo en contraste con otros y de paso para ampliar el marco social en que se mueve. RASKOLNIKOV Y SU CRIMEN Es uno de los grandes personajes dostoievskianos, uno de los máximos ejemplos de complejidad psicológica. En el crimen entra múltiples de motivaciones, por un lado el deseo de sacar a los suyos de una vida indigna, así como el de salvarse a si mismo de una miseria que le impide desarrollar todo lo que lleva dentro. Por otro lado están sus ideas: cree que los hombres pueden dividirse entre ordinarios y extraordinarios, y sostiene que estos tienen derecho a saltar por encima de leyes y normas morales, si ello es preciso para realizar su misión(aquí es donde se cita como ejemplo, entre otros a Napoleón). Raskólnikov pretende probarse que él pertenece a la estirpe de los señores, de los genios que(como diría Nietzsche) están por encima del Bien y del Mal. Consigue un crimen perfecto, pero las torturas interiores que siguen le harán dudar, y la presencia de Sonia le llevará a emprender la ley de amor que ha transgredido y a buscar su expiación por el sufrimiento. Crimen y Castigo-Josef von Sternberg: Tala Birell (1907 - 1958) y Douglass Dumbrille (1889 - 1974). Estas ideas, como siempre en Dostoievski, se desarrollan en un complejísimo proceso personal, encarnadas en el singular personaje. Raskólnikov es un tipo morboso, un hipocondríaco(sensibilidad enfermiza y tristeza angustiosa). Es inevitable, vacila como Hamlet; no domina sus nervios, se angustia hasta sentir una fiebre física. Lo vemos debatirse entre la lucidez y el delirio, la exaltación y la apatía, la ternura y el odio. Es frió o apasionado, cruel o generoso. Vive una perpetua guerra entre su cabeza y su corazón, entre su filosofía asocial y su sensibilidad para el sufrimiento humano. Pocas veces, en efecto, hemos visto en la literatura tanta complejidad. OTROS PERSONAJES-ANALISIS PSICOLOGICO En torno al protagonista se mueve una multitud de personajes a quienes Dostoievski confiere así mismo perfiles inconfundibles. En este complejo mundillo humano, se observará la preferencia del autor por los seres socialmente marginados o moralmente marginales. Destaca ante todo, Sonia: hay en ella una mezcla insólita, y muy dostoievskiana, de pureza y degradación impuesta por la miseria: ella será el resorte fundamental para la redención de Raskólnikov. Sonia está rodeada por su padre, el desdichado Marméladov, destruido por el alcoholismo(plaga que preocupaba a Dostoievski) y por las conmovedoras figuras de su madrastra, Katerina Ivánovna, y de los hijos de ésta. Por otro lado vemos a Razumijin, el amigo abnegado y espontáneo; al firme Dunia, a la madre toda amor, al mezquino Lujin, al contradictorio Svidrigáilov, a la vez repugnante y generoso...Y en fin, tantos más: el pintor Nikolái, que se acusa inexplicablemnte del crimen, los policias(con el agudo juez de instrucción Porfirio), los vecinos, las gentes de las calles... Hay en la novela retratos inolvidables. Pero el extraordinario relieve que adquieren las figuras se debe a como el autor nos la muestra viviendo. En general, un personaje no es caracterizado de una vez por todas: se enriquece a cada aparición con nuevas actitudes, gestos concretos... La mencionada atención de Dostoievski por lo inconsciente, por los fondos más oscuros del alma, se manifiesta en la transcripción de los sueños. Hay algunos sobrecogedores y cargados de extrañas significaciones. En algunos casos se observará como el autor voluntariamente deja imprecisos los límites que separan la vigilia del sueño. De ahí esa singular mezcla de realidad y delirio que traspasa toda la novela. LOS AMBIENTES DE DIMENSION SOCIAL En Crimen y Castigo se nos ofrece también una serie de cuadros sobre la sociedad de San Petersburgo(hoy Leningrado), con alguna inclusión en el mundo de la nobleza provinciana(a propósito de Svidrigáilov y Dunia). Dentro del ambiente de la ciudad, el autor, siguiendo preferencias ya conocidas, dirige su mirada a los sectores bajos: funcionarios modestos, familias arruinadas, pobres artesanos, estudiantes míseros, mendigos...La degradación a que lleva la miseria es pintada y denunciada implacablemente: el alcoholismo, la prostitución... Los ambientes por los que transcurren la acción se componen de míseras habitaciones realquiladas, pensiones oscuras, tabernas, destartaladas dependencias de la comisaría...Dominan como se ve los interiores, pero también se nos lleva por las calles y plazas, las orillas del Neva, las islas... La novela en efecto nos va metiendo en una atmósfera viva. TECNICA DE RELATO Y ESTILO Crimen y Castigo se compone de seis partes y un epílogo. Tal división no responde a una división del relato según su contenido, al contrario los acontecimientos van enlazándose de una a otra parte y de un capítulo a otro. Como se verá es frecuente que los capítulos o las partes terminen con la aparición de un nuevo personaje o con un acontecimiento inesperado: el lector queda en suspenso y se siente empujado a iniciar el capítulo o la parte siguiente. Tal disposición, ennoblecida por el autor, sigue conservando todo sus efectos, la novela nos prende del principio hasta el final. Por otra parte el desarrollo del relato va ensartando con gran libertad las distintas acciones, pensando espontáneamente de unas historias a otras: tan pronto se centra en el proceso interior del protagonista, como deriva de una u otra de las anécdotas laterales. El estilo de Dostoievski resultará difícil de juzgar partiendo de una traducción(y no todas son acertadas). Podrán percibirse, sin embargo, algunas de sus características. La frase fluye con ritmo vivo en el relato; su andadura se hace entrecortada y hasta caótica en ciertos diálogos, y sobre todo en los monólogos, de los que el autor es un maestro consumado. Por lo demás se hallarán continuos chispazos geniales con que el autor sabe subrayar significativos detalles, actitudes precisas, modulaciones de los sentimientos... CONCLUSION Dostoievski desde su aparición fue discutido y admirado. En sus últimos años, se convirtió para muchos en un maestro y un guía, casi en un profeta. Tras la revolución de 1917, siguió siendo intensamente estudiado en la U.R.S.S. Durante la etapa estalinista, en cambio fue declarado autor -non grato-. Desde hace años se le vuelve a leer, a estudiar y a admirar. Fuera de su país, ocupa un lugar entre los más grandes escritores: Cervantes, Shakespeare, Goethe...La lectura atenta de Crimen y Castigo nos introducirá en su asombroso mundo y confirmará, sin duda, la significación de Dostoievski dentro de la novela universal.

Esparta fue una ciudad de la antigua Grecia, situada en las colinas del monte Taigeto, con una sociedad guerrera, que llegó a la cima de su poder después de derrotar a la ciudad-estado rival Atenas en la guerra de Peloponeso(431-404a.C). Mientras que en Atenas se estaba tratando la democracia como forma de gobierno, su rival Esparta tenía dos reyes. Un rey que podía quedarse en casa, mientras que el otro estaba lejos luchando en batallas, fue lo que hicieron mejor los espartanos para la victoria. Las mujeres gozaban de igualdad, que en ningún otro sitio del mundo la tenían. Se basaba en una economía poco estable, con ello conseguían que no accedieran extranjeros y el pueblo se repartiera las tareas y labores necesarias para su sustento. Los ancianos eran admirados y proclamaban leyes para que se hicieran cumplir. GIF Ruinas del teatro de Esparta Las principales instituciones del gobierno espartano fueron la Asamblea, la "Apella", el Consejo de Ancianos ,la "Gerusía" y 5 éforos o magistrados elegidos anualmente, que eran los que realmente ostentaban el poder. Los reyes normalmente ejercían el control del poder del ejército. Los niños que nacían eran seleccionados tras un fuerte proceso de saparación, bañados en vino o alcohol que les endurecía la piel , los débiles y defectuosos eran detectados, mientras que los sanos eran separados y criados bajo una fuerte disciplina y cultos religiosos según su sexo. Los débiles eran arrojados desde una fosa de 10Km(Kaiada) tanto como los enemigos de Estado. Dejar con vida a un ser que no fuese sano y fuerte desde el principio no resulta beneficioso ni para el Estado ni para el individuo mismo Plutarco GIF Guerra de Peloponeso Los niños soportaban duros métodos para perder el miedo, como convivir con la oscuridad para no temerla, las niñas eran preparas para ser fuertes mujeres, rigurosas madres para que sus descendientes fueran de una estirpe impecable que los caracterizaba como guerreros de élite. Los niños con solo 7 años estaban ya entrenados y curtidos en fuerza, un proceso para abandonar la maternidad. Sometidos a un método brutal(La Agoge) tanto en lo físico como en lo espiritual, forjaban los mejores guerreros jamás creados, manejando la lanza, la espada y el escudo, desarrollando una fuerza impresionante.En el santuario de la diosa Artemisa tenían lugar muchos combates rituales cuerpo a cuerpo entre los cachorros espartanos. GIF Los guerreros espartanos respetaban profundamente la lealtad y la obediencia sin límites para sus instrucciones militares. La lealtad constituye el más sagrado bien del corazón humano Seneca GIF Jóvenes espartanos - Edgar Degas A los muchachos espartanos se les enseñaban a observar, a escuchar, a aprender, a ser discretos, a no hacer preguntas y a asimilar en silencio. Se les enseñaba que la retirada o la rendición en batalla eran una deshonra, que todo combate en que participaran debía acabar para ellos en victoria o muerte. La fidelidad es el esfuerzo de un alma noble para igualarse a otra más grande que ella Goethe GIF A los veinte años, el espartano recibe las armas de guerrero y los primeros derechos políticos de ciudadano. Hasta los treinta años puede decirse que no es más que soldado. Aunque tenga la obligación moral de casarse antes de esa edad, tiene que vivir en el cuartel. Después de treinta años, es un ciudadano con pleno goce de sus derechos y dispone de un poco más de independencia, pero como puede ser movilizado hasta los sesenta años necesita autorización para viajar al extranjero o alejarse de la ciudad, pues cada noche debe participar de la comida común. Una muerte con honor es preferible a una vida sin honor Jenofonte La moral espartana que significaba el amor absoluto a la patria y el olvido a sí mismo, tenía indiscutiblemente su grandeza, pero también representaba un freno a todo impulso civilizador y al desenvolvimiento armonioso de la personalidad.Esparta sólo ambicionaba sobrevivir y perpetuarse, y por eso vivió sin industrias y sin arte. A fines del siglo VI disponía de un ejército, el mejor de Grecia, que le permitió durante mucho tiempo desempeñar un papel importante. No obstante, esta ciudad inmóvil quedará perdida para la civilización griega, que la dejará atrás y proseguirá su marcha.La manera de luchar de los espartanos era legendaria. Los reinos extranjeros que querían invadir Grecia buscaban antes una alianza militar con Esparta y colmaban a los espartanos de regalos. Hay que morir con orgullo cuando ya no es posible vivir con orgullo Nietzsche GIF Los espartanos valoraban cosas como la poesía, la música y la filosofía más de lo que se cree, pero tales intereses estaban dirigidos a dar énfasis a su entrenamiento militar. No buscaban el lujo ni proyectos imperiales, así que no tenían que encontrar constantemente nuevas fuentes de tesoros para sostener su civilización. Tenían el valor del comedimiento, la habilidad de decir “suficiente”. Muchos historiadores acreditan el comedimiento espartano a la durabilidad de su gobierno republicano, que duró 580 años, haciéndolo el gobierno con un componente democrático más longevo en la historia de la humanidad. GIF Busto de Hoplita-Museo arqueológico de Esparta La percepción que se ha tenido siempre de Esparta ha estado envuelta en un halo de misterio, explicado sobre todo por la escasez de fuentes escritas propias. Casi todo lo que se ha conocido sobre ella, fuera del registro arqueológico, ha sido a través de textos de autores foráneos, por lo que inevitablemente se ha procedido a una idealización de su sociedad con rasgos únicos y exclusivos no vistos fuera de sus fronteras. GIF Los guerreros solo se dedicaban exclusívamente al combate, no hacían otras labores rutinarias. Su forma de afrontar la muerte también les hacía especiales. No enterraban a sus muertos fuera de las ciudades, sino dentro, con la idea de compartir así su espíritu y su valor. Y nada mejor que morir en el campo de batalla. GIF Casco del Rey Leónidas Esparta fue vista desde la Antigüedad como modelo, como un ejemplo a seguir, ha pasado a la historia como una polis un tanto peculiar en Grecia, en el sentido de que es considerada única en sus formas de gobierno y de división social. No se trababa de una gran ciudad, ya que Esparta apenas estaba urbanizada, no tenía murallas, ni grandes y suntuosos edificios públicos. Sin embargo su grandeza se debía en parte a la excelencia de su clase dirigente de su sociedad y su forma de gobierno. El pueblo espartano no sólo fue el más fuerte de Grecia sino el más sencillo. Sus casas eran de madera groseramente talladas, sin adornos ni comodidades. Reservaban todo su lujo para los tiempos de guerra y entonces se ponían un manto de púrpura y peinaban sus cabelleras con esmero. GIF Los espartanos solo se dedicaban exclusivamenta para la guerra, hubieran muerto de hambre si no fuera por los esclavos(ilotas) que trabajaban en las granjas para abastecer a los soldados espartanos y sus familias, cada espartano tenía una granja. GIF Leónidas en las Termópilas- Louis David(1814) La batalla más famosa fue la de la Termópilas, en el año 480 a.C. Un enorme ejército Pérsico estaba tratando de invadir Grecia, cerrando el paso en el puerto de montaña de las Termópilas, los famosos 300 soldados espartanos dirigidos por Leónidas, junto con unos pocos de cientos de griegos. La Valiente lucha duró tres días, cuenta la leyenda que al romper sus espadas, los espartanos lucharon con las manos y sin dientes, hasta que yacieron todos muertos. Los Persas marcharon hacia la captura de Atenas, pero poco después los griegos derrotaron a la flota persa en la batalla naval de Salamina. GIF Escutura Leónidas- Esparta Históricamente Esparta ha sido conocida como una utopía de la sociedad militarista. Los ejércitos espartanos, por lo general eran bastante pequeños y bien disciplinados inspirados en el combate solo para ganar o morir. GIF La constitución espartana fue fundada por Licurgo en el siglo IX a.C, bajo la rígida disciplina de sus leyes, Esparta extendió sus conquistas en los estados vecinos hasta que se hizo con el control de la mayor parte de Peloponeso. GIF Los autores clásicos comenzaron a mitificarla considerándola como una polis perfecta, siguió proyectando su larga sombra sobre el pensamiento occidental mucho después de finalizar la Antigüedad, hasta el mismo siglo XX. Primero, los humanistas la cogieron como ejemplo de un buen gobierno oligárquico; después fue tomada como ejemplo para las revoluciones americana y francesa del siglo XVIII y, como no podía ser de otra manera, fue concebida como ancestro y modelo para la Alemania nazi. GIF En cuanto al concepto de ‹‹Estado racial››, Esparta, o mejor dicho, los espartiatas, despreciaban a todos aquellos que no pertenecieran al compendio de los ciudadanos, es decir, a las mujeres, a los niños, a los periecos (extranjeros) y a los hilotas (los antiguos pobladores de Mesenia que habían sido esclavizados tras la conquista del territorio). GIF En este sentido era más fácil que los ideólogos nazis se apropiaran de este aspecto propiamente, un modelo a seguir para el III Reich. CAIDA DEL PODER Una serie de eventos y errores llevaron a Esparta a la caída del poder, después de la victoria contra los Persas, en las siguientes décadas se vieron en varios frentes contra Turquía y en el año 385 a:C los Mantineos destruyeron la ciudad en un ataque, donde sus paredes y muros deteriorados no aguantaron con inundaciones intencionadas para desgarrar la ciudad. GIF Numerosos retos afectaron la hegemonía de espartana, como en 378 a.C que formó la segunda confederación naval de Atenas, desafiando a Esparta y tomando el control de los mares. Sin embargo la caída de Esparta no fue por Atenas, sino por la ciudad de Tebas, que cada vez las dos ciudades se volvían más hostiles. Tuvieron una batalla crucial en la que Esparta salió victoriosa, pero Tebas salió reforzada convirtiéndose en un gran punto de resistencia. Posteriormente en varias batallas con Tebas tuvo muchas bajas de soldados de la que no se recuperaría jamás y no volvería a recuperar su antigua fuerza. GIF En los siglos siguientes, Esparta en su estado reducido, se encontró bajo el dominio de diferentes potencias, incluyendo Macedonia por Alejandro Magno, y más tarde Roma. GIF La ciudad de Esparta fue destruida por los Visigodos en el año 396, la ciudad moderna, llamada Nueva Esparta, fue construida en 1834 después de la guerra de Independencia Griega. GIF Es conocida la llegada de un emisario persa que explicaría al rey el gran poder del imperio persa, así como la inutilidad de ofrecer cualquier tipo de resistencia. Ante esto, exigiría a los espartanos que depusieran las armas y se sometieran; a lo que Leónidas respondería una famosa frase bien conocida: “Ven y tómalas” (molon labe. Plutarco. Obras morales y de costumbres 225D). Respecto a los restos de Leónidas, se piensa que fueron llevados de vuelta a Esparta para ser enterrados según las costumbres y los ritos espartanos. El poeta más admirado de entonces, Simónides de Ceos, escribiría el epitafio en verso en honor a los 300: Extranjero, di a los espartanos que aquí yacemos, obedeciendo sus preceptos Heródoto 7, 228, 2 GIF GIF

La extinción de los animales silvestres está relacionada con la aparición de ciertas plagas y enfermedades que afectan al hombre y a la producción agropecuaria. El lince ibérico (Lynx pardinus) es una especie en peligro de extinción (EN) según la Lista Roja de la UICN (2015). La destrucción de los hábitats, la sobreexplotación de los recursos naturales, el aumento de las especies invasoras, el temible calentamiento global, la mala calidad de las aguas o la contaminación ambiental son algunas de las principales amenazas contra los indefensos animales. Los ecosistemas están perdiendo equilibrio, actualmente nos encontramos en una extinción masiva de especies, una gran amenaza contra la biodiversidad. Todo parece afectar negativamente a los animales que corren un serio peligro de extinción. Diversas especies epifitas en una selva de América Central (Costa Rica). Los ecosistemas de la zona intertropical son el hogar de la mayor parte de la biodiversidad mundial actual. Cuidar la biodiversidad permite que las especies sobrevivan, pero además es importante para garantizar que los seres humanos tengamos un futuro sobre el planeta. Heliamphora chimantensis, planta carnívora que únicamente se encuentra en la Gran Sabana, Venezuela. La concienciación es fundamental, podemos modificar nuestros hábitos diarios para salvar el futuro de la variedad de seres vivos que pueblan el planeta, incluida la especie humana. Las medidas para proteger el medio ambiente no sólo están en manos de los gobiernos, sino también de cada uno de nosotros. Hayas en el Gribskov, Dinamarca. Si nos sorprende la incesante deforestación de los bosques y áreas protegidas, lo que ocurre con los animales silvestres no es menor y debería inquietarnos y hasta angustiarnos, si es que somos sensibles a la Naturaleza y a la vida de plantas y animales. Imagen de la Reserva de la Biosfera Santa Fe, en Portugal. Lagunas de Puebla de Beleña (Guadalajara España). Sitio Ramsar. Efe Doug Boucher, uno de los autores de un informe elaborado por Union of Concerned Scientists (Unión de Científicos Sensibilizados) explica: La deforestación tiene efectos sobre el calentamiento global. Los bosques son carbono, cuando se cortan o se queman aumenta el flujo de dióxido de carbono a la atmósfera, por lo que el efecto es el mismo que si se utilizan combustibles fósiles Macho de elefante africano. La caza furtiva duplica el riesgo de extinción de grandes animales terrestres y marinos. En el mundo se sabe que la caza ilegal, la venta de especies silvestres y de sus partes, son un negocio que lamentablemente tiene sus adeptos, porque deja ganancias, aún cuando la legislación lo prohíbe o restringe. Decenas de especies marinas y terrestres de gran tamaño son víctimas de los mercados internacionales de lujo. La Lista Roja de Especies Amenazadas de la Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza (UICN) sitúa al borde de la extinción a cuatro de las seis especies por la caza ilegal. Panda gigante en Ocean Park, Hong Kong. La última revisión de la Lista Roja se ha centrado en los mamíferos, con malas noticias para los grandes simios y las cebras, y un halo de esperanza para el panda gigante, el antílope tibetano y el lince ibérico, cuyas poblaciones han mejorado, alejándolos ligeramente de la extinción. Antílope tibetano o chirú (Pantholops hodgsonii). Cebras en Tanzania. Jane Goodall, primatóloga-2015 La caza ilegal es lo que está encaminando a los grandes simios a la extinción Tenemos una ventana aún para salvarles, pero no es muy grande y habría que abrirla antes de que el cambio climático y las enfermedades agraven la situación de esta especies, tan cercanas al hombre Gorila de montaña. Hoy día, la comunidad científica llama la atención sobre la acelerada desaparición de innumerables especies, con probables consecuencias para el equilibrio de los ecosistemas y el bienestar de los seres humanos. Abeja polinizando flores. Un ejemplo es la labor polinizadora de las abejas nativas y melíferas, gracias a la cual ciertas plantas no desaparecen; y el hombre puede obtener además de la miel, numerosos alimentos de origen vegetal. Pero también las abejas están hoy amenazadas y no escapan a la amenaza de las actividades humanas; a la deforestación, destrucción de su hábitat; a la contaminación por plaguicidas y, como dijimos, al tráfico ilegal de especies amenazadas y cacería en el caso de los animales. Yaguar o yaguareté o "tigre" en la provincia de Formosa. Si un animal silvestre desaparece de su hábitat, se produce un desequilibrio que afectará a otros animales, al ambiente y al ser humano, esto influye en el equilibrio natural del medio y, al final, en el aprovechamiento más sostenible de los recursos naturales: agua, suelo, árboles. Arribes del Duero (Salamanca y Zamora) Martín pescador común (Alcedo atthis) con un pez en el pico. Esto guarda estrecha relación con las cadenas alimentarias en donde todas las especies de fauna y flora silvestre dependen unas de otras. Y son estos desequilibrios los que llegan finalmente a repercutir en el bienestar humano, con la aparición de ciertas plagas y enfermedades que afectan al hombre y a la producción agropecuaria, al no existir sus depredadores naturales. Clonclusión Cascada Seljalandsfoss, en la región de Suðurland (Islandia). La vida de la mayoría de los animales silvestres aún existentes está amenazada directa o indirectamente por el hombre y su afán de lucro. Del otro lado hay consenso entre numerosos investigadores y científicos en que hay que defender y proteger a estas especies, defender a la biodiversidad que al igual que el hombre vive en el planeta. Arthur Schopenhauer en 1859 (Filósofo) a los 71 años de edad. Fotografía de J. Schäfer. La conmiseración o compasión con los animales está íntimamente ligada con la bondad de carácter, de tal suerte que se puede afirmar que quien es cruel con los animales, no puede ser buena persona GIF GIF

Violentos o no, los videojuegos tienen una finalidad de divertir. Permiten a los jugadores mejorar su percepción, conocimientos y explorar nuevas sensaciones. Los que juegan a videojuegos obtienen mejores resultados de sus capacidades que los que no juegan según un estudio. Los juegos de violencia y acción, disparos... pueden parecer que puedan despertar los instintos más agresivos de la persona, sin embargo resultan todo lo contrario, despiertan la agudeza visual, la atención y el razonamiento cognitivo. Producen cambios positivos, todo lo contrario que se pueda creer. Hay que estudiar cuales son estos cambios positivos y así poder crear juegos específicos tanto para fines educativos o rehabilitación de pacientes que han sufrido un ictus por ejemplo. Dra. Daphne Bavelier Neurocientifica Todo lo que hacemos tiene un efecto en el cerebro El efecto de los videojuegos en el cerebro es parecido al del vino en la salud: hay que elegir bien y con moderación La industria del videojuego se sitúa a la cabeza del ocio audiovisual, superando a la del cine.Sin duda el crecimiento de este sector está íntimamente vinculado al desarrollo tecnológico. Hace unos años los únicos soportes para jugar con videojuegos eran la consola y el ordenador, más recientemente los smartphones y tabletas, y la próxima gran revolución del sector vendrá de la mano de la realidad virtual. En ciertos casos los videojuegos pueden producir aislamiento, pero también puede suceder todo lo contrario, si juegas con familias, amigos... o juegos on line. El principal motivo para jugar es la diversión, así lo confirman muchos jugadores encuestados. Los vidieojuegos ha revolucionado nuestra vida cotidiana, tanto para aprender como para entretenernos, potenciamos nuestra capacidad cerebral que todos tenemos para aprender nuestros cambios desde la niñez hasta la vegez. Tenemos que aprovechar sus beneficios y limitar sus peligros. Los nativos digitales, jóvenes que nacieron con estas tecnologías, pueden hacer varias cosas a la vez, tanto estudiar, escuchar música, atender el móvil...(efecto multitarea) cosa imposible que puedan realizar un adulto que ha estado al margen de la era digital. El conocimiento y el entretenimiento no están reñidos. Otro peligro de un uso inadecuado de las nuevas tecnologías digitales es la falta de empatía, nuestra capacidad de ponernos en la piel del otro y sentirlo. Hay que equilibrar el uso de las comunicaciones digitales con el contacto físico y emocional con los demás. Los aspectos positivos van desde aprendizaje, motivación para el esfuerzo, mejorar autoestima. rehabilitación de enfermedades crónicas... si se elige el videojuego adecuado. Los aspectos negativos pueden dar causa a personas susceptibles a conductas violentas, problemas de relaciones familiares, inclusos a serios trastornos y adicciones que requieren tratamiento. Los científicos opinan que son una herramienta fascinante para enseñar, resolver cualquier tipo de problemas y una forma sencilla y efectiva de aprendizaje. Pero su uso excesivo puede dar lugar a serios problemas personales. Dra. Volkow No existe estudios suficientes que puedan relacionar los videojuegos de su consumo abusivo como una dependencia igual que las drogas afirma la Dra. Volkow. Aún así es cierto como algunos países(como por ejemplo, Corea del Norte) existen centros de tratamiento para el uso abusivo de videojuegos. Allí acuden jóvenes que presentan conductas alteradas, como no estudiar, no dormir o no socializarse debido a un uso abusivo de videojuegos. Videojuegos y literaruta Las obras de Tom Clancy han servido de base para muchos grandes éxitos de Ubisoft Los videojuegos han evolucionado. No sólo en cuanto a gráficos y resolución, sino también sus formas de control y en la forma de trasladar una experiencia interactiva al jugador. Han sido cambios pequeños y graduales, pero significativos, que han impulsado la popularidad del mundo del videojuego hasta convertirlo en una industria multimillonaria. Pero sin duda los cambios más reveladores han sido a nivel narrativo. Muchos universos de algunos juegos cuentan con una riqueza comparable a la de grandes novelas de ciencia-ficción Hoy día, la mayoría de los desarrolladores de videojuegos intenta ofrecer a sus jugadores historias profundas que conmuevan y hagan reír, que intriguen, que sorprendan. Las hay de todo tipo, desde relatos adultos que permiten reflexionar sobre las cualidades y defectos de la humanidad, hasta aventuras desenfadadas y divertidas con las que pasar un buen rato. Portada del juego Alice Madness Returns Cada año aparecen nuevos títulos que revolucionan la forma de narrar historias en los videojuegos, que presentan universos complejos y detallados, así como personajes icónicos a los que no tienes más remedio que amar u odiar, con guiones ricos en matices que en ocasiones eclipsan a los del cine o las series de televisión. Y los videojuegos han encontrado una fuente de inspiración en la narrativa más tradicional: la literatura. El mundo literario siempre ha sido propicio a ser adaptado en películas o series de televisión, y los videojuegos se han unido a esta tendencia. Cine videojuegos Una de las primeras adaptaciones fue en 1994 la de "Street Fighter", que se basaba en un conocido juego de lucha y que contaba con el atractivo de Jean Claude Van Damme, pero que pasó bastante desapercibida pese a no ser un total fracaso. Hollywood mira con interés a los videojuegos como nuevo filón de historias, aunque con recelo por el moderado éxito de los que han dado hasta ahora el salto a la gran pantalla. Un dato destacable además por el hecho de que las películas salidas del universo de los videojuegos no han sido lo taquilleras que esperaban los grandes estudios.

La caída de los titanes de Rubens En la mitología griega los titanes eran una raza de gigantes temidos por su gran tamaño y fuerza. Inspirados en la mitología se construyó el Titanic entre 1909 y 1912, como el barco más poderoso, jamás construido por las características a semejanza de los dioses que tuvo también su caída. Se construyó en los astilleros de Harland and Wolff(Irlanda del Norte). Con los diseñadores más vanguardistas que había, fue financiado por un alto coste y aprobado el proyecto para su construcción. Titanic en el astillero antes de su botadura Con un peso de 46000 toneladas, podía navegar a 22,5 nudos(45Km/h) fue el barco más grande jamás construido, no era el transatlántico más veloz, siendo superado por el RMS Mauritania en 1 nudo. Fue el transatlántico más lujoso de su época. Tenía la arquitectura naval más avanzada del momento y en su decoración se había cuidado hasta el más mínimo detalle. Saunas, baños turcos, peluquerías, gimnasios, pista de squash, piscinas interiores, biblioteca, y los camarotes construidos con un elegante mobiliario, dotaban al buque de un lujo que ningún otro navío tenía en aquel tiempo. La torre de Babel-Pieter Brueghel Fue construido como una torre de Babel, desafiando a la naturaleza y a los dioses tras proclamarse "insumergible". Botadura del Titanic El Titanic era en realidad un barco trillizo de un grupo que sus propietarios llamaron Olimpic, Gigantic y Titanic. Nombres de dioses. Tras la tragedia, el Gigantic cambió su nombre por Britanic y también acabó hundiéndose en el Egeo. Capitán Edward John Smith Al mando estaban, Edward John Smith, el capitán de navío más prestigioso de la White Star Line que fue recompensado con el mando del Titanic antes de su jubilación, Henry Wilde como jefe de oficiales y William Murdoch, Charles Lightoller y Herbet Pitman como primer, segundo y tercer oficial respectivamente. Titanic en el puerto de Southampton En el momento de la tragedia el Titanic transportaba a 2.224 pasajeros repartidos entre primera, segunda y tercera clase además de 860 miembros de la tripulación. Murieron 1512 personas el 15 de abril de 1912. La tragedia del Titanic contribuyó a cambiar las leyes de la navegación mundial en lo que a vigilancia se refiere. También cambiaron las normas de trabajo para los radiotelegrafistas y se reglamentaron de forma diferente los mensajes de SOS; hubo también una nueva normativa sobre la reserva de botes salvavidas. «Cambió todo para garantizar la defensa de la vida humana en el mar» Milvina Dean, la última superviviente del Titanic Tras la muerte en mayo de 2009 de Milvina Dean, la última superviviente del Titanic, la memoria de aquel naufragio que marcó al mundo de la navegación a todo lo largo del siglo XX, queda supeditada a los testimonios recogidos a los supervivientes y a los viejos objetos y diseños que conformaron el estilo peculiar y glamouroso del trasatlántico naufragado. Muchos de esos recuerdos y ese aroma especial que parecía desprenderse de una época confiada en el progreso indefinido del transporte por mar se encuentra recogida en 'Titanic, the exhibition', la exposición sobre el famoso barco que ha recorrido el mundo. El plegable D, uno de los botes con supervivientes Es la trágica historia de la que todo el mundo conoce el final: el Titanic se hunde. Sus últimas horas se han convertido en material para crear un mito, alimentado por las distintas versiones de las películas y conspiraciones sobre la historia. Titanic-James Cameron de 1997 La reedición de la cinta de James Cameron de 1997 en 3D nos recuerda que lo que mucha gente sabe de los acontecimientos de aquel 14 de abril 1912 no proviene de un hecho histórico, sino de la pantalla grande. LA BANDA DEL TITANIC Componentes de la orquesta del Titanic Paul Louden-Brown, de la Sociedad Histórica del Titanic y que trabajó como consultor en la película de James Cameron, dice que la escena de los músicos en la película de 1958 "A night to remember" era tan maravillosa que Cameron decidió repetirla en su película. Inicialmente los ocho miembros de la banda, dirigidos por Wallace Hartley, se situaron en el salón de primera clase en un intento de hacer que los pasajeros conservaran la calma. En todas las películas se ve cómola banda no dejó de tocar y cuando el barco hacía aguas, los músicos se trasladaron a la cubierta, donde se procedía a embarcar a los pasajeros en los botes salvavidas. Ninguno de los miembros de la orquesta sobrevivió, convirtiéndose en héroes. Lápida en memoria de los músicos ¿Qué motivó la extraordinaria actitud de los músicos para tocar hasta la muerte? Probablemente la personalidad de su líder y director sumada a la del resto de compañeros, un sólido bloque humano unido por la música. Wallace Hartley, el director de la orquesta, estaba formado en la tradición metodista y su padre había sido director del coro de la iglesia protestante de esta denominación evangélica. La historia dice también que el motivo por el que los músicos permanecieron en cubierta, fue un intento de mantener en alto la moral de los pasajeros. Pero hay un debate acerca de cuál fue la canción final. La “tradición” dice que la última melodía fue el himno "Más cerca, mi Dios, de ti" (Nearer, My God, To Thee). Lo que sí confirman los testimonios es que la banda tocó en efecto en la cubierta esta canción de enorme significado y mensaje en las circunstancias que envolvían su música. NAUFRAGIO Vista de proa 2004 Los restos del Titanic estuvieron sumergidos en las profundidades del océano Atlántico durante muchos años. La evolución de la tecnología hizo posible que el 1 de septiembre de 1985 Robert Balard y Jean-Louis Michel localizaron el barco a 3.800 metros de profundidad, en las coordenadas 41º 43’ 35’’ N, 49º 56’ 54’’ W. No fue hasta el 14 de julio del año siguiente cuando una expedición, a cargo de la Institución Oceanográfica Woods Holes, logró descender por primera vez hasta el lecho marino. Iceberg que impactó fotografiado 5 diás después ENSEÑANZAS VITALES No hay nada de lo que se puedan obtener más enseñanzas que de un gran error, se señala con frecuencia en el mundo de la educación. No sólo de los nuestros, sino también de los demás: la psicología ha señalado que el aprendizaje vicario nos conduce a imitar las actitudes de los demás en caso de que estas obtengan resultados positivos, pero también a no reproducirlas si dan lugar a consecuencias negativas. En este caso el Titanic nos enseña numerosas lecciones como uno de los grandes fallos de la historia. Exceso de confianza No puedo imaginar ninguna condición por la cual un barco actual pueda hundirse, las construcciones modernas han conseguido superar esos problemas Capitán Edward J. Smith Se puede decir más alto, pero no más claro: si de algo estaba seguro el capitán Edward J. Smith es de que el Titanic era, como anunciaban los mensajes publicitarios, “inhundible”. El exceso de confianza puede llevarnos a olvidarnos de las posibles dificultades e incidentes con los que nos encontremos durante nuestro camino, y que cuando la tragedia se produzca sea demasiado tarde para ponerle remedio. Todos viajamos en el mismo barco (ricos y pobres) Como ocurre con la muerte, los grandes accidentes demuestran que las clases sociales y el dinero sólo son útiles en la estabilidad del día a día social, no en los momentos de hecatombe. Aunque la película de James Cameron sugiere que muchos adinerados intentaron comprar su supervivencia, es poco probable que muchos consiguiesen salvar su vida gracias a un fajo de billetes: en los momentos críticos, el dinero no lo compra todo. ¿La principal diferencia entre unos y otros? Que los cadáveres de los fallecidos de primera clase pudieron descansar en ataúdes de madera, mientras que los de clase baja tuvieron que conformarse con bolsas de lona. Hacer caso omiso de los comentarios negativos Si te dicen hasta siete ocasiones diferentes que existe el riesgo patente de colisión con un iceberg, quizá deberías tenerlo en cuenta y no seguir pisando a fondo. Infravalorar las posibilidades de que algo pueda ir mal es una de las consecuencias fatales. Un proyecto no está terminado hasta que está terminado ¿Ansioso por poner en marcha esa nueva idea que se te ha ocurrido y que tanto te emociona y cuyos errores se pueden solucionar por la marcha, según aparezcan? El optimismo propio del comienzo del siglo XX condujo a la compañía White Star Line a poner a flote su transatlántico quizá de manera prematura y a construir el Titanic en los astilleros de Irlanda del Norte con demasiada prisa. ¿Se hubiesen necesitado más pruebas antes de lanzarlo a cruzar el Atlántico? Probablemente sí, pero las prisas por ser los pioneros hizo que miles de los hombres más ricos de la sociedad del momento se montasen en un barco cuyo destino era el holocausto. Las prisas no son buenas consejeras Muchos han atribuido parte de la responsabilidad del descalabro del gran barco a las encendidas peticiones del multimillonario J. Bruce Ismay, director de White Star Line (la compañía que diseñó el barco) para pisar a fondo el acelerador y llegar a Nueva York cuanto antes, tal y como señalan los testimonios de algunos testigos. Esta historia también nos enseña algo sobre la vanidad, y es que las ansias (personales) del capitán Smith por batir todos los récords probablemente le hicieron pasar por alto las advertencias que estaba recibiendo. El tamaño sí que importa (para mal) En el idioma inglés se utiliza la expresión too big to fail, empleado frecuentemente durante la crisis económica, para referirse a aquellas grandes firmas cuyo hundimiento arrastraría consigo al resto de la economía. Una vez que la burocracia de una organización ha aumentado hasta tal punto en que cualquier decisión necesita pasar por diferentes estancias hasta que se apruebe, es muy complicado poder ofrecer una respuesta inmediata a una dificultad acuciante, lo que ralentiza la capacidad de reacción y entorpece cualquier acción. Una pequeña embarcación no habría sufrido los mismos problemas de toma de decisiones que el transatlántico, aunque tampoco habría sido capaz de cruzar el Atlántico. Una curiosidad: J.P. Morgan, uno de los principales inversores del barco, estuvo a punto de subir al malogrado barco pero instantes antes canceló su reserva, alegando motivos de salud. Los cálculos aparentemente correctos no siempre son acertados Lo que aprendieron inmediatamente los navegantes de la época es que la aritmética había sido utilizada de manera perversa en el diseño de los sistemas de evacuación del barco. Los directivos de White Star Line se justificaron señalando que habían superado en mucho el número de botes salvavidas con que debía contar el transatlántico, y según los cálculos oficiales, así era: contenía exactamente veinte botes, cuatro más de lo exigido. ¿El problema? Que según la legislación de la época, el número de embarcaciones de rescate no se encontraba en función del número de pasajeros que se encontrasen a bordo, sino del tonelaje de la embarcación, lo que da como resultado que las plazas disponibles no cubriesen más que a la mitad de pasajeros. Debido a ello, se revisó la legislación de 1894 y desde entonces, el cálculo se realiza para que las plazas de rescate sean siempre al menos un 25% más que el número de pasajeros. Lo barato sale caro La prisa con la que se construyó el barco provocó que algunos de los componentes de los remaches del barco que sujetaban las planchas de acero fuesen construidos con materiales de una calidad mucho inferior a la que fue presupuestada desde un primer momento, ya que la demanda era tan grande que una única compañía no podía producir todo lo necesario. Nunca sabremos si otros materiales habrían cambiando sensiblemente la situación, pero es altamente probable que la rotura de algunas secciones no se habría producido con tal rapidez. Hay que leer más Una novela publicada en 1898 por el oficial de la marina americana Morgan Robertson ya relataba la historia del naufragio un “inhundible” transatlántico, el Titán, después de chocar con un iceberg. Bajo el título de El hundimiento del Titán (Nordica) (en inglés, Futility or the wreck of the Titan), el relato ha atraído a lectores de toda clase por sus evidentes similitudes con el accidente ocurrido catorce años después de la publicación del relato de Robertson. ¿La moraleja? No tanto que tengamos que revisar la historia de la literatura para localizar posibles profecías como que debemos mostrarnos alerta a las advertencias que otros han señalado antes que nosotros. Al fin y al cabo, el término “futilidad” encaja como anillo al dedo en la historia del Titanic.

De todas las armas que el hombre ha desarrollado desde la época de las cavernas, pocos evocan la fascinación como la espada del samurai en Japón. Para muchos de nosotros en las imágenes de las películas de samurais, con su fantástica armadura, al galope en la batalla con su caballo, su colorido de la bandera personal Saschimono, azotando el viento en la espalda, se ha convertido en el símbolo de Japón, el imperio del sol naciente, encarnando el código del guerrero Bushido con su espada unida a su alma. La espada es considerada como una parte tan crucial de la vida de un samurai, que cuando de joven nacía, su espada estaba en el dormitorio para su entrega. Cuando llegaba el momento de morir el viejo samurai, la espada en su honor se colocaba a su lado. Desde los tiempos registrados más tempranos, las espadas japonesas los han hecho muy apreciados y admirados. La habilidad y la técnica en combate del samurai hicieron no solo un arma notable en la guerra, sino también una obra querida de arte. En 1586, cuando el gran señor de la guerra japonés Toyotomui Hideyoshi con su rival Tokugawa, se presento con una espléndida espada para marcar su alianza. La espada era una obra de gran belleza, hecha a mano, por el legendario Masumane, el más grande fabricante de espadas japonesas. En una familia de samurais, las espadas eran tan veneradas que se transmitían de generación tras generación, de padres a hijos. De un gran valor tanto la hoja como su empuñadura shuba como grandes objetos de arte, a veces con accesorios de oro y plata. La empuñadura era a veces tallada con marfil. En la creación de la espada, un artesano como Masumane tuvo que superar una imposibilidad tecnológica virtual, la hoja tenía que ser forjada con un borde muy afilado y que no se rompiera en la ferocidad de un duelo. Para conseguir estos objetivos, se enfrentó a un reto considerable de la metalurgica. Los artesanos japoneses resolvieron el dilema de una manera ingeniosa: cuatro barras de metal, una barra de hierro dulce para protegerse contra la rotura de la cuchilla, dos barras de hierro duro para evitar la flexión y una barra de acero para tomar un filo agudo. Todo calentado a una alta temperatura y martilleada en una barra larga rectangular se convertiría en la hoja de la espada. Tan vital para el espíritu samurai fue el origen de un arma tan magnífica, que llamaban a los sacerdotes sintoístas para bendecir el inicio del proceso y al herrero para realizar su trabajo. Los maestros de la espada de la época dorada de los samurais, se habían evaluado realmente tan altamente como artistas europeos como Rafael, Miguel Ángel o Leonardo da Vinci. Tokygawa unificó Japón bajo su mandato en la batalla de Sekigahara en 1600, solo se permitía al samurai que llevara su espada, reconocidos por su realización de los temidos daisho(la gran espada del guerrero. El nombre Katana deriva de dos viejos caracteres escritos o símbolos Kata, meaning`side y na o "borde". Una espada de un solo filo que ha tenido pocos rivales en los anales de la guerra, ya sea en el Este o en el Oeste. Los samurais también llevaban otro tipo de espadas como el wakizashi(sable pequeño) para ejecutar oponentes o realizar el hara-kiri o vientre-corte. Para los japoneses los intestinos era el asiento de las emociones y el alma misma. La espada era el arma principal de la batalla, en la caballería también se llevaban lanzas y arcos. Un arte marcial creció, este fue el Kenjutsu, el arte de la lucha con la espada, o el kendo. Numerosas escuelas crecieron en el arte de la lucha con la espada, tenían que superar un gran examen físico y espiritual de grandes dimensiones. Educados por un gran maestro debían aprender la forma correcta de sacar la espada y utilizarla. Cinco movimientos básicos tenían que aprender: de arriba a abajo; de izquierda a derecha; De derecha a izquierda; de lado a lado; y un empuje de marcha recta dirigido a la garganta. Como Musashi escribió: "Si sabemos que el camino de la espada así, podemos manejarla con facilidad." La educación de un samurai estaba profundamente influida por la religión del Budismo Zen, que al igual como la gran parte de la cultura japonesa originalmente era una importación de la vecina China. Es objetivo del Zen era el pensamiento y dominio de la espada instantaneamente, intuición y la acción deben brotar al mismo tiempo. Un samurai vivía sin temor a la muerte, con un código de valentía, honor y lealtad, esta filosofía e ideales eran sagrados, sacrificaban su vida si era necesario. Todo unido a una cultura sofisticada y militar crearon la idea del artista-guerrero. Loa samurais fueron capaces de llevar sus espadas libremente y tenían el derecho de matar a cualquier campesino que los ofendiera. La caída de los samurais comenzó durante el periodo Edo (1603-1867). Doscientos cincuenta años de paz habían hecho lo arcaico en los samurais: se les permitió usar sus espadas, pero tuvo que aceptar trabajos no guerreros para sobrevivir. El auge de la economía durante este tiempo de paz excluye aún más los principios ascéticos de los samurai, como la mayoría de los ciudadanos japoneses estaban disfrutando de los nuevos lujos que acompañaban a la prosperidad económica. La disminución gradual de los samurais continuó hasta el último Shogun renunciando durante la Restauración Meiji en 1868. insatisfechos los samurais llevaron a cabo una revuelta contra el Shogun, pero el nuevo gobierno abolió el feudalismo y traicionado a los samurais, despojándolos de todas sus privilegios en 1871. Así terminó la era de los samurai.

Desde la prehistoria el hombre se ha visto impulsado a representar sus miedos por medio del arte, tal vez como una forma de hacer que éstos sean conmensurables y así poder afrontarlos: lo representado es poseído y, por tanto, puede ser vencido. Con el tiempo, esta íntima relación --que encontramos ya en la pintura rupestre y en los rituales de caza del hombre prehistórico--, se convierte en una fuente de placer y en una simple válvula de escape. La tradición comienza en la literatura, pero el cine de terror surgió a comienzos de los años treinta influenciado por el cine expresionista alemán y también debido a unos cambios sociales y económicos como consecuencia de la depresión americana. La influencia ejercida por la estética expresionista de los años veinte ha sido decisiva para el buen desarrollo de este género cinematográfico. El expresionismo inundaba las pantallas cinematográficas de asesinos, vampiros, locos, monstruos, etc. Y el espectador asistía a la contemplación de una imagen distorsionada de la realidad, en la que los decorados, maquillajes e iluminación tuvieron como consecuencia que la ambientación de estas películas fantasmagóricas se basara en el expresionismo. El género de terror, tal como lo conocemos hoy, se inicia en la Universal con Drácula (1930), de Tod Browning, película que se vio muy afectada por su origen escénico (procedía no de la novela de Bram Stoker, sino de una pieza teatral inspirada en esa obra) y por una puesta en escena torpe. Pero la novedad del vampiro y la presencia de Bela Lugosi le aseguraron el éxito, por lo que reincidió con Frankenstein (directamente adaptado de la novela de Mary Shelley), que hizo de Boris Karloff uno de los iconos más memorables de la historia del cine. Pero ya La hija de Drácula (1936) sugiere el agotamiento del género. Entre 1937 y 1938 ninguno de los grandes estudios norteamericanos (Metro Golding Meyer, Universal, United Artist, Warner…) distribuyen películas de terror. Sin embargo, en 1939 la Universal resucita a Frankenstein en La sombra de Frankenstein, película que es más un canto de cisne que un nuevo principio. Dentro del género terrorífico, la monstruosidad es una categoría de la anormalidad y la anormalidad, a su vez, es un concepto de fundamentación estadística. Lo normal inquieta y asusta, especialmente cuando se trata de la grave anormalidad que comúnmente llamamos monstruosidad. Como ejemplo tenemos al monstruo que creó Marie Shelley. Éste es originalmente "bueno", desde el punto de vista psicológico y moral, pero la fealdad extrema de su anormalidad física suscita una aversión hacia él que acaba siendo responsable de su soledad y de sus ulteriores maldades. En rigor, el monstruo de Frankenstein se convierte en criminal debido a su fealdad física, a su monstruosidad. Los monstruos del cine de terror han sido siempre feos porque como encarnadores del mal, son antagonistas de la belleza. Esta deformación es la base de la pérdida del rostro, como bien apunta Aumont y recuerda una frase de Bazin a colación de la película de Buñuel Los olvidados (1950): "los rostros más repulsivos no dejan de ser a imagen del hombre". La deformación, por el contrario, apunta al monstruo, al no-humano, con riesgo de tener que recurrir, a veces a un fantastique de pacotilla para encontrarlo. Los cánones que regulan la imaginería del castillo del vampiro, del laboratorio del sabio loco, de la sala de tortura, del uniforme de Drácula, o del maquillaje del hombre-lobo, han sido perfectamente codificados y ritualizados por la industria del cine. Como lo están el uso del claroscuro, de las penumbras, de los colores lívidos para el rostro humano, o el contraste del rojo de la sangre sobre superficies blancas (los grandes operadores del género, como Karl Freund entre los pioneros y Floyd Crosby en la era del color, han sido los grandes expertos y depositarios de este repertorio iconográfico) . Quiere esto decir que los sentimientos de angustia, pánico, horror que se producen en el espectador no serían posibles si no fuera por toda la puesta en escena que se necesita a la hora de realizar este tipo de películas. Barbas falsas, cabellos teñidos, sangre artificial y maquillajes capaces de añadir o restar años según las exigencias del guión dependen de esos técnicos de maquillaje que suelen convertirse a menudo en los confidentes de las grandes estrellas. El profesor universitario y experto en cine de terror, Carlos Gurpegui, analiza las claves de un género que persigue transmitir al espectador una sensación de miedo controlado o de morbosidad. Carlos Gurpegui lo define como "un género que remite a lo más primitivo, el miedo y su misterio, la intrusión de lo extraño o monstruoso en lo cotidiano, algo que sirve para perturbar la seguridad del espectador y su noción de realidad". Y es que siempre es un reto jugar con la separación de lo real y lo irreal, como afirma Tim Burton. El hecho de que el cine de terror genere una sensación de miedo y no un miedo real también nos habla de sus orígenes. No siempre la sociedad ha estado preparada para entender que los fantasmas, las brujas, los vampiros y todos los elementos fantásticos a los que hace mención no existen... ¿o si? En la Edad Media una novela de miedo no hubiera tenido ningún sentido porque el terror es un género característico de la modernidad. La corriente que dio con esta original fórmula fue el romanticismo. Los escritores románticos rescataron las viejas historias medievales que habían sobrevivido en los pueblos y las adaptaron al gusto moderno, hablando de una realidad paralela poblada de espíritus y elementos imaginarios. La primera novela de terror fue Frankenstein, escrita en 1816 por Mary Shelley. Miedo, pánico, preocupación, incomodidad y angustia son algunas de las sensaciones que provoca en los espectadores el cine de terror. "Esta emoción muy particular nos deja en suspensión, de ahí la palabra suspense", resalta Carlos Gurpegui. Es esa sensación de tener continuamente el alma en vino o el corazón en un puño. En opinión del profesor universitario, "el cine de terror es el resultado de una doble aventura, interna y externa, una lucha contra el bien y el mal, entre el deseo, el sueño y la pesadilla". Una de las teorías sobre el género de terror dice que este siempre habla de preocupaciones sociales. Por ejemplo, el tema del vampirismo se ha asociado según las épocas al miedo social a la homosexualidad o al sida. Un ejemplo son las películas de los años 90 Drácula o Entrevista con el vampiro. "En etapas de crisis, monstruos y catástrofes son los principales protagonistas", asegura Carlos Gurpegui. "A estos les acompañan visiones apocalípticas, extraterrestres de colores y villanos de cómic que muestran el lado más perverso de la naturaleza humana". En general, las cintas de miedo apelan a temas que suelen generar inquietud en la sociedad: lo desconocido y el más allá, la tiranía despiadada, lo monstruoso o el miedo a la locura. Uno de los subgéneros más conocidos del cine de terror es el thriller. Según explica nuestro especialista, "aunque es una variante del cine policiaco por sus dosis de intriga y tensión, el subgénero del thriller --to thrill: hacer temblar o estremecer, dar escalofríos-- cobra carta de ciudadanía de terror, presentando al psicópata como estrella, como sabiamente mostró El silencio de los corderos con Hannibal Lecter". El profesor universitario y especialista en cine de terror cree que este género gusta tanto a los adolescentes "porque conecta con la necesidad de experimentar nuevas y fuertes sensaciones". El experto considera que este tipo de películas profundiza en el eros y el thanatos (el amor y la muerte), aquellas pulsiones básicas que según el filósofo Platón rigen los designios de la especie humana. "Y también gusta --continúa Carlos Gurpegui-- por la manera descarada que la adolescencia tiene de acercarse a según qué cosas. De ahí que la mezcla de géneros funciones a la perfección: Crepúsculo con el romanticismo light o Scary Movie con el humor grotesco, por ejemplo". Lo que parece claro es que el cine de terror no ha parado y no dejará de evolucionar, el miedo invita a sentir, y si es desde una butaca de una sala de cine con una caja de palomitas en la mano, mucho mejor.

Del amor al odio hay solo un paso. El cine nos ha demostrado varias veces lo que ocurre cuando se ha cruzado la línea.Las mutua destrucción emocional o física de dos seres humanos, pasiones arrebatadas, torbellinos emocionales, calenturas de diversa índole y perversidad, reúnen todos los componentes de unas parejas muy explosivas. La Guerra de los Rose “Cuando te veo comer, cuando te veo dormir, cuando te tengo delante, me dan ganas de partirte la cara”, le escupía Kathleen Turner a Michael Douglas en La Guerra de los Rose antes de soltarle un puñetazo en pleno rostro. ¿Quién teme a Virginia Woolf? Richard Burton y Elizabeth Taylor son un matrimonio que se desprecia profundamente, insultándose hasta la saciedad mientras ahogan sus reproches en alcohol. “Eres obstinada, obscena y borracha”, le dice él a ella en un momento del film. La presencia de una pareja invitada a cenar no evita que, durante la velada, los dos protagonistas sigan maltratándose y humillándose, mostrando ante sus convidados todas sus miserias y frustraciones. Fuego en el cuerpo En otras ocasiones el proceso autodestructivo nace de la mismísima pasión. “Más hielo, me quemo por dentro”, suspira Kathleen Turner metida en una bañera en Fuego en el cuerpo. A esas alturas de la película William Hurt está completamente derretido, y no precisamente por el calor. Esa mantis religiosa que es el personaje de Matty Walker jugará con él hasta hacerle caer en un negro y profundo abismo. El cartero siempre llama dos veces Algo parecido les ocurre a Jessica Lange y Jack Nicholson en El cartero siempre llama dos veces. El deseo les lleva primero al asesinato y a un viaje sin retorno. La mujer de al lado Gerard Depardieu y Fanny Ardant, por su parte, intentan recuperar una vieja relación perdida en el tiempo en La mujer de al lado, sin saber que las aguas turbulentas de un río desbocado nunca vuelven a correr por el mismo cauce. Las amistades peligrosas A veces la autodestrucción comienza en una perversa apuesta. Los juegos de seducción y venganza que se traen entre manos Glenn Close y John Malkovich en Las amistades peligrosas acaban hundiendo a sus personajes en las arenas movedizas de la corrupción moral. Nadie acaba ganando el envite. Todos pierden. Réquiem por un sueño La espiral de degradación a la que lleva el consumo de drogas o de alcohol es otra de las habituales autopistas hacia la autodestrucción que hemos visto en las pantallas. Jennifer Connelly lo experimenta en primera persona en Réquiem por un sueño, arrastrando a su novio en el film, Jared Leto, a un callejón sin salida. El último tango en París La historia de una pasión desenfrenada surge una mañana de invierno cuando un hombre y una mujer(Marlon Brando y  Maria Schneider) visitan un piso de alquiler en el centro de París. En su primer encuentro, estos dos desconocidos hacen el amor violentamente en cada rincón de la casa sin saber nada el uno del otro; sin nombres, sin datos sobre su vida personal. Paul y Jeanne deciden seguir viéndose a escondidas… hasta que la situación se vuelve insostenible. La ley del deseo Una reflexión sobre el deseo a través de los amores complicados de un director de cine y de su hermana que, hace veinte años, era un hombre.La ley del deseo se impone entre Eusebio Poncela y Antonio Banderas en un ardoroso melodrama con influencia de Luis Buñuel en el que Pedro Almodóvar, ambientando el asunto en un contexto homosexual, diatriba sobre el amor y el riesgo de la vehemencia sentimental, extremando sus posturas y personajes de manera febril. Otorga carnalidad e intensidad a un relato de exquisita factura y excelentes interpretaciones, en especial Eusebio Poncela. Casino Sexo, drogas y pasta, Sharo Stone lo lleva fatal con Robert de Niro en Casino. Martin Scorsese adaptó la novela de Edtih Warthon La edad de la inocencia retratando a la aristocracia neoyorquina de finales del siglo XIX como una forma social casi mafiosa, violenta e hipócrita en sus conductas de apariencia refinadas, comportamiento que Scorsese, sin enfatizar, intenta relacionar con su presente, mostrando como aquello no era sino el germen de muchos males del futuro de su país. Pero la pasión desbordada, el desamor, las sustancias tóxicas, el juego o el dinero fácil son, al fin y al cabo, meros puntos de partida. La vida es un castillo de naipes que tan solo una pequeña sacudida puede tumbar. Y el cine ha sabido mostrarnos que el edificio de las parejas es endeble y que un poco de viento es suficiente para hacerlo tambalear.