gamer_89

Joe Black se pone en la piel de R.L. Stine y protagoniza Goosebumps (Escalofríos), que copa la pantalla grande de monstruos, fantasía y terror para toda la familia, al mejor estilo Jumanji. Entonces, Los Malditos Nerds recordamos otros films similares, algunos igual de divertidos, otros bastante más aterradores y sanguinarios. ¿Y vos?, ¿cuál es tu monstruo favorito? CAT PEOPLE (PAUL SCHRADER, 1982) La remake de Cat People se toma a sí misma un poco más en serio que el film de 1942, lo que hace que funcione bastante mejor en los tiempos que corren. Ambos films giran en torno a una sensual femme fatale europea que cuando se enciende (sí, en ESE sentido), se transforma en un felino asesino. La remake en cuestión destacó muchísimo por su banda sonora, compuesta por Giorgio Moroder y con vocales de David Bowie. LITTLE SHOP OF HORRORS (FRANK OZ, 1986) Adaptación cinematográfica del musical homónimo de Broadway, que nos presenta a Seymour, un joven florista que termina criando a una planta carnívora despreciable que se alimenta de sangre humana. Seymour está enamorado de su compañera de trabajo, quien no le corresponde, y parece encontrar en la planta una forma bastante siniestra de ahogar sus penas. Little Shop of Horrors es divertidísima y posee unos efectos visuales que sorprenden incluso hoy en día. BLACK SHEEP (JONATHAN KING, 2008) Otra comedia negra de animales asesinos, pero en este caso una bastante peculiar: de origen neozelandés, en Black Sheep un experimento genético sale mal y un rebaño de ovejas pacíficas termina transformado en un grupo asesino y caníbal que solo quiere matar. La película, de corte clase B y con estilo de bajo presupuesto intencionado, posee una producción increíble, con efectos a cargo de Weta Workshop, la compañía Koreana detrás de los FX de The Host. JEEPERS CREEPERS (VICTOR SALVA, 2001) Jeepers Creepers es una película bastante aterradora y muy grotesca. Nos presenta a dos hermanos que acaban de comenzar sus vacaciones y emprenden viaje a su hogar, en la zona rural de Nebraska. Lo que jamás imaginaron es que en el camino se toparían con The Creeper, un monstruo folclórico local que ataca cada 23 años durante 23 días para alimentarse de la sangre y los órganos de sus víctimas, a quienes elige sintiéndose atraído por sus muestras de miedo. SPLINTER (TOBY WILKINS, 2008) Una animal voraz y de mala pinta ataca por sorpresa en una estación de servicio, dejando al dueño del lugar bastante mal herido. El bicho en cuestión porta un parasito maligno capaz de mutar el cuerpo de quien infecta. Por desgracia –o tal vez debería decir “por fortuna de los espectadores porque la realidad es que es muy divertido–, una pareja de drogadictos pasa por el lugar y decide parar en la gasolinera para arreglar una llanta. El horror que les espera es sangriento. THE BLOB (CHUCK RUSSELL, 1988) Una bola amorfa al estilo ameba comienza a consumir todo a su paso, sin dejar rastro alguno y creciendo más y más. Desagradable, ¿no? La masa devoradora, que llega desde el espacio, no tiene consciencia ni criterio, sólo sabe avanzar y devorar. Detenerla no es tarea fácil. The Blob es la remake de la película homónima de 1958, que apostó por un nivel de producción mayor y una seriedad que le permite ser un poco más tenebrosa. TOKYO GORE POLICE (YOSHIHIRO NISHIMURA, 2008) Tokyo Gore Police es medio cochina, ¡pero vamos! Tiene que hacer honor a su nombre, ¿verdad? Hilarante y atrevida, la película nos presenta a Ruka, agente de la policía de Tokyo que, con katana en mano, debe aniquilar a un grupo de mutantes capaz de amoldar su propio cuerpo a su antojo y volver un arma de ellos mismos. Mutilaciones, lluvias de sangre (literalmente) y monstruos de goma apestosos. Puro amor nipón. SLITHER (JAMES GUNN, 2006) Un meteorito se estrella contra un pueblo alejado, al sur de California, para terminar infectando a gran parte de la población local y, finalmente, convertirla en zombies mutantes. La roca en cuestión aloja a un ser extraterrestre gusanoide que encuentra la forma de reproducirse y termina tomando el control de varios lugareños. La película es un festín de sangre con fuertes dosis de comedia negra que la vuelven una propuesta inteligente, atrevida y asquerosa. De culto. SUPER 8 (J. J. ABRAMS, 2011) De la mano de J. J. Abrams y Steven Spielberg nos llega esta película de acción y ciencia ficción que captó el interés de miles de espectadores hace unos años. La fórmula detrás de Super 8 tiene un poco de Cloverfield y algo de E.T. pero también logra una identidad en sí misma, destacando por sus excelentes secuencias de acción, sus efectos y su capacidad de generar tensión. En Super 8, un grupo de amigos se encuentra filmando una película de terror justo cuando presencian un accidente. Las cosas no volverían a ser lo mismo luego de ello. THE CABIN IN THE WOODS (DREW GODDARD, 2012) Cuando creíste que estabas viendo la típica película de terror de adolescentes, The Cabin in the Woods te sorprende. Cinco amigos deciden relajarse en una cabaña en el medio del bosque, lo que no sabían es que el lugar está muy lejos de ser lo que esperaban y esconde un secreto infernal. Sin ánimos de dar spoilers, estamos frente a la comedia de terror más inteligente de los últimos años. No la dejes pasar. THE MIST (FRANK DARABONT, 2007) Frank Darabont es un claro admirador de Stephen King: luego de traernos clásicos modernos brillantes como Shawshank Redemption y The Green Mile, nos llegó The Mist, una película bastante más simplona pero ideal para la nota que nos compete. En The Mist un grupo de lugareños queda recluido en un supermercado luego de que una extraña niebla rodeó todo el pueblo. Detrás de esa cortina espesa se esconden los bichos más horrorosos que hayas visto. NIGHTBREED (CLIVE BARKER, 1990) Nightbreed es una genialidad con Clive Barker en la dirección y con el mismísimo David Cronenberg en el papel del malvado de turno. En Nightbreed un joven atormentado por unas pesadillas que lo incitan a visitar una mística ciudad llamada Miriad termina encontrando una morada subterránea que es el hogar de unos mutantes conocidos como Nightbreed, que no tienen otra opción que ocultarse de la humanidad. Está basada en la novela corta de Barker Cabal. CRITTERS (STEPHEN HEREK, 1986) Nuevamente repetimos fórmula: ambiente rural y bichos sedientos de carne humana. El resultado es la masacre de siempre, aunque en este caso viene aderezada con humor. Critters está claramente inspirada en Gremlins, aunque su director lo niegue, y nos presenta a unas criaturas carnívoras, que al escaparse de la nave que las transportaba, terminan en la tierra para causar estragos, primero devorándose a una vaca para después seguir con un manjar más apetecible: la gente del lugar. TREMORS (RON UNDERWOOD, 1990) Una de los noventa, de esas que todos vimos por TV abierta alguna vez o que no consigue tentarnos cada vez que la cruzamos por TCM, Tremors es un western moderno y sanguinario, que sigue de cerca a dos amigos que justo cuando deciden marcharse de su desértico pueblo, en el medio de la nada en Nevada, se ven envueltos en una suerte de misión para salvar a los residentes del lugar (y a ellos mismos) de unas criaturas subterráneas que acaban de comenzar a devorar pueblerinos. Tremors tuvo cuatro secuelas y una serie de TV de 13 episodios. Si las babosas subterráneas son lo tuyo, no la dejes pasar. GREMLINS (JOE DANTE, 1984) Los Gremlis son bichitos super simpáticos… ¡Si sabes cuidarlos! Cuando Rand llega a una tienda de mascotas extraña en el barrio chino (¡Y si! ¿Dónde más?), se enamora de un Mogwai, una criatura adorable que parece cruza entre marsupial y rata. Luego de idas y vueltas, Rand consigue hacerse con su nueva mascota pero acepta cumplir tres reglas: no exponerlo a la luz del sol, no mojarlo y no alimentarlo después de medianoche. Como es de esperarse, Rand no sigue las reglas.

Si con los diez juegos de la primera parte de este recorrido no tuvieron suficiente, pueden seguir dándose el lujo de pilotar máquinas bípedas gigantes con estos otros diez grandes juegos, en el final de nuestro recorrido por los mejores juegos con robots gigantes. Los mejores juegos de robots gigantes - Parte 1 10. STRIKE SUIT ZERO (BORN READY GAMES, 2013, PC) Lo mejor de dos mundos: eso es lo que nos ofrece este fichín de Born Ready Games, porque se sirve del combate espacial y la estructura de juego de series como Elite o Freespace, pero agrega a la mezcla la posibilidad de convertir nuestra nave en un robot furioso. Lo que resulta en misiones interesantes con muchas variantes distintas, combinado con acción de la buena y una jugabilidad rápida, sobre todo cuando comandamos el robot. El talón de Aquiles del juego es que a mediano plazo puede volverse repetitivo, a pesar de todos los recursos con los que cuenta, sin embargo, entre su original propuesta y su fenomenal acabado visual, es algo que podemos llegar a perdonarle sin pensárnoslo dos veces. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/M2LCXUsUCNw" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> 9. RING OF RED (KONAMI, 2001, PLAYSTATION 2) Este singular juego de Konami plantea una historia alternativa en la cual Japón es invadido por Estados Unidos y Rusia, luego de que ambos países hayan puesto fin a la amenaza nazi alemana y a los fascistas en Italia. Esta ocupación deviene en el nacimiento de dos naciones distintas, cada cual con un régimen gubernamental muy distinto. Ring of Red nos cuenta justamente sobre los conflictos armados producto de esa tensión entre ambas naciones a través de un guión muy bien desarrollado. Pero lo más importante es cómo se juega: hace uso de un planteo táctico para mover nuestras unidades en el mapa, pero al combatir, la acción transcurre en tiempo real, protagonizada por unos robots de aspecto único, dado el contexto temporal en el que el juego transcurre. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/PsnVtEZIMR4" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> 8. HAWKEN (ADHESIVE GAMES, 2012, PC) Este es un juego que tranquilamente pueden probar ahora mismo, ya que es un juego de los que se conocen como “free to play”; sólo tienen bajar el cliente y lanzarse a las intrépidas batallas que el juego propone desde una perspectiva en primera persona. Técnicamente es un título exquisito y la jugabilidad que posee logra transmitir a la perfección la idea de estar desplazándonos en titánicas máquinas de combate. El único “pero” que tiene es que el modelo de monetización no está del todo bien implementado, aún así es un excelente exponente del género, al alcance de todos. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/D8fdy4jZDxo" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> 7. METAL WOLF CHAOS (FROM SOFTWARE, 2004, XBOX) Otro de los hitos de From Software como creadora de juegos con mechs es Metal Wolf Chaos: un juego repleto de acción, adrenalina, explosiones y riffs violentos de guitarra eléctrica, considerado como uno de los más entretenidos que se puedan encontrar por ahí. Este singular fichín nos cuenta la historia de Michael Wilson: el presidente de los Estados Unidos, quien es derrocado por un golpe de estado provocado por su propio vicepresidente. Obviamente, el bueno de Wilson decide no dejar las cosas así, por lo cual se calza con su armadura robótica –el Metal Wolf- y se dispone a combatir a las fuerzas invasoras a fuerza de lasers, tiros y misiles, volando todo por los aires. ¿Descabellado? Seguramente, pero no por eso menos divertido; es más, si empezás a jugarlo, no lo vas a poder soltar. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/gE_T4eAzuA4" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> 6. MS GUNDAM: FEDERATION VS ZEON (CAPCOM, 2002, DREAMCAST, PLAYSTATION 2) Las piernas de la serie Gundam se extienden por un montón de juegos en múltiples plataformas, pero ninguno de ellos está tan cerca de todos los aciertos que tiene Federation Vs Zeon: tal vez, el mejor de la serie, gracias a su enorme variedad en cuanto a la propuesta de juego y a una jugabilidad sólida, que bebe de las aguas de clásicos como Virtual On. Gráficamente no es una maravilla, pero se las ingenia para transmitir la vibra televisiva clásica de la serie, y lo más importante, se mantiene firme mientras la acción trepidante que ofrece se desenvuelve en la pantalla. Lo que es mejor todavía, es que es uno de los pocos juegos de la serie cuyos encantos no sólo son aptos para fanáticos del anime, sino que también sacia el paladar de los amantes de los robots gigantes en general. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/DrH_8xPIIgE" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> 5. TERRA NOVA: STRIKE FORCE CENTAURI (LOOKING GLASS STUDIOS, 1996, PC) Tras haber roto esquemas con Ultima II y un clásico como System Shock, el estudio comandado por Warren Spector se sumergió en la creación de un juego de robots muy particular. En parte influenciado por la serie MechWarrior, en parte con algunos elementos de juegos como Doom, Terra Nova: Strike Force Centauri traía elementos nunca vistos hasta el momento en el género de los mechs. Prueba de ello es el combate táctico por equipos, o el hecho no menor de tener una historia profunda, bien escrita, súper sci-fi distópico, que daba muchísimos más alicientes para seguir jugando. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/Pg6OqyjomJI" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> 4. CHROMEHOUNDS (FROMSOFTWARE, 2006, XBOX 360) La relación de FromSoftware con los mechs es bastante estrecha, prueba de ello es la cantidad de títulos donde podemos pilotar robots que han editado durante toda su trayectoria, y Chromehounds es uno de los más originales dentro de su catálogo. Este fichín nos invitaba a sumergirnos en la simulación de combate vehicular, en el contexto de un conflicto armado ficticio en un futuro lejano, donde la novedad era que ofrecía un modo online con una campaña persistente, en la que los jugadores, tomando parte de las distintas facciones que se enfrentaban en la campaña, decidían el curso de la batalla. Otro detalle muy interesante era que cada misión nos premiaba con partes únicas para nuestro robot, lo cual traía consigo un factor de personalización muy elevado. Los robots, por su parte, podían ser admirados al detalle en el garaje del juego. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/BZuv8Cu7sjg" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> 3. ROBOTECH BATTLECRY (VICIOUS CYCLE SOFTWARE, 2002, GAMECUBE, PLAYSTATION 2, XBOX) Aunque muchos lo tildaron de juego regular, lo cierto es que Robotech Battlecry es querido por todos nosotros porque hace con éxito lo que tiene que hacer bien, que es, justamente, seguir a rajatabla los preceptos de la serie en la que se basa, dando en la tecla con cada uno de sus apartados. Los gráficos que tiene, las actuaciones de voz, las animaciones, el libreto y la jugabilidad rápida y ajustada consiguen llevarnos a ese universo fantástico, donde seremos protagonistas de lo que tranquilamente podría ser parte integral del universo de Robotech. Imposible dejarlo pasar. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/6wSRXBRqmck" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> 2. OMEGA BOOST (POLYPHONY DIGITAL, 1999, PLAYSTATION) No todo son bólidos y ruedas para Polyphony Digital, quienes después de haber roto esquemas y haberse hecho una reputación con el primer y genial Gran Turismo, incursionaron en el ámbito de los robots con Omega Boost, juego al que animaron utilizando el mismo motor gráfico que en el primer fichín de carreras. Omega Boost es considerado uno de los mejores juegos de mechs y con muchísima razón: ofrecía acción trepidante por oleadas de enemigos, a través de nueve niveles. Corto, pero tenía una tonelada de contenido desbloqueable, y cuando ese contenido está diseñado por Shoji Kawamori (vinculado a Gundam y Macross), resulta bastante obvio que estaremos quemando pestañas hasta tenerlo todo. Es extraño lo que pasó con Omega Boost: un juego que con el acompañamiento apropiado de Sony podría haber trascendido su condición de juego de culto, porque tenía mucha pasta para ser leyenda. Aún así, su música llegó a venderse por separado, y hasta se produjeron figuras de acción con sus robots. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/SSWDAaKvGXw" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> 1. XENOGEARS (SQUARE PRODUCT DD3, 1998, PLAYSTATION) Como no podía ser de otra manera, el primer lugar se lo lleva Xenogears, tal vez, uno de los mejores JRPGs de todos los tiempos, obra de un estudio legendario como lo fue el viejo Square, en el cual todas sus luminarias se alinearon para cerrar lo que es un juego con una historia formidable y épica a más no poder, la cual se extiende por más de ochenta horas y que conjuga personajes realmente inolvidables. Desde lo jugable ofrecía elementos clásicos del JRPG vistos en otros juegos como Final Fantasy, pero también se permitía desplegar nuevas ideas, signadas por los distintos estilos de combate marcial que presentaba el juego, además de distintas instancias de pelea: cuando íbamos a pie, o cuando comandábamos los gears. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/05tODOREYkg" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> Nos vemos

Al momento de contar una historia, se suele afirmar que es más difícil provocar la risa que el llanto. Desde lo personal, adhiero completamente a esta premisa, y no sólo desde mi lugar de espectador de teatro o cine, sino también desde mi rol como jugador. Son muchos los títulos que logran penetrar en nuestras emociones, generando diversas respuestas, tan íntimas como incomparables; sin embargo al momento de pensar en videojuegos que hayan logrado transformar una sonrisa cómplice en una audible carcajada, no han sido tantos los elegidos que acudieron a mi memoria. Aclarado esto, repasemos veinte juegos que -garantizo- logran exteriorizar el disfrute a través de su forma más pura: la risa. Link a la segunda parte SAGA PHOENIX WRIGHT (CAPCOM, 2005-2014) Capcom consiguió adaptar el complejo mundo de los abogados a una serie de aventuras conversacionales indispensables para los amantes del género. Durante la sucesión de juicios, investigaciones, búsquedas de pruebas y testimonios, los cuatro juegos que conforman esta subsaga nos premian con un sentido del humor efectivo que invita a la sonrisa más que a la carcajada, capaz de hacer mucho más ameno nuestro paso por una de las mejores sagas portátiles con las que ha contado Nintendo. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/-RVU_8A3xDk" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> DEATHSPANK (HOTHEAD GAMES, 2010) Ron Gilbert tomó las influencias de su serie Monkey Island, las aderezó con el espíritu de Diablo y ofreció con Deathspank una experiencia divertida y singular, que destaca tanto por su jugabilidad como por su sentido del humor. Lo absurdo del argumento, sus misiones y las interacciones del personaje principal invitan de forma recurrente a la risa, bordeando en muchas oportunidades el humor negro, ámbito en el que Gilbert es capaz de desenvolverse con suma soltura. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/0jhIawI3mos" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> MARIO & LUIGI: BOWSER INSIDE STORY (NINTENDO, 2009) Nintendo ha sabido adaptar a su personaje más emblemático a todo tipo de aventuras, desde las clásicas plataformas hasta la práctica de todo tipo de deportes. La incursión de Mario en el mundo de los RPG ha sido cálidamente recibida por los fanáticos, y Bowser Inside Story probablemente sea uno de sus exponentes más logrados. En este título, y como su mismísimo nombre lo indica, Mario y Luigi deben recorrer el interior de Bowser para salvar al Reino Champiñón, dando lugar a varios momentos de esa inocente comicidad nintendera que tanto apreciamos los fanáticos de la compañía. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/BdIeWdVuPtU" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> DEADPOOL (HIGH MOON STUDIOS, 2013) Si bien el juego del antihéroe de Marvel resultó genérico por donde se lo mire, su aspecto más destacable ha sido sin ninguna duda su efectivo sentido del humor, capaz de romper la cuarta pared y compensando con risas la diversión de la que muchas veces carece la aventura. Contando con un argumento original de Daniel Way, ex escritor del cómic, y viéndose enormemente beneficiado por el trabajo de voz del inefable Nolan North, el título puede llegar a ser del agrado de los incondicionales del personaje, quienes valorarán más que nadie la fidelidad y el respeto con que se ha tratado esta adaptación. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/2WCcRRs3s6c" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> WII SPORTS (NINTENDO, 2006) La inclusión de Wii Sports en este informe no se relaciona con lo revolucionario del control propuesto por la exitosa consola de Nintendo ni con la posibilidad de crear Miis supuestamente graciosos; la verdadera diversión para el auténtico gamer está en ver disfrutar como niños a todos aquellos que nunca antes se habían acercado a un videojuego. Padres reticentes, tíos malhumorados y hasta valientes abuelos han sabido trasladar sus torpes movimientos a la pantalla del televisor. Algunos con más fortuna que otros, exhibiendo dentro de sus posibilidades mayor o menor habilidad, quizás también alcanzando óptimos resultados. Lo único verdaderamente indiscutible es que una aburrida celebración familiar puede convertirse en un gran plan de mediar una Nintendo Wii en la sala. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/zqaPFAZS1K8" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> DANGANRONPA 2: GOODBYE DESPAIR (SPIKE CHUNSOFT, 2014) Si bien su argumento poco tiene de hilarante, el villano de esta indispensable serie portátil -Monokuma- puede considerarse como uno de los personajes más divertidos en la historia de los videojuegos. Ante cada situación tensa, cuando la claustrofobia propia de la aventura parece acaparar por completo nuestros sentidos, este adorable oso de peluche mecánico se las ingenia para dibujar una sonrisa en nuestro rostro, al tiempo que comparte una y mil referencias a la cultura pop. En medio de la desesperación circundante, Monokuma es capaz de convertir el tétrico argumento de Danganronpa en el mejor de los gags con la pericia y la versatilidad de un verdadero maestro de ceremonias. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/dfOQV2UKiv0" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> DUKE NUKEM 3D (3D REALMS, 1996) El humor puede interpretarse desde múltiples acepciones y pese a que algunos –entendiblemente- no disfruten de su vertiente más vulgar, es necesario aceptar que el viejo Duke es capaz de generar carcajadas como pocos personajes lo han hecho. Es cierto, puede ser acusado de machista, misógino y tantas otras adjetivaciones más; pero eso no empaña para nada los buenos momentos que pudimos pasar en su compañía. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/cRF-B_f-VZc" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> EARTHWORM JIM (SHINY ENTERTAINMENT / PLAYMATES INTERACTIVE, 1994) Desde que el mismísimo EarthWorm Jim aparece en pantalla algo nos hace suponer que no estamos ante un juego corriente. Una lombriz poseedora de un traje proveniente del espacio exterior no es cosa de todos los días, y un videojuego de plataformas de tan alta calidad, tampoco. Este título se sobrepone como pocos al paso del tiempo, y mucho tiene que ver lo divertido de su argumento y los personajes que cruzaremos en nuestra epopeya, como la excedida en calificativos Reina Pesada, Inflada, Amargada, Sudorosa, Purulenta, Repugnante, Mal Formada y Arrastrada. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/bvXX4J_b7Ek" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> WARIOWARE: MINIGAME MANIA (NINTENDO, 2003) La saga WarioWare supo aportar conceptos más que interesantes dentro del superpoblado universo de los mini juegos; incluso decir “mini” puede sonar exagerado, puesto que, en su mayoría, disponemos sólo de escasos segundos para completarlos. Al margen de sus bondades lúdicas –que son muchas- el irrepetible carisma del alter ego de Mario acompaña soberbiamente el desarrollo, sacándonos más de una sonrisa a lo largo de los ya numerosos títulos de la franquicia. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/Dl-iFd--AN4" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> PSYCHONAUTS (DOUBLE FINE, 2005) Tim Schafer volvió a ofrecer con Psychonauts una nueva muestra de su talento y originalidad para el desarrollo de videojuegos y, por supuesto, de su implacable sentido del humor. Exploración, plataformas y una sucesión de personajes únicos convirtieron esta aventura en una obra de culto, que no alcanzó el éxito comercial que hubiese merecido pero que aún es recordada por sus fanáticos y por la crítica, quienes aún siguen insistiendo por una necesaria secuela. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/aDbDShqvc_o" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> Nos vemos

Ningún juego es perfecto, y ejemplos hay de sobra. Lo llamativo, sin embargo, es hacer una revisión de los juegos más aclamados en los últimos tiempos, y notar que prácticamente todos ellos poseen un punto negativo que tranquilamente arruinarían la reputación de cualquier otro fichín. El hecho de que sigan formando parte de un panteón de esenciales pese a estos detalles nos habla de su grandeza, lo cual no quita los agrios recuerdos que nos evoca rememorar estos diez olvidables niveles. 10. LA LICENCIA – DRIVER (REFLECTIONS INTERACTIVE, 1999) Cuando pienso en el primer nivel o tutorial en Driver mi mente evoca al instante una sigla: CBC. Sí, esa tamiz universitario plagado de asignaturas que rara vez nos interesan, con el único objeto de poner a prueba nuestros nervios y paciencia para ver si realmente queremos seguir por el camino que optamos. Esto es el primer nivel de Driver: una prueba de conducción compuesta por una serie de maniobras que debíamos replicar a la perfección con una precisión insana, y recién ahí, después de horas de práctica, podíamos empezar a probar las mieles de uno de los mejores fichines de la vieja PlayStation gris. Como el CBC mismo, como sus finales: tal vez necesario, pero no menos tedioso, aburrido y estresante. link: https://www.youtube.com/watch?v=Pc4NA_bWEXs 9. TURBO TUNNEL – BATTLETOADS (RARE, 1991) “999999” es el número que indica la cantidad de amistades rotas por el nunca bien ponderado Turbo Tunnel de Battletoads. Un juego de acción durísimo de roer en especial si jugábamos acompañados, ya que ambos jugadores compartían la cantidad de vidas y “continues” disponibles para la totalidad de la partida. Si el fuego amistoso en el descenso previo por la torre no se cargaba con unas cuantas vidas y continuaciones, sin lugar a dudas el destino final, el túnel de los vehículos, haría el resto del trabajo sucio, provocando que en sendos ataques de rabietas si no revoleábamos el pad contra la pared, terminábamos haciéndolo sobre la humanidad de nuestro acompañante. Pero no todo es tan malo como parece: si lograbas pasar este embrollo junto a un amigo, probablemente te hayas hecho ahí un amigo de fierro. link: https://www.youtube.com/watch?v=ye-kPP3D27o 8. MEAT CIRCUS – PSYCHONAUTS (DOUBLE FINE, 2005, PC, PLAYSTATION 2, PLAYSTATION 3, XBOX, XBOX 360) Double Fine jugó sus cartas a la perfección, escondiendo una serie de fallos referidos a la jugabilidad y manejo de cámaras en Psychonauts detrás de su singular diseño artístico, sus personajes entrañables y su concepto vanguardista, puestos al servicio de una aventura única con un universo memorable. Durante el juego estos pequeños desfasajes entre diseño y respuesta de control se mantienen en un punto tolerable, pero en el nivel final, The Meat Circus, la disparidad se vuelve insostenible, resaltando todo lo que está mal con la jugabilidad del fichín: pésima respuesta de control, saltos erráticos, cámaras que fallan en seguirnos, en un nivel que combina todos los elementos odiosos que pueden encontrarse en un juego, los cuales van desde misiones de escolta, segmentos acuáticos, peleas contra jefes eternas y reiterativas, y mucho más. Mención aparte para los personajes que se mofan de nosotros cada vez que morimos (miles de veces). Fatal. link: https://www.youtube.com/watch?t=35&v=md_8uDtbffQ 7. THE LIBRARY – HALO: COMBAT EVOLVED (BUNGIE, 2001, XBOX) Halo: Combat Evolved es uno de los principales responsables en cimentar la idea de que los shooters en primera persona son perfectamente compatibles y disfrutables en una consola de sobremesa, prescindiendo por completo del clásico combo de Pad y Teclado. Y el juego en sí mismo posee una serie de innovaciones e ideas muy bien plasmadas, como también otras para nada interesantes y pobremente ejecutadas. El caso más flagrante es sin lugar a dudas el nivel de The Library, uno de los peores de la saga y de los más opacos de los que se tiene memoria en un juego de este estilo: una sucesión de corredores repetidos, copiados y pegados sin el mínimo sentido funcional ni estético, plagado de enemigos repetidos carentes de inteligencia o desafío como son los Flood. link: https://www.youtube.com/watch?v=hQMlt6XEXDI 6. THE FADE – DRAGON AGE: ORIGINS (BIOWARE, 2009, PC, PLAYSTATION 3, XBOX 360) La obra colosal de BioWare es uno de los mejores exponentes del rol táctico y de acción de la modernidad, construido a base de excelentísimos personajes, un universo alucinante, y una historia contundente y sin fisuras. Algo extraño parece haber ocurrido durante el proceso de creación, algo difícil de explicar, que todos padecimos en forma de una quest de las más aburridas que podemos encontrar en un juego de este tipo como es la de The Fade: un mundo metafísico con menos onda que Xen de Half Life (si es que eso es posible), donde sabiendo con precisión qué hacer podíamos resolverlo en algo más de una hora y media, pero para el resto de los mortales, el suplicio se podía llegar a extender por casi seis horas, merodeando desorientados sin ningún objeto o sentido. Los defensores de esta aberración sostienen que el segmento encierra detalles ricos respecto a los personajes que componen nuestra partida, pero lo cierto es que ninguno vale la pena semejante sufrimiento. link: https://www.youtube.com/watch?v=0olSKafPoQA 5. LAS PESADILLAS – MAX PAYNE (REMEDY, 2001-2003, PC, PLAYSTATION 2, XBOX) La decisión de incluir pesadillas dentro de los niveles jugables de Max Payne 1 y 2 son cuanto menos, polémicas, en particular, porque el juego cuenta con un excelentísimo componente narrativo que se sirve del fenomenal lenguaje comiquero y de unas actuaciones con voces en off realmente envidiables; elementos que combinados poseen la fuerza necesaria para contarnos una historia sombría y dura, dando forma al policial más negro que se puede obtener en el mundo del fichín. Al parecer, estos factores no eran suficientes para Remedy, ya que en los primeros dos juegos nos sometieron a bodrios infumables en forma de pesadillas: niveles laberínticos en donde la acción característica del juego aplicaba un rotundo freno de mano, convirtiéndolo en una sucesión de dioramas estáticos con nula interacción. Max Payne 3 habrá tenido muchas fallas, pero al menos, tuvo la visión de no caer en la trampa, puesto que es el único en la saga que no presenta estos niveles embolantes. link: https://www.youtube.com/watch?v=wkBbLqgcQco 4. BATALLA EN EL AEROPLANO - RESIDENT EVIL: CODE VERONICA (CAPCOM, 2000, PLAYSTATION 2, DREAMCAST, GAMECUBE) ¿Qué es peor que un duelo contra Tyrant? ¡El mismo duelo, repetido dos veces seguidas, claro está! Sin dudas, la treta más vil y artera que Capcom nos tira encima en uno de los puntos más complicados de Resident Evil: Code Veronica, juego que para muchos –entre los que me incluyo- es de lo mejor que tiene para ofrecer la saga. La primera vuelta con Tyrant llega después de quitarnos de encima una enorme cantidad de zombies y gusanos, en donde dejamos buena parte de nuestros recursos, pasando el nivel con lo justo. La sorpresa viene después, debiendo enfrentar nuevamente a este mutante deforme sin la posibilidad de reabastecernos, obligándonos a recurrir a partidas anteriores para acumular municiones y botiquines, perdiendo horas valiosas de nuestras vidas. link: https://www.youtube.com/watch?v=UgM3q1IJA0c 3. MIKE TYSON - MIKE TYSON´S PUNCH OUT! (NINTENDO, 1987, NINTENDO ENTERTAINMENT SYSTEM) Uno de los aspectos mejores logrados de un clásico como Mike Tyson´s Punch Out! tiene que ver con el elevado nivel de dificultad que presenta, obligándonos a movernos dentro del cuadrilátero con suma precisión, ostentando un dominio absoluto de todos sus movimientos. Un juego demandante pero lógico, en el cual podíamos ser imbatibles siendo los mejores pugilistas con el pad en mano. Este balance entre dificultad y habilidad es muy difícil de conseguir, y es algo que muchos juegos actuales buscan sin éxito. Punch Out! lo consiguió con creces, salvo, claro está, por ese nefasto enfrentamiento con el mismo Mike Tyson, el cual demandaba no sólo habilidad, sino perfección absoluta, suerte, y hasta me atrevería a decir, toques de clarividencia. Un despropósito, ya que este único combate deja una mancha difícil de quitar a un juego que supo hacer todo bien hasta ese momento final. link: https://www.youtube.com/watch?v=tnoIUyCp3dk 2. LA BATALLA FINAL - BIOSHOCK INFINITE (IRRATIONAL GAMES, 2013, PC, PLAYSTATION 3, XBOX 360) Resulta cuanto menos lamentable que en un juego que se basa íntegramente en su capacidad de crear climas y momentos alucinantes, el final, la culminación de un relato inolvidable sea un nivel deslucido y completamente anticlimático, efectivo en dejarnos completamente absortos. (Alerta, spoilers) Lejos de ofrecer una pelea memorable contra un jefe temible, nos pone a defendernos frente a un desfile de personajes contra los que ya combatimos hasta el hartazgo en sobradas ocasiones, realzando la monotonía de sus mecánicas y constituyendo a su vez uno de los picos de dificultad más elevados y desbalanceados del juego. ¿Y todo para qué? Para nada, ya que esta aburrida batalla es el jefe final en sí mismo. Una aberración que el propio Levine redime al mostrarnos un final que fácilmente podemos catalogar como lo mejor que tiene para ofrecer un medio como el de los video juegos. link: https://www.youtube.com/watch?v=8f3XJePYPpo 1. EL TEMPLO DE AGUA – THE LEGEND OF ZELDA: OCARINA OF TIME (NINTENDO, 1998, NINTENDO 64) Para muchos se trata del mejor juego de todos los tiempos. Creo que sin lugar a dudas, es uno de los más influyentes en lo que respecta a la modernidad del video juego, pero no por ello se trata de un juego perfecto. La muestra de ello es el infame Templo de Agua, el cual nos tiene corriendo de un lado al otro en recámaras prácticamente iguales dificultando nuestra orientación, subiendo y bajando el nivel de agua de las mismas, nadando, quitando y poniendo las botas de hierro a través del engorroso sistema de inventario, en la compañía de un personaje difícil de tolerar como Navi, una y otra y otra vez, hasta el hartazgo. Lo más triste es que con la reedición del juego para 3DS, voceros de Nintendo dijeron que este nivel sería menos tortuoso en la portátil gracias al uso del inventario y otras implementaciones con la pantalla táctil como protagonista. Sin embargo, al quedar inalterado desde lo estructural y desde el diseño, este enunciado suena como una broma de mal gusto. link: https://www.youtube.com/watch?v=Jfg6RfClZJg Nos vemos

Pocas cosas resultan tan placenteras como compartir un hábito saludable como el de jugar fichines en compañía de amigos y familiares. En tiempos donde el juego online está a la orden del día (de hecho, algunos juegos del listado sólo pueden jugarse cooperativamente online), es interesante remarcar el regreso de una tendencia que parecía en el olvido: el multiplayer “de sillón”, donde Super Mario 3D World toma la posta en Wii U ofreciendo diversión cooperativa para hasta cuatro jugadores, pero también existen interesantes exponentes como Nidhogg o Samurai Gunn que plantean trepidantes enfrentamientos de uno contra uno de manera local. 10. SCOTT PILGRIM VS THE WORLD: THE GAME (UBISOFT MONTREAL, 2010, PLAYSTATION 3, XBOX 360) Lo mejor de dos mundos: por un lado, un género imbatible como lo es el beat em up al mejor estilo de la vieja escuela, y por el otro, un personaje atractivo como Scott Pilgrim, junto con todos los personajes, los malosos y el universo propuesto por la exitosísima serie de novelas gráficas. Lo justo es decir que el juego no sigue al pie de la letra la propuesta narrativa de los cómics, sino que toma la idea central de derrotar a los siete ex novios de Ramona para ganar la partida. Lo interesante son las mecánicas de juego: cada personaje de la banda tiene su propio set de movimientos y habilidades, las cuales se pueden mejorar a través de las monedas que juntamos en cada nivel. Podremos incluso utilizar distintos objetos contundentes y armas para golpear a nuestros oponentes. La serie se caracteriza por sus fuertes vínculos con la cultura del fichín y el juego, naturalmente, no es menos: está plagado de pequeños guiños, menciones y homenajes a juegos como Guitar Hero, River City Ramson y Mega Man, entre otros, lo cual, en sumatoria al resto de las bondades del juego, podemos decir que Scott Pilgrim vs The World es todo un canto amor para el jugón dedicado. link: https://www.youtube.com/watch?v=M02CR3NSlcQ 9. MAGICKA (ARROWHEAD GAME STUDIOS, 2011, PC) Toques de RPG, acción en perspectiva cenital y fuertes influencias de la cultura nórdica son los condimentos principales para Magicka, la ópera prima de Arrowhead Game Studios, quien posteriormente se luciría con Gauntlet (el disparador de esta nota) y el brillante Helldivers: ambos juegos sumamente exitosos que cargan en su ADN con los preceptos de juego que podremos constatar al iniciar una nueva partida en Magicka, un fichín que toma ciertos elementos del RPG (la ambientación, el loot y algunos boosters) despojándose de las clases y el uso de mana. De esta manera, obtenemos una experiencia netamente volcada a lo jugable: con mecánicas pulidas, basada en el uso de hechizos. link: https://www.youtube.com/watch?v=ZnqMnuO2crg 8. NINTENDO LAND (NINTENDO EAD, 2012, WII U) Tal vez, el parque de atracciones que todos quisiéramos visitar, de existir, claro está. Por fortuna podemos hacer de cuenta que existe dentro de los confines de Wii U bajo el nombre de Nintendo Land: un compendio de doce minijuegos y atracciones inspiradas en juegos clásicos de Nintendo, como Luigi’s Mansion, o The Legend of Zelda. Es cierto, no todos los juegos son para cuatro o más jugadores, ya que Nintendo Land incorpora actividades para un jugador. Pero los que se pueden jugar entre varios jugadores son tan entretenidos que convierten a este compilado en una excelente opción para compartir entre amigos y familia. Para tener en cuenta: hoy en día sólo se puede conseguir en formato físico, ya que la propia Nintendo lo retiró de su tienda digital a fines de 2013. link: https://www.youtube.com/watch?v=sawZZVrlsSo 7. SPORTSFRIENDS (DIE GUTE FABRIK, 2014, PC, PLAYSTATION 3, PLAYSTATION 4) Sportsfriends es probablemente la mejor excusa para tener un kit de PlayStation Move. Un juego de un género popularizado por Wii –los party games- que consta de un total de cuatro juegos deportivos imaginarios que se apoyan en distintas disciplinas deportivas reales. Se destaca su singular sentido del humor y su aspecto visual, minimalista pero cálido, en sintonía con la propuesta humorística de todo el paquete. Más allá del clamor generalizado que recibió por parte de la prensa, lo cierto es que si poseen PlayStation 3 o PlayStation 4 y los elementos para jugarlo, es prácticamente una compra obligada no sólo por lo entretenido que resulta, sino porque su propuesta es totalmente única. link: https://www.youtube.com/watch?v=7zh5EXf4rpo 6. THE LEGEND OF ZELDA: FOUR SWORDS ADVENTURES (NINTENDO EAD, 2005, GAMECUBE) Cuatro Links de distintos colores serán los protagonistas en Four Sword Adventures, un juego que plantea un nuevo arco argumental episódico que se extiende a lo largo de ocho capítulos, cada uno compuesto por tres niveles y una trepidante pelea contra un jefe final. La jugabilidad que presenta, así como también el diseño de los niveles toma muchos elementos de A Link to the Past, como también se sirve de Wind Waker, y aunque no lo parezca, el apartado artístico resulta sobresaliente, con una serie de efectos visuales para recrear niebla, lluvia, luces y sombras que terminan por darle al juego un ambiente único. Una vez que completamos la campaña principal, también encontraremos diversión en algunos de los modos para varios jugadores, siendo el más interesante aquel que enfrenta a cuatro jugadores, donde el ganador será el último jugador en pie. link: https://www.youtube.com/watch?v=YHRmjYNZXWE 5. BORDELANDS 2 (GEARBOX SOFTWARE, 2012, PC, PLAYSTATION 3, XBOX 360) Disparo, experiencia, loot, repetir. La mecánica central de Borderlands es brillante porque aunque estemos realizando siempre las mismas acciones, conserva su frescura. Estos encantos se potencian cuando experimentamos la fenomenal aventura que nos presenta el juego, con sus excelentes personajes –ClapTrap a la cabeza-, su amor por las armas y su alto grado de personalización. Atravesar la campaña principal y cada uno de sus enormes contenidos adicionales en compañía de tres amigos puede ser una de las experiencias más satisfactorias que se pueden obtener del mundo del fichín, sin importar la plataforma en donde lo jueguen. Borderlands 2 es sin lugar a dudas el punto más alto de la franquicia, un juego que bajo ningún punto de vista defrauda, sino más bien todo lo contrario. link: https://www.youtube.com/watch?v=ZuMACYc_5XY 4. MONACO: WHAT´S YOURS IS MINE (POCKETWATCH GAMES, 2013, PC, XBOX 360) Podríamos hablar de Monaco: What´s Yours Is Mine como si se tratase de una especie de Demake de un clásico como Payday. La idea es similar, ya que el eje central de este fichín consiste en celebrar atracos cada vez más peligrosos a medida que avanzamos en la aventura. Sin embargo, lo diferente –más allá del estilo píxel art y la perspectiva cenital en los niveles- es que en Monaco encontraremos varias capas extra de complejidad, de la mano de ocho clases distintas de rateros a elegir antes de cada misión, cada uno con sus habilidades específicas. Lo bueno de Mónaco es que siempre tiene algo interesante para ofrecer: si logramos coordinar un atraco a la perfección será una partida inolvidable, pero si por ejemplo, nos descubren y se desata el caos la pasaremos de maravillas, ya que en ambos aspectos, Monaco entretiene como ninguno. Ya mencionamos el excepcional apartado visual, y la música merece un capítulo aparte: piezas ejecutadas en piano compuestas por un genio como Austin Wintory, conocido por su obra en Journey. link: https://www.youtube.com/watch?v=6SOC6tImdM8 3. CASTLE CRASHERS (THE BEHEMOTH, 2008-2010, PC, XBOX 360, PLAYSTATION 3) Apelando a un género infalible para fichines cooperativos de hasta cuatro jugadores, The Behemoth supo romper esquemas con Castle Crashers: un beat em up sidescroller (de piñas, y con desplazamiento lateral) que cuenta con el singular apartado artístico propio del estudio y que incluye a la fórmula de los golpes y acción distintos aspectos propios de los RPG, tales como los puntos de experiencia y la posibilidad de subir de nivel. Ambientado en un universo medieval fantástico, Castle Crashers despliega a sus anchas una jugabilidad sólida, y no teme ocultar en todo momento la inspiración que toma de clásicos fichines ochenteros como Double Dragon y Final Fight. El resultado, es uno de los mejores juegos del género, ideal para pasar una tarde entretenida en compañía de amigos, ya sea al lado nuestro en el sillón, o bien a través de la red de redes. link: https://www.youtube.com/watch?v=BsLHvg93bX4 2. SUPER MARIO 3D WORLD (NINTENDO EAD, 2013, WII U) Para muchos se trata del nuevo “Galaxy” de Nintendo, en el sentido de lo innovadora que resulta la posibilidad de poder recorrer los escenarios que componen este fantástico juego en compañía de hasta tres amigos, por primera vez en un plano tridimensional. Esto posibilita una nueva cantidad de mecánicas de juego cooperativo, como también una profundidad inusitada en cuanto al diseño de cada uno de los niveles del juego. La propuesta de juego es la combinación perfecta entre New Super Mario Bros y Super Mario 3D Land, en un juego que explota las cualidades técnicas de Wii U, puesto que es uno de los juegos más bonitos de ver en la consola, y uno de los mejores exponentes actuales en el género de las plataformas. link: https://www.youtube.com/watch?v=Qlqa3nSihRA 1. LEFT 4 DEAD 2 (VALVE/TURTLE ROCK STUDIOS, 2009, PC, XBOX 360) Cuando se trata de acción cooperativa hay pocos juegos que pueden ofrecer el nivel de adrenalina que entrega Left 4 Dead 2: un clásico dentro del excelente catálogo de Valve, creado por Turtle Rock Studios. La propuesta es básicamente la misma que su antecesor: soportar el embate de oleadas interminables de infectados, alcanzando el clímax de la batalla con la aparición de infectados especiales que ofician a modo de “jefes”, controlados por la IA o bien por otros jugadores. Left 4 Dead 2 se destaca de su antecesor gracias a un aspecto técnico mejor resuelto, algunos nuevos modos de juego, nuevos infectados y una Inteligencia Artificial renovada que al día de hoy prevalece como una de las mejores desarrolladas que podemos encontrar en algún fichín. link: https://www.youtube.com/watch?v=Jz6FCFoL3k4 Nos vemos

Hoy cumple 64 pirulos el señor Mark Hamill y la realidad es que si pudiéramos contratar a alguien para que le cante el feliz cumpleaños… ¡sería a sí mismo! Por más que su carrera delante de cámara tenga algunas joyas como the Trickster en la serie original de Flash o un personaje chiquito de una trilogía de ciencia ficción, conocido como Luke Skywalker, el talento del actor californiano es definitivamente el doblaje de voces. En su larga carrera, Hamill a proporcionado su voz a personajes que van desde los más clásicos dibujos animados a emblemas de los videojuegos, todos surfeando el amplio espectro de ir desde la caricaturesca locura total hasta el más frío y calculador de los genios malvados. MARK HAMILL (THE SIMPSONS) Por más que pueda llegar a parecer un trámite, no es para nada fácil actuar de uno mismo. Hamill es un gran actor de doblaje por el hecho de que entrega todo su cuerpo al personaje a la hora de grabar, componiendo creaciones con todo su ser. En su aparición en Los Simpsons, sin embargo, tuvo que hacer algo un tanto atípico a su propio método y personificarse a sí mismo, en un rol mucho más ligero y desde ya alejado de la realidad. Podemos llegar a estar de acuerdo que no es lo más destacable de su carrera pero, nadie jamás olvidará que Luke es un Jedi por hoy. link: https://www.youtube.com/watch?v=2RPMxGzupJk CHRISTOPHER BLAIR (WING COMMANDER) En retrospectiva, si pensamos en los héroes que Hamill supo interpretar, estos siempre tienen un carácter decidido pero resultan ser tímidos cuando no bastante introvertidos. Con los años, el rol del protagonista carilindo se alejó de las posibilidades laborales de Hamill, pero la misma distancia le aportó experiencia. Como Christopher Blair, Hamill es un personaje curtido mucho más parecido a Han Solo que a Luke Skywalker y es en su temple tranquilo y filoso que el actor logra componer otro personaje que no teníamos en cuenta para su repertorio. Tal vez más disfrutable por los fans que nacimos del ochenta y cinco para abajo, pero aún así, otro gran rol en el espacio. link: https://www.youtube.com/watch?v=573UAJjrY6w SKIPS (REGULAR SHOW) No es fácil hacer la asociación entre Hamill y un Yeti inmortal que trabaja en un parque de diversiones, pero de alguna manera nuestro celebrado Mark pudo lograrlo a la perfección. En un trabajo en donde puedo afirmarles que definitivamente castiga a su garganta, herramienta principal de estos roles, Hamill carraspea a más no poder bajando su tono para llegar a un resultado donde podríamos decir que notamos restos del Joker en el fondo, pero con la suficiente ligereza para diferenciarse del personaje de DC, poniéndole un poco de humor a la criatura, como la serie lo amerita. Es esta personalidad monstruosa bien lograda, sin perder el humor, lo que hace de Skips uno de sus mejores trabajos actuales. link: https://www.youtube.com/watch?v=Zulkr2QZ7yM THE WATCHER (DARKSIDERS) Si al momento de leer esta nota todavía no jugaste Darksiders, esto no afectará al resto de la lectura, pero seguramente te haga perder mi respeto. Este gran juego del difunto estudio THQ cuenta una titánica aventura celestial, que sólo podía estar compuesta por titanes de la industria. Como no suele andarse con chiquitas, Hamill interpreta al Observador, un ser capaz de matar a la mismísima Guerra, aunque prefiere cumplir con el rol de guía. Algo así como si Yoda y Satanás fueran la misma persona. Aunque a Hamill se le pidió que componga un Joker más, su trabajo en este juego se destaca por aportar un cierto aire de incomodidad para quien lo escucha, al tiempo que nunca estamos en totales condiciones de afirmar si The Watcher es un hombre o una mujer. Místico, amenazador y terroríficamente cómico, es un personaje del que nos hubiera encantado recibir más. link: https://www.youtube.com/watch?v=kulDjf6e5vo WOLVERINE (X2 - WOLVERINE’S REVENGE) Podríamos hacer de esta la entrada más larga de las lista, debatiendo quien es el verdadero Guepardo. Personalmente, nunca fui fan de Hugh Jackman, pero no puedo negar que sus legiones de fanáticos le den la razón a el. Sin embargo, Hamill compuso una gran versión del mutante canadiense en su videojuego homónimo - es decir “Wolverine”, no “Enano Canadiense: The Video Game” - rebajando toda la bronca del X-Men a un tono más mundano, con la efervescencia del enojo de fondo, como si pudiéramos sentirlo en la base de su lengua. Siendo este personaje de Marvel un ser tan colérico, la voz de “Mark Hamill enojado” queda mucho mejor de lo que una imposición pomposa y caricaturesca quedaría. El juego puede haber quedado en el olvido, pero no así su interpretación. link: https://www.youtube.com/watch?v=cF3YB0k6D3E ALVIN (DREAMWORKS DRAGONS) Si vamos a sincerarnos, es una realidad que este personaje de la serie animada derivada de Cómo Entrenar a Tu Dragón, suena demasiado parecido al Guasón de Hamill. En númerosas entrevistas, el doblajista supo quejarse de esta serie, con respecto a que no está acostumbrado a grabar sólo como las técnicas actuales lo ameritan, por lo que siempre le costó componer al vikingo, por no saber cómo reaccionar de manera correcta a los estímulos de los demás personajes. A decir verdad, esto no afecta directamente su timbre de voz, pero si es un obstáculo al trabajar. ¿Cómo lo solucionó entonces? Un acento del noreste de europa y un aura ridícula bajo el aspecto intimidante del guerrero terminaron por dar otro personaje con el sello de aprobación Mark Hamill que encaja a la perfección en un universo que el mismo dijo sentirse incómodo. link: https://www.youtube.com/watch?v=3E2xqa2aOWw OZAI (AVATAR: THE LAST AIRBENDER) Avatar es una serie de culto que sobrevivirá al paso del tiempo como pocas animaciones lo logran. Debiendo en gran parte su éxito a los grandes personajes que la protagonizan, es de entender que Hamill haya puesto su voz a este caso de éxito. La particularidad que aportó Hamill al General Ozai radica en que su odio reside en lo que termina de decir y no precisamente en lo que dijo. Con un tono de relajada prepotencia, se puede sentir como algo corpóreo el desprecio y rechazo que queda colgando al final de cada oración que escapa a la boca del personaje. Es gracias a Ozai que podemos decir que nuestro querido Jedi compone grandes héroes, pero definitivamente sus villanos son legendarios. link: https://www.youtube.com/watch?v=zAAvHhf931s CHUCKY (ROBOT CHICKEN) Realmente fue difícil escribir esta entrada sin parar de reir. Dicen que la genialidad está en la brevedad y este expreso corto de la serie Robot Chicken muestra el talento de Hamill en una sola oración. Encarnado al clásico muñeco maldito en breves líneas, el trabajo del actor de voz queda resaltado en cómo mantiene la verosimilitud del personaje de terror, pero burlándose del mismo a su vez. Cuando dice “Debo revertir esta maldición gitana… o cualquiera que sea mi historia de origen” lo dicen con una voz tan ridícula y descreída que nos invita a todos, sólo por su tono, a replantearnos la existencia de Chuckym haciendo que el chiste funcione en distintos niveles. Si alguna vez dudaron que la imposición de voz puede funcionar con los mismos matices que un instrumento musical, a la hora de hacernos sentir distintas emociones, Hamill lo acaba de demostrar casi sin esfuerzo. link: https://www.youtube.com/watch?v=hoRIXJiJ0BA ADRIAN RIPBURGER (FULL THROTTLE) No hay duda que saben cuál será el primer puesto de este Top, por lo que tomemos el segundo lugar con el mismo nivel de importancia, ya que al fin y al cabo estamos hablando de uno de los villanos más despreciables de la historia de los videojuegos. Aún trabajando para Lucas, Hamill fue el responsable de crear al típico cerdo capitalista en contra de todo lo que es divertido, quien en este caso fue bautizado como Adrian Ripburguer. Con diálogos realmente bien escritos, el actor de voz simplemente tuvo que poner su talento para que este desagradable ser humano cobrara vida para amenazar y rebajar al mundo que lo rodeaba. Hamill demostró con Ripburguer que no hace falta tener super poderes o ser un extraterrestre para componer un villano de antología. Claramente, sólo puede haber un príncipe del crimen... link: https://www.youtube.com/watch?v=dJd1upPiKzE THE JOKER (BATMAN) Tranquilamente podría dejar que el video que figura por debajo haga su trabajo sin escribir siquiera una línea, y aque el Guasón de Mark Hamill es literalmente un emblema de los doblajes de voz. Mientras los oportunistas se debaten entre Jack Nicholson y Heath Ledger, los fanáticos saben que existe un solo Principe Payaso del Crimen y este es Mark Hamill, al punto que hoy por hoy es casi imposible leer las historietas sin poner su voz a los globos de diálogo del criminal. Hamill no sólo compuso a todas las encarnaciones del Guasón en la serie animada de Batman y sus películas derivadas, sino que inclusive pasó a la historia con su trabajo en la saga de videojuegos Batman Arkham. Prácticamente, en el día de su cumpleaños, como en el resto de su carrera, Mark Hamill nos regaló mucho más de lo que jamás vamos a poder devolverle. link: https://www.youtube.com/watch?v=7ryHyDFCCD8 Nos vemos

Si estas cansado de vivir en sociedad, mudate a una de estas casas... La villa de Roca Dunbar (Guanaja, Honduras) La mansión tiene 10 habitaciones individuales y puede alquilarse de forma exclusiva. Un fin de semana para 20 personas sale por unos 39.000 dólares. Adrere Amellal (Oásis de Siwa, Egipto) El oásis de Siwa es uno de los destinos más raros de Egipto. Está próximo a la frontera con Libia (a 560 kilómetros de El Cairo a través del desierto), y llegar hasta allí no es nada sencillo. Fogo Island Inn (Isla Fogo, Canadá) Fogo Island es una isla de 254 km² en la costa de Terranova, al norte de Canadá. El edificio es un hotel de lujo que te permitirá irte lejos pero manteniendo todas las comodidades. Wordie House (Winter Island, Antártida) Es una antigua estación de investigación situada en Winter Island, un islote de 200 x 900 metros. Hoy es un museo visitable en barco desde alguna estación vecina como la base de investigación Vernadsky. Casa do Penedo (Fafe, Portugal) Su nombre significa literalmente “Casa del peñasco” en Portugués. Se trata de una pequeña vivienda encajada entre dos enormes rocas en las montañas de Fafe, en Portugal, a medio camino entre Fafe y Celorico de Basto. La casa de la isla Elliðaey (Islandia) Elliðaey es la isla más nororiental del archipiélago Vestmannaeyjar, al sur de Islandia. La famosa casa de la foto es, en realidad, una cabaña de cazadores porque toda la isla es un excelente coto de caza y observación del ave marina conocida como Frailecillo. Al otro lado de la isla hay un par de casas. Elliðaey tiene un censo de cinco habitantes. Moonhole (Isla Bequia, San Vicente y Las Granadinas) La casa la construyeron a finales de los años 50 Tom y Gladdie Johnston, un matrimonio de publicistas, cuando las leyes costeras no estaban a la orden del día. La isla con espacio suficiente (Ontario, Canadá) La casa “La isla con espacio suficiente ” fue bautizada así por la familia que la adquirió en los 50 para construir una casita de veraneo. No se devanaron mucho los sesos… El faro de Bishop (Islas Sorlingas, Reino Unido) Se encuentra a 45Km de la costa británica, en su extremo más apartado, está Roca Bishop, apenas un montículo pelado de 46 x 16 metros en el que abandonaban a los criminales a su suerte durante la edad media.

En línea: La mayoría de los coches de calle lo llevan. No es el más sexy, pero sí el más experimentado de todos. En V. image Muchos deportivos lo utilizan porque consigue una entrega de potencia más progresiva y es más plano (menos alto), rebajando así el centro de gravedad del coche que lo porta. También ocupa menos longitudinalmente que un motor en línea, al poder solapar los cilindros, los cuales se encuentran en dos bancadas separadas en un ángulo que suele estar comprendido entre los 60º y los 120º. V + en línea: V en línea. Conocidos comúnmente como VR. Los VR6 y VR5 de WV usan esta disposición, y se caracterizan por tener un ángulo extremadamente reducido: 10,5º o 15º. a: En línea | b: En V | c: VR En W: Bugatti usa esta disposición en el Veyron. Es la única forma que hay de meter 16 cilindros en un coche sin que el tamaño se dispare. Boxer. Utilizado por Subaru, presume de suavidad, ausencia casi total de vibraciones al estar autoequilibrado por geometría, y un bajo centro de gravedad. Como contrapartida tiene la misma que los motores en V la duplicidad de algunos componentes con respecto a uno en línea y el consiguiente aumento de peso. Boxer Diesel. XD Lo mismo que el boxer convencional, pero en diesel. Subaru es el único fabricante de motores boxer diesel. Motor radial Al estar todos los cilindros en el mismo plano, ocupan poco espacio longitudinal y permiten ser refrigerados por aire. Han sido y son muy utilizados en aviación, en los que el mismo aire que mueven las hélices es el que refrigera los cilindros. Motor axial. Un diseño interesante, pero se utilizad muy poco por los retos mecánicos que plantea. Duke Motors lo comercializa. Motor rotativo Wankel. Puede producir mucha potencia y solo tiene 3 partes móviles. Desgraciadamente, ya sea por diseño o porque no ha sido utilizado en masa, no es muy eficiente. El último coche en utilizarlo fue el Mazda RX8. Motor a reacción. Producen muchísima potencia y sol utilizados sobre todo en aviones, helicópteros y tanques. Motor Stirling

Los robots siempre han sido una constante en la vida de nosotros, los jugones. Desde el viejo y querido Macross, pasando por los Armored Core o Mech Warriors, hasta Titanfall y el reciente Galak Z: juegos que demuestran que esta tendencia lejos está de terminarse, sino que está mas viva que nunca. Súbanse conmigo a la butaca del piloto, preparen los lásers y propulsores, y repasen conmigo estos diez primeros excelentes fichines que nos permiten sembrar el caos a bordo de gigantescos robots metálicos. 10. FRONT MISSION 4 (SQUARE ENIX PDD 6, 2003, PLAYSTATION 2) La primera llegada de la clásica saga de RPGs tácticos a la consola que dominaba el mercado en aquel entonces: Playstation 2. Front Mission 4 es un RPG táctico (un género que supe querer muchísimo), con un legado prácticamente intachable. Tal vez la vista isométrica / cenital que las batallas poseían quitaban un poco de ánimo a quienes querían ver acción de máquinas gigantes. Pero lo cierto es que con el nivel de profundidad táctica que tenía este juego en cuanto a cómo se movían los robots, los distintos tipos de daño en cada una de las piezas que lo componen y la utilización inteligente del escenario, Front Mission 4 se las ingeniaba para desplegar batallas tan espectaculares e intensas como el más pintado de los juegos de robots más orientados a la acción. link: https://www.youtube.com/watch?v=vK_IXubFnVY 9. MECHASSAULT (DAY 1 STUDIOS, 2002, XBOX) Uno de los primeros juegos en volarme la cabeza en la vieja y querida Xbox original fue Mechassault. La premisa era casi la misma que Mechwarrior: humanos en guerra que para celebrar sus enfrentamientos acudían a robots gigantes. Sin embargo, lo que quitaba el sueño era el hecho de ser uno de los primeros juegos en aprovechar las bondades de Xbox Live, permitiendo enfrentar hasta ocho jugadores en simultáneo. Y ahí es cuando las mecánicas de juego tomaban un vuelo distinto, en especial aquella que hacía que nuestros mechs recalienten con el uso, quedando inhabilitados momentáneamente. Otro de esos juegos que consumieron una parte importante de mi adolescencia. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/tBq5p-RYFSs" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> 8. MECHWARRIOR 2: MERCENARIES (ACTIVISION, 1995, PC) Su nombre era algo confuso: ya que en aquella época no se usaba esto de editar una edición mejorada de un juego ya existente. Mechwarrior 2: Mercenaries es entonces una versión con esteroides del Mechwarrior 2 original pero con muchos agregados que lo convierten en una experiencia nueva: más y mejores robots, nuevos diseños, motor gráfico ampliamente mejorado, un modo que permitía crear nuestras propias misiones y contenido, y lo mejor, por primera vez incluía la posibilidad de batallar online. Es lo que se llama un “insta-clasic”. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/-z7gzXBH3AU?list=PL30315A80C54AFF82" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> 7. TITANFALL (RESPAWN ENTERTAINMENT, 2014, PC, XBOX 360, XBOX ONE) ¿Se acuerdan de Titanfall? ¿El revolucionario FPS de Respawn que prometía el oro y el moro? Es una verdadera pena que los ex Infinity Ward no hayan sabido insuflarle los incentivos suficientes al juego para mantener activa a la base de jugadores y darle una vida a largo plazo. Porque este juego sí que tenía ideas maravillosas, una jugabilidad soñada y lo que es mejor, algunos enfrentamientos entre robots gigantes dignos de alquilar balcones. Todo lo que refiere a la recreación del combate robótico estaba logrado con creces: desde los méritos para invocar a los gigantes, pasando por su significado y peso dentro de la batalla, como también, naturalmente, meternos dentro de ellos y pilotarlos. Puede que Titanfall no haya entregado todo lo que prometió, pero vaya que dejó recuerdos grandiosos y memorables. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/GQH1rG5c6j4" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> 6. VIRTUAL ON (SEGA, 1995, ARCADES) Dicen que las mejores cabinas de arcades viven en Japón. Y vaya que tienen razón. Virtual On era una auténtica bestia: un juego que proponía combates de robots uno contra uno. Había un repertorio bastante generoso de “Virtuaroids” para seleccionar y saltar directo a la acción. Este juego posiblemente inspiró el método de control de Steel Batallion, ya que para jugar hacíamos uso de dos palancas y varios botones. El gabinete del arcade estaba compuesto por dos “estaciones” para jugar, permitiendo enfrentarse uno contra uno. El éxito de este juego fue tal que incluso los Virtuaroids aparecieron en algunas series televisivas y se produjeron figuras de acción. Hubo algunas versiones para consolas de sobremesa, que no se sentían igual de interesantes sin el genial sistema de control. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/S1BwvEx7-Z8" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> 5. GALAK-Z: THE DIMENSIONAL (17-BIT, 2015, PC, PLAYSTATION 4) Todo lo que nos gusta de los robots en un solo juego: eso es básicamente Galak-Z: The Dimensional, el juegazo de acción espacial de 17-BIT. Toma prestados algunos elementos del viejo Macross, de Defender, y conceptos de un género interesantísimo como lo es el roguelike. Nos pone al mando de una nave experimental que debe salvar a la galaxia de una invasión de piratas y alienígenas, abriéndonos paso a los tiros a medida que exploramos sus niveles generados al paso. Nuestra nave puede recibir una enorme cantidad de mejoras, pero lo más importante, es cuando se nos da la posibilidad de convertirnos en un robot-samurai-gigante con el cual hacemos trizas a todos nuestros oponentes y además, libramos duelos trepidantes con otros mechs en puntos clave del juego. Como si sus encantos jugables no fuesen suficiente, el juego cuenta con una presentación que homenajea a las óperas espaciales niponas: la estética, los diálogos, la presentación episódica y por temporadas como si de una serie se tratase; diablos, si hasta emulan el efecto visual de estar viendo un videocasete de los ochentas. Uno de los pocos juegos que logran hacer algo significativo de la nostalgia, y uno de los más entretenidos de los últimos tiempos. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/wiXGwqYsZYI" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> 4. ARMORED CORE 3 (FROM SOFTWARE, 2002, PLAYSTATION 2) Pocas series son tan prolíficas y milenarias como lo es Armored Core. Es realmente difícil elegir uno entre tantos, pero creo que lo más justo, considerando todas sus virtudes, es destacar a Armored Core 3: Silent Line. Lo tenía todo: un nivel de personalización para los robots que se codeaba con lo demencial, cambios muy significativos en el comportamiento de los enemigos gracias a una Inteligencia Artificial envidiable para la época, una vista en primera persona con cabina incluida realmente privilegiada, y la combinación casi perfecta entre la cadencia de juego propia de un arcade de acción con toques y preceptos de simulación. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/E_1giFfxkuA?list=PLpv87C_PdWSQJVwDiyiWfo-u1yP_HZoDn" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> 3. STEEL BATTALION (CAPCOM PS4, 2002, XBOX) Pocos pudimos ver este juego en todo su esplendor: porque el juego en sí era difícil de abordar ya que intentaba recrear una experiencia más orientada a la simulación, lo cual lo hacía poco amigable para el jugador promedio. Ahora, cuando lo utilizábamos con el set de controles BESTIAL que incluía, la cosa tomaba otro color. Pedalera con tres pedales metálicos, y todo un panel de controles con dos palancas y toda una botonera a disposición. Técnicamente era brillante, una maravilla en movimiento con una cámara interna que combinada con el particular sistema de control, entregaba una experiencia inolvidable. Una lástima que ese control era tan difícil de conseguir en nuestro país. link: <iframe width="8000" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/rGgxRsaGdcA" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> 2. SHOGO: MOBILE ARMOR DIVISION (MONOLITH PRODUCTIONS, 1998, PC) ¿Quién esperaba que Monolith saldría con un juego de este tipo? Yo no al menos, a pesar de que esta compañía –famosa por haberla pegado con el genial Blood- tuvo una variedad de títulos y géneros bastante interesante, previo a SHOGO: MAD. Este juego era un shooter en primera persona fuertemente inspirado en cómics y series animadas de robots de corte nipón, lo cual se apreciaba en la estética, los efectos de sonido y el diseño general del juego. Las misiones eran mixtas: jugábamos con el piloto a pie y las más interesantes desde luego, eran aquellas que implicaban meternos dentro del gigante metálico. Era divertidísimo, alucinante; al punto de haberse llevado horas y horas de mi vida. No me quejo: era una gran inversión. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/gdNHewptTzM" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> 1. ZONE OF THE ENDERS 2 – THE SECOND RUNNER (A HIDEO KOJIMA GAME, 2003, PLAYSTATION 2) El epítome de lo que se supone que un juego de mechs debería ser. Un diseño artístico increíble, en donde hasta el más patiño de los robots rebosa de estilo. Acción trepidante y de escala épica, controles de una respuesta genial. Una historia sensacionalmente narrada, repleta de personajes antagónicos que dan lugar a algunas de las peleas con jefes (sí, “Boss Battles”) más memorables en mucho tiempo. Además Zone of The Enders 2 representa todo un logro técnico: la velocidad y la suavidad con la que se movía la enorme cantidad de oponentes en pantalla, junto con los efectos visuales y la complejidad de los modelos era algo que lo destacó y separó del resto. Toda una joya. link: <iframe width="800" height="450" src="https://www.youtube.com/embed/qTrJGaGXdRE" frameborder="0" allowfullscreen></iframe> Nos vemos

Simon Morris soñaba con tener algún día una tabla voladora (hover board) lo cual lo llevó a convertirse en fanatico de la levitación magnética. A continuación, comenzó a experimentar con las teorías de Nikola Tesla sobre energía inalámbrica y usando ese conocimiento creó Flyte . Flyte es una lámpara inalámbrica , una luz flotante que combina dos tecnologías que ya conocíamos; primero está la levitación magnética, gracias a imanes dispuestos en la base, creada en madera, y en la propia bombilla. Gracias a esta levitación no sólo podemos dejar la bombilla “flotando” en el aire, sino que podemos hacer que gire creando una ambientación diferente. Segundo, está la carga por inducción, que es como la bombilla consigue encenderse; además de tener imanes, la base está conectada a la red eléctrica y manda energía eléctrica a la bombilla por el aire, así que esta no necesita pilas o baterías. No solo eso, sino que la base también puede servir para recargar nuestro smartphone si es compatible con la recarga inalámbrica. En cuanto a la bombilla en sí, pese a que tiene el aspecto de una bombilla de filamento tradicional, en realidad es una luz LED que durará unas 50.000 horas aproximadamente. Podemos encenderla y apagarla con un sensor capacitivo en la base de madera, y seguirá levitando sin problemas. Para conseguir Flyte, la bombilla que levita, tendremos que aportar un mínimo de 249 dólares (incluye bombilla, base de madera y adaptador de corriente), ya que las primeras unidades a precio reducido han tardado muy poco en agotarse. Pero también podemos conseguir sólo la base para crear nuestra propia versión por 149 dólares. Fin del Post